Построение композиции: 3.2. Принципы построения композиции. Основы графического дизайна на базе компьютерных технологий — Независимое театральное объединение "Зрительские симпатии"

Содержание

3.2. Принципы построения композиции. Основы графического дизайна на базе компьютерных технологий

Назад к основам: 10 правил построения композиции в фотографии

Фотография берет свое начало в творчестве и вдохновении, становится отражением вашего взгляда на мир. Это сплошная свобода самовыражения, — но есть ли в ней вообще место правилам? Конечно! Правила композиции в фотографии должны быть у вас всегда в ходу, ведь от них зависит успех вашей работы.

Освежив в памяти основы, вы, возможно, найдете вдохновение и разожжете в себе творческий огонь. Давайте рассмотрим все существующие правила композиции и выясним, как лучше их применять (или нарушать) в своих работах.

1. Правило третей

Используя правило третей, вам нужно научиться накладывать на кадр воображаемую сетку. Здесь главное — помнить основные точки пересечения линий и размещать важные элементы вдоль этих линий. Так вы сделаете кадр визуально привлекательнее.

2. Золотое сечение

Правило золотого сечения отличается от правила третей балансом фотографии. В золотом сечении фокус снимка смещен чуть ближе к центру (и используется больше деталей). История появления этого правила уходит в глубь веков — золотое сечение можно увидеть на многих выдающихся произведениях искусства.

3. Направляющие линии

Воспользуйтесь структурами и линиями естественного пейзажа. Используйте эти линии соразмерно своему объекту, и они будут направлять взгляд зрителя вглубь изображения.

4. Диагонали

Самое главное отличие диагональных линий от других приемов композиции состоит в том, что они делают изображение динамичным, даже если сами объекты съемки не двигаются.

5. Обрамление

Если вы ищете обрамление для своего снимка, помните, что рукотворные объекты тоже могут служить естественным обрамлением. Это могут быть окна или двери, так что обязательно воспользуйтесь ими — сделайте их рамкой для своих работ!

6. Контраст фигуры и фона

Постарайтесь поместить объект в фокус, заставьте его выделяться, построив композицию снимка на его контрасте с фоном. Чем больше контраста, тем более эффектными будут снимки, и тем более выразительным станет сам объект съемки.

7. Заполнение кадра

Подойдите к объекту как можно ближе. Пусть он заполнит собой кадр, станет фокусом и центральной фигурой фотографии. Обратите внимание, как в этом примере, фон был использован как узор для заполнения кадра.

8. Глаза — в центре кадра

При портретной съемке размещайте доминирующий глаз в центре фотографии. Так фотография становится более интригующей, ведь возникает впечатление, что запечатленный на ней человек смотрит прямо на зрителя.

9. Узоры и повторения

Всем нам нравятся узоры. Причина проста — они радуют глаз своей эстетической привлекательностью. Попробуйте подойти к теме узоров с другой стороны, добавьте в свою фотографию что-то, что вмешается в их стройный рисунок и придаст снимку элемент неожиданности.

10. Симметрия и асимметрия

Идеально симметричная фотография пленит нас красотой, простотой и своеобразной элегантностью. Гармония симметричных снимков приятна для глаз и потому нравится очень многим людям. То же самое можно сказать и о легкой вариации этого приема: с помощью пустого пространства ассиметричные снимки становятся интереснее и выразительнее.

Существует всего 10 самых важных правил композиции. Но по правде, вы сами лучше, чем кто-либо, знаете — правила существуют, чтобы их нарушать. В фотографии самое важное — выработать собственный стиль, воплощать свою эстетику и уникальный взгляд на мир. Вот то единственное правило, которое вы должны неукоснительно соблюдать.

Дайджест блога Depositphotos

Присоединяйтесь к сообществу из 160,000 читателей, которые раз в месяц
получают подборку креативных фото, полезных советов и интересных историй.

» Построение композиции. Треугольники

Правило треугольника является одним из лучших композиционных приемов, которые вы можете использовать в уличной фотографии для гармоничного заполнения кадра, придания снимку баланса и движения.

Выражаю благодарность Патрику Брайану, который вдохновил меня на написание этой статьи.
Йозеф Куделка, «Цыгане», «Мальчики-скелеты»
© Йозеф Куделка / Магнум Фото. Словакия. Жегра. 1967. «Цыгане».
По моему мнению, Йозеф Куделка – один из лучших фотографов в истории человечества. Его фотографии наполнены чистой энергией и отличаются прекраснымикомпозициями, которые придают его работам целостность.
При съемке нескольких объектов Куделка в своих композициях часто использует треугольники, что можно наблюдать в одной из его лучших книг – «Цыгане».
Например, взгляните на фото выше, на котором изображена троица мальчиковс поднятыми и согнутыми в локтях руками, раздувающих грудные клетки. Ребята чем-то похожи на пугала, при этом выступающие ребра выглядят немного гротескно – они напоминают живых скелетов. Но в то же время, это довольно веселая фотография. Я помню времена, когда пацаном я делал то же самое, чтобы повыпендриваться.
Поэтому фотография великолепна в первую очередь с точки зрения содержания (что на самом деле происходит на снимке). И, конечно, на заднем фоне можно увидеть других детей (например, контур девочки с короткими волосами), с интересом наблюдающих за происходящим.
Схема 1: Обратите внимание, как эти трое ребят прекрасно уравновешивают друг друга.

При съемке нескольких объектов лучше всего расположить объекты по трое. Что вам приходит на ум, когда вы думаете о тройках в народном творчестве? Три поросенка, три медведя, три богатыря, три толстяка так далее.
Поэтому, прежде всего, Куделке удалось достичь гармонии, захватив трех ребят в одном кадре. Если присмотреться, в каре можно также заметить повторяющиеся треугольные формы грудных клеток детей:
Схема 2: Обратите внимание на треугольные формы грудных клеток.
Давайте не будем останавливаться и найдем все треугольники в кадре:
Схема 3: Другие треугольные формы, формирующие снимок.

Теперь вопрос, который вы можете задавать себе– были ли эти формы выстроены Куделкой намеренно?
Мне кажется, что эту композицию он создал интуитивно, равномерно расположив трех детей (см. схему 1). Сознательно ли он создавал малые треугольники на схеме 3? Неизвестно. Важно то, что эта композиция работает. Иногда это происходит намеренно, иногда – без умысла. В любом случае мы наблюдаем замечательный образ с точки зрения повествования, а также композиции. Это один из моих любимых снимков Куделки, поскольку он демонстрирует гармонию содержания (того, что происходит в кадре) и формы (композиции).

Давайте рассмотрим еще один снимок Куделки:
Йозеф Куделка, «Цыгане», «Лежащий человек»
© Йозеф Куделка / Магнум Фото / ЧЕХОСЛОВАКИЯ. Словакия. Ракурсы. 1966. «Цыган».
Треугольники постоянно повторяются в работах Куделки, особенно в его проекте «Цыгане» (одна из моих любимейших книг).
На этом снимке вы видите человека, непринужденно лежащего на кровати, с гордостью демонстрирующего портрет в рамке и большую металлическую монету. Я не знаю точной предыстории этого снимка, но мне кажется, что на портрете изображен тот самый лежащий на кровати человек, но в молодые годы. Про монету мне сложно сказать что-либо определенное. Возможно, это символ денег или власти. В любом случае мне нравится невозмутимое выражение этого мужчины, его раскованность и гордый взгляд.

Обратите внимание на 3 основные темы и лица в кадре. «Живое» лицо сверху, нарисованное лицо слева и металлическое лицо справа.
Повторюсь – на мой взгляд, автору удалось передать завершенность композиции благодаря присутствию в кадре трех основных тем. Прежде всего, это лежащий человек. Во-вторых, мужчина в рамке. В-третьих, лицо на гигантской монете.
Эти образы прекрасно сбалансированы и идеально заполняют кадр. А тот факт, что на снимке изображены три лица (в разных версиях: одно – реальное, другое – на картине, третье — из металла), делает его еще более необыкновенным.

Йозеф Куделка, «Цыгане», «3 парня»
© Йозеф Куделка / Магнум Фото / ЧЕХОСЛОВАКИЯ. Кадан. 1963. «Цыгане».
Последний пример из работ Куделки – это снимок трех представителей народности Рома (политически корректный термин). Я обожаю этот снимок по нескольким причинам. Прежде всего,мне нравится обрамление снимка. Куделка сделал этот снимок из-за дверного проема, поместив находящихся в комнате мужчин в красивую прямоугольную рамку.
Обратите внимание на первую рамку двери в кадре
Кроме того, мне нравится, как эти трое парней в разных позах гармонично вписались в треугольную форму. Мужчина посередине выглядит расслабленным. Слегка сгорбившись, он сидит на стуле, опершись на его спинку. Парень слева в красивом жилете с галстуком и шляпе сложил руки вместе на уровне талии. Мужчина в шляпе в дальнем правом углу, тоскующе подпирает голову рукой, что свидетельствует об усталости, невеселом настроении или глубокой задумчивости.

Снова три объекта, опять треугольник
Мне также нравится вертикальный аспект этого кадра –множественные «ножки» и четкие вертикалив кадре:
Обратите внимание на «ножки» в центре кадра и расположение объектов в кадре.

Я не думаю, что Куделка целенаправленно искал в кадре все эти вертикальные «ножки». Но мне кажется, что расположение трех объектов треугольником было сделано намеренно.
Алекс Уэбб, Стамбул, «Телефонная будка»
© Алекс Уэбб / Магнум Фото / Турция. Стамбул. 2001 года.
Алекс Уэбб также мастерски использует треугольники в своих работах.
На этом снимке к своей книге «Стамбул» он создал 3 разных слоя: первый – человека на ближнем фоне справа, второй – пожилой человек внизу посередине, стоящий немного дальше, и третий – охранник на дальнем фоне сверху. Эти три объекта объединены в треугольник:
Обратите внимание на 3 основных объекта в кадре, их глубину относительно друг друга и объединяющий их треугольник.
Алекс Уэбб, Стамбул, «Дети, играющие с мячом»
Давайте рассмотрим другой пример:
Что мне нравится в этом кадре – это сюрреалистический эффект. На первый взгляд, композиция выглядит достаточно обычно: парень в центре набивает мяч. Однако в углу выглядывает голова другого ребенка, который свисает откуда-то со стороны. На самом деле парень, вероятно, повис на каком-то гимнастическом снаряде, чтосоздает странный и сюрреалистический образ.
© Алекс Уэбб / Магнум Фото / Турция. Стамбул. 2004 год.
Уэббу удалось гармонично совместить элементы снимка в треугольную композицию:
Обратите внимание, как все три элемента отлично соединились в треугольную форму.
На мой взгляд, настоящей «изюминкой», завершающей этот образ, является мяч, зависший в правом верхнем углу. Без мяча, снимок казался бы пустым.
Если бы на снимке не было мяча, это отвлекало бы внимание зрителя. На что в правом верхнем углу смотрит паренек в центре снимка? Здесь отсутствует важный элемент, и композиция без мяча теряет свою треугольную форму.
Я понятия не имею, что за историю придумал автор. Но я точно знаю, что для Уэбба (либо во время съемки или во время редактирования) мяч в правом верхнем углу сыграл огромную роль в этом снимке. Без мяча в правом верхнем углу треугольной композиции бы не было, и снимок казался бы пустым.
Алекс Уэбб, Куба, «Женщина и 3 собаки»
Приведу последний пример из работ Уэбба – это загадочный образ женщины на Кубе с тремя окружающими ее собаками:
© Алекс Уэбб / Магнум Фото / КУБА. Матансас. 2008 год.
Что мне действительно нравится в этом снимке – это настроение и выражение женщины в центре, которая с тоской смотрит в сторону, прижав кулак к груди. Ее клетчатая рубашка придает снимку красивую текстуру.
Однако самое интересное — это троица собак. Прежде всего, они формируют небольшой треугольник:
Обратите внимание, как 3 собаки сформировали треугольник
Еще более интересный факт – все собаки смотрят в разные стороны, что добавляет ощущение напряженности и «растягивает» женщину в разных направлениях:
Все три собаки устремились в противоположных направлениях, создавая эффект напряженности вцентре
Собаки,смотрящие в3-х разных направлениях, придают ощущение напряженности. Это напоминает мне времена Римской империи, когда римляне часто привязывали конечности захваченных пленных к четырем лошадям, а затем хлестали этих лошадей, пуская из вскачь, тем самым разрывая человека на части. Я уверен, что Уэбб этим снимком хотел передать что-то другое, но,тем не менее,это что-то создает некоторую напряженность.
Дэвид Алан Харви, Куба, «Уличная сцена»
Последнее изображение, которым я хочу поделиться для иллюстрации треугольных композиций, — это снимок, сделанный Дэвидом Аланом Харви, одним из моих любимейших уличных фотографов.
© Дэвид Алан Харви / Магнум Фото / КУБА. Тринидад. 1998 год. «Уличная сцена».
На первый взгляд, этот снимок достаточно прост. Из угла выглядывает рука, указывающая на черную собаку, а в другом углу изображена маленькая девочка. Мне кажется, что все красота исходит из этого минимализма, состоящего из 3-х объектов. И снова из этих объектов мы можем создать треугольник:
Обратите внимание, что в кадре снова 3 основные темы
Однако этот снимок отличается тем, что в нем присутствует движение – глаза разбегаются по всему кадру. Сначала вы смотрите на палец, указывающий на собаку, потом на хвост собаки, направленный в сторону девочки,а затем на девочку, которая бежит в левую сторону, затем снова на руку. Это создает бесконечный цикл, который повторяется в вашей голове снова и снова:
Движение на этом снимке не останавливается. Это живой образ.
Я также хочу поделиться некоторыми из своих снимков, в которых мне, на мой взгляд, удалось удачно применить треугольник для построения композиции:
Эрик Ким, Мумбаи, 2012
© Эрик Ким, Мумбаи, 2013
Это один из моих любимых снимков, который я сделал во время поездки к своему приятелю Каушалу Париху в Мумбаи. На это сцену мы наткнулись, когда бродили с Каушалом по улицам. На скамейке сидел мальчик, а на дальнем фоне справа отдыхал пожилой человек (возможно, его дедушка). Кроме того, сверху можно заметить интересную фреску, изображающую человека (не знаю, кто это такой, но , похоже, что-то связанное с религией).
Когда я делал снимок, я видел все три элемента, при этом я сделал около 5 разных снимков. Этот вышел лучше всего. Обратите внимание, что на снимке я изобразил три различных объекта, трех разных людей. Основной темой является мальчик (молодость), затем пожилой человек справа (старость) и картина вверху (религия?)

Обратите внимание на 3 различных типа людей, которых я запечатлел – молодой мальчик, пожилой человека и человек сверху, связанный с религией.
Резюме
Треугольники являются отличным композиционным инструментом в уличной фотографии. Лучше всего применять этот прием, когда у вас на примете есть 3 объекта, и вы можете равномерно распределить их в кадре. Это не обязательно должны быть люди. Это могут быть конечности тела, объекты, животные и т.д.
Треугольники в композиции дают зрителю ощущение баланса, прекрасно заполняя содержание кадра.
Поэтому постарайтесь в ваших работах время от времени использовать треугольники – либо сознательно во время съемки, либо когда редактируете готовые снимки, пытаясь понять, чем нравится вам та или иная фотография. Потому как иногда вы создаете треугольники намеренно, а иногда случайно. В конце концов, вам удастся получить отличный снимок.
Автор: Эрик Ким

Лучший способ изучения основ композиции
Умение выстраивать композицию – один из важнейших навыков каждого фотографа. Проблема заключается в том, что основы построения композиции достаточно сложны в освоении, т.к. это настолько субъективная вещь, что композиция, нравящаяся одному фотографу, может быть отвратительна другому. Но есть и хорошие новости – существуют некоторые основополагающие принципы, которые все-таки позволят вам понять что же такое композиция.
В этом уроке по фотографии я набросаю некоторые из них и покажу креативные упражнения, которые позволят понять эти принципы. Но не стоит воспринимать эти принципы как догму, это просто некоторые идеи, призванные помочь разобраться с композицией. Здесь нет и не может быть никаких правил, есть лишь общее направление, которое вы вольны интерпретировать по-своему.

Снимайте в черно-белом режиме
Лучший способ понять принципы композиции – это снимать в черно-белом режиме. И вот по какой причине. Цвет является значительной составной частью любого изображения, и сам по себе, цвет – это мощнейший инструмент композиции. Но проблема в том, что он отвлекает внимание от основополагающих элементов каждой хорошей фотографии, таких как линия, тональный контраст, текстура, форма и очертание объекта.

Даже если вы не любитель черно-белой фотографии, поснимайте чисто в учебных целях. Черно-белая фотография поможет вам яснее осознать основы хорошей композиции.
Цвет является сильным отвлекающим фактором, и он может скрыть композиционные огрехи. В черно-белой же фотографии прикрыться нечем. Именно поэтому она очень хороша в учебных целях. Пропустив сквозь свою призму восприятия идеи этой статьи, вы улучшите свои навыки в черно-белой фотографии. Но что самое главное, цветные фотографии тоже станут гораздо более выразительными.

Посмотрите на две фотографии выше и вы поймете о чем я. На какой из них проще увидеть линии на стене? Или структуру дерева и пальто девушки? А что по поводу контраста между темным и светлым? Не переживайте, если вы все еще не понимаете, что я имею в виду – к концу статьи все должно проясниться.

Обращайте внимание на линии при съемке
Линии являются важной частью многих композиций в фотографии.
Есть три основных вида линий.

Прямые линии, например линия горизонта, которые тянутся от одного конца изображения к другому.
Такие линии привносят ощущение спокойствия и умиротворенности, особенно если использовать панорамную съемку (одна из причин, по которой некоторые пейзажисты пользуются этим).

Диагональные линии, идущие из одной части изображения в другую.
Такие линии как бы проводят зрителя по изображению и создают ощущение движения и динамизма. В противоположность мирному настроению, эти линии вносят определенную долю энергетики.

Кривые извивающиеся линии.
Кривые линии и S-образные линии напоминают расслабленные диагональные линии. Они помогают создать мирное движение на фотографии. Такое можно наблюдать на пейзажах.
Стин Доссинг и Хави Фуэнтес с успехом используют линии в своих черно-белых пейзажах. Обратите внимание, как они пользуются горизонтальными и диагональными линиями в построении своих композиций.
Упражнение на креативность. Используйте в качестве вдохновения фотографии этих авторов, — сделайте несколько снимков, в которых линия является важной частью композиции. Найдите, например, какие-нибудь интересные вытянутые дороги или рельсы.

Текстура фотографии
Еще одним элементом, играющим важную роль в некоторых фотографиях, является текстура. И в черно-белых фотографиях эта роль гораздо более заметна, чем в цветных. Если посмотреть на работы упомянутых выше фотографов-пейзажистов, то можно легко увидеть, что текстура скал, воды, дерева и камня являются важной частью многих композиций этих авторов.
Очень важно также и отсутствие текстуры, а именно, контраст на их фотографиях между зонами с текстурой и зонами без какой бы то ни было текстуры. Особенно наглядно это проявляется на снимках с длинной экспозицией, когда сглаженная вода сопоставляется с насыщенной текстурой камней, и других морских объектов.

Текстура и освещение идут рука об руку. Яркий, прямой солнечный свет делает текстуру плоской, в то время как наклонный боковой свет подчеркивает ее. Фотографируйте в конце дня, когда солнце уже достаточно низко, это поможет вам выделить текстуру и акцентировать на ней внимание. Довольно странно, но текстура также хорошо выделяется при мягком освещении пасмурного дня (предыдущая фотография сделана как раз в один из таких хмурых облачных дней).
Упражнение на креативность. Возьмите за правило всегда делать несколько фотографий с акцентом на текстуру. В природе полным-полно таких объектов. Поэтому отправляйтесь в пешую прогулку или, например, в путешествие на байдарке. Кора деревьев, трава, листья и вода являются прекрасными объектами в смысле текстуры.

Исследуйте тональный контраст
Тональный контраст – это разница между самым светлым и самым темным тоном в изображении. В черно-белой фотографии это очень важный параметр, поскольку это единственное что остается, когда убираешь цвета.
Тем не менее, в цветной фотографии это также важно, просто это не так заметно из-за всепоглощающей силы цвета. Если вы научитесь работать с оттенками, вы не только станете отличным черно-белым фотографом, но также и значительно улучшите ваши изображения в цвете.

Существует несколько интересных способов работы с оттенками. Рассмотрим их в следующих двух упражнениях.
Упражнение на креативность. Первое упражнение заключается в том, чтобы создать изображение с малым количеством светлых тонов и большим количеством темных (см. фото выше). Эта техника позволяет создавать достаточно драматические изображения. Взгляд зрителя сразу приковывается к светлым элемента фотографии, затем он просматривает остальную ее часть, и затем снова фокусируется на светлом.

Упражнение на креативность. Следующее упражнение заключается в том, чтобы сделать преимущественно светлое изображение с небольшим количеством темных тонов. Т.е. делаем упражнение противоположное предыдущему. Если у вас сейчас идет снег, то это как раз отличная возможность сделать фото вроде того что приведено выше. Также можно фотографировать силуэты на фоне яркого неба.
Хорошей иллюстрацией этих двух техник являются работы Джозефа Хофлехнера. Заметьте, что многие его композиции достаточно просты. Благодаря этому он акцентирует внимание на тональном контрасте.

Выделяйте негативное простраство
Техника негативного пространства предполагает использование свободного пространства для того чтобы окружить объект. Все вышеперечисленные фотографы используют в своих работах данный прием.
Во многих статьях и книгах по фотографии можно обнаружить высказывание, приписываемое родоначальнику военной фотографии Роберту Капе: «Если ваши фотографии недостаточно хороши, значит, вы просто недостаточно близко фотографируете». И это совершенно справедливо – вы всегда сможете улучшить свои фотографии, просто приблизившись к объекту съемки. Но иногда полезно отойти подальше и оценить пространство, окружающее объект.

Упражнение на креативность. Сделайте несколько фотографий, где негативное пространство является важной частью композиции, например как на фото выше. Отыщите место с большими белыми стенами. Найдите, например, какие-нибудь холмы и сфотографируйте их вершины на фоне неба. Помещайте объект съемки в самый низ, либо в самый верх кадра.

Ищите очертания и формы
Если объект съемки имеет характерную форму, его легко можно встроить в композицию. У очертания есть два измерения, и иногда возникает желание показать глубину объекта. Постарайтесь использовать визуальные приемы для обозначения глубины объекта.

Пагода на этом фото изображена в виде силуэта. У нее явные выделяющиеся очертания, но она, по сути, двухмерна и не имеет формы (это не есть плохо, просто иллюстрация на тему силуэтов).

На этой фотографии здания можно заметить, что часть здания ярко освещена, а часть здания находится в тени. Свет дает нам понять, что здание трехмерное. Это и есть форма.
Свет играет важную роль для обозначения формы, также как и текстура. Угол падения света играет колоссальную роль. В зависимости от этого объект получается либо плоским, либо нет.
Посмотрите на то, как использует Джеймс Торнбрук очертания и формы в своих фотографиях цветов. У него есть как цветные, так и черно-белые работы, и в них наглядно продемонстрированы как очертания, так и формы.
Упражнение на креативность. Цветы являются прекрасным «подопытным кроликом» для изучения форм и очертаний. Купите несколько цветов в ближайшем магазине попробуйте повторить что-нибудь в стиле Джеймса. Попробуйте показать глубину букета или форму тычинки.

Фокусируемся на повторяющихся узорах

Узоры – еще один элемент, помогающий выстроить добротную композицию. Если вы где-нибудь заметила повторяющиеся узоры, подумайте, как их использовать для построения хорошей композиции. Например, черепица на крыше дома на фото выше создает интересное абстрактное изображение.
Упражнение на креативность. Сделайте несколько абстрактных изображений как на фото выше, используя узоры из повседневной жизни. Даже карманная мелочь может послужить хорошим объектом. Ищите любые повторяющиеся образцы. В архитектуре также можно найти много повторяющихся одинаковых форм.

Другие приемы построения композиции
Ранее мы говорили о том, чтобы делать вашу композицию как можно проще, но с увеличением мастерства вы обнаружите, что способны уже на более изощренные композиции. Вы будете находить вещи, которые будут добавлять изюминку и в тоже время не вмешиваться в основу композиции.
У всех перечисленных выше фотографов композиции достаточно просты. С более сложными композициями можно познакомиться в работах таких фотографов, как Джеймс Начвей и Чарли Махони.
Оба являются фотожурналистами и своими фотографиями они стараются рассказать некую историю. При просмотре их работ задумайтесь над следующим: каким образом их приемы построения композиции отличаются от приемов фотографов-пейзажистов, перечисленных выше? Что у них общего? Подумайте, как можно использовать их подход в вашем конкретном случае.

Признанные мастера
Многие признанные мастера фотографии начинали с черно-белых снимков. В действительности, некоторые трудились в этом жанре почти всю свою карьеру. Предлагаю вам познакомиться с работами этих фотографов. Все они известны благодаря своему умению выстраивать композицию. Просматривая их фотографии, задумайтесь какие методы, описанные выше, они используют, и как вы сможете применить их идеи в ваших фотографиях. Вот эти фотографы:

Заключение
Основные принципы построения композиции очень легко выучить, но отработка и совершенствование этих навыков может занять целую жизнь. И короткого пути здесь, к сожалению, нет. Но работа в черно-белой фотографии определенно поможет вам понять основы построения хорошей композиции. И затем вы сможете перенести это в цветную фотографию.
Источник: Andrew Gibson
Перевод: Александр Кимлык

При перепечатывании статьи ссылка www.profotovideo.ru обязательна
!!! Перед перепечатыванием статей с этого сайта прочтите пожалуйста правила >>Правила<<

Лучшие курсы по фотографии для новичка!!!

«Цифровая «Зеркалка» для новичка, или как делать отличные фотографии. Уровень I

Секреты креативных фотографий для новичка. Приемы и хитрости фотосъемки. Уровень II

Гравитация → в системе многоуровневых композиций | by Kulikov Ilya
Так зарождаются многоуровневые экосистемы дизайна. Вкладываясь друг в друга, композиции строят единый гармоничный организм, на всех уровнях которого работают универсальные фундаментальные правила взаимосвязей.
→ От общего к частному
Построение макета дизайнером следует вести начиная с макро уровней–двигаясь от общего к частному. Как художнику намечающему основные контрасты и пятна будущей работы, строя образы из крупных форм и уже потом спускаясь в детализацию, так и при работе с информацией несущие блоки следует формировать в начале, строя каркас. После этого происходит насыщение макета композиционными формами вниз по ступеням иерархии от макро до микро уровней.
В композиции не следует использовать более трех форм — главной второстепенной и равновесной. При этом каждая из форм может включать несколько внутренних композиций.
Композиции взаимодействуют между собой, формируя новые, но их внутреннее содержание — это независимая экосистема где работает своя гравитация и свои законы. Словно планета обладающая персональными характеристиками и уникальным составом, лишь в целой своей форме подчиняющаяся законам внешних сил космоса.
→ Рождение композиции и объединение силовых полей
У каждого объекта есть свое силовое поле, и если начать приближать объекты друг к другу, то в какой-то момент эти силовые поля начнут взаимодействовать, формируя композицию. Их влияние будет усиливаться пропорционально приближению, и падать при удалении. Наибольший элемент будет затягивать наименьший в свой силовой центр.
Объединившись в композицию, объекты уже будут иметь одно общее силовое поле.
Далее если начать приближать композиции со своими силовыми полями друг к другу, то мы получим тот же эффект, что и вначале, — сформируется новая композиционная форма, только она уже будет содержать в себе свои внутренние композиции и свои поля.
→ Равновесие
Люди тяготеют к равновесию форм, что создает психологический комфорт, гармонию в композиционной среде.
Чтобы сформировать композицию, дизайнеру требуется найти баланс сил, при котором ни один из элементов не будет визуально отталкиваться или притягиваться к другому. Объекты как бы застынут в невесомом единстве одной системы.
Но не стоит путать равновесие с простым равенством величин. Равновесие зависит от точки композиционного центра, динамики масс, ритма, от фактур, тональных отношений и т.д.
В сбалансированной композиции каждый элемент находится в устойчивом положении, при котором внешние силы действующие на него равны нулю. В несбалансированной композиции элементы постоянно стремятся к изменению своего местоположения или формы, а значит воспринимаются как незавершенные, незаконченные. Это подвешенное состояние неопределенности с отсутствием какого либо вывода, создает невозможность точно идентифицировать мысль дизайнера: один объект перевешивает другой своей массой; расстояние между элементами слишком маленькое, и они тяготеют друг к другу настолько сильно, что вызывают излишние напряжение стирается важность и второстепенность, рушится иерархия.
Существует перцептивное — то как мы ощущаем, — и физическое равновесие.
Объект может восприниматься совершенно не уравновешенно сам по себе, падать, вылетать за пределы композиционной формы, но в связке с другими элементами быть в композиционной гармонии, где найден баланс одновременно в движении и статике.
В начале добейтесь равновесия, а уже потом экспериментируйте добавляя, ритм, динамику, асимметрию.
Важно помнить, что у каждого композиционного решения есть своя задача. К примеру в UI/UX дизайнеры, работая с интерфейсами тоже строят композиции, но их задача правильно распределить баланс информации, максимально упрощая её восприятие. Композиции в такой среде будут самыми нейтральными. Эти многоуровневые системы напоминают модульные здания, города, в которых каждый элемент сбалансированно работает с окружением.
Но когда нам нужно передать определенный характер, построить рассказ, создать динамику, напряжение. Тогда требуются другие методы построения композиций. Тут можно нарушать правила, смещать акценты, создавать умышленный дисбаланс размеров и форм. Но не смотря на возможно сильную визуальную напряженность, в таких композициях должен оставаться баланс и гармония.
Композиции не формируется в пустоте, а имеют свои границы и рамки. Это может быть кадр, экран смартфона, или карточка товара, виджет, новостной слайдер, меню. и т.д. Помимо того, что объекты действуют друг на друга внутри этих форм, также и сами формы имеют свои силовые поля, являясь неотъемлемой частью композиции.
Некоторые формы имеют четкие видимые границы, некоторые условны и невидимы.
→ Силовые поля композиционных форм
Силовые поля в композиционных формах распределяются следующим образом:
В зависимости от позиции занимаемой объектом в форме, силовые поля будут оказывать на него свое воздействие. Как видно из схемы, объекты будет притягиваться центром и краями. Чем ближе объект будет расположен к энергетическим потокам, тем сильнее будет затягивать его в центр источника силы. В центральной точке объект замрет на месте, — это место покоя всей композиции. Тут нет движения.
Но стоит сместить объект, как на него тут же начнут действовать силы краев композиции. Если объект продолжить двигать к краю, то в какой-то момент напряжение между краем и объектом настолько усилится, что визуально будет казаться, что объект сначала обездвижено прилипнет к краю формы, потеряв контроль над собой, а в какой то момент энергия может прямо выбрасывать его за пределы.
Вся идея композиции в том, чтобы создать гармонию энергии между объектами, в которой нет излишнего напряжения, из-за которого может идти существенный перевес, и потеря контроля.
→ Акценты в композиции
В архитектуре, по мнению Сергея Чобана, баланс сил формируется в пропорциях 30:70. Это значит что 70% зданий работают, чтобы направить внимание на остальные 30%, которые являются икононическими постройками, такими как памятники архитектуры, модерновые здания, небоскребы и т.д.
Этот правило применимо и в построении композиции, когда 20–30% отводится на акцентную зону, а остальное пространство нужно чтобы этот акцент удержать.
Перевес в пропорциях создаст смещение, и размоет точку фокуса, композиция потеряет баланс.
Важному объекту не следует давать больше 20–30% площади композиции. Если дать больше, то он начнет давить на окружение, если меньше — исчезнет в нем.
→ Смысловой магнетизм
Работая с информацией, важно учитывать привязанность тех или иных её частей друг к другу по смыслу. Силовые поля при этом формируются не размером, формой и контрастом, а привязанностью той или иной информации друг к другу в контексте.
→ Пять способов концентрации внимания на главном объекте
01. Линии фона направляют внимание на главный объект
Построение композиции — Tieto Talteen Ry Taide
Попробуем прописные законы пересказать своими словами и добавить к ним собственные наблюдения и личный опыт дизайнера.

Как было сказано в статье «Законы построения пространства» — композиция- есть составление чего-то единого и гармоничного из разных частей, порой абсолютно друг с другом не связанных.

Сразу хочу отметить несколько «фишек», которые, что называется, с гарантией.

Первое. Композиция должна быть центричной. То есть она должна иметь центр. Удачным и очень верным решением будет взять за «центровую» основу самую посещаемую зону участка. Например, это могут быть патио, беседка, зона водоёма или рокария.

Второе. Композиция должна быть цельной. Другими словами, — и снова читайте пункт номер один, — цельная композиция- та, в которой подцентры подчинены центру. То есть- центр, это центр. У него должны быть подцентры. И эти подцентры подчиняются центру. Тавтология, но хочется донести идею- если проектировать сад, задумываясь о центрах- подцентрах, он будет выглядеть цельным. Это очень ёмкое слово.

Помимо «центрального» метода, целостности композиции добиваемся путем повторов. Повторы во всем- в декоре, в растениях, используем повтор цвета, текстуры и формы. Повторы объединяют разрозненные части участка.

Неплохо было бы продублировать цвет интерьера с пейзажной картинкой сада. Выходя из дома человек не должен попадать «в другой мир»- дизайн интерьера и внутреннее убранство должно найти отражение в саду. И наоборот- некоторые элементы (самое просто- повторение цвета) сада применить в интерьере.

Третье. О том, какой композиция быть не должна. Она не должна выглядеть «перевешенной». То есть, если с одной стороны много построек, то с другой стороны эти постройки обязательно нужно уравновесить. К сожалению, часто проектируют сад, не стараясь при этом подумать о доме и вписать постройки в ландшафт. Итак- объем одной стороны участка должен отвечать объему другой стороны участка. Участка, всей территории, а не одного только сада.

Баланса добиваемся во всем:

     — Объемы. Строительные объемы = объем зелени (не забываем принимать во внимание разнообразие крон- прозрачная, плотная и т. д.)

    — Форма. Здесь все просто: большая форма должна быть уравновешена маленькими формами. Например, группу из пяти высоких цветов уравновешиваем группой из пятнадцати цветов средней высоты.

Четвертое. Композиция должна выглядеть гармоничной. Гармонии добиваемся хорошими пропорциями, красивыми линиями. Линии можно сделать размытыми, но они не должны быть невзрачными. Они должны восприниматься как нечто художественное. Речь идет о линии дорожек, цветников, береговой линии водоемов.

Ничто не должно «выбиваться» из общей идеи. Отсюда следующий пункт.

Пятое. Постарайтесь найти идею, что-то оригинальное. Например, сделайте сад прогулочного типа. Или сад «как на ладони», где все-все видно. Или уютно-интимно-романтический. Минималистический сад- сад строгих очертаний. Сад в шикарном стиле модерн, или в стиле постмодернизм. «Детский» сад. Вариантов великое множество. Попробуйте подчинить сад идее.

Шестое.  Цвет. Берем подсказку у природы: основной цвет- это зеленый. У него очень много оттенков. Можно с помощью зеленолистных растений передать глубину пространства. Можно композицию из нецветущих растений с зеленой листвой, играя на ее оттенках, сделать объемной, воздушной. Или, наоборот, статичной и как бы тяжелой, солидной.

То есть – любые цветы заметнее и ярче на зеленом фоне, а не на пестром. Цветники- это акценты, а не пестрый фон. Их иногда сравнивают с украшениями — лучше меньше, да драгоценнее. Цветник можно сделать в определенных тонах, но основным цветом сада оставить зеленый.

Все цветовые пятна надо уравновешивать повторами цвета (пункт второй).

Если делаете монохромный цветник (одной тональности), то эти «цветовые пятна» должны быть уравновешены. То есть, если вы делаете «красный миксбордер», цветы красных оттенков стоит посадить и в других частях сада.

И никогда не сажайте красные цветы рядом с желтыми!

Седьмое. Фактура. У газона она – однородная. У каменных или гравийных дорожек – шероховатая или гладкая. У воды – волнистая или гладкая. Зеленые насаждения могут иметь фактуру как гладкую, так и активную (у растений с крупными листьями, цветами).

Желательно соблюдать фактуру листьев растений. А у деревьев- фактуру крон (фактура листвы деревьев не очень заметна). Подробнее об этом читайте в статье «Параметры растений» (Что нужно знать о форме, текстуре, цвете листвы ландшафтному дизайнеру)

Учитывая фактуры и умело их сочетая, можно добиться невообразимых результатов: от визуального расширения размеров участка и обогащения красок сада, до обратных эффектов. Все фактуры нужны и важны- создавайте в саду водоемы, водопады, используйте магию камня, делайте каменистые садики, мостите дорожки красивыми материалами, высаживайте газоны. Сочетание фактур делает сад более гармоничным и смотрится он – выигрышнее скучного однообразного пейзажа.

Восьмое. Насыщенность декоративными элементами и растениями не должна быть равномерной и однородной. Гораздо красивее выглядит чередование открытых, закрытых и полуоткрытых пространств, а малые архитектурные формы также не требуют себя располагать в строгой последовательности.

Вместо огромной пёстрой клумбы на пол участка эффектнее будет смотреться газон и небольшой миксбордер на его фоне, или солитер.

Однако, переходить к крайностям и перенасыщать какие-то участки сада растениями, оставляя другие его уголки совсем без растений – не стоит. Всё должно быть сбалансировано и гармонично.

К закрытым участкам сада относятся лес, деревья, живые изгороди, к полуоткрытым – кустарники, трельяжи, к открытым – газоны, мощение,водоёмы. Список можно продолжать в меру своей фантазии.

Девятое. Видовые точки. Висты. Кулисы. Фокусы.

При выходе, например, из беседки или патио хочется видеть красивый пейзаж, но открывшийся взору вид должен иметь видовые точки, то есть какие-то конкретные направления должны быть развиты особенно.

Видовые точки могут быть с протяженной перспективой или недалёкой. Пример протяженной перспективы: вид со склона на лес, речку; недалёкой – красивый вид, открывавшийся взору человека, сидящег,например, в полузакрытой беседке.

Виста – это протяженная узконаправленная перспектива. Как правило, её организуют в регулярных садах, где она представляет из себя ограниченное пространство с открывающимся в конце неё окрестным пейзажем; может замыкаться малой архитектурной формой, на которой останавливается взгляд человека. Такая узкая перспектива может открываться с террасы или из беседки, может иметь несколько точек, на которых останавливается взгляд, но чаще состоит из точки обзора (например, веранда), кулис (промежуточный план), обрамления («пейзажной рамы») и завершающего перспективу элемента (МАФ, красивого солитера, архитектурной скульптуры и пр.)

Кулисы – это зеленые насаждения, которые могут быть боковыми и верхними. Они призваны создавать многоплановую перспективу или служить средним планом для висты и ограничивать её.

Окно в беседке, оформленное как картина в раме с пейзажным видом представляет собой несколько театральный эффект, это один из способов организации видовой точки и перспективы. Подробнее о перспективе читайте в ст. «Законы построения пространства»

Фокусы – места, откуда открывается и лучше воспринимается наиболее красивый пейзаж. В регулярных садах (см. «Стили садов») фокусные точки устраивают на пересечениях дорожек или на пересечении осей. В ландшафтных садах такие точки также устраивают, они служат для направления внимания, для привлечения взгляда. Сады с фокусной точкой запоминаются, фокусы «цепляют» взгляд, наблюдатель изучает сад постепенно, останавливая внимание на деталях, фокусах. Участок может обойтись и без фокуса, но выглядеть он будет менее привлекательно и менее запоминающимся – взгляд проскользит, ничего не отметив и не запомнив.

При проектировании важно учитывать описанные выше понятия: видовая точка, виста, фокус, в таком случае сад получится более завершённым.

Десятое. Контраст и нюанс. Подробнее об определениях в ст. «Законы построения пространства», р-л «Колористика») Здесь бы хотелось отметить следующие моменты: резкий контраст хорош только по фактуре зелени. А резкий контраст в цвете или в формах слишком агрессивен.

При посадке растений с зелеными листьями контраст необходим во избежание «каши» и расплывчатого эффекта. Например, высадив рядом хмель с зелёной листвой (подробнее о нем в ст. «Живая стена за один сезон») и виноград девичий, получится путаница. А золотистный хмель с виноградом путаницы не вызовет.

Примеры нюансного соотношения цветов:

Высаженные вперемешку растения всех оттенков одного цвета дисгармонии не вызовут, но посадка «кусками» — кусок одного, кусок другого цвета – будет не связанной, куски будут восприниматься отдельными, вырванными из контекста, композиция будет казаться собранной из разных, не подходящих друг другу элементов. Это в большой степени относится к цветникам с растениями одного цвета, но разных видов или цветников с разноцветными растениями одной видовой принадлежности.

Примеры негармоничных сочетаний:
— цинния обыкновенная + цинния низкорослая;
— берёза привитая + берёза обыкновенная;
— сосна обыкновенная (высокая) + небольшая сосна горная.

В таких сочетаниях невысокие здоровые растения будут казаться больными и чахлыми.

Максимова Нина,
ландшафтный дизайнер

Продолжение следует.

Методы построения и выявления объемной композиции. • Архитектурный блог
Формирование композиции не ограничивается подчеркиванием ее объемности. В соответствии с функциональными, конструктивными и художественными требованиями к объекту ВЫПОЛНЯЮТСЯ членения массы и поверхности формы, которые будут способствовать максимальной ее целостности и выразительности.
Поскольку объемность архитектурной формы достигается построением ее по трем координатам, то и членения формы должны осуществляться также по трем координатам. В объекте, имеющем, например, в плане прямоугольную форму, членения должны быть соподчинены по всем четырем сторонам объема.
При равнозначности боковых сторон сооружения их членения выполняются одинаково. При равнозначности всех сторон архитектурной формы членения также осуществляются одинаково, и при этом формируется центральная (вертикальная) симметричная ось композиции.
Способы основных членений и соподчинения их, рассмотренные в главе 4, сохраняют свое значение и для объемной композиции, распространяясь уже не на одну, а на все стороны объемной формы.
Признаками своеобразия объемной композиции можно считать:
1) количество основных объемных элементов. Объемная композиция может быть построена на основе одной формы;
2)      двух доминирующих объемных форм; как сочетание трех, четко различимых объемных форм, сопряженных друг с другом (например, основная масса сооружения и два примыкающих к ней элемента, как на рис. 124, в) и т. д. Она же может представлять собой сочетание центральной объемной формы с целой группой окружающих соподчиненных объемных элементов;
3)      варианты сопряжения и соподчинения объемных элементов : примыкание форм; пересечение их друг с другом; расположение форм с пространственным интервалом; сопряжение форм по вертикали. Соподчинение нескольких сопряженных элементов может осуществляться в следующих вариантах: группа малых объемов подчиняется одному главному большому объему; группа объемов, относительно равнозначных по массе и соподчиненных друг другу, входит в общий объемный комплекс;
4)      доминирование различных свойств объемной формы. В зависимости от соотношения основных размеров формы по трем координатам объемная композиция может иметь: вертикальную структуру — при доминировании высоты составляющих элементов \ распластанную структуру — при подчиненном значении высоты по отношению к другим измерениям; относительно равнозначные отношения по всем трем координатам. Разное соотношение размеров или обуславливает динамичный характер композиции, или подчеркивает ее статичность, монументальность;
5)      характер поверхностей сопрягаемых объемных форм. Объекты с плоскими или криволинейными поверхностями могут взаимодействовать различным образом: на основе контрастного сопоставления, например узкий длинный цилиндр с плоским параллелепипедом или острая пирамида с плоским квадратом основания; на основе повторения или закономерного изменения, например ряд набирающих высоту параллелепипедов или несколько ярусов ступенчатой пирамиды;
6)      соотношение массивных и пространственных элементов. Очень большая степень пространственности характерна, как правило, для объемных композиций, состоящих из нескольких, отдельно расположенных и развитых по вертикали форм.
В зависимости от доминирования той или иной характерной особенности построения объемной композиции, она приобретает различный характер:
1)      с преобладанием закономерно изменяющихся свойств архитектурных элементов, например с постепенным переходом от акцентированных по горизонтали к динамичным по вертикали;
2)      с подчеркнутым преобладанием контрастного сопоставления составляющих элементов по каким-либо свойствам, например развитых по горизонтали с акцентированными по вертикали.
Композиционный центр. Целостность и выразительность объемной композиции достигается выделением главной ее части или композиционного центра, который соответствует средоточию элементов с исключительными свойствами (т. е. заметно отличающимися от свойств других компонентов) и подчиняет себе все остальные элементы. Композиционным центром может быть:
одна из сторон в целостной объемной форме, например главный фасад Дворца профсоюзов в Минске;
определенная часть достаточно сложной объемной формы, например портал оперного театра в Минске;
объемный элемент в комплексе соподчиненных объемных форм, например центральный шатер в храме Василия Блаженного в Москве. Во всех случаях композиционный центр ориентируется на главные подходы к объекту по улицам, с площади и т. д.
Положение композиционного центра по отношению к остальным частям объемной композиции определяет ее общий характер. В этой связи возможны следующие варианты:
если прочие элементы равнозначны главной части, то образуется композиция с центральной вертикальной осью симметрии; при этом ориентация на какую-либо единственную точку зрения отсутствует, как в вилле «Ротонда»;
если прочие элементы располагаются уравновешенно по обе стороны главной части, то создается композиция с вертикальной плоскостью симметрии; возникает ориентация формы на магистраль или на площадь, как у Дома Правительства в Минске;
если главную часть объема окружают элементы не равнозначные, но композиционно связанные с ней, то объемная композиция в целом приобретает несимметричный характер. При этом ни ось, ни плоскости симметрии не образуются. Целостность асимметричной объемной композиции определяется равновесием всех элементов с учетом всех их первичных свойств.
В сложных объемных композициях может быть два и более соподчиненных композиционных центров. Каждый из них будет формироваться симметрично или асимметрично в зависимости от ряда условий, определяющих композицию в целом. Так, градостроительная ситуация определила создание выраженного композиционного центра здания Дворца профсоюзов в Минске со стороны Октябрьской площади. Однако потребовалось простыми средствами организовать еще и соподчиненный композиционный центр на протяженном боковом фасаде со стороны главной городской магистрали.
Объемная композиция и среда. Как отдельные объемы, так и группы их не могут существовать изолированно от окружающей среды. Напротив, они создаются, как правило, именно с целью организовать окружение, подчинить себе фрагменты городского или природного ландшафта.
Окружающая среда может находиться по отношению к объемному комплексу или в контрастном противопоставлении, или в условиях последовательного изменения свойств ее элементов с убывающим либо возрастающим порядком, что одинаково способствует выразительности объемной композиции. Сама объемная форма становится композиционным центром для окружающей среды.

Советы по композиции для начинающих
Советы по композиции для создания более ярких и ярких картин
Хотите создавать лучшие картины? Как говорит художница Патти Моллика, «сильная композиция — основа успешной картины». И независимо от того, являетесь ли вы новичком или более опытным художником, знание того, как создать успешную композицию, требует практики и требует овладения несколькими ключевыми приемами.
Но не волнуйтесь, художники, Моллика вас прикроет.Ниже она делится основными советами и приемами композиции при рисовании — с несколькими быстрыми и простыми мини-демонстрациями — все они взяты из ее книги How to Paint, Fast, Loose and Bold .
Рыбак из Бурано, Патти Моллика, панель, акрил, 12 x 12; частная коллекция
Приготовьтесь улучшить свои навыки и создать более успешные произведения искусства с помощью этих советов по композиции для рисования. Наслаждаться!
Создание эскиза стоимости
Создание предварительного эскиза с тремя значениями перед началом рисования поможет вам увидеть общие светлые, средние и темные узоры, чтобы вы могли принять решение о дизайне и композиции — основе любой картины.Имеет смысл планировать заранее, прежде чем вы потратите часы, дни, недели или даже месяцы на работу над картиной.
Массовые формы
Создайте один или даже несколько эскизов вашего предмета и попытайтесь упростить композицию до нескольких узнаваемых форм и значений. Будьте готовы отклониться от того, что вы на самом деле видите, и изменить формы, изменить значения и сделать все, что вы считаете необходимым, в интересах создания порядка и организации из визуального хаоса.
Использовать художественную лицензию
Держите ластик под рукой, потому что вы будете опробовать идеи и часто менять свое мнение.Это часть процесса проектирования. Помните, вы не работаете с числами; вы работаете с визуальной информацией, которая фильтруется через ваше личное чувство эстетики.
Как вы думаете, хорошо выглядит? Ясно ли он передает вашу тему? Будет ли это читаться на расстоянии, если вы прищуритесь? Это все вопросы, которые вам нужно будет задать себе.
Цвет вас не спасет
Многие художники не планируют заранее, а просто начинают рисовать то, что видят, в надежде, что цвет спасет положение.Я не рекомендую это. На самом деле, есть популярная поговорка: «Цвет получает все заслуги, но всю работу делает ценность».
Если вы прорабатываете свою композицию во время рисования, внося изменения и исправления в оттенки, значения, формы и размещение, ваши цвета станут переработанными и грязными.
Грязные цвета — это результат того, что вы столько раз передумали, что все цвета начинают сливаться в серо-коричневый. Наличие плана игры по организации ценности — это не только ключ к сильным композициям, но и один из ключей к более чистым цветам.
Организуйте и упростите: Сцена достаточно сложна, но быстрый набросок покажет вам все, что нужно для организации и упрощения.
Следуй своему плану
Когда вы закончите один или несколько набросков, решите, какая композиция вам больше нравится, и приступайте к работе над картиной. Держите эскиз ценности на видном месте во время рисования, чтобы вы могли свериться с ним и убедиться, что следуете своему плану и придерживаетесь решений, принятых ранее.
При смешивании цветов убедитесь, что они соответствуют вашему тарифному плану. Имея перед собой «карту» значений, вы сможете расслабиться и рисовать с большей уверенностью, потому что вы заложите основу для прочного фундамента, на который будет опираться картина.
Создание этих эскизов требует времени и усилий, в зависимости от того, насколько сложна ваша сцена, но если вы не можете упростить композицию в черно-белом режиме, сделать это в цвете будет гораздо сложнее.
Эскиз значения не должен быть большим или занимать слишком много времени. Пятнадцать минут для эскиза размером 4 на 5 дюймов — это все, что вам нужно. Не делайте ошибку, делая большой, сложный рендеринг. Это лишает смысла учиться упрощать. Быстрое визуальное руководство — это все, что необходимо, чтобы вы не сбились с пути. Будь проще!
Этот пейзаж был переведен и упрощен до нескольких значений. В стоимостном наброске видно, что в общую композицию и ее элементы внесены существенные изменения.Эти решения были приняты в соответствии с моей художественной лицензией; то, что я думал, картина нужна.
Создание композиции
Примите во внимание следующие основные рекомендации, чтобы усилить дизайн и общую композицию.
Доминирующие ценности
Постарайтесь спроектировать набросок значений (и, следовательно, композицию рисунка) так, чтобы одно из значений занимало большую часть области изображения. Самые смелые композиции имеют доминирующее значение. Старайтесь избегать одинакового количества каждого значения в вашей композиции.
Определите доминирующее значение
В Blue Building на Десятой авеню преобладают средние и темные оттенки с очень небольшим количеством светлых тонов. Крупная светлая форма навеса, окруженная темными формами сверху и снизу, наводит взгляд на фигуры.
«Голубое здание на Десятой авеню», Патти Моллика, панель, акрил, 16 x 16; частная коллекция
Сильные направленные линии окон также направляют взгляд вниз.Большая форма среднего значения дороги обрамляет и обеспечивает контраст для светлой полосы тротуара, снова привлекая внимание к цифрам.
Координатор
Решите, куда вы хотите, чтобы взгляд зрителя приземлился — это будет основная область интереса в картине, известная как фокус. Правильно составленная композиция приведет взгляд зрителя именно к ней.
Хотя это более актуально для пейзажей, чем для натюрмортов, ваш фокус должен поддерживаться вашим дизайном и ценностными паттернами, которые к нему ведут.Элементы цвета, значения и формы направления должны быть использованы и подчеркнуты так, чтобы была дорожка, ведущая вокруг вашей картины к фокусу.
Взгляд будет автоматически притягиваться к области картины, где самые светлые и самые темные оттенки находятся в непосредственной близости друг от друга. Если значения разбросаны и не предлагают никакого пути к фокусу, зритель не будет знать, где взаимодействовать с картиной.
Flower Dude, Патти Моллика, панель, акрил, 16 x 12; частная коллекция
Направляйте взгляд зрителя
Обратите внимание, как перспективные линии фруктов, цветов и тротуара в Flower Dude (вверху) направляют взгляд прямо к фигуре, которая представляет собой самое светлое значение, окруженное самым темным значением.Взгляд зрителя сразу же притягивается к наиболее контрастным участкам картины. Используйте эту стратегию при создании координационного центра
Обрезка
Пример плохой обрезки; кадрирование картины с фруктами, расположенными точно посередине, создало неловкое напряжение в композиции.
Многие начинающие художники совершают распространенную ошибку, помещая весь объект прямо в середину холста, паря в пространстве.
Пересекайтесь с умом, чтобы было интересно.
Обрезание некоторых элементов немного за пределами области изображения намного интереснее и создает больше разнообразия в негативном пространстве.
Попробуйте варианты
Обратите внимание, как верхняя часть апельсина и отбрасываемая тень обрезаются на изображении на рисунке ниже. Это более убедительно, чем центрирование каждого элемента в пределах границ изображения.
Попробуйте обрезать свой набросок так, чтобы пространство вокруг вашего объекта (т. е. негативное пространство) имело интересные и неодинаковые формы.Решите в своем наброске, как обрезать объект, чтобы увидеть, где он должен располагаться на холсте.
«Розовое на оранжевом», Патти Моллика, холст, акрил, 12 x 9; коллекция Марка Хагана
Моя первоначальная идея заключалась в том, чтобы расположить апельсин и ломтики в горизонтальном формате. Но, посмотрев на свой эскиз, я решил, что в вертикальном формате он может быть интереснее. Попробуйте разные варианты; передумай. Просто убедитесь, что вы сделали все это, прежде чем начать рисовать!
Хороший урожай vs.Плохой урожай
При квадратном форматировании (ниже) пространство вокруг яблок одинаковое. А = В и С = D.
В следующем примере (ниже) фигуры неравны и поэтому более интересны.
Также обратите внимание, что хотя яблоко находится ровно посередине холста, отбрасываемая тень и фоновое яблоко обрезаются так, что выходят за границы. Это диагональное движение компенсирует статическое качество объекта, расположенного в середине холста.
Вот еще один пример интересного кадрирования и размещения объекта.
Правило третей
Правило третей гласит, что изображение выглядит наиболее привлекательным, когда объект или точка фокусировки расположены на пересечении воображаемых линий, которые делят изображение на трети — как по вертикали, так и по горизонтали.
Расположение горизонта и точки фокуса имеет ключевое значение
Старайтесь не делить композицию картины пополам, по вертикали или по горизонтали. Гораздо интереснее расположить линию горизонта высоко или низко на холсте. Ваш фокус лучше всего расположить где угодно, но не прямо в середине холста.
«Зигзаг через центр города», Патти Моллика, холст, акрил, 24 x 18; частная коллекция
Перекрывающиеся объекты
При составлении сетапа попробуйте перекрыть некоторые элементы, чтобы создать более динамичное ощущение пространства и улучшить взаимосвязь между элементами.
Ремешок Happy от Patti Mollica, акрил на панели, 12 x 12; коллекция Ute Spatz
Когда объекты размещены равномерно друг от друга без наложения друг на друга, результирующая композиция может быть скучной и плоской.
Разнообразие
Глаз любит разнообразие. Его заинтриговали неравные разделения пространства и выравнивания, а также различия в формах, краях, текстурах, направленных линиях и размерах.
Старайтесь создавать динамичные композиции за счет сознательного включения и расположения изобразительных элементов, которые играют друг с другом. Вот несколько предложений:
Делайте деления пространства вокруг и между объектами неравными и неровными.
Избегайте выравнивания объектов по горизонтальной или вертикальной оси.
Включите в свою картину различные формы, размеры и пропорции. Если композиция кажется чрезмерно геометрической, подумайте о добавлении или подчеркивании органической формы для визуального контраста. Чередуйте края кисти. Сравните четкие, острые края вблизи фокальной точки с мягкими, размытыми краями в подчиненных областях.
Улучшите гладкие или однотонные переходы с помощью оживленных тактильных областей.
Контрастируйте доминирующую горизонтальную композицию, такую как плоский пейзаж, с сильными вертикальными или диагональными элементами, такими как телефонный столб или дерево.
Chickadeaux by Patti Mollica, панель, акрил, 8 x 8; коллекция Сьюзен Мартин
Продолжайте тренироваться
Практикуя эти советы и приемы композиции живописи, вы будете на пути к созданию более качественных и смелых картин. Обязательно ознакомьтесь с другими простыми техниками рисования от Патти Моллики в ее трех загруженных видео и узнайте, как создавать эффектную композицию каждый раз, когда вы рисуете.
Создание экспертных композиций в ваших работах
Без категории 04 нояб. 2020 г.
Подпись к фотографии: Художники могут многое узнать об художественной композиции, изучая такие шедевры, как Мона Лиза.Изображение предоставлено Free-Photos с сайта Pixabay.
При создании искусства необходимо учитывать несколько элементов; линия, цвет, масштаб, сюжет и т. д. А как насчет художественной композиции?
Это кажется достаточно простым, не так ли? Создайте произведение с достаточно убедительными образами, а остальное — торт. Правильно??
Ну, не совсем. Место, где вы размещаете изображения, так же важно, если не важнее, чем сами изображения. Место, где вы размещаете предметы в произведении искусства, называется «композиция».”
Для создания идеальной композиции в искусстве требуется много шагов, таких как масштаб, образы, кадрирование, соблюдение правила третей и золотого сечения и, конечно же, внутреннее «я».

Подпись к видео: Что означают разные размеры и типы холста?
Выберите нужный размер
Первым шагом к созданию художественных композиций профессионального уровня будет выбор правильного размера холста. Различные размеры и размеры могут действительно повлиять на макет композиции.
Если вы делаете высокий и узкий холст с соотношением сторон 1:3 или подобным, вам следует искать изображения, подходящие для этого размера. В противном случае некоторые элементы дизайна могут выглядеть шатко в готовом изделии.
Изображение синего кита, плывущего вперед, или женщины, лежащей горизонтально, может не соответствовать этим размерам. Выбранные вами изображения должны удобно располагаться по периметру холста и иметь смысл в соответствии с идеей, которую вы имеете в виду.

Подпись к фотографии: Поиск правильных визуальных референсов для ваших картин имеет решающее значение, если вы хотите получить хорошие художественные композиции.Изображение Михала Ярмолука с сайта Pixabay.
Выбор источников для ваших художественных композиций
В вашей композиции должно быть комфортно. Вам не нужны изображения, расположенные слишком близко к краям. Важно, чтобы позитивное пространство уравновешивалось негативным пространством. Также важно выбрать (или создать) изображение, которое выделяет один фокус над всеми остальными.
Кроме того, важно избегать касательных краев и небольшого перекрытия.Вы хотите избежать чувства ловушки, застревания или ощущения падения.
Например, если у вас есть фигура, бегущая вправо, вы захотите оставить перед ней место для бега. Помещение движущегося объекта лицом к краю холста, где нет места для движения, оставляет у зрителя ощущение ловушки.
При создании источников и выборе изображений это сэкономит время и энергию для построения изображений на холсте с правильным соотношением сторон. Вы также хотите убедиться, что ваши изображения не нарезаны неловко или в странных положениях.
При съемке животных следует избегать изображений с преувеличенной или искаженной перспективой и ракурсом. Вы хотите найти животных, у которых видны все ноги/конечности и как можно больше деталей. Это правило исходников вообще!
Не соблазняйтесь красивой фотографией (хотя по хорошей фотографии можно многое узнать о композиции 😄)
Получение или создание собственных исходных изображений
Поиск изображений, которые можно использовать для конкретной идеи картины, может быть энергичной и трудоемкой задачей.Именно по этой причине многие художники предпочитают делать собственные исходные фотографии! Фотографировать для исходников для картины очень отличается от красивого драматического фото.
Подумайте об истории, которую он создает, и о том, как он будет воплощен в живописном произведении искусства. Учитывайте и свой собственный стиль! Если вы рисуете гиперреализм, вы захотите, чтобы каждый отдельный элемент вашего исходника был именно тем, что вы хотите в картине, или, по крайней мере, осознавали это.
Если вы более выразительный художник, детали на заднем плане могут быть менее важными, но вы все равно захотите убедиться, что ваш объект имеет правильное освещение и контрастность, которые вам нужны, и что объекты находятся в фокусе.
При съемке собственных фотографий освещение имеет решающее значение. Вы хотите, чтобы ваши объекты были освещены ядром и отбрасывали тени, чтобы создать ощущение драмы и размера. Размытый предмет оставит вам очень мало информации для рисования, что вызовет разочарование. Давайте избегать этого!
Настройте освещение слева или справа от ваших объектов, что позволит объекту иметь различные основные и отбрасываемые тени. Вы также захотите, чтобы основные изображения были в идеальном фокусе.Нет ничего хуже, чем пытаться рисовать из размытого, неясного источника. Не торопитесь с этим шагом и не забудьте сделать МНОГО фотографий.
Будет много бесполезных, но где-то там будет идеальный источник! Если вы фотографируете на улице, следите за тем, где отбрасываются тени.
Избегайте нежелательных теней, блокирующих детали и создающих странные формы или неуклюжие и некрасивые линии на ваших объектах. Этот принцип также включает в себя понимание линии горизонта и подразумеваемых линий, которые иногда создаются визуальными элементами в наших референсах фотографий.
Конечно, некоторые блестящие художественные композиции можно создать, поэкспериментировав с этими функциями. Однако вы должны использовать элементы дизайна, такие как подразумеваемые линии, намеренно. В произведении Пабло Пикассо «Герника» блестяще используются фактические и подразумеваемые линии, чтобы перемещать взгляд по картине.
Художники имеют художественную лицензию при рисовании и могут легко закрасить то, что им не нужно, но это значительно упрощает работу, если вы начинаете с хорошей исходной фотографии.
Подпись к фотографии: «Герника» Пабло Пикассо.Фото Альмудены Санс с сайта Pixabay.
Создайте свой собственный кадр в своих художественных композициях
Неизбежно, что в ваших фотосессиях в качестве исходного материала останется много непригодных фотографий. Тем не менее, может быть много фотографий, которые с правильным кадрированием могут работать нормально.
Помимо объединения фотографий, вы также можете брать существующие фотографии и обрезать их, чтобы точно следовать правилу третей, что делает их отличными кандидатами на исходники.Когда вы обрезаете свои фотографии, убедитесь, что вы не обрезаете их неуклюже.
Имеется в виду, скажем, рука женщины, или обрезание локтя, или даже макушки. Вы захотите найти много совпадений в своем произведении. Вы также захотите избежать неудобной обрезки.
Наконец, объединение фотографий — отличный способ, если у вас есть несколько фотосессий, из которых вы хотите объединить идеи. Планировать свою художественную композицию очень просто. Вы можете сделать это на своем телефоне или ноутбуке с помощью приложений для редактирования или даже набросать на листе бумаги.
Правило третей
Правило третей невероятно важно.
Чтобы следовать правилу третей, посмотрите на свой холст и представьте, что он разделен на три равные части по горизонтали и вертикали. Там, где пересекаются эти линии, вы хотите, чтобы ваш фокус попал в точку. Есть четыре точки, которые идеально подходят для фокуса.
Худшее место, куда вы можете поместить свой фокус, — это центр, что многие художники неосознанно делают. Это может показаться логичным; вы хотите, чтобы зритель посмотрел туда, а середина — такое очевидное место!
Однако великолепная художественная композиция позволяет взгляду зрителя перемещаться по произведению, а затем возвращаться к исходной точке. С централизованной фокусной точкой взгляд зрителя, как правило, застревает и быстро уходит от фрагмента.
Золотой прямоугольник в художественных композициях
Золотой прямоугольник в художественных композициях (и в жизни) включает измерения последовательности Фибоначчи для создания симметрии в композиции. Самая красивая цветочная луковица, самая замысловатая раковина улитки и самое захватывающее дух произведение искусства — все используют эту композиционную структуру.
Для нас, художников, чем ближе наша работа к воссозданию этого природного композиционного элемента, тем красивее становится наша работа.Рисование с натуры учит нас золотому сечению, потому что мы наблюдаем, как пропорции наших тел, растений, всего следуют последовательности соотношения.
Если мы будем достаточно рисовать и рисовать с натуры, мы получим внутреннее чувство соотношения и того, как включить его в нашу работу. Нас, людей, естественным образом привлекают образы, находящиеся в этом божественном прямоугольнике. Оно приятно нам, так как удовлетворяет первобытное стремление к совершенству, красоте и равновесию.
Узнайте больше о золотом сечении в природе и в художественной композиции из видео ниже.

Подпись к видео: Золотое сечение в искусстве и жизни
Художественная композиция и внутреннее Я
Как известно многим художникам, искусство, которое вы создаете, очень красноречиво говорит о том, что происходит внутри вас. Если внутри вас есть хаос, он проявляется в вашей композиции. Художники, у которых было очень хаотичное детство, склонны даже к более структурированным и линейным композициям.
Точно так же художники, чье детство было строгим и реформированным, предпочитают хаос и свободу в композиции.Эта динамика завораживает, взгляните на любого из ваших любимых исполнителей, что вы видите? Есть ли композиция, наполненная органическими формами, множеством перекрывающихся мелких объектов, прямыми линиями повсюду, точностью или всего понемногу?
В следующий раз, когда будете любоваться произведением искусства, обратите внимание на композицию. Вы удивитесь, узнав, что то, к чему вас тянет, также многое говорит о вас.
Заключительные мысли о создании экспертных художественных композиций
Художественная композиция — это гораздо больше, чем просто удержание объекта в пределах линий.Превосходная художественная композиция создает основу для истории, которую вы расскажете своей кистью! Для быстрого обзора:
Сначала выберите размер холста
Найдите привлекательные образы
Найдите перекрытие, избегайте касательных краев и присваивайте обрезки
Помните о правиле третей
Божественная пропорция внутри каждого из нас
Если вы не уверены в своей новой композиции, мы рекомендуем вам позвонить другу! Спросите людей вокруг вас, у которых есть свежий взгляд и нет привязанности к идее, если что-то кажется вам неудобным.
Послушайте, что они говорят, и обдумайте любые корректировки, которые они предложат. Как только вы почувствуете себя комфортно с композицией, пришло время перенести ее на холст.
Или, если вам нужны более подробные инструкции по созданию художественных композиций, рассмотрите возможность подачи заявки на участие в нашей программе повышения квалификации.
Узнайте больше о художественных хитростях и советах ниже
Как стать профессиональным художником: создание списка рассылки для художников
Как рисовать цветы
Как покрыть лаком вашу картину маслом и акрилом
Руководство по композиции в искусстве
Величайшие художники делают вид, что их работа проста, как будто они взяли несколько кистей и холст и сразу поняли, как создать шедевр.Но даже несмотря на то, что их природный талант помог им на этом пути, эти художники используют концепцию, называемую композицией.
Что такое композиция в искусстве? В этом руководстве мы покажем вам, как определить композицию в искусстве, различные элементы, которые следует учитывать, и как применять эти методы в вашей работе.
Поначалу это может показаться немного сложным и пугающим, но мы здесь, чтобы показать вам, что как только вы поймете основы композиции в искусстве, вы начнете замечать разницу в своих готовых произведениях.
Что означает композиция по отношению к искусству?
Для начала давайте посмотрим, как мы определяем композицию в искусстве. Композиция буквально означает «собирать вместе», и в мире искусства это не исключение. Но важно помнить, что композиция — это не одна техника или что-то, что должно применяться только к одному стилю живописи, рисунка, дизайна или даже фотографии.
Размышляя о композиции в определении искусства, мы можем вывести это за рамки изобразительного искусства, к письму и музыке.Все дело в тщательно продуманной организации вашей работы, чтобы добиться желаемого результата.
Если есть что-то, о чем вы должны помнить, отвечая на вопрос «что означает композиция в искусстве?», так это то, что композиция не о том, что является предметом вашей работы, а о том, как вы упорядочиваете различные компоненты для создания окончательный вид.
Как вы решите собрать свою работу, зависит только от вас, но есть несколько основных принципов, о которых следует подумать.Все произведения визуального искусства строятся из основных блоков. Это:
Линия: Путь, по которому следует взгляд зрителя
Форма: Из чего состоят различные части произведения
Цвет: Оттенки, составляющие произведение
0 Текстура: 0 часто осязаемый тип поверхности, который зритель может почувствовать на произведении
Тон: Светлость или темнота в цвете
Пространство: Область, которая либо занята объектами, либо находится между ними в визуальном произведении
Глубина: Как зритель воспринимает различные части картины
Хотя каждая законченная работа выглядит индивидуально, все они содержат эти семь элементов дизайна.Каждый стандартный блок объединяется, чтобы создать вашу окончательную работу, а решения о композиции, которые вы примете, будут формировать впечатление вашего зрителя от вашего творения.
Сделать композицию простой
Художественная композиция
Элементы композиции
Есть восемь элементов композиции, с которыми должны быть знакомы все художники. Мы подробно расскажем о каждом из них.
1. Юнити
Когда мы думаем о том, что является наиболее распространенной целью композиции в искусстве, ключевым аспектом, который следует учитывать, является единство.
Когда вы смотрите на свою работу, кажется ли вам, что все работает вместе? Вот что такое единство. Вы можете испортить ощущение и настроение картины или фотографии, разместив неправильные элементы в неправильных местах. Если что-то кажется неуместным, ваша работа как художника — распознать это и исправить.
Это не означает, что вы не можете творчески подходить к размещению, цветам или формам, но вы должны инстинктивно чувствовать, ощущается ли произведение целостным и законченным.
2. Весы
Симметричные линии, как на этом фото, — отличный способ придать вашей работе баланс.
Баланс — или равновесие различных элементов в произведении — крайне важно учитывать, когда вы думаете о том, что такое композиция в искусстве, потому что даже малейшее изменение здесь может полностью изменить окончательный результат вашей работы.
Баланс может заключаться в том, чтобы ваша работа была симметричной, но это не обязательно. Асимметричные формы и линии могут быть такими же красивыми и рассказывать историю, которую вы ищете.
Подумайте о настроении, которое вы пытаетесь создать. Симметрия обычно дает более успокаивающее ощущение, чем асимметрия, которая часто может казаться хаотичной или беспорядочной. Не слишком ли много на одной стороне работы, что отягощает ее визуально? Если беспорядок и тревога — это то, что вы хотите, чтобы зритель вынес из вашего последнего произведения, это нормально, но если нет, вы можете устранить дисбаланс.
3. Фокус
Фокус этой фотографии не совсем центральный, но извилистая дорога автоматически уводит взгляд от передней части изображения.
Фокусные точки имеют решающее значение, когда вы думаете о композиции в искусстве, независимо от того, какой материал вы используете. Наши глаза, естественно, хотят найти что-то, на чем можно сконцентрироваться, поэтому ваши зрители будут искать определенный фокус, который они могут быстро найти и интерпретировать остальную часть произведения искусства вокруг этого.
Тем не менее, фокус не обязательно должен быть непосредственным центром вашего произведения. Здесь важно помнить, что вам нужно дать зрителю что-то четкое, на чем он визуально сфокусируется, чтобы его глаза не блуждали по работе и не терялись.
4. Контраст
Контрастное использование светлых и темных цветов может создать яркое настроение на ваших картинах.
Высокий и низкий контраст могут создавать совершенно разные настроения, в зависимости от того, какой окончательный вид вы хотите получить. Возвращаясь к нашей композиции в художественном определении, все дело в том, как вы соединяете различные элементы, а контраст в цвете и тоне — один из лучших способов вызвать различные эмоции или реакции у вашего зрителя.
Однако
Контраст можно найти не только в цвете.Использование противоположных форм (например, кругов и треугольников), текстур, размеров и линий также может создать тот же эффект.
5. Механизм
Движение можно передать любыми способами, используя идентифицируемые движущиеся элементы, такие как вода или воздух.
Да, может показаться странным говорить о движении на статичном изображении или фотографии, но существует множество способов добавить эту иллюзию вашим произведениям, когда они на самом деле вообще не двигаются. Вы уже видели множество примеров этого раньше, например, развевающиеся волосы или листья, которые напоминают о ветреном дне.
Ведущие линии — отличный способ привлечь внимание зрителя к картине или фотографии. Это может быть осязаемая линия, такая как забор или ряд деревьев, или это может быть то, как вы размещаете элементы вашего предмета вокруг холста, чтобы создать подразумеваемую линию.
6. Шаблон
Паттерны обычно повторяются либо в пределах фиксированного кадра, либо бесконечно, как в этом примере.
Человеческий мозг и глаз любят повторение. Нам легко понять, и несколько утешительно видеть одни и те же элементы снова и снова.Но это не значит, что везде должен быть один и тот же дизайн.
Почти все можно превратить в узор, будь то цвета, которые вы используете, формы, из которых состоит ваш предмет, или отдельные элементы, которые вы используете повсюду.
7. Ритм
В отличие от паттернов, ритмы не обязательно должны быть точными копиями. Вместо этого речь идет об основном чувстве, которое они придают произведению искусства.
Подобно движению, все великие произведения искусства имеют уникальный ритм, намеренно созданный художником. Ритм иногда можно спутать с паттерном, но отличительным элементом здесь является то, что ритм не обязательно должен быть одним и тем же элементом, повторяющимся повсюду.
Разнообразие играет важную роль в ритме, и обычно оно лежит в основе окончательного творения, а не является чем-то более очевидным (например, с узором).
8. Доля
Даже форма и размер холста могут создать пропорции, которые заставят зрителя взглянуть на вашу картину по-другому.
Вы когда-нибудь смотрели на картину или рисунок, но чувствовали, что что-то не так? Во многих случаях это сводится к тому, что какой-то конкретный элемент совершенно непропорционален всему остальному.
То, как объекты или предметы в произведении взаимодействуют друг с другом с точки зрения их размера и масштаба, важно, когда вы хотите передать определенное сообщение. Опять же, это важный аспект, к которому нужно вернуться, когда мы думаем о том, что такое композиция в искусстве? То, как вы все устроите, имеет значение, поэтому убедитесь, что вы масштабируете каждый элемент соответственно сообщению, которое хотите отправить.
Примеры художественной композиции
Когда вы учитесь описывать композицию в искусстве, часто бывает полезно взглянуть на примеры классических картин или знаменитых фотографий, чтобы увидеть, как специалисты используют приемы композиции в своей работе.
Тайная вечеря Леонардо да Винчи
Источник: Британика
«Тайная вечеря» Леонардо да Винчи — одна из самых известных классических картин в мире.
«Тайная вечеря» является фаворитом учителей рисования во всем мире как фантастический пример того, как композиция может рассказать историю с помощью отрицательного пространства, симметрии и повторяющихся узоров.
Леди Лилит Данте Габриэль Россетти
Источник: The Met
Картины прерафаэлитов известны своим искусным использованием техники композиции.
Прерафаэлиты (группа молодых художников, основанная в 1848 году в Лондоне) были известны тем, что использовали яркие красящие пигменты, чтобы придать своим картинам ощущение легкости и воздушности, почти светящиеся. Леди Лилит — хороший пример движения и единства со смещенным центром внимания, привлекающим внимание зрителя.
Королева Елизавета II автора Энни Лейбовиц
Источник: Art net
Композиция Энни Лейбовиц помогла ей подняться на вершину карьеры фотографа.
Известный фотограф-портретист Энни Лейбовиц сделала снимки некоторых из самых знаменитых людей в мире. Ее фирменный стиль развился из использования определенных элементов композиции, таких как контраст и фокус.
Как применять техники композиции в своем искусстве
Теперь, когда вы лучше понимаете, что такое композиция на самом деле, давайте обратим внимание на ответ на вопрос: «Какова наиболее распространенная цель композиции в искусстве?»
В конечном счете, как вы решите расположить элементы своего произведения, зависит только от вас.Но есть несколько основных правил и приемов композиции, которые могут помочь улучшить впечатления вашего зрителя.
Давайте посмотрим, что представляют собой некоторые из этих методов и как вы можете применить их в своих собственных проектах.
Правило третей
Правило третей — одна из наиболее часто используемых композиционных техник.
Хорошо известное правило третей используется для того, чтобы избежать центрального фокуса, но при этом сохранить общее единство композиции.Это делает произведение визуально более привлекательным для зрителя.
Как применять правило третей
Начните с разделения холста двумя равноудаленными вертикальными и горизонтальными линиями, чтобы получить сетку из девяти частей. Поместите предмет фокуса на одном из пересечений этих девяти сегментов. Это создает тщательно спланированный «дисбаланс дизайна», который, хотя и не в центре, все же выглядит эффектно.
Правило шансов
Сохранение нечетного числа объектов фокуса визуально более привлекательно для зрителей.
Нечетные числа могут показаться большинству из нас странными, но в мире искусства они идеальны. Четное количество предметов на картине может создать слишком много симметрии и создать ощущение чрезмерной инженерии, но использование нечетного числа помогает этого избежать.
Как применять правило шансов
Работаете ли вы над картиной, рисунком или фотографией, старайтесь, чтобы число фокусных элементов было нечетным. Например, ваш основной объект может быть окружен двумя другими объектами, чтобы создать общее нечетное число.
Негативное пространство
Негативное пространство вокруг объекта помогает сосредоточить внимание на главном объекте вашей работы.
Негативное пространство — это пространство вокруг объекта вашей работы или между ним. Использование отрицательного пространства помогает создать ощущение баланса и единства в произведении, а не чрезмерного беспорядка.
Как применить негативное пространство
Когда вы думаете о своей композиции, не заполняйте каждый дюйм своего холста или рамы чем-то, на что можно было бы смотреть. Это может отвлекать зрителя и отвлекать его внимание от фокуса. Вместо этого запланируйте свободное пространство между фокусом и вокруг него, чтобы создать иллюзию открытости.
Упрощение
Упростите свою работу, убрав все лишнее, что может отвлекать зрителя.
Как и в случае с негативным пространством, умение избегать беспорядка и освобождать место для мелочей — важный навык, которому должен научиться художник. Вот где может помочь упрощение вашей композиции.
Как применить упрощение
Существует несколько различных способов упростить вашу работу, будь то использование ограниченной цветовой палитры, удаление предметов из работы или сохранение больших и свободных мазков кистью.
Когда вы работаете над своим следующим произведением искусства, подумайте о своей композиции и некоторых приемах, которым вы научились, прежде чем приступить к работе. Оттуда? Пусть ваше творчество сделает все остальное.
Понимание композиции в фотографии
Создание отличного снимка: знакомство с фотокомпозицией
Секреты хорошей композиции
Хороший состав. Простая идея, но не так просто создать сильную и эффективную!
В течение многих лет, когда я развивался как художник, создание хорошей композиции определенно было одной из вещей, с которыми я боролся больше всего. Несмотря на то, что я знал теорию и элементы композиции, мне все равно было трудно применить их в своей работе. Сосредоточившись и приложив много усилий, я, похоже, теперь создаю композиции, которые в целом работают. И я всегда в восторге, когда композиция действительно сильная.
Я знаю, что это постоянная борьба для многих художников на всех этапах. И вот у меня возникла мысль: почему бы не попросить некоторых художников, чьими композициями я восхищаюсь, поделиться с вами своим советом. И это только то, что я сделал! Я спросил:
В чем секрет создания хорошей композиции?
Как и следовало ожидать, многие из их ответов совпадают. Вы увидите повторяющиеся темы. Тем не менее, каждый художник выражает свои идеи по-своему, и поэтому вы можете получить больше, читая одного, чем другого. В любом случае повторение подтверждает, насколько универсальны многие из этих принципов создания хорошей композиции! Голос их собственный с очень небольшим редактированием от меня. Как вы увидите, некоторые писали много, а другие были более краткими. Что говорить, полностью зависело от художника. Все, что они написали, ценно, и я благодарю их ОГРОМНО за их участие.
(Чтобы увидеть больше работ каждого художника, нажмите на его имя, чтобы перейти на его веб-сайт.)
И таааак, в случайном порядке, подарок на 2020 год!! Вот секреты создания хорошей композиции, которыми поделились 20 художников.
ВНИМАНИЕ! Это будет ДЛИННЫЙ блог!
1. Десмонд О’Хаган
Баланс. Когда я разрабатываю композицию картины, я стремлюсь к визуальному балансу. Это достигается за счет постоянного изучения произведений искусства, критики и развития взгляда на то, что выглядит правильно. Я следую очень небольшому количеству правил в композиции, что позволяет мне экспериментировать, создавая то, что мне кажется правильным. В Light Rain, Downtown Denver я уравновесил автомобили слева и пар справа.Если убрать любой из них, картина будет казаться несбалансированной.
Десмонд О’Хаган, «Слабый дождь, центр Денвера», 2012, пастель, 18 x 24 дюйма.
2. Дебора Стюарт
Я думаю, что многие из тех же аспектов применимы к абстракциям, что и к более реалистичным произведениям. Вот некоторые вещи, о которых я думаю, создавая реферат. Неважно, беспредметная это картина или абстрактная цветочная. Это одни и те же соображения.
Размещение фигур: Где я буду размещать основные фигуры? Я обычно размещаю не по центру и балансирую с более мелкими формами в другой части картины.
Значение. Я тоже думаю о контрасте. Я считаю, что абстракция с четким контрастом оказывает большее влияние. Где разместить самую темную часть композиции? Это может быть самая большая форма.
Баланс активности и тишины. Я стремлюсь использовать мазки кистью, создание меток и цвет, чтобы придать разнообразие и баланс между активными и тихими областями. Я не хочу, чтобы вся поверхность имела одинаковую маркировку. Я могу поместить более активную маркировку в область фокуса.Я также могу поместить более чистые цвета в область фокусировки. Тихие зоны вносят в композицию отдых и могут содержать более нейтральные цвета.
Цветовая палитра. Я уделяю столько же внимания нейтральным тонам, сколько и интенсивным цветам. Это также уравновешивает активные зоны с тихими. Я также стараюсь ограничить используемые цвета и выбираю диапазон значений от светлого до темного. Я ориентируюсь на дополнительные цветовые схемы.
Космос. Я ищу области открытого пространства, в отличие от областей, где более активно делаются пометки или мазки кистью.
Гармония и равновесие. Картина сбалансирована и гармонична по цвету? Является ли одна область перегруженной работой по сравнению с другой? Использовал ли я и повторял ли я цветовую схему на протяжении всей картины? Баланс достигается за счет работы над всей картиной, а не над одной областью за раз.
Некоторые из моих первоначальных идей возникли в результате предварительных набросков в альбоме или на газетной бумаге. Я всегда генерирую идеи перед тем, как начать реферат. Я думаю о значении, размещении форм, линии, цвета, пространства еще до того, как начинаю работу.
Дебора Стюарт, «Лилейники и хосты», бумага, пастель, 22 x 22 дюйма. Эта пастель отправляется во Францию для участия в пригласительной выставке, май 2020 г.
3.
Джиджи Хорр Ливерант
Баланс, ритм и центральная точка необходимы для успешной композиции. Представьте, что ваша картина горизонтальна и сбалансирована на точке опоры. Балансирует ли вес элементов картины на точке опоры? Если нет, добавляйте, уменьшайте, удаляйте или перемещайте «вес» ваших визуальных элементов, пока композиция не сбалансируется.«Вес» изобразительных элементов определяется плотностью сильного контраста или насыщенности цвета. Взгляд зрителя будет прикован к вашему фокусу за счет максимального значения контраста в нужной области.
У ваших визуальных элементов также должен быть ритм или шаблон, когда они перемещаются по картинной плоскости. Повторение знакомых музыкальных нот в партитуре — хороший пример паттерна. Шаблон повторяющихся форм, линий или цветов в картине действует как знакомые фразы в музыке и служит для скрепления рисунка.Контраст и формы визуально направляют зрителя через картину, цель состоит в том, чтобы удерживать внимание зрителя в пределах картины.
Имейте в виду, что все эти «правила» предназначены для того, чтобы их нарушать, когда этого требует произведение искусства!
Джиджи Хорр Ливерант, «Утро вторника», 2019, пастель, 32 x 40 дюймов.
4. Алан Флаттманн
Прежде всего скажу, что у меня нет никаких секретов создания хорошей композиции. Мои рекомендации основаны на проверенных временем принципах объединения всех элементов работы — линии, размера, цвета, формы, положения и техники — в гармоничное целое.
Я использую свой рисунок пастелью Небесный ливень , чтобы обсудить три из этих принципов.
Баланс — один из самых важных способов создать порядок в композиции. Композиция без хорошего баланса кажется неустойчивой и неудобной. Баланса можно достичь за счет симметрии, когда элементы композиции равны или очень похожи вокруг центральной точки или оси. Баланс также может быть достигнут за счет асимметрии путем перемещения масс и весов таким образом, чтобы баланс достигался, не будучи абсолютно равным с обеих сторон композиции.
Самый простой пример асимметричного равновесия, который я могу привести, — представить ребенка и взрослого на качелях. Если ребенок и взрослый сидят на противоположных концах качелей, качели, очевидно, будут разбалансированы, и более тяжелый взрослый приведет к тому, что их конец качелей опустится, а конец ребенка поднимется. Однако, если взрослый переместится на качелях вперед к центральной оси, качели в конечном итоге выровняются и сбалансируются.
Моя картина, Небесный ливень , является примером асимметричного баланса. Большой возвышающийся собор, расположенный на левом краю центральной оси, уравновешивается меньшей группой фигур и объектов с правой стороны, как в примере, описанном выше.
Ритм — еще один важный принцип хорошей композиции. Это достигается за счет повторения линий и форм, создающих ощущение движения. Ритм необходим для создания гармоничной цельной и динамичной композиции. Движение может быть плавным, как в пейзажной живописи Коро или Констебла, или закручиваться, как на картине Тернера.Он также может быть прямым или угловатым, как у Сезанна или их вариаций. Обычно лучше всего, если преобладает один тип движения.
В Heavenly Cloudburst преобладают вертикальные линии зданий с резкими краями. Вертикальные линии зданий повторяются в ливнях и отражениях, создавая вертикальный поток по всей композиции.
Центр интересов . Я считаю, что картина работает лучше всего, когда есть четкий центр интереса или фокус, создавая сильное ощущение порядка в композиции. Собор явно является центром внимания в Heavenly Cloudburst . Это большая масса с сильным контрастом, расположенная недалеко от центра картины. Маленькие фигуры и туба были добавлены, чтобы создать контрапункт собору для баланса и избежать акцента на бычьем глазу.
Как правило, я советую студентам всегда сначала думать о композиции целиком, прежде чем углубляться в детали. Для того, что вы рисуете, ищите интересное расположение фигур, а затем попытайтесь найти центр интереса, чтобы обработать расположение.Сделайте миниатюрные наброски, если это поможет. Всегда сначала блокируйте большие фигуры, чтобы установить дизайн и пропорции. Не торопитесь, проработайте хороший рисунок, прежде чем добавлять цвет. Имейте в виду, что хороший цветовой контраст так же важен, как и цвет.
В заключение, важно изучить все основные принципы хорошей композиции, а также полагаться на свою интуицию. У всех нас есть врожденное чувство того, что выглядит хорошо. Иди со своей кишкой.
Алан Флаттманн, «Небесный ливень», 2019, пастель, 40 x 30 дюймов.
5. Жанна Розье Смит
Композиция, как и рисование, чтение или вождение автомобиля, не требует одного урока. Это требует наслоения информации, опыта и практики с течением времени. Из всех различных советов и уловок, которые помогли мне лучше понять композицию, одна реализация меняет для меня правила игры. Под каждой хорошей картиной лежит сильный абстрактный дизайн.
Как только я установил связь между хорошей композицией и абстрактным лежащим в основе дизайном, мои живописные композиции резко улучшились.Я всегда делал наброски-миниатюры, но лучший дизайн означает мысленный переход от мини-наброска сцены к сведению композиции к ее простейшим элементам: формам разного размера, краям, оттенкам. Сдвиг не столько во внешнем виде миниатюры, сколько в моем мышлении об этом.
Я пишу морские пейзажи и пейзажи как с фотографии, так и на пленэре, и в любом случае я начинаю с узнаваемой сцены, наполненной вещами, которые я могу назвать: небо, море, волны, пена, деревья, горы, долины, тени. В дизайне эскизов я составляю свою картину, упрощая объект передо мной в дизайн на странице, состоящий из форм, краев и значений. Думая абстрактно — не слишком ли правильны эти формы? Нужна ли мне маленькая форма, чтобы компенсировать эту большую? Линия нуждается в смещении? — а не в объектах — я должен убрать это дерево? — я менее привязан к реальности и свободен перемещать элементы, чтобы усилить дизайн. Часто плохая композиция просто из-за чрезмерной приверженности реальности.
Подобно любому приобретенному навыку, такое конструктивное суждение требует тренировки; Я храню и постоянно добавляю в папку картины (как современные, так и классические), которыми восхищаюсь за их превосходную композицию.Я часто возвращаюсь к ним как к урокам и вдохновению.
Жанна Розье Смит, «Глубокий лес», 2019, пастель, 8 x 8 дюймов.
6. Джули Фриман
Историки искусства определили критерии, которые, по их мнению, являются основой хорошей композиции: линия, форма, форма, цвет, пространство. Мы предполагаем, что они основаны на наблюдении за воспринимаемыми успешными произведениями искусства и общими элементами, которые их связывают. В мире искусства композиция считается важной, но иногда произведение работает не по правилам.
Выбранный мной жанр (фотореализм) требует детализации, которую я получаю из собственных эталонных изображений. Довольно часто я смотрю на изображение через объектив камеры и инстинктивно понимаю, что из него получилась бы хорошая картина без анализа или какой-либо мысли о композиционных элементах. Это приятно для глаз. Художественная интуиция?
Моя работа, которая считается успешной, включает в себя основные композиционные элементы (не обязательно все). Я хочу продемонстрировать и прославить свою тему такой, какая она есть, поэтому в этом смысле для меня выбраны варианты цветов .Цвет является важным элементом композиции и может вызвать эмоциональный отклик у зрителя, как и сам выбранный предмет.
Многие мои работы представляют собой более интимное изображение предмета. Я люблю детали, поэтому многие из моих пастелей имеют главный объект спереди и в центре, так сказать, близко и индивидуально. Обычно меньше отрицательного пространства и меньше деталей. Это может быть не в фокусе с предложением цвета и формы или просто однотонным фоном.
Если объект светлый и яркий, я часто использую более темный фон для контраста и выдвигаю его вперед, как в моей серии фламинго. Как правило, контраст элементов в моей работе, будь то цвет, текстура, яркость или резкие/мягкие края, является сильным композиционным инструментом, который я использую.
Мои объекты, такие как морские пейзажи, морские пейзажи или цветы, изначально были составлены через объектив камеры. Затем я беру изображение и играю с ним в дизайнерской программе. Обрезка для меня важна, чтобы продемонстрировать мой объект или элементы в художественном произведении. Я часто увеличиваю изображение и использую фрагмент с полного кадра. Примером этого является Southern Kelp V (см. ниже).
Я думаю, что, хотя цельная композиция может быть приятной для глаз, есть и другие аспекты, которые могут определить, что считается успешным произведением искусства. Художник может считать свою работу успешной, потому что он достиг своей цели, освоил технику, получил награды или продал работу. Зритель может считать его успешным по целому ряду причин, чисто субъективных и не основанных на каком-либо понимании технических элементов.
Подводя итог, мои секреты таковы:
Хорошее кадрирование объекта
Контраст
Цвет
Художественное чутье
Джули Фриман, «Южные водоросли V», 2015 г., пастель, 38 см x 100 см. Это изображение было вырезано из большой фотографии. Я потратил некоторое время на поиски, увеличение и кадрирование, чтобы найти композицию, которая показалась мне сильной. Я хотел показать движение ламинарии, если вы посмотрите на нее в воде, она катится, поэтому было важно иметь эти более мягкие изогнутые части ламинарии.Я также выбрал альбомный формат, чтобы подчеркнуть длину и плавность движения водорослей. Разнообразие форм, не загроможденное, дает ощущение пространства и делает произведение более сбалансированным. Я немного увеличил цвета и контрастность, поэтому бирюзово-голубой был более ярким на фоне зеленой охры.
7. Мишель Моццоне
Планирование! Поскольку я работаю с фотографиями, мне может быть интересно работать с изображением, но очень важно, чтобы я не поддавался желанию прыгнуть прямо в картину.
Я всегда делаю миниатюрные наброски. Я работаю над своими тремя основными значениями в миниатюре — светлый, средний тон и темный.
Манипулирование, обрезка или редактирование элементов в композиции, чтобы направлять взгляд, может быть необходимо, учитывая области отдыха и фокусные точки.
Я стараюсь учитывать негативные пространства, которые я оставляю вокруг и между важными элементами композиции, и варьировать эти пространства, чтобы они были менее предсказуемыми и более интересными для глаз.
Обратите внимание на точки касания — непреднамеренный фокус, вызванный неуклюжим расположением элементов в композиции.
Я ограничиваю свою цветовую палитру, чтобы создать целостность всей композиции.
Все мы знаем правило, что использование нечетных чисел делает композицию более удачной. Но если у меня есть два одинаковых элемента, как на картине ниже, я позволяю одному привлечь больше внимания, отсюда и ярко-красный купальный костюм.
Мишель Моццоне, «Точка зрения», пастель, 12 x 12 дюймов.Продал.
8. Альберт Ханделл
На мой взгляд, вопрос в следующем… Какой аспект предмета самый важный… а какой второстепенный?
Наиболее важной частью обычно является та часть, которая сильнее всего выделяется. Давайте назовем эту область «положительной областью», поскольку она обязательно должна быть окрашена, а остальную часть композиции, поддерживающую ее, — вторичной или отрицательной областью.
Итак, все не так.
В течение многих лет, пока я занимался этим вопросом: «Что важно в этом предмете или в любом предмете, а что второстепенно?» Я обнаружил, что, рисуя виньетки, «незавершенные работы», я мог четко сфокусироваться на той части сцены, которая меня действительно интересовала, и я мог позволить остальному отпасть, таким образом став второстепенным.
Здесь, в этой пастели, написанной на пленэре, я сосредоточился на самой «Скале Короля Льва», названной так потому, что Уолт Дисней жил по соседству с Индийскими садами и использовал ее в своем фильме «Король Лев».
Композиционно… моей первой задачей было установить линию от вершины скалы Короля Льва, от левого верхнего угла зрителя к правому нижнему углу. Чтобы разделить две области, я позаботился о том, чтобы верхняя часть не находилась посередине страницы.
Эта линия в основном длинная и отделяет небо от скалы.Теперь я сосредотачиваюсь на области, которую я хотел нарисовать — назовем ее портретом Короля Льва. Сначала я устанавливаю тени с помощью акварельного подмалевка. Когда я работал над скальными образованиями, и после того, как в значительной степени определил цвета для камней, я добавил немного синего, чтобы сравнить края. Небо я нарисовал позже. Если вы посмотрите на голубизну неба, то увидите, что она в основном окрашена в виде «плоского узора» одного и того же цвета или оттенка по сравнению с оттенками цвета скалы.
Эта начальная линия является началом композиции, устанавливая разделение пространства и заканчивая нетронутой пастелью.
Альберт Хэнделл, «Lion King Rock», акварель, пастель, UART 500 зернистость, 16 x 20 дюймов.
9. Стефани Бердсолл
Хммммм…».Создание хорошей композиции»……. Как только я начинаю представлять свою картину, будь то натюрморт или пейзаж, я ищу путь света и то, как он падает на предмет и проводит сквозь него мои глаза. Я думаю о свете как о мелодии, движущейся по моей картине. Свет также создает темные и светлые паттерны, которые я также ищу, чтобы помочь установить паттерн движения. Я также ищу большие простые формы. Слишком много мелких может создать хаос.
В пейзаже я часто ищу традиционную S-образную кривую, чтобы направлять взгляд по композиции, используя ручьи и реки, равнины на горе, линии деревьев. Опять же, это путь для глаз. Я организую то, что вижу в уме, еще до того, как начну. На пленэре я делаю легкий набросок на холсте или набросок эскиза, нанося свои тени так, чтобы они оставались постоянными при изменении света, потому что они являются частью темного узора.
Моя главная цель в композиции — заставить взгляд зрителя двигаться и останавливаться, но всегда в пределах моей картинной плоскости. Я хочу удерживать их интерес и не позволять им скользить вверх, вниз или по бокам картинной плоскости.
Стефани Бердсолл, «Лимонное дерево, очень красивое», масло, 16 x 20 дюймов.
10. Кристин Суонн
Для меня лучший способ справиться с такой сложной задачей, как композиция, — это обратиться к природе. Я был очарован определенными отношениями в природе и многими системами, которые художники использовали в прошлом для создания гармонии и порядка. Одна из таких взаимосвязей, обнаруженная во всей Вселенной и повторяющаяся в природе (в том числе в человеческом теле), — это последовательность Фибоначчи. Это ряд чисел, который строится сам по себе и обнаруживается в растущих вещах повсюду, создавая особые и красивые дуги. Самый известный пример — раковина наутилуса. Когда-то считавшаяся «отпечатком пальца Бога», эта кривая встречается повсюду, в том числе на внешних краях наших ушей, на ананасах и шишках.
Итак, когда я встретил этого человека, я понял, что хочу нарисовать его грубое лицо.Несмотря на то, что я был бездомным, я не мог не думать о том, что когда-то он был чьим-то голубоглазым маленьким мальчиком. Так что, естественно, голубизна глаз стала моим фокусом. Затем я понял, что могу использовать спираль Фибоначчи в качестве основного компонента портрета. Я начал перемещать элементы и обрезать изображение так, чтобы спираль Фибоначчи вела вокруг одного глаза. Я даже создал рисунок спирали в точном размере картины и держал их рядом на мольберте во время работы, чтобы я мог постоянно проверять размещение меток и элементов.
Чтобы использовать точную спираль, картина должна была быть в правильных пропорциях, поэтому размеры картины составляют 21 x 13 дюймов. Это числа Фибоначчи. Вдоль этой прекрасной универсальной спирали я заставил края вещей — например, его воротник и шляпу — следовать кривой. Затем его бакенбарды и складки на лице были немного изменены, чтобы следовать за ним. Потребовалось некоторое время и много эскизов, чтобы получить точное правильное размещение. Например, где разместить его лицо на картинной плоскости и насколько большим оно должно быть.Как только у меня это получилось, все остальное встало на свои места. Это также дало мне четкие области за пределами спирали, которые не были столь важны. Я знал, что могу «отпустить эти области», и это поможет мне сосредоточиться. Для меня это придало картине необъяснимое изящество, четкую направленность и прекрасный способ контролировать композицию.
Композиция — это не что иное, как художник, демонстрирующий полный контроль над изображением. Неважно, какие отсылки к фотографиям или даже то, что вам подарит ваша модель.Вы, художник, несете ответственность за композицию всех элементов изображения, чтобы рассказать историю, показать фокус и привнести в искусство художественную направленность. Это искусство, которое мы делаем в конце концов. Так что неважно, какая у вас система или мысли относительно композиции, сначала найдите свой фокус, а затем убедитесь, что все остальное поддерживает это.
Кристин Суонн, «Неимущие», пастель, 21 x 13 дюймов
Кристин Суонн, «Неимущие» с розовой спиралью, пастель, 21 x 13 дюймов
11. Аарон Шюрр
Прежде чем я начну, я спрашиваю себя, что привлекло мое внимание? Если заимствовать у Сезанна, что такое «первоначальное ощущение»? На чем я, естественно, сосредотачиваюсь и как это заставляет меня чувствовать? Если ответы будут четкими и однозначными, то, наверное, я готов достать альбом и проработать композицию.Если ответ расплывчатый и неопределенный, мне, возможно, придется пройтись и посмотреть, не будет ли другой угол сцены более динамичным.
«Первоначальное ощущение» может быть маленьким, как отблеск света на сугробе, или огромным, как масштаб возвышающейся вершины. В любом случае, то, что бросается в глаза, диктует, как я создаю картину.
Я должен найти время, чтобы обдумать свое отношение к ландшафту. Это место, которое я мог бы легко исследовать? Или он крутой и негостеприимный? Хорошая композиция — это не только формы, она говорит вам кое-что о том, что художник чувствовал в том месте и в то время.
Аарон Шюрр, «Преображение Осиновой рощи», масло, 27 x 39 дюймов.
12. Лоренцо Чавес
Это очень хороший вопрос, который мне задают много раз во время моих семинаров, которые я провожу по всей стране. Я вел мастер-классы по композиции, на которых мы разбираем основные пейзажные композиции. Впервые я узнал об этом, интенсивно изучая книгу Эдгара Пейна «Композиция наружной живописи » и книгу Бирджа Харрисона «Пейзажная живопись «, обе из которых я очень рекомендую. (Бирдж Харрисон был учителем Джона Ф. Карлсона, написавшего классическую книгу «Пейзажная живопись».)
Я просматриваю композиции со своими учениками, а затем показываю изображения картин, которые отражают эти композиции. Затем я предлагаю своим ученикам сделать вариации композиций, которые они только что выучили, нарисовав их в своих альбомах для рисования. Затем я предлагаю им сделать вариации композиций на ту же тему. Учащиеся находят это упражнение сложным и поучительным.
Составы, которые мы изучаем:
1.Безмен
2. Треугольная конструкция – Весы
3. Конструкция излучающей линии
4. Композиция «Круг или овал»
5. Кривая S или Z
6. Диагональная линия
7. Крест дизайн
8. Прямоугольная или L-образная
Я чувствую, что эти композиции являются проверенной временем и очень уважаемой дизайнерской идеей. Не надо секретов. Их можно увидеть и изучить во многих исторических произведениях и на картинах лучших современных живописцев. Как только ученик знакомится с композиционно-конструкторской арматурой, его легко увидеть в картинах и в природе.
Моя картина «Букет мастеров» основана на дизайне «Излучающая линия» и композиции «Безмена».
Как только вы поймете эти композиции, вы уже никогда не увидите прежнюю природу или, если уж на то пошло, картины в музеях.
Лоренцо Чавес, «Букет мастеров», 2015, пастель, 20 x 24 дюйма.
13. Майкл Фриман
Мой секрет в том, что у меня нет секрета! Хорошая композиция для меня — это просто (или не очень) результат интуиции и опыта.В конечном итоге я доверяю своим подсознательным инстинктам при определении композиции для картины, а не сознательно применяю заранее определенные формулы, правила или принципы.
В конечном итоге «Визуальные элементы» (линия, форма/форма, цвет, текстура, тон/значение, отрицательное/позитивное пространство, глубина и т. д.), «Художественные принципы» (гармония, перспектива, свет и тень, размер, масштаб, детализация, перекрытие, пропорции, баланс, выделение, движение, плоскости/поверхности и т. д.), а также «Композиционные приемы/правила» (упрощение, симметрия, правило третей, правило шансов, геометрия, Фибоначчи, фигура/фон, золотое сечение, направляющие линии). и т. д.) помогают объяснить, почему композиция работает.Тем не менее, решающим фактором для меня, чтобы определить мою окончательную композицию, является то, что кажется правильным!
Для меня начало любого рисования начинается с моей камеры. Это важный инструмент для меня как художника-фотореалиста/гиперреалиста. Я считаю, что камера — очень недооцененный, часто оклеветанный и неправильно понимаемый художественный инструмент. Однако, как и все инструменты любого художника, он хорош настолько, насколько хорош человек, который его использует!
Камера — это отправная точка для создания моей окончательной композиции.Цифровая камера изменила правила игры для художников-фотореалистов/гиперреалистов, поскольку нет ограничений на количество изображений, которые можно сделать. Вы можете активно исследовать все визуальные элементы, художественные принципы и композиционные приемы/правила в режиме реального времени. Вы никогда не сможете сделать слишком много изображений.
Когда я делаю изображения для своих картин, я постоянно играю с физическим миром, чтобы увидеть, что я могу создать с точки зрения изображения: близкое/далекое; вверх вверх/вниз вниз; в фокусе/не в фокусе; светлый темный; спортивный режим/макро; картина ландшафта; 2D/3D; перспектива/отсутствие перспективы; и Т. Д.
Вернувшись в студию, я начинаю критически рассматривать свои фотографии. Я ищу что-то, что кричит: ВЫБЕРИТЕ МЕНЯ! И я выбираю его, потому что он рассказывает историю, захватывает момент, является особенным или уникальным и, конечно же, имеет композицию, которая, как мне кажется, захватит взгляд/воображение зрителя и привлечет его.
После того, как я выберу изображение, я потрачу некоторое время, играя со значениями и завершая обрезку изображения для моей картины.
Картина, которую я выбрал здесь, — это «НЛО», один из моих натюрмортов из серии BuzzyBee.В этом случае есть дополнительный композиционный шаг к тому, что я описал выше. Прежде чем делать какие-либо фотографии, я трачу время на расстановку объектов, которые я выбрал для своего натюрморта, играя с множеством различных физических расположений/композиций, включая освещение.
Композиция для этой картины, я считаю, является хорошим примером многих из: «визуальных элементов»; «Художественные принципы»; и «Композиционные приемы/правила», которые я изложил выше. Тем не менее, я позволю вам решить, что применимо, если применимо, и является ли эта композиция успешной или нет, поскольку только вы можете решить, работает ли эта картина для вас!
Композиция, безусловно, является важнейшим компонентом любой успешной картины.Для меня, однако, именно мой внутренний художественный голос, интуиция и опыт позволяют мне определять композиции моих картин.
Рисуйте то, что любите, и помните самое главное правило: «Правила существуют для того, чтобы их нарушать». Ни один художественный жанр не превосходит любой другой, все они одинаково прекрасны, так что выбирайте тот, который вам ближе, слушайте свой художественный голос и получайте удовольствие!
Майкл Фримен, «НЛО», 2018, пастель, 40 х 20 см.
14. Карен Маргулис
Я подхожу к композиции, думая о том, как зритель может увидеть картину.Моя цель — создать визуальное путешествие для зрителя. Я хочу пригласить их в картину и показать им все вокруг. Я хочу дать им место для отдыха и наслаждения, но при этом провести их через всю картину. Я могу сделать это, создавая визуальные пути с моим выбором композиции. Если я могу помнить о зрителе, когда рисую и проектирую, это помогает мне упорядочивать формы и использовать контраст для создания интересных и успешных композиций. Я думаю о зрителе, прежде чем начать, пока рисую и когда оцениваю картину на предмет отделки.
Карен Маргулис, «Магия болота», 2019, пастель, 8 x 10 дюймов.
15. Мишель Эшби
Для меня хорошая композиция — это искра, которая зажигает огонь в картине. Это элемент, который привлекает нас, заставляет искать дольше, позволяя нашему взгляду направить взгляд на каждый отдельный элемент, из которого состоит картина, и, наконец, остановиться на ее главном фокусе. Композиция — это то, что заставляет зрителя задавать вопросы о произведении.
Правила, которые я собираюсь передать, я унес с собой много-много лет назад, когда я сначала учился в колледже, а затем в университете и учился на степень бакалавра (с отличием) в области графического дизайна.Каждый из них является важным фактором при составлении вашей картины. НО, и это большое НО, правила всегда существуют, чтобы их нарушать.
Правило третей — это то, о чем я всегда думаю, когда строю свою композицию. Представьте, что вы делите бумагу на три части по вертикали и горизонтали, а затем вместо того, чтобы размещать фокальную точку в мертвом центре страницы, подумайте о смещении ее так, чтобы изображение располагалось на пересечении одного из делений или на одной из линий.Посмотрите, как он создает гораздо более интересную композицию. На моей картине «Чили вуду» вы видите, как лицо и, что более важно, черты лица (возможно, фокус) расположены со смещением от центра в левой трети?
Обрамление — еще один важный момент, о котором следует подумать при выборе композиции. Он должен подчеркивать предмет и привлекать внимание зрителя к определенной точке любой картины. По сути, избавьтесь от всего, что ничего не приносит на стол! В частности, при создании портрета подумайте о том, что можно использовать для обрамления вашего произведения.В своей картине мне посчастливилось использовать естественную оправу красивых волос моей натурщицы. Рассмотрите возможность использования рук, шарфов, другого няни или внешних конструкций, таких как двери и окна.
Всегда контролируй свое внимание! Если в вашем кадре слишком много всего происходит, это может означать, что зритель просто продолжает искать точку фокусировки. Это неизбежно означает, что им надоест искать, когда они не смогут его найти. Конечно, у вас могут быть и второстепенные точки фокусировки, но убедитесь, что они не отвлекают все внимание!
Мишель Эшби, «Voodoo Chile», 2018 г., пастель и жидкий акрил, 16 x 16 дюймов.
16. Крис Айверс
Я, вероятно, подхожу к этому с совершенно другой точки зрения, чем многие другие традиционные художники, потому что я в значительной степени сочиняю через объектив камеры. Поскольку я проработал более 40 лет в мире рекламы и маркетинга и прошел путь от молодого художника по доскам в КПЗ до креативного директора собственного рекламного агентства, мне удобно «обмеривать» свои композиции прямоугольным форматом. Он может быть вертикальным или горизонтальным, но после стольких лет фотографического искусства и макета довольно легко увидеть, что нравится моему глазу.
Будь то двухстраничный горизонтальный разворот или вертикальная обложка журнала, я использовал те же визуальные аспекты, которые делают любую картину, над которой я работаю, успешной: точки фокусировки, перемещение зрителя по картине, контраст, цвет и движение. Несколько лет назад я даже не знала, что такое «золотая середина»! Доказывает, что художественная школа ничему меня не научила в 70-х!
Работа с креативными профессиональными фотографами на протяжении многих лет очень помогала мне на протяжении всей моей карьеры и помогает мне по сей день.Рассказ истории был в центре внимания любой рекламы, которую я создавал, и то же самое остается в силе и с рисованием. Взять камеру, чтобы «примерить» макет на пленэре, — единственный способ, которым я могу рисовать на улице. Со всем «шумом», который может предложить Мать-природа, я успокаиваю ее, чтобы рисовать вместе с ней.
Так что мне удобно носить с собой телефон и камеру и делать снимки с большим количеством «выбросов», поэтому, когда я переношу эти снимки в Photoshop, у меня достаточно изображения, чтобы обрезать то, что может помешать композиции.Я думаю, у меня есть «чувство» относительно того, что такое хорошая или плохая композиция в фоторамке, и если мне нравится композиция на фотографии, я уверен, что мне понравится рисовать эту сцену.
Крис Айверс, «Стекло», пастель, 12 x 16 дюймов.
17. Кларенс Портер
Хороший состав встречается в природе естественным образом – его нужно только искать. Я смотрю на мир, как на картину, и ношу с собой камеру, чтобы запечатлеть образы. Обычно я фотографирую с учетом «Правила третей», чтобы прояснить свои композиции. Это не жесткое соблюдение, но я обнаружил, что интересующие меня сцены, как правило, придерживаются «Правила». Я смотрю на размещение элементов и на то, как они соотносятся друг с другом и пересечениями «третей». Я также ищу баланс между объектами в сцене и балансом их темных/светлых тонов.
Я делаю небольшие этюды с тремя значениями (темные, средние тона, светлые) из своих эталонных снимков и уменьшаю элементы сцены до их простейших форм. Это помогает мне уточнить мою композицию. Этюды ценности становятся основой для моего подмалевка.Затем я делаю небольшое исследование цвета, чтобы зафиксировать основные области цвета. А потом… прочь, я ухожу!
Кларенс Портер, «The Reaching — No6», 2019, пастель, 23 x 23 дюйма
18. Жанна Танни
Хотя, безусловно, полезно знать принципы композиции — правило третей, расположение фокуса, включение различных размеров, форм и интервалов — я чувствую, что еще важнее применять эти принципы. чтобы поддержать первоначальную концепцию картины. Это пейзаж о небе? Или это о земле или воде? Изменение традиционного расположения линии горизонта может добавить картине драматизма.
Как насчет размещения фокуса в неожиданном месте? Может ли добавление других областей интересов в качестве баланса заставить его работать? Ведут ли эти композиционные элементы ваш взгляд по всей картине, заставляя зрителя задерживаться в определенных местах, чтобы рассмотреть поближе?
Все эти вопросы стоит рассмотреть, а не просто следовать шаблонному подходу.Важно не упускать из виду причину создания картины, в первую очередь, композиция должна поддерживать ваше намерение!
Жанна Тангни, «Янтарное сияние», 2019, пастель, 12 x 8 дюймов.
19. Салли Стрэнд
Прежде чем начать рисовать, я «думаю» на бумаге карандашом или фломастерами, используя очень маленькие эскизы (не рисунки — это «идея»). Миниатюры или эскизы Notan составляют около 1-2 дюймов. Я прищуриваюсь и пытаюсь объединить значения в три-четыре основные формы значений без каких-либо подробностей.
Нижние левые эскизы в моем альбоме для рисования показывают процесс моего мышления. Слева показан образец ценности, который я сделал из боулеров на лужайке (одетых в белое), размещенных на темном фоне. Справа я думал сделать фигуры темнее светлого фона, что меняет эмоциональный климат произведения.
Я рисовал эту серию, используя темный фон, чтобы оттенить белую одежду. Изменив структуру оттенков и сделав цветовую палитру тональной и нейтральной, он полностью изменил ощущение этой серии.Я был доволен этим измененным результатом, и судьи присудили этой картине главный приз в Нью-Йорке.
Салли Стрэнд, «Player Series No10», бумага, пастель, 30 x 22 дюйма. Получила Мемориальную премию Джозефа В. Гиффуни на 26-й ежегодной выставке PSA в Нью-Йорке. Салли Стрэнд, наброски для «Player Series No10».
20. Дуэйн Уэйкхэм
Прибрежный ландшафт центральной и северной Калифорнии был моим основным предметом более 50 лет. Сначала я рисовал маслом, а пастелью занялся только в середине 1980-х, когда один из моих дилеров запросил несколько работ и на бумаге. В последние годы я работал в основном пастелью.
Поскольку большую часть своей карьеры я работал художником в студии, я признаю, что использую фотографии для справки. Беглый взгляд на Estero Evenin г, характерный для моего стиля пастельной живописи, свидетельствует о том, что меня не интересует фотореализм . Я думаю, что предполагает реализм, более точно описывает то, как я рисую.
Что касается сегодняшней темы — Композиция — моя мантра звучит так: «Картина — это сочетание форм и цветов.” На протяжении всего процесса рисования я стараюсь сосредоточиться на композиции, а не на сюжете. Только когда я удовлетворен распределением форм и цвета, я обращаю внимание на то, чтобы сделать предмет настолько убедительным, насколько я считаю необходимым.
Работая пастелью или маслом, я начинаю с того, что принимаю края бумаги или холста за первые четыре линии композиции; все последующие линии и фигуры, которые добавляются, относятся к этим краям без последующей обрезки для сохранения рисунка. Как художник-пейзажист, первая нарисованная линия почти всегда является горизонтальной, идущей по всей ширине рабочей поверхности, чтобы установить как линию горизонта (в этой картине линию воды), так и уровень глаз зрителя. Все дополнительные линии и фигуры рисуются по отношению к этой начальной линии. Получившаяся базовая композиция Estero Evening очень проста – три линии, четыре формы. Подразделение каждой из четырех фигур начало показывать минимальное определение предполагаемого объекта, но не было подробным рисунком сцены.
Переход в цвет заключался в блокировании каждой из основных форм одним цветом, который затем растворялся денатурированным спиртом, создавая упрощенный подмалевок. Как только работа уже началась, мой подход всегда заключался в том, чтобы работать над всей поверхностью более или менее в одно и то же время, чтобы всякий раз, когда я делаю перерыв, все было проработано примерно в одинаковой степени. Каждый раз, когда я подбираю новый цвет, я использую его по всей картине.
В отличие от исследований, которые можно выполнить за считанные минуты, картина, такая как Estero Evening , может занять несколько дней или больше, отчасти потому, что я трачу так много времени на размышления о том, где и как изменить цвет, накладывая его на другие цвета. тесно связаны как по величине, так и по интенсивности.Об этом свидетельствует вся картина; ни одна область не может быть определена как одноцветная.
Больше всего меня удовлетворяет верхний левый угол картины с двумя простыми изображениями бухты Дрейкс* и вечерним светом, отражающимся от утесов за много миль вдали. Хотя цвета скал и гор за ними могут показаться изолированными, они проступают через картину. Если я могу повторить, «картина — это сочетание форм и цветов».
* Эстеро и залив Дрейка являются частью национального побережья Пойнт-Рейес.
Duane Wakeham, «Estero Evening», пастель на бумаге Arches CP, загрунтованной смесью левкаса и пемзы, 19 x 29 дюймов.
~~~~~~
Как отметил Дуэйн Уэйкхэм в своем ответе на мой вопрос, теперь их секреты больше не секреты!
Я так счастлив поделиться с вами этой коллективной мудростью. Вы знаете, как я люблю ваши отзывы, и в этом случае, когда участвует так много артистов, я определенно призываю вас оставить для них ответ ниже.
До следующего раза!
~ Гейл
шт.Выше было несколько ссылок на книги, и я собрал их все здесь вместе с книгами, написанными некоторыми из моих гостей.
правила художественной композиции Архивы — Картины маслом Терезы Бернард
Пространство, используемое в искусстве, относится к расстоянию или области между, вокруг, сверху, снизу или внутри форм и форм, встречающихся в композиции. В этом обсуждении мы более подробно рассмотрим несколько различных способов использования пространства в искусстве. Это:
Положительное пространство
Негативное пространство
Двумерное пространство
Трехмерное пространство
Положительное и отрицательное пространство
В искусстве есть два типа пространства: положительное и отрицательное. И положительное, и отрицательное пространство являются важными факторами, которые следует учитывать в каждой хорошей композиции. Они встречаются как в двухмерном, так и в трехмерном искусстве и дополняют друг друга. Одно воздействует и влияет на прочтение другого.
Положительное пространство
«Занятые» области в произведении искусства, заполненные линиями, цветами и формами, называются «позитивным пространством». Другими словами, основной предмет картины; животные, растения, здания, горы, вазы, люди и т. д., которые составляют вашу область интересов. Обычно он доминирует над глазом и является фокусом в композиции.
В примере положительное пространство (область черного цвета) — это сама форма, то есть ваза, отдельные буквы или слова «положительное пространство».
Негативное пространство
С другой стороны, «негативное пространство» — это незанятые области, окружающие объект съемки. Он более пассивен и определяется границами окружающего его положительного пространства. Негативное пространство помогает придать смысл композиции.
В примере это «пустое пространство» (область черного цвета) или незанятые области, лежащие между объектами, фигурами и формами в композиции, а также пространство на заднем плане, которое сначала не заметно. Он идет во всех направлениях и продолжается вечно. Он течет внутри, вокруг и между формами и объектами.
Вы видите фигуры в негативном пространстве? Негативное пространство имеет вес и массу и играет жизненно важную роль в определении вашего объекта. Это не просто отсутствие чего-то.
Негативное пространство наиболее очевидно, когда пространство вокруг предмета, а не сама форма, образует интересную или художественно уместную форму. В этом случае негативное пространство является очень важным элементом художественной композиции. В приведенном выше примере негативное пространство образует фигуру двух мужчин, стоящих лицом к лицу.
Кроме того, отрицательное пространство жизненно важно в композиции, потому что оно уравновешивает положительное пространство, давая глазам место для отдыха, особенно когда композиция очень загружена.
Двух- и трехмерное пространство
Двумерное (2D) пространство находится на плоской поверхности, такой как холст или бумага. У него нет глубины, только длина и ширина. Он состоит из прямых или изогнутых линий или из того и другого и может иметь любое количество сторон.
В этом примере двухмерное изображение кажется плоским, потому что все объекты и формы лежат в одной плоскости. Нет ощущения глубины. Однако одно и то же двумерное пространство можно сделать трехмерным, если придать ему ощущение глубины.
Трехмерное (3D) пространство имеет ширину, высоту и глубину. Когда мы смотрим на плоский холст и чувствуем, что смотрим на пространства и объекты, которые кажутся объемными, мы получаем и верим группе визуальных сигналов, работающих на создание иллюзии трехмерных форм и областей. Это происходит, когда визуально создается ощущение пространства, которое кажется имеющим высоту, ширину и глубину, как это было сделано с вазой в показанном примере.
Эти трехмерные сигналы настолько распространены в природе, что мы почти не осознаем их.Тем не менее, в руках опытного художника эти 3D-подсказки можно использовать для создания иллюзии трехмерности на плоской поверхности холста.
Создание трехмерного пространства на плоской поверхности
Инструменты, необходимые для создания иллюзии трехмерного пространства :
Перекрывающиеся объекты
Изменение размера и размещения связанных объектов
Линейная перспектива
Относительный оттенок и значение
Атмосферная перспектива
Перекрывающиеся объекты в вашей композиции — самый простой инструмент, который вы можете использовать для создания трехмерного пространства в своей картине или рисунке.Эффект достигается за счет того, что контур одной формы прерывается контуром другой формы, так что создается впечатление, что одна форма физически сидит перед другой.
Еще одним простым инструментом для создания иллюзии трехмерного пространства является изменение размера и размещения связанных объектов. Например, когда две фигуры одинакового размера расположены в одной плоскости, изображение выглядит относительно плоским и не имеет большой глубины. Однако, просто изменяя размер и размещение фигур, создается более сильное ощущение глубины.
Как правило, более крупные объекты кажутся ближе к зрителю, а более мелкие — удаляются на задний план. Кроме того, объекты, расположенные ниже на холсте, кажутся ближе на расстоянии, чем те, которые расположены выше.
Линейная перспектива (также известная как сходящиеся линии) — это графическая система, используемая художниками для создания иллюзии глубины и объема на плоской поверхности. Когда объекты удаляются от зрителя, кажется, что они становятся меньше и сходятся к точке схода на линии горизонта. Эффективное использование линейной перспективы создает эту иллюзию уменьшения размера, рассматривая края как сходящиеся параллельные линии. Точка схода может быть в любом направлении взгляда зрителя, в том числе вверх, а также может быть видимой (на холсте) или воображаемой (где-то за пределами холста).
Использование относительного оттенка и значения для создания 3D-пространства на плоской поверхности холста является важными подсказками, которые говорят нам, находится ли объект близко или далеко. Как правило, теплые цвета или оттенки кажутся ближе, тогда как холодные оттенки удаляются от зрителя.Точно так же близкие объекты, как правило, демонстрируют более яркие, насыщенные оттенки и более контрастные значения, включая крайности темного и светлого. Однако удаленные объекты имеют тенденцию быть либо похожими, либо нейтральными по значению и иметь более серые оттенки. Так, близкие по значению цвета воспринимаются как находящиеся на одной или близкой плоскости, а цвета с сильным контрастом по значению появляются на разных плоскостях.
Атмосферная перспектива объединяет в себе несколько уже описанных выше инструментов. Этот важный инструмент работает, когда объекты, находящиеся далеко, не имеют контраста, детализации и текстуры.По мере того, как объекты удаляются, атмосферная перспектива показывает, что цвет постепенно выцветает до голубовато-серого, а детали размываются, имитируя то, как удаленные объекты кажутся человеческому глазу.
Как правило, при использовании этого инструмента помните, что цвета имеют тенденцию бледнеть и исчезать по мере удаления вдаль, а объекты становятся менее четкими и теряют детализацию.
Глубокий космос в искусстве
При эффективном использовании все инструменты, необходимые для создания иллюзии трехмерного пространства, создадут ощущение «глубокого пространства» в вашей картине.В глубоком космосе для описания глубины используются три термина:
Передний план — это область картины, которая визуально кажется ближайшей к зрителю. Он часто располагается на нижней плоскости или дне полотна.
Средний план — это пространство, которое составляет расстояние между передним планом и фоном картины. Не существует конкретного измерения того, каковы пределы. Обычно он располагается где-то на средней плоскости полотна.
Фон — это область на картине, которая визуально кажется далекой на расстоянии на горизонте или рядом с ним. Обычно он располагается на более высокой плоскости полотна.
Резюме
Поскольку плоская поверхность, такая как холст, содержит только двухмерное пространство, художник может создать трехмерную иллюзию. Когда художник начинает резать, делить и перестраивать поверхностное пространство плоской поверхности, может появиться иллюзия глубины.Даже малейшие манипуляции с линией, значением или цветом создадут иллюзию трехмерного пространства.
Есть несколько способов создать иллюзию расстояния или глубины на плоской поверхности. Вот некоторые из этих способов:
Предметы, которые находятся дальше, будут казаться меньше, чем те, что находятся ближе. Те же самые объекты также будут становиться менее различимыми по мере их удаления. Их цвета исчезнут и смешаются с цветами фона.
Объекты, расположенные выше на плоскости, создают ощущение глубины или расстояния.Таким образом, зритель чувствует, что он стоит в стороне от объектов и что на переднем плане большое пространство.
Перекрывающиеся формы создают ощущение глубины.
Расстановка света. Когда свет контрастирует с тьмой, возникает ощущение глубины.
Сходящиеся линии. Когда они удаляются вдаль, кажется, что параллельные линии сближаются, образуя точку схода, которую можно увидеть или не увидеть. Отличным примером этого является дорога или тропинка.
цветов. Теплые и яркие цвета кажутся ближе, тогда как холодные или тусклые цвета имеют тенденцию отдаляться.
Нажмите для получения дополнительной информации о перспективе в чертеже.
Примеры эффективного использования Space
Положительное и отрицательное пространство
Плоские задние тени и фон на картине слева представляют собой отличный пример эффективного использования положительного и отрицательного пространства в этой двухмерной картине.
Картина справа демонстрирует положительное и отрицательное пространство в трехмерном изображении. Видите ли вы здесь положительное и отрицательное? Рыба занимает положительное пространство, а вода представляет собой отрицательное пространство вокруг рыбы.
Перекрывающиеся объекты
Перекрывающиеся объекты — полезный инструмент для создания иллюзии 3D. В зависимости от того, как он применяется, может создать ощущение глубокого или мелкого пространства в композиции.
Например, Статуя Свободы перекрывает реку и горизонт, что помогает создать большее ощущение глубины, чем другая картина.На картине со статуей мы получаем ощущение глубокого пространства, а на другой картине пространство неглубокое.
Изменение размера и размещения
Изменение размера и расположения объектов на этих двух картинах помогает придать картине большую глубину. Например, изменение размера индейцев заставляет их казаться далеко на картине с ковбоем. Точно так же размещение балерин на более высокой плоскости, чем те, что впереди, отодвигает их дальше на задний план.
Линейная перспектива
Видите, как перспектива придает картинам ощущение глубины? Три картины выше имеют мощную одно- или двухточечную перспективу, которая помогает создать иллюзию трехмерности.
На первой картине перспектива дает ощущение, что поезд удаляется, но на следующей картине она тянет вас по коридору.
Перспектива также может сделать объекты трехмерными, как на картине со зданием.Художник использовал двухточечную перспективу, чтобы создать объект, который кажется объемным. Без двухточечной перспективы этому зданию не хватало бы глубины, и оно казалось бы плоским.
Оттенок и значение
Теплые цвета привлекают внимание. Холодные цвета уходят вдаль. Пейзажная живопись является хорошим примером использования этого инструмента.
На втором рисунке свет движется к вам, а тьма уходит на задний план.
Атмосферная перспектива
Когда объекты удаляются вдаль, они становятся менее детализированными и серыми.Например, обратите внимание на горизонт и гору на этих двух картинах.
Для получения дополнительной информации об атмосферной перспективе см. Создание глубины ваших картин с помощью атмосферной перспективы .
Глубокий космос
При эффективном использовании все инструменты (перекрытие, перспектива, атмосфера, оттенок и яркость) могут создать ощущение глубокого космоса.
Вопросы
Каково определение пространства применительно к искусству?
Как используется пространство в искусстве?
Ваш следующий урок рисования
Если вам понравился этот урок, обязательно ознакомьтесь с другим из этой серии.
Принцип хорошего дизайна: введение
Принцип хорошего дизайна: Сбалансированность
Принцип хорошего дизайна: Контраст
Принцип хорошего дизайна: Акцент
Принцип хорошего дизайна: Механизм
Принцип хорошего дизайна: Пропорция
Принцип хорошего дизайна: Космос — Вы здесь
Принцип хорошего дизайна: Визуальная экономия
Принцип хорошего дизайна: Единство
Дополнительные уроки искусства
Основные элементы искусства,
Базовый элемент искусства — цвет, часть 1
Базовый элемент искусства — цвет, часть 2
Базовый художественный элемент — линия
Базовый элемент искусства — Космос
Базовый элемент искусства — Текстура
Базовый элемент искусства — Стоимость
Есть вопрос?
Если у вас есть вопросы об этой картине, свяжитесь с нами, и мы будем рады ответить на любые ваши вопросы.
Спасибо, что прочитали этот урок рисования!
Не стесняйтесь поделиться этим с друзьями.
ОБНОВЛЕНО: 24 июля 2021 г.
Нравится эта страница? Пожалуйста, поделитесь им. Спасибо!
Элементы искусства (обучение в Гетти)
На этой странице приведены определения и примеры элементов искусства, которые используются художниками, работающими в различных медиа. Элементы искусства — это компоненты или части произведения искусства, которые можно выделить и определить.Они являются строительными блоками, используемыми для создания произведения искусства.
Учащиеся, которые могут определить элементы и оценить их роль в композиции произведения искусства, смогут лучше понять выбор художника. Они будут подготовлены для решения вопроса о том, является ли произведение искусства успешным и почему.
Расположение элементов в произведении искусства. Все произведения искусства имеют порядок, определенный художником. Композиция создает иерархию внутри произведения, которая сообщает зрителю об относительной важности изображений и включенных элементов.
Симметричные композиции создают ощущение стабильности. В этом примере одна большая фигура в центре окружена фигурой меньшего размера с обеих сторон. Форма самого произведения искусства также симметрична — вертикальная линия, делящая изображение пополам, создаст две равные половины, которые являются зеркальными отображениями друг друга.
Асимметричные композиции часто создают ощущение движения, поскольку элементы композиции не сбалансированы.В этом примере художник использовал органические формы для создания композиции, имитирующей движение лиан, растущих беспорядочно по циферблату часов.
Линия — это идентифицируемый путь, созданный точкой, движущейся в пространстве. Он одномерный и может различаться по ширине, направлению и длине. Линии часто определяют края формы. Линии могут быть горизонтальными, вертикальными или диагональными, прямыми или изогнутыми, толстыми или тонкими. Они ведут ваш взгляд по композиции и могут передавать информацию своим характером и направлением.
Примеры:
Горизонтальные линии предполагают ощущение покоя или отдыха, потому что объекты, параллельные земле, находятся в состоянии покоя. В этом пейзаже горизонтальные линии также помогают создать ощущение пространства. Линии очерчивают участки ландшафта, уходящие в пространство. Они также предполагают продолжение пейзажа за пределы картинной плоскости влево и вправо.
Вертикальные линии часто передают ощущение высоты, потому что они перпендикулярны земле и простираются вверх к небу. В интерьере этой церкви вертикальные линии намекают на духовность, возвышающуюся над человеческой досягаемостью к небесам.
Горизонтальные и вертикальные линии, используемые в комбинации , сообщают о стабильности и солидности. Прямолинейные формы с углами 90 градусов конструктивно устойчивы. Эта стабильность предполагает постоянство и надежность.
Диагональные линии передают ощущение движения. Объекты в диагональном положении неустойчивы. Поскольку они не вертикальны и не горизонтальны, они либо вот-вот упадут, либо уже находятся в движении. Ракурсы корабля и скалы на берегу передают ощущение движения или скорости в этой бурной сцене в гавани.
В двухмерной композиции диагональные линии также могут обозначать глубину через перспективу. Эти диагональные линии визуально втягивают зрителя в изображение. Например, на этой фотографии диагональные линии уводят взгляд в пространство к точке, где линии сходятся.
Изгиб линии может передавать энергию. Мягкие, неглубокие изгибы напоминают изгибы человеческого тела и часто имеют приятный, чувственный характер и смягчают композицию. Край бассейна на этой фотографии плавно подводит взгляд к скульптурам на горизонте.
Резко изогнутые или закрученные линии могут передать суматоху, хаос и даже насилие. В этой скульптуре линии изгибающихся тел и змея помогают передать интенсивность борьбы со змеиной мертвой хваткой.
При повторении линии могут создавать узор . В этом примере художник повторил разные виды линий по всей композиции, чтобы создать различные узоры.Узорчатые линии также придают изображению ритм .
Форма и форма определяют объекты в пространстве. Фигуры имеют два измерения — высоту и ширину — и обычно определяются линиями. Формы существуют в трех измерениях: высота, ширина и глубина.
Примеры:
Форма имеет только высоту и ширину.Форма обычно, хотя и не всегда, определяется линией, которая может обеспечить ее контур. На этом изображении в композиции преобладают прямоугольники и овалы. Они описывают архитектурные детали иллюзионистской потолочной фрески.
Форма имеет глубину, ширину и высоту. Объемная форма лежит в основе скульптуры, мебели и декоративно-прикладного искусства. Трехмерные формы можно увидеть более чем с одной стороны, например, эту скульптуру вздыбленной лошади.
Комод, Жан-Франсуа Эбен, около 1760 г.
Геометрические фигуры и формы включают математические именованные формы, такие как квадраты, прямоугольники, круги, кубы, сферы и конусы. Геометрические фигуры и формы часто создаются человеком. Однако многие природные формы также имеют геометрические формы. Этот шкаф украшен узорами из геометрических фигур.
Органические формы и формы обычно неправильные или асимметричные. Органические формы часто встречаются в природе, но искусственные формы также могут имитировать органические формы. В этом венке используются органические формы для имитации листьев и ягод.
Повторяющиеся фигуры и формы также создают узоры. На этой странице рукописи повторяющиеся органические цветочные формы создают узор.
На этой фотографии геометрические фигуры и линии повторяются, образуя узор .
Реальное пространство трехмерно. Пространство в произведении искусства относится к ощущению глубины или трехмерности. Это также может относиться к использованию художником области в картинной плоскости. Область вокруг первичных объектов в произведении искусства известна как негативное пространство, а пространство, занимаемое первичными объектами, известно как позитивное пространство.
Примеры:
Положительное и отрицательное пространство
Отношение положительного к отрицательному пространству может сильно повлиять на воздействие произведения искусства. На этом рисунке человек и его тень занимают позитивное пространство, а окружающее его белое пространство — негативное пространство. Непропорциональное количество отрицательного пространства подчеркивает уязвимость и изоляцию фигуры.
Трехмерное пространство
Идеальная иллюзия трехмерного пространства в двухмерном произведении искусства — это то, над чем трудились многие художники, такие как Питер Санредам.Иллюзия пространства достигается за счет приемов перспективного рисования и штриховки.
Свет отражается от объектов. Цвет имеет три основные характеристики: оттенок (красный, зеленый, синий и т. д.), значение (насколько он светлый или темный) и интенсивность (насколько он яркий или тусклый). Цвета можно описать как теплые (красный, желтый) или холодные (синий, серый), в зависимости от того, на какой конец цветового спектра они попадают.
Примеры:
Значение описывает яркость цвета. Художники используют значение цвета для создания различных настроений. Темные цвета в композиции предполагают недостаток света, как в ночной или интерьерной сцене. Темные цвета часто могут передать ощущение тайны или предчувствия.
Светлые цвета часто описывают источник света или свет, отраженный в композиции. На этой картине темные цвета предполагают ночную или внутреннюю сцену.Художник использовал светлые тона для описания света, создаваемого пламенем свечи.
Интенсивность описывает чистоту или интенсивность цвета. Яркие цвета неразбавлены и часто ассоциируются с положительной энергетикой и повышенными эмоциями. Тусклые цвета были разбавлены смешением с другими цветами и создают уравновешенное или серьезное настроение. В этом образе художник уловил и серьезность, и радость сцены с тускло-серым каменным интерьером и ярко-красной драпировкой.
Качество поверхности объекта, которое мы ощущаем посредством прикосновения. Все объекты имеют физическую текстуру. Художники также могут визуально передавать текстуру в двух измерениях.
В двухмерном произведении искусства текстура дает визуальное ощущение того, как изображенный объект будет ощущаться в реальной жизни при прикосновении: твердый, мягкий, шероховатый, гладкий, волосатый, кожистый, острый и т. д. В трехмерных произведениях , художники используют настоящую текстуру, чтобы придать своей работе тактильные качества.
Примеры:
Текстура, изображенная в двух измерениях
Художники используют цвет, линии и штриховку для создания текстуры. На этой картине мужской халат окрашен под шелк. Умение убедительно изображать ткань разных типов было одной из отличительных черт великого живописца XVII века.
Письменный стол, французский, 1692–1700 гг.
Текстура поверхности
Поверхность этого письменного стола металлическая и твердая.Твердая поверхность функциональна для объекта, который использовался бы для письма. Гладкая поверхность письменного стола отражает свет, придавая блеск этому предмету мебели.
Что такое композиция и почему она так важна в рисовании?
Рисование — сложный навык. Вам нужно изучить такие вещи, как ручное мастерство, техники карандаша, точность, перспективу, жесты, анатомию, свет и тень… еще может быть что-то не так с ним.Этот неуловимый фактор называется составом.
Плохая композиция может разрушить эффект даже самого изысканного произведения искусства. Тем не менее, эта тема часто замалчивается на уроках рисования, приводятся лишь несколько примеров хороших и плохих композиций, оставляя все на вашу интуицию.
В этой статье я хотел бы применить более практичный подход к композиции. Что это на самом деле? Из чего это сделано? И, самое главное, как вы можете убедиться, что ваша композиция получится до того, как вы разместите свою первую строчку, вместо того, чтобы увидеть ее только после того, как все будет сделано? Продолжайте читать, и я отвечу на эти вопросы для вас!
Что такое композиция и почему она так важна?
Проще говоря, композиция — это такое расположение элементов, которое заставляет нас видеть их как единое целое.Каждая работа имеет композиций, некоторые . Его либо сознательно создаешь, либо случайно, но без него рисунок не создашь.
В более практическом смысле композиция — это отношение между элементами картины. И это отношение, а не элементы, первое, что мы замечаем. В то же время он фактически невидим для нас. Это как скелет живого существа — костей не видно, но они делают тело таким, каким оно есть. Без скелета не было бы формы.
Скелет создает форму, будучи невидимым для нас.
Но это форма, которую мы видим, и если попытаться нарисовать только форму, то может получиться что-то неестественное. Вы можете случайно создать форму, которая выглядит правильно, но знание влияния скелета увеличивает ваши шансы сделать это.
То же самое и с композицией. Вы можете попытаться угадать, как разместить элементы изображения и пожелать лучшего, но вы также можете узнать, что делает произведение искусства красивым, и использовать эти знания в своих интересах.
В основе хорошей композиции лежит баланс. Слишком много так же плохо, как слишком маленький. Если ваш рисунок — это блюдо, то композиция — это приправа. Нет независимо от того, сколько времени вы провели на кухне, неправильно использовали приправы могут испортить вашу работу. Но что значит «правильный»? А какие «приправы» состава?
Что такое элементы композиции в рисунке?

Поскольку композиция является отношением, для этого должно быть как минимум два элемента.Эта связь между ними может быть основана на многих факторах, что делает этот вопрос таким сложным. Давайте рассмотрим их один за другим.
Кадрирование и негативное пространство

Хотя для композиции требуется как минимум два элемента, вы не можете избежать создания композиции, нарисовав один элемент. Всегда будет связь между этим одним элементом и кадром .
Под «рамой» я имею в виду не только богато украшенные рамы традиционных картин. Рамка – это граница произведения искусства.Даже если вас это совершенно не волнует, рамка создается краями вашего листа бумаги, или, если вы его фотографируете, кадрированием.
Другими словами, рамка — это граница между тем, что является частью произведения искусства, и тем, что не является. Эта граница становится частью композиции, как только вы что-то рисуете внутри нее — это мини-вселенная вашего произведения искусства. Когда вы показываете свое искусство кому-то, его глаза смотрят на весь кадр как единое целое, независимо от того, где находится настоящий рисунок.
1 — произведение искусства; 2 — не произведение искусства
Вот мы и подошли к проблеме негативного пространства.На картинке мы видим не только то, что нарисовано, но и то, чего нет. Область между рисунком и рамкой не является «пустым». Мы видим его, хотя он не был создан сознательно. И даже если мы проигнорируем эту часть, она все равно добавит смысл картине и повлияет на наше восприятие ее.
Позитивное пространство против отрицательного — когда вы создаете одно, другое создается автоматически
Примеры
Здесь рисунок крошечный по сравнению с остальной частью рисунка.Зритель увидит много космоса и персонажа. Собственно, космос — звезда этой картины! Если вы этого хотели, то в этой композиции нет ничего плохого — она показывает ничтожность персонажа, что может быть полезно. Если это не было вашей целью, и вы хотели, чтобы персонаж был звездой, это ошибка.
Здесь обратная ситуация. Персонаж занимает почти все пространство, и в результате становится пространством. Персонаж здесь на самом деле произведение искусства, а не персонаж произведения искусства.Вместо этого его детали становятся персонажами.
Здесь персонаж выглядит так, будто пытается покинуть иллюстрацию. Зритель увидит много пустого пространства и персонажа, не заинтересованного в собственном отображении. Это хорошо или плохо? Опять же, это вопрос намерения.
Упражнение
Как сделать эти композиции интереснее? Подсказка: нет единого правильного решения для каждого.
Контраст
Композицию можно объяснить, главным образом, показав сравнение между элементами.Контраст является мерой различия между ними. Это очень важно, потому что мы видим в сравнении — мы сравниваем белое пространство с темными линиями, чтобы увидеть рисунок.
Контраст делает вещи интересными, потому что привлекает наше внимание. Он разделяет две вещи, заставляя нас смотреть на них по отдельности. Изображения ниже имеют такое же количество элементов, но изображение справа имеет более высокий контраст. Какая композиция кажется вам более интересной?
Высокая контрастность позволяет быстро находить элемент, что вызывает внезапный всплеск интереса.Низкая контрастность показывает вам то же самое медленнее, с большим усилием, что приводит к приглушенной реакции.
Когда вы смотрите на картинку, вы сравниваете различные характеристики элементов, чтобы визуально сгруппировать их для более быстрой реакции. Чем выше контраст, тем легче сделать такую группировку и тем приятнее она кажется. Есть много характеристик, которые мы можем использовать для измерения контраста:
Размер (большой или маленький)
Форма (острый vs.тупой, продолговатый или круглый)
Затенение (темный против яркого)
Оттенок (красный против зеленого, синий против оранжевого)
Материалы (блестящие и матовые)
Тема (большой злой волк против младенца, натюрморт против движения)
Мы можем использовать все эти характеристики для создания контраста в нашей композиции. Однако здесь есть одна загвоздка. Контраст нуждается в балансе, чтобы работать. Слишком много разных вещей становится одним — хаосом.Слишком немногие также становятся одним — порядком. Чтобы добиться естественного эффекта, нужно сбалансировать хаос и порядок.
1 — хаос; 2—баланс; 3 — заказ
Контраст настолько силен, потому что он имеет эволюционное значение — он заставляет нас увидеть голову льва в море травы или одинокий красный плод среди зеленых листьев. Он привлекает наше внимание к тому, что важно. И именно так вы должны использовать его в своей композиции: чтобы привлечь внимание к тому, что важно.
Конечно, это означает, что вам нужно решить, что важно, а что просто фон.После этого остается только придать им противоположные характеристики. Нет необходимости использовать их все или делать их противоположными. Все дело в стилистическом выборе — реализм не любит преувеличений, но мультяшные стили процветают благодаря этому.
Стиль чиби использует контраст между маленьким телом и огромной головой, чтобы персонаж выглядел мило, как ребенок.
Примеры
Каждый из этих объектов будет скучным, если их разместить отдельно. Вместе они создают отношение, и это то, что мы видим — не два объекта, а ощущение масштаба.
Здесь теряется чувство масштаба. Слишком большой контраст приводит к хаосу, создавая скорее беспорядочный узор, чем сцену.
Но хаос может стать отличным фоном для важного элемента, который мы хотим показать! Если только он достаточно отличается от хаоса, он будет рассматриваться как первое, делая фон незначительным.
Упражнение

Какие из этих композиций интересны, а какие нет? Почему?
Ритм
Мы часто говорим, что композиция — это расположение элементов, их положение относительно друг друга.Но есть ли правильные и неправильные аранжировки? Не совсем так, но одно можно сказать точно — определенные договоренности имеют для нас значение.
Ритм — это визуальный ярлык, которым пользуется наш мозг. Если какие-то элементы следуют ритму, нам не нужно рассматривать их все по очереди: ряд ограждений — это забор, «облако» листьев — это крона дерева и т. д. Но мы берем и более тонкие намеки, отделение естественных объектов («какими они должны быть») от неестественных («какими их кто-то сделал»).
Ритм создает другой контраст.На этой картинке маленький цветок привлекает наше внимание не только тем, что он мал по сравнению с большими, но и тем, что нарушает ритм. Он превращает «ряд цветов» в «маленький цветок между большими».
Но дело не только в контрасте. Ритм заставляет нас увидеть то, что на самом деле не было нарисовано. Ряд камней означает, что кто-то положил их таким образом. «Облако» листьев на дереве означает, что они принадлежат одному и тому же растению. Элементы, движущиеся в одном направлении, означают, что ими движет одна и та же сила (будь то ветер или страх).
Добавляет дополнительную информацию к изображению. И эта информация не должна быть случайной, потому что она усиливает воздействие композиции. Вы только посмотрите: простой рисунок на тему «плывущая рыба» можно превратить в «идущую против течения», просто сбив ритм.
Ритм (или его нарушение) не должен быть случайным. Это что-то значит — не позволяйте этому значению стоять на пути вашего предполагаемого сообщения.
Примеры
Наше внимание мгновенно привлекает ломаный ритм сломанного забора.Что случилось? Было ли это стадо бешеных коров или просто пьяный фермер на тракторе? История разворачивается, просто нарушая ритм.
Эта композиция посвящена порядку. Здесь есть контраст размеров, так что это интересно, но мы также видим здесь нечто большее: это на 100% сделано руками человека и контролируется. Все катится к хаосу, а тут кто-то останавливает эту тенденцию.
Вот похожая ситуация, деревья сажают люди. Композиция проста, но в этом предсказуемом ритме есть красота.
Упражнение

О чем говорят вам эти композиции?
Координаторы (достопримечательности)

Ваш рисунок — это не просто набор случайных линий. Предполагается, что они что-то значат, но даже самое удивительное сообщение будет испорчено, если его прочитать неправильно, например, если прочитать с конца.
Композицию можно использовать для того, чтобы зритель увидел именно то, что мы хотим, чтобы он увидел именно в том порядке, который мы выбрали для наиболее эффективного понимания сообщения.Если вы проигнорируете это, у зрителя может сложиться совершенно неправильное первое впечатление, и он разочаруется в произведении, прежде чем поймет его истинный смысл.
Когда мы смотрим на картинку, мы сначала ищем, на что посмотреть. Порядок взгляда важен, потому что даже если на то, чтобы увидеть все, уходят миллисекунды, в природе одна миллисекунда может быть вопросом жизни и смерти. Мы хотим убедиться, что в первую очередь видим самые важные элементы.
При планировании композиции необходимо решить, что это за «самые важные элементы».Затем вы можете использовать контраст, чтобы выделить их, и ритм, чтобы создать путь, по которому зритель будет смотреть на них в определенном порядке.
Примеры

Давайте еще раз посмотрим на предыдущий пример. Все линии ведут нас к центру. Вы смотрите туда, прежде чем замечаете дорогу или деревья. Что бы вы туда ни положили, это будет замечено в первую очередь.
Здесь все более тонко, потому что все линии ритма находятся внутри тела животного. Ваши глаза скользят по нему, не останавливаясь.Это добавляет ощущения движения.
Здесь контраст заставляет вас сначала взглянуть на эту большую фигуру. Затем, ища полную информацию, вы смотрите именно туда, куда они смотрят.
Упражнение
Что вы замечаете в первую очередь, глядя на эти примеры? Как двигаются ваши глаза? Почему?
Как создать интересную композицию
Теперь вы знаете, что такое композиция и как найти в ней недостатки. Но это не поможет, если вы закончите рисунок и только потом обнаружите, что пропустили слишком много негативного пространства или из-за ритма ваш пейзаж выглядел рукотворным.Вот почему вам нужно подумать о композиции, прежде чем размещать свою первую строку.
Но как это сделать, если ты еще не уверен, что рисуешь? Планы, как правило, делают все жестким и скучным, а спонтанность вообще не может быть запланирована. Давайте посмотрим, как это решить.
Эскизы рисунков
Вам не нужно создавать законченный рисунок, чтобы оценить его композицию. Обратите внимание, что я не упомянул подробности в теоретической части. Это потому, что они не имеют значения в составе.Они рассматриваются как последняя вещь в картине, спустя много времени после того, как мы понимаем, на что смотрим.
Вот почему вам не нужно заканчивать рисунок, чтобы увидеть, какое впечатление он произведет. Вам просто нужно увидеть кадр, контраст, ритм и точки фокусировки. И это то, что вы можете довольно быстро набросать, чтобы увидеть, как элементы работают вместе!
Мы называем этот метод рисованием миниатюр. Миниатюра — это миниатюрная версия изображения, которую вы часто видите перед тем, как открыть исходную версию.Вы не можете видеть никаких деталей на миниатюре, но вы видите все, что наиболее важно для изображения.
Миниатюра говорит вам, о чем изображение, но на самом деле ничего вам не говорит. Изображение из статьи «Как создать милого дракончика в фотоманипуляции»
Чтобы создать эскизы, сначала нарисуйте набор рамок, которые представляют собой миниатюрные версии вашей предполагаемой рамки (например, маленькие прямоугольники с пропорциями вашего листа бумаги). Затем сделайте набросок очень общей версии вашего рисунка.Простые формы, простые силуэты, простые тени — это все, что вам нужно, чтобы увидеть, работает ли композиция так, как вы хотели. Вы также можете свободно экспериментировать, не теряя времени.
Эскизы-миниатюры не обязательно должны быть чистыми, поэтому не тратьте на каждый слишком много времени; просто набросайте свою идею и оцените их позже.
Подробнее о рисовании эскизов можно узнать здесь:
«Призрак композиции»
Трудно соблюдать правильные пропорции и расстояния при рисовании в большом формате.Чтобы убедиться, что вы создаете свою композицию так, как задумано, сначала нарисуйте только ее основные элементы.
Делается это так: посмотрите на лист бумаги и решите, где будет внешняя граница рисунка. Нарисуйте это очень, очень легко. Затем нарисуйте очертания элементов внутри него, все еще очень легко. У вас должен получиться «призрачный» рисунок — что-то настолько тонкое, что его почти не видно, но этого должно быть достаточно, чтобы увидеть, правильно ли настроена ваша композиция.
Эти линии не обязательно должны иметь какое-либо отношение к анатомии — все дело в общих формах, которые вы увидите первым, когда рисунок будет готов
Правило третей
Вы, наверное, уже слышали об этом, но я не могу обойти это правило в статье о композиции.Есть много правил, которые вы можете использовать в этой теме, но я думаю, что правило третей является самым простым и универсальным из них.
Чтобы использовать правило, разделите (физически или мысленно) изображение на три части по горизонтали и три части по вертикали. Точки пересечения линий, как правило, являются естественными фокусами для наших глаз. Поместите туда самые важные элементы — элементы, на которые вы хотите, чтобы люди обращали внимание в первую очередь.
Еще лучше, если элементы действительно находятся рядом с этими точками, а не точно в них.Щепотка непредсказуемости делает его более интересным.
Это правило также говорит нам, каких композиций следует избегать. Например, использование «правила половинок» вполне интуитивно понятно, но его композиции в лучшем случае неинтересны, а в худшем визуально запутаны.
Ту же композицию можно легко улучшить, просто немного сдвинув точки фокуса в сторону/вверх/вниз.
Обложки книг часто используют правило третей в своих интересах. Вы можете узнать, как создать их ниже, из наших руководств:
Присвоение весов элементам изображения

На состав влияет множество факторов.Как вы можете управлять ими всеми? Вы можете использовать метафорические весы, чтобы взвесить их.
В композиции есть три основных типа веса: негативное пространство, позитивное пространство и фокусные точки. Позитивное пространство — это собственно рисунок. Негативное пространство — это область за пределами рисунка (это не обязательно должно быть пустое пространство — это может быть просто небо). Фокусные точки — это те части, на которые вы хотите, чтобы люди смотрели.
На балансе этих весов построена интересная композиция. Этот баланс также имеет множество оттенков, все они основаны на элементах контраста.В «линейном» рисовании вы в основном заботитесь о размере. Если вы используете тени, растушевка будет иметь еще большее значение.
Посмотрим, как с этим справиться. Здесь у нас есть один элемент, помещенный в фокальную точку, описываемую правилом третей. Композиция несбалансирована, потому что это всего лишь один крошечный элемент на фоне огромного пустого пространства. Позитивное пространство и фокус здесь одинаковы.
Добавление еще одного подобного элемента в любую из других фокусных точек не решит ситуацию, потому что это запирает зрителя внутри центральной области, описываемой фокусными точками.Поэтому создается скучная центральная композиция.
Чтобы сбалансировать негативное пространство, лучше сделать его немного менее негативным. Разделите негативное и позитивное пространство где-нибудь рядом с фокусными точками правила третей.
Когда позитивное пространство перевешивает негативное пространство, негативное пространство может стать фокусом.
Любой элемент контраста можно использовать для балансировки композиции. На самом деле, весь этот баланс заключается в достижении должного контраста.Поэтому, чтобы сделать его более интуитивным, подумайте о низкой контрастности в качестве фона и добавьте что-то контрастное, чтобы сделать композицию завершенной.
Здесь баланс создается за счет нарушения ритма.
Перспектива
Композиция — это соотношение элементов, но есть один элемент за кадром — зритель. Если вы включите их в свою композицию, вы достигнете другого, более глубокого уровня отношений.
Когда зритель смотрит на изображение, он может видеть себя там — ему просто нужны ваши подсказки, чтобы определить свое положение.Перспектива может помочь вам здесь. Хитрость заключается в том, чтобы разместить что-то близко к «камере», чтобы подчеркнуть ее положение.
Чем ближе что-то к нам, тем оно больше. Так что, если в вашей композиции есть огромная версия чего-то обычно нормального размера, это означает, что это близко к зрителю. Все остальное далеко от них, что создает ощущение глубины.
Перспектива также может улучшить композицию, если включить какой-либо индикатор масштаба. Самый четкий из них — силуэт человека, но вы также можете использовать для этой цели животных или деревья.Если вы сделаете это правильно, масштаб станет еще одним элементом вашей композиции.
Использование зеркала
Даже когда вы все знаете о композиции, легко потерять ее смысл после нескольких часов работы над одним и тем же произведением искусства. Ты просто начинаешь видеть это как «что-то, что я видел раньше», и ты не чувствуешь это так, как если бы кто-то видел это впервые.
Чтобы получить большее расстояние и свежий вид, вам нужно время от времени менять точку зрения, чтобы заставить свой мозг перестраиваться. В цифровом искусстве самый простой способ — перевернуть изображение по горизонтали. В традиционном искусстве лист бумаги можно вращать или использовать зеркало. Делайте это часто, чтобы ваш взгляд оставался свежим.
Перевернутый вид становится новой композицией для вашего мозга.
Обрезка изображения
После того, как вы закончите работу над картиной, если что-то по-прежнему не так, вы можете сделать еще одну вещь. Изменяя рамку — ее размер или пропорции — вы можете перенастроить точки фокусировки и значительно улучшить композицию.
В цифровом искусстве вы всегда можете использовать какой-либо инструмент обрезки. В традиционном искусстве вы можете либо использовать канцелярский нож, либо сделать правильную обрезку при фотографировании произведения искусства, либо использовать рамку, которая добавит пустое пространство, закрывая те части, которые вы не хотите видеть.
Одно и то же изображение может иметь разное значение в зависимости от используемой обрезки.
Расширение вашей интуиции
Теория теорией, но в конце концов все эти знания должны стать частью вашей интуиции — чем-то, что вы сможете использовать, не задумываясь.Чтобы расширить свою интуицию, добавьте еще один шаг к оценке произведения искусства. Попытайтесь понять, почему это выглядит так хорошо, найдите элементы композиции и попытайтесь угадать, какое решение принял художник.
Интуицию также можно развить, просто познакомившись с хорошим искусством. Таким образом, вы будете сравнивать свои композиции со всеми теми, что видели, даже не осознавая, что делаете это. Однако лучше всего сочетать интуицию со знаниями.
Заключение
Объяснив вам все эти правила, я должен добавить самое главное: в искусстве правил нет.Нам нравятся определенные образы, определенные композиции, и мы не всегда знаем, почему. Художники пытаются создать некоторые эмпирические правила, которые будут полезны в большинстве случаев, но, в конце концов, вы можете создать фантастическое произведение искусства, просто нарушив их все.
No related posts.