Произведения искусства барокко: Baroque Art — History, Paintings, Artists

Произведения искусства и стиль барокко

Фильтр

• р. - р.

• Тип размера

• Ширина (см)

• Высота (см)

• Материал

  Бумага

  Дерево

  Картон

  Оргалит

  Холст на картоне

  Холст на дереве

  Холст на оргалите

  Ватман на картоне

  Рисовая бумага

  Дерево, смальта

  Пенокартон

  Дерево, художественное стекло

• Техника

  Акварель

  Темпера

  Пастель

  Смешанная

  стеклянная мозаика

  Минеральные краски

  Акриловая заливка

  Карандаш

  Монотипия

• Наличие рамы

  В раме (пластик)

  В раме (дерево)

  Без рамы

  В раме (дерево/пластик)

  Паспарту и рама

  В раме под стеклом

  Антирама

  Авторская рама

Стиль барокко, возникший в начале ХVII века, в отличие от классицизма не имел своей развернутой эстетической теории. До сих пор неясно даже значение этого слова, которое стало употребляться в Х V III веке. Для  произведений искусства барокко, стремящегося к созданию большого стиля, было характерно представление о мире как о некоем космическом единстве, о могучей стихии, объединяющей небо и землю, богов и людей и находящейся в непрестанном движении и изменении. Композиции барочных полотен пронизаны повышенной динамикой. Все формы находятся в бурном движении, человеческие эмоции всегда приподняты, а страсти подчас граничит с аффектом. Живописи барокко присуща известная театральность. Несмотря на то, что для живописи барокко столь типичны

произведения искусства, выполненные на библейские и евангельские темы, было бы неправильно считать это искусство религиозным, хотя церковь охотно и часто его использовала. Не говоря уже о том, что во многих случаях религиозная тематика оставалась не более чем внешней оболочкой, художники барокко и в светских сюжетах воссоздавали полнокровные жизненные образы, проникнутые демократическим духом и отражавшие прогрессивные реалистические тенденции времени, достаточно вспомнить произведения искусства Фландрии и отчасти Испании.

Классицизм в произведениях искусства

Классицизм как стилистическая система во многом представляет собой полную противоположность барокко. В отличие от барокко классицизм складывался медленнее и в XVII веке получил распространение лишь во Франции. При этом он создал достаточно подробно разработанную эстетическую теорию, хотя на практике не всегда следовал ей до конца. Если стиль барокко (как, впрочем, и большинство стилей мировых

произведений искусства) нашел свое наиболее полное выражение в архитектуре, скульптуре и потом уже в живописи, то классицизм XVII века проявился в живописи в не меньшей степени, чем в других видах искусства. О том, какое значение ей придавали, свидетельствует высказывание Пуссена, крупнейшего представителя не только искусства классицизма, но и его теории, который писал: Живопись есть не что иное, как изображение духовных понятий, хотя и воплощенных в телесных фигурах. Но, разумеется, в основном классицизм отличается от барокко отношением к миру и человеку, пониманием того места, которое человек занимает в окружающей действительности. Основной пафос, сама суть классицизма — это рациональное начало, гармония, упорядоченность и возвышенность. Таков, во всяком случае, идеал искусства классицизма, в котором гражданственность, нравственный долг, благородство и героизм человека неизменно выступали на первый план.

Картинная галерея «Русская живопись» предлагает приобрести произведения современных русских художников, работающих в различных жанрах и направлениях.

‘; html += ‘

‘ + json[i][‘label’] + ‘

‘; html += ‘

‘ + json[i][‘special’] + ‘

‘; if(json[i][‘special’]){ html += ‘

‘ + json[i][‘price’] + ‘

Театральность искусства эпохи барокко | Статья в журнале «Молодой ученый»



Барокко — европейское искусство XVII-XVIII веков. Его центром была Италия, откуда оно распространилось в другие европейские страны. Барокко возникло в неспокойную эпоху, когда в результате религиозных войн, многочисленных социальных и экономических потрясений люди усомнились в ренессансном представлении о разумно устроенном мире и о человеке как существе, живущем в гармонии с Богом и природой. Термин «барокко» поначалу нес в себе негативную коннотацию как нечто причудливое, чрезмерное, противоречащее классической эстетике. Вероятно, его этимология восходит к португальскому «perolabaroco» — жемчужина неправильной формы, со смещенным центром тяжести.

Пристрастие ко всему театральному пронизывает всю жизнь и искусство этой сложной, противоречивой эпохи. Испанский поэт Кальдерон де ля Барка в своей аллегорической пьесе «ElGranTheatrodelMundo» («Великий мировой театр»), изданной впервые в 1645 году, представил мир как сцену: перед Богом-отцом и его небесным двором люди действуют как актеры; пьеса, которую они играют — их собственная жизнь; их сцена — это весь мир. Согласно сюжету пьесы Кальдерона, любой человек, будь он королем или нищим, появляясь на «сцене» этого «театра» получает «реквизиты», соответствующие его «роли», то есть общественному положению. «Актер» выходит на сцену жизни «через одну дверь — «колыбель» и покидает ее через другую — «могилу». В этот момент «актеры» возвращают свои знаки различия («реквизиты») и узнают, насколько удачно они сыграли свою роль — когда падает занавес, остаются лишь четыре последних вещи: смерть, страшный суд, рай и ад» [5, c. 11]. Их символическому изображению была посвящена вся эпоха барокко и сюжеты ее произведений.

Для этого времени были характерны парадная роскошь и помпезная формальность, пафосные жесты и высокопарное красноречие. Все виды искусств эпохи барокко подчиняются принципу театральности. Интерьеры, переполненные зеркалами и позолотой, напоминают пышные кулисы. В искусстве барокко все, как в театре, подчинено главной цели, которая «пульсирует в каждой жиле и воплощает в себе страстную волю к волшебной иллюзии, которая сильнее, чем действительность, к гипнотическому очарованию, к магии этого цветного и яркого мира» [6, c. 466].

Как в театральной постановке, в барокко происходит синтез отдельных искусств: декорации рисуют похожими на архитектурные сооружения, среди них помещают скульптуры. Во главу угла теперь ставятся не практические соображения, а создание сильного эмоционального эффекта, зрелищность и выразительность. Гениальным режиссером этого театра становится кавалер Бернини — архитектор, скульптор, поэт, механик и режиссер придворных празднеств в одном лице, диктовавший стиль этой эпохи благодаря своей неисчерпаемой изобретательности.

В отличие от более сдержанной эстетики Ренессанса, барокко ставит на первый план человеческие эмоции. Эта эпоха не столько восхищается совершенством природы, отображаемом в произведении искусства, сколько обращается к человеческой душе, которую оно всеми средствами стремится потрясти. «Барокко не боится изобразить такие жизненные явления, которые отвергла бы гораздо более сдержанная эстетика Ренессанса: нищету, болезнь, старость и смерть. Оно любит экстравагантное и уродливое, как более правдивое, сильное и эмоциональное» [3, c. 122]. Это искусство обращается в первую очередь к чувствам зрителя: его динамика, театральный пафос, пышность, избыточность форм стремятся произвести впечатление, убедить, вызвать душевное волнение.

Поэтому оно зачастую воспринимается нашими современниками как чересчур экзальтированное, витиеватое и напыщенное. Так, итальянский философ Бенедетто Крочи жаловался в 20-е гг. XX века на недостаток «субстанции» барокко. Согласно его мнению, барокко — это «игра, гонка за средствами, могущими произвести сильное впечатление на зрителя. В результате барокко, несмотря на свои поверхностную живость и теплоту, кажется холодным, и, несмотря на богатство красок, форм и их комбинаций, производит впечатление пустоты» [5, c. 7].

Многие подобные предрассудки касательно барокко существуют и сегодня. Стиль барокко связывается в нашем сознании с чем-то избыточным, слишком преувеличенном и искусственным. Во всех произведениях барокко, даже при изображении сюжетов из священной истории, присутствует нарочито эстетический компонент, вызывающий у наших современников сомнения в искренности религиозного чувства. Эту «потребность в утрировании, по всей видимости, можно понять только из глубоко игрового содержания творческого порыва. Чтобы от всего сердца наслаждаться и восхищаться Рубенсом Вонделом, Бернини, нужно начать с того, что не следует воспринимать их формы выражения совершенно “всерьез”» [2, c. 290-291].

Тем не менее, кажущиеся безудержность и отсутствие чувства меры барочного искусства не должны скрывать из виду то обстоятельство, что оно было подчинено строгим схемам. В барокко строится новое отношение между произведением искусства и зрителем. Если ранее искусство было призвано вызывать восхищение красотой изображаемого, а положение зрителя по отношению к произведению искусства было подобно его отношению к действительности, то теперь, как отмечает У. Гезе, на первый план выходит новое понимание отношений между ними. В XVII веке «в представлении художника присутствует дуализм зрителя и произведения искусства, которое более не есть объективный факт, а средство, побуждающее к действию» [7, c. 276]. Оно должно использовать средства риторики, убеждая зрителя, вызывая в нем определенные чувства.

Подобно тому, как церемониал влиял на отношения между людьми, так и риторика определяла строение речи или литературного произведения. Риторика или «искусство правильной речи» представляет собой своего рода вехи для коммуникации между говорящим и слушающим и влияет на восприятие сказанного. Считалось, что при обращении к публике всегда следует строго соблюдать форму и стиль, однако желательно применять средства, усиливающие эмоциональное воздействие. Патетическая манера изображения должна вызывать чувство сопереживания. Как удачная речь, так и пьеса, картина или скульптура должны «радовать и волновать» своих зрителей и слушателей.

Также и архитектура подчинялась правилам риторики. Так, было точно установлено, какие архитектурные «средства пафоса» могли быть использованы при строительстве здания церкви, фасада замка или композиции площади. В архитектурной планировке дворца сценографическая диспозиция играла важную роль. Восприятие строения начинается на парадной лестнице и далее при дальнейшем движении зрителя вглубь здания действует архитектурная режиссура: «подобно тому, как в хорошей речи слушатель движется от одного смыслового эффекта к другому, так и здесь выстроены зрительные эффекты, постепенно раскрывающиеся для посетителя. Так же как диспозиция внутри помещения служит иерархическому структурированию придворной жизни, так и фасад здания обращен к зрителям с целью произвести на них впечатление или вызвать благоговение перед хозяином дворца» [5, c. 11].

Парадные лестницы дворцов и замков представляли собой своего рода сценические площадки для общественных выходов — там происходила встреча гостей, а парадная лестница и вестибюль играли роль кулис. К тому же они несли в себе драматургический и нарративный потенциал: пока посетитель неспешно поднимался по лестнице, перед ним разворачивались сюжеты потолочной росписи.

Помимо сценической игры церемониальных приветствий барокко знало еще ряд подобных «театральных постановок» высокого символического значения. Каждый акт общественной жизни становился пышной церемонией, а персона властителя — воплощением дарованного Богом величия. Наиболее полно этот принцип был воплощен Людовиком XIV, который правил при своем дворе подобно Юпитеру, Аполлону или освещающему всё и всех солнцу. «Античные и раннехристианские источника предоставляли материал, на котором основывался данный топос: так, Вергилий в своей «Буколике» описывает приход нового золотого века под правлением короля-солнце. Во времена Константина, первого христианского императора, это пророчество связывали с приходом Сына Божьего. В Новое время солнечный миф стал государственной утопией, а именно, у Томазо Кампанеллы в его «Городе солнца» (1602). Дальнейшая его коннотация связывается с богом солнца Аполлоном Мусагетом, предводителем муз» [4, c. 138]. Поддержка искусства и науки, всеобщая гармония и мир становятся лейтмотивом изображения барочных владык в живописи, скульптуре и литературе.

Весь дневной распорядок Людовика XIV сравнивался с ходом солнца по небосклону. Каждое его действие: от ритуального «lever» до «coucher», обеды, приемы, прогулки по саду становились символическим актом, метафорой божественной эпифании. Очень важным актом было «lever» — пробуждение и одевание короля, которое должно было соответствовать восходу. Проходили часы, пока Людовик XIV не покидал постель и не был полностью одет. Двор присутствовал при каждом действии; близость к королю была подобна близости к светилу. Вся обстановка Версаля как резиденции абсолютистского властителя была призвана служить этому сценарию. Каждое помещение дворца было предназначено для определенного театрального действа. Не менее чем дворец, был важен и парк, который со своими деревьями, скульптурами и фонтанами представлял собой идеальную сцену для дворцовых праздников, которые длились по нескольку дней. Людовик XIV с юных лет сам выступал как танцор в придворном балете, исполняя, в том числе, роль Аполлона.

Никакая другая эпоха не отмечала более роскошных праздников, чем барокко, длившихся по нескольку дней и объединяющих в себе сценические и изобразительные искусства в гигантское общее произведение. Идеальными кулисами были декорированные мифологическими сюжетами парадные залы, а также дворцовые парки с фонтанами, которые с помощью иллюзионистских трюков превращались во все новые сцены. На несколько дней весь двор переселялся в мир богов и героев. Однако эти роскошные празднества разоряли государственную казну.

Праздновало и простонародье, на время получая, таким образом, возможность выхода из тягостной повседневности. Невзрачные городские улицы украшались по поводу официальных государственных праздников, дней святых, процессий и ярмарок. Здесь устраивались театральные представления: шуты и комедианты отпускали свои грубоватые шутки и являли собой оборотную сторону изысканного придворного общества.

Из средневековой традиции берет такое начало такое событие, как торжественный въезд короля в город. Для него писались сценарии и сооружались особые временные постройки — по большей части деревянные триумфальные арки. В этой постановке демонстрировалась модель «идеального мира, где добро побеждает зло, вера — неверие, порядок — хаос. Конечно, в центре этой гармонии всегда стоял король, любимец богов и сам подобный богу, действия которого одновременно являли собой действительность и символический акт» [4, c. 139].

Городское пространство было частью сложной инсценировки, кулисами, перед которыми разыгрывался целый спектакль, дающий образ идеального мира, в котором участвовали все виды искусств. Государственные визиты, коронация монарха, его свадьба, рождения детей и сама смерть праздновались в подобающих случаю декорациях. Так же зрелищно проходили и церковные праздники — процессии на пасхальной неделе или праздник тела Христова. Используемые на языке зрительных образов аллегории сакральной и профанной природы были понятны даже для неграмотного простонародья.

Вообще, символические действия, языковые и художественные метафоры, риторические образы были в гораздо большей степени понятны человеку барокко, чем сегодняшнему. Как отмечает Е. Клукерт, метафорические способности и образное мышление было более выражено в эпоху барокко, чем в настоящее время. С помощью эмблем можно читать замысел авторов жанровых картин, как правило, заключенные в них поучение и мораль. «Эмблемы могут быть использованы как помощники в интерпретации барочного изобразительного искусства. Их понимание не вызывало затруднений у современников, т. к. они, как правило, сопровождались девизом и подписью» [8, c. 429].

Причиной подобной тяги к театральности является то обстоятельство, что в мире, потрясаемом социальными конфликтами, войнами и религиозным противостоянием, участие в огромном величественном спектакле давало определенное ощущение стабильности. «Церемониал, режиссерские указания в этом мировом театре являлись отражением высшего, установленного самим Богом порядка. Все виды искусств: живопись, скульптура, театр играли двойную роль: они служили тому, чтобы производить впечатление на подчиненных, ослеплять их великолепием могущества и одновременно быть проводником определенной идеологии. Они представляли собой театральные кулисы и создавали иллюзию совершенно устроенного мира» [5, c. 7].

К тому же, в подобной страсти к театральности кроется, по мнению Э. Фиделя, неосознанное желание защититься от наступающего рационализма Нового времени. Стремлением рационализма было подчинить все проявления действительности единовластному господству разума. Благодаря этому в душе современного человека возникла зияющая бездна, разрывающая его. В эпоху средневековья все еще было истинно, ясно, богоугодно: мир как действительность веры. Мир в реализме становился все серее и компактнее, все безбожнее и эгоистичнее, человек — все более одиноким.

Поэтому для защиты от рационализма оно пытается схитрить: как бы не принимая реальность всерьез, начинает с ней играть. «В барокко вся жизнь подчиняется формуле «как если бы». Для человека барокко все происходящее скрывается за прекрасной иллюзией, фикцией. Он играет с действительностью, подобно тому, как талантливый актер играет со своей ролью, мастер фехтования играет со своим партнером: действительность не может повредить ему, так как он знает, что она — фантом, маска, фальшивый слух, ложь; он только делает вид, что принимает ее всерьез» [6, c. 482].

Таким образом, барокко включает в себя эстетизацию бытия, проживая его как игру, воспринимая мир как театр, а человека — как актера, получившего при рождении определенные «реквизиты» — знаки своего состояния. Все искусство этой эпохи служит созданию роскошного, эмоционально насыщенного стиля, создающего своего рода кулисы для главных актеров эпохи — светских и церковных владык. Придворный церемониал воспринимается как отражение установленного самим Богом порядка, воплощающего идеальный мир, полный волшебных иллюзий, защищающих человека от беспощадной реальности.

Литература:

1. Поликарпов В. С. Лекции по культурологи. [Электронный ресурс]. URL: http://www.gumer.info/bibliotek_Buks/Culture/Polikar/20.php (дата обращения: 21.09.2015).
2. Хейзинга Й. Homo ludens. М.: Аст, 2004.
3. Чеснокова Л. В. Противоречивость искусства эпохи барокко // Альманах современной науки и образования. 2016. № 1. С. 121-125.
4. Borngässer B. Architektur des Barock in Frankreich // Die Kunst des Barock. Architektur, Skulptur, Malerei (hrsg. von R. Toman). Potsdam: Tandem, 2009. S. 122-151.
5. Borngässer B., Toman R. Einleitung // Die Kunst des Barock. Architektur, Skulptur, Malerei (hrsg. von R. Toman). Potsdam: Tandem, 2009. S. 6-11.
6. Friedel E. Kulturgeschichte der Neuzeit. München: Beck, 1999.
7. Geese U. Skulptur des Barock in Italien und Zentraleuropa // Die Kunst des Barock. Architektur, Skulptur, Malerei (hrsg. von R. Toman). Potsdam: Tandem, 2009.
8. Kluckert E. Emblematik // Die Kunst des Barock. Architektur, Skulptur, Malerei (hrsg. von R. Toman). Potsdam: Tandem, 2009.

Основные термины (генерируются автоматически): барокко, произведение искусства, XVII-XVIII, вид искусств, идеальный мир, искусство этой, парадная лестница, сам Бог порядка, символический акт, человек барокко.

Книга «Барокко. Мир как произведение искусства» Борнгессер Б

• Книги
  • Художественная литература
  • Нехудожественная литература
  • Детская литература
  • Литература на иностранных языках
  • Путешествия. Хобби. Досуг
  • Книги по искусству
  • Биографии. Мемуары. Публицистика
  • Комиксы. Манга. Графические романы
  • Журналы
  • Печать по требованию
  • Книги с автографом
  • Книги в подарок
  • «Москва» рекомендует

  • Авторы • Серии • Издательства • Жанр

• Электронные книги
  • Русская классика
  • Детективы
  • Экономика
  • Журналы
  • Пособия
  • История
  • Политика
  • Биографии и мемуары
  • Публицистика
• Aудиокниги
  • Электронные аудиокниги
  • CD – диски
• Коллекционные издания
  • Зарубежная проза и поэзия
  • Русская проза и поэзия
  • Детская литература
  • История
  • Искусство
  • Энциклопедии
  • Кулинария. Виноделие
  • Религия, теология
  • Все тематики
• Антикварные книги
  • Детская литература
  • Собрания сочинений
  • Искусство
  • История России до 1917 года
  • Художественная литература. Зарубежная
  • Художественная литература. Русская
  • Все тематики
  • Предварительный заказ
  • Прием книг на комиссию
• Подарки
  • Книги в подарок
  • Авторские работы
  • Бизнес-подарки
  • Литературные подарки
  • Миниатюрные издания
  • Подарки детям
  • Подарочные ручки
  • Открытки
  • Календари
  • Все тематики подарков
  • Подарочные сертификаты
  • Подарочные наборы
  • Идеи подарков
• Канцтовары
  • Аксессуары делового человека
  • Необычная канцелярия
  • Бумажно-беловые принадлежности
  • Письменные принадлежности
  • Мелкоофисный товар
  • Для художников
• Услуги
  • Бонусная программа
  • Подарочные сертификаты
  • Доставка по всему миру
  • Корпоративное обслуживание
  • Vip-обслуживание
  • Услуги антикварно-букинистического отдела
  • Подбор и оформление подарков
  • Изготовление эксклюзивных изданий
  • Формирование семейной библиотеки

Расширенный поиск

Борнгессер Б.

Рекомендуем посмотреть

Боровская Н. Ф.

Караваджо. Между Ренессансом и барокко

1 560 ₽

1 880 ₽ в магазине

Купить

Голландская живопись XVII-XVIII веков. Том 1. Каталог коллекции

3 926 ₽

4 730 ₽ в магазине

Купить

Голландская живопись XVII-XVIII веков. Том 2. Каталог коллекции

3 926 ₽

4 730 ₽ в магазине

Купить

Итальянская живопись XVII века. Каталог коллекции

3 030 ₽

3 650 ₽ в магазине

Купить

Алперс С.

Предприятие Рембрандта. Мастерская и рынок

880 ₽

1 060 ₽ в магазине

Купить

Седакова О. А.

Путешествие с закрытыми глазами. Письма о Рембрандте

822 ₽

990 ₽ в магазине

Купить

Помян К.

Коллекционеры, любители и собиратели. Париж, Венеция: XVI-XVIII века

1 353 ₽

1 630 ₽ в магазине

Купить

Французская живопись XV-XVII веков. Каталог коллекции

4 233 ₽

5 100 ₽ в магазине

Купить

Постригай А.

Как понимать искусство: арт-прогулка по стилям и эпохам

772 ₽

930 ₽ в магазине

Купить

Испанская живопись XV — начала XX века. Каталог коллекции

3 328 ₽

4 010 ₽ в магазине

Купить

Рисунки французских мастеров из музея Альбертина (Вена)

1 029 ₽

1 240 ₽ в магазине

Купить

Алперс С.

Искусство описания. Голландская живопись

681 ₽

820 ₽ в магазине

Купить

Хрусталев Д. Г., Россомахин А., Успенский В. М.

Имперский шаг Екатерины. Россия в английской карикатуре XVIII века

1 087 ₽

1 310 ₽ в магазине

Купить

Velazquez. The Complete Works

7 321 ₽

8 820 ₽ в магазине

Купить

Эпоха Рембрандта и Вермеера. Шедевры Лейденской коллекции. Альбом

1 170 ₽

1 410 ₽ в магазине

Купить

Caravaggio. The Complete Works

3 179 ₽

3 830 ₽ в магазине

Купить

Vermeer. 40th Anniversary Edition

3 030 ₽

3 650 ₽ в магазине

Купить

Rembrandt. Complete Drawings and Etchings XXL

20 300 ₽

23 570 ₽ в магазине

Купить

Baroque. Barock. Barok. Барокко. Visual Encyclopedia of Art

1 170 ₽

1 410 ₽ в магазине

Купить

1000 шедевров мирового искусства

2 133 ₽

2 570 ₽ в магазине

Купить

Загрузить еще

«Диалоги.

Живопись барокко из музеев Андалусии» в Государственном Эрмитаже

В Эрмитаже открылась выставка испанской живописи XVII века

Государственный Эрмитаж, 24 июня — 25 сентября 2011

В Эрмитаже открыта выставка «Диалоги. Живопись барокко из музеев Андалусии».

В экспозиции, организованной Государственным Эрмитажем совместно с Комитетом культуры Собрания Андалусии и Комитетом Альгамбры и Хенералифе, представлена живопись южной области Испании, Андалусии, периода расцвета ее искусства в XVII, «золотом», веке.

Богатая художественными традициями Андалусия подарила миру многих знаменитых художников. Здесь родился и провел юные годы Диего Веласкес, работали такие выдающиеся мастера, как Хуан Санчес Котан, Франсиско де Сурбаран, Алонсо Кано, Бартоломе Эстебан Мурильо, Хуан де Вальдес Леаль. Их картины, а также работы других художников включены в состав выставки из двадцати четырех произведений, предоставленных музеями Севильи, Гранады, Кордовы и Кадиса.

• ФРАНСИСКО БАРРЕРА Весна
  Источник: hermitagemuseum.org

Главными заказчиками в Андалусии этого периода были церкви и монастыри; здесь создавались преимущественно произведения религиозного содержания. Слово «Диалоги» в названии выставки подразумевает различную трактовку одних и тех же сюжетов разными мастерами. Это и диалог человека с Богом, раскрывающийся через живописные образы; и диалог, который иногда живет внутри самой картины.

Экспозиция организована по темам, наиболее характерным для эпохи барокко: «Любящая Богоматерь», «Назидательная жизнь — святые, аскеты, мистики», «Видения», «От священного к светскому».

• БАРТОЛОМЕ ЭСТЕБАН МУРИЛЬО Скорбящая Богоматерь
  Источник: hermitagemuseum.org

Картины, отражающие любовь Богоматери к Христу, представляют эпизоды его младенчества, страстей и смерти.

Непосредственна, наивна и трогательна работа Хуана Санчеса Котана «Богоматерь будит Младенца». Здесь нет ни символики, ни трагизма; по существу, произведение можно отнести к бытовому жанру. Иное воплощение тема любви Девы Марии к Младенцу нашла в величавой и торжественной картине Франсиско де Сурбарана «Богоматерь с четками».

Лирические образы Богоматери сменяются трагическими, когда художники обращаются к последним дням жизни Христа. В «Пути на Голгофу» Вальдес Леаль представляет Святого Иоанна, ведущего Богоматерь, Марию Магдалину, Марию Клеопову и Марию Заведееву на место казни Христа.

Трагическая тема достигает своего апогея в «Распятии Христа» — картинах Франсиско де Сурбарана и Педро Атанасио Боканегры.

• ФРАНСИСКО ДЕ СУРБАРАН Распятие
  Источник: hermitagemuseum.org

Предельное отчаяние Богоматери передано в «Оплакивании Христа» кисти Фелипе Гомеса де Валенсия. Иначе, но глубоко человечно, без повышенной экзальтации, трактует чувство материнской любви в «Скорбящей Богоматери» Бартоломе Эстебан Мурильо.

Жизнь святых, аскетов, мистиков служила образцом для верующих и нашла широкое отражение в андалузской живописи эпохи барокко. Монастыри заказывали лучшим художникам серии работ, посвященных христианским персонажам и поучительным эпизодам в их биографиях.

• АЛОНСО КАНО
  Св. Бернардин Сиенский и св. Хуан де Капистрано
  Источник: hermitagemuseum.org

Для картезианского монастыря написал свои парные полотна «Св. Иоанн Креститель» и «Св. Лаврентий» Франсиско де Сурбаран.

Острота наблюдения, живое чувство реальности характерны для работы Алонсо Кано «Св. Бернардин Сиенский и св. Хуан де Капистрано».

Одним из любимых в европейском искусстве был образ св. Иеронима — одного из четырех докторов церкви. В картине Хуана Вальдеса Леаля «Искушение св. Иеронима» запечатлен момент испытаний отшельника.

Другой эпизод, самоистязания, показан в картине «Св. Иероним в раскаянии в пустыне» Алонсо Кано.

Обеим работам, посвященным св. Иерониму, свойственно «многословное» раскрытие сюжета, красочная палитра, свободная, прозрачная живопись.

Широкое распространение в Испании получил мистицизм; откровения, экстазы, видения как форма общения с Богом обретали в живописи зримую форму, давали богатую почву для фантазии художников.

В «Возложении ризы на св. Ильдефонса» кисти кордовского живописца Антонио дель Кастильо изображен один из наиболее почитаемых в Испании святых, архиепископ Толедо Ильдефонс, автор книги о Деве Марии, которому приписывали много чудес.

Прославленной ясновидящей второй половины XVI века посвящена картина Педро да Мойи «Видение св. Марии Магдалины де Пацци», где святую коронуют тернием Христос и Богоматерь в окружении ангелов. Такое же отношение к видению в картине Хуана Вальдеса Леаля «Мистическое обручение св. Екатерины».

Одному из наиболее распространенных образов андалузской живописи посвящена картина кордовского художника Хосе Игнасио Кобо и Гусмана «Ангел-хранитель».

Во второй половине XVI века испанские художники начали обращаться к светской живописи; прежде всего к портрету. В конце XVI столетия распространение получает натюрморт.

В «Натюрморте с артишоком и морковью» Санчеса Котана овощи обретают необыкновенную выразительность. Изображены обычные овощи, но они помещены на фоне большого пустого, темного пространства, в проеме окна, и потому выглядят особенно значительно.

Примеру Санчеса Котана следовал работавший при Мадридском королевском дворе Хуан Ван дер Хамен и Леон, автор «Натюрморта с коробками для сладостей».

В начале XVII столетия в Испании появляются картины на бытовые сюжеты, еще тесно связанные с натюрмортом. Одна из наиболее ранних известных испанских жанровых картин — «Сцена на рынке» — создана в 1606 году Хуаном Эстебаном де Убедой.

• ХУАН ВАН ДЕР ХАМЕН И ЛЕОН
  Натюрморт с коробками для сладостей
  Источник: hermitagemuseum.org

О том, насколько тесно на первых порах бытовой жанр был связан с натюрмортом, свидетельствует и творчество великого испанского живописца Диего Веласкеса. На его ранних картинах, изображавших застолье, на переднем плане обязательно присутствует натюрморт.

Портрет, занимавший в живописи Андалусии скромное место, представлен только «Женским портретом» неизвестного испанского художника XVII века.

Куратор выставки — Людмила Львовна Кагане, главный научный сотрудник Отдела западноевропейского изобразительного искусства Государственного Эрмитажа, доктор искусствоведения.

Источник: hermitagemuseum.org

© artinvestment.ru, 2022

Внимание! Все материалы сайта и базы данных аукционных результатов ARTinvestment.RU, включая иллюстрированные справочные сведение о проданных на аукционах произведениях, предназначены для использования исключительно в информационных, научных, учебных и культурных целях в соответствии со ст. 1274 ГК РФ. Использование в коммерческих целях или с нарушением правил, установленных ГК РФ, не допускается. ARTinvestment.RU не отвечает за содержание материалов, представленных третьими лицами. В случае нарушения прав третьих лиц, администрация сайта оставляет за собой право удалить их с сайта и из базы данных на основании обращения уполномоченного органа.

особенности музыки и искусства сочинение пример

Введение

Эта статья собирается доказать, что эпоха барокко означает экстравагантное, высокодетализированное, яркое искусство и музыку периода, датируемого примерно 1600 – 1750 годами. Эта статья также покажет связь между стилевыми аспектами изобразительного искусства барокко. и барочная музыка.

Испанский писатель и поэт Хуан Гойтисоло в своем эссе «Problemas de la novella» писал: «Современный художник может использовать находки всех эпох и всех стилей, от самых примитивных литературных выражений до самых изысканных произведений барокко »(Гойтисоло, 1990). Светлые и темные, божественные и человеческие, жестокие и нежные, религиозные и светские стали главными чертами искусства барокко. Произведения искусства и музыкальные композиции этой эпохи являются проявлениями этой суматохи: их яркие, эмоциональные, театральные и энергичные композиции характеризуются выразительным и интенсивным движением (Charles, 2009). Такие художники, как Джанлорензо Бернини, Рембрандт, Рубенс, Веласкес, Караваджо, Вермеер, Бах, Вивальди, Монтеверди, Перселл и Хэндл, изобрели неповторимый стиль барокко, иллюстрировали интенсивные эмоции и создавали персонажей, которые кажутся живыми, часто обращаясь к чувствам зрителя. Музыканты, скульпторы и художники увлеклись идеей создания полной иллюзии живого искусства. Они использовали свой талант, чувства и эмоции, чтобы расширить драматический потенциал света, цвета, звука, пространства и контрастов; создать такой барочный и одновременно эмоциональный, логичный и естественный мир, которым все еще правит невидимая рука Бога.

Исторический фон в стиле барокко

Барокко было сложным и противоречивым. Много амбивалентных искусств было создано для Церкви и монархии. Эпоха барокко была захватывающим временем научных исследований, повышения уровня образования и новых открытий. На юге, в основном католическая Европа, находилась под влиянием контрреформации. Во многом протестантская Северная Европа характеризовалась растущим капитализмом. 17-й век был также тревожным временем постоянных сражений по всей Европе в результате Реформации католической церкви. С претенциозным процветанием монархов и усилением жестокости священства в некоторых регионах Европы и ростом капитализма; духовный, чувственный, а также научный и логический барокко-период был эпохой замечательных контрастов (CMS, 2002).

Происхождение эпохи барокко

Эра барокко была эпохой растущей эмоциональности, секуляризации и естественности. Эти явления можно наблюдать во множестве произведений искусства и композиций, которые относятся к концу 16-го века. В изобразительном искусстве это, например, «Праздник в доме Леви», написанный Паоло Веронезе в 1573 году; изначально картина была задумана художником и написана для доминиканского ордена в качестве сцены последнего ужина. Тем не менее, Паоло Веронезе преследовалась католической инквизицией за изображение нерелевантных простолюдинов, пьяных немцев, шутов и даже собак и других шуток. Поэтому Веронезе был вынужден сменить название картины. Тем не менее, оживленная, взволнованная и светская чувствительность сцены продемонстрировала нечто более барочное, чем маньеризм (движение в искусстве, характерное для того времени) (Gombrich, 1995).

В музыке примером растущей светскости, естественности и эмоциональности была «Эвридика», составленная Якопо Пери (очень влиятельным композитором и певцом того времени) и Джулио Каччини. Для современных современников очевидно, что музыка должна апеллировать к эмоциям; все же, до эпохи барокко, главной заботой музыкантов было мелодичное объединение, а не эмоции слушателя. В 1580 году «Камерата Барди» все вместе решили, что для того, чтобы вызывать эмоции, должен звучать только один голос за раз; так была придумана монодия (один поющий эмоциональный голос в сопровождении простых адекватных аккордов). «Эвридика» – самая ранняя опера, которая была опубликована; поэтому его выпуск в 1600 году знаменует собой эпохальный поворотный момент в европейской истории, такой как начало эпохи барокко (Жермен, 1998).

Раннее барокко

Греческое и римское классическое искусство стало чрезвычайно популярным в эпоху Возрождения и оставалось популярным в эпоху барокко; поэтому художники и музыканты продолжали создавать свои произведения искусства, руководствуясь мотивами греческой мифологии.

«p» Клаудио Монтеверди «L’Orfeo» (1607) – не только первая опера, которую он написал, но и первая широко известная «настоящая опера». Трагическая история Орфея и Эвридики привлекла многих композиторов. Хотя сюжет остается прежним, настройки и производительность изменились. Например, у Периди Эвридика и Монтеверди Орфео есть только общий популярный мотив, но воплощения этой истории совершенно разные. Монтеверди использовал в этой опере синтез всех музыкальных жанров и выразительных устройств, доступных ему в то время. В течение оперы есть мадригалы, эмоциональные соло (движение новой эры Барокко возрастающей популярности) и популярный в то время ритмичный танец. Монтеверди призывает к инструментальному ансамблю, который состоит из 40 инструментов, тогда как Эвридика Пери была написана только для 4 инструментов. Самый захватывающий мелодически и драматически сильный речитатив (крик Орфея), когда-либо написанный ранее или с тех пор, применяется здесь. Благодаря новой технике эмоционального сольного пения зрители чувствуют отчаяние Орфея во всех его проявлениях (Charles, 2009). Опера Монтеверди «L’Orfeo» связана с эмоциями с «Орфеем в подземном мире» (1594), написанным фламандским художником Яном Старшим Брейгелем (1568-1625). Ян Брейгель показывает Орфея в подземном мире. Эта картина все еще имеет черты маньеризма, но причудливое и грациозное позирование подземных существ на самом деле действительно естественно и абсолютно уместно. Более того, мастерски применяя свет, тьму и тени, Брейгель смог изобразить ужас и драму, что объясняет, почему Орфей не мог устоять перед искушением убедиться, что Эвридика следует за ним. Темная сцена представляет порабощенных и замученных людей; множество рептилий во всей композиции представляют зло, заблуждение и смерть. Орфей, играющий с лирой в Аид и Персефону, и река, которая осветляет, представляют единственную связь с жизнью. Брейгель противопоставляет яркие темные цвета фона подземного мира Орфею, Аиду и Персефоне, которые изображены в пастельных тонах (Sartorious, 2012).

Караваджо и Хэндл

Мотив крайнего натурализма и объединения светских и религиозных тем был еще одной характерной чертой эпохи барокко. Испанский художник Караваджо изобрел новый «натурализм» в истории искусства. Караваджо рисовал религиозные истории как повседневные сцены с людьми плебейского происхождения; он изобразил их бедную и грязную одежду. Его изобретение тенебризма или умелого использования света, теней и тьмы было перенято другими выдающимися художниками. В его «Джудит Декапитирующий Олоферн» интенсивный луч света создает впечатление остановки времени, когда меч Джудит вонзается в шею генерала. Такое использование света подчеркивает ужас момента и демонстрирует натурализм, который является главной чертой уникального художественного стиля Караваджо. Караваджо подчеркивает мрачность сцены, делая фон настолько темным, что невозможно увидеть какие-либо детали, кроме основного действия, вновь усиливающего драматическое воздействие. Джудит Караваджо очень не любит ее действия, она почти сопереживает его боли. Красная кровь с шеи генерала прекрасно подчеркивается красными шторами над ним. Существует заметный контраст между выражением лица Джудит и старушки. Старая леди на самом деле хочет быть вместо Джудит; она ненавидит генерала и не чувствует раскаяния. Тем не менее, Караваджо верен своим принципам и сосредотачивает внимание аудитории на одежде семнадцатого века; кажется, что он противопоставляет обычные аспекты библейскому событию (Marceau, 1995).

Джордж Фредерик Гендель объединил светские развлечения и сакральные тексты, что тогда было неприемлемо. На основе библейских текстов, Генделя «Мессия» был продлен музыкальное произведение, как опера, и для того времени это было спорное решение. Чтобы избежать проблем с духовенством, это было выполнено без костюмов или декораций, и у исполнителей не было определенных ролей. Сцена «Благовестие пастухам» Гендель взял из Евангелия от Луки: «Там были пастухи, которые ночевали в поле, сторожив ночью свои стада» (Евангелие от Луки, 1741). Эта фраза «secco», особенно дополняется континуо. Это соло сопрано, и это речитатив. Гендель подчеркивает линии расширенными колоратурами. Он использует как гомофонический, так и полифонический инструментальный фон, чтобы наилучшим образом передать контекст текста. Литавры выдвигают на первый план заключительное движение Часть II, Аллилуйя. Гендель применил четыре голоса, бас, тенор, сопрано и альт в хоровых движениях. Во время Аллилуйя Хэндл использует мелисму, многократное повторение слова «Аллилуйя». Он также применяет cantus firmus к длительным повторяющимся нотам, чтобы подчеркнуть величие и величие сцены (Sartorius, 2012).

Джентилески и Перселл

Мотивы смерти и гибели были еще одной характеристикой эпохи барокко. На Артемизию Джентилески (1593 – 1653) повлиял натурализм Караваджо и драматическое использование тенебризма. В своей картине «Джудит Декапитирующая Олоферн» она, как и Караваджо, использует абсолютную тьму для драматического эффекта. Ужас сцены подчеркивался кровью, которая течет из шеи генерала и окровавленных простыней. Джентилески изображает молодую женщину, которая совершает убийство с чувством уверенности и решительности, что было нетипичным для традиционной концепции женского характера того времени. Некоторые исторические факты указывают на то, что Артемизия была изнасилована; поэтому, возможно, по причине ее образа Джудит наделена физической силой таким образом, что позволяет аудитории почувствовать ее превосходство в этой конкретной ситуации. Она не наслаждается и не боится своих действий; она просто выполняет свой долг (Schaeffer, 2012).

В арии Генри Перселла, которую Дидона исполняет в своем «Дидоне и Энее» как раз перед ее самоубийством, аудитория снова и снова слышит, как опускается базовая линия, что является музыкальной иконой смерти. Более того, поскольку мелодичный материал задан второстепенно, впечатление усиливается явным сходством с похоронным маршем, который подчеркивает ритм арии. Эмоциональное воздействие настолько глубокое, что отчаяние, боль и горе Дидоны приводят аудиторию в слезы (Sartorius, 2012).

Рембрандт и Вивальди

Правители европейских стран хотели, чтобы эти произведения искусства приукрашивали их господство. Поэтому величайшим художникам в стиле барокко было поручено создавать произведения, прославляющие власть их покровителей. Рембрандт ван Рейн (1606 – 1669) был чрезвычайно популярным художником. Он был особенно известен своими портретами, но он также нарисовал много пейзажей, религиозных и светских сцен, где он изображал двух и более людей. В его «Ночном дозоре» гвардейцы и офицеры отмечают визит Марии Медичи в Амстердам в 1638 году. «Ночной Дозор» не только естественен, но и наполнен бодростью и динамизмом, свойственными компании, которая предвкушает Примечательное событие. Разнообразные члены собрания показаны занятыми организацией. Рембрандт умело использовал тенебризм, кьяроскуро, а также интенсивное и драматическое освещение, чтобы оживить свою картину (Charles, 2009).

Концерты Антонио Вивальди (1678-1741) («Четыре сезона», «Удовольствие», «Охота и шторм на море») были чрезвычайно успешными, особенно во Франции. «Весна» была неизменным фаворитом французского короля Людовика XV, который слушал его снова и снова и просил оркестр исполнять этот шедевр для него почти каждый день. По этой причине Вивальди получал различные комиссии от версальского суда за создание новых композиций (Schaeffer, 2012).

Бах и Рубенс

Великий французский композитор и писатель Пьер Шеффер однажды сказал: «Вас поразило, что музыка, которая считается самой возвышенной в западной цивилизации, а именно музыка Баха, называется барокко» (Schaeffer, 2012). Иоганн Себастьян Бах и Питер Пауль Рубенс являются настоящими представителями Barqueera. Их обильные и творческие произведения искусства пришли к воплощению крайних и конфликтных различий, которые характеризовали исторический период, известный как барокко. Иоганн Себастьян Бах (1685 – 1750) создал более 1100 композиций. Есть работы для голоса, органа, клавесина, различных сольных инструментов, канонов и других. Питер Пауль Рубенс (1577–1640) создал около 2000 картин за свою жизнь, на его картинах были изображены религиозные, классические (греческая и римская мифология) и светские сцены. Барокко было успешным во Фландрии, при поддержке Питера Рубенса (Charles, 2009).

Заключение

Стиль барокко отражает период времени. Когда наука открыла для себя новые вещи и Галилей опубликовал свою гелиоцентрическую теорию, люди стали все меньше и меньше преданны Богу. Поэтому искусство становилось все менее и менее религиозным по контексту. Например, Ян Вермеер создал картину «Географ», на которой изображен ученый. На других произведениях искусства изображены автопортреты (Рембрандт), солдатские или светские сцены. Греческий мотив оставался популярным, поэтому многие художники и музыканты продолжают создавать композиции с мифологическими героями. Однако некоторые художники продолжали создавать религиозные картины и композиции, такие как «Поднятие креста» Рубенса и «Осанна» Баха, известную скульптуру «Экстаз святой Терезы» Бернини. Барочные скульпторы, архитекторы, художники и музыканты искали способы отразить свои эмоции и чувства в различных движениях и устройствах. Такое барокко фигурировало как величественная драма, опера, напыщенность, жизненная сила, действие, напряжение, яркость, эра изобилия …

Художественное направление барокко: художники и произведения искусства 17 века

Художественное направление барокко: художники и произведения искусства 17 века | Веб-Знайка

• Web-Знайка
• Интересные факты
• О культуре и искусстве

Период барокко начался в начале 17 века в Италии и длился более столетия в некоторых частях Европы. Как стиль, произведения искусства в стиле барокко сочетают драматические композиции, красивые детали и эмоционально заряженный сюжет, чтобы дать зрителям максимально интенсивные визуальные впечатления. 

Фрески и картины в стиле барокко часто встречаются в церквях и соборах по всей Италии и остальной Европе, главным образом потому, что Римско-католическая церковь 17 века знала, что этот стиль искусства можно использовать для продвижения церкви и создания впечатления власти и авторитета.

Успение Девы Марии, Аннибале Карраччи

Церковь заказала тысячи произведений в стиле барокко, подобных приведенному выше, под названием «Успение Девы Марии», специально для этой цели, используя их для возбуждения эмоций масс, изображая религиозные темы и идеалы.

Среди ранних художников эпохи барокко были Караваджо, художник, повлиявший на стиль барокко благодаря использованию светотени и интенсивного реализма, и Аннибале Карраччи, который был известен больше своими фресками, чем картинами маслом.

Картина Караваджо «Взятие Христа» демонстрирует два характерных элемента его стиля — экстремальный свет и темноту с выразительно реалистичными лицами и жестами.

Взятие Христа — Караваджо 

Его работы немного менее грандиозны, чем искусство позднего барокко, но эмоции, направление и драматизм, безусловно, присутствуют.

Питер Пауль Рубенс, с другой стороны, создал очень грандиозные произведения искусства и был, пожалуй, самым успешным и известным художником эпохи барокко своего времени, рисуя для королей и императоров разных стран, а также церкви по всей Европе.

Вот одна из самых мифических картин Рубенса (вероятно, не заказанная церковью) под названием «Союз Земли и Воды».

Союз Земли и Воды Рубенса 

Рубенс демонстрирует свое мастерство в организации нескольких фигур в красивую закрученную композицию, в то же время идеально изображая каждый элемент картины — цветы, фрукты, ткань и плоть. 

Художественное направление в стиле барокко, конечно, вышло далеко за рамки живописи и распространилось на архитектуру, скульптуру и музыку. Со временем искусство и архитектура барокко стали более богато украшенными, пока рококо и неоклассицизм не заменили их в 18 веке.

• Краткое введение в искусство стеклянной мозаики
• Краткая история японской художественной гравюры (также известной как укиё-э)

ТОП-5 ИЗ РАЗДЕЛА «О КУЛЬТУРЕ И ИСКУССТВЕ»

О чем рассказывает эпическая поэма «Махабхарата»

Театр Ежи Гротовского

Ю.

А. Айхенвальд «Силуэты русских писателей».

Аполлон Бельведерский- каков он, идеал мужской красоты?

Аполлон Бельведерский — походка Бога

Расцвет кино — довоенная комедия

О жизни истории кинокомедии

Толстые и худые в кино и искусстве – какая разница?

НОВОЕ ИЗ РАЗДЕЛА «О КУЛЬТУРЕ И ИСКУССТВЕ»

10 самых известных картин ЛЕОНАРДО ДА ВИНЧИ

Краткое введение в искусство стеклянной мозаики

Художественное направление барокко: художники и произведения искусства 17…

Краткая история японской художественной гравюры (также известной как…

Что такое кубизм? Введение в направление искусства — кубизм и…

Мир искусства стимпанка или или паропанка

Изысканно детализированные гравюры и картины Маарит Ханнинен

Что такое линогравюра?

Сальвадор Дали «Постоянство памяти

Живопись и современность

ЕЩЕ ИЗ РАЗДЕЛА «О КУЛЬТУРЕ И ИСКУССТВЕ»

О жизни истории кинокомедии

Рейки великое таинство

Толстые и худые в кино и искусстве – какая разница?

Коптское искусство

Аполлон Бельведерский- каков он, идеал мужской красоты?

Аполлон Бельведерский — походка Бога

О чем рассказывает эпическая поэма «Махабхарата»

Театр Ежи Гротовского

Ю.

А. Айхенвальд «Силуэты русских писателей».

Расцвет кино — довоенная комедия

Новые публикации

Полосатая рыба-нож или Полосатая обиспа

Фламинго

АЛЬБАТРОСЫ

Что за птица — Орел?

Карликовый мангуст / Dwarfish mongoose / Helogale parvula

Рыжеватый мангуст / Reddish mongoose / Galerella flavescens

О Тибетской куропатке

Вопросы и ответы о баранах обитающих в горах

Это интересно!

Почему люди пьют?

Контейнеровоз-беспилотник на электрической тяге выполнил 1-ый рейс

Почему горят уши?

И, снова про шубу, греет она или нет? — Эксперимент проясняющий этот вопрос

Самое читаемое

Как жили женщины в Древней Греции

По какой причине зрачки у коз прямоугольной формы

О чем рассказывает эпическая поэма «Махабхарата»

Самые жестокие люди мира

Кто открыл ядро клетки?

Какие животные обитают в Африканских джунглях?

Кто такие Эмпаты?

Советский ученый расшифровавший язык Майя Юрий Валентинович Кнорозов

Известные картины эпохи барокко.

Знакомство с лучшими произведениями искусства периода барокко

До рококо и неоклассицизма существовали произведения искусства периода барокко, которые пришли после ренессанса и маньеризма. Первоначально он начал процветать в Европе между началом 17 века и серединой 18 века. Художники той эпохи создавали великолепные произведения искусства в стиле барокко, которые можно узнать по насыщенным цветам, волнующим деталям, контрасту и ощущению великолепия.

Содержание

• 1 Известные картины эпохи барокко
  • 1.1 Битва при амазонках (ок. 1615 г.) Питера Пауля Рубенса и Яна Брейгеля Старшего
  • 1.2 Призвание святого Матфея (1600
  ) Караваджо 1.3 Юдифь, убивающая Олоферна (ок. 1612 г.) Артемизии Джентилески
  • 1.4 Воспитание принцессы (1625 г.) Питера Пауля Рубенса
  • 1.5 Похищение сабинянок (1634 г.) Николя Пуссена
  • 1.6 Суд Париса (ок. 1632) Питера Пауля Рубенса
  • 1.7 «Ночной дозор» (1642 г.) Рембрандта ван Рейна
  • 1. 8 «Аллегория войны» (ок. 1640 г.) Яна Брейгеля Младшего
  • 1.9 «Портрет Иннокентия X» (1650 г.) Диего Веласкеса 1651) Николя Пуссен
  • 1.11 Менины (1656) Диего Веласкес
  • 1.12 Доярка (1658) Йоханнес Вермеер
  • 1.13 Порция, ранившая бедро (1664) Элизабетта Сирани Возвращение Продигиля
  • 1 1669) Рембрандта ван Рейна
  • 1.15 Любовное письмо (ок. 1669 г.) Йоханнеса Вермеера
• 2 Часто задаваемые вопросы
  • 2.1 Что такое барочная живопись?
  • 2.2 Каковы характеристики известных картин в стиле барокко?

 

 

Известные картины в стиле барокко

Потрясающий реализм и яркие сюжеты живописи в стиле барокко отличают ее от прежних времен. Сосредоточив внимание на духовных и богословских темах на протяжении Период барокко художники пытались передать визуальную драму или действие своего времени. Для своих приверженцев искусство барокко всегда ассоциировалось с католической церковью и должно было вызывать благоговение и восхищение.

Украшение стиля богато и тщательно продумано в декоративном искусстве. Отход каждой страны от классицизма эпохи Возрождения принимает разные формы.

Драка музыкантов (1625-1630) Жоржа де Латура; Центр Гетти, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Однако повторяющийся элемент заключается в том, что декоративные элементы, использовавшиеся в эпоху Возрождения, служат отправной точкой. В классической традиции много материала, богатого, перекрывающегося и нагруженного для того, чтобы вызвать эмоциональные отклики. Свиток папируса, медали и оружие, корзины с фруктами или цветами и другие элементы, изготовленные из лепнины, лепнины или резьбы, были представлены в период барокко.

Сегодня мы узнаем о некоторых из самых известных картин в стиле барокко, которые оставили неизгладимый след в истории искусства.

 

Битва при Амазонках (ок. 1615) Питера Пауля Рубенса и Яна Брейгеля Старшего

Дата создания картины	с. 1615
Материал художественного произведения	Холст, масло
Размеры произведения искусства	121 см × 165,5 см
Место проживания	Гартен Берлин-Бранденбург, Потсдам

В начале семнадцатого века двумя самыми известными художниками Антверпена были Ян Брейгель Старший и Питер Пауль Рубенс. Ян «Бархатный» Брейгель, выдающийся художник-пейзажист и натюрморт, был старше их двоих на девять лет и прославился своими невероятно точными и похожими на драгоценности работами. Рубенс был амбициозным художником, реконструировавшим античные и ренессансные материалы в своих запрестольных образах и изучавшим мифологические и исторические темы.

Оба художника также работали для эрцгерцога Альберта и эрцгерцогини Изабеллы. Они также были близкими друзьями на личном уровне.

Битва при Амазонках (ок. 1617) Питера Пауля Рубенса и Яна Брейгеля Старшего; Питер Пауль Рубенс, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Они объединились для создания одного из самых знаковых шедевров искусства периода барокко — «Битвы амазонок». Хотя многие художники воспроизвели эту работу, именно эти двое первыми представили ее, нарисовав культовое произведение между 1617 и 1618 годами. Картина напоминает шедевр Леонардо да Винчи, который также основан на битве на амазонках. Рубенс был известен тем, что подражал некоторым из лучших итальянских шедевров всех времен, добавляя к каждому из них свой собственный уникальный штрих.

Это одна из его первых и самых выдающихся картин, и она рассматривается как дань уважения самому Леонардо и его знаменитому стилю живописи, который Рубен и Ян Брейгель пытались воспроизвести в своих работах.

 

Призвание святого Матфея (1600) Караваджо

Дата создания картины	1600
Материал художественного произведения	Холст, масло
Размеры произведения искусства	322 см x 340 см
Место проживания	Часовня Контарелли

На этом произведении начала XVII века изображен момент, когда Иисус Христос побуждает Матфея стать апостолом и его последователем. Работа была запрошена кардиналом Мэтью Контарелли, который дал средства и указания для украшения часовни, основанной на событиях из наследия святого Матфея, его тезки. Популярный художник-маньерист Кавальер д’Арпино уже расписал потолок часовни фресками, но он был слишком занят папской работой, чтобы делать стены, поэтому вмешался Дель Монте, чтобы выиграть заказ на Караваджо.

В этой картине Караваджо использует элементы из своей предыдущей жанровой работы и помещает действие в бар, а не в бухгалтерию или зал суда.

Призвание святого Матфея (1599-1600) Караваджо; Караваджо, общественное достояние, Wikimedia Commons

Караваджо использует череду случайных образов, чтобы передать священный аспект ситуации, как он это делал во многих своих христианских произведениях. Здесь, например, стильный сборщик налогов и его хорошо одетые коллеги, занятые подсчетом дневной прибыли, противопоставлены босоногому Христу. В результате Иисус не только взирает на такого грешника, как Левий, но и освещает светом веры мрачный мир денежного обжорства Левия.

Например, обратите внимание, как Леви держит правую руку на валюте, которую он пересчитывал, прежде чем Христос прервал его.

 

Юдифь, убивающая Олоферна (около 1612 г. ) Артемизии Джентилески4

Дата создания картины
с. 1612-1613
Материал художественного произведения	Холст, масло
Размеры произведения искусства	158 см x 125 см
Место проживания	Museo e Real Bosco di Capodimonte

Артемизия Джентилески была художницей эпохи барокко из Италии, которая сейчас считается одной из самых талантливых художниц своего периода, а также одной из лучших женщин-художниц всех времен. Одна из ее самых известных работ в стиле барокко — Юдифь, убивающая Олоферна . Надев свои лучшие одежды, Юдифь отправилась в лагерь Олоферна, делая вид, что заинтересована в сотрудничестве с безжалостным полководцем. Ассирийский полководец был так очарован ее красотой, что устроил ей великолепный прием в своем шатре.

Олоферн, объевшийся едой и вином, потерял сознание на своей кровати, предоставив Джудит возможность вытащить саблю и нанести смертельный удар.

Юдифь, убивающая Олоферна (ок. 1612–1613) Артемизы де Джентилески; Artemisia Gentileschi, Public domain, via Wikimedia Commons

Весь эффект поразителен и ужасен: опухший от выпивки генерал лежит на кровати, его волосы обмотаны вокруг головы, а меч воткнут глубоко в шею. Артемизия также не удержалась, включив ужасную деталь: грудь Джудит была запятнана льющейся кровью. В результате эта картина стала символом истории женщины, решившей стать художницей в то время, когда поле контролировалось мужчинами.

В Риме, куда Артемизия вернулась после семи лет пребывания во Флоренции и получила возможность заново открыть для себя искусство Караваджо, картина была закончена.

 

Воспитание принцессы (1625) Питера Пауля Рубенса

Дата создания картины	1625
Материал художественного произведения	Холст, масло
Размеры произведения искусства	394 см на 295 см
Место проживания	Музей Лувр

Цикл «Мария Медичи» — это набор из 24 картин, заказанных Марией Медичи, вдовой французского короля Генриха IV, для Люксембургского дворца в Париже. Контракт был передан Рубенсу поздней осенью 1621 года. Проект должен был быть завершен через два года, как раз к свадьбе дочери Марии Генриетты Марии. Целых 21 картина представляют личные проблемы и достижения Мари на протяжении всей ее жизни, а последние три работы — это ее портреты, в том числе один из ее родителей.

Картины в настоящее время находятся в Лувре в Париже.

Воспитание принцессы (ок. 1622-1625) Питера Пауля Рубенса; Питер Пауль Рубенс, общественное достояние, через Wikimedia Commons

На этом произведении XVII века изображена юная Мария Медичи, выполняющая домашнее задание. Присутствие трех богов, Гермеса, Афины и Аполлона, усиливает ее божественное образование. Аполлон — бог искусства, Афина — богиня знаний, а Гермес — бог-посланник — все они связаны со знанием языка и пониманием. Драматически на сцене появляется Гермес и преподносит кадуцей, который, как он утверждает, был дан ему богами.

Согласно народному поверью, Гермес наделяет принцессу даром красноречия в дополнение к красоте Грейс. Кадуцей — символ исцеления и равновесия, он появляется еще на шести картинах цикла.

 

Похищение сабинянок (1634) Николя Пуссена

Дата создания картины	1643
Материал художественного произведения	Холст, масло
Размеры произведения искусства	154 см x 209 см
Место проживания	Мет Галерея

Не каждая известная картина итальянского барокко изображала религиозное или современное событие. Похищение сабинянок , картина Николя Пуссена, была основана на известном римском мифическом повествовании того времени. Пуссен, важный персонаж в живописи барокко, был художником-философом, чьи работы предлагают одни из лучших примеров формальной гармонии и баланса.

В этой картине, датируемой 1634 годом, много драмы, она полна ярких красок.

Похищение сабинянок (ок. 1633-1634) Николя Пуссена; Николя Пуссен, CC0, через Wikimedia Commons

Согласно римской легенде, сабиняне, жившие поблизости, были созваны на праздник, чтобы удержать своих юных дам в качестве супругов против их воли. Солдаты бросились схватить женщин, когда римский полководец Ромул поднял свой плащ. Мастерство Пуссена в жестах и ​​позе, а также его понимание древнего искусства и архитектуры были продемонстрированы в этом драматическом повествовании. Мужчина справа одет во все черное, но его кожаная лорика желтого цвета.

Первоначально картина принадлежала маршалу де Креки, послу Франции в Риме с июня 1633 по июль 1634 года. Позже он продал ее кардиналу Ришелье за ​​небольшое состояние.

 

Суд Париса (ок. 1632) Питера Пауля Рубенса

Дата создания картины	с. 1632-1635
Материал художественного произведения	Холст, Масло
Размеры произведения искусства	199 см x 381 см
Место проживания	Музей Прадо

Только Эрида, богиня раздора, не участвовала в важной свадьбе. В ярости она бросила золотое яблоко с выгравированными словами «Прекраснейшей» другим богиням, присутствовавшим на пиру. Венера, Юнона и Минерва были теми тремя, кто выдвинул свои имена на рассмотрение. Вождь богов Юпитер постановил, что судьей будет Парис. Несмотря на то, что он был воспитан как пастух, молодой человек оказался принцем Трои.

Рубенс запечатлел этот ключевой момент времени на своей картине: Парис дарит Венере, богине красоты, золотое яблоко.

Суд Париса (ок. 1632-1635) Питера Пауля Рубенса; Питер Пауль Рубенс, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Все богини лгали богам. Юнона предложила Парису деньги и власть, а Минерва — ум и могущество. Венера обещала ему Елену Спартанскую, самую красивую женщину в мире, а также заманчивый подарок. Невозможно не заметить Алекто, непоколебимую Ярость, скрывающуюся в облаках высоко над ними. Юнона, разгневанная и взбешенная, приказала ей в страсти убить троянцев. В результате ее действий Парис похитил Елену, что спровоцировало печально известную Троянскую войну.

 

Ночной дозор (1642) Рембрандта ван Рейна

Дата создания картины	1642
Материал художественного произведения	Холст, масло
Размеры произведения искусства	363 см x 437 см
Место проживания	Государственный музей

Рембрандт ван Рейн , известный голландский художник, написал «Ночной дозор» в 1642 году. Это самое известное произведение искусства в коллекции Рейксмузеума, которое сейчас выставлено там. Эта картина маслом на холсте, созданная во время Золотого века Голландии, считается достойной внимания. Огромный холст и умелое использование Рембрандтом света и теней для создания очень драматического эффекта, известного как тенебризм , сделали его популярным выбором для поклонников.

Он смог сосредоточить внимание зрителя на двух мужчинах, идущих впереди, и пожилой женщине вдалеке, используя темные и светлые участки на картине.

«Ночной дозор» (1642) Рембрандта; Рембрандт, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Двое мужчин, изображенных на фотографии, являются членами добровольческой военной охраны компании, поскольку они уходят на ночь. Позади двух других мужчин прапорщик развевает флаг роты. Поскольку он такой большой, персонажи на картинке почти в натуральную величину. Рембрандт показал традиционные знаки отличия пехотинцев в естественном стиле, а дама на заднем плане носит наиболее важные эмблемы. Она сама по себе талисман; когти мертвой курицы на ее поясе символизируют пехотинцев, ружье за ​​птицей означает клевер, и она несет чашу армии. На нем шлем из дубовых листьев, типичный армейский знак отличия.

Тушка курицы также может означать поверженного врага, а желтый цвет часто ассоциируется с успехом.

 

Аллегория войны (ок. 1640 г.) Яна Брейгеля Младшего4

Дата создания картины
с. 1640
Материал художественного произведения	Холст, масло
Размеры произведения искусства	79 см x 97 см
Место проживания	Частная коллекция

Это произведение искусства эпохи барокко было создано в конце 1640-х годов, как раз в то время, когда Европа смирилась с Тридцатилетней войной. Это был крупномасштабный конфликт, который имел разрушительные последствия для всей Европы и привел к гибели почти восьми миллионов человек. Большое влияние на пейзажи Брейгеля оказало его изображение Тридцатилетней войны. Эта картина наполнена смыслом, как следует из названия. На этой картинке смешаны запутанные и четкие цифры.

Оружие, такое как огнестрельное оружие, черепа и кинжалы, изображают смерть и бой, в то время как зубы животных показывают более примитивную сторону.

Аллегория войны (ок. 1640) Яна Брейгеля Младшего; Ян Брейгель Младший, общественное достояние, через Wikimedia Commons

На картине изображен город в беспорядке. Можно увидеть разбросанное по земле оружие, а также львов, собак и птиц, сражающихся за их защиту. Это подчеркивает всю жестокость и войну в мире, скорее всего, в результате приближающейся к концу гражданской войны в Европе. На картине можно найти множество людей, но наиболее заметными из них являются солдат в полном латном доспехе и малиновом плаще, а также человек в одежде в стиле тоги, держащий факел, который кажется диссидентом. Два огромных черепа лежат на земле, привлекая внимание к реальности смерти.

На заднем плане виден горящий город с рушащимися стенами.

 

Портрет Иннокентия X (1650) Диего Веласкеса

Дата создания картины	1650
Материал художественного произведения	Холст, масло
Размеры произведения искусства	119 см x 141 см
Место В настоящее время размещено	Галерея Дориа Памфили, Рим

Веласкес, как до него Рафаэль и Тициан, не приукрашивал реальность в своем портрете этого одиозного персонажа. Согласно современным источникам, лицо Иннокентия X описывалось как саркастическое, мрачное, вульгарное и уродливое, отражающее непокорное отношение Папы. Папа Иннокентий изображен Веласкесом как осторожный, бдительный пожилой человек, ожидающий нападения, а не как идеализированная фигура.

Невероятное изображение Веласкесом тканей и подложек (таких как бархат, лен, шелк и золото) и использование света, на которые повлиял Тициан, добавляют картине реалистичности.

Портрет папы Иннокентия X (1650 г.) работы Диего Веласкеса; Диего Веласкес, общественное достояние, через Wikimedia Commons

На самом деле, когда Иннокентий X впервые увидел портрет, он пожаловался, что он «слишком реалистичен». Папа, однако, не обиделся на нелестную картину Веласкеса и стал одним из его самых восторженных поклонников. Веласкес отказывается от коричневых и черных цветов своих предыдущих работ в «Портрете Папы Иннокентия X» в пользу палитры красных оттенков, которая подчеркивает традиционные одежды Папы.

Этот тональный выбор, однако, не только подчеркивает репутацию и личность Папы, но и создает в картине ощущение властной власти и надвигающейся опасности.

 

Пейзаж со спокойствием (1651) Николя Пуссена

Дата создания картины	1651
Материал художественного произведения	Холст, масло
Размеры произведения искусства	97 см x 132 см
Место проживания	Музей Дж. Пола Гетти

Николя Пуссен перешел от исторического повествования к пейзажной живописи с 1640-х до начала 1650-х годов, когда он был на пике своей зрелости как художник. Пейзаж со спокойствием не рассказывает повествование, а скорее создает ощущение. Безмятежной атмосфере способствует хорошо упорядоченная композиция и теплый золотой свет, в то время как яркие, похожие на драгоценные камни оттенки и плавные мазки оживляют эту сцену доброжелательной природы. Экспедиции Пуссена по сельским районам Рима с его другом и коллегой-пейзажистом Клодом Лорреном частично ответственны за свежий взгляд на затянутое облаками небо и пасущихся коз.

Пейзаж со спокойствием (1650-1651) Николя Пуссена;  Николя Пуссен, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Работа получила высокую оценку за замечательное применение Пуссеном композиции, которая изображает многочисленные отдельные слои, которые, кажется, все притягивают взгляд наблюдателя к различным частям картины, чем дольше он смотрит на картину. изображение. В то время как сцена на берегу озера на переднем плане безмятежна, зрители заметят образование грозовых облаков у вершины горы вдалеке. Пейзаж с бурей , компаньон Пуссена, выставлен в Музее Руана. Вместе их противоположные погодные воздействия представляют собой постоянно меняющийся и непредсказуемый характер взаимодействия человека с природой.

Эти изделия Пуссен создал для своего друга и давнего покровителя, парижского бизнесмена Жана Пуэнтеля.

 

Менины (1656) Диего Веласкеса

Дата создания картины	1656
Материал художественного произведения	Холст, масло
Размеры произведения искусства	3,18 м x 2,76 м
Место проживания	Музей Прадо, Мадрид

Знаменитая картина Диего Веласкеса Las Meninas («Фрейлины») из Золотого века Испании является пробным камнем культуры. В 1656 году это Знаменитая картина маслом на холсте была создана и вызывает восхищение ученых за необычную сложность, которую она предлагает аудитории, задавая вопросы относительно иллюзии и реальности и взаимодействия между фигурами на картине и человеком, наблюдающим за ней. В отличие от других произведений искусства того периода, это вызвало больше дискуссий из-за его философской глубины.

Las Meninas (1656) Диего Веласкеса; Диего Веласкес, общественное достояние, Wikimedia Commons

Хотя тонкости картин все еще обсуждаются, историки в основном согласны с тем, что комната напоминает главный зал Королевского Алькасара в Мадриде. На этой картине все изображенные лица являются представителями испанской знати, включая инфанту Маргарет Терезу и ее придворных. Кроме них есть охранник и два карлика-слуги, а также большая собака. В центре картины портрет художника, смотрящего прямо в глаза зрителю.

Согласно легенде, на заднем плане изображены монарх и королева. Именно благодаря этим и многим другим аспектам картины она стала одной из самых известных когда-либо созданных картин в стиле барокко.

 

Доярка (1658) Йоханнеса Вермеера

Дата создания картины	1658
Материал художественного произведения	Холст, масло
Размеры произведения искусства	45 см x 41 см
Место проживания	Государственный музей

Эту относительно небольшую картину можно считать одной из последних работ периода развития делфтского художника, в течение которого он заимствовал различные темы и стили у других художников, а также вводил эффекты, основанные на непосредственном наблюдении и необычайно развитом эстетическом чувстве. Реализм картины может показаться современным глазам фотографическим из-за того, насколько точным он кажется. Композиция, напротив, была тщательно продумана.

Это можно увидеть в нескольких модификациях, сделанных на протяжении всего процесса, а также в тонком взаимодействии тени и освещения, цвета, кривых и форм в готовой работе.

Доярка (1658-1661) Иоганна Вермеера; Йоханнес Вермеер, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Даму на картине, скорее всего, называли «кухаркой», а не «дояркой», когда она была написана. Вермеер изображает женщину крепкой молодой женщиной. Есть потрясающие детали, но есть и ощущение веса женщины и стола. Делфтская плитка справа от грелки для ног изображает странствующего человека с ходячим посохом и сумкой. Это может означать, что женщина оплакивает потерянную любовь. Доярка — не только одна из самых известных картин Вермеера, но и одно из самых известных произведений искусства в стиле барокко.

 

Порция, поранившая бедро (1664) Элизабетты Сирани

Дата создания картины	1664
Материал художественного произведения	Холст, масло
Размеры произведения искусства	101 см на 138 см
Место проживания	Государственный музей, Амстердам

Порция, ранившая бедро Элизабетты Сирани, изображает историческое событие римских времен. По мнению некоторых историков, жена Брута Порция Катонис либо непосредственно участвовала в заговоре с целью убийства Юлия Цезаря, либо была единственной другой женщиной, которая узнала об этом первой. Согласно рассказу Плутарха, она застала своего мужа за размышлениями о казни, но отказалась рассказать ему об этом, опасаясь, что он разоблачит заговор, если ее казнят. Порция порезала ногу, чтобы доказать, что она может терпеть физический дискомфорт в течение дня (несмотря на высокую температуру).

Порция ранит бедро (1664) Элизабетты Сирани; Элизабетта Сирани, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Затем она вернулась к своему супругу с доказательством того, что она смогла сохранить свои секреты. На этой картине смелые мазки, но довольно яркие цвета, что делает ее поразительным произведением искусства. Изображена могучая Порция; ее поза говорит о ее силе воли и решимости. Ее бледное лицо и окровавленное бедро контрастируют с малиновым платьем. Чтобы войти в мир мужчин, Порция набрала кровь из своих вен, что отличало ее от других женщин. Картина многое говорит нам о личностях Порции и Сирани, например, об их стремлении к успеху и интеллекте.

Сирани задумал эту картину, чтобы сделать политическое заявление о том, до какой степени женщины готовы относиться к себе серьезно.

 

Возвращение блудного сына (1669) Рембрандт ван Рейн4

Дата создания картины
1669
Материал художественного произведения	Холст, масло
Размеры произведения искусства	262 см x 205 см
Место проживания	Эрмитаж Санкт-Петербург

В притче о блудном сыне у отца есть двое детей, один из которых просит права первородства, тратит свои деньги и возвращается домой в нищете. Он пытается убедить отца сделать его одним из своих рабочих, но вместо этого его встречает вечеринка в честь его триумфального возвращения домой. Отец объясняет своему старшему сыну, что они радуются тому, что их давно потерянный брат вернулся к реальности. На картине Рембрандта сын только что вернулся домой, и ему очень плохо.

Возвращение блудного сына (ок. 1669) Рембрандта; Рембрандт, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Можно увидеть, как отец делает любящий жест, чтобы принять свое потомство, в то время как другой брат скрестил руки в осуждении. Благодаря своей фирменной технике света и тени Рембрандт известен необычайным реализмом своих картин. Художественное произведение, написанное в конце его карьеры, демонстрирует его опыт, поскольку он сочетает эмоциональное освещение и цвет, чтобы чудесным образом донести до аудитории послание притчи о прощении.

Многие искусствоведы считают эту картину лучшим произведением Рембрандта, выдающимся достижением в искусстве эпохи барокко.

 

Любовное письмо (ок. 1669 г.) Иоганнеса Вермеера

Дата создания картины	с. 1669
Материал художественного произведения	Холст, масло
Размеры произведения искусства	44 см x 38 см
Место проживания	Государственный музей, Амстердам

Содержание любовного письма, вид на соседние комнаты и включение таких предметов, как лютня, кисть и туфли, а также атлас на дверном проеме, можно найти на других картинах интерьеров Вермеера и показать связи художника с современниками. Картины Вермеера на протяжении всей последней части его карьеры, примерно с 1669 г.пока он не скончался в 1675 году, проявляют более сильную склонность к абстракции форм и не так много внимания уделяют деталям, как в своих работах, созданных ранее, как видно здесь.

Тема этой картины — любовь, о чем свидетельствует наличие музыкальных аллюзий. Молодая женщина держит письмо, скорее всего, от любимого человека, о котором она болтает со слугой.

Любовное письмо (ок. 1669 г.) Иоганнеса Вермеера; Йоханнес Вермеер, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Одним из элементов, который остался неизменным, является способность Вермеера управлять взаимодействием зрителя с картиной посредством построения пространства. Художники интерьерной сцены часто включали картины в картины, чтобы прояснить смысл композиции. Тот факт, что наш взгляд не может проникнуть в персонажей сзади, заставляет нас чувствовать себя захватчиками в интимном пространстве, в котором нас не ждали. Таким образом, эта картина заключает в себе важнейшую черту любой картины для интерьера: удовольствие, получаемое от возможности заглянуть в частную жизнь других.

 

На этом мы завершаем наш обзор самых известных картин в стиле барокко. Захватывающий дух реализм барочной живописи и динамичный сюжет отличают ее от более ранних периодов. В период барокко художники пытались уловить визуальную драму и движение своего времени, подчеркивая духовные и богословские темы. Искусство барокко издавна было связано с католической церковью, и его сторонники считали, что оно должно внушать как преданность, так и благоговение. Декоративное искусство экстравагантно и обширно в орнаменте этого дизайна. Отход каждой страны от классицизма эпохи Возрождения принимает разные формы.

 

 

Взгляните на нашу веб-историю о картинах в стиле барокко здесь!

 

 

Часто задаваемые вопросы

 

Что такое барочная живопись?

Итальянская живопись в стиле барокко, как и другие произведения искусства в стиле барокко, первоначально начали возникать в Европе между началом 17 века и серединой 18 века. Художники той эпохи создавали великолепные произведения искусства в стиле барокко, которые можно узнать по насыщенным цветам, волнующим деталям, контрасту и ощущению величия.

 

Каковы характеристики известных картин в стиле барокко?

Искусство XVII века, и особенно искусство барокко, можно узнать по нескольким ключевым характеристикам. Один из них — ощущение внушающего благоговение величия, а другой — использование света и теней для создания эффекта драмы. Художники также стирали границы между стилями того времени. Цвета, использованные в композициях, были богаты, и в произведениях той эпохи также проявляется ощущение изобилия и динамизма.

 

15 Картины, определяющие драматизм художественного движения барокко

После того, как стили Ренессанса и маньеризма пошли на убыль, 17 век возвестил новое художественное движение, пропитанное драматизмом и величием. Названный в честь barroco — португальского термина, обозначающего жемчужину неправильной формы, — период барокко характеризуется своей роскошью и желанием вызвать благоговение у публики.

Художники эпохи барокко, такие как Караваджо и Рембрандт, создавали поразительные композиции, подчеркивая контраст между светом и тьмой. Другие художники этого направления создавали театральные эффекты, опираясь на движение и истории из Библии, а также древнюю мифологию. Мы составили список знаковых шедевров, которые в совокупности иллюстрируют драму того периода и различные подходы художников к ее достижению.

Прокрутите вниз, чтобы увидеть список из 15 известных картин в стиле барокко.

Совершите экскурсию по этим 15 знаменитым картинам в стиле барокко, которые определяют драматизм этого щедрого направления в искусстве.

 

Караваджо, Призвание святого Матфея , 1599–1600

Караваджо, «Призвание святого Матфея», 1599–1600 гг. (Фото: Wikimedia Commons, общественное достояние)

Призвание святого Матфея , которое до сих пор можно найти в капелле Контарелли в Риме, остается одной из самых известных картин Караваджо. Неформальное, естественное собрание фигур было огромным сдвигом против идеализма маньеризма. Одетые в современную одежду, персонажи кажутся взятыми из жанровой сцены, а не из традиционной религиозной живописи.

Но настоящая гениальность картины кроется в использовании Караваджо света и тени — отличительной черте его стиля. Следуя фактической архитектуре часовни и ее окон, солнечный свет проникает внутрь и следует за рукой Христа, который указывает на Матфея. Свет не только создает повышенную драму, но и действует как метафора руки Бога, просящего Мэтью присоединиться к нему.

 

Аннибале Карраччи, Domine, quo vadis? , 1602

Аннибале Карраччи, «Domine, quo vadis?», 1602 г. (Фото: Национальная галерея через Wikimedia Commons, общественное достояние)

Хотя его искусство было омрачено сверхурочной работой Караваджо, Аннибале Карраччи считался одним из ведущих художников эпохи барокко 17 века. Его стиль несколько напоминал идеализм стилей Ренессанса и маньеризма, но он создавал драму в стиле барокко с помощью монументальных фигур и динамичных композиций. Domine, quo vadis? иллюстрирует подход Карраччи с двумя яркими фигурами, рассказывающими историю смелыми жестами.

 

Аннибале Карраччи, Оплакивание Христа , c. 1604

Аннибале Карраччи, «Оплакивание Христа», ок. 1604 (Фото: Национальная галерея через Wikimedia Commons, общественное достояние)

Оплакивание Христа — еще один пример мастерской живописной композиции Карраччи. Здесь он изображает оплакивание мертвого тела Христа Девой Марией, Марией Магдалиной и двумя другими женщинами, которые могут быть Марией Клеопой и Марией Саломеей. Три фигуры наслоены одна на другую, а две другие, присев на правую сторону, протягивают руки в эмоциональных жестах, сообщая об ужасе происходящего.

 

Караваджо, Давид с головой Голиафа , 1609–1610

Караваджо, «Давид с головой Голиафа», 1609–1610 гг. (Фото: Галерея Боргезе, Wikimedia Commons, общественное достояние)

Давид с головой Голиафа   — это психологический шедевр, написанный в период, когда Караваджо был изгнан из Рима после убийства человека во время теннисного матча. Караваджо использует свой характерный тенебризм для создания картины маслом, на которой молодой Давид задумчиво смотрит на отрубленную голову Голиафа.

 

Артемезия Джентилески, Юдифь, убивающая Олоферна , ок. 1612–1613

Артемезия Джентилески, «Юдифь, убивающая Олоферна», ок. 1612–1613 гг. (Фото: Национальный музей Каподимонте, Wikimedia Commons, общественное достояние)

В мире искусства, где доминируют мужчины, Артемизия Джентилески завоевала себе место в качестве доминирующей художницы. Картины характеризуют ее творчество с упором на женские сюжеты, самой известной из которых является ее шедевр, Юдифь, убивающая Олоферна . На этом большом мрачном полотне изображена ветхозаветная история, в которой вдова и ее служанка побеждают — и в конце концов обезглавливают — похотливого, угрожающего мужчину. Артемизия строит произведение так, чтобы насилие было на переднем крае сцены, чтобы произвести наибольшее впечатление.

 

Питер Пауль Рубенс, Похищение дочерей Левкиппа , 1618

Питер Пауль Рубенс, «Изнасилование дочерей Левкиппа», 1618 г. (Фото: Старая пинакотека, Wikimedia Commons, общественное достояние)

Питер Пауль Рубенс был ключевой фигурой эпохи барокко. В отличие от Караваджо и Артемизии, он не полагался на свет и тень для создания драмы, а вместо этого использовал яркую цветовую палитру и динамичное движение. Изнасилование дочерей Левкиппа олицетворяет его культовый стиль со сладострастными фигурами, извивающимися телами, вызывающими ощущение хаоса и насилия в композиции.

 

Франсиско де Сурбаран, Мученичество святого Серапиона , 1628

Франсиско де Сурбаран, «Мученичество святого Серапиона», 1628 г. (Фото: Художественный музей Уодсворта Атенеума через Викисклад, общественное достояние)

Франсиско де Сурбаран был ведущим художником эпохи барокко, известным как «испанский Караваджо». Мученичество святого Серапиона символизирует его стиль, изображая мужскую фигуру, одетую в белое, на черном фоне. Сильное использование светотени и простая, но мощная композиция похожи на работы Караваджо, которые, вероятно, оказали большое влияние на Сурбарана.

 

Питер Пауль Рубенс, Суд Парижа , c. 1636

Питер Пауль Рубенс, «Суд Париса», ок. 1636 (Фото: Национальная галерея через Wikimedia Commons, общественное достояние)

Рубен Суд Париса изображает мифологическую историю, в которой Парис должен выбрать самую красивую из богинь, Геры, Афины и Афродиты. Эта тема была популярна среди художников как способ исследовать женский идеал. В данном случае Рубенс своим чувственным стилем изображает разворачивающееся повествование, проводя взгляд зрителя по полотну линией позирующих фигур.

 

Жорж де ла Тур, Кающаяся Магдалина , c. 1640

Жорж де ла Тур, «Кающаяся Магдалина», ок. 1640 (Фото: The Met через Wikimedia Commons, общественное достояние)

Французский художник Жорж де Латур больше всего известен своими пронзительными работами, освещенными свечами. Кающаяся Магдалина представляет стиль художника с упрощенным изображением религиозного деятеля Магдалины, сжимающей руки над черепом, который действует как memento mori — и смотрит в сторону затененной стены. Миниатюрные источники света помогают Де Латуру создать мощную композицию, в которой внимание зрителя сразу же приковано к белому пятну на тунике Магдалины.

 

Рембрандт, Ночной дозор , 1642

Рембрандт, «Ночной дозор», 1642 г. (Фото: Рейксмузеум через Викисклад, общественное достояние)

Рембрандт ван Рейн был одним из самых плодовитых художников Золотого века Голландии. Среди его впечатляющего творчества есть одно произведение, которое выделяется среди остальных: очаровательный групповой портрет под названием «9». 0003 Ночной Дозор . Эта массивная работа, завершенная в 1652 году, является одной из отличительных черт Золотого века Нидерландов. Он не только демонстрирует мастерское мастерство Рембрандта в изображении десятков людей почти в натуральную величину, но также обладает качествами искусства барокко, такими как драматическое использование света и тени и отображение движения.

 

Николя Пуссен, Похищение сабинянок , 1643

Николя Пуссен, «Похищение сабинянок», 1643 г. (Фото: Лувр, Wikimedia Commons, общественное достояние)

Французский художник Николя Пуссен культивировал стиль барокко, основанный на ярких цветах, ясности и четкости линий. Он передал драму в своих картинах, организовав многочисленные фигуры в активных позах, как видно из его произведения Похищение сабинянок . Здесь хаотическая сцена создается десятками бегущих, прыгающих и извивающихся фигур, препятствующих большому открытому пространству.

 

Чарльз Лоррен, Посадка царицы Савской , 1648

Чарльз Лоррен, «Посадка царицы Савской», 1648 г. (Фото: Национальная галерея, Wikimedia Commons, общественное достояние)

Французский художник Шарль Лоррен, проживший большую часть жизни в Италии, был ведущим пейзажистом эпохи барокко. Посадка царицы Савской изображает библейскую сцену, в которой царица Савская отправляется навестить царя Соломона. В отличие от некоторых художников этого движения, Лоррен не полагается на светотень или движение. Вместо этого он создает ощущение великолепия сцены в гавани с классическими зданиями, выстроившимися вдоль голубой воды, когда солнце опускается вдали.

 

Диего Веласкес, Портрет Иннокентия X , 1650

Диего Веласкес, «Портрет Иннокентия X», 1650 г. (Фото: Галерея Дориа Памфили через Wikimedia Commons, общественное достояние)

Художник в стиле барокко Диего Веласкес был неотъемлемой частью испанского королевского двора и прославился своими честными и изысканными портретами. Во время одной из поездок в Италию ему поручили написать Портрет Иннокентия X . Веласкес подготовился к этому случаю, нарисовав портрет своего помощника Хуана де Парехи — испанца, рожденного в рабстве. В этом произведении показаны мазки в импрессионистском стиле, которые Веласкес использовал в портрете Папы, а также ограниченная цветовая палитра. Пару лет спустя Веласкес освободил Пареху, и он стал независимым художником.

Веласкес был известен тем, что запечатлел реальность своих подданных без особой лести. На самом деле, когда папа увидел готовую картину, он воскликнул: «Это слишком правда! Это слишком верно!» Тем не менее, он принял это, и многие историки считают этот портрет одним из величайших портретов, когда-либо созданных.

 

Диего Веласкес, Лас Менинас , 1656

Диего Веласкес, «Менины», 1656 г. (Фото: Музей Прадо, Wikimedia Commons, общественное достояние)

Под названием Las Meninas эта массивная и очень многослойная картина изображает юную 5-летнюю принцессу в роскошном белом платье в сопровождении ее фрейлин. Справа два человека с карликовостью и спящий испанский мастиф. Слева сам Веласкес смотрит на зрителя, рисуя свой портрет. Кроме того, на заднем плане изображены другие персонажи, в том числе компаньонка Маргарет Терезы Марсела де Ульоа, беседующая с затененным телохранителем, и камергер королевы Хосе Ньето, стоящий в дверях. В зеркале, висящем на задней стене, есть еще один скрытый портрет короля Филиппа IV и королевы.

 

Элизабетта Сирани, Порция Ранила Бедро , 1664

Элизабетта Сирани, «Порция ранит бедро», 1664 г. (Фото: Wikimedia Commons, общественное достояние)

Элизабетта Сирани была еще одной ключевой женщиной-художницей 17-го века, которая, несмотря на то, что дожила всего до 27 лет, оставила после себя богатое портфолио картин, гравюр и рисунков. Как и Артемизия, Сирани интересовалась изображением женщин. Ее картина, Порция, ранившая бедро , иллюстрирует классическую историю, в которой Порция умышленно причиняет себе вред, чтобы продемонстрировать своему мужу Бруту, что она равна ему.

 

Статьи по теме:

20 революционных направлений в искусстве, сформировавших нашу визуальную историю

Что такое фресковое искусство? Изучение древней техники росписи по гипсу

Увлекательная история и непреходящее влияние итальянского искусства эпохи Возрождения

Как Гюстав Курбе потряс мир искусства своими реалистичными изображениями обычных людей

Хронология западного искусства, часть 2

Наша Хронология западного искусства с 1600 по 1880 гг. дает представление о наиболее важных художниках, движениях и стилях живописи от барокко до прерафаэлитов.

Искусство барокко (ок. 1600-1700)

КАРАВАДЖО (1571-1610)
«Давид с головой Голиафа», 1610 г. (холст, масло)

B арок была реакцией на искусственную стилизацию маньеризма. Он распространился по Европе в 17 веке. Среди великих мастеров барокко были итальянский художник Караваджо и скульптор Бернини, фламандский художник Рубенс, Веласкес из Испании и Рембрандт, величайший из всех голландских живописцев.

Искусство барокко определяется реалистичными предметами, которые изображают захватывающее действие и вызывают сильные эмоции. Религиозные, мистические и исторические сюжеты, которые часто были пропагандой церкви или государства, были воплощены в жизнь персонажами в современной одежде, натуралистической живописью выдающейся виртуозности, драматическим освещением (светотень) и смелыми асимметричными и диагональными композициями.

Искусство рококо (ок. 1700-1775)

ЖАН ОНОРЕ ФРАГОнар (1732-1806)
«Прогресс любви — Встреча», 1773 г. (холст, масло)

R ococo — термин, происходящий от французского слова «rocaille», что означает «каменная работа» и относится к стилю внутреннего убранства, состоящему из завитков и завитков. Стиль был по существу французским, но распространился по всей Европе.

Как маньеризм был стилистической реакцией на искусство эпохи Возрождения, так и рококо был декоративным ответом на реализм барокко. В то время как некоторые авторитеты считают рококо изысканным, элегантным и аллегорическим стилем, другие считают его напыщенным, снисходительным и претенциозным.

Известными художниками рококо были Ватто, Буше и Фрагонар во Франции, Тьеполо, Гварди и Каналетто в Италии и в некоторой степени Хогарт в Англии.

Слайд-шоу «Искусство барокко и рококо»

Голландское искусство (ок. 1620-1670)

ЯН ВЕРМЕЕР (1632-1675)
«Доярка», 1658–1661 гг. (холст, масло)

D utch Art прославился своими натюрмортами, портретами, пейзажами, интерьерами и жанровой живописью. С распространением протестантизма в Голландии и отказом от католического барокко голландским художникам пришлось сосредоточиться на более ограниченном круге светских сюжетов, против которых не было возражений по религиозному признаку. Следовательно, художники имели тенденцию специализироваться более узко, часто в одном предмете. Например, Виллем Кальф писал натюрморты, портреты Франса Хальса, пейзажи Якоба ван Рейсдала, а Ян Вермеер был выдающимся жанристом. Исключением был Рембрандт, величайший из голландских мастеров, чей гений проявляется в широком спектре средств и сюжетов, отражающих сущность человеческого состояния.

Слайд-шоу голландского искусства

Неоклассицизм (ок. 1765-1850)

ЖАК ЛУИ ДАВИД (1748-1825)
«Переход Наполеона через Альпы», 1801 г. (холст, масло)

N эоклассицизм был реакцией на помпезность рококо. Это была эпоха Просвещения, и в воздухе витала политическая, социальная и культурная революция. Художникам нужно было серьезное искусство для серьезных времен, и они снова обратились к античному искусству как к образцу. Вдохновленный археологическими открытиями в Геркулануме и Помпеях, неоклассицизм обладал исторической точностью, которой не хватало более ранним классическим возрождениям. Исторические сцены героизма и добродетели использовались как патриотическая пропаганда или аллегории на современные обстоятельства. Жак Луи Давид и Жан Огюст Доминик Энгр были выдающимися виртуозами неоклассической живописи.

Романтизм (ок. 1765-1850)

ДЖОЗЕФ МЭЛЛОРД УИЛЬЯМ ТЕРНЕР (1775-1851)
«Боевой темперамент», 1839 г. (холст, масло)

R омантизм был широкой реакцией на формальность неоклассицизма. Это было отношение как в искусстве, так и в литературе, которое ставило социальный, эмоциональный и провокационный темперамент перед историческим реализмом неоклассицизма. Романтизм был субъективен по духу, неоклассицизм объективен. Оно восприняло силу творческого импульса и отвергло точность искусства, основанного на жестких правилах. Если архитектурная красота греческого храма — воплощение неоклассицизма, то очарование его руин — сущность романтизма.

Романтизм — это позиция, а не стиль, в которой участвуют разные художники из разных стран Европы: Франсиско Гойя в Испании, Эжен Делакруа и Теодор Жерико во Франции, Уильям Блейк и Дж. М.В. Тернер в Англии и Каспар Давид Фридрих в Германии.

Неоклассицизм и романтизм Слайд-шоу

Реализм (ок. 1840-1880)

ГЮСТАВ КУРБЕ (1819-1877)
«Яблоки и гранат», 1871 г. (холст, масло)

R реализм был французским стилем живописи, который фокусировался на повседневной реальности предмета, бородавок и всего остального. Художники-реалисты, такие как Милле, Коро, Курбе и Мане, выступили против повышенных эмоций романтизма. Они искали объективную истину, отражающую социальные реалии простого человека в его естественной среде. Реализм также был вдохновлен новым исследованием «визуальной реальности», последовавшим за изобретением фотографии примерно в 1840 году.

Прерафаэлиты (ок. 1848-1854)

ДАНТЕ ГАБРИЭЛЬ РОССЕТТИ (1828-1882)
«Ла Гирландата», 1873 г. (холст, масло)

T Прерафаэлиты были братством молодых английских художников, которые создавали произведения искусства, представляющие собой смесь реализма и символизма. Неудовлетворенные искусством своего времени, они восстали против «Великих манер», искусственной традиции маньеризма, восходящей к Рафаэлю. Они черпали вдохновение в эпохе раннего Возрождения (до Рафаэля), когда художники исследовали идеал «правдивости по отношению к природе». Прерафаэлиты рисовали все свои работы под непосредственным наблюдением с тщательной проработкой деталей и яркими красками. Они черпали свои сюжеты из Библии, Данте, Шекспира и современной поэзии, обычно с идеализированной средневековой темой. Основателями группы были Джон Эверетт Милле, Уильям Холман Хант и Данте Габриэль Россетти.

Реализм и искусство прерафаэлитов Слайд-шоу

Меню хронологии истории искусства

Хронология западного искусства 1 (330-1600)

Хронология западного искусства 2 (1600-1880)

Хронология современного искусства 1 (1870-1931)

Хронология современного искусства 2 (1916-1975)

Барокко Репродукции | Изобразительное искусство Америки

Распространенный в 17 и 18 веках художественный стиль барокко отличается четкостью деталей, преувеличенным движением и величием.

Если вы хотите украсить свой дом смелыми, яркими и запоминающимися произведениями искусства, вам следует рассмотреть возможность выбора некоторых из наших многочисленных гравюр в стиле барокко. Эти произведения включают в себя городские пейзажи таких мест, как Вена и Прага, тщательно детализированные изображения и увлекательные сцены, которые рассказывают всю историю в одном изображении.

стиль барокко барочная архитектура необарокко барочная церковь позднее барокко

Результаты: 42 510

Результаты: 42 510

Художественная печать замка Нойшванштайн

Призвание святого Матфея

Архангел Михаил побеждает сатану Art Print

Художественная печать «Возвращение блудного сына»

Вызывающий арт-принт

Художественная печать Юдифь, обезглавливающая Олоферна

Коронация Богородицы Художественная гравюра

Святая Ночь Художественная Печать

Художественная печать Бранденбургских концертов

Девушка с жемчужной сережкой, около 1665 г. Репродукция.

Художественная печать Непорочного зачатия

Нарцисс Художественный Принт

Давид с головой Голиафа Художественная печать

Художественная печать

Репродукция Скрипки Страдивари

Моя прекрасная леди Арт Принт

Прага — Церковь Св. Николая Малостранская Художественная гравюра

Католическая церковь Королевского двора — Hofkirche Dresden Art Print

Budweis — Namesti Premysla Otakara II Art Print

Мюнхен — Mueller’sches Volksbad — Художественная печать Au-Haidhausen

Художественная печать замка Лембек-2

Картины Караваджо

Галерея Милана Арт Принт

Красный и золотой цветочный бесшовный узор, ретро-винтажный гранж-текстурный фон, № 3/6 Art Print

Персиковый цветочный бесшовный узор, ретро-винтажный гранж-текстурный фон, № 4/6 Art Print

Зеркальная художественная печать

Приглушенный узор Art Print

Catedral Metropolitana Художественная печать

Художественная печать древнего колледжа

Чтение карт Art Print

Сан-Педро-де-Вьена. Художественная печать

Художественная печать Ангел славной смерти

Саломея Арт Принт

Юдифь, обезглавливающая Олоферна, 1614-1620 гг., художественная печать

Париж — Ooh la la Fashion Эйфелева башня Люстра Флакон духов Art Print

Сон святого Иосифа, репродукция

Коронация Богородицы, 1644 г., репродукция

Зальцбург Salzburger Land Austria Art Print

Центр города Солнечная площадь Многоквартирные дома Art Print

Святой Филипп Нери, около 1645-1646 гг.

Красивое сюрреалистическое изображение с девушкой, которая рисует искусство

Гондолы Фреска Художественная печать

Художественная печать Юдифь и Олоферн

Тепло, которое я несу Арт-принт

Художественная печать «Люди, спускающиеся по лестнице»

Красивая и элегантная венецианская маска с художественным принтом

Сантьяго-де-Компостела, собор, Испания Art Print

Осенний вид на Чешский Крумлов.

Замок Хоэншвангау Бавария Германия Художественная Печать

Настоящая художественная печать

Прыжок Арт Принт

Художественная печать Ору-Прету, Минас-Жерайс, Бразилия

Фэнтези Пейзаж Сказочный Замок Художественный Принт

Открытка Любовь в Риме Арт Принт

Художественная печать Маджоре

Цветочный Бесшовный Фон Цветочный Художественный Принт

Векторный бесшовный узор с цветочным художественным принтом

Философ в медитации Art Print

Ун Пасео Пор Эль Лаго. Художественная печать

Винтажная сова ретро векторный дизайн художественная печать

Цветочный бесшовный узор с рисунком художественной печати

Абстрактный цветочный узор Высокохудожественный принт

Красочный абстрактный бесшовный паттерн

Крыши Праги Красивый Аэрофотоснимок Художественная Принт

Музейный остров с Берлинским собором — Art Print

Святой Франциск Ассизский в экстазе

Художественная печать лестницы Сантиниса

Кейт Буш Живопись Арт Принт

Барочный диптих I Art Print

Цветочная интерпретация — художественный принт Texas Wildflowers

Черная фризская кошка приближается к художественному принту

 

1 — 72 из 42 510 гравюр в стиле барокко на продажу

12345

Следующий

 

Wall Art

AllCanvas PrintsArt PrintsPostersFramed PrintsMetal PrintsAcrylic PrintsWood PrintsTapestries

Home Decor

Throw PillowsFleece BlanketsDuvet CoversShower CurtainsBath TowelsHand TowelsCoffee MugsOrnaments

Apparel

Men’s T-ShirtsMen’s Tank TopsWomen’s T-ShirtsWomen’s Tank TopsLong Sleeve T-ShirtsSweatshirtsKid’s T-ShirtsBaby КомбинезоныМаски для лица

Чехлы для телефонов

Чехлы для iPhoneЧехлы GalaxyПортативные зарядные устройства

Stationery

Greeting CardsNotebooksStickers

Lifestyle

Yoga MatsTote BagsWeekender Tote BagsCarry-All PouchesCoffee MugsJigsaw Puzzles

Beach

Beach TowelsRound Beach TowelsWeekender Tote BagsCarry-All PouchesPortable Battery Chargers

Totes & Pouches

Tote BagsWeekender Tote BagsCarry- Все пакеты

Оригиналы

Оригинальные произведения искусства для продажи

Разное

Подарочные сертификатыНаборы образцовСоздавайте собственные продукты

Все Картины Фотографии Чертежи Цифровое искусство Смешанная техника

Все репродукции

Похожие произведения искусства

стиль барокко барочная архитектура необарокко барочная церковь позднее барокко

Мы отправили миллионы предметов по всему миру для более чем 1 миллиона наших художников. Каждая покупка сопровождается 30-дневной гарантией возврата денег.

42510

Репродукции в стиле барокко, подходящие к любому интерьеру

Живопись

Винтаж

Графический дизайн

Pattern

Art

Drawing

Digital

Illustration

Floral

Retro

Abstract

Antique

Decorative

Dutch

Rococo

Oil

Photography

Classic

1

Amoureux de L’andalousie Art Print

от Denver Balbaboco

15,00 $ 12,75 $

923

Старинный ботанический принт «Персиковые розы и ромашки в полуночном саду»

от Vintage Love

$ 17,00 $ 14,45

491

Клубничный вор от William Morris Art Print

By Lavieclaire

$ 21,00 $ 17,85

20

928 $ 21,00 $ 17,85

. 9000 9000

$ 21,00 $ 17,85.

16

Художественный принт Flying Bird Cage

Венди Паулы Паттерсон

18,00 $ 15,30 $ 15,30

45

Я съем торт, если захочу принт

от Wendy Paula Patterson

$ 18,00 $ 15,30

51

Зеленый розовый лист цветок Paisley Art Print

от Guy Blank

$ 15,00 $ 12,75

$ 12,75

2

$ 12,75

2

$ 12,75

2

$ 12,75. 15,00 $ 12,75 $

0

Мария-Антуанетта, Рождество в Версале, Париж Art Print

Венди Пола Паттерсон

$18,00 $15,30

384

05

Sabela Art Print

by Giulio Rossi

$15. 00$12.75

36

Antique Aubusson Louis XV French Tapestry Art Print

by Tarragonia

$16.00$13.60

53

Leopard Chinoise Art Print

by KWMeredith Дизайны

15,00 $ 12,75 $

4

Цветочный акварельный панно в стиле рококо

Wendy Paula Patterson

18,00 $ 15,30 $

43

Винтажная дверь в городе Рим Фото | Арт-принт в стиле барокко с уличной архитектурой | Италия путешествия фотосъемки Art Print

от Henrike Schenk Travel Photography

$ 20.00 $ 17,00

51

Кольцо вокруг Leopard Art Print

от Kwmeredith Designs

$ 15.00 $.

от RoseAesthetic

22,00 $ 18,70 $

107

Skeleton Zone Art Print

от Rizapeker

$ 18,00 $ 15. 30

488

Античный ботанический сепия роза и романы и ромашки для полуночи

от Vintage Love

$ 17.00 $ 14,45

от Vintage Love

$ 17.00 $ 14,45

9007

9000 9000 9000 9000 9000 9000 2 $ 17.00 $ 14,45

9000 9000 9000 9000 9000 2 $ 17.00 $ 14.45

9000 9000 9000 9000 2 $ 17.00 $ 14,45

.

от Keight Maclean

$ 20,00 $ 17,00

225

Джудит обезьян Холофернс — Gendileschi Art Print

— культовые картины

$ 15,00 $ 12,75

.0005

38

Hands by Bernini, part II Art Print

by Tim Lute

$18.00$15.30

195

Peacock teal velvet Art Print

by RoseAesthetic

$22.00$18.70

1

Ouija Board (черный) Art Print

от Staubmilbe

$ 15,00 $ 12,75

32

Venetian Promenade Art Print

от Msgonzalez

$ 21,00 $ 17,85

0

$ 21,00 $ 17,85

011347 9000

$ 21,00. 0005

Mona Lisa #14 Art Print

от C4DART

$ 17,00 $ 14,45

142

ANTIQU Художественный принт с леопардовым принтом

от KWMerith Designs

15,00 $ 12,75 $

781

Королевский фиолетовый, лиловый и индиго Декоративный марокканский узор плитки с художественным принтом

от micklyn

$16.00$13.60

7

Antique French Toile Chinoiserie Print with Animals Art Print

by eye4designs

$20.00$17.00

0

Vintage Paper Colored Art Print

by vintige

$17.00$14.45

1

Старинный антверпенский гобелен с гротесками, репродукция XVI века

от Tarragonia

$16,00 $13,60

63

«Юдифь, убивающая Олоферна» от Artemisia Gentileschi Art Print

By Historia Fine Art Gallery

$ 16. 00 $ 13,60

212

Две феи, использующие художественную принт

от Rayleearts

$ 20,00 $ 17,00

286

5958.

0

Старинный французский гобелен Обюссона из зелени XVIII века

by Tarragonia

$16,00 $13,60

0

Художественная печать 9 Цветочная живопись Шедевр0005

от Jenniecarolina

$ 16,00 $ 13,60

28

Addams Art Print

от Denver Balbaboco

$ 15,00 $ 12,75

9008 $ 15.00 $ 12,75

14

$ 12,75

$ 12,75

$ 12,75

$ 15,75. $ 15.30

5

Урок анатомии доктора Николаса Тульп-Рембрандт Печать

от знаменитых пенсионов

$ 15,00 $ 12,75

25

Они были здесь. 0005

by MsGonzalez

$21.00$17.85

18

Michelangelo Merisi da Caravaggio «Medusa» Art Print

by Alexandra_Arts

$18.00$15.30

63

Majesty Art Print

by Natalie Shau

$48.00$40.80

3

Художественный принт с листочками из черного золота

от Guy Blank

15,00 $ 12,75 $

0

Авраам Брейгель — Вазы с цветами и принтом «Херувимы»

от посетителя

15,00 $ 12,75 $

Свежая подборка: лучшие произведения искусства

Взгляните

Картины для стен в ванной

Используйте настенные рисунки, чтобы дополнить занавеску для душа, декор ванной комнаты и многое другое.

Взгляните

Картины для гостиной

Настенные картины для дома идеально впишутся в декор вашей комнаты.

Взгляните

Чтение: Барокко: искусство, политика и религия в Европе семнадцатого века

Джан Лоренцо Бернини, Кафедра Петри (или Кафедра Святого Петра), позолоченная бронза, золото, дерево, витражи, 1647-53 (апсида собора Святого Петра, Ватикан, Рим)

Рим: от «Вавилонской блудницы» к блистательной Невесте Христа

Когда Мартин Лютер прикрепил свои 95 тезисов к дверям Виттенбургского собора в 1517 году, протестуя против коррупции в католической церкви, он инициировал движение, которое преобразовало религиозную, политический и художественный ландшафт Европы. В следующем столетии Европа будет в смятении, поскольку будут определяться новые политические и религиозные границы, часто в результате кровавых военных конфликтов. Лишь в 1648 г., с подписанием Вестфальского мира, конфликты между протестантами и католиками в континентальной Европе утихли.

Мартин Лютер сосредоточил свою критику на том, что он считал жадностью церкви и злоупотреблением властью. Он называл Рим, резиденцию папской власти, «вавилонской блудницей», украшенной дорогими произведениями искусства, грандиозной архитектурой и роскошными банкетами. Церковь отреагировала на кризис двумя способами: внутренним решением проблем коррупции и защитой доктрин, отвергнутых протестантами. Таким образом, в то время как первые два десятилетия 16-го века были периодом щедрых расходов папства, средние десятилетия были периодом строгой экономии. Как заметил один посетитель Рима в 1560-х годах, весь город превратился в монастырь. Благочестие и аскетизм правили днем.

К концу 16 века католическая церковь снова была настроена оптимистично, даже торжествующе. Она вышла из кризиса с новой силой и ясностью цели. Центральное место занимало пастырство верующих — обучение их католическим учениям и воодушевление на добродетельное поведение. Стремясь восстановить репутацию Рима как святого города, папство приступило к обширным кампаниям по строительству и украшению, направленным на то, чтобы подчеркнуть его древнее происхождение, его верования и его божественно санкционированную власть. В глазах верных католиков Рим был не неверной блудницей, а чистой невестой, прекрасно украшенной для союза со своим божественным супругом.

Вид на капеллу Черази в Санта-Мария-дель-Пополо в Риме с алтарем Аннибале Карраччи, Успение Богородицы, 1600-01, холст, масло, 96 дюймов × 61 дюйм и справа, Караваджо «Обращение святого Павла» (Обращение Савла), 1601, 91 дюйм × 69 дюймов

Искусство убеждения: наставлять, радовать, двигать

В то время как протестанты резко критиковали культ изображений, католическая церковь горячо восприняла религиозную силу искусства. Церковь утверждала, что изобразительное искусство играет ключевую роль в руководстве верующих. Они, безусловно, были так же важны, как письменное и устное слово, и, возможно, даже более важны, поскольку были доступны как ученым, так и неученым. Чтобы быть эффективным в своей пастырской роли, религиозное искусство должно было быть ясным, убедительным и мощным. Он должен был не только учить, но и вдохновлять. Это должно было побудить верующих ощутить реальность жертвы Христовой, страдания мучеников, видения святых.

Караваджо, Терновый венец, 1602-04, холст, масло, 165,5 x 127 см (Художественно-исторический музей, Вена)

Акцент церкви на пастырской роли искусства побудил художников экспериментировать с новыми и более прямыми средствами воздействия на зрителя . Такие художники, как Караваджо, обратились к мощному и драматическому реализму, подчеркнутому смелыми контрастами света и тьмы и резко обрезанными композициями, которые усиливают физическую и эмоциональную непосредственность изображаемого повествования. Другие художники, такие как Аннибале Карраччи (который также экспериментировал с реализмом), в конечном итоге остановились на более классическом визуальном языке, вдохновленном яркой палитрой, идеализированными формами и сбалансированными композициями Высокого Возрождения. Третьи, такие как Джованни Баттиста Гаулли, обращались к смелым подвигам иллюзионистов, которые стирали не только границы между живописью, скульптурой и архитектурой, но и между реальным и изображаемым мирами. При этом божественное стало физически присутствовать и осязаемо. Будь то шокирующий реализм, динамичное движение или буйный орнамент, искусство семнадцатого века должно впечатлять. Он направлен на то, чтобы убедить зрителя в истинности своего сообщения, воздействуя на чувства, пробуждая эмоции и активируя, даже разделяя пространство зрителя.

Джованни Баттиста Гаулли, также известный как il Baciccio, «Триумф имени Иисуса», потолочная фреска Il Gesù, 1672-1685

Католические монархи и их территории

Монархи Испании, Португалии и Франции также приняли более богато украшенные элементы искусства семнадцатого века, прославляющие католицизм. В Испании и ее колониях правители вкладывали огромные средства в сложные церковные фасады, потрясающие, покрытые золотом часовни и дарохранители, а также поразительно реалистичные полихромные скульптуры. В испанских Нидерландах, где священное искусство ужасно пострадало в результате протестантского иконоборчества (уничтожения искусства), гражданские и религиозные лидеры уделяли первоочередное внимание украшению церквей по мере того, как регион восстанавливал свою католическую идентичность. Ремонт алтарей церквей Антверпена на протяжении многих лет занимал мастерскую Питера Пауля Рубенса. Европейские монархи также использовали этот художественный словарь, чтобы заявить о своей власти и статусе. Людовик XIV, например, заказал великолепные здания и сады Версаля как визуальное выражение своего божественного права на власть.

Вид на картины Питера Пауля Рубенса в Старой пинакотеке, Мюнхен

Протестантский Север

В протестантских странах, и особенно в новой независимой Голландской республике (современная Голландия), художественный климат радикально изменился в последствия Реформации.

Джудит Лейстер, Автопортрет, ок. 1630 г., холст, масло, 651 х 746 см (Национальная художественная галерея, Вашингтон)

Два самых богатых источника покровительства — монархия и церковь — исчезли. На их месте возник все более процветающий средний класс, стремящийся выразить свой статус и свое новое чувство национальной гордости посредством покупки произведений искусства.

К середине 17 века появился новый рынок, отвечающий художественным вкусам этого класса. Теперь спрос был на картины меньшего размера, подходящие для демонстрации в частных домах. Эти картины включали религиозные сюжеты для личного созерцания, как это видно на пронзительных картинах Рембрандта и гравюрах с библейскими повествованиями, а также портреты, документирующие индивидуальные сходства.

Виллем Клас Хеда, Банкетная пьеса с мясным пирогом, 1635 г., холст, масло, 42 x 43-3/4 дюйма (Национальная художественная галерея, Вашингтон)

Но самым большим изменением на рынке стал резкий рост популярности пейзажей, натюрмортов и сцен из повседневной жизни (известных как жанровая живопись). Действительно, распространение этих сюжетов как самостоятельных художественных жанров было одним из самых значительных вкладов XVII века в историю западного искусства. Во всех этих жанрах художники проявляли большой интерес к воспроизведению наблюдаемой реальности — будь то свет в голландском пейзаже, мгновенное выражение лица или разнообразные текстуры и материалы предметов, которые голландцы собирали, пожиная плоды. расширяющейся торговой империи. Эти произведения демонстрировали такую ​​же художественную виртуозность и физическую непосредственность, как и величественные украшения дворцов и церквей католической Европы.

Франсиско де Сурбаран, Святой Франциск Ассизский Согласно Видению Папы Николая V, ок. 1640 г., холст, масло, 110,5 х 180,5 см (Национальный музей искусства Каталонии, Барселона)

«Барокко» — слово, стиль, эпоха

 

В контексте европейской истории период с ок. . 1585 г. по ок. 1700/1730 часто называют эпохой барокко. Слово «барокко» происходит от португальского и испанского слов, обозначающих большую жемчужину неправильной формы («barroco» и «barrueco» соответственно). Критики восемнадцатого века были первыми, кто применил этот термин к искусству 17 века. Это не было выражением похвалы. В глазах этих критиков, предпочитавших сдержанность и порядок неоклассицизма, произведения Бернини, Борромини и Пьетро да Кортона казались причудливыми, абсурдными, даже болезненными, другими словами, уродливыми, как несовершенная жемчужина.

No related posts.