Примеры барокко в живописи: 244 картины стиля, черты, суть, особенности, представители в живописи

Что это такое Барокко в живописи. Энциклопедия

5. В Испании

Более жесткое, строгое воплощение получил стиль барокко в Испании, воплотившись в работах таких мастеров как Веласкес, Рибера и Сурбаран. Они придерживались принципов реализма. К тому времени Испания переживала свой «Золотой век» в искусстве, находясь при этом в экономическом и политическом упадке.

Для искусства Испании характерна декоративность, капризность, изощренность форм, дуализм идеального и реального, телесного и аскетичного, нагромождения и скупости, возвышенного и смешного. Среди представителей:

Доменико Теотокопули Эль Греко — художник рубежа XVI — XVII вв. Он был глубоко религиозен, поэтому в его искусстве представлены многочисленные варианты религиозных сюжетов и празднеств: «Святое семейство», «Апостолы Петр и Павел», «Сошествие святого духа», «Христос на Масличной горе». Эль Греко был великолепным портретистом. Всегда изображаемое он трактовал как ирреальное, фантастическое, воображаемое. Отсюда деформация фигур элементы готики, предельные колористические контрасты с преобладанием темных цветов, игра светотени, ощущение движения…

• «Портрет кардинала Тавера»,
• «Портрет неизвестного».
• «Портрет поэта Эрсильи-и-Суньиги»,

Но не его картины украшали пышный испанский двор. Среди художников, работавших при дворе Филиппа II, были

• Хусепе Рибера 1591 — 1652. Основные сюжеты его картин — мученичество святых, портреты людей, проживших долгую жизнь. Но его работы не сентиментальны. Он более всего не хотел, чтобы его модели вызывали жалость. В них — истинно испанская народная гордость. Например, «Хромоножка», «Святая Агнесса», «Апостол Яков-старший».
• Франсиско Сурбаран 1598 — 1664 — «Отрочество Богоматери», «Младенец Христос». Главное в его картинах — ощущение святости, чистоты; простое композиционное решение, плавность линий, плотное цветовое решение, материальность, вещественность, богатство колорита, величавость, сдержанность, реальность жизни, соединенные с мистичностью веры, высокой духовностью, эмоциональной напряженностью.

Казалось, что испанская живопись никогда не выйдет из «стен» храмов. Но это сделал Диего Веласкес 1599 — 1660 — великолепный мастер психологического портрета, живописец характеров. Его картины отличаются многофигурной сложностью композиций, многокадровостью, предельной детализацией, прекрасным владением цветом. Веласкес — великий полифонист живописи. «Завтрак», «Портрет Оливареса», «Шут», «Сдача Бреды» «Копья», «Пряхи».

Художником, завершившим «золотой век» испанской живописи, был Бартоломе Эстебан Мурильо. Он, отчасти, продолжил бытовую линию, намеченную Веласкесом. «Девочка с фруктами», «Мальчик с собакой». Но в зрелые годы творчества все чаще обращался исключительно к библейским сюжетам: «Святое семейство», «Бегство в Египет». В этих работах он выступает как блестящий колорист, мастер композиции. Но как далеко ушла эта живопись от глубоко человеческих страстей лучших испанских полотен.

Живопись в стиле барокко сочинение пример

Искусство барокко

Барочная живопись состоит из ряда стилей, варьирующихся от классического религиозного величия, реализма и мольбертового искусства, которые созревали в начале 1600 года и продолжались в течение середины 18-го века. Поэтому это новое движение стало свидетелем распространения основных тем живописи в стиле барокко, таких как уменьшение акцента на фигуре, овладение светом и тенью, реализм во всех вещах и, наконец, что немаловажно, новых предметов, таких как пейзажи, натюрморты и самосознание портретный.

По сравнению с эпохой Возрождения искусство барокко характеризовалось, в основном, выдающейся драмой, которая в картинах была богаче, использовала глубокие цвета и использовал интенсивный свет и очень темные тени. Поэтому, хотя искусство эпохи Возрождения имело тенденцию показывать момент, предшествующий событию, художники в стиле барокко выбрали драматический момент, который был моментом, когда происходило действие. Это было предназначено, чтобы вызвать страстные эмоции у зрителей против альтернативной спокойной причины, которая практиковалась во время Ренессанса.

Еще одним важным фактором для смены стиля живописи стало то, что Священная Римская церковь, чтобы исполнить свою роль, использовала картины как религиозную пропаганду. Религиозно-тематическое искусство барокко имело тенденцию к увеличению в масштабе и публично демонстрировалось в виде монументальных картин, прикрепленных к высоко украшенным рамам и потолочным фрескам, прикрепленным к стенам во многих дворцах и церквях. Следуя утверждениям, сделанным Советом в Тренте, картина в стиле барокко теперь начала проявлять ключевые элементы, изображающие католическую доктрину, либо непосредственно найденные в библейских писаниях, либо косвенно вытекающие из древних мифологических аллегорических произведений. Это принесло монументальный подход художникам, изобразившим более сильное чувство движения с помощью сложных спиралей и пространственных композиций с помощью более ярких цветных схем, чтобы ошеломить и удивить зрителей. Новые методы, такие как Chiaroscuro Караваджо, названный Tenebrism, были разработаны для улучшения настроения картин. Среди величайших художников эпохи барокко можно встретить Караваджо, Веласкеса, Рембрандта, Рубенса, Вермеера, Ван Хонтхорста, де ла Тура и Пуссена, а Караваджо – прежде всего преемник художников-гуманистов Высокого Возрождения. Новаторский реалистичный способ Микеланджело Мериси изобразить человеческие фигуры, нарисованные непосредственно из повседневной жизни, и использовать драматические контрасты света на темном фоне, ошеломил своих современников, что привело к появлению нового стиля в истории живописи. Этот тип барочной живописи часто драматизирует сцены, используя световые эффекты кьяроскуро, что хорошо видно в работах Геррита ван Хонтхорста и Жоржа де Ла Тура.

Теперь архитектура в стиле барокко была разработана с целью создания зрелищ и иллюзий. Методы прямых линий, используемые в эпоху Возрождения, теперь были заменены более сложными плавными кривыми. В архитектуре купола и крыши были теперь расширены, включая сложную геометрию с дворцами и церковными интерьерами, тщательно построенными, чтобы произвести захватывающие эффекты света и тени.

Другими словами, живопись в стиле барокко, таким образом, может рассматриваться как тот мощный стиль, который был призван влиять на эмоции людей, таким образом, использовался для достижения впечатляющих результатов.

Стили и типы рисования

Картины, скульптура и архитектура 17-го века, известные как барокко, не могут быть определены как единый стиль. В живописи было как минимум три разных стиля искусства барокко, и их можно классифицировать следующим образом;

Религиозная расточительность

Это был триумфальный, завышенный и почти театральный стиль религиозного искусства, по заказу европейских судов абсолютных монархов сразу после контрреформации. Этот тип искусства барокко хорошо представлен смелым художником-мечтателем, таким как Караваджо, и грандиозными изображениями фламандского мастера Питера Пауля Рубенса.

Жизненный реализм

В этот период был разработан новый, более реалистичный подход к рисованию людей. Этот новый подход был освоен Караваджо, а затем его последователями. Человеческая привлекательность фигур Караваджо, особенно при изображении религиозной живописи, теперь выполнялась с использованием более реалистичного подхода. Кроме того, работы других художников, таких как Веласкес, представляли собой новую форму движения, которая характеризовала искусство того периода, сформировавшего новый стиль барокко.

Easel Art

Этот стиль 17-го века можно охарактеризовать как жанр, состоящий из натюрморта, который в основном процветал в Нидерландах. В отличие от крупномасштабной итальянской живописи, будь то родовые или религиозные произведения, искусство барокко в протестантской Голландии теперь представлялось новой формой станкового искусства. Форма жанровой живописи, специально созданная для состоятельных семей среднего класса. Эта новая нидерландская реалистическая школа жанровой живописи также привела к улучшению реализма в портретной и пейзажной живописи, состав которой варьируется от новых форм натюрморта, таких как пейзажи, композиции животных до работ vanitas.

Золотой век испанской живописи (16-17 века). Барокко

Испанская живопись эпохи барокко находилась под властью религии. Единственным светским жанром, получившим широкое распространение в те годы, был портрет. Пейзаж, натюрморт и бытовой жанр не играли самостоятельной роли и лишь дополняли композиции, заказчиками которых были церкви. Большинство художников использовали для своих картин темно-коричневые оттенки и подвальное освещение, что придавало их работам, посвященным чудесам из жизни святых, напряженный драматизм и яркую выразительность.

Одним из самых знаменитых художников конца XVI в., когда барокко еще только зарождалось в искусстве Испании, был Эль Греко.

Эль Греко

Доменико Теотокопули, прозванный Эль Греко, родился в Греции на острове Крит в 1541 г. Здесь он учился у мастеров-художников, следовавших традициям византийских иконописцев.

В 60-е гг. XVI столетия Эль Греко покидает родину и отправляется в Италию. В 1570 г. молодой художник переезжает из Венеции в Рим. Работы венецианских художников потрясли Эль Греко своим великолепием и мастерским исполнением. По приезде в столицу он создает ряд полотен, стиль которых во многом напоминает художественный метод изображения, характерный для искусства живописцев Венеции. Примером здесь может быть композиция «Исцеление слепого», написанная приблизительно в 1572 г. Несмотря на все сходство манеры письма художника со стилем венецианских мастеров, уже в этой ранней работе проявляются черты, которые позднее станут типичными для творчества Эль Греко: субъективизм в изображении героев, внутренняя сила образов, использование насыщенный, сочнык красок.

Эль Греко не является новатором художественно-изобразительнык приемов. Некоторые способы создания образов художник заимствует из поздних произведений Тинторетто и Микеланджело. Однако Эль Греко идет дальше своих предшественников, в работах которых органично сочеталось типическое и воображаемое. В картинах молодого художника субъективизм в мировосприятии преобладает над реальностью. Сами фигуры, выведенные автором на полотно, оказываются помещенными в мир ирреальности, фантастики и чудес. Созданные живописцем образы — это невесомые существа, внешне мало похожие на живых людей, настолько искажены их фигуры. Они всем своим существом как бы устремляются ввысь, к небу, олицетворяющему в композиции божественное начало.

Отличительной чертой творчества Эль Греко является резкий контраст масштаба фигур и образов, составляющих картину. Персонажи то удалены от зрителя, то приближены почти вплотную к нему.

В 1576 г. Эль Греко покидает Рим и уезжает в Испанию, где и живет до самой смерти.

Полотна Эль Греко выбиваются из ряда произведений, созданных знаменитыми мастерами Возрождения. Прежде всего это касается тематики композиций. Так, одно из полотен, созданный в 1580 г., носит название «Сновидение Филиппа II». На полотне художником символически изображены рай, ад и земной мир. Лица всех персонажей устремлены вверх. Там, на небе, высвечивается надпись с именем Христа. Это полотно еще не в полной мере отражает творческую индивидуальность автора. Фигуры людей не выглядят здесь деформированными. Хотя колорит картины выстроен на ярком красочном контрасте, все же общая композиция по цветовой гамме во многом напоминает золотистые, пастельные тона произведений мастеров Ренессанса.

Вся картина производит впечатление чего-то неземного, ирреального. Одна только фигура Филиппа II, преклонившего колени перед святым именем Иисуса Христа, оказывается как бы выхваченной из обыщенной жизни.

Другой, не менее яркой картиной, созданной Эль Греко в этот период, является «Мученичество св. Маврикия». Работа над этим полотном, заказанным королем и предназначенным для украшения стен собора Эскориала, была начата в 1580 г. и продолжалась до 1584 г. Данная многофигурная композиция представляет собой картину, составленную из нескольких эпизодов, посвященных жизни св. Маврикия. Полотно замечательно тем, что в нем уже хорошо виден индивидуальным творческий почерк мастера живописи. Герои, созданные Эль Греко, нереальны, воздушны и бестелесны. Их лица выражают христианское смирение и благочестие. Впечатление иллюзорности происходящего усиливается в композиции за счет зрительного увеличения пространства: так, персонажи сюжета, повествующего о казни Маврикия, размещены вдали от зрителя. К тому же этот прием позволяет автору акцентировать внимание на главном герое и происходящем событии.

Отличительной чертой произведения и всего творчества Эль Греко является мастерское владение цветом. Ощущение возвышенности и одухотворенности создается путем составления колористической гаммы, основанной на самых необычных тоновых сочетаниях. Наиболее частыми комбинациями являются сопоставления желтого и красного, желтого и зеленого, нежно-розового и насыщенно-красного, зеленого и красного и, конечно же, чисто-белого и густо-черного. Необычайная выразительность и экспрессия достигаются в композиции за счет использования автором ярких и сочных красок: насыщенно-желтой, серовато-синей, ярко-зеленой, ярко-красной. Именно такой цветовой контраст все более отдаляет происходящее на полотне от реальной действительности.

Предназначенная для украшения стен собора Эскориала картина «Мученичество св. Маврикия», однако, не была по достоинству оценена заказчиками. Место, отведенное для этого полотна, заняло произведение другого художника.

Оскорбленный Эль Греко покидает Мадрид и отправляется в Толедо, бывший когда-то столицей государства. В XVI столетии в этом древнем городе царила атмосфера средневековой культуры, в которой особое место отводилось музыке, поэзии и живописи. Именно в Толедо талант Эль Греко проявился наиболее ярко и приобрел полную силу.

Одним из самых известных произведений художника, созданных в Толедо в 1586 г., является полотно «Погребение графа Оргаса». Картина рассказывает о том, как благочестивый граф был погребен святыми Августином и Стефаном. В основу художественно-изобразительного повествования был положен известный сюжет средневековой легенды.

Общая композиция оказывается тематически разделенной на три части. Первая часть с размещенными вверху фигурами Христа и святых, принимающих душу усопшего графа, представляет собой отображение автором мира с точки зрения религиозного восприятия. Вторая часть картины, показывающая участников погребальной процессии (монахи, священники, толедская знать), более реалистична.

Эль Греко, изобразив в фигурах участников процессии своих современников, оказывается здесь великолепным мастером-портретистом. Лица персонажей, необычайно выразительные и утонченные, являются воплощением высоких чувств. Однако эти герои уже не абстракции, но еще и не реалии. Ведь они в какой-то мере оказываются сопричастными происходящему у них на глазах чуду.

Эль Греко. Погребение графа Оргаса. 1586 г.

Третью часть композиции представляют образы святых Августина и Стефана, символизирующих синтез абстрагированного и конкретного начал в восприятии человеком мира. Образы святых передают вполне реальные человеческие переживания. Их лица выражают глубокую печаль и скорбь. Они являются воплощением внутренней красоты человека, святости и одухотворенности.

Проявившиеся в «Погребении графа Оргаса» особенности художественно-изобразительного метода Эль Греко легко выявить и в других произведениях мастера, созданных в этот период времени. Среди подобных полотен наибольший интерес представляют «Благовещение» (1599-1603) и «Св. Мартин и нищий» (после 1604).

То же сочетание конкретного и отвлеченного, что и в образах св. Августина и св. Стефана («Погребение графа Оргаса»), можно найти и в апостолах, созданных Эль Греко позднее. Примером тому могут быть фигуры апостолов Петра и Павла в картине «Апостолы Петр и Павел», написанной в 1614 г. Живописец стремится передать здесь возвышенные человеческие чувства, выразившиеся в смирении Петра, а также в безграничной вере Павла в христианские идеалы, его убежденность, переходящую в религиозный фанатизм.

Столь разные на первый взгляд персонажи объединены общим внутренним чувством: верой в Христа и бессмертие души. Необычайную выразительность образы приобретают благодаря использованию мастером особых цветовых сочетаний. Аскетичные лица героев ярче высвечиваются на желтовато-коричневом фоне полотна. Их оттеняют также золотисто-зеленые, насыщенно-красные и желтовато-розовые одежды персонажей.

Большой интерес представляют портретные работы художника. Характер их разнообразен. Так, на одних картинах живописец знакомит зрителя со своими современниками. На других полотнах появляются далекие от реальной действительности образ. Как бы то ни было, Эль Греко является замечательным мастером художественного изображения человека. Это проявляется не толь¬ко и не столько в верной передаче внешних черт, сколько в показе внутреннего мира героя. Несмотря на достаточно высокую степень субъективизма, в своих портретных работах Эль Греко предстает величайшим психологом, умеющим тонко подметить и точно отразить все, что происходит в тот или иной момент времени в душе человека.

Сложным и выразительным является образ жены художника, Иеронимы Куэвас, переданный на портрете, датированном приблизительно 1580 г. Эта работа является одной из самых ярких среди женских портретов, написанных Эль Греко.

Глубокие чувства заключены в образе, представленном на «Портрете неизвестного», который был написан приблизительно в 1592 г. Лицо героя выражает невероятную усталость от жизни. Однако взгляд его отражает внутреннее движение, излучает энергию. Он как бы говорит зрителю о том, что душа этого человека еще жива.

Необычайно выразителен и образ, созданный автором на портрете «Инквизитор Ниньо де Гевара», который был написан в 1601 г. На полотне изображен человек, посвятивший всю свою жизнь служению Богу. Портрет отличается большой экспрессией, созданной с помощью ярких красок и контрастных сочетаний. Так, религиозный фанатизм героя подчеркивается здесь противопоставлением мертвенно-бледного лица персонажа и ярко-красного цвета накидки. Несмотря на то что поза героя выражает спокойствие и уверенность, пронизывающий зрителя взгляд раскрывает сущность этого человека: его необычайно сильную волю, внутреннюю энергию, преданность своему делу, жесткость и даже жестокость.

Своеобразным гимном человеческому разуму является портрет, изображающий друга художника, поэта-мистика Фра Ортенсио Парависино. Написан он был в 1609 г. На полотне выведен образ честного, сильного духом и умного человека. Одухотворенность героя подчеркивается плавными переходами света и тени. В картине нет ярких, контрастных, бросающихся в глаза цветовых сочетаний.

Поздние произведения Эль Греко отмечены усилением мистицизма, они создают впечатление обреченности и безысходности. Образы все более отдаляются от реальной действительности, приобретают фантастические, ирреальные формы. Постепенно художник отказывается от насыщенных красок и ярких контрастных сочетаний. Цвета его композиций становятся более мягкими и спокойными. Среди работ этого периода наиболее показательны для творчества художника полотна «Сошествие Св. Духа» (после 1610), «Поклонение пастухов» (1609-1614), «Встреча Марии и Елизаветы» (ок. 1614).

В последние годы в творчестве Эль Греко особенно остро за-звучала тема конца света и расплаты человека за свои грехи. Яркими примерами тому являются картины «Снятие пятой печати» и «Лаокоон».

На полотне «Снятие пятой печати» изображены фигуры праведников. Художник представил их безликими и невесомыми. Вытянутые тела праведников как будто покачиваются под резкими порывами ветра. Среди этой однородной человеческой массы выделяется фигура молящегося евангелиста. Данная композиция необычайно эмоциональна и выразительна, ее экспрессивность усиливается благодаря использованию художником звучных и насыщенных, почти светящихся красок.

Эль Греко. Лаокоон. Ок. 1610-1614 гг.

На полотне «Лаокоон», написанном приблизительно в 1610 г., представлены герои известной мифологической легенды. Эль Греко изобразил богов, наказывающих провинившихся людей, Лаокоона и его сыновей. Мифологический сюжет переосмысливается автором: его герои — это те же христиане-мученики, погибающие во имя Божественной идеи. Античных богов Эль Греко изобразил бестелесными, воздушными существами, их предназначение —истязать людей и мстить им за прегрешения. Большой интерес представляет в композиции образ города Трои, прототипом которого стал Толедо. Последний довольно часто появляется на полотнах Эль Греко начала XVII столетия.

Эль Греко. Апостолы Петр и Павел. 1614 г.

Необычайно выразителен и трагичен город в картине «Вид Толедо», созданной в период с 1610 по 1614 г. Мертвый, словно застывший в оцепенении, город как мираж появляется перед зрителем на фоне серо-синего, с белоснежными большими облаками неба.

Эль Греко скончался 7 апреля 1614 г. в Толедо, где и был похоронен.

При жизни у великого художника не было учеников и последователей, которые могли бы продолжить традиции его искусства. Творчество мастера было открыто и понято лишь в начале XX столетия. Некоторые исследователи осовременивают художественно-изобразительный метод Эль Греко, считая его наследие основой для развития такого течения в искусстве XX в., как экспрессионизм. Однако такая трактовка стиля художника слишком натянута и заставляет зрителя забыть о главном достоинстве полотен знаменитого мастера — необычайной трагичности и эмоциональности образов, которые созданы для того, чтобы выразить всю силу человеческих эмоций и чувств.

Начало XVII в. ознаменовано борьбой различных направлений в испанском искусстве. Придворная живопись, опиравшаяся на романтические традиции, старалась удержать свое главенствующее положение. Но новое, реалистическое, направление уже стояло на пороге. Первыми приверженцами реализма в живописи стали Франсиско Рибальта и Франсиско Эррера Старший.

Их искания подготовили почву для появления таких замечательных живописцев, как Хусепе Рибера и Франсиско Сурбаран.

Хусепе Рибера

Хусепе Рибера родился в 1591 г. в городе Хативе близ Валенсии. В 1612 г. он навсегда покинул родину и уехал в Италию. Нередко без гроша в кармане юноша путешествовал по итальянским городам, изучая памятники искусства. Особенно восхищался Рибера работами великого Караваджо.

В 1616 г. Рибера поселился в Неаполе, который в то время находился под властью испанского монарха. Здесь художник получил должность живописца при дворе неаполитанского вице-короля.

Творчество Риберы необычайно многогранно. Он писал картины на мифологические и религиозные темы («Иаков со стадом ягнят», 1638), создавал портреты, занимался гравюрой.

В искусстве Караваджо Риберу привлекали темы душевного и физического страдания. Полотна испанского живописца исполнены глубокого драматизма, но в то же время его картины с мотивами покаяния, мученичества святых — раненый св. Себастьян, кающаяся Мария Магдалина — лишены мелодраматизма и передают истинное страдание, заставляя зрителя восхищаться стойкостью человеческой души («Св. Иероним, внимающий звуку небесной трубы», 1626; «Св. Себастьян», 1628; «Мученичество св. Варфоломея», 1630).

Интересны композиции Риберы с мифологическими сюжетами, которые показывают, что глубоко религиозному художнику чуждо все языческое. Его античные образы поражают своим ярко выраженным проявлением животного, низменного и злого начала. Таковы персонажи его гравюр («Силен», 1628) и картин («Аполлон и Марсий», 1637).

Интересны картины Риберы, посвященные образам философов. В этих произведениях представлены не аллегорические фигуры, а реальные и живые люди, с которых художник писал своих мыслителей. Философ в «Смеющемся Демокрите» (1630) больше похож на лукавого уличного попрошайку. Мудрость и печаль видна в глазах усталого мудреца в полотне «Диоген» (1637).

В 1641 г. Рибера исполнил свой знаменитый шедевр — «Св. Инессу». В основу этого произведения положена легенда, рассказывающая, как юная христианка Инесса была выставлена своими врагами на поругание обнаженной. Девушка
обратилась к Богу, и в ответ на молитву ангел с неба бросил ей покрывало, а густые и длинные волосы девушки закрыли ее тело. Св. Инесса Риберы — воплощение чистой красоты и нежной юности. Очарованием и поэзией веет от нежного лица с огромными глазами и от темных шелковистых волос, окутывающих хрупкую фигурку. Слезы, блестящие на ресницах девушки, пушистые пряди волос, пронизанные светом, плотная ткань покрывала — все эти детали делают образ Инессы убедительно достоверным и живым.

Хусепе Рибера. Св. Инесса. 1641 г.

В 1642 г. художник создал известное полотно «Хромоножка». Грубая фигура улыбающегося калеки, изображенного в традициях парадного портрета на фоне холмистого ландшафта под высоким небом, приобретает у Риберы особое звучание.

Постепенно темные оттенки в произведениях Риберы сменяются более светлыми и насыщенными тонами, придающими работам мастера мажорное звучание. Таковы его «Обручение св. Екатерины» (1643-1648) и «Поклонение пастухов» (1650).

Творчество Риберы, умершего в 1652 г., оказало значительное влияние на неаполитанских живописцев. Большой популярностью его живопись пользовалась на родине художника, в Испании. С его картин делались гравюры, которые распространялись не только в Италии и Испании, но и во Франции и Голландии.

Франсиско Сурбаран

Франсиско Сурбаран родился в 1598 г. в семье крестьянина из Эстремадуры. Живописному мастерству он учился в Севилье, где познакомился с Эррерой Старшим и подружился с Д. Веласкесом. О жизни Сурбарана известно немного. Он почти не покидал Испании, работая в Эстремадуре, Севилье и Мадриде.

Основное место в живописи Сурбарана занимают композиции на сюжеты из жизни святых, которые художнику заказывали испанские монастыри. Его ранние произведения, посвященные жизни св. Бонавентуры (1629), представляют зрителю повседневную жизнь монастыря. С почти осязаемой достоверностью переданы обстановка и предметы монастырского обихода. С натуры написаны и персонажи этих картин. В чудесных явлениях, изображенных на картинах Сурбарана, нет ничего мистического и фантастического; его простодушные и грубоватые ангелы похожи на молодых испанских крестьян и монастырских служек. Таково и более позднее полотно «Чудо св. Гуго» (1635). По легенде, при посещении трапезной монастыря св. Гуго мясо в тарелках монахов во время поста превратилось в угли.

Большое место в творчестве Сурбарана занимает портрет. Черты индивидуальности присущи не только изображениям реальных личностей (в основном монахов), но и образам святых. Герой картины «Св. Лаврентий» (1636) — простой крестьянский юноша, чья жизнь крепко связана с родной землей. В то же время портреты и сцены из жизни святых отличаются величием и монументальностью.

Очаровательны и поэтичны детские образы в живописи Сурбарана («Поклонение пастухов», 1638). Нежностью и
чистотой восхищает зрителя испанская девочка в удивительно лиричной картине «Отрочество Марии» (ок. 1660).

Последние годы жизни художника совпали с общим упадком культуры Испании. Из его живописи исчезли живость и ясность , свойственные лучшим произведениям, и возобладали сентиментальность и мистицизм. Умер Сурбаран в 1664 г. в Мадриде.

Франсиско Сурбаран. Чудо св. Гуго. 1635 г.

Диего Веласкес

Диего Родриго де Сильва Веласкес родился в 1599 г. в Севилье. Его отец, небогатый дворянин, заметил склонность мальчика к рисованию и определил его в мастерскую Ф. Эрреры Старшего. Так как учитель обладал тяжелым характером, очень скоро Веласкес оставил его и перешел в мастерскую Ф. Пачеко. В 1618 г. художник женился на дочери Пачеко, Хуане Миранде.

Уже в ранних работах заметен интерес Веласкеса к простому человеку. Он пишет седых испанских старцев, молодых людей, веселых мальчишек и гордых андалузских дам.

Как и другие испанские живописцы, Веласкес обращается к евангельским сюжетам, но религиозные композиции занимают в его творчестве небольшое место. Эти произведения лишены мистической окраски и напоминают бытовые сцены («Христос в доме Марфы и Марии», ок. 1620).

В 1623 г. Веласкес, приехавший в Мадрид, получает должность живописца при дворе испанского короля. Казалось бы, все складывается для художника удачно — он может не зависеть от церковных заказов и посвятить себя светской живописи. Но Веласкеса ограничивали заказы короля Филиппа IV, его творческая энергия нередко уходила на выполнение нудных и мелочных обязанностей при дворе.

О жизни художника в Мадриде мы знаем мало. Но даже скупые сведения говорят о том, что Веласкес сохранил свое человеческое достоинство и остался внутренне свободным от прихотей испанской знати. Не повлияли на него недоброжелательность и зависть других придворных живописцев.

В 1628 г. Веласкес познакомился с Рубенсом, прибывшим в Мадрид с дипломатической миссией. В это время художник начинает работать над своим знаменитым «Вакхом» (1629). На картине изображена пирушка испанских бродяг в обществе мифологического бога Вакха, надевающего на голову одного из участников застолья венок из виноградных листьев. Хотя герои композиции взяты художником из реальной действительности, эта картина — не обычная бытовая сцена. Выведя персонажей на природу и включив в их компанию античного бога, Веласкес придает своему произведению значительность и приподнятость.

В 1629 г., возможно по совету Рубенса, король послал Веласкеса в Италию. Художник посетил Венецию, Геную, Рим, Неаполь. В 1630 г. в Риме живописец исполнил «Кузницу Вулкана», отличающуюся оригинальной трактовкой мифологического сюжета. На картине изображен момент, когда Аполлон приносит богу огня Вулкану весть о неверности его жены, богини Венеры. В этой композиции отсутствует приземленность, свойственная «Вакху», но в ней явно заметна ирония автора. Хотя от Аполлона исходит сияние, его образ отличается прозаичностью. Живыми людьми, не блещущими божественной красотой, кажутся Вулкан и его помощники.

В 1631 г. Веласкес вернулся в Испанию. Италия много дала художнику: более зрелой и совершенной стала его живопись. Из работ исчезли резкие линии, темные тени; в них появился воздух и живой свет. Большую значимость приобрел пейзажный фон.

Одной из наиболее значительных работ этого периода стала картина «Сдача Бреды» (1634-1635), повествующая о взятии Испанией голландского города-крепости в 1625 г. Художник изобразил момент передачи командующим голландским гарнизоном Юстином Нассау ключа от крепости испанскому полководцу Спиноле. Выразительно и объективно представлены образы Спинолы и Нассау, испанских аристократов и простых голландцев. В картине заметно не только восхищение автора победой своей страны, но и уважение к мужеству голландцев, проигравших в этой битве.

В 1630-1640-х гг. Веласкес создает множество портретов современников — представителей различных слоев испанского общества. Эти произведения, лаконичные и строгие, не приукрашивают модели, отличаются естественностью и большим сходством с натурой (портреты скульптора Мартинеса Монтаньеса, ок. 1637; графа Оливареса, ок. 1638; Филиппа IV, 1644). Особое место в портретной живописи занимают трагичные образы шутов короля — карликов Эль Примо и Себастьяно Мора, дурачка Эль Бобо. Веласкес изображает их уродливые фигуры и лица, но зритель видит печаль в умных глазах Эль Примо, мрачное отчаяние во взгляде Себастьяно Мора и жалкую, беспомощную улыбку Эль Бобо. Художник обнажает то, что творится в душах самых униженных обитателей королевского двора, показывает глубину их внутренних чувств и переживаний.

В 1649 г. Веласкес вновь приезжает в Италию: по поручению короля он должен купить там несколько произведений искусства. Здесь он исполняет несколько заказанных портретов и пишет пейзажи на вилле Медичи. С восторгом были встречены в Риме портреты слуги и ученика Веласкеса Хуана Парехи (1649) и Римского Папы Иннокентия X (1650). Увидев последний, Папа воскликнул: «Слишком правдиво!». Художник сумел показать в своем произведении всю сущность Иннокентия X — хитрость, жестокость, порочность, целеустремленность и властность. Тем не менее Папа взял свой портрет, наградив Веласкеса золотой цепью.

В 1651 г. художник, наслаждавшийся в Италии свободой, вынужден был вернуться в Мадрид.

В последний период жизни живописец работал в основном портреты королевской семьи — Филиппа IV, его жены и детей. Он исполнил несколько прекрасных портретов инфанты Маргариты — сначала трогательного ребенка, затем хорошенькой, хрупкой девушки (Маргарита умерла в возрасте 23 лет). Эти произведения восхищают богатством цветовой гаммы — зеленовато-синей, золотисто-серой или серебристо-розовой.

Настоящим шедевром мастера стала картина «Менины» (1657), которую иногда называют «Фрейлины» или «Придворные дамы» («менина» в переводе с португальского — девушка из аристократической семьи, занимающая должность фрейлины испанской инфанты). Необычна композиция этого произведения. Веласкес изобразил большую сумрачную комнату королевского дворца. В левой части зала возле большого холста на подрамнике стоит он сам. Художник пишет портрет королевской четы, которую зритель может видеть в зеркале, висящем на стене за спиной живописца. Очаровательная маленькая инфанта Маргарита стоит в середине комнаты в окружении двух менин и карликов. За этой группой располагаются фигуры придворной дамы и кавалера, а на дальнем плане за распахнутой дверью — гофмаршала королевы.

Первым из европейских живописцев Веласкес показал закулисную сторону жизни королевского двора. С большой выразительностью написаны Маргарита и фрейлины, одна из которых подает инфанте бокал с водой, опустившись, согласно этикету, перед ней на колени. Живым и подвижным кажется карлик, толкающий большую собаку, а грузная карлица Мария Барбола — напротив, застывшей в оцепенении.

Трудно определить, к какому жанру относятся «Менины»: в картине соединились элементы бытовой сцены и группового портрета. Хотя в ней нет парадной пышности, свойственной портрету, отсутствует и приземленность — присутствие королевской четы отражается на поведении и позах персонажей. С большим мастерством Веласкес передает пространство, которое как бы выходит за рамки полотна и наполняется воздухом и светом, идущим из распахнутого окна.

Венцом творчества Веласкеса является замечательное полотно «Венера перед зеркалом», исполненное в 1657 г. К образу античной богини часто обращались западноевропейские мастера, но в испанской живописи с ее религиозной моралью он был невозможен. И только великий Веласкес, слава которого вышла далеко за пределы Испании, сумел нарушить запрет. Как и Тициан, художник изобразил Венеру лежащей, но трактовка образа у Веласкеса совершенно иная. Полные жизни красавицы Тициана все же идеальны, они выше действительности, окружавшей художника. В Венере Веласкеса нет ничего от неземной богини, ее красота — это очарование реальной женщины. Интересен и композиционный мотив картины: Веласкес написал свою героиню со спины. Зритель видит плавные линии ее гибкого тела, тонкую талию и стройные ноги. Очертаниям фигуры молодой женщины созвучны складки занавеса и покрывала и изгибы ленты. Лицо Венеры отражается в туманной поверхности зеркала, которое держит перед ней маленький Амур.

Диего Веласкес. Портрет Папы Иннокентия X. 1650 г.

Диего Веласкес. Венера перед зеркалом. 1657 г.

Картина «Пряхи», созданная Веласкесом в этом же году, посвящена испанскому трудовому народу. Впервые в истории западноевропейской живописи появилось произведение, рассказывающее о труде простого человека — создателя великого искусства. Композиция картины разделена на две самостоятельные сцены. На переднем плане в полумраке мастерской работают пряхи. По полу разбросаны клубки и обрывки ниток. В глубине пространства видна вторая комната, залитая ярким солнечным светом, в которой нарядные придворные дамы любуются гобеленом, созданным руками прях. На гобелене изображены Афина и Арахна — персонажи античного мифа, согласно которому девушка Арахна, славившаяся своим умением ткать великолепные ковры, вызвала на состязание Афину. Возмущенная богиня, сама искусная ткачиха, возмутилась смелостью Арахны и превратила ее в паука. Сравнивая работу простых испанских женщин с искусством Арахны, художник восхищается величием своего народа и его творческой силой, создающей все прекрасное, что есть в мире.

Картина стала последним крупным произведением Веласкеса. В 1660 году на острове Фазанов во время организации праздника по случаю обручения французского короля Людовика XIV с испанской принцессой Марией Терезией художник заболел малярией. Вернувшись в Мадрид, 6 августа 1660 г. он умер.

Со смертью Веласкеса закончилась эпоха расцвета испанской живописи. Последним значительным художником, придерживающимся реалистических традиций испанского искусства, был Мурильо.

Мурильо

Бартоломе Эстебан Мурильо родился в 1617 г. в многодетной семье севильского цирюльника. Очень рано лишившийся родителей, мальчик воспитывался старшей сестрой, которая смогла дать ему хорошее образование.

Почти всю свою жизнь Мурильо не покидал Севилью, где пользовался славой и уважением. В 1660 г. он стал первым президентом севильской Академии живописи. Художник писал портреты, пейзажи, жанровые композиции, выполнял заказы церквей и монастырей. Дружелюбный и спокойный по характеру, он был всю жизнь окружен многочисленными учениками и друзьями.

Как и его старшие современники Х. Рибера, Ф. Сурбаран, Д. Веласкес, Мурильо в своих работах стремился к реализму, внося в религиозные композиции элементы бытовой сцены. Но в его работах нет драматизма, страстной эмоциональности и яркой выразительности характеров, что свойственно творчеству вышеперечисленных мастеров. Живопись Мурильо глубоко лирична и проникновенна. Созданию искренних и трогательных образов способствует и своеобразная художественная манера: негромкая, нежная палитра; тонкая моделировка светом и тенью; легкая, воздушная дымка, окутывающая фигуры людей и предметы на картинах. Таково немного сентиментальное полотно «Святое семейство» (1645-1650) , безмятежно-спокойная и поэтичная композиция «Отдых на пути в Египет» (1665-1670).

В своем творчестве Мурильо многократно обращался к бытовому жанру. Как жанровая сцена трактована картина с библейской тематикой «Возвращение блудного сына» (1670-1674) и полотна с изображениями испанских девушек («Девушка из Галисии с монетой», ок. 1650; «Девушки у окна», ок. 1670) .

Ярче всего реализм Мурильо проявился в жанровых картинах, посвященных жизни нищих детей Севильи, хотя и в них заметны черты сентиментальности. Художник пишет, как ребятишки играют, едят, общаются между собой, радуются или огорчаются («Мальчик с собакой», 1650-е; «Мальчики с фруктами», 1650-е). Мурильо вносит в эти картины элементы повествовательности и тонкого юмора, чего не было в жанровых сценах других испанских живописцев.

Большой успех Мурильо принесли его религиозные композиции с образами Мадонны, написанными с андалузских красавиц («Мадонна с четками», ок. 1653; «Мадонна с младенцем», ок. 1650¬1655; «Мадонна с салфеткой», 1665) . Теперь эти произведения кажутся нам, слишком сентиментальными и идеализированными, хотя и среди них есть и более реалистичные и убедительные, как, например, «Мадонна-цыганка» (ок. 1675) .

Мурильо. Мальчики с фруктами. 1650-е гг.

Мурильо. Непорочное зачатие. Ок. 1678 г.

Мистические ноты звучат в произведениях, посвященных мотиву непорочного зачатия — одному из самых распространенных в живописи Мурильо («Непорочное зачатие», ок. 1678). Подобный тип картины, необыкновенно популярный в Испании XVI-XVII вв., восходил к догмату католицизма о непорочном зачатии самой Марии, когда ее родители были уже в преклонном возрасте.

На картины Мурильо существовал огромный спрос еще при жизни художника. Множество его произведений приобретено иностранцами, поэтому большая часть наследия испанского мастера находится за пределами Испании: в музеях и частных собраниях Германии, Франции, Австрии и России.

Популярность Мурильо необыкновенно возросла после смерти живописца в 1682 г. В XVIII-XIX вв. в Европе ценители искусства считали его самым знамениты художником Испании, и лишь в XX в. интерес к его творчеству значительно упал.

Барокко

В XVII в. в итальянском католицизме существовало течение квиетизма (от лат. quietus — тихий, безмятежный), связанное с утверждением покорного и абсолютно бесстрастного подчинения человека Божественной воле и церковным авторитетам. О роли идеологии католицизма в распространении Барокко за пределами собственно «иезуитского стиля» косвенно свидетельствует и то обстоятельство, что великий художник светского, фламандского барокко П. Рубенс в юности учился в латинской школе иезуитов в Антверпене. Там он получил блестящее знание латыни, античной мифологии и овладел еще шестью языками. Идеологическая двойственность стиля Барокко выразилась и в том, что взамен традиционного понятия композиции, введенного в обиход теоретиком искусства Итальянского Возрождения Л.- Б. Альберти, более пригодным оказалось выражение «mixtum com- positum» (лат. «смешанное соединение»). Оно точно передает идею соединения несоединимого — квинтэссенцию барочности. Но основным критерием, как и в эстетике Классицизма, остается «красота», она трактуется исключительно идеально: «к ней можно приблизиться, но ей нельзя овладеть». Бернини говорил, что природа слаба и ничтожна и потому для достижения красоты необходимо ее преобразование силой духа, подобной религиозному экстазу; искусство выше природы также, как дух выше материи, как мистическое озарение выше прозы бытия. Художники Барокко искали красоту не в природе, а в своем воображении, и находили ее, как это ни парадоксально, в классических формах. Ведь античные статуи уже содержали в себе идеализированную натуру. Поэтому Бернини советовал начинать обучение искусству не работой с натуры, а рисованием слепков античной скульптуры. Здесь эстетика стиля Барокко смыкалась с идеями академизма. Вслед за красотой теоретики искусства Барокко называли категорию грации (лат. gratia — прелесть, изящество), или кортезии (итал. cortesia — вежливость, нежность, теплота). Эти качества придавали художественной форме пластичность, изменчивость, текучесть.

Другая важнейшая категория — «декорум» — отбор соответствующих тем и сюжетов. В них входят только «достойные»: исторические, героические. Натюрморт и пейзаж объявлены низшими, «недостойными» жанрами, а традиционные мифологические сюжеты подвергаются «переработке» и «цензуре». Портрет — признается лишь тогда, когда он выражает «благородство и величие». Бернини часто говорит о «большом стиле» и «большой манере» — это его любимые термины. Он прибегает к ним, когда хочет подчеркнуть торжественность, особенный пафос и декоративный размах истинного Барокко. На первое место постепенно выходит категория «величественного», она обозначается латинским словом «sublimis» — высокий, крупный, возвышенный. В парадных живописных портретах эпохи Барокко постоянны укрупненные, утяжеленные формы роскошных мантий, драпировок, архитектурный фон. Стандартные аксессуары: колоннады, балюстрады, летящие гении Славы, античные жертвенники, и фигуры портретируемых в рост, уподобленные монументам, породили название — «большой статуарный стиль». Известными мастерами такого стиля были А. Ван Дейк и Дж. Рейнолдс в Англии, Ш. Лебрюн и И. Риго во Франции (см. «Большой стиль»), В. Боровиковский в России (см. екатерининский классицизм). Искусственная экзальтация, театральность приводили к тому, что и в жизни распространенными прилагательными становились: роскошный, божественный, блестящий, великолепный.

Художники и заказчики произведений называли друг друга не иначе как гениальный, чудесный, неподражаемый и, вполне серьезно, именовали себя новыми Плутархами, Цезарями, Августами… Главный способ художественного выражения в живописи Барокко — иносказание, аллегория. Превыше всего ценился «благородный замысел» и декоративное расположение фигур. Все это именовалось словом «кончетта» (итал. concetta — представление, выражение). «Кончетта» в своей основе имело литературную программу, часто в виде развернутого текста, сочиненного людьми, имеющими специальное образование. Они назывались «инвенторами» (от лат. inventio — изобретение, сочинение). Сюжеты и аллегории были настолько запутаны, что несмотря на труды инвентора и прилагаемый к произведению текст, приходилось включать в изображение пояснительные надписи — в обрамлениях, на лентах — бандеролях, стягах и вымпелах, картушах.

Для искусства Барокко характерно смешение в одной композиции античных и библейских ветхозаветных и новозаветных персонажей, аллегорических фигур, символов, атрибутов. Рядом могли оказаться Христос и Юпитер, Мадонна и Диана. Крест сравнивался с трезубцем Нептуна, а колесница Гелиоса- Аполлона символизировала Вознесение. Вполне прозаические фигуры заказчиков — донаторов — изображались на Олимпе, среди языческих богов, а рядом с ними могли оказаться и христианские святые. Церковь то протестовала, то мирилась с подобной неразберихой, которая, тем не менее, была отражением эстетической программы стиля (сравн. «Война богов»). Посредством неожиданных сопоставлений, сравнений, метафор, инверсии, точно также, как в формальных приемах ракурсов, эффектах светотени — анаморфозах (обманах зрения), художники Барокко создавали особую фантастическую атмосферу несоединимого и небывалого. Возникали новые смысловые связи, олицетворения, исторические аллюзии, ассоциации и тем самым расширялись возможности искусства, ломались традиционные жанровые преграды. Воображению художника тесно в пределах одного архитектурного сооружения или рамы картины. Искусство Барокко выплескивается на улицы и площади Рима, а затем других городов Европы.

Характеристики искусства барокко — величественное, таинственное и сенсационное

1600-1700

Искусство барокко — это все о величии, и когда вы говорите о барокко в искусстве, оно передает величие изысканности и красоты. важное наследие на всем пути. Тяжелая, грандиозная щедрость позолоченной архитектуры и дизайна интерьера в стиле барокко очевидна и в его произведениях искусства, и это одна из выдающихся характеристик искусства барокко, поскольку известно, что оно легко выражает драматизм и напряжение во всех прикладных искусствах.

Потребность аристократии произвести впечатление богатством и величием заставляла ремесленников почти целое столетие возводить тщательно украшенные и тяжелые парадные лестницы в чрезмерно украшенных дворцах в стиле барокко.

Эту яркость поощряла католическая церковь в их стремлении восстановить церковь после протестантской Реформации.

Многие богатые епископы и видное духовенство Церкви хотели быть уверены, что люди осознают верховенство Церкви и Божьи благословения на нее, поэтому они поручили нескольким художникам и архитекторам убедиться, что самые роскошные, величественные и внушительные здания и декорации могли послать свое послание людям.

«Мой талант таков, что ни одно предприятие, каким бы масштабным оно ни было… никогда не превосходило мою храбрость». — Питер Пауль Рубенс

Протестантская Голландия и другие протестантские регионы не видели такого религиозного интереса к стилю барокко, но он присутствовал среди различных классов, включая средний класс.

Примерно в 1600 году, после Тридентского Собора, задачей католической церкви было донести религию до масс в эмоционально вызывающей манере, которая дала бы религиозное понимание неграмотные в дополнение к образованным.

Этимология слова «барокко» состоит в том, что его латинские корни подразумевают значение «грубая или несовершенная жемчужина».

На неформальном языке это просто относится к чему-то подробному и детально проработанному. В то время он не использовался, но позже был приписан движению более поздних художественных критиков, чтобы критиковать избыток периода в его применении, деталях и легкомыслии в архитектуре, но позже был применен к другим искусствам периода.В любом случае, великолепная природа остается одной из ключевых характеристик искусства барокко.

«Все работы, независимо от того, что и кем написано, — не что иное, как вещицы и детские мелочи … если только они не созданы и нарисованы с натуры, а там может быть ничего… лучше, чем следовать природе ». — Караваджо

Барокко следовало интеллектуальным и элитарным стилям эпохи Возрождения и маньеризма и вместо этого обратилось к сенсорному подходу, чтобы обратиться к более широкой аудитории, которая могла не понимать двусмысленные значения, которые ранее были известны только образованным людям.

3 Характеристики искусства эпохи Возрождения, навсегда изменившего мир

Живопись в стиле барокко избегает таинственности, но предпочитает интенсивность эмоций, проявляемых через сенсационность и преувеличенный свет.

Он мало или совсем не походил на образ жизни людей периода барокко, но его мелодраматическое выражение, как считалось, прославляло монархию и подтверждало эмоциональную глубину католической церкви. Тематика включала жизнь Христа, жизнь Марии, а также важные эмоциональные или трогательные сцены из Нового Завета, такие как видение Павлом Иисуса на дороге в Дамаск.

Протестантские регионы, а именно Голландия, действительно сосредоточились на повседневной жизни, натюрмортах и ​​пейзаже, но лишь некоторые художники адаптировали величие барокко.

Vermeer, например, не участвовал. Художники того времени, особенно в Нидерландах, сосредоточились на игре света превыше всего и предпочли темный фон, чтобы продемонстрировать главный объект на свету. По этой причине они часто избегали человеческих фигур и предпочитали натюрморты, особенно с фруктами.

Скульптура в стиле барокко, сфокусированная на движении человека и выражающая энергию посредством использования оси в спирали, иногда протягивающейся, вызывая интерес зрителя со всех сторон.

Были добавлены украшения, такие как скрытые фонтаны или замаскированное освещение, чтобы придать изделию живое качество.

«Есть два приспособления, которые могут помочь скульптору оценить свою работу: одно — не видеть его какое-то время. Другой … это посмотреть на его работу через очки, которые изменят свой цвет, увеличат или уменьшат его, чтобы каким-то образом замаскировать это для его глаза и заставить его выглядеть так, как будто это работа другого … »- Джан Лоренцо Бернини

Архитектура в стиле барокко, основанная на смелости и величии, включая колоннады, светотень, купола и большие декоративные лестницы.Идея создания лучшего жилища для самого важного человека в здании, государственной квартиры, является изобретением архитектуры в стиле барокко.

С упадком власти и богатства Италии пришло в упадок и барокко. Франция становилась более крупным игроком на мировой арене, и ее главный декоративный объект, рококо, становился все более модным.

Основные моменты искусства барокко:

• Бернини был одним из лучших художников периода барокко, работавшим почти во всех средах, включая скульптуру, перформанс, написание пьес, живопись и проектирование архитектуры.
• Созданная Бернини «Святая Тереза ​​в экстазе» — это триумф архитектуры, драмы, скульптуры и истории воедино.
• Архитектура барокко известна своим величием, поэтому интересно отметить, что ее самым влиятельным художником был Питер Пауль Рубенс, художник, известный своими «рубенскими» женщинами — женщины величественных пропорций изображены в позах и освещении, которое делает их красивыми.
• Искусство эпохи Возрождения показывает сцену за мгновение до начала действия. Барокко оттачивает самую кульминацию момента наибольшего напряжения.
• Формы в архитектуре, которые в то время были исключительными для барокко, более округлые в Центральной Европе и формы груши в Восточной Европе.

Искусство барокко — Лучшие работы:

Афинская школа Рафаэля Санцио

Афинская школа — это картина, созданная Рафаэлем Санцио между 1509 и 1511 годами. Эта картина известна как « Шедевр Рафаэля Санцио », который можно увидеть в Апостольском дворце Ватикана.Рафаэль представил на этой картине всех ученых, математиков и философов.

Почему вид на цветок Греции действительно шедевр?

Лас Менинас — Диего Веласкес

Лас Менинас — картина, написанная Диего Веласкесом в 1656 году. Испанский художник считался ведущим художником Золотого века Испании. В западном мире эта картина — одна из самых анализируемых работ.

Экстаз Святой Терезы — Джан Лоренцо Бернини

Экстаз Святой Терезы — картина, написанная Джаном Лоренцо Бернини между 1647 и 1652 годами.Сюжет картины — Тереза ​​Авильская. Он считается одним из скульптурных шедевров высокого римского барокко. Великолепие этого произведения искусства — ключевой пример богатого природного списка среди множества художественных характеристик барокко.

«Ночной дозор» Рембрандта ван Рейна

«Ночной дозор» — картина, созданная Рембрандтом ван Рейном. в 1642 году. Картина голландского художника была одной из самых известных картин Золотого века Голландии.Барокко в искусстве — это высокая изысканность. Эту картину можно увидеть в Амстердамском музее.

Аполлон и Дафна — Джан Лоренцо Бернини

Аполлон и Дафна — Джан Лоренцо Бернини

Аполлон и Дафна — картина, написанная Джаном Лоренцо Бернини между 1622 и 1625 годами. В этом искусстве барокко итальянский художник изображает кульминацию истории Дафна и Феб в «Метаморфозах» Овидия.

Сотворение Адама Микеланджело

Сотворение Адама — это картина, созданная Микеланджело между 1508 и 1512 годами.На этой картине изображен Адам, который считается первым человеком, которому Бог дал жизнь. Размеры этой картины составляют 280 см × 570 см — и это можно считать одним из лучших и известных произведений искусства в стиле барокко, когда-либо созданных. Матфей — это картина, созданная Караваджо между 1599 и 1600 годами. На этой картине изображена сцена, в которой Иисус Христос вдохновляет Матфея последовать за ним. Эту картину можно увидеть в церкви Сан-Луиджи-деи-Франчези в Риме.

Bacchus by Caravaggio

Bacchus — это картина, написанная Караваджо в 1595 году. На этой картине итальянский мастер изображает молодого и юного Вакха, лежащего в классическом стиле с виноградом и виноградными листьями в волосах. Эту картину можно увидеть в галерее Уффици во Флоренции.

Artemisia by Rembrandt

Artemisia — это картина, написанная Рембрандтом в 1634 году. Сюжет, изображенный на этой картине, все еще ясен: это может быть Софонисба или Артемизия или королева, которая получает чашу от девушки.Картина голландского мастера подписана как «REMBRANDT F: 1634»

Ужин в Эммаусе Караваджо

Ужин в Эммаусе — картина, написанная Караваджо в 1601 году, и остается одним из самых знаменитых произведений искусства барокко. сделал. Брат кардинала Джироламо Маттеи, Сириако Маттеи, первоначально заказал эту картину, а также заплатил за нее. Эту картину можно увидеть в Национальной галерее в Лондоне.

История искусства Движения (Порядок по периоду происхождения)

Рассвет Человека — 10 до н.э.

Искусство палеолита (Рассвет человека — 10000 г. до н.э.), искусство неолита (8000 г. до н.э. — 500 г. н.э.), египетское искусство (3000 г. до н.э. — 100 г. н.э.), Древнее искусство Ближнего Востока (эпоха неолита — 651 г. до н.э.), Искусство бронзового и железного веков (3000 г. до н.э. — дебаты), Эгейское искусство (2800-100 гг. До н.э.), архаическое греческое искусство (660-480 гг. До н.э.), классическое греческое искусство (480-323 г. до н.э.), эллинистическое искусство (323 г. до н.э. — 27 г. до н.э.), этрусское искусство (700-90 гг. До н.э.)

1-10 век

Римское искусство (500 г. до н.э. — 500 г. до н.э.), кельтское искусство.Парфянское и сасанидское искусство (247 г. до н.э. — 600 г. н.э.), степное искусство (9000 г. до н.э. — 100 г. н.э.), индийское искусство (3000 г. до н.э. — настоящее время), искусство Юго-Восточной Азии (2200 г. до н.э. — настоящее время), китайское и корейское искусство, японское искусство (11000 г. до н.э.) — настоящее время), раннехристианское искусство (260-525 гг. Н.э., византийское искусство (330-1453 гг.), Ирландское искусство (3300 г. до н.э. — настоящее время), англосаксонское искусство (450-1066 гг. Н.э.), искусство викингов (780-1100 гг. Н.э.), Исламское искусство (600 г. до н.э. — настоящее время)

10–15 веков

Искусство доколумбовой эпохи (13000 г. до н.э. — 1500 г. н.э.), Североамериканское искусство индейцев и инуитов (4000 г. до н.э. — настоящее время), африканское искусство (), океаническое искусство (1500 — 1615 г. н.э.), Каролингское искусство (780-900 гг.), Оттоновское искусство (900-1050 гг.), Романское искусство (1000 г. — 1150 г.), готическое искусство (1100-1600 гг.), Выживание античности ()

Искусство История — 15 век и позже

Стиль Возрождения (1300-1700), Северное Возрождение (1500-1615), Маньеризм (1520-17 век), Барокко (1600-1700), Рококо (1600-1700), Неоклассицизм (1720 — 1830), Роман тицизм (1790-1890), реализм (1848 — настоящее время), импрессионизм (1860 — 1895), постимпрессионизм (1886 — 1904), символизм и модерн (1880-1910), фовизм, экспрессионизм (1898-1920), кубизм .Футуризм (1907-1928) Абстрактное искусство (1907 — настоящее время), Дадасим ,. Сюрреализм (1916-1970). Латиноамериканское искусство (1492 — настоящее время, современное американское искусство (1520-17 века), послевоенное европейское искусство (1945 — 1970), австралийское искусство (28000 до н.э. — настоящее время), искусство Южной Африки (98000 до н.э. — настоящее время)

Самые любимые Рассказы наших читателей

Выдающиеся художники эпохи барокко

Напряженное и экстравагантное движение барокко стало определяющим в искусстве 17 века.Период барокко отличался преувеличенным динамизмом и четкими деталями, направленными на создание драматизма и величия в скульптуре, живописи и архитектуре.

Считается, что этот стиль зародился около 1600 года в Риме, а затем распространился по Европе. На него сильно повлияла и поощряла католическая церковь, которая использовала его для передачи религиозных тем, военных образов и аристократов, которые ценили изобилие. Художники того времени сосредоточились на изображении естественных образов, пропитанных сильными эмоциями и преувеличенных за счет игры света и тени.Он был одновременно упрощен и мелодраматичен по своей форме, прославляя церковь и монархию.

Хотя многие художники закрепили за собой место во время движения, самыми известными в период барокко были Микеланджело Меризи да Караваджо, Питер Пауль Рубенс и Рембрандт в живописи и Бернини в скульптурах.

Художники эпохи барокко: Микеланджело Меризи да Караваджо, 1571 — 1610 гг.

Неверие святого Фомы

Хотя технически художник 16 века, итальянец Караваджо оказал значительное влияние на искусство барокко.Его картины были явным отходом от художественных условностей маньеризма — доминирующей формы искусства 16 века — с его драматическим использованием света и тени и его реалистичным изображением предметов и людей. Караваджо определил использование светотени (художественная игра света и тени), и благодаря этому использованию он смог создавать реалистичные фигуры и насыщать свое искусство драматизмом и напряжением. Эти элементы нашли отражение в творчестве самых выдающихся художников эпохи барокко.

Франциск Ассизский

Мученичество св.Матфей

Вакх

Художники эпохи барокко: Питер Пауль Рубенс, 1577 — 1640 гг.

Аллегория о благословениях мира

Рубенс был плодовитым и, возможно, самым известным художником эпохи барокко. Его стиль точно отражал Караваджо, а его работы обычно изображали религиозных деятелей. Главной отличительной чертой искусства Рубенса была крайняя эмоция, которую он выражал, но с минимальными деталями. У него также была склонность рисовать пышных женщин, что дало начало термину «рубенески» для женщин с полной фигурой.

Автопортрет

Последствия войны

Австрия, Вена, Кимон и Ифигения

Особая техника живописи в стиле барокко

Импрессионисты также работали на открытом воздухе, пытаясь запечатлеть мимолетные моменты света.По этой причине они не строили свои картины слоями, а вместо этого пытались поместить «правильный» цвет в «правильное» место с каждым штрихом.

Взгляните на картину импрессионистов ниже и обратите внимание, как светлый холст влияет на полученное изображение…

Isaac Israels. «Мальчик на пляже» Холст, масло — XIX век

Однако до импрессионистов большинство художников подходили к живописи совершенно иначе.Они работали в студии и часто использовали цвет только после завершения полностью отрендеренного монохроматического слоя краски, называемого подмалевком. Такой подход к живописи часто называют «непрямой» росписью.

См. Также: Непрямая окраска акриловыми красками

У импрессионистов, конечно, не было времени на подмалевок, поскольку они мчались против меняющегося света вечно движущегося солнца.

Однако в истории живописи был замечательный период, когда художники не работали ни над подмалевком, ни над белыми полотнами, — период барокко.

Живопись эпохи барокко

В период барокко большинство художников использовали полотна или панно, окрашенные в темно-коричневый и даже черный цвет. Работа с темным базовым слоем дает несколько больших преимуществ, которые невозможно воспроизвести, работая на светлом фоне.

Самым большим преимуществом работы на темном холсте является экономия усилий. Все тени уже есть. Художнику просто нужно сосредоточиться на значениях света. Этот подход к рисованию очень похож на работу с черной поверхностью для рисования с использованием белого материала для рисования.

См. Также: Рисунок белым носителем на черной бумаге

Тени либо игнорируются, либо завершаются с помощью техники, называемой «scumbling». Скрабирование — это техника рисования, при которой тонкая полупрозрачная краска энергично втирается в холст, позволяя просвечивать часть нижнего слоя.

Готовая картина в стиле барокко выглядит скульптурной, потому что светлые участки выделяются рельефом по сравнению с чрезвычайно тонким нанесением краски в тени.

Поскольку тени создаются путем оптического смешения полупрозрачных цветов на темной, тусклой поверхности, тени никогда не бывают такими красочными. Если вы предпочитаете более яркие картины в высоком ключе, эта характеристика живописи в стиле барокко будет недостатком. Однако из-за того, что тени такие тусклые, свет кажется более ярким по контрасту.

Прежде чем перейти к процессу создания живописи в стиле барокко, стоит взглянуть на несколько примечательных примеров, выполненных некоторыми из самых известных художников всех времен.

Рембрандт

Посмотрите на изображение ниже. Это менее известная работа Рембрандта под названием « Философ в медитации », но она является прекрасным примером того, как художники эпохи барокко позволили темному холсту работать в свою пользу.

Рассмотрим лестницу. Как лестница исчезает в темноте, исчезает и краска Рембрандта.

Он просто протер меньшее количество того же коричневого цвета от нижней части лестницы к середине, позволяя нижнему слою черного затемнить значение каждой ступени.Многие из маленьких теней между соседними досками — это просто просвечивающий черный нижний слой. По мере того как Рембрандт работал над самыми светлыми оттенками, он наносил краску более густо.

Питер Пауль Рубенс

Питер Пауль Рубенс наиболее известен своими большими вращающимися композициями, в которых изображены многочисленные люди и дикие звери. Однако на картине Святого Петра (ниже) мы можем оценить, как он использовал темный холст, чтобы создать сильную тень на голове и одежде Святого Петра.

Между волосами в тени и лицом есть полный промежуток.Удачно расположенные пряди волос плавают в пространстве, позволяя воображению зрителя заполнить пробел.

Диего Веласкес

Пожалуй, величайшим художником эпохи барокко (на мой взгляд) был Диего Веласкес. Он был плодовитым придворным художником, служившим Филиппу IV, королю Испании и Португалии.

Следующая картина показывает, насколько эффективно Веласкес использовал темный холст разными способами. На этой картине под названием La Aguador de Seville или The Water Carrier of Seville, Веласкес мастерски запечатлел на темном холсте прозрачное стекло, трех человек с разной интенсивностью света и глиняные сосуды.

Посмотрите на стакан, который держат старик и мальчик. Красиво нарисованный, Веласкес действительно использовал очень мало краски.

Чрезвычайно небольшое количество белого было налетено от краев стекла к центру стекла. Разъединенные точки внизу и сильные блики по краю дают нам представление о деталях с минимальной работой со стороны художника. Экономия мазков Веласкеса — свидетельство его мастерства в живописи — все, что нужно, и ничего более.

Теперь посмотрите на человека в центре — тот, который пьет воду, позади двух других фигур. Его голова была раскрашена только одним цветом. Краска самая тонкая там, где значения самые темные.

Его волосы совсем не окрашены, но на это указывает растрепанный фон вокруг его головы — простой, но эффективный.

Человек справа, водонос, изображен на рисунке ниже. Его мясистое, измученное временем лицо — отличный пример того, как рисование на черном холсте может сэкономить время и энергию.

Фактически, копия этой головы, показанная ниже поэтапно, является результатом всего лишь одного сеанса рисования. На этом давайте пройдемся по этапам рисования такой головы.

Этапы барочной живописи — пример

Следуйте или примените концепцию «следовать» к предмету, который вам более близок.

Шаг первый. Набросайте объект на черной или темной поверхности

Карандашом или слабыми следами краски нарисуйте как минимум несколько жестких краев объекта.Поскольку пример является копией, я просто использовал метод переноса графита, чтобы перенести некоторые линии на холст, подготовленный черной акриловой краской.

Шаг второй — Значения облегчения слоев

Теперь, используя масляную краску, смешайте несколько оттенков света, используя цвета, которые классифицируются как непрозрачные или полупрозрачные.

Все пигменты масляных красок делятся на непрозрачные, полупрозрачные и полупрозрачные. Прозрачные пигменты идеально подходят для глазурования (техника, не описанная в этой статье), но их следует избегать при обмывке.При смешивании красок обязательно используйте титановый белила.

Титановый белый не был доступен художникам эпохи барокко, но это самый непрозрачный пигмент из всех и лучший выбор, доступный сегодня художникам. (Не забудьте смешать белый цвет с цветом — чистый белый будет выглядеть неестественно.)

Шаг третий — Разделите свет и тьму

Используя всего один или два цвета, отделите свет от темного, сначала очистив (протирая) светлые значения с помощью очень небольшого количества краски на кисти.

Можно начать с нанесения краски на кисть с жесткой щетиной, а затем вытереть ее тряпкой или бумажным полотенцем перед нанесением того, что осталось в кисти, на холст. Если краска полностью покрывает нижний слой черного цвета, значит нанесено слишком много краски.

Используйте ластик Pink Pearl (да, вы можете стереть тонкие слои масляной краски), чтобы вырезать морщинки на коже и точно сформировать тени вокруг глаз.

Шаг четвертый — Добавьте сложности к плоти

Смешайте еще несколько оттенков мясистого цвета и начните рисовать прямо и непрозрачно в областях, на которые попадает только свет.Будьте осторожны с переходами от оттенков к оттенкам. При необходимости протрите краску в этих областях тряпкой, делая переход не только от светлого к темному, но и от более толстого к более тонкому.

См. Также: Как нарисовать портрет маслом

Шаг пятый — При необходимости применить более темные значения

Хотя это и не используется в этом примере, не стесняйтесь наносить также темные цветные метки. Присмотревшись к судну, построенному из змеевиков в нижней части корабля Веласкеса The Water Carrier of Seville , можно заметить, что некоторые тени между витками сделаны из-за того, что сквозь них просматривается фон, в то время как другие темные акценты окрашены поверх . цвет сосуда.

Заключение

В своем собственном путешествии по живописи вы можете выбрать работу с черными холстами, как художники эпохи барокко, или просто позаимствовать их, когда это будет наиболее подходящим. Мы всегда можем поучиться у мастеров, которые были до нас, и применить их усовершенствованные техники к нашим картинам.

Искусство барокко и искусство рококо: характеристика и определение

Экстравагантность. Роскошь. Величие . Это всего лишь несколько слов, которые могут прийти в голову, когда вы думаете об искусстве барокко и искусстве рококо: два стиля искусства и архитектуры в Европе.

Хотя рококо эволюционировало из барокко (и их определения можно дать в общих чертах), эти два периода действительно являются отдельными и разными, со своими собственными сильными культурными влияниями и значениями. Однако схожие характеристики и перекрывающиеся периоды времени, возможно, являются причиной того, что искусство барокко и искусство рококо часто путают.

Если различие между искусством периода рококо и барокко для вас нечеткое, не бойтесь. Изучите обзор определений искусства рококо и барокко, а также некоторых выдающихся художников и архитекторов каждого периода, которые создали некоторые из мгновенно узнаваемых работ, которые мы знаем сегодня.

Искусство барокко возникло примерно в 1600 году, примерно через 70 лет после окончания Раннего Возрождения во Франции и Высокого Возрождения в Италии. Считается, что этот период длился около 150 лет, в течение которых появились такие известные художники и архитекторы, как Караваджо, Питер Пауль Рубенс, Диего Веласкес, Джованни Баттиста Гаулли, Рембрандт ван Рейн, Йоханнес Вермеер, Джан Лоренцо Бернини и Франсиско де Сурбаран.

Считается, что термин «барокко» произошел от итальянского слова barocco , которое использовалось средневековыми философами для обозначения «препятствия в схематической логике». Barocco позже стал термином для обозначения любой искаженной идеи или сложного мыслительного процесса.

Церковь в Визе, Германия. Изображение взято с Wikimedia Commons.

По сравнению с более классическими мотивами и пассивным пространством в произведениях эпохи Возрождения, искусство барокко, возможно, было «искажено» тем, что оно шокирующе отличалось. Картины в стиле барокко были иллюзионистскими (разделяли физическое пространство со зрителем и обеспечивали множество меняющихся взглядов), в то время как скульптуры и архитектура были украшены иллюстрациями.Вместе работы в стиле барокко создавали декоративное единство в церквях и других помещениях, в которых их обычно видели.

Кьяроскуро , использование интенсивного контраста света и темноты в живописи изобразительного искусства, стало широко использоваться в искусстве периода барокко для изображения глубины, трехмерности и чувства драмы. Характеристики искусства барокко включали сияющие цвета, источники скрытого света и эксперименты с контрастными текстурами поверхностей.

• Действует: c.1600-1750
• Произведено от итальянского слова «искаженная идея»
• Возник главным образом как средство продвижения католической церкви во время протестантской Реформации.
• Подчеркивает веру в церковь и власть в государстве
• Драматические контрасты света и тьмы
• Эмоциональные, часто религиозные изображения
• Чувства величия, трепета, движения и напряжения
• Скрытые источники света
• Различные контрастные текстуры
• Всеохватывающие работы (иллюзионистические)
• Материалы: бронза, позолота, гипс, мрамор, лепнина
• Фокус в архитектуре: входная ось, павильон

Более типичные формы архитектуры барокко, которые развивались в Италии и можно увидеть в других римско-католических странах, таких как Испания, Португалия, северная Бельгия, Австрия и Польша, обычно включают главную ось или точку обзора, такую ​​как алтарь.Входные оси или центральные павильоны — объекты непосредственного внимания. Эта форма архитектуры барокко включала яркие материалы, такие как бронза и позолота, гипс, мрамор и лепнина, которые использовались для архитектурных элементов, таких как витые колонны и сводные купола.

Здания в стиле барокко часто расширяются за счет общественных площадей, которые обращены к ним, что существенно снижает их окружение. Такие театральные, впечатляющие конструкции и сцены, покрывающие потолки и стены, все чаще становились способами распространения веры в католическую церковь во время протестантской Реформации, а также дальнейшего возвышения государства.Церкви в стиле барокко делали упор на набожное поклонение; Барочные дворцы повелевали высшей властью и порядком.

В других протестантских областях, таких как Англия, Нидерланды и другие страны Северной Европы, архитектура в стиле барокко была более спокойной и изысканной. В протестантских странах и во Франции архитектура была геометрической и точной. Стиль французского барокко был отдельным, и это то, что французы специально называют «классицизмом». Подумайте: Версальский дворец.

Galerie des Glaces (Зеркальный зал) в Версальском дворце, Версаль, Франция.Изображение взято с Wikimedia Commons.

Караваджо (1571-1610)

• Итальянский художник
• Известен: драматическим использованием освещения в картинах в стиле барокко
  

Караваджо, «Письмо святого Иеронима», ок. 1605-6. Изображение взято с Wikimedia Commons.

Джан Лоренцо Бернини (1598-1680)

• Итальянский скульптор и архитектор
• Известен: созданием скульптуры в стиле барокко
  

Балдаччино в г.Базилика Петра, 1623-34, бронза, Ватикан. Фото sailko с Wikimedia Commons.

Джованни Баттиста Гаулли (1639-1709)

• Итальянский художник
• Известен: величественными иллюзионистскими фресками на сводах в стиле барокко.

Барочный фасад церкви Джезу работы Джованни Баттиста Гаулли, Рим, 1580 г. Фото Алессио Дамато с Wikimedia Commons.

Питер Пауль Рубенс (1577-1640)

• Фламандский художник
• Известен: влияние на традиции фламандского барокко

Питер Пауль Рубенс, «Снятие с креста», 1617-18 гг.Изображение взято с Wikimedia Commons.

Диего Веласкес (1599-1660)

• Испанский художник
• Известен: портретами испанской королевской семьи в стиле барокко и выдающимися деятелями.

Диего Веласкес, «Лас Менинас», 1656–1667. Изображение взято с Wikimedia Commons.

Франсиско де Сурбаран (1598-1664)

• Испанский художник
• Известен: умелым использованием света и тени в религиозных картинах в стиле барокко

Франсиско де Сурбаран, «Святой Лука как художник перед Христом на кресте», 1630–39.Изображение взято с Wikimedia Commons.

На рубеже 18 века наступил период Просвещения (1700-1780). Это был праздник разума, в соответствии с которым «целями рационального человечества считались знание, свобода и счастье».

Предпочитая политическую философию религиозной пропаганде, просвещенные европейцы повлияли на появление нового ребенка: рококо. Термин «рококо», вероятно, произошел от французского слова roc aille, , что означает «галька» и относится к камням и ракушкам, которые использовались для украшения интерьеров пещер.Ракушки и подобные формы со временем стали основным мотивом рококо.

Рококо возникло во Франции в начале 1700-х годов, которая уже показала признаки отхода от барокко с его собственным французским стилем барокко. Рококо, конечно, было связано не с церковью, а с французским королем Людовиком XV. Позже движение распространилось на другие европейские страны в течение 18 века.

Salon de la princesse , Hôtel de Soubise, Париж. Изображение взято с Wikimedia Commons.

Хотя рококо возникло из искусства барокко, художники рококо отвернулись от драматической символики власти церкви в стиле барокко. Вместо этого они оттачивали элегантное возвышение власти и класса французских аристократов. Рококо олицетворяет «светскую высокую моду».

В художественном движении рококо, которое в первую очередь возникло благодаря внутренней отделке, пастель заменила яркий свет и тени в стиле барокко; свет стал присутствующим и рассеянным, а не скрытым.Картины в стиле рококо часто изображают веселые сцены жизни элиты общества, будь то дома или вне дома, на открытых зеленых пастбищах. Символы игры, романтики, красоты, секса и мифологии часто встречаются в произведениях искусства того периода.

• Действует: c. 1715-1789
• Произведено от французского слова, обозначающего ракушки и гальку
• Часто характеризуется мотивами ракушек
• Возникший в эпоху Просвещения
• Подчеркивает цели знания, свободы, счастья
• Пастель, светлые, мягкие тона
• Эфирные, нежные, изящные элитные сцены
• Чувства игривости, счастья, романтики
• Рассеянный свет
• Обычно нерелигиозный
• Символы секса, красоты, ухаживания, мифологии
• Материалы: бронза, позолота, мрамор, резьба по дереву, лепнина
• Асимметричные, изогнутые формы и формы

В архитектуре рококо преобладали дворцы и усадьбы монархов и аристократов.Церкви и дворцы, все еще объединяющие скульптуру, живопись и окружающую архитектуру, были освещены внутри, чтобы излучать более неземную сущность. На смену театральным темным интерьерам пришли изящные и утонченные пространства. Декоративное искусство в стиле рококо — канделябры, канапе и комоды, и многие другие — часто можно было увидеть в салонах, где высший класс развлекал своих гостей.

Материалы, используемые в декоративном искусстве и архитектуре рококо, включают бронзу, позолоту, резное дерево, лепнину, мрамор и фарфор.

Жан Антуан Ватто (1684-1721)

• Французский художник
• Известен: создание стиля французского рококо

Жан Антуан Ватто, «Праздник любви», 1718-19 гг. Изображение взято с Wikimedia Commons.

Жермен Боффранд (1667-1754)

• Французский архитектор
• Известен: интерьеры в стиле рококо

Фасад стены в стиле рококо в спальне принца де Рохана в Hôtel de Soubise работы Жермена Боффрана, 1735–1736.Изображение взято с Wikimedia Commons.

Франсуа Буше (1703-1770)

• Французский художник, рисовальщик и гравер
• Известен: идиллическими, сладострастными картинами

Франсуа Буше, «Секретное послание», 1767 г. Изображение взято с Wikimedia Commons.

Франсуа де Кувильес (1695-1768)

• Бельгийский дизайнер и архитектор-декоратор
• Известен: привнесение стиля рококо в Мюнхен и центральную Европу

Schloss Augustusburg работы Франсуа де Кувильеса, 1729-40, Брюль, Германия.Фото Wandernder Weltreisender через Wikimedia Commons.

Жан-Оноре Фрагонар (1732-1806)

• Французский художник и гравер
• Известен: гедонизмом и изобилием в стиле позднего рококо.

Жан-Оноре Фрагонар, «Пейзаж с пастухами и стадом овец», 1763-65. Изображение взято с Wikimedia Commons.

Джованни Баттиста Тьеполо (1696-1770)

• Итальянский художник и гравер
• Известен: плодовитые декоративные картины в стиле рококо
  

Джованни Баттиста Тьеполо, «Аполлон в погоне за Дафной», ок.1755-60. Изображение взято с Wikimedia Commons.

Хотя искусство рококо возникло примерно через 100 лет после расцвета искусства барокко (в то время, когда искусство барокко было менее популярным, но все еще присутствовало), характеристики этих двух движений часто могут пересекаться; однако есть заметные различия в значениях, методах, стилях и символах, которые могут помочь вам отличить их друг от друга, если вы знаете, что искать.

Ищете больше? Исследуйте живопись и скульптуру на Invaluable прямо сейчас.

Барокко

светотень
тенебризм
Караваджисти
Контрреформация
barroco (по-португальски «деформированная жемчужина»)
Папа Урбан VIII (из семьи Барберини)
импасто
Кальвинизм
гравюра
офорт
стоицизм
режим
Дорианская мода, заказ
Дорианс
Людовик XIV

Искусство барокко, музыка, здания: Где можно увидеть лучшие образцы

Стиль барокко распространился из Европы через небольшие портовые города, такие как Валлетта, столица Мальты и одна из культурных столиц Европы в этом году.Здесь величественное здание в стиле барокко, которое является Собором Святого Иоанна, сочетается с сказочно богато украшенным интерьером в стиле барокко, а также с двумя висящими внутри Караваджо (особенно Усекновение главы Иоанна Крестителя , в котором художник пишет свою подпись кровью с шеи святого).

По мере того, как европейские державы становились смелее, а колонизация распространялась, искусство и архитектура в стиле барокко процветали за пределами Европы. Метрополитен Нью-Йорка в настоящее время демонстрирует Painted in Mexico (до 22 июля, metmuseum.org ) — 110 произведений искусства, многие из которых выполнены в стиле барокко, выполненные в Мексике в 18 веке. В самой Мексике Международный музей барокко ( mib.puebla.gob.mx ), открытый в 2016 году в Пуэбле, объявляет барокко «первым художественным движением, которое захватило мир».

Разработан лауреатом Притцкеровской архитектурной премии японским архитектором Тойо Ито в крутом стиле, сознательно противоречащем чрезмерному количеству экспонатов, MIB, как известно, уделяет одинаковое внимание развитию искусства, музыки и особенно архитектуры в контексте колонизации. Нового Света.Возможно, неудивительно, что наибольшую концентрацию можно найти в Латинской Америке, в таких городах, как сама Пуэбла, и в богато украшенных церквях в Оро-Прето и Тирадентес в Бразилии; Кито в Эквадоре; Антигуа в Гватемале; Сантьяго в Чили; и Кордова в Аргентине.

Испанская империя также простиралась на восток, поэтому на Филиппинах находится более 30 национальных культурных ценностей в стиле барокко, в том числе четыре испанские церкви в стиле барокко. А португальские колонизаторы обеспечили распространение влияния барокко на Африку (особенно на Луанду и Бенгелу в Анголе), Индию (Гоа) и Макао.

В Макао призрачный гранитный фасад руин Святого Павла, когда-то бывшей иезуитской церковью и крупнейшим церковным сооружением в Азии, прежде чем он рухнул из-за тайфунов и катастрофического пожара, остается бастионом барочного наследия города. Он возвышается над 68 ступенями старого города.

Иконография церкви, изящно вырезанная в 1620-х годах местными мастерами и изгнанными японскими христианами, представляет собой сочетание культурных отсылок к

Маньеризм и барокко | Хайброу

Эпизод № 3 курса «Движения в искусстве на протяжении европейской истории»

В конце высокого Возрождения в 16 веке искусство перешло в менее сбалансированный и гармоничный стиль.В то время как художники эпохи Возрождения сосредоточились на реалистическом изображении людей, художники маньеризма экспериментировали с удлиненными пропорциями, без четкой перспективы и сильно стилизованными позами.

Портрет гнома Морганте, Бронзино (маньеризм)

Погребение Христа, Якопо Понтормо (Маньеризм)

Стиль искусства маньеризм иногда считается ранней стадией барокко, но многие видят явные изменения в искусстве после 1545 года, когда художники отреагировали на социальные движения Контрреформации и религиозную напряженность в Европе.

Период, известный как искусство барокко, был сосредоточен на возрождении религиозных тем как предметов искусства, поскольку церковь пыталась восстановить свою власть, заказывая большие, дорогие, выразительные произведения искусства. Искусство барокко сочетало в себе движение и деятельность, которые расширили искусство за счет достижений художников эпохи Возрождения. Скульптура и архитектура периода барокко стали крупными по размаху, размаху и величию.

Экстаз Святой Терезы, Бернини

Художники снова стремились изобразить реалистичность и художественные формы, ценимые в древности, с помощью своих человеческих фигур.Величайший художник своего времени Питер Пауль Рубенс оказал влияние на Рембрандта и других голландских художников эпохи барокко. В то время как искусство барокко в большей части католической Европы было заинтересовано в изображении сцен аристократической или небесной жизни, голландские художники того времени разработали новый стиль станковой живописи, который коммерциализировал многие художественные проекты и привел их в дома растущего среднего класса.

Похищение дочерей Левкиппа, Питер Пауль Рубенс

Возвращение блудного сына, Рембрандт

Период барокко также оказал большое влияние на архитектуру всего континента.Самым известным зданием в стиле барокко является знаменитый Версальский дворец , недалеко от Парижа:

Как и архитектура барокко, Версаль переливается золотом и использует процесс повторения элементов дизайна в секциях дворца, которые с внешней стороны объединены множеством окон, что является типичным элементом архитектуры барокко. Его многочисленные колонны, купола и криволинейные формы делают его одним из самых классических и величайших образцов стиля барокко.

Поделиться с друзьями