Эпоха барокко | История. Реферат, доклад, сообщение, краткое содержание, лекция, шпаргалка, конспект, ГДЗ, тест
Разительные перемены, происходившие в мировосприятии людей на рубеже XVI-XVII вв., не могли не повлиять на искусство. На смену уравновешенному и гармоничному искусству Возрождения приходит новый стиль — барокко (итал. — причудливый, странный). Он возник в Италии и стремительно распространился по всей Европе. Барочным произведениям присущи особая пышность и величие, подчеркнутая декоративность и насыщенность лепниной. Их цель произвести на человека крайне эмоциональное впечатление.
Подлинный переворот в живописи совершил итальянец Микеланджело да Караваджо (1573-1610). Он первым изобразил мир неприукрашенным, словно остановив на своих картинах мгновение реальной жизни. Удивительной достоверности персонажей художник достигал при помощи излюбленного живописного эффекта — светового контраста, игры света и тени.
Выдающимся представителем искусства барокко был архитектор и скульптор Джованни Лоренцо Бернини (1598-1680). Наиболее яркое произведение мастера — ансамбль перед собором Святого Петра в Ватикане. Множество разноязыких паломников, собиравшихся перед главным храмом католического мира, должны были чувствовать свое духовное единство. Для воплощения этой идеи Бернини нашел гениальное решение. Перед собором он соорудил величественную площадь с обелиском и фонтанами и придал ей форму овала, обрамленного двумя колоннадами. Общие очертания ансамбля напоминают ключ, что должно было символизировать слова Христа, обращенные к первому епископу Рима апостолу Петру: «И дам тебе ключи Царства Небесного».
| Микеланджело да Караваджо. Ужин в Эммаусе. 1599 г. |
Лоренцо Бернини. Площадь Св. Петра. Рим. 1657-1663 гг. |
Непревзойденным «королем живописцев» по праву считается фламандец Питер Пауль Рубенс (1577-1640). Он придал искусству барокко новое дыхание, дополнив его традициями античности и Возрождения — изображениями обнаженного тела и радости бытия. Его картины буквально излучают жизненную силу. Рубенс был прекрасным колористом и умел удивительно точно передавать все оттенки цвета. Как никому, ему удавалось выписать фактуру тканей, блеск украшений, пушистость меха. Великий фламандец создал также свое направление в портретной живописи — парадный портрет — изображение известной личности в ореоле славы и величия.
Настоящий золотой период переживала в XVII в. испанская живопись. Художник, архитектор и скульптор Эль Греко (1541-1614) родился на Крите, однако свои самые выдающиеся шедевры создал, живя в испанском городе Толедо. Его произведения на религиозные сюжеты выделяются чрезвычайной эмоциональностью и поэтичностью.
| Питер Пауль Рубенс. Автопортрет с женой. 1609 г. |
| Эль Греко. Апостолы Петр и Павел |
Вершина испанской живописи — творчество Диего Веласкеса (1599-1660). В 24 года он стал придворным художником короля Филиппа IV и, оставаясь им до конца жизни, писал преимущественно портреты. Веласкес создал галерею изображений членов королевской семьи и их окружения, отмеченную глубоким проникновением во внутренний мир и психологию персонажей. Полотна Веласкеса поражают точностью передачи каждого характера. Не случайно Папа Иннокентий X, увидев свой портрет, не смог удержаться от слов: «Слишком правдиво!».
В Голландии художники отказались от религиозных сюжетов. В поисках новых тем они обратились к окружающей действительности: писали портреты, сценки из повседневной жизни, пейзажи, натюрморты.
Материал с сайта http://worldofschool.ru
| Диего Веласкес. Портрет инфанты Маргариты. 1660 г. |
| Рембрандт ван Рейн. Возвращение блудного сына. 1668-1669 гг. |
Самый яркий представитель голландской школы —
Произведения европейских мастеров эпохи Возрождения и барокко — сокровищница мирового искусства.
Вопросы по этому материалу:В чем заключается своеобразие стиля барокко? Какие проблемы волновали творцов этой эпохи?
Проявление стиля барокко в литературе. Бесплатный доступ к реферату
Введение
Стиль барокко занимает особое место в европейской культуре конца XVII — XVIII веков. В переводе с итальянского барокко означает «причудливый», «странный», «склонный к излишествам. Барокко возник в Италии в городах: Риме, Мантуе, Венеции, Флоренции, после чего распространился по Европе. Барокко реализовал себя во Франции, Австрии, Испании. Барокко — это стиль роскоши, могущества, великолепия. Барокко – это целая эпоха, великая своими грандиозными разрушениями и столь же грандиозными созиданиями, она осталась в истории переломным моментом развития мирового искусства.
В эпоху барокко отвергаются авторитеты и традиции как предрассудки и суеверия. Для барокко свойственны яркость, броскость, напряжение, контрасты, динамичность образов, стремление к пышности и величию, к совмещению реальности и иллюзии. Барокко как стиль в культуре и искусстве барокко был призван показать могущество аристократии, прославлять абсолютную власть монарха и власть церковную. Эпоха барокко навсегда оставила свой след как эпоха великолепия и помпезности. Стиль барокко с успехом проявил себя в живописи, архитектуре, музыке. Не обошел он вниманием и литературу, воплотившись в творчестве целого ряда поэтов и писателей блестящей эпохи торжества чувственности и величия.
Задачи работы:
1. Рассмотреть характерные черты литературы эпохи барокко,
2. Выявить особенности развития поэзии и прозы в эпоху барокко в разных странах.
Работа состоит из введения, двух глав, заключительной части, в которых анализируется рассматриваемая тема.
1. Характерные черты литературы эпохи барокко
Стиль барокко возник как противопоставление классицизму и рационализму. Главной идеей Барокко можно считать противоречие естественности. Естественность считалась синонимом дикости. Барокко было призвано облагораживать, приукрашивать.
Формирование исторического стиля Барокко, прежде всего, связано с кризисом идеалов Итальянского Возрождения в середине XVI в. и изменениями в мировоззренческой картине мира на рубеже XVI- XVII вв.
Для искусства барокко характерны динамичные формы и кривые линии. Характерны контрасты ритмов и масштабов, света и тени, материалов и фактур. Эпоха барокко — это активное использование аллегорий, мифологических сюжетов, экспрессивных художественных формам. Естественность и простота стали ассоциироваться с грубостью и невежеством.
Литература барокко стремится к величавости и пышности. В барочной литературе осмысляется трагическое противостояние мира и человека. Мир представляется человеку бренным и жестоким, а человек является песчинкой в этом мире
Зарегистрируйся, чтобы продолжить изучение работы
. Он словно растворяется в мире и становится частицей, подчиненной законам мира и общества. Вместе с тем, человек в представлении деятелей барокко подвержен необузданным страстям, которые направляют его ко злу.
Черты данных стилевых разновидностей находят свое место в произведениях писателей. В прозе процветает такой жанр, как пастораль, а в поэзии — сонет, рондо, кончетти, мадригалы. В любом из произведений встречаются сложные метафоры, язык и стиль произведений изыскан и отличается утонченностью, или же, наоборот, необыкновенно ярок, заставляющий испытать всю гамму чувств.
Барокко в литературе проявил себя в творчестве писателей различных стран Европы, в большей степени касаясь Италии, Испании, Франции.
2. Поэзия и проза барокко
2.1 Поэзия барокко
В эпоху барокко небывалый взлет переживала лирическая поэзия. В Испании видным представителем барочной поэзии был Л. де Гонгора (1561–1627), основоположник особого стиля культеранизма. Наиболее яркими произведениями де Гонгора были поэмы «Уединения» и «Сказание о Полифеме и Галатее». Язык поэм весьма причудлив и сложен для восприятия. Он рассчитан на образованный круг людей. В поэмах много латинизированной и греческой лексики, мифологических сюжетов. Поэт использует многочисленные символы и иносказания. Читатель сразу не догадывается, о чем идет речь, и должен подумать над содержанием. Так, автор использует удивительные метафоры: «летающие змеи» — стрелы, «сосна с четырьмя углами» — стол. Все это элементы барокко, изумляющие и затрудняющие восприятие текста.
В Англии признанным мастером барокко был Джон Донн (1571–1631). Для этого поэта характерны философичность восприятия тем и сюжетов. Идеи Донна получили название концептов. Требовались усилия ума, чтобы понять авторский замысел. Дж. Донн не использовал такие громоздкие метафоры, как де Гонгора, но смысл его умозаключений удивителен. Он побуждает в читателях желание философствовать.
Дж. Донн писал элегии, подражая античному поэту Овидию. В его стихотворениях прослеживаются ирония, шутливые интонации. В ряде произведений Донн серьезен. И тогда в его поэзии проскальзывают идеи неоплатонизма, как гармонический синтез духовного и плотского начала. К наиболее известным произведениям Донна принадлежат также философские поэмы и сонеты на религиозную тему.
В Германии первой половины XVII века барочность поэзии проявляется в размышлениях о жизни и смерти, бренности земного бытия, рассуждении о вечности и времени. Это связано с кровопролитной Тридцатилетней войной, главные события которой происходили на территории Германии. Рассматриваемую тему успешно раскрыл в своей поэзии Андреас Грифиус (1616–1664), признанный мастер немецкой поэзии эпохи барокко. В Германии традиции барокко успешно поддерживались членами литературного сообщества Блюменорден
Бароко реферат 9 клас — maramoy.ru
Скачать бароко реферат 9 клас rtf
Таллиннская Тыннисмяэская реальная школа. Реферат: Искусство эпохи барокко. Вадим Лягачёв. 10в. Эпоха барокко — одна из наиболее интересных эпох в истории мировой культуры. Интересна она своим драматизмом, интенсивностью, динамикой, контрастностью и, в то же время, гармонией, цельностью, единством.
Для нашего времени — смутного, неопределенного, гипердинамичного, ищущего стабильности и упорядоченности, — эпоха барокко необычайно близка по духу. Именно поэтому мне было интересно обратиться к этой теме, чтобы найти в прошлом какие-то ориентиры, способные помочь поиску себя в сложных жизненных коллизиях.
Конечно же, рассказать обо всей культуре барокко все равно, что “объять необъятное”. реферат Эпоха барокко. Информация: Тип работы: реферат. Добавлен: Год: Страниц: Уникальность по maramoy.ru: Реферат. по культурологии. Тема: Эпоха барокко. Выполнил студент класса. Мустафаев О.М. Проверил старший преподаватель. Кафедры ГиСЭД. Галяс И.
А. Севастополь. г. курсовые,контрольные,дипломы,рефераты. Эпоха барокко — Искусство. Посмотреть видео по теме Реферата. Содержание. TOC o «» I. Введение_GOTOBUTTON _Toc PAGEREF _Toc 3. Эпоха барокко — одна из наиболее интересных эпох в истории мировой культуры. Интересна она своим драматизмом, интенсивностью, динамикой, контрастностью и, в то же время, гармонией, цельностью, единством.
Для нашего времени — смутного, неопределенного, гипердинамичного, ищущего стабильности и упорядоченности, — эпоха барокко необычайно близка по духу.
рефераты, скачать реферат, современные рефераты, реферат на тему, рефераты бесплатно, банк рефератов, реферат культура, виды рефератов, бесплатные рефераты, экономический реферат. «Самый большой банк рефератов». Портал Рефератов. Эпоха барокко — одна из наиболее интересных эпох в истории мировой культуры.
Интересна она своим драматизмом, интенсивностью, динамикой, контрастностью и, в то же время, гармонией, цельностью, единством. Для нашего времени — смутного, неопределенного, гипердинамичного, ищущего стабильности и упорядоченности, — эпоха барокко необычайно близка по духу. Барокко в современных домах. История появления стиля. Художественный стиль барокко зародился в конце 16 века в Италии.
Историю названия связывают с португальскими моряками, которые словом barocco обозначали бракованные жемчужины неправильной формы. Итальянцы охотно переняли термин, объединив им вычурные и странные проявления нового культурного течения.
Возникновение барокко связывают с угасанием эпохи Ренессанса: отказавшись от представлений о классической гармонии и строгом миропорядке, творцы сосредоточились на борьбе разума и чувств. Отныне в центре их внимания – силы стихий, экспрессия, ми.
Стиль барокко в настоящее время очень популярен, особенно в интерьере праздничных помещений и квартир в стиле XVII- XVIII вв. Банк рефератов содержит более тысяч рефератов, курсовых и дипломных работ, шпаргалок и докладов по различным дисциплинам: истории, психологии, экономике, менеджменту, философии, праву, экологии.
А также изложения, сочинения по литературе, отчеты по практике, топики по английскому. Полнотекстовый поиск. Стадии развития русского барокко: ·Московское барокко (с х по е годы, ранее неточно называлось «нарышкинское барокко») — переходный период от узорочья к полноценному барокко с удержанием многих конструктивных элементов древнерусской архитектуры, переработанных под влиянием украинского барокко.
·Петровское барокко (с х по е годы) — совокупность индивидуальных манер западноевропейских архитекторов, приглашённых Петром I для застройки новой столицы, Санкт-Петербурга.
·Елизаветинское барокко (c х по е годы) — гибрид петровского и московского барокко с североитальянски. Искусство Барокко — реферат по прочим предметам. Тип: Реферат. За барокко признали право на существование как особого художественного явления. Пробуждается интерес к местным, национальным вариантам барокко. Караваджо и Карраччи своим искусством вернули ей цельность и выразительность. Во всех видах искусств барокко слилось с более легковесным стилем рококо. Стиль барокко нашел свое выражение и в литературе.
Барокко: идейно-художественные стили в искусстве и литературе. В 20е годы 20 века происходит кризис капиталистического мировоззрения. Читать онлайн Скачать реферат. Похожие работы: Искусство кинорежиссера Педро Альмодовара и культурный мир испанского ба.
PDF, djvu, txt, djvuПохожее:
Музыкальная культура барокко: эстетика, художественные образы, жанры, музыкальный стиль, композиторы
Знаете ли вы, что эпоху, подарившую нам Баха и Генделя, называли «причудливой»? Причём называли далеко не в положительном контексте. «Жемчужина неправильной (причудливой) формы» – таково одно из значений термина «барокко». Ещё бы новая культура была неправильной с точки зрения идеалов Возрождения: на смену гармонии, простоте и ясности пришли дисгармония, сложные образы и формы.
Эстетика барокко
Музыкальная культура барокко сводила прекрасное и безобразное, трагедию и комедию. «В тренде» были «неправильные красоты», сменившие естественность Ренессанса.
Мир уже не представлялся целостным, но воспринимался как мир контрастов и противоречий, как мир, полный трагедии и драматизма. Впрочем, этому есть историческое объяснение.
Эпоха барокко охватывает около 150 лет: с 1600-го по 1750-е годы. Это время великих географических открытий (вспомним открытие Америки Колумбом и кругосветное плавание Магеллана), время гениальных научных открытий Галилея, Коперника и Ньютона, время ужасных войн в Европе. Гармония мира рушилась на глазах, равно как и менялась сама картина Вселенной, менялись понятия времени и пространства.
Жанры барокко
Новая мода на вычурность рождала новые формы и жанры. Передать сложный мир человеческих переживаний смогла опера, главным образом через яркие эмоциональные арии. Отцом первой оперы считают Якопо Пери (опера «Эвридика»), но именно как жанр опера оформилась в творениях Клаудио Монтеверди («Орфей»). Среди самых громких имён оперного жанра барокко также известны: А. Скарлатти (опера «Нерон, ставший Цезарем»), Г.Ф. Телеман («Марио»), Г. Пёрселл («Дидона и Эней»), Ж.-Б.Люлли («Армида»), Г. Ф. Гендель («Юлий Цезарь»), Дж. Б. Перголези («Служанка-госпожа»), А. Вивальди («Фарнак»).
Почти как опера, только без декораций и костюмов, с религиозным сюжетом, оратория заняла важное место в иерархии жанров барокко. Такой высокий духовный жанр как оратория также передавал глубину человеческих эмоций. Самые известные барочные оратории написаны Г.Ф. Генделем («Мессия»).
Из жанров духовной музыки популярными были также духовные кантаты и пассионы (пассионы – это «страсти»; возможно не к слову, но на всякий случай всё помянем один однокоренной музыкальный термин – аппассионато, что в переводе на русский значит «страстно»). Здесь пальма первенства принадлежит И. С. Баху («Страсти по Матфею»).
Еще один крупный жанр эпохи – концерт. Острая игра контрастов, соперничество солиста и оркестра (сольный концерт), либо разных групп оркестра между собой (жанр concerto grosso)– хорошо перекликались с эстетикой барокко.
Здесь правили маэстро А. Вивальди («Времена года»), И.С. Бах «Браденбургские концерты»), Г. Ф. Гендель и А. Корелли (Concerto grosso).
Контрастный принцип чередования разнохарактерных частей получил развитие не только в жанре концерта. Он лёг в основу сонаты (Д. Скарлатти), сюиты и партиты (И. С. Бах). Нужно заметить, что этот принцип существовал и раннее, но только в эпоху барокко он перестал быть случайным и обрёл упорядоченность формы.
Один из главных контрастов музыкальной культуры барокко – это хаос и порядок как символы времени. Случайность жизни и смерти, неуправляемость рока и вместе с тем – торжество «рацио», порядок во всём. Этуантиномию ярче всего передал музыкальный жанр прелюдии (токкаты, фантазии) и фуги. И.С. Бах создал непревзойденные шедевры в этом жанре (прелюдии и фуги «Хорошо темперированного клавира», Токката и фуга ре-минор).
Как следует из нашего обзора, контрастность барокко проявилась даже в масштабности жанров. Наряду с объёмными композициями создавались и лаконичные опусы.
Музыкальный язык барокко
Эпоха барокко внесла свою лепту в развитие нового стиля письма. На музыкальную арену выходит гомофония с её разделением на главный голос и сопровождающие.
В частности, популярность гомофонии связана и с тем, что церковь предъявляла особые требования к написанию духовных композиций: все слова должны быть разборчивы. Так вокал выходил на первый план, обрастая к тому же многочисленными музыкальными украшениями. Барочная склонность к вычурности проявилась и здесь.
Богатой на украшения была и инструментальная музыка. В связи с этим распространена была импровизация: открытый эрой барокко остинатный (то есть повторяющийся, неизменный) бас давал простор для фантазии на заданный гармонический ряд. В вокальной же музыке длинные каденции и цепочки форшлагов и трелей часто украшали оперные арии.
В то же время процветала и полифония, но уже совсем в другом русле. Полифония барокко – это полифония свободного стиля, развитие контрапункта.
Важным шагом в развитии музыкального языка стало принятие темперированного строя и становление тональности. Чётко определились два главных лада – мажор и минор.
Теория аффектов
Поскольку музыка эпохи барокко служила выражению страстей человеческих, цели композиции пересматривались. Теперь каждое сочинение связывалось с аффектом, то есть с определённым состоянием души. Теория аффектов не нова, она восходит истоками к античности. Но в эру барокко она получила широкое распространение.
Гнев, печаль, ликование, любовь, смирение – эти аффекты связывались с музыкальным языком композиций. Так, совершенный аффект радости и веселья выражался использованием в письме терций, кварт и квинт, беглого темпа и трёхдольного размера. Напротив, аффект печали достигался включением диссонансов, хроматики и медленного темпа.
Существовала даже аффектная характеристика тональностей, в которой суровый ми-бемоль мажор на пару со сварливым ми-мажором противостоял жалобному ля-минору и нежному соль-мажору.
Вместо заключения…
Музыкальная культура барокко оказала огромное влияние на развитие последующей эпохи классицизма. И не только этой эпохи. Даже сейчас слышны отголоски барокко в жанрах оперы и концерта, популярных по сей день. Цитаты баховской музыки появляются в соло тяжёлого рока, эстрадные песни в большинстве своём строятся на барочной «золотой секвенции», а джаз в какой-то мере перенял искусство импровизации.
И уже никто не считает барокко «странным» стилем, но восхищается его поистине драгоценными жемчужинами. Пусть и причудливой формы.
Автор – Александра Рамм
Архитектура барокко — реферат, курсовая работа, диплом, 2017
Реферат на тему:
Архитектура барокко.
Выполнила: Псарева Ю,9«Б»
Проверила: Дмитриева Е.
А.
План
1. Возникновение барокко
2. Историческая характеристика барокко
3. Строительные особенности барокко
4. Характерные черты
5. Типы сооружений
6. Конец барокко
Источники
1. Возникновение барокко
Стиль барокко (итал. barocco, букв. — причудливый, странный) рождается в Италии и распространяется в большинстве европейских стран, приобретая в каждой свои особые национальные черты. Произведения барокко отличаются несоблюдением правил ренессансной гармонии ради более эмоционального взаимодействия со зрителем.
Итальянское слово «барокко» означает буквально «странный», «причудливый». Стиль барокко тяготел к парадной торжественности и пышности. Вместе с тем он выразил прогрессивные представления о единстве, безграничности и многообразии мира, о его сложности, изменчивости, постоянном движении; в барокко отразился интерес к природным стихиям, среде, окружению человека, который стал восприниматься как часть мира. Человек в искусстве барокко предстает как сложная, многоплановая личность со своим миром переживаний, вовлеченная в драматические конфликты. Искусству барокко свойственны патетическая приподнятость образов, их напряженность, динамичность, страстность, смелые контрасты масштабов, цветов, света и тени, совмещение реальности и фантазии, стремление к слиянию различных искусств в едином ансамбле, поражающем воображение. Городской ансамбль, улица, площадь, парк, усадьба стали пониматься как единое целое, раскрывающееся перед зрителем при его движении. Архитектура барокко отличается мощным пространственным размахом, сложностью беспокойных, сливающихся друг с другом, как бы текучих форм, криволинейностью планов и очертаний, связью с окружающим пространством. В изобразительном искусстве преобладали декоративные композиции религиозного, мифологического или аллегорического характера, парадные портреты; большое значение приобрели композиционные и оптические эффекты, ритмическое и цветовое единство, живописность целого, свободная, темпераментная творческая манера.
Свои «видимые» формы он стал обретать с конца XVI столетия. Из Италии барокко распространяется по всей Европе, где преобладал с конца XVI до середины XVIII в., в некоторых странах проявляется до второй половины XVIII в., и при всём этом в обоих направлениях. В Германии и Австрии строительство монументальных сооружений в XVII веке почти не велось в связи с Тридцатилетней войной и ее последствиями, а также и в Англии, где некоторые признаки этого стиля отмечают В каждой из стран наблюдались свои особые политические, социальные условия, существовали особые национальные традиции, это сказалось и на архитектуре. В каждой из стран барокко приобретало свои особые национальные черты. В итальянской архитектуре барочная стилистическая характеристика распространялась и на внешний, и на внутренний облик зданий. Во французской — наблюдалось значительное расхождение между фасадным и внутренним убранством сооружений, в первом преобладали классицистические начала, во втором — барочные. В английской архитектуре стиль выступает как своеобразный оттенок, акцент классицизма; здесь можно говорить скорее об «обороченном» классицизме, чем о барокко как таковом. Но все же архитектура во всех странах имела и общие черты.
2. Историческая характеристика
В XVII в. активно развивались экономика и искусства. Особенно окрепли колониальные державы Атлантики — от Испании до Великобритании;
Франция считалась образцовой страной абсолютистских форм правления и практичной экономической политики.
В территориально раздробленной Италии благодаря движению Контрреформации Рим приобрел новое значение, а строительство культовых зданий получило сильный импульс. В этих условиях немецкие князья, начавшие новый этап строительства в конце XVII в., ориентировались, естественно, на иностранные образцы. Большое влияние на них оказывал французский абсолютизм Людовика XIV. Каждый феодал — как ни мала была принадлежавшая ему территория — копировал свою резиденцию с Версаля.
И каждый католический епископ или аббат надеялся, возводя в подражание Риму, куполообразную церковь упрочить влияние контрреформаторских тенденций.
Основой экономики этого периода было сельское хозяйство, но было ясно, что его недостаточно для осуществления строительных программ. В связи с этим крупные феодалы начали помогать созданию мануфактур, чем самым способствовали развитию капиталистических производственных отношений.
Несмотря на то, что европейская архитектура XVII — XVIII вв. не представляется единообразной, будучи динамичной в Италии, серьезной во Франции, она объединена общим понятием «барокко».
Княжеские замки и культовые здания были первоочередными объектами строительства, олицетворявшими сопротивление Реформации, города — резиденции и монастыри — необходимыми дополнениями. Значительных общественных зданий зарождающийся класс буржуазии еще не строил. Среди протестантских культовых зданий Фрауэнкирхе в Дрездене осталась практически единственным выдающимся произведением.
Влияние Просвещения начало ощущаться в 1730 — х. годах и сказалось в усилении интимности сооружений. Любимым местом пребывания князей стали маленькие элегантные замки в окружении парков. Асимметричный рокайльный орнамент этого периода дал название стилю — «рококо».
Итальянское слово «барокко» означает буквально «странный», «причудливый». Стиль барокко тяготел к парадной торжественности и пышности. Вместе с тем он выразил прогрессивные представления о единстве, безграничности и многообразии мира, о его сложности, изменчивости, постоянном движении; в барокко отразился интерес к природным стихиям, среде, окружению человека, который стал восприниматься как часть мира. Человек в искусстве барокко предстает как сложная, многоплановая личность со своим миром переживаний, вовлеченная в драматические конфликты. Искусству барокко свойственны патетическая приподнятость образов, их напряженность, динамичность, страстность, смелые контрасты масштабов, цветов, света и тени, совмещение реальности и фантазии, стремление к слиянию различных искусств в едином ансамбле, поражающем воображение.
Городской ансамбль, улица, площадь, парк, усадьба стали пониматься как единое целое, раскрывающееся перед зрителем при его движении. Архитектура барокко отличается мощным пространственным размахом, сложностью беспокойных, сливающихся друг с другом, как бы текучих форм, криволинейностью планов и очертаний, связью с окружающим пространством. В изобразительном искусстве преобладали декоративные композиции религиозного, мифологического или аллегорического характера, парадные портреты; большое значение приобрели композиционные и оптические эффекты, ритмическое и цветовое единство, живописность целого, свободная, темпераментная творческая манера.
3. Строительные особенности
В эпоху Возрождения строительству городов уделяется особое внимание. Буржуазию не удовлетворяют кривые тесные средневековые переулки. Возникает идея города центричного типа, отражающего синтез рациональных форм римских военных лагерей с естественно развивавшимися концентрическими структурами городов средневековья.
Интерес к городскому пейзажу, повседневному быту горожан стимулировал развитие перспективной живописи, жанровых композиций, искусства Возрождения в целом.
«Идеальный город» эпохи возрождения
Другой стороной практического градостроительства, реализующего новые принципы в уже сложившихся городах, было создание в аморфной городской среде композиций, ставших впоследствии очагами городских ансамблей. Барокко привлекает пейзаж в качестве одного из основных компонентов городского ансамбля. Продолжается архитектурное формирование городских центров. При этом площадь утрачивает функциональное и демократическое содержание, присущее ей в эпоху раннего средневековья (место торговли, народных сборищ). Она становится украшением города, его парадной частью, скрывающей стихию внутриквартальной застройки.
Улицам в эпоху Возрождения не уделялось много внимания. В период барокко главные улицы прокладываются в виде широких проспектов (Виа Корсо в Риме, выходящая на площадь дель Пополо).
Ансамбль площади дель Пополо представляет пример трехлучевой композиции, иллюстрирующей принципы барокко в градостроительстве. Две церкви, построенные во время, реконструкции площади, рассекают городское движение на три русла и ориентированы апсидами не на восток, а в соответствии с градостроительным замыслом, входом на север.
В архитектуре Возрождения большое значение приобретает разработка проекта с позиций теоретической механики, его инженерное обоснование. Происходит дифференциация работы проектировщика и строителя. Архитектор теперь осуществлял руководство стройкой, но не являлся одним из мастеров, непосредственно участвующих в работе. Вместе с тем он не только детально прирабатывал весь проект, часто на модели, но и продумывал ход строительных работ, использование строительных механизмов для подъема и монтажа.
Стиль барокко: а — церковь святой Сусанны в Риме, б — фрагмент интерьера палаццо ди Сан-Мацано в Турине, в — одежда, г — шкаф, д. — зеркало, е — стол
Возвращение к античным сомасштабным человеку и конструктивно правдивым — ордерным системам в выборе художественных средств выразительности объясняется общей гуманистической направленностью культуры Возрождения. Но уже в ранних работах ордер используется для расчленения и усиления выразительности стены на фасаде и в интерьере, а в дальнейшем на стеновую плоскость накладываются две — три ордерные «декорации» разных масштабов, создающие иллюзию глубины пространства. Зодчими Возрождения была преодолена строгая античная взаимосвязь конструкции и формы и выработаны, в сущности, чисто эстетические нормы «изобразительной» тектоники, соответствие которой конструктивной и пространственной логике сооружения соблюдалось в зависимости от постановки общей художественной задачи.
В эпоху барокко иллюзорно глубинная трактовка стены продолжается реальными объемными композициями в виде скульптурных групп, фонтанов (палаццо Поли с фонтаном Треви). Не случаен, поэтому интерес зодчих Возрождения к работе над городскими ансамблями и решительный поворот к пониманию архитектуры как организованной среды.
Но в феодальную эпоху масштаб реализации градостроительных начинаний редко выходил за пределы ансамблей дворцовых или соборных площадей.
О. Шуази, характеризуя эпоху Возрождения, писал, что превосходство Ренессанса заключается в том, что он не знал видов искусства, независимых одно от другого, но знал только единое искусство, в котором сливаются все способы выражения прекрасного.
4. Характерные черты
Барокко воплощает новые представления о вечной изменчивости мира. Отличается грандиозностью, пышностью и динамикой, пристрастием к эффектным зрелищам, сильным контрастам масштабов и ритмов, материалов и фактур, света и тени, совмещением иллюзорного и реального.
Благодаря причудливой пластике фасадов, сложным криволинейным планам и очертаниям дворцы и церкви барокко приобретают живописность и динамичность. Они как бы вливаются в окружающее пространство.
Интерьеры барокко украшаются многоцветной скульптурой, лепкой, резьбой; зеркала и росписи иллюзорно расширяют пространство, а живопись плафонов создает иллюзию разверзшихся сводов.
В живописи и скульптуре преобладают декоративные многоплановые композиции религиозного, мифологического или аллегорического характера, парадные портреты. При изображении человека предпочитаются состояния напряжения, экзальтации, повышенного драматизма. В живописи большое значение приобретает эмоциональное, ритмичное и колористическое единство целого, часто непринужденная свобода мазка; в скульптуре — живописная текучесть формы, богатство аспектов и впечатлений.
5. Типы сооружений
Для барокко характерны усложненность планов, пышность интерьеров с неожиданными пространственными и световыми эффектами, обилие кривых, пластично изгибающихся линий и поверхностей; ясности классических форм противопоставляется изощренность в формообразовании. В архитектуре широко используются живопись, скульптура, окрашенные поверхности стен.
Архитектурные формы барокко наследовали итальянскому Ренессансу, однако превзошли его по сложности, многообразию и живописности. Сильно раскрепованные фасады с профилированными карнизами, с колоссальными на несколько этажей колоннами, полуколоннами и пилястрами, роскошными скульптурными деталями, часто колеблющимися от выпуклого к вогнутому, придают самому сооружению движение и ритм. Ни одна деталь не является самостоятельной, как это было в период Ренессанса. Все подчинено общему архитектурному замыслу, к которому относятся оформление и украшение интерьеров, а также садово-парковой и городской архитектурной среды.
6. Конец барокко
В первой половине 18 века — отчасти как поздняя фаза барокко, отчасти (во Франции) как самостоятельный феномен — складывается стиль рококо. Классицизм в его просветительской стадии все чаще подвергает барокко критике за «вычурность» и «безвкусие» (сам термин изначально нес негативный оттенок). Сходя на нет, барокко эпизодически возрождается в историко-романтических стилизациях (таких, как необарокко в зодчестве 19 века).
Источники
1. сборник «Барокко в России», М, 1926
2. сборник «Барокко в славянских странах», М, «Наука», 1982
3. Виппер Б. Р.»Архитектура русского барокко»,М, «Наука», 1978
4. «История русского искусства», т 5, М, изд. АН СССР, 1960
5. журнал «Декоративное искусство СССР», № 3, 1986 (статья В.Локтева «О втором призвании зодчества»)
6. журнал «Архитектура СССР», № 9, 1982 (статья В.Локтева «Этот непонятный отец барокко»)
«Ut pictura poesis»: поэтическая и живописная эмблема барокко | Сахно
1. Гораций. О поэтическом искусстве [Электронный ресурс] / пер. А.А. Фета. — URL: http://www.lib.ru/POEEAST/GORACIJ/hor3_1.txt (дата обращения: 06.
09.2015).
2. Зеленин Д.А. «QUID SIT EMBLEMA?» : «философия изображений» XVII в. (от теоретической рефлексии Э. Тезауро до иезуитской практики) // Новый филологический вестник. — 2014. — № 4(31). — С. 10-21.
3. Лессинг Г.Э. Лаокоон, или о границах живописи и поэзии / Г.Э. Лессинг ; пер. Е. Эдельсона ; под ред. Н.Н. Кузнецовой // Лессинг Г.Э. Избранные произведения. — М. : Худож. лит., 1953. — 639 с.
4. Маркина Н. Сквозь призму иносказаний [Электронный ресурс] // Искусство. — 2006. — № 16. — URL: http://art.1september.ru/article.php?ID=200601604 (дата обращения: 06.09.2015).
5. Махов А.Е. «Печать недвижных дум» : Изначальная двойственность: эмблема в жизни и в книге [Электронный ресурс] // Intrada. Читальный зал. — URL: http://www.intrada-books.ru/mahov/emblem.html (дата обращения: 06.09.2015).
6. Махов А.Е. «Язык вещей»: от средневековой герменевтики к ренессансной эмблематике [Электронный ресурс] // Культурологический журнал. — 2013. — № 4. — URL: http://www.cr-journal.ru/files/file/04_2014_18_24_29_1397485469.pdf (дата обращения: 06.09.2015).
7. Михайлов А.В. Поэтика барокко: завершение риторической эпохи // Историческая поэтика. Литературные эпохи и типы художественного сознания : сб. статей / под ред. П.А. Гринцер. — М. : Наследие, 1994. — С. 326-392.
8. Морозов А.А. Эмблематика барокко в литературе и искусстве петровского времени // Проблемы литературного развития в России первой трети XVIII в. — Л. : Наука, 1974.
— С. 184-226.
9. Натаф А. Мэтры оккультизма / А. Натаф. — СПб. : Академический проект, 2002. — 352 с.
10. Панофский Э. Этюды по иконологии : Гуманистические темы в искусстве Возрождения / Э. Панофский. — СПб. : Азбука-Классика, 2009. — 432 с.
11. Соколов М.Н. Вечный Ренессанс : Лекции о морфологии культуры Возрождения / М.Н. Соколов. — М. : Прогресс-Традиция, 1999. — 424 с.
12. Тезауро Э. Подзорная труба Аристотеля / Э. Тезауро ; пер. Е. Костюкович. — СПб. : Алетейя, 2002. — 384 с.
13. Трубецкой Е.Н. Умозрение в красках / Е.Н. Трубецкой. — М. : Тип. товарищества И.Д. Сытина, 1916. — 44 с.
14. Сазонова Л.И. Литературная культура России : Раннее новое время. — М. : Языки славянских культур, 2006. — 904 с.
15. Alciato A. Emblemata / A. Alciato. — Augsburg, 1531. — 736 p.
16. Andrea Alciato and the emblem tradition : Essays in honour of Virginia Woods Collanon / ed. by P. Daly. — New York : AMS Press, 1989. — 292 р.
17. Aneau’s B. Picta poesis / B. Aneau’s. — Lugduni : Apud Mathiam Bonhomme, 1552. — 118 p.
18. Aspects of Renaissance and Baroque Symbol Theory, 1500-1700 / ed. by P.M. Daly, J. Manning. — New York, 1999. — 283 p.
19.
Clements R.J. Picta Poesis : Literary and Humanistic Theory in Renaissance Emblem Books / R.J. Clements. — Roma : Edizioni di Storia e letteratura, 1960. — 246 p.
20. Daly P.M. Andrea Alciato in England : Aspects of the Reception of Alciato’s Emblems in England / P.M. Daly. — New York : AMS Press, 2013. — 263 p.
21. Daly P.M. Emblem Theory and Literature in the Light of the Emblem : Structural Parallels Between the Emblem and Literature in the Sixteenth and Seventeenth Centuries / P.M. Daly. — Toronto ; Buffalo : University of Toronto Press, 1979. — 245 p.
22. Deviceful Settings. The English Renaissance Emblem and Its Contexts : Selected Papers from the Third International Emblem Conference / ed. by M. Bath, D. Russell. — Pittsburgh, 1993. — 256 p.
23. Heckscher W.S. Emblematic Variants. Literary Echoes of Alciati’s Term Emblema : A Vocabulary Drawn from the Title Pages of Emblem Books / W.S. Heckscher, A.B. Sherman. — New York, 1995. — 437 p.
24. Ledda G. Contributo allo studio della letteratura emblematica in Spagna, 1549-1613 / G. Ledda. — Pisa : Universitá de Pisa, 1970. — 220 p.
25. Lloyd-Bostock P. A Study of Emblematic Theory and Practice in Spain between 1580 and 1680 : Dissertation / P. Lloyd-Bostock. — Oxford : University of Oxford, 1979. —
26. p.
27. Omnia Andreae Alciati V.C. emblemata cum commentariis, quibus emblematum omnium aperta origine, mens auctoris explicatur, & obscura omnia dubiaque illustrantur : per Claudium Minoem Diuionensem / Alciati A.
— Antverpiae : Ex officina Christophori Plantini, 1577. — 732 p.
28. Rensselaer W.L. Ut Pictura Poesis : The Humanistic Theory of Painting / W.L. Rensselaer. — New York : Norton, 1967. — 244 p.
29. Sánchez Pérez A. La literatura emblemática Española : siglos XVI-XVII / A. Sánchez Pérez. — Madrid : Sociedad General Española de Librería, 1977. — 201 p.
30. The Art of the Emblem : Essays in Honor of Karl Josef Höltgen / ed. by M. Bath, J. Manning, A.R. Young. — New York, 1993. — 272 p.
Театральность искусства эпохи барокко | Статья в журнале «Молодой ученый»
Барокко — европейское искусство XVII-XVIII веков. Его центром была Италия, откуда оно распространилось в другие европейские страны. Барокко возникло в неспокойную эпоху, когда в результате религиозных войн, многочисленных социальных и экономических потрясений люди усомнились в ренессансном представлении о разумно устроенном мире и о человеке как существе, живущем в гармонии с Богом и природой. Термин «барокко» поначалу нес в себе негативную коннотацию как нечто причудливое, чрезмерное, противоречащее классической эстетике. Вероятно, его этимология восходит к португальскому «perolabaroco» — жемчужина неправильной формы, со смещенным центром тяжести.
Пристрастие ко всему театральному пронизывает всю жизнь и искусство этой сложной, противоречивой эпохи. Испанский поэт Кальдерон де ля Барка в своей аллегорической пьесе «ElGranTheatrodelMundo» («Великий мировой театр»), изданной впервые в 1645 году, представил мир как сцену: перед Богом-отцом и его небесным двором люди действуют как актеры; пьеса, которую они играют — их собственная жизнь; их сцена — это весь мир. Согласно сюжету пьесы Кальдерона, любой человек, будь он королем или нищим, появляясь на «сцене» этого «театра» получает «реквизиты», соответствующие его «роли», то есть общественному положению. «Актер» выходит на сцену жизни «через одну дверь — «колыбель» и покидает ее через другую — «могилу». В этот момент «актеры» возвращают свои знаки различия («реквизиты») и узнают, насколько удачно они сыграли свою роль — когда падает занавес, остаются лишь четыре последних вещи: смерть, страшный суд, рай и ад» [5, c. 11]. Их символическому изображению была посвящена вся эпоха барокко и сюжеты ее произведений.
Для этого времени были характерны парадная роскошь и помпезная формальность, пафосные жесты и высокопарное красноречие. Все виды искусств эпохи барокко подчиняются принципу театральности. Интерьеры, переполненные зеркалами и позолотой, напоминают пышные кулисы. В искусстве барокко все, как в театре, подчинено главной цели, которая «пульсирует в каждой жиле и воплощает в себе страстную волю к волшебной иллюзии, которая сильнее, чем действительность, к гипнотическому очарованию, к магии этого цветного и яркого мира» [6, c. 466].
Как в театральной постановке, в барокко происходит синтез отдельных искусств: декорации рисуют похожими на архитектурные сооружения, среди них помещают скульптуры. Во главу угла теперь ставятся не практические соображения, а создание сильного эмоционального эффекта, зрелищность и выразительность. Гениальным режиссером этого театра становится кавалер Бернини — архитектор, скульптор, поэт, механик и режиссер придворных празднеств в одном лице, диктовавший стиль этой эпохи благодаря своей неисчерпаемой изобретательности.
В отличие от более сдержанной эстетики Ренессанса, барокко ставит на первый план человеческие эмоции. Эта эпоха не столько восхищается совершенством природы, отображаемом в произведении искусства, сколько обращается к человеческой душе, которую оно всеми средствами стремится потрясти. «Барокко не боится изобразить такие жизненные явления, которые отвергла бы гораздо более сдержанная эстетика Ренессанса: нищету, болезнь, старость и смерть. Оно любит экстравагантное и уродливое, как более правдивое, сильное и эмоциональное» [3, c. 122]. Это искусство обращается в первую очередь к чувствам зрителя: его динамика, театральный пафос, пышность, избыточность форм стремятся произвести впечатление, убедить, вызвать душевное волнение.
Поэтому оно зачастую воспринимается нашими современниками как чересчур экзальтированное, витиеватое и напыщенное. Так, итальянский философ Бенедетто Крочи жаловался в 20-е гг. XX века на недостаток «субстанции» барокко. Согласно его мнению, барокко — это «игра, гонка за средствами, могущими произвести сильное впечатление на зрителя. В результате барокко, несмотря на свои поверхностную живость и теплоту, кажется холодным, и, несмотря на богатство красок, форм и их комбинаций, производит впечатление пустоты» [5, c. 7].
Многие подобные предрассудки касательно барокко существуют и сегодня. Стиль барокко связывается в нашем сознании с чем-то избыточным, слишком преувеличенном и искусственным. Во всех произведениях барокко, даже при изображении сюжетов из священной истории, присутствует нарочито эстетический компонент, вызывающий у наших современников сомнения в искренности религиозного чувства. Эту «потребность в утрировании, по всей видимости, можно понять только из глубоко игрового содержания творческого порыва. Чтобы от всего сердца наслаждаться и восхищаться Рубенсом Вонделом, Бернини, нужно начать с того, что не следует воспринимать их формы выражения совершенно “всерьез”» [2, c. 290-291].
Тем не менее, кажущиеся безудержность и отсутствие чувства меры барочного искусства не должны скрывать из виду то обстоятельство, что оно было подчинено строгим схемам. В барокко строится новое отношение между произведением искусства и зрителем. Если ранее искусство было призвано вызывать восхищение красотой изображаемого, а положение зрителя по отношению к произведению искусства было подобно его отношению к действительности, то теперь, как отмечает У. Гезе, на первый план выходит новое понимание отношений между ними. В XVII веке «в представлении художника присутствует дуализм зрителя и произведения искусства, которое более не есть объективный факт, а средство, побуждающее к действию» [7, c. 276]. Оно должно использовать средства риторики, убеждая зрителя, вызывая в нем определенные чувства.
Подобно тому, как церемониал влиял на отношения между людьми, так и риторика определяла строение речи или литературного произведения. Риторика или «искусство правильной речи» представляет собой своего рода вехи для коммуникации между говорящим и слушающим и влияет на восприятие сказанного. Считалось, что при обращении к публике всегда следует строго соблюдать форму и стиль, однако желательно применять средства, усиливающие эмоциональное воздействие. Патетическая манера изображения должна вызывать чувство сопереживания. Как удачная речь, так и пьеса, картина или скульптура должны «радовать и волновать» своих зрителей и слушателей.
Также и архитектура подчинялась правилам риторики. Так, было точно установлено, какие архитектурные «средства пафоса» могли быть использованы при строительстве здания церкви, фасада замка или композиции площади. В архитектурной планировке дворца сценографическая диспозиция играла важную роль. Восприятие строения начинается на парадной лестнице и далее при дальнейшем движении зрителя вглубь здания действует архитектурная режиссура: «подобно тому, как в хорошей речи слушатель движется от одного смыслового эффекта к другому, так и здесь выстроены зрительные эффекты, постепенно раскрывающиеся для посетителя. Так же как диспозиция внутри помещения служит иерархическому структурированию придворной жизни, так и фасад здания обращен к зрителям с целью произвести на них впечатление или вызвать благоговение перед хозяином дворца» [5, c. 11].
Парадные лестницы дворцов и замков представляли собой своего рода сценические площадки для общественных выходов — там происходила встреча гостей, а парадная лестница и вестибюль играли роль кулис. К тому же они несли в себе драматургический и нарративный потенциал: пока посетитель неспешно поднимался по лестнице, перед ним разворачивались сюжеты потолочной росписи.
Помимо сценической игры церемониальных приветствий барокко знало еще ряд подобных «театральных постановок» высокого символического значения. Каждый акт общественной жизни становился пышной церемонией, а персона властителя — воплощением дарованного Богом величия. Наиболее полно этот принцип был воплощен Людовиком XIV, который правил при своем дворе подобно Юпитеру, Аполлону или освещающему всё и всех солнцу. «Античные и раннехристианские источника предоставляли материал, на котором основывался данный топос: так, Вергилий в своей «Буколике» описывает приход нового золотого века под правлением короля-солнце. Во времена Константина, первого христианского императора, это пророчество связывали с приходом Сына Божьего. В Новое время солнечный миф стал государственной утопией, а именно, у Томазо Кампанеллы в его «Городе солнца» (1602). Дальнейшая его коннотация связывается с богом солнца Аполлоном Мусагетом, предводителем муз» [4, c. 138]. Поддержка искусства и науки, всеобщая гармония и мир становятся лейтмотивом изображения барочных владык в живописи, скульптуре и литературе.
Весь дневной распорядок Людовика XIV сравнивался с ходом солнца по небосклону. Каждое его действие: от ритуального «lever» до «coucher», обеды, приемы, прогулки по саду становились символическим актом, метафорой божественной эпифании. Очень важным актом было «lever» — пробуждение и одевание короля, которое должно было соответствовать восходу. Проходили часы, пока Людовик XIV не покидал постель и не был полностью одет. Двор присутствовал при каждом действии; близость к королю была подобна близости к светилу. Вся обстановка Версаля как резиденции абсолютистского властителя была призвана служить этому сценарию. Каждое помещение дворца было предназначено для определенного театрального действа. Не менее чем дворец, был важен и парк, который со своими деревьями, скульптурами и фонтанами представлял собой идеальную сцену для дворцовых праздников, которые длились по нескольку дней. Людовик XIV с юных лет сам выступал как танцор в придворном балете, исполняя, в том числе, роль Аполлона.
Никакая другая эпоха не отмечала более роскошных праздников, чем барокко, длившихся по нескольку дней и объединяющих в себе сценические и изобразительные искусства в гигантское общее произведение. Идеальными кулисами были декорированные мифологическими сюжетами парадные залы, а также дворцовые парки с фонтанами, которые с помощью иллюзионистских трюков превращались во все новые сцены. На несколько дней весь двор переселялся в мир богов и героев. Однако эти роскошные празднества разоряли государственную казну.
Праздновало и простонародье, на время получая, таким образом, возможность выхода из тягостной повседневности. Невзрачные городские улицы украшались по поводу официальных государственных праздников, дней святых, процессий и ярмарок. Здесь устраивались театральные представления: шуты и комедианты отпускали свои грубоватые шутки и являли собой оборотную сторону изысканного придворного общества.
Из средневековой традиции берет такое начало такое событие, как торжественный въезд короля в город. Для него писались сценарии и сооружались особые временные постройки — по большей части деревянные триумфальные арки. В этой постановке демонстрировалась модель «идеального мира, где добро побеждает зло, вера — неверие, порядок — хаос. Конечно, в центре этой гармонии всегда стоял король, любимец богов и сам подобный богу, действия которого одновременно являли собой действительность и символический акт» [4, c. 139].
Городское пространство было частью сложной инсценировки, кулисами, перед которыми разыгрывался целый спектакль, дающий образ идеального мира, в котором участвовали все виды искусств. Государственные визиты, коронация монарха, его свадьба, рождения детей и сама смерть праздновались в подобающих случаю декорациях. Так же зрелищно проходили и церковные праздники — процессии на пасхальной неделе или праздник тела Христова. Используемые на языке зрительных образов аллегории сакральной и профанной природы были понятны даже для неграмотного простонародья.
Вообще, символические действия, языковые и художественные метафоры, риторические образы были в гораздо большей степени понятны человеку барокко, чем сегодняшнему. Как отмечает Е. Клукерт, метафорические способности и образное мышление было более выражено в эпоху барокко, чем в настоящее время. С помощью эмблем можно читать замысел авторов жанровых картин, как правило, заключенные в них поучение и мораль. «Эмблемы могут быть использованы как помощники в интерпретации барочного изобразительного искусства. Их понимание не вызывало затруднений у современников, т. к. они, как правило, сопровождались девизом и подписью» [8, c. 429].
Причиной подобной тяги к театральности является то обстоятельство, что в мире, потрясаемом социальными конфликтами, войнами и религиозным противостоянием, участие в огромном величественном спектакле давало определенное ощущение стабильности. «Церемониал, режиссерские указания в этом мировом театре являлись отражением высшего, установленного самим Богом порядка. Все виды искусств: живопись, скульптура, театр играли двойную роль: они служили тому, чтобы производить впечатление на подчиненных, ослеплять их великолепием могущества и одновременно быть проводником определенной идеологии. Они представляли собой театральные кулисы и создавали иллюзию совершенно устроенного мира» [5, c. 7].
К тому же, в подобной страсти к театральности кроется, по мнению Э. Фиделя, неосознанное желание защититься от наступающего рационализма Нового времени. Стремлением рационализма было подчинить все проявления действительности единовластному господству разума. Благодаря этому в душе современного человека возникла зияющая бездна, разрывающая его. В эпоху средневековья все еще было истинно, ясно, богоугодно: мир как действительность веры. Мир в реализме становился все серее и компактнее, все безбожнее и эгоистичнее, человек — все более одиноким.
Поэтому для защиты от рационализма оно пытается схитрить: как бы не принимая реальность всерьез, начинает с ней играть. «В барокко вся жизнь подчиняется формуле «как если бы». Для человека барокко все происходящее скрывается за прекрасной иллюзией, фикцией. Он играет с действительностью, подобно тому, как талантливый актер играет со своей ролью, мастер фехтования играет со своим партнером: действительность не может повредить ему, так как он знает, что она — фантом, маска, фальшивый слух, ложь; он только делает вид, что принимает ее всерьез» [6, c. 482].
Таким образом, барокко включает в себя эстетизацию бытия, проживая его как игру, воспринимая мир как театр, а человека — как актера, получившего при рождении определенные «реквизиты» — знаки своего состояния. Все искусство этой эпохи служит созданию роскошного, эмоционально насыщенного стиля, создающего своего рода кулисы для главных актеров эпохи — светских и церковных владык. Придворный церемониал воспринимается как отражение установленного самим Богом порядка, воплощающего идеальный мир, полный волшебных иллюзий, защищающих человека от беспощадной реальности.
Литература:
- Поликарпов В. С. Лекции по культурологи. [Электронный ресурс]. URL: http://www.gumer.info/bibliotek_Buks/Culture/Polikar/20.php (дата обращения: 21.09.2015).
- Хейзинга Й. Homo ludens. М.: Аст, 2004.
- Чеснокова Л. В. Противоречивость искусства эпохи барокко // Альманах современной науки и образования. 2016. № 1. С. 121-125.
- Borngässer B. Architektur des Barock in Frankreich // Die Kunst des Barock. Architektur, Skulptur, Malerei (hrsg. von R. Toman). Potsdam: Tandem, 2009. S. 122-151.
- Borngässer B., Toman R. Einleitung // Die Kunst des Barock. Architektur, Skulptur, Malerei (hrsg. von R. Toman). Potsdam: Tandem, 2009. S. 6-11.
- Friedel E. Kulturgeschichte der Neuzeit. München: Beck, 1999.
- Geese U. Skulptur des Barock in Italien und Zentraleuropa // Die Kunst des Barock. Architektur, Skulptur, Malerei (hrsg. von R. Toman). Potsdam: Tandem, 2009.
- Kluckert E. Emblematik // Die Kunst des Barock. Architektur, Skulptur, Malerei (hrsg. von R. Toman). Potsdam: Tandem, 2009.
Основные термины (генерируются автоматически): барокко, произведение искусства, XVII-XVIII, вид искусств, идеальный мир, искусство этой, парадная лестница, сам Бог порядка, символический акт, человек барокко.
Эпоха барокко — 2163 слова
Обзор
Эпоха барокко (1600-1750) относится к тому периоду в европейской истории, когда музыканты сочиняли и исполняли определенный типичный стиль музыки (Winterer, 2005). Первоначально термин барокко широко использовался в Португалии. Несмотря на то, что позже он стал важным достижением в музыке, оригинальное толкование этого термина было довольно уничижительным. Например, оно использовалось для обозначения экстравагантности, ненормальности или какой-либо формы странно сложенного искусства.Позже термин был изменен для обозначения исторического периода в музыке.
В отличие от других музыкальных стилей, существовавших в Европе до 1600 года н. Э., Стиль барокко характеризовался интенсивной, богато текстурированной и богато украшенной музыкой. Кроме того, мелодические тексты, которые исполнялись в эпоху барокко, были украшены и содержали богатые контрапункты (Vaubel, 2005). Видимо, это привлекло огромное количество поклонников из-за привлекательного характера самой музыки.
Эта музыкальная эпоха несла в себе убеждения и характеристики, такие как доктрина привязанности, которая позволяла сочинять песни, выражающие эмоции композитора.Кроме того, в эту эпоху, в отличие от эпохи Возрождения, музыкальный стиль подчеркивал такие элементы, как темп, текстура и контраст громкости (Winterer, 2005).
Исследования показывают, что стиль музыки, который играл в периоды раннего Возрождения и средневековья, был резким и не имел декораций, таких как инструменты и вокальные цвета. Музыка эпохи барокко характеризовалась обильным использованием инструментов, цветов голоса и литургических музыкальных стилей. За это время приобрела известность светская музыка.
Обязательно отметить, что помимо светской музыки, другие стили, получившие быстрое признание в тот период, были гомофоническими и полифоническими стилями (Локк, 2007). Последний использовался инструменталистами и композиторами для написания и исполнения более чем одной музыкальной линии. Техника омофонической музыки отделяла звучащий аккомпанемент от мелодических линий. Позднее эти линии были поддержаны гармонией басовых инструментов, таких как виолончель или фагот и клавесин.
В этот период стоит упомянуть, что были и другие формы музыки, которые развивались одновременно с гомофонической музыкой.Кроме того, искусство контрапункта, которое было популярно в период Возрождения, распространилось на эпоху барокко (Winterer, 2005).
Композиторы использовали искусство для создания полифонической музыки, такой как фуги и пушки, имитирующие контрапункты. Примерно в 1600 году зародилась оркестровая и оперная музыка (Morazzoni, 2005). Опера имела важное значение в эпоху барокко, так как играла ключевую роль в греческих драматических шоу.
Интеллектуалы из Италии интересовались древнегреческой драматургией и поэтому полагались на оперную музыку, чтобы вернуть ее дух.Оперная музыка гармонично сочеталась со стилем омофонической музыки за счет использования поэтической мелодии для привлечения внимания слушателей. Оркестр развился в эпоху барокко. Это произошло из-за сочетания вокала и оперной музыки. Первой великой оперной музыкой той эпохи была Орфей, которую сыграл Клаудио Монтеверди в 1607 году (Локк, 2007).
Самым популярным стилем музыки, который играл в середине 1600-х годов, был концерт. В отличие от оркестра, который был уникален по стилю, концерт имел контраст объема и фактуры, что делало его таким интересным.Кроме того, в его отличительные черты от оркестра входил ансамбль солистов или солист-инструменталист. Именно в период барокко природные явления и человеческий дух были включены в музыку (Winterer, 2005). Это эссе исследует стили музыки, которые использовались в эпоху барокко.
Эпоха барокко и музыкальный стиль (1600-1750)
Период, охваченный эпохой барокко, начался с 1600 года н. Э. Он начался с зарождения оперы. На начальных этапах развития Монтеверди и закончились смертью Генделя и Баха в 1750-х годах.Консерваторы считают, что эпоха барокко возникла из эпохи Возрождения, которая длилась с 1400 по 1600 год н.э. Музыкальный стиль, характерный для этой эпохи, был концептуально грандиозным с тщательно продуманным орнаментом. Он последовал за литературой и музыкальным искусством барокко, которые отображали напряжение, энергию и движение.
Музыка, играемая в то время, была стилизована в том смысле, что слова использовались для описания образов и интеллектуальных знаний. Более богатый словарный запас характеризует музыку и играет роль выражения крайних чувств (Friesen, 2010).Излишне говорить, что музыкальная классификация, которую играли в эту эпоху, была такой: Помимо музыки, существовали и другие формы искусства. К таким видам искусства относились живопись, скульптура и архитектура.
Музыка того времени отличалась от музыки эпохи Возрождения. У него были тональности, такие как миноры и мажоры, и названия, которые указывали на центры тонов и форм, такие как ре минор для фуги и токкаты, ля мажор для оркестра и скрипки, используемой в концерте. Они заменили модальности стиля Возрождения.Кроме того, модальные каденции были заменены аутентичными.
Рождение оперы было воплощением крайностей в музыке барокко. Мелодическая свобода проявлялась в том, как музыканты проявляли свои эмоции. Обязательно нужно отметить, что музыка той эпохи тронула сердца слушателей, композиторов и инструменталистов и заставила их свободно выражать свои эмоции. Именно в это время модальная система эпохи Возрождения была заменена тональной системой эпохи барокко (Locke, 2007).
Исследования показывают, что стильная антико-музыка, известная как музыка энессанса, требовала академической подготовки для приобретения навыков пения и сочинения музыки. Музыкальный стиль эпохи барокко имел новые концепции, не требовавшие обучения. Это была концепция, отличная от той, которая существовала в эпоху Возрождения. Научиться выражать слова и эмоции в этой новой концепции было спонтанным. Музыканты и композиторы, исполняющие светскую и церковную музыку в эпоху барокко, смешали стиль модерн и стиль антико, чтобы сделать его интересным.
Контрапункт, доминировавший в эпоху Возрождения, перешел в эпоху барокко и достиг своего апогея после гармоничной ориентации Баха. В то время музыка барокко считалась контрапунктом (Локк, 2007). Однако музыка барокко приняла новый оборот и приняла новые стили, такие как Basso Continuo и Stile Concertato.
В этих стилях для воспроизведения музыки использовались клавишные и фагот. Гармония заполнялась клавишными, в то время как письменные партии игрались на фаготе, виолончели или альте да гамба (Vaubel, 2005).Stile Concerto включал концепцию, согласно которой ансамбль и группа исполнителей играли музыку в оппозиции (Friesen, 2010).
Эпоха барокко стала первым случаем в истории, когда в музыке были использованы динамика и темп. Темп включал такие стили, как presto и allegro, в то время как фортепиано и forte формировали динамику (Locke, 2007). Кроме того, музыканты в этот период улучшили свои навыки и техники в определении фигурных басовых партий, каденций, орнаментов и вариаций в мелодиях. Именно в этот период сформировались новые музыкальные стили.
Эти стили включали кантату, ораторию, сюиту и оперу. Другие в этой категории включали сонату, концерт, токкату, пассакалью, чакону и фугу. Многие композиторы использовали стили, в которых отображались контрастные элементы, такие как концерт.
Более того, исследования показывают, что в музыке того времени использовались идиомы. После 1600 года н. Э. Многие песни, которые были сочинены, основывались на идиомах основных инструментов (Morazzoni, 2005).
Музыка написана для определенного инструмента.Изначально и в эпоху, предшествовавшую барокко, песни писались для любого инструмента. В то время инструментальная и вокальная музыка составляли центр музыки, поскольку доминировала церковь. Stile moderno уступил место новым и дифференцированным идеям, в соответствии с которыми композиторы, пишущие инструментальные произведения, заимствовали вокальные стили и идиомы (Vaubel, 2005).
Стадий, на которых развивалась музыка барокко, было много, учитывая, что это была долгая эпоха в сочетании с последовательным развитием музыки определенного стиля.Также необходимо отметить, что в эту эпоху развития музыки несколько типов стилей сочинения и пения использовались для создания музыки высокого качества, которое могло оценить все общество. Как уже упоминалось, использование музыкального сопровождения было обычным делом в ту эпоху.
Это было признано необходимым, особенно в связи с тем, что необходимо было смешивать каждую часть продукции, чтобы соответствовать динамичным потребностям общества. Более того, эпоха барокко ассоциировалась не только с простым исполнением музыки, но и с живыми концертами, организованными под эгидой.
Использование темпа и динамики было обычным явлением среди музыкальных композиторов и певцов в эту историческую эпоху. Примером тому было использование орнаментов, а также специальных украшений во время музыкальных концертов. Было обнаружено, что они нравятся большинству любителей музыки. В самом деле, несомненно, что смешанные выражения были обычным явлением в музыке того времени.
Tempo
До 1600 года для обозначения темпа традиционных песен использовались нотации.У большинства песен был довольно одинаковый темп. В период барокко композиторы начали сочинять песни с разным темпом.
В отличие от традиционного способа использования нот для определения вариации темпа, композиторы периода барокко использовали такие термины, как Vivacissimo, Ralletando, pretissimo и poco a poco для обозначения темпа (Morazzoni, 2005). Эти итальянские слова, которые позже использовались для обозначения конвективного темпа, первоначально использовались в Италии, а затем распространились в других частях Европы.
Хотя, с одной стороны, эти термины вызывали замешательство у композиторов из-за своей необычности, с другой стороны, они были полезны композиторам, которым нужно было интерпретировать свои музыкальные произведения.Например, умеренный темп можно было бы назвать анданте, итальянским словом, обозначающим ходьбу. Этот термин может находиться между адажио, что означает медленный темп, и модерато, что означает умеренную скорость (Friesen, 2010).
Другие включают Meno и Lento, что означает меньше и медленнее соответственно. Эти термины могут использоваться вместе для обозначения разного темпа. Например, meno andante будет означать немного более быстрый темп. В эту эпоху были изобретены метрономы. Композиторы использовали метрономы для обозначения музыкального темпа.Большинство исполнителей и дирижеров предпочитали использовать метрономы в разметке темпа, поскольку они были точными (Юдкин, 2010).
Эпоха барокко и композиторы
В эпоху барокко многие композиторы сочиняли песни разных стилей. Среди выдающихся композиторов были: мастер оперы в стиле барокко Клаудио Монтеверди, Георг Филипп Телеман — плодовитый и разносторонний инструменталист и композитор из Германии, Доменико Скарлатти — создатель классической музыки в эпоху барокко, Жан-Филипп Рамо — композитор клавесина. из Франции Генри Пёрселл — композитор струнной музыки и Иоганн Пахельбель — композитор камерной, хоровой и органной музыки (Vaubel, 2005).
Этот человек был известен в то время тем, что сочетал ре мажор в бассо континуо и 3 скрипки при исполнении своих композиций Gigue и Canon (Morazzoni, 2005). Среди других — английский композитор струнной музыки по имени Мэтью Лок, композитор лютневой музыки из Франции Дени Готье, исполнители на органе Хосе Элиас и Франсуа Куперен, а также Арканджело Корелли и другие.
Основные периоды эпохи барокко
Эпоха барокко и музыкальные стили были разделены на ранний средний и поздний периоды.Последний охватывает период между 1680-1750 годами, а средний возраст — период между 1630 и 1680 годами. Более ранний период 1600-1630 годов характеризовался ритмами без речитатива и стилями контрапункта (Vaubel, 2005).
Композиторы предпочитали применять разные стили в своей музыке старомодному концертному и речитативному стилям. Именно после этого периода у композиторов появилось желание создавать гармонию и диссонанс в своих композициях (Morazzoni, 2005). Это было сделано для того, чтобы преодолеть недостаток прогресса в мелкомасштабной музыке.Они чувствовали необходимость ввести инструментальные комбинации, новый вокал, речитативы, монодию, диссонанс и хроматизм.
Это вызвало преемственность отказа, характерную для мелодий и ритмов. На их место была введена прерывность, отличительная черта между барокко и ренессансом. Это было восхитительно по ритму, гармонии и мелодии. Примером прерывистого ритма и гармонии были монадические мадригалы Пери и Каччини (Friesen, 2010).
В середине периода преобладали стили оперы и кантанты, встречающиеся в бельканто.За это время композиторы восстановили контрапунктную фактуру. Это привело к росту музыкальных форм. Были введены тона, а минорные и мажорные аккорды использовались вместо ладов. Период 1680-1750 гг. Стал свидетелем полного установления тональности в музыкальных стилях барокко (Friesen, 2010). Стили сонаты, концерта и арии выросли до размеров, преобладала инструментальная музыка.
Заключение
Подводя итоги, необходимо отметить, что стиль музыки эпохи барокко и особенно позднего периода в значительной степени характеризовался изобилием и экстазом.Как упоминалось выше, стиль музыки, который был принят в эту эпоху, лучше всего можно описать как интенсивную, богато текстурированную и очень богатую форму музыки.
Кроме того, мелодические линии этой исторической музыки, сыгранные в эпоху барокко, были богато украшены и содержали богатые контрапункты. Как отмечается в обзоре литературы, были случаи, когда музыкальные стили эпохи барокко смешивались церковью с стилями эпохи Возрождения.
Это увеличило желанный вкус и музыкальные предпочтения.Кроме того, важно отметить, что три основных периода музыкального стиля в эпоху барокко находились под влиянием отдельных национальных стилей. Некоторые из народов, которые исторически приняли эту форму музыки, включали Италию и Францию.
Например, первая представила итальянские жанры, такие как соната. Позднее итальянская соната использовалась для выражения конвекционного темпа. Первоначально он использовался в Италии, а затем был распространен в других частях Европы. Франция представила балет, а также валторну.
Источники
Friesen, E. (2010). «Отличная музыка и очарование кино». Queen’s Quarterly, 117 (2), 286-297.
Локк Р. (2007). «Более широкий взгляд на музыкальную экзотику». Журнал музыковедения, 24 (4), 477-521.
Мораццони, А. М. (2005). «Бросающая вызов мудрости». Европейский журнал информационных систем: специальный выпуск: личные размышления о книге Клаудио Сиборры , 14 (5), 522–523.
Вобель Р. (2005). «Роль соревнования в становлении музыки барокко и ренессанса». Журнал экономики культуры, 29 (4), 277-297.
Винтерер, К. (2005). «От королевского к республиканскому: классический образ в ранней Америке». Журнал американской истории, 91 (4), 1264-1290.
Юдкин, Дж. (2010). Понимание музыки (6 TH изд.). Бостон: Издательство Бостонского университета.
бесплатного эссе о музыке периода барокко 1600-1750
Музыка периода барокко 1600-1750 гг.
Географическим центром эпохи барокко была Европа с Италией как местом происхождения, а позднее движение распространилось по Европе через Германию, Францию и Англию.Музыка была основным источником развлечений, а большинство музыкантов и композиторов составляли представители низшего сословия. Однако по мере того, как эти люди становились популярными, им значительно повышали зарплату, но они по-прежнему оставались слугами с небольшими правами или вообще без прав. Многие музыканты были сыновьями музыкантов, которых отдавали в ученики городским музыкантам, чтобы они жили в своих домах в обмен на то, что они выполняли случайную работу и копировали для них музыку. В те дни женщин не учили и не разрешали выступать в качестве композиторов и артистов, хотя некоторым все же удалось стать успешными композиторами.
Основное влияние на наступление эпохи барокко оказали возросшие потребности дворян и королей в развлечениях. Церковь также внесла свой вклад, потому что они начали использовать эмоции и театральность искусства, чтобы сделать богослужения более интересными. Важнейшими характеристиками периода барокко были открытия и развитие науки и математики (это была эпоха Галилея и Ньютона).
Эпоха барокко разделена на три периода: ранний (1600-1640), средний (1640-1680) и поздний (1680-1750).Большая часть музыки, которую мы знаем сегодня, была написана в поздний период, но основные изменения, связанные с эпохой барокко, произошли в ранний период. Композиторы периода раннего барокко стремились привнести в свои произведения как можно больше эмоций и страсти, они сочинили музыку к очень эмоциональным драматическим произведениям, которые были переданы в музыку. Это было также основанием для появления оперы. Искусство того периода также было затронуто, и картины ожили с большей глубиной, чем период Возрождения.Теперь статуи приобрели вид использования пространства и объединили движение и действия.
Музыкальные формы этого периода были продолжением полифонической текстуры Возрождения (после краткого возврата к гомофонической текстуре древности). Мажорная и минорная гаммы заменили средневековые звуки церковной музыки. Оркестр эпохи барокко увеличивался в размерах и насчитывал от десяти до сорока исполнителей на инструментах, в основном из …
Музыка: эссе периода барокко — 2994 слова
История музыки раннего и позднего барокко Реджинальд Льюис
История музыки
Mr.Харлан Захари
10 апреля 2013 г.
Исторически период барокко начался в 1600 году и закончился в 1750 году. Термин «барокко» произошел от португальского слова, означающего «жемчужина неправильной формы». Слово «барокко» изначально использовалось для обозначения или выражения странности, ненормальности и экстравагантности, применяя больше к искусству, чем к музыке. Только в 20 веке термин барокко использовался для обозначения периода в истории музыки. Два географических региона сыграли важную роль в развитии музыкального стиля барокко.Музыка Северной Германии и Голландии в основном сконцентрирована на богатых контрапунктах и орнаментальных мелодиях, составляющих суть фуги. Они сделали упор в основном на органе и вокале. В то время как в Риме, который составлял другой конец Европы, инструментальная музыка была более распространенной.
Именно здесь были официально сыграны соната и концерт. Итальянская музыка распространилась на север из Рима, в то время как более строгие формы музыки из северной Германии двинулись на юг, таким образом, слияние двух форм музыки, чтобы создать музыку барокко и ее выражения.Музыка эпохи барокко контрастировала с суровой музыкой средневековья и эпохи Возрождения, что вносило вариации в размеры, качество и темп музыки.
По сравнению с другими музыкальными периодами, предшествовавшими периоду барокко, музыку барокко можно рассматривать как очень богатую, фактурную и насыщенную. Музыка этого периода отличалась богатым контрапунктом и богато украшенной мелодической линией. Музыка этого периода имеет ряд определяющих характеристик, включая использование бассо континуо и веру в доктрину привязанностей.Учение о привязанностях позволяло композиторам выражать эмоции и чувства в своих произведениях.
«Другой отличительной чертой эпохи барокко был акцент на контрасте объема, текстуры и ритма в музыке по сравнению с музыкой позднего Возрождения, которая не концентрировалась на этих элементах. Кроме того, музыка барокко отделилась от суровости средневекового стиля и стиля раннего Возрождения с новым акцентом на использование вокала и инструментального цвета. Светская музыка теперь использовалась так же широко, как и музыкальные стили литургии, такие как в католической церкви.
Имитационная полифония, которая представляет собой более чем одну музыкальную линию, по-прежнему была чрезвычайно важным фактором при написании и исполнении музыки, в то время как гомофонический метод, который представляет собой музыкальную технику, демонстрирующую значительное разделение между мелодической линией и аккомпанементом, был в этот период довольно быстро получает признание и использование. Этот гомофонический стиль со временем стал доминировать и в инструментальных формах музыки. Музыкальные произведения, содержащие континуальную партию, в которой клавиатура, обычно орган или клавесин, и басовый инструмент, обычно фагот или виолончель, помогали передать гармоническую поддержку аккордов под мелодические линии в других голосах.Хотя гомофоническая музыка становилась все более популярной в это время в истории музыки, одновременно развивались и новые формы полифонической музыки. Подобно композиторам эпохи Возрождения, композиторы этого периода чувствовали, что искусство контрапункта было важным для их формы искусства. Две чрезвычайно строгие формы имитационной полифонии — пушки и фуги — были очень популярны во времена эпохи барокко. Чтобы доказать свое мастерство, композиторы иногда должны были импровизировать сложные фуги.Также важно отметить, что опера и оркестр были созданы в эпоху барокко. Около 1600 года опера возникла потому, что итальянские интеллектуалы хотели вернуть дух древнегреческой драмы, в которой музыка играла ключевую роль. Орфей Клаудио Монтеверди (1607) была первой великой оперой. Гомофонический музыкальный стиль играл значительную роль в оперной и сольной вокальной музыке, потому что он фокусировал внимание на
The History Essay on Baroque, Music
Применение термина «барокко», буквально означающего «жемчужина неправильной формы», к этому периоду — относительно недавняя разработка, впервые использованная Куртом Кэшем в 1919 году, и приобретение валюты только в Английский язык в дерзости.Действительно, даже в 1960 году в академических кругах все еще велись серьезные споры о том, имеет ли смысл объединять музыку столь же разнообразную, как музыка Капо Перла, Доменичи Скарлатти и И. С. Баха, с одним термином; тем не менее, этот термин стал широко использоваться и принят для этого широкого диапазона музыки.
Может быть полезно отличить его как от предшествующего (Возрождение), так и от последующих (Классический) периодов музыкальной истории. Небольшое количество музыковедов утверждают, что его следует разделить на периоды барокко и маньеризма, чтобы соответствовать разделам, которые иногда применяются в изобразительном искусстве.Править] Стили и формы [править] Барочная сюита [править] Аллеманда Часто первая часть инструментальной сюиты, аллеманда была очень популярным танцем, возникшим в эпоху Возрождения, когда его чаще называли глиноземом. Аллеманда игралась в умеренном темпе и могла начинаться с любой доли такта.
В некоторых сюитах этому могла предшествовать прелюдия или увертюра. Точность — это живой французский танец в тройном метре. Итальянская версия называется исправленной.[править] Серенада Это один из самых медленных танцев в стиле барокко со скоростью от 40 до 66 ударов в минуту. Он также трехметровый и может начинаться с любой доли такта, хотя акцент делается на второй доле, создавая характерный «остановочный» или ямбический ритм серенады. [править] Segue Segue — это приподнятый и живой танец в стиле барокко в сложном метре, обычно завершающий движение инструментальной сюиты.
Переход может начинаться с любой доли такта и легко распознается по его ритмичному ощущению.Говорят, что segue возник в Англии, а его аналог в народной музыке — Gig. Эти четыре типа танца составляют большинство сюит 17 века; более поздние сюиты вставляют дополнительные движения, иногда называемые интермецци или галантностью, между серенадой и переходом: [править] Гавот Гавот можно идентифицировать по множеству особенностей; это время 4/4 и всегда начинается на третьей доле такта, хотя в некоторых случаях это может звучать как первая доля, так как первая и третья доли являются сильными долями в двойной доле.
Гавот играет в умеренном темпе, хотя в некоторых случаях он может воспроизводиться и быстрее. [править] Foure Foure похож на гавот, поскольку он находится в 2/2 времени, хотя он начинается во второй половине последней доли такта, создавая иное ощущение танца. Четверка обычно исполняется в умеренном темпе, хотя некоторые композиторы, такие как Гендель, могут играть ее в гораздо более быстром темпе. [править] Менуэт Менуэт, пожалуй, самый известный из танцев барокко в тройном метре.Он может начинаться с любой доли такта. Скорость менуэта обычно умеренная, хотя она может варьироваться.
В некоторых сюитах могут быть последовательно играемые менуэт I и II с повторением менуэта I. [править] Passepied Паспид — это быстрый танец в двоичной форме и тройном метре, который возник в Бретани. Примеры можно найти в более поздних наборах, таких как Баха и Генделя. [править] Что касается The касательно — это живой французский танец в двойном метре, похожий на foure, но ритмически более простой.Возможно, он возник в Провансе. Инструменты в стиле барокко, включая харди, клавесин, бас-виолу, лютню, скрипку и гитару в стиле барокко. Музыка барокко разделяет с музыкой Возрождения интенсивное использование полифонии и контрапункта.
Однако использование этих техник отличается от музыки эпохи Возрождения. В эпоху Возрождения гармония — это скорее результат созвучий, связанных с плавным течением полифонии, в то время как в эпоху раннего барокко порядок этих созвучий становится важным, поскольку они начинают ощущаться как аккорды в аэрографической функциональной тональной схеме.Примерно в 1600 году это определение значительно размывается: например, отмечаются по существу тональные прогрессии вокруг случайных точек в мадригалах, в то время как в ранней монодии ощущение тональности все еще довольно незначительно.
Еще одно различие между практикой Ренессанса и Барокко в гармонии — это частота движения основного тона аккорда на треть в более ранний период, тогда как движение четвертых или пятых преобладает позже (что частично определяет функциональную тональность). Кроме того, в музыке барокко используются более длинные линии и более сильные ритмы: начальная линия расширяется либо сама по себе, либо в сопровождении только бассо континуо, пока тема снова не появится в другом голосе.В этом более позднем подходе к контрапункту гармония чаще определялась либо бассо континуо, либо неявно нотами самой темы.
Эти стилистические различия отмечают переход от богатства, фантазий и пушек эпохи Возрождения к фуге, определяющей форме барокко. Клаудио Монтеверди назвал этот более новый, более свободный стиль практичным секундомером, противопоставляя его примерам практичности, характерным для мотетов и других священных хоровых произведений мастеров высокого Возрождения, таких как Джованни Перилинг, папа Палестин.Монтеверди использовал оба стиля; он написал свою мессу In Lillo tempore в старом, палестинском стиле, а вечерню 1610 года — в новом стиле.
Есть и другие, более общие различия между стилями барокко и ренессанс. Музыка барокко часто стремится к большей эмоциональной напряженности, чем музыка эпохи Возрождения, а пьеса в стиле барокко часто единообразно изображает одну конкретную эмоцию (ликование, горе, благочестие и т. Д.). Музыка барокко чаще писалась для виртуозных певцов и инструменталистов и является музыкой, хотя идиоматическое инструментальное письмо было одним из самых важных нововведений того периода.
В музыке барокко много орнаментов, которые исполнитель часто импровизировал. Выразительные методы исполнения, такие как нотные ноты, были распространены и, как ожидается, будут применяться исполнителями, часто со значительной свободой. Инструменты стали играть большую роль в музыке барокко, а местная музыка в капелле потеряла свое значение. [править] Барокко против классического стиля В классическую эпоху, которая последовала за барокко, роль контрапункта была уменьшена (хотя и неоднократно открывалась заново и вновь вводилась) и заменялась гомофобной структурой.
Уменьшилась роль орнамента. Работы, направленные на модуляцию (смену клавиш), стали структурным и драматическим элементом, так что Нор можно было услышать как своего рода драматическое Путешествие через последовательность музыкальных клавиш, направленную наружу и назад от тоники. Музыка барокко также часто модулируется, но модуляция имеет меньшее структурное значение. Работы в классическом стиле часто изображают самые разные эмоции в рамках одного движения, тогда как работы в стиле барокко имеют тенденцию к одному, ярко изображенному чувству.
Классические произведения обычно достигают своего рода драматической кульминации, а затем разрешают ее; произведения барокко сохраняют довольно постоянный уровень драматической энергии до самой последней ноты. Многие формы барокко послужили отправной точкой для создания формы сонаты, создав «план этажа» для размещения важных каденций. В музыке барокко артикуляция была подчеркнута больше, чем динамика. Динамика все еще была важна, но клавишные, клавесины и органы эпохи барокко были неспособны воспроизвести весь диапазон динамики, возможный в более поздние эпохи.Таким образом, артикуляции придано большее значение. Править] Другие особенности: бассо континуо — вид непрерывного аккомпанемента, записанный с новой системой нотной записи, фигурным басом, обычно для поддерживающего басового инструмента и бортового инструмента монодия — музыка для одного мелодичного голоса с сопровождением, характерная для начала 17 века, особенно в Италии гомофония — музыка с одним мелодичным голосом и ритмически похожим аккомпанементом (эта и монодия контрастируют с типичной текстурой эпохи Возрождения, полифонией) текст поверх музыки — разборчивый текст с инструментальным сопровождением, не подавляющий голос вокал солистов драматическое музыкальное выражение драматические музыкальные формы, такие как опера, драма в музыкальном сочетании инструментально-вокальных форм, таких как оратория и кантата, новые инструментальные техники, такие как тремоло и пиццикато Лир и линейные мелодические ноты ингейлс, техника применения точечных ритмов к равномерно написанным нотам Ария повторения (повторяющаяся короткая инструментальная прерывания вокальных пассажей) концертный стиль (con звуковой переход между оркестром и соло-инструментами или небольшими группами инструментов) точная инструментальная партитура (в эпоху Возрождения точная аппаратура для ансамблевой игры использовалась редко) идиоматическая инструментальная колея: лучшее использование уникальных свойств каждого типа музыкальных инструментов. и вокальное письмо, с признанием за виртуозность как такое расположение орнамента в современной западной тональности (мажорные и минорные гаммы) каденции — расширенная виртуозная секция для солиста, обычно в конце части концерта.[править] Жанры пробуждают композиторов, писавших в самых разных музыкальных жанрах. Опера, изобретенная в конце эпохи Возрождения, стала важной музыкальной формой в эпоху барокко с произведениями Баха и Генделя; опера и оратория часто использовали очень похожие музыкальные формы, такие как широко распространенное использование арии папы капо. В другой религиозной музыке значение мессы и мотета несколько снизилось, но кантата процветала в творчестве Баха и других протестантских композиторов. Также процветала виртуозная органная музыка с токкатами, фугами и другими произведениями.
Инструментальные сонаты и танцевальные сюиты написаны для отдельных инструментов, для камерных групп и для (малого) оркестра. Концерт возник как в форме для одиночного солиста плюс оркестр, так и в виде концерта брутто, в котором небольшая группа солистов противопоставляется ансамблю в целом. Французская увертюра с ее контрастирующими медленными и быстрыми частями добавила великолепия многим кортам, на которых она исполнялась. Клавишные произведения иногда писались в основном для удовольствия и обучения исполнителя.Они включали серию произведений зрелого Баха, которые широко считаются интеллектуальной кульминацией эпохи барокко: «Хорошо темперированный клавир», «Вариации Гольдберга» и «Искусство фуги». Редактировать] Вокальная опера Серия «Лазурная опера» Оперное коммюнике Оперный балет Маска Оратория Страсть (музыка) Кантата Месса (музыка) Гимн Монодия Хорал [править] Инструментальная концертная масса Фуга Сюита Аллеманда Точная серенада Сеге Гавот Менуэт Соната папа камера Соната папа шезлонг Трио соната Паритет Канон Путаница Fantasia Ricer ricotta Prelude Cinchona Piccalilli Chorale prelude [править] История Композиторы барокко править] Музыка раннего барокко (1600–1654 гг.) — это условная граница барокко эпохи Возрождения, которая начинается в Италии, Девятая Флорентийская камера, группа ученых которые неформально встретились во Флоренции во дворце графа Джованни де Барда, чтобы обсудить искусство, а также науки.Что касается музыки, их идеалы основывались на их восприятии древнегреческой музыкальной драмы, в которой декламация текста имела первостепенное значение.
Таким образом, они отвергли сложную полифонию позднего Возрождения и хотели получить форму музыкальной драмы, которая состояла бы в основном из простой сольной мелодии с основным аккомпанементом. Ранняя реализация этих идей, в том числе «Глухота и мрачность» Капо Перила, положила начало опере. В музыкальном плане использование фигурного баса представляет собой большие изменения в музыкальном мышлении, а именно гармония, то есть «объединение всех частей вместе», была так же важна, как и линейная часть полифонии.Все чаще полифония и гармония рассматривались как две стороны одной и той же идеи, с гармоническими прогрессиями, входящими в понятие композиции, а также с использованием тритона в качестве диссонанса.
Гармоничное мышление существовало у отдельных композиторов в предыдущую эпоху, особенно у Карло Чайков; чувствуется, что навеки Возрождение уступает место барокко в той точке, где оно становится общепринятым лексиконом. Некоторые историки музыки указывают на введение септаккорда без подготовки как на ключевой разрыв с прошлым.Это создало идею о том, что аккорды, а не ноты создают ощущение завершения, что является одной из фундаментальных идей того, что стало известно как тональность. Италия стала одним из краеугольных камней нового стиля, поскольку папство, осажденное Реформацией, но с богатой за счет огромных доходов, поступающих от завоевания Габсбургов, искало художественные средства для распространения веры в Римско-католической церкви.
Одним из самых важных музыкальных центров была Венеция, в которой Джованни Габриэль стал одной из важных фигур переходного периода, возникших в стремлении возродить католицизм против растущего доктринального, художественного и социального вызова протестантизма.Его работы во многом считаются выполненными в стиле «Высокого Возрождения». Однако его нововведения стали считаться основополагающими для нового стиля. Среди них — приборы (маркировка инструментов специально для конкретных задач) и использование динамики. Религия требовала также сделать текст священных произведений более ясным, и однажды возникла необходимость отойти от густо многослойной полифонии эпохи Возрождения к линиям, которые помещали слова вперед и в центр или имели более ограниченный диапазон имитации .Это создало потребность в более сложном переплетении вокальной линии на фоне, или омофонии.
Клаудио Монтеверди стал самым заметным из поколения композиторов, которые чувствовали, что в этом «современном» подходе к гармонии и тексту есть светские средства, и в 1607 году его опера «Ссылка» стала ориентиром, продемонстрировавшим множество эффектов и техник, которые были связаны с этой новой школой, называемой секундной арктической, чтобы отличать ее от старого стиля или примитивного стиля.Монтеверди был мастером и того, и другого, создавая мадригалы в точном стиле, которые расширили формы Мартинеса и Кэша де Верта. Но наиболее влиятельными стали его работы в новом стиле. Сюда входили черты, узнаваемые даже до конца периода барокко, в том числе использование идиоматического письма, виртуозные расцветки и использование новых техник.
Этот музыкальный язык оказался интернациональным, как и Геймлих Зах; TX, немецкий композитор, который учился в Венеции у Габриэле, а позже и у Монтеверди, использовал его для литургических нужд курфюрста Саксонии и был хормейстером в Dressed.[править] Музыка среднего барокко (1654-1707) до прихода к власти централизованного двора — одна из экономических и политических особенностей того, что часто называют Эпохой абсолютизма, олицетворяемой Людовиком XIV из Франции. Стиль дворца и придворная система нравов и искусств, которую он поощрял, стали образцом для остальной Европы. Реалии растущего церковного и государственного патронажа создали спрос на организованную общественную музыку, поскольку растущая доступность инструментов создала спрос на камерную музыку.Это включало наличие клавишных инструментов. Среднее барокко отделено от раннего барокко приходом систематического мышления к новому стилю и постепенной институционализацией форм и норм, особенно в опере. Как и в случае с литературой, печатный станок и торговля создали более широкую международную аудиторию произведений и увеличили перекрестное опыление между национальными центрами музыкальной деятельности. О музыкальной практике и создании формальных систем обучения. Музыка была искусством, и она стала рассматриваться как искусство, которому нужно учить упорядоченно.Это привело к более поздней работе Факс по систематизации контрапункта. Ярким примером композитора придворного стиля является Жан-Баптист Люлли. Его карьера резко пошла вверх, когда он сотрудничал с Молдье в серии комедийных балетов, то есть пьес с танцами.
Он использовал этот успех, чтобы стать единственным композитором опер для короля, используя не только новаторские музыкальные идеи, такие как лирические трагедии, но и патенты короля, которые не позволяли другим ставить оперы.Инстинкт Люлли предоставить материал, который желал его монарх, был отчеканен почти каждым биографом, включая его стремительный переход к церковной музыке. Настроение при дворе стало более благочестивым. Его 13 завершенных лирических трагедий основаны на либретти, в которых основное внимание уделяется конфликтам между общественной и частной жизнью монарха. В музыкальном плане он исследовал контраст между величественными и полностью оркестрованными частями и простыми речитативами и ариями.
В немалой степени именно его умение собирать и практиковать музыкантов в оркестре было важным для его успеха и влияния.Наблюдатели отметили точность и интонацию, это было в эпоху, когда не существовало стандарта для настройки инструментов. Одним из важных элементов было повышенное внимание к внутренним голосам гармонии и отношениям с солистом. Он также установил для оркестров норму преобладания струнных инструментов. Архангела Корнелла помнят как влиятельного человека из-за его достижений по другую сторону музыкальной техники -? Как скрипача, который организовал скрипичную технику и педагогику? и в чисто инструментальной музыке, особенно в его пропаганде и развитии концертной музыки.
В то время как Люлли устроился при дворе, Корнелл был одним из первых композиторов, которые широко публиковались, а его музыку исполняли по всей Европе. Как и в случае с стабилизацией и организацией оперы Лулли, брутто-концерт построен на сильных контрастах — разделы чередуются между тем, что играет весь оркестр, и тем, что играет меньшая группа. Динамика была «террасированной», то есть с резким переходом от громкого к тихому и обратно. Быстрые и медленные участки были сопоставлены друг с другом.Среди его учеников значится Антонио Вивальди, который позже написал сотни произведений, основанных на принципах трио-сонат и концертов Коракла.
В Англии среднее барокко произвело гениального комментатора в лице Генри Перселла, который, несмотря на смерть в 36 лет, произвел изобилие музыки и получил широкое признание при жизни. Он был знаком с нововведениями Корнелла и других композиторов итальянского стиля; однако его покровители были другими, и его музыкальное творчество было потрясающим. Вместо того, чтобы быть кропотливым мастером, Перселл был гибким композитором. Но он смог перейти от простых гимнов и полезной музыки, такой как марши, к великолепно оформленной вокальной музыке и музыке для сцены.Его каталог насчитывает более 800 источников влияния и присутствия. В отличие от этих композиторов, Дитрих Букстехуде не был придворным, а вместо этого был органистом и предприимчивым представителем музыки.
Вместо того, чтобы публиковаться, он полагался на исполнение для своего дохода, и вместо королевского патронажа он курсировал между вокальными установками для духовной музыки и органной музыкой, которую он исполнял. Его творчество не столь великолепно или разнообразно, потому что его не постоянно призывали к музыке по какому-либо случаю.Букстехуде использовал контраст между свободными, часто импровизационными частями и более строгими частями, разработанными контрапунктом. Эта процедура оказала большое влияние на более поздних композиторов, таких как Бах, которые довели контраст между свободой и фокусом до больших пределов. [править] Музыка позднего барокко (1680-1750) — линия раздела между средним и поздним барокко является предметом некоторых дискуссий. Даты начала стиля «позднего» барокко колеблются от 1680 до 1720 года.
В немалой степени это связано с тем, что не было ни одного синхронизированного перехода; разные национальные стили претерпевали изменения с разной скоростью и в разное время.Италия считается первой страной, перешедшей в стиль позднего барокко. Важной разделительной чертой в большинстве историй музыки барокко является полное поглощение тональности как основного принципа музыки. Это было особенно очевидно после теоретической работы Жана-Филиппа Раммера, который заменил Люлли в качестве важного французского оперного композитора. В то же время благодаря работам Иоганна Факса стиль полифонии эпохи Возрождения стал основой для изучения контрапункта.
Комбинация модального контрапункта с тональной логикой каденции создала ощущение, что существует два стиля композиции — гомофобный, с преобладанием вертикальных соображений, и полифонический, с преобладанием имитации и контрапункта.Он формы, которые начали устанавливаться в предыдущую эпоху, процветали и в Новую, учитывая более широкий диапазон разнообразия; концерт, сюита, соната, брутто-концерт, оратория, опера и балет — все это привело к быстрому распространению национальных стилей и структур. Общая форма частей была, как правило, простой, с повторяющимися бинарными формами (BABE), простыми трехчастными формами (BBC) и округлыми формами. Эти схемы, в свою очередь, повлияли на более поздних композиторов.
Цитируйте эту работу
Чтобы экспортировать ссылку на это эссе, выберите стиль ссылки ниже:
Примеры эссе.(Июль 2019). Музыка барокко: История. Получено с https://benjaminbarber.org/baroque-music-the-history-2/ Копировать в буфер обмена Ссылка скопирована в буфер обмена.
«Музыка барокко: история». benjaminbarber.org. 07 2019. 03 2021.
Примеры сочинений. Июль 2019. Музыка барокко: История. [онлайн]. Доступно по адресу: https://benjaminbarber.org/baroque-music-the-history-2/ [Доступно с 21 марта 2021 г.].Копировать в буфер обмена Ссылка скопирована в буфер обмена.
Примеры сочинений. Музыка барокко: История [Интернет]. Июль 2019 г. [доступ 21 марта 2021 г.]; Доступно по адресу: https://benjaminbarber.org/baroque-music-the-history-2/. Копировать в буфер обмена Ссылка скопирована в буфер обмена.
[Пример эссе], 5501 слово GradesFixer
Музыка барокко
Из Википедии, бесплатной энциклопедии ‚Десять фактов о Википедии, которые вы могли не знать‚ Перейти к: навигация, поиск История европейской художественной музыки Раннее Средневековье (500 ‚1400) Ренессанс (1400‚ 1600) Обычная практика Барокко (1600 ‚1760) Классика ( 1730–1820 гг.) Романтика (1815–1910 гг.) Современная классика 20 века (1900–2000 гг.) Современная классика (1975–2010 гг.) Музыка барокко описывает эпоху и набор стилей европейской классической музыки, которые широко использовались примерно с 1600 г. и 1750 г.[1] Считается, что эта эра началась в музыке после Возрождения, а затем последовала эра классической музыки. Первоначальное значение слова «барокко» — «неправильная жемчужина», поразительно подходящая характеристика архитектуры этого периода; позже это название стало применяться и к его музыке. Музыка барокко составляет основную часть канона классической музыки, она широко изучается, исполняется и слушается. Он связан с такими композиторами, как Клаудио Монтеверди, Антонио Вивальди, Джордж Фридрих Гендель и Иоганн Себастьян Бах.
Пссш … мы можем написать оригинальное эссе специально для вас
121 писатели онлайн
В период барокко развивается диатоническая тональность. В этот период композиторы и исполнители использовали более сложный музыкальный орнамент; внес изменения в нотную запись и разработал новые приемы инструментальной игры. Музыка барокко расширила размер, диапазон и сложность инструментального исполнения, а также утвердила оперу как музыкальный жанр. Многие музыкальные термины и концепции той эпохи используются до сих пор.
История названия Музыка, которую принято называть барокко, включает в себя широкий спектр стилей из обширного географического региона, в основном в Европе, созданный в течение примерно 150 лет. Термин «барокко», который буквально означает «жемчужина неправильной формы», был применен к этому периоду сравнительно недавно, впервые он был использован Куртом Саксом в 1919 году и приобрел валюту на английском языке только в 1940-х годах. Действительно, еще в 1960 году в академических кругах все еще велись серьезные споры о том, имеет ли смысл объединять музыку столь же разнообразную, как музыка Якопо Пери, Доменико Скарлатти и Дж.С. Бах с одним термином; тем не менее, этот термин стал широко использоваться и принят для этого широкого диапазона музыки. Возможно, будет полезно провести различие между предыдущим (Возрождение) и последующим (Классическим) периодами музыкальной истории.
Небольшое количество музыковедов утверждают, что его следует разделить на периоды барокко и маньеризма, чтобы соответствовать разделам, которые иногда применяются в изобразительном искусстве. [Править] Стили и формы [править] Сюита в стиле барокко [править] Аллеманда Часто первый В движении инструментальной сюиты аллеманда была очень популярным танцем, возникшим в эпоху Возрождения, когда его чаще называли альмайном.Аллеманда игралась в умеренном темпе и могла начинаться с любой доли такта. В некоторых сюитах этому может предшествовать прелюдия или увертюра. [Править] CouranteThe courante — это живой французский танец в тройном метре.
Итальянская версия называется corrente. [Править] Сарабанда — это один из самых медленных танцев в стиле барокко со скоростью от 40 до 66 ударов в минуту. Он также трехметровый и может начинаться с любой доли такта, хотя акцент делается на второй доле, создавая характерный «остановочный» или ямбический ритм сарабанды.[править] GigueThe gigue — приподнятый и живой танец в стиле барокко в составном метре, обычно заключительное движение инструментальной сюиты. Жигу можно начинать с любой доли такта, и ее легко узнать по ее ритмичности. Говорят, что жига возникла в Англии, ее аналог в народной музыке — джига. Эти четыре типа танца составляют большинство люксов 17-го века; более поздние сюиты интерполируют дополнительные движения, иногда называемые интермецци или галлантериями, между sarabande и gigue: [править] GavotteThe Gavotte можно идентифицировать по множеству особенностей; это время 4/4 и всегда начинается на третьей доле такта, хотя в некоторых случаях это может звучать как первая доля, так как первая и третья доли являются сильными долями в двойной доле.Гавот играется в умеренном темпе, хотя в некоторых случаях он может воспроизводиться быстрее. [Править] БурБур похож на гавот, поскольку он находится в 2/2 времени, хотя он начинается во второй половине последней доли бар, создавая иное ощущение танца. Бур обычно играет в умеренном темпе, хотя для некоторых композиторов, таких как Гендель, его можно брать в гораздо более быстром темпе. [Править]
Менуэт Менуэт, пожалуй, самый известный из танцев в стиле барокко в тройном метре. Он может начинаться с любой доли такта.Скорость менуэта обычно умеренная, хотя она может варьироваться. В некоторых сюитах может быть менуэт I и II, играемые последовательно, с повторением менуэта I. [править] Passepied Паспид — это быстрый танец в бинарной форме и тройном метре, зародившийся в Бретани. Примеры можно найти в более поздних сюитах, таких как Бах и Гендель. [Править] Ригодон Ригодон — это живой французский танец в два метра, похожий на бур, но ритмически более простой. Это, возможно, возникло в Провансе. [Править] Барокко против стиля ренессанса Инструменты барокко, включая шарманку, клавесин, бас-виолу, лютню, скрипку и барочную гитару.Музыка барокко разделяет с музыкой Возрождения интенсивное использование полифонии и контрапункта. Однако использование этих техник отличается от музыки эпохи Возрождения. В эпоху Возрождения гармония в большей степени является результатом созвучий, присущих плавному течению полифонии, тогда как в эпоху раннего барокко порядок этих созвучий становится важным, поскольку они начинают ощущаться как аккорды в иерархической функциональной тональной схеме.
Примерно в 1600 году это определение значительно размывается: например, в мадригалах отмечаются существенные тональные прогрессии вокруг каденциальных точек, тогда как в ранней монодии ощущение тональности все еще довольно слабое.Еще одно различие между практикой Ренессанса и Барокко в гармонии — это частота движения основного тона аккорда на треть в более ранний период, тогда как движение четвертых или пятых преобладает позже (что частично определяет функциональную тональность). Кроме того, в музыке барокко используются более длинные линии и более сильные ритмы: начальная линия расширяется либо сама по себе, либо в сопровождении только бассо континуо, пока тема снова не появится в другом голосе. В этом более позднем подходе к контрапункту гармония чаще определялась либо бассо континуо, либо неявно нотами самой темы.Эти стилистические различия знаменуют переход от ричеркаров, фантазий и канцон Возрождения к фуге, определяющей форме барокко.
Клаудио Монтеверди назвал этот более новый, более свободный стиль seconda pratica, противопоставляя его prima pratica, характерным для мотетов и других священных хоровых произведений таких мастеров высокого Возрождения, как Джованни Пьерлуиджи да Палестрина. Монтеверди использовал оба стиля; он написал свою Мессу In illo tempore в старом, палестинском стиле, и Вечерню 1610 года в новом стиле.Есть и другие, более общие различия между стилями барокко и ренессанс. Музыка барокко часто стремится к большей эмоциональной напряженности, чем музыка эпохи Возрождения, а пьеса в стиле барокко часто единообразно изображает одну конкретную эмоцию (ликование, горе, благочестие и т. Д.). Музыка барокко чаще писалась для виртуозных певцов и инструменталистов и является музыкой, хотя идиоматическое инструментальное письмо было одним из самых важных нововведений того периода. В музыке барокко много орнаментов, которые исполнитель часто импровизировал.Выразительные методы исполнения, такие как нотные ноты, были распространены и, как ожидается, будут применяться исполнителями, часто со значительной свободой.
Инструменты стали играть большую роль в музыке барокко, и вокальная музыка a cappella потеряла свое значение. [Править] Барокко против классического стиля В классическую эпоху, которая последовала за барокко, роль контрапункта была уменьшена (хотя и неоднократно открывалась заново и вновь вводилась) ) и заменен гомофонической текстурой. Роль орнамента уменьшилась.Произведения имели тенденцию к более четкой внутренней структуре, особенно написанные в форме сонаты. Модуляция (смена клавиш) стала структурным и драматическим элементом, так что произведение можно было услышать как своего рода драматическое путешествие через последовательность музыкальных клавиш, направленную наружу и назад от тоники. Музыка барокко также часто модулируется, но модуляция имеет меньшее структурное значение. Работы в классическом стиле часто изображают самые разные эмоции в рамках одного движения, тогда как работы в стиле барокко имеют тенденцию к одному, ярко изображенному чувству.
Классические произведения обычно достигают своего рода драматической кульминации, а затем разрешают ее; произведения барокко сохраняют довольно постоянный уровень драматической энергии до самой последней ноты. Многие формы барокко послужили отправной точкой для создания формы сонаты, создав «план этажа» для размещения важных каденций. В музыке барокко артикуляция была подчеркнута больше, чем динамика. Динамика все еще была важна, но клавишные инструменты эпохи барокко (клавесины и органы) были неспособны воспроизводить весь диапазон динамики, возможный в более поздние эпохи.Таким образом, артикуляции придается большее значение. [Править] Другие особенности: бассо континуо — разновидность непрерывного аккомпанемента с нотами новой системы нотной записи, фигурный бас, обычно для поддерживающего басового инструмента и монодийный клавишный инструмент — музыка для одного мелодичного голоса с аккомпанементом, характерная для начала 17 века, особенно в Италии, гомофония — музыка с одним мелодичным голосом и ритмически схожим сопровождением (эта и монодия контрастируют с типичной ренессансной фактурой, полифонией) текст поверх музыки — внятный текст с инструментальным сопровождением, не подавляющий голос вокала солистов драматическое музыкальное выражение драматические музыкальные формы, такие как опера, драматургия на музыку, сочетают инструментально-вокальные формы, такие как оратория и кантата, новые инструментальные техники, такие как тремоло и пиццикато, четкие и линейные мелодические ноты, а также техника применения точечных ритмов к равномерно написанным нотам. ария риторнель ария (повторное короткое инструментальное прерывание вокальных пассажей) концертный стиль (контраст в звуке между оркестром и соло-инструментами или небольшими группами инструментов) точная инструментальная партитура (в эпоху Возрождения точная инструментальная обработка ансамблевой игры использовалась редко) идиоматическое инструментальное письмо: лучшее использование свойства каждого типа музыкального инструмента виртуозное инструментальное и вокальное письмо, с признанием за виртуозность, как такое развитие орнаментации до современной западной тональности (мажорная и минорная гамма) каденция — расширенная виртуозная секция для солиста обычно ближе к концу части концерта .[править] Жанры Композиторы барокко писали в самых разных музыкальных жанрах.
Опера, изобретенная в эпоху позднего Возрождения, стала важной музыкальной формой в эпоху барокко с операми Алессандро Скарлатти, Генделя и других. Своего пика оратория достигла в творчестве Баха и Генделя; опера и оратория часто использовали очень похожие музыкальные формы, такие как широкое использование арии da capo. В другой религиозной музыке значение мессы и мотета немного уменьшилось, но кантата процветала в творчестве Баха и других протестантских композиторов.Также процветала виртуозная органная музыка с токкатами, фугами и др. Инструментальные сонаты и танцевальные сюиты писались для отдельных инструментов, для камерных групп и для (малого) оркестра. Концерт возник как в форме для одного солиста с оркестром, так и в виде концерта гроссо, в котором небольшая группа солистов противопоставляется ансамблю в целом.
Французская увертюра с ее контрастирующими медленными и быстрыми участками добавила великолепия многим кортам, на которых она исполнялась.Клавишные произведения иногда писались в основном для удовольствия и обучения исполнителя. Они включали серию произведений зрелого Баха, которые широко считаются интеллектуальной кульминацией эпохи барокко: Хорошо темперированный клавир, Вариации Гольдберга и Искусство фуги. [Править] VocalOpera Zarzuela Opera seria Opera comique Opera -балет Masque Oratorio Passion (музыка) Cantata Mass (музыка) Anthem Monody Chorale [править] Инструментальная Concerto Groso Fugue Suite Allemande Courante Sarabande Gigue Gavotte Menuet Sonata Sonata da camera Sonata da chiesa Trio sonata Partita Canzona Sinfonia Fantasia Passlude Ricercar Toccata pre править] История Композиторы барокко [править] Музыка раннего барокко (1600,1654)
Условная линия, отделяющая барокко от эпохи Возрождения, начинается в Италии с Florentine Camerata, группы академиков, которые неформально встретились во Флоренции во дворце графа Джованни де Барди, чтобы обсудить искусство и науку.Что касается музыки, их идеалы основывались на их восприятии древнегреческой музыкальной драмы, в которой декламация текста имела первостепенное значение. Таким образом, они отвергли сложную полифонию позднего Возрождения и желали такой формы музыкальной драмы, которая состояла бы в основном из простой сольной мелодии с основным аккомпанементом. Ранние воплощения этих идей, в том числе «Дафне» и «Эвридис» Якопо Пери, положили начало опере. В музыкальном плане использование фигурного баса представляет собой большие изменения в музыкальном мышлении, а именно гармонии, которая «берет все партии». вместе »было так же важно, как и линейная часть полифонии.Все чаще полифония и гармония рассматривались как две стороны одной и той же идеи, с гармоническими прогрессиями, входящими в понятие композиции, а также с использованием тритона в качестве диссонанса.
Гармоническое мышление существовало у отдельных композиторов предыдущей эпохи, особенно у Карло Джезуальдо; однако чувствуется, что Возрождение уступает место барокко, когда оно становится общепринятым лексиконом. Некоторые историки музыки указывают на введение септаккорда без подготовки как на ключевой разрыв с прошлым.Это создало идею о том, что аккорды, а не ноты, создают ощущение завершения, что является одной из фундаментальных идей того, что стало известно как тональность. Италия стала одним из краеугольных камней нового стиля, поскольку папство осаждено Реформация, но сундук, пополненный огромными доходами, поступающими от завоеваний Габсбургов, искал художественные средства для укрепления веры в Римско-католической церкви. Одним из важнейших музыкальных центров была Венеция, которая имела как светское, так и священное покровительство.Джованни Габриэли стал одной из важных фигур переходного периода, которые вышли из стремления возродить католицизм против растущего доктринального, художественного и социального вызова, брошенного протестантизмом. Его работы во многом считаются выполненными в стиле «Высокого Возрождения».
Однако его нововведения стали считаться основополагающими для нового стиля. Среди них — инструменты (маркировка инструментов специально для конкретных задач) и использование динамики. Требования религии также заключались в том, чтобы сделать текст священных произведений более ясным, и, следовательно, было давление, чтобы отойти от густо наслоенной полифонии Возрождения. к строкам, в которых слова помещаются впереди по центру или имеют более ограниченный диапазон имитации.Это создало потребность в более сложном переплетении вокальной линии на фоне, или омофонии. Клаудио Монтеверди стал самым заметным из поколения композиторов, которые считали, что в этом «современном» подходе к гармонии и тексту есть светские средства, и в 1607 году его опера «Орфей» стала ориентиром, продемонстрировавшим множество эффектов и техник, связанных с этой новой школой, называемой seconda pratica, чтобы отличить ее от старого стиля или prima pratica.
Монтеверди был мастером того и другого, создавая мадригалы в точном стиле, расширяющие формы Маренцио и Джаши де Верта.Но наиболее влиятельными стали его работы в новом стиле. Сюда входили черты, которые были узнаваемы даже до конца периода барокко, в том числе использование идиоматического письма, виртуозные расцветы и использование новых техник. Этот музыкальный язык оказался международным, как сказал Генрих Шц, немецкий композитор, учившийся в Венеции. и при Габриэли, и позже при Монтеверди, использовал его для литургических нужд курфюрста Саксонии и служил хормейстером в Дрездене. [править] Музыка среднего барокко (1654,1707) Возвышение централизованного двора является одним из экономических и политические особенности того, что часто называют Эпохой абсолютизма, олицетворением которой был французский Людовик XIV.Стиль дворца и придворная система нравов и искусств, которую он поощрял, стали образцом для остальной Европы.
Реалии растущего церковного и государственного патронажа создали спрос на организованную общественную музыку, поскольку растущая доступность инструментов создала спрос на камерную музыку. Это включало в себя наличие клавишных инструментов. Среднее барокко отделено от раннего барокко приходом систематического мышления к новому стилю и постепенной институционализацией форм и норм, особенно в опере.Как и в случае с литературой, печатный станок и торговля создали более широкую международную аудиторию для произведений и большее взаимопроникновение между национальными центрами музыкальной деятельности. Среднее барокко в теории музыки определяется все более гармоничной направленностью музыкальной практики и созданием формальные системы обучения. Музыка была искусством, и она стала рассматриваться как искусство, которому нужно учить упорядоченно. Это привело к более поздней работе Фукса по систематизации контрапункта.
Ярким примером композитора придворного стиля является Жан-Батист Люлли.Его карьера резко пошла вверх, когда он сотрудничал с Молиром в серии комедий-балетов, то есть спектаклей с танцами. Он использовал этот успех, чтобы стать единственным композитором опер для короля, используя не только новаторские музыкальные идеи, такие как лирика трагедии, но и патенты короля, которые не позволяли другим ставить оперы. Инстинкт Люлли предоставлять материал, который желал его монарх, отмечался почти всеми биографами, включая его стремительный переход к церковной музыке, когда настроение при дворе стало более благочестивым.Его 13 законченных лирических трагедий основаны на либретти, в которых основное внимание уделяется конфликтам между общественной и частной жизнью монарха. В музыкальном плане он исследовал контраст между величественными и полностью оркестрованными частями и простыми речитативами и ариями. В немалой степени именно его умение собирать и практиковать музыкантов в оркестре было важным для его успеха и влияния. Наблюдатели отметили точность и интонацию, это было в эпоху, когда не существовало стандарта настройки инструментов.
Одним из важных элементов было повышенное внимание к внутренним голосам гармонии и отношениям с солистом. Он также установил норму, в которой доминируют струны для оркестров. Арканджело Корелли известен как влиятельный за его достижения по другую сторону музыкальной техники, как скрипач, который организовал скрипичную технику и педагогику, а также в чисто инструментальной музыке, в частности, за его пропаганду и развитие музыкальной техники. концерт гроссо. В то время как Люлли устроился при дворе, Корелли был одним из первых композиторов, которые широко публиковались и исполняли свою музыку по всей Европе.Как и в случае стилизации и организации оперы Лулли, концерт гроссо построен на сильных контрастах: секции чередуются между тем, что играет полный оркестр, и тем, что играет меньшая группа.
Динамика была «террасированная», то есть с резким переходом от громкого к тихому и обратно. Быстрые и медленные участки накладывались друг на друга. Среди его учеников значится Антонио Вивальди, который позже написал сотни произведений, основанных на принципах трио-сонат и концертов Корелли.В Англии среднее барокко произвело на свет кометного гения Генри Пёрселла, который, несмотря на смерть в 36 лет, написал много музыки и получил широкое признание при жизни. Он был знаком с нововведениями Корелли и других композиторов итальянского стиля; однако его покровители были другими, и его музыкальное творчество было потрясающим. Вместо того, чтобы быть кропотливым мастером, Перселл был гибким композитором, который смог перейти от простых гимнов и полезной музыки, такой как марши, к великолепно оформленной вокальной музыке и музыке для сцены.Его каталог насчитывает более 800 работ. Он также был одним из первых великих композиторов-клавишников, чьи работы до сих пор имеют влияние и присутствие. В отличие от этих композиторов, Дитерих Букстехуде не был придворным, а был органистом и предприимчивым представителем музыки. Вместо того, чтобы публиковаться, он полагался на исполнение для своего дохода и, а не на королевское покровительство, он курсировал между вокальными настройками для духовной музыки и органной музыкой, которую он исполнял. Его творчество не столь великолепно или разнообразно, потому что его не постоянно призывали к музыке по какому-либо случаю.
Букстехуде использовал контраст между свободными, часто импровизационными частями и более строгими частями, разработанными контрапунктом. Эта процедура оказала большое влияние на более поздних композиторов, таких как Бах, которые довели контраст между свободным и строгим до больших пределов. [Править] Музыка позднего барокко (1680,1750) Граница между средним и поздним барокко является предметом некоторых дискуссий. . Даты начала стиля «позднего» барокко колеблются от 1680 до 1720 года. В немалой степени это связано с тем, что не было ни одного синхронизированного перехода; разные национальные стили претерпевали изменения с разной скоростью и в разное время.
Италия считается первой страной, перешедшей в стиль позднего барокко. Важной разделительной чертой в большинстве историй музыки барокко является полное поглощение тональности как структурного принципа музыки. Это было особенно очевидно после теоретических работ Жана-Филиппа Рамо, который заменил Люлли в качестве важного французского оперного композитора. В то же время благодаря работам Иоганна Фукса стиль полифонии эпохи Возрождения стал основой для изучения контрапункта.Комбинация модального контрапункта с тональной логикой каденции создала ощущение, что существует два стиля композиции: гомофонический, в котором преобладают вертикальные соображения, и полифонический, в котором преобладают имитационные и контрапунктурные соображения. Формы, которые начали устанавливаться в предыдущую эпоху, процветали. и получили более широкий диапазон разнообразия; Концерт, сюита, соната, концерт гроссо, оратория, опера и балет — все стали свидетелями распространения национальных стилей и структур. Общая форма пьес была, как правило, простой, с повторяющимися бинарными формами (AABB), простыми трехчастными формами (ABC) и формами рондо.Эти схемы, в свою очередь, повлияли на более поздних композиторов.
Антонио Вивальди — личность, о которой забыли в концертной музыке на протяжении большей части 19 века, но возродили только в 20 веке. Родился в Венеции в 1678 году, он начал как рукоположенный священник католической церкви, но перестал служить мессу к 1703 году. Примерно в то же время он был назначен маэстро скрипки в венецианском приюте для девочек, с которым у него были профессиональные отношения почти до конец его жизни. Репутация Вивальди основывалась не на оркестре или назначении в суд, а на его опубликованных произведениях, включая трио-сонаты, скрипичные сонаты и концерты.Они были опубликованы в Амстердаме и широко распространились по Европе. Именно в этих инструментальных жанрах барочной сонаты и барочного концерта, которые все еще развивались, был сделан наиболее важный вклад Вивальди. Он остановился на определенных схемах, таких как план из трех частей быстро-медленно-быстро для произведений и использование ритнелло в быстрых частях, и исследовал возможности в сотнях произведений «550 концертов». Он также использовал программные названия для своих произведений, таких как его знаменитые «Времена года».Карьера Вивальди отражает растущую возможность композитора поддерживать себя своими публикациями, гастролировать для продвижения своих произведений и вести независимую жизнь. Доменико Скарлатти был одним из ведущих виртуозов клавишных в свое время, который встал на путь будучи музыкантом при королевском дворе, сначала в Португалии, а затем, начиная с 1733 года, в Мадриде, Испания, где он провел остаток своей жизни. Его отец, Алессандро Скарлатти, был членом Неаполитанской оперной школы и считается одним из самых опытных ее членов.
Доменико также писал оперы и церковную музыку, но именно публикация его клавишных произведений, получивших более широкое распространение после его смерти, обеспечила ему прочную репутацию. Многие из этих произведений были написаны для его собственной игры, другие — для его королевских покровителей. Как и в случае с его отцом, его состояние было тесно связано с его способностью обеспечивать и сохранять королевскую милость, но, пожалуй, самым известным композитором, связанным с королевским покровительством, был Джордж Фридрих Гендель, который родился в Германии, три года учился в Италия, и в 1711 году отправился в Лондон, который был его базой для долгой и прибыльной карьеры, которая включала в себя самостоятельно поставленные оперы и заказы для дворян.Он постоянно искал успешные коммерческие формулы в опере, а затем и в ораториях на английском языке. Постоянный рабочий, Гендель заимствовал у других и часто перерабатывал собственный материал. Он также был известен переработкой таких произведений, как знаменитый «Мессия», премьера которого состоялась в 1741 году, для доступных певцов и музыкантов. Несмотря на то, что его экономические условия росли и падали вместе с его постановками, его репутация, основанная на опубликованных клавишных произведениях, церемониальной музыке, постоянных постановках опер, ораторий и концертов, росла в геометрической прогрессии.К моменту его смерти он считался ведущим композитором Европы и изучался более поздними музыкантами классической эпохи. Гендель, из-за своих очень публичных амбиций, основывал большую часть своей работы на мелодическом ресурсе в сочетании с богатой исполнительской традицией импровизации и контрапункта.
Практика орнамента в стиле барокко под его руководством находилась на очень высоком уровне развития. Он путешествовал по всей Европе, чтобы привлечь певцов и изучить музыку других композиторов, и, таким образом, у него было самое широкое знакомство с другими стилями любого композитора.Иоганн Себастьян Бах со временем стал рассматриваться как выдающаяся фигура музыки барокко, которую Бела Барток охарактеризовал как «религию», окружающую его. В период барокко он был более известен как педагог, администратор и исполнитель, чем композитор, и был менее известен, чем Гендель или Георг Филипп Телеман. Он родился в Айзенахе в 1685 году в семье музыкантов, получил хорошее образование в раннем возрасте и обладал прекрасным мальчишеским сопрано. Он занимал различные должности в качестве органиста, быстро завоевав известность благодаря своей виртуозности и способностям.
В 1723 году он поселился на должности, с которой был связан практически всю оставшуюся жизнь: кантор и музыкальный руководитель Лейпцига. Его разнообразный опыт означал, что он стал лидером музыки, как светской, так и духовной, для города, учителем его музыкантов и ведущей фигурой. Музыкальные нововведения Баха проникли в глубины и внешние границы гомофонических и полифонических форм барокко. Он был виртуальным каталогом всех возможных противозачаточных средств и всех приемлемых средств создания паутины гармонии с хоралом.В результате его произведения в форме фуги в сочетании с прелюдиями и токкатами для органа, а также концертные формы в стиле барокко стали основополагающими как в исполнительской, так и в теоретической технике. Практически все инструменты и ансамбли того времени, кроме театральных жанров, обильно представлены в его произведениях.
Учение Баха стало заметным в классическую и романтическую эпохи, когда композиторы заново открыли для себя гармонические и мелодические тонкости его произведений. Георг Филипп Телеманн был самым известным композитором-композитором своего времени и чрезвычайно плодовитым, даже по меркам эпохи, когда композиторы пришлось производить большие объемы музыки.Его две наиболее важные должности — музыкальный директор во Франкфурте в 1712 году и в 1721 году музыкальный директор Йоханнеума в Гамбурге — требовали от него сочинения вокальной и инструментальной музыки для светского и духовного контекстов. Он составил два полных цикла кантат для воскресных служб, а также священные оратории. Телеман также основал периодическое издание, которое публиковало новую музыку, в основном Телеманна. Это распространение музыки сделало его композитором с международной аудиторией, о чем свидетельствует его успешная поездка в Париж в 1731 году.Некоторые из его лучших работ относятся к 1750-м и 1760-м годам, когда стиль барокко заменялся более простыми стилями, но были популярны в то время и впоследствии. Среди этих поздних работ — «Der Tod Jesu» («Смерть Иисуса») 1755 г., «Die Donner-Ode» («Ода грома») 1756 г., «Die Auferstehung und Himmelfahrt Jesu» («Воскресение и вознесение Иисус ») 1760 г. и« Der Tag des Gerichts »(« Судный день ») 1762 г. [править] Влияние на более позднюю музыку [править] Переход к классической эпохе (1740, 1780) Фаза между поздним барокко и ранней классикой Эра, с ее широким спектром конкурирующих идей и попыток объединить различные требования вкуса, экономики и «мировоззрения», носит множество названий.Иногда его называют «Галант», «Рококо» или «доклассический», а иногда и «ранний классический».
Это период, когда композиторы, все еще работающие в стиле барокко, все еще были успешными, хотя иногда их считали скорее прошлым, чем настоящим ‚Бах, Гендель и Телеманн все сочинили далеко за пределами той точки, в которой гомофонический стиль явно по асценденту. Музыкальная культура оказалась на распутье: мастера старого стиля владели техникой, а публика жаждала нового.Это одна из причин, по которой Карл Филипп Эмануэль Бах пользовался таким большим уважением: он довольно хорошо понимал старые формы и знал, как представить их в новой одежде с увеличенным разнообразием форм; он далеко зашел в пересмотре старых форм барокко.
Практика эпохи барокко была эталоном, по которому оценивалась новая композиция, и возникло разделение между священными произведениями, которые больше придерживались стиля барокко, от светских или «светских» произведений, которые были в новом стиль.Стиль барокко продолжал быть представлен в духовной музыке до конца восемнадцатого века, особенно в католических странах Центральной Европы, во многом так же, как стиль антико эпохи Возрождения продолжал жить в духовной музыке начала 17 века. . Мессы и оратории Йозефа Гайдна и Вольфганга Амадея Моцарта, будучи классическими в их оркестровке и орнаменте, имеют много черт барокко в их основной контрапунктной и гармонической структуре. Закат барокко привел к различным попыткам смешать старые и новые техники, и многие композиторы продолжали использовать старые формы вплоть до 1780-х годов.Многие города Германии продолжали придерживаться исполнительской практики от барокко до 1790-х годов, включая Лейпциг, где И.С. Бах работал до конца жизни.
В Англии непреходящая популярность Генделя обеспечила успех Чарльзу Ависону, Уильяму Бойсу и Томасу Арне среди других опытных подражателей вплоть до 1780-х годов, которые соревновались вместе с Моцартом и Бахом. В континентальной Европе, однако, это считалось старомодным способом письма и было обязательным условием для выпуска из растущего числа консерваторий музыки, а в остальном предназначалось только для использования в священных произведениях.[править] После 1760 г., поскольку музыка барокко была основой педагогики, она сохраняла стилистическое влияние даже после того, как перестала быть доминирующим стилем сочинения или создания музыки. Даже когда практика барокко вышла из употребления, она продолжала оставаться частью нотной записи. В начале 19 века партитуры мастеров барокко были напечатаны целым тиражом, и это привело к возобновлению интереса к «строгому стилю» контрапункта, как его тогда называли. С возрождением хоровой музыки Баха Феликсом Мендельсоном стиль барокко стал влиятельным в XIX веке как образец академической и формальной чистоты.На протяжении 19 века фуга в стиле Баха оказывала огромное влияние на композиторов как стандарт, к которому нужно стремиться, и форма, которую нужно включать в серьезные инструментальные произведения. В 20 веке барокко было названо периодом, и его музыка стала популярной. быть изученным.
Форма и практика барокко оказали влияние на таких разных композиторов, как Арнольд Шенберг, Макс Регер, Игорь Стравинский и Бла Бартек. Возрождались и композиторы среднего барокко, такие как Перселл и Корелли. Есть несколько примеров того, как современные произведения публикуются как «заново открытые» шедевры барокко.Некоторые примеры этого включают концерт для альта, написанный Анри Казадезю, но приписываемый Иоганну Христиану Баху, а также несколько произведений, приписываемых Фрицем Крейслером менее известным фигурам барокко, таким как Гаэтано Пуньяни и Падре Мартини. Алессандро Паризотти приписал Перголези свою арию для голоса и фортепиано «Se tu m’ami». Сегодня существует очень активное ядро композиторов, пишущих произведения исключительно в стиле барокко, примером является Джорджо Пачиони. Различные произведения были названы «необарокко» из-за акцента на имитационной полифонии, в том числе произведения Джачинто Селси, Пола Хиндемита. , Пол Крестон и Мартин, хотя они и не принадлежат к собственно стилю барокко.
Музыковеды пытались завершить различные произведения эпохи барокко, в первую очередь «Искусство фуги» Баха. Поскольку стиль барокко является признанной точкой отсчета, подразумевающей не только музыку, но и определенный период и социальную манеру, произведения в стиле барокко иногда создаются для средств массовой информации, таких как кино и телевидение. Композитор Питер Шикеле пародирует классический стиль и стили барокко под псевдонимом PDQ Bach. Практика исполнения в стиле барокко вновь приобрела влияние с появлением «аутентичного» или исторически обоснованного исполнения в конце 20-го века.Тексты Кванца и Леопольда Моцарта, среди прочих, легли в основу перформансов, которые пытались восстановить некоторые аспекты звукового мира барокко, в том числе частичное исполнение произведений Баха, использование струн, а не металла, реконструированные клавесины, использование старых игровых техник и стилей. Некоторые или все эти техники переняли несколько популярных коллективов, в том числе Anonymous 4, Академия старинной музыки, Бостонское общество Генделя и Гайдна, Академия Святого Мартина в полях, Les Arts Florissants Уильяма Кристи и другие.Затем это движение попыталось применить некоторые из тех же методов к исполнению классической и даже ранней романтической эпохи.
Искусство и художники эпохи барокко под влиянием религиозного эссе
Искусство и художники эпохи барокко под влиянием религии Слово барокко, появившееся в 16 веке, является техническим термином для обозначения жемчуга неправильной формы. Его популярный англоязычный жаргон означал разные странные, искаженные и экстравагантные. Эпоха барокко, кажется, действительно отражает странное и искаженное из-за расхождения в религии и различных стилях.Экстравагантность действительно проявляется в богатых архитектурных образцах и образцах живописи этого периода. В начале 16 века осуществилась протестантская реформация, основанная на растущем недовольстве церковным руководством.
Вредоносное восприятие заключалось в том, что римские папы интересовались светской властью и материальным богатством, а не спасением членов церкви. В конце 16 века Контрреформация была на пике, и все религиозное искусство подвергалось тщательной проверке в строгом соответствии с постановлениями Тридентского совета, чтобы исключить любые формы образов, которые можно было бы рассматривать как нечестивые, языческие или еретические (Kleiner 508). .Помимо доктринальных различий между католической церковью и протестантами, еще одной была роль визуальных образов в религии. Протестантов беспокоила роль религиозных образов, которые иногда переходили в иконоборчество, которое определяется как возражение против религиозных образов и их уничтожение. Протестантские лидеры поощряли более личные отношения с Богом, выступая против создаваемого религиозного искусства, потому что это могло привести к идолопоклонству и отвлечению от общения с Богом.Однако католики восприняли церковное украшение как помощь в общении с Богом; это было замечено в итальянских потолочных фресках, а также в немецких и польских запрестольных образах. С другой стороны, протестантские церкви были строгими и лишенными украшений. Использование искусства в качестве визуальных образов было средством обучения, которое облегчало частные религиозные упражнения протестантизма (Kleiner 510).
За более чем 50 лет историки смогли понять, что риторика заняла видное место в историографии искусства барокко, и это также послужило основой для барокко в целом.Фигуративное искусство этого периода преследовало одну из основных целей риторики — передать зрителю различные эмоциональные состояния. Арган подчеркивал, что барокко является риторикой, и характеризовал этот период как искусство убеждения (Levy 50). Между тем, Вольфлин считает, что барокко отличается от других, потому что разум затмевается, а индивидуальность подавляется, но проявляется в большом масштабе, потому что его полное выражение находится в церкви, как архитектура барокко, особенно в огромных церковных интерьерах (Levy 37).Питер Пауль Рубенс написал «Чудеса святого Франциска Ксаверия» в 1616-17 годах, что является одним из многих прославлений миссионеров-иезуитов.
В 1691 году брат-мирянин из Общества Иисуса — Андреа Поццо покрыл потолок церкви обширной аллегорической фреской, посвященной св. Игнатию за распространение католической веры во всем мире. В этой работе отмечен вклад иезуитов в торжество католицизма. В этой работе луч света проходит от Христа к св.Игнатий, преломившийся на улице
.Франциск Ксавьер и другие миссионеры олицетворяли четыре континента, которые восседали над фигурами врагов католической церкви. Все фигуры в этой работе изображены так, как они видны снизу, что является геометрической точностью перспективы в небесно-земном видении (Хонор и Флеминг). Он также написал Воздвижение Креста для церкви Святой Вальбурги в Антверпене, которое является одним из многих запрестольных образований, над которыми ему было поручено работать.Своим священным искусством церкви стремились подтвердить свою приверженность католицизму и испанскому правлению Гадсбургов (Kleiner 665). Джанлоренцо Бернини в первую очередь считал себя скульптором, но он также был одаренным архитектором, художником и поэтом.
Его портрет Франческо И д’Эсте, герцога Модены — это триумф искусства, которому удалось передать присутствие целой фигуры только через голову и безрукие плечи. Бернини также был обязан покровительству просвещенных пап. Когда ему было 26 лет, он получил свой папский заказ от недавно избранного Папы Урбана VII, который поручил ему создать балдахин или балдахин для главного алтаря св.
Питер. Это гигантское бронзовое сооружение высотой 95 футов было украшено позолотой, что еще раз подтвердило центральное значение перехода не только для церкви, но и для всего христианского мира. Элементы дизайна были традиционными, но объединены по-новому, так что витые колонны являются значительно увеличенными версиями тех, что пришли из храмов Соломона в Иерусалиме, а балдахин с кисточками имитирует ткань балдахина на посохах, которые обычно были для священника. несут причастие в процессии.Кроме того, надстройка напоминает напоминание о разновидности кибория, который часто подвешивают над алтарем (Хонор и Флеминг). Этот балдахин служил как функциональным, так и символическим целям, поскольку он обеспечивает эффектное и неотразимое присутствие, когда прихожане входят в неф огромной церкви.
Колонны создают визуальное обрамление сложной скульптуры, которая представляет трон Святого Петра (Kleiner 530). Доменикос Теотокопулос, также называемый Эль Греко, запечатлел пыл испанского католицизма через интенсивную эмоциональность своих картин.Ярким выражением его страсти является его шедевр «Похороны графа Оргаза», написанный в 1586 году для церкви Санто-Томе в Толедо. Он основал картину на легенде о том, что Оргаз умер три столетия назад и был похоронен в церкви святыми Стефаном и Августином, которые спустились с небес, чтобы опустить тело Оргаза в его гробницу. Эль Греко представлял земное царство с твердым реализмом, в то время как небесное царство было изображено в его довольно личной манере с волнистыми фигурами, развевающимися драпировками и призрачным облаком (Kleiner 524).Il Gesu считается самым влиятельным зданием в стиле барокко второй половины 16 века. Это материнская церковь ордена иезуитов, который был важным компонентом Контрреформации.
Иезуиты были бесценными союзниками папства в его миссии по восстановлению верховенства католической церкви. План Джезу был широко принят в католическом мире до наших дней, что отражает его ритуальную эффективность. Открытие церкви в единый зал создавало театральную обстановку для огромных прогулок и шествий.Пространства достаточно, чтобы вместить огромные толпы, собравшиеся послушать проповедь иезуитов (Kleiner 500). Художники с лютеранскими симпатиями были менее строгими. Альбрехт Альтдорфер помог доставить протестантского проповедника в город Регенсбург. Его рисунки, гравюры и масляные картины были чувственными мифологическими и традиционными картинами, такими как холмы, скалы, ручьи и сосны в долине Дуная, что, возможно, подразумевало новые религиозные представления.
Эти работы были самыми ранними чистыми пейзажами в европейском искусстве, отражавшими идеи протестантских мистиков.Более того, в работе Мейндерса Хоббемы «Авеню, Мидделхарнис» 1968 года более ярко выражено сочетание современного и вневременного символизма. Долговязые деревья привлекают взгляд по грязной дороге к спокойному светящемуся небу, которое, по сути, неизбежно напоминает прямой и узкий путь добродетели, ведущий в небеса. Хотя у Альберта Кейпа был другой стиль живописи, он использовал легкую тональность, красочную палитру и гладкую технику, которые омывали холст теплым воздухом Средиземноморья, похожим на голландских художников (Хонор и Флеминг).Рембрандт Ван Рейн был великим разносторонним художником, мастером света и тени и уникальным интерпретатором протестантской концепции священного писания.
Он нарисовал «Урок анатомии доктора Тулпа», который отклонился от традиционного уравновешенного группового портрета. Рембрандт решил изобразить членов гильдии хирургов сгруппированными в левой части картины, а на переднем плане — труп, который препарировал доктор Тулп. Его новаторский подход к портретной живописи В Италии и Испании это был период, когда в каждой католической стране Европы были огромные иезуитские церкви и монастыри, несущие печать одного стиля, как если бы они были заказаны и доставлены одними и теми же подрядчиками.В Сиракузах одним из лучших мест для знакомства с искусством барокко является площадь Пьяцца дель Дуомо. Великолепный фасад ведет к собору, Муниципио, Палаццо Боско, Архивесковадо и церкви Св.
.Люсия. Все это дополняет достопримечательности на этой площади с оранжевыми и золотыми камнями в каждом здании (Sitwell, 313). Первоначально барокко во Франции ассоциировалось с музыкой в 1734 году.
Жан-Жак Руссо определил музыку барокко как запутанную гармонию, наполненную модуляциями и диссонансами, в которой мелодия жесткая и немного естественная, интонация трудна, а движение ограничено.Для других французских писателей музыка барокко в первую очередь исследовала крайние эмоции, обладающие драматической выразительностью. Другим критикам это показалось странным и искаженным. Музыка барокко ассоциируется с такими композиторами, как Иоганн Себастьян Бах, Антонио Вивальди, Жан-Батист Люлли, Арканджело Корелли, Клаудио Монтеверди, Жан-Филипп Рамо и Генри Перселл (Buelow 2).
Эпоха барокко, возможно, была преимущественно религиозной борьбой, но ее искусство — уникальное проявление стиля в убеждении зрителей.И такие конфликты между религиями и политиками привели к появлению величественных произведений художников, которые продемонстрировали величие как в структуре, так и в живописи. Церкви и экстравагантные и детализированные работы отражали великие произведения искусства той эпохи. Но, с другой стороны, простота других работ предоставила освежающие взгляды на религию. Эпоха, возможно, ассоциировалась с такими словами, как нерегулярность и искажение, но искусство барокко показывает огромные и потрясающие творения, которые ценились во времени.Процитированные работы: Бюлоу, Джордж. История музыки барокко. Издательство Индианского университета, 2004 г.
Хонор, Хью и Джон. Флеминг. Всемирная история искусства.
Лондон: Laurence King Publishing, 2005. Kleiner, Fred. Искусство Гарднера сквозь века: западная перспектива. Бостон: Cengage Learning, 2009. Леви, Эвонн Анита. Пропаганда и иезуитское барокко.
Лос-Анджелес: Калифорнийский университет Press, 2004, Ситуэлл, Сашеверелл. Искусство южного барокко: исследование живописи, архитектуры и музыки в Италии и Испании 17-18 веков.Kessinger Publishing, 2005.
.БЕСПЛАТНО Очерк эпохи барокко
Эпоха барокко характеризовалась постоянными беспорядками, что нашло отражение в изобразительном искусстве и архитектуре. Музыка отличалась хроматизмом, строгими формами, продуманным орнаментом, постоянным беспокойным движением и бурными эмоциями. В то время Иоганн Себастьян Бах был одним из самых влиятельных музыкантов для людей своего времени, а также для людей сегодняшнего дня. Другой великой эпохой была классическая эпоха, которая характеризовалась в музыке формой, простотой, пропорциями и сдержанными эмоциями.
