Абстракционизм — направление так называемого нонфигуративного искусства, провозгласившего в живописи и скульптуре отказ от изображения форм реальной действительности и стремящееся к «гармонизации» или отвлеченных цветовых сочетаний, или геометрических форм, плоскостей, прямых и ломаных линий, которые должны вызывать самые разнообразные ассоциации. Новое направление в искусстве получило название от латинского слова abstractus, что означает «отвлеченный». Сложилось несколько вариантов абстрактного искусства: Геометрическая абстракция, один из видов абстрактного искусства, предпочитающий композиции, в основе которых строгая ритмика геометрических или (в скульптуре) стереометрических фигур. Ее ранние варианты (отчасти орфизм Р. Делоне и Ф. Купки, а также супрематизм К. С. Малевича и неопластицизм П. Мондриана) сочетают рационализм с романтикой, тяготея к построению «абсолютных» красочно-графических монументальных символов, выражающих мистические законы космоса. Абстрактный экспрессионизм, разновидность абстрактного искусства. Возник под влиянием сюрреализма с его идеей «автоматического письма». Ярче всего проявился в живописи в свободных композициях, создаваемых крупным, импульсивным мазком, иногда в технике «живописи действия» (англ. action painting), когда сам акт писания картины превращался в своеобразный перформанс. Наиболее известен американский вариант абстрактного экспрессионизма, сложившийся в 1940-е гг. (А. Горки, В. де Кунинг, Р. Мозервелл, Дж. Поллок). Европейские аналоги абстрактного экспрессионизма часто обозначают понятием ташизма. Ташизм (франц. Tachisme, от tache пятно), сложившееся в 1950-е гг. Постживописная абстракция, направление в абстрактной живописи, сложившееся в 1950-е гг. как реакция на абстрактный экспрессионизм. Свободный мазок, «растрепанная» фактура последнего сменились здесь ровно закрашенными цветовыми полями, рассчитанными на сильный психологический эффект простых и монументальных форм в состоянии контраста или гармонии. Информель (от франц. informel, букв. абстрактный, нефигуративный), направление в абстрактном искусстве, сложившееся во Франции в середине 1940-х. Образы информеля так же свободно-эскизны, как и в ташизме, но в отличие от последнего здесь острее выступает знаково-«письменное» начало, живопись теснее сближается с графикой.
|
направление в абстрактном искусстве развивавшееся параллельно абстрактному экспрессионизму и информелю, с которыми его иногда отождествляют. Однако в отличие от абстрактного экспрессионизма, зародившегося в США, ташизм чаще понимается как специфически европейский, в первую очередь, французский вариант беспредметного творчества. Его типические образы (в картинах французских мастеров П. Сулажа или Х. Хартунга) основаны на игре мощных, крупных мазков. Он редко включает символически знаковые элементы, исходя (как у Ж. Матье) из чистой ритмики артистического жеста или (как у Ж. Базена) из обобщенных пейзажных впечатлений, представляющих собой своего рода «абстрактный импрессионизм».
Решетников, Ф.П. Тайны абстракционизма / рисунки автора. М.: Издательство … | Аукционы
Выбор аукциона:
Вы можете ознакомиться с каталогами всех предстоящих аукционов на этой странице. Лоты, включенные в каталог аукциона, представлены на наших предаукционных выставках. Предаукционный показ открывается за 7-10 дней до даты торгов.
Настоятельно рекомендуем вам перед участием в аукционе посетить выставку и внимательно просмотреть интересующие вас предметы.
Регистрация для участия в торгах:
Вам необходимо зарегистрироваться на те торги, в которых вы хотите принять участие. По вашему желанию вы можете участвовать в аукционе лично или онлайн, также возможно участие через представителя аукционного дома (телефонный звонок во время торгов), или через систему Bidspirit. На сайте Литфонда есть возможность оставить заочную ставку, пройдите, пожалуйста, процедуру регистрации, заполнив форму по ссылке.
Если вы регистрируетесь в первый раз, устроитель аукциона вправе по своему усмотрению затребовать выписки со счетов и другие финансовые документы, подтверждающие платежеспособность участника аукциона.
Способы участия в торгах:
- Личное участие
После регистрации и получения номера участника, пройдите в зал. Когда интересующий вас лот объявляется аукционистом, необходимо поднять номер участника в знак согласия с запрашиваемой суммой, и продолжать его поднимать до тех пор, пока возрастающие ставки вас устраивают.
Победителем становится участник, предложивший наибольшую сумму. Третий удар молотка оповещает о завершении торгов по лоту. - Онлайн-участие
Прямая трансляция на Bidspirit.com позволяет вам принять непосредственное участие в торгах и следить за всем, что происходит во время аукциона с помощью Интернета. Загляните на сайт https://litfund.bidspirit.com/, чтобы узнать больше о системе онлайн-торгов и зарегистрироваться там в качестве участника. Ставки, сделанные на сайте Bidspirit.com, синхронизируются с сайтом Литфонда и отображаются в каталоге аукциона в соответствующем лоте как «Лидирующая ставка» - Торги по телефону
Если вы не можете лично присутствовать на аукционе, у вас есть возможность участвовать в торгах по телефону. Наш сотрудник будет к вашим услугам, сообщая вам о ходе торгов по выбранному лоту и принимая ваши ставки. Для регистрации телефонных ставок перейдите, пожалуйста, по данной ссылке. - Заочные торги
Заполните специальную форму «Максимальная ставка», которую можно найти на странице описания каждого лота каталога. Укажите размер максимальной ставки за каждый интересующий вас лот. Напоминаем, что ставка не может быть ниже указанного эстимейта.
Максимальная ставка — это макимальная сумма, которую вы готовы потратить на выкуп лота (комиссионный сбор рассчитываетя отдельно при оплате предмета, размер комиссионного сбора указан в правилах проведения аукциона).Прием заочных ставок заканчивается за некоторое время до начала аукциона, время окончания приёма ставок указано в подробном описании аукциона. Во время торгов уполномоченный сотрудник Аукционного дома, торгуясь, приобретет для вас лот за минимально возможную цену.
Обратите внимание, заочные ставки не отображаются на сайте.
Победителем становится участник, предложивший наибольшую сумму. Третий удар молотка оповещает о завершении торгов по лоту.
инструкция для тех, кто не умеет рисовать
Для того чтобы реалистично изобразить на бумаге или холсте сложный натюрморт или пейзаж, нужно уметь рисовать.
Сделать элементарный абстрактный рисунок по плечу даже тем, кто никогда не ощущал в себе художественных талантов. Не верите? Возьмите лист бумаги и попробуйте при помощи обычных геометрических фигур создать какую-нибудь композицию. Ну, к примеру, такую, как на рисунке справа.
Можете воспользоваться для удобства циркулем и линейкой. Ну как, получилось? Поздравляем, вы нарисовали свою первую абстракцию! Как видите, абстрактные рисунки карандашом по силам любому. Вряд ли такая картина может претендовать на высокое звание произведения искусства, но лиха беда — начало!
В начале было слово и слово это было — abstractio, что в переводе с латинского означает отвлечение или удаление. Художники-абстракционисты отказываются от реалистического изображения окружающего мира. Вместо этого они оперируют различными геометрическими формами и цветовыми пятнами, стараясь достичь гармонии и вызвать у зрителей яркий ассоциативный ряд.
Родоначальником абстракционизма принято считать русского художника Василия Кандинского.
Не менее известен и другой художник, стоящий у истоков абстрактной живописи, — Казимир Малевич. Наверное, все помнят его знаменитый абстрактный рисунок «Черный квадрат». Великие мастера творили в России начале XX века. Другое громкое имя — Пабло Пикассо, который оставил целую галерею замечательных образцов абстрактного искусства.
Как нарисовать абстрактную картину?
Ничто не может человеку помешать рисовать, если он этого хочет. Для того чтобы создать абстрактный рисунок или полноценную картину, надо просто дать себе возможность раскрепоститься и ничего не бояться. Живопись и рисование — это возможность самовыражения. При помощи символов, геометрических фигур или цветовых пятен можно выразить свое настроение, дать выход подсознанию.
Вы можете начать с простых линий, плавных или, наоборот, угловатых — все зависит от вашего воображения. Когда графический рисунок будет закончен, можно приступить к заполнению его цветом. Здесь нет никаких особенных правил. Просто отключите сознание и свободно рисуйте так, как это делают дети — душой.
Какие краски и материалы подходят для абстрактной живописи?
Абстрактный рисунок может быть выполнен любыми красками, пастелью, восковыми мелками или цветными карандашами. Для начинающих творцов очень подходят акриловые краски — они яркие и очень быстро сохнут. Даже если вы совершите ошибку и вам захочется ее исправить, то акриловыми красками это сделать нетрудно. К тому же ими можно писать как на холсте, так и на бумаге.
Кисти можно выбирать любые, но для акриловых красок лучше всего подходят щетинные или колонковые. Можно пользоваться синтетическими кисточками. Если вам хочется работать только цветом, то можно вообще отказаться от кистей и взять в руки губку или куски поролона. Ими можно отлично наносить краску на деревянную, холщевую или бумажную основу.
Как нарисовать абстракцию на компьютере?
Еще один способ создания оригинальных абстракций — это научиться рисовать их на компьютере. Для этого можно воспользоваться программами «Фотошоп», «Иллюстратор» или CorelDraw.
Правда, тут уже придется затратить немало усилий для того, чтобы приручить этих монстров компьютерной графики. Есть специальные программы, в которых можно генерировать абстрактные фрактальные орнаменты. Возможно, вы станете настоящим цифровым художником и будете создавать прекрасные абстрактные рисунки цветов — фракталы.
В настоящее время в интернете выложено немало хороших уроков по работе в графических редакторах, поэтому нет никаких препятствий в стремлении освоения компьютерной графики.
Это абстракционизм: albetina — LiveJournal
Моя младшая внучка любит рисовать, поэтому я постоянно покупаю ей альбомы для рисования, тушь, краски и фломастеры.
До этого ребенок рисовал какие-то понятные объекты — вот это папа, это мама, это я, это брат с сестрой. Причем папа на всех рисунках был раза в 2-3 выше всех остальных членов семьи. Ну, папа там да, большой авторитет. Всё, что делают дети (типа, решают задачки, рисуют, читают), делается только и исключительно для папы.
И мне по хорошему завидно, что вот сейчас есть такая техника, что все произведения детей можно сохранить и при этом не захламлять комнату. Помню, во втором или третьем классе наш младший сын написал сочинение. Сначала его прочитал мой муж и стал дико ржать, потом то же самое сделал и наш старший сын. Они хохотали так, что чуть с ног не валились. А автор обижался. Я обратилась к ним с укором, что это они смеются над сочинением ребенка, нет, чтобы его поддержать.
Тогда они мне сказали: «а ты прочитай, прочитай». Я стала читать и крепилась где-то с минуту, но это было так смешно, что я тоже начала хохотать. И вот теперь мне дико жалко, что мы не сохранили это сочинение, так же, как и рисунки младшего сына — он рисовал картины с множеством мелких деталей.
И ещё мне точно также жалко, что я не сохранила и свои картины, которые я рисовала уже будучи старшеклассницей. Картины, видимо, были не так уж плохи, если меня регулярно спрашивали, не училась ли я в художественном училище? Нет, вот там учиться мне не довелось.
И стихи, которые я писала в юности и в молодости, тоже куда-то подевались. Вот только недавно узнала, что, оказывается, некоторые мои знакомые хранят эти мои стихи и даже читают их на встречах. И вот как это назвать? У меня почему-то ничего не сохранилось. И можно, конечно, сказать, что сама дура виновата, но мы с мужем, поженившись, так много раз переезжали, что сохранить всё это не было никакой возможности.
Ах, ну да, я что-то съехала с темы. В общем, внучка нарисовала такой рисунок, на котором были изображены какие-то разноцветные пятна и когда я, по привычке, спросила, что же это она нарисовала, ребенок мне ответил: «ну почему обязательно — что это?». Это просто тмуна (картина), вот как эта — и взмахом руки она указала на картину (ну, конечно, копию) Кандинского.
Понятно. В общем, абстракционизм.
Стили и направления живописи
Существует огромное разнообразие стилей и направлений в изобразительном искусстве.
Часто они не имеют четко выраженных границ и плавно переходят из одного в другой, находясь в непрерывном развитии, смешении и противодействии. В рамках одного исторического художественного стиля всегда зарождается новый, а тот, в свою очередь, переходит в следующий и т.д. Многие стили сосуществуют одновременно и поэтому «чистых стилей» вообще не бывает. У нас вы можете заказать портрет по фотографии на холсте.
(произошло от лат. abstractio – удаление, отвлечение) – направление искусства, отказавшееся от приближенного к действительности изображения форм в живописи и скульптуре. Одна из целей абстракционизма – достижение гармонии, создание определённых цветовых сочетаний и геометрических форм, чтобы вызвать у созерцателя разнообразные ассоциации. Главными представителями абстракционизма были: Василий Кандинский (1866-1944), Пабло Пикассо (1881-1973).
Авангардизм(произошло от фр. avant-garde – передовой отряд) – совокупность экспериментальных, модернистских, подчеркнуто необычных, поисковых начинаний в искусстве 20 века. Авангардными направлениями являются: фовизм, кубизм, футуризм, экспрессионизм, абстракционизм, сюрреализм, акционизм, поп-арт, концептуальное искусство.
Академизм
(от фр. academisme) – направление в европейской живописи XVI-XIX веков. Основывалось на догматическом следовании внешним формам классического искусства. Последователи характеризовали этот стиль как рассуждение над формой искусства древнего античного мира и эпохи Возрождения. Академизм восполнял в себе традиции античного искусства, в которых идеализирован образ натуры, компенсируя при этом норму красоты. В этом стиле писали Аннибале, Агостино и Лодовико Карраччи.
Акционизм(от англ. action art – искусство действия) – хэппенинг, перформанс, эвент, искусство процесса, искусство демонстрации и ряд других форм возникших в авангардистском искусстве 1960-х годов. В соответствии с идеологией акционизма художник должен заниматься организацией событий, процессов. Акционизм стремится стереть грань между искусством и действительностью. Наиболее известный представитель акционизма – Джексон Поллок.
Алла прима(аля прим) (произошло от итал. alla prima – в первый момент) – разновидность техники масляной живописи, предусматривающая выполнение картины (или её фрагмента) за один сеанс, без предварительных прописок и подмалевка.
Ампир(произошло от франц. empire – империя) – стиль в архитектуре и декоративном искусстве возникший во Франции в начале XIX в., в период Первой Империи Наполеона Бонапарта. Ампир – финал развития классицизма. Для воплощения величества, изысканности, роскоши, мощи и воинской силы Ампиру характерно обращение к античному искусству: древнеегипетским декоративным формам (военные трофеи, крылатые сфинксы…), этрусским вазам, помпейской росписи, греческому и римскому декору, ренессансных фрескам и орнаментам. Главным представителем этого стиля был Ж.Л.Давид (картины “Клятва Горациев” (1784), “Брут” (1789))
Анималистика(произошло от лат. animal – животное) – жанр изобразительного искусства, в котором основным предметом изображения являются животные.
Аппликация(произошло от лат. applicatio – прикладывание) – способ создания орнаментов, изображений путём наклеивания на холст разноцветных кусочков какого-либо материала.
Анахронизм(от греч. ana – обратно и hronos – время), другое название – гиперманьеризм – одно из направлений постмодернизма, предлагающее авторскую интерпретацию искусства прошлого. Анахронизм возник в конце 1970-х гг. в Италии, позднее и во Франции. Мастера анахронизма: Карло Мария Мариани, Омар Галлиани, Луиджи Онтани, Стефано ди Стасио, Убальдо Бартолини, Антонио Аббате, Жан Гаруй.
Андеграунд(от англ. underground – подполье, подземелье) – ряд художественных направлений в современном искусстве, противопоставляющих себя массовой культуре, мейнстриму. Андеграунд отвергает и нарушает принятые в обществе политические, моральные и этические ориентации и типы поведения, внедряя в повседневность асоциальное поведение. В советский период в силу строгости режима почти всякое неофициальное, т.е. не признанное властями, искусство оказывалось андеграундом.
Арте повера(от ит. arte povera – бедное искусство) – художественное направление, объединившее художников из Рима, Турина, Милана и Генуи во второй половине XXв. Художники арте повера визуализировали диалог между природой и индустрией, используя промышленные или нехудожественные материалы, хотели освободить творчество от ограничений традиционных форм искусства и художественного пространства, а также играли с политическим измерением индустриальных материалов. Движение стало заметным явлением на международной арт-сцене, находясь в противостоянии и диалоге с минимализмом в Америке, который также использовал индустриальные материалы. С точки зрения художников арте повера, минимализм занимался аспектами формы и не затрагивал поэтические, политические и исторические проблемы, которые были важны для арте повера. Арте повера не было объединением художников, имеющим свой манифест. Это было прежде всего движение, которое при помощи куратора и критика было признано и классифицировано в своей совокупности.
Ар нуво(от фр. art nouveau, буквально – новое искусство) – распространённое во многих странах (Бельгия, Франция, Англия, США и др.) название стиля модерн. Самый известный художник этого направления живописи: Альфонс Муха.
Арт деко
(от фр. art deco, сокр. от decoratif)- направление в искусстве в середине 20 века, обозначившее синтез авангарда и неоклассицизма, пришло на смену конструктивизму. Отличительные признаки этого направления: усталость, геометрические линии, роскошь, шик, дорогие материалы (слоновая кость, крокодиловая кожа). Самым известным художником этого направления является Тамара де Лемпицка(1898-1980).
АэрографияТехника живописного письма аэрографом (в переводе воздушная кисть – прибор для тонкого распыления краски сжатым воздухом) по трафарету.
Барокко(произошло от итал. barocco – странный, причудливый или от порт. perola barroca – жемчужина неправильной формы, существуют и другие предположения о происхождении этого слова) – художественный стиль в искусстве позднего Возрождения. Отличительные признаки этого стиля: преувеличенность размеров, изломанность линий, обилие декоративных подробностей, тяжесть и колоссальность.
Бидермейер(от нем. biedermeier – простодушный, обывательский) – направление в немецком и австрийском искусстве, распространённое в 1815-1848 годах. Стиль является ответвлением романтизма, пришедшего на смену ампиру, поэтому его иногда называют смесь ампира с романтизмом. В бидермейере формы стиля ампир преобразовывались в духе интимности и домашнего уюта. Для стиля характерно тонкое, тщательное изображение интерьера, природы и бытовых деталей. Представители бидермейера в живописи: Г. Ф. Керстинг, Людвиг Рихтер, Карл Шпицвег, Мориц фон Швинд и Фердинанд Вальдмюллер.
Батальный жанр(произошло от фр. bataille – битва) – жанр изобразительного искусства, в котором изображаются темы войны: сражения, военные походы.
Бытовой жанр(жанровая живопись) – жанр изобразительного искусства, в котором изображаются обыденные сцены из повседневной жизни человека без прикрас.
Ванитас(от лат. vanitas, букв. – «суета, тщеславие») – жанр живописи эпохи барокко, аллегорический натюрморт, композиционным центром которого традиционно является человеческий череп. Подобные картины, ранняя стадия развития натюрморта, предназначались для напоминания о быстротечности жизни, тщетности удовольствий и неизбежности смерти. Наибольшее распространение получил во Фландрии и Нидерландах в XVI и XVII веках, отдельные примеры жанра встречаются во Франции и Испании.
Ведутажанр Венецианской живописи 18 века, в котором изображается городской пейзаж в виде панорамы, с соблюдением масштаба и пропорций. Великий представитель этого стиля в живописи – венецианский художник Каналетто (1697-1768). В России родоначальником архитектурной ведуты были живописцыФ.Я.Алексеев, М.Н.Воробьёв, С.Ф.Щедрин.
Веризм(от итал. il verismo, от слова vero – истинный, правдивый) – реалистическое направление в итальянском изобразительном искусстве конца XIX века. Термин возник в XVII веке, употреблялся в изобразительном искусстве и обозначал реалистическую струю в живописи барокко. Затем термин возрождается во второй половине XIX века, являясь обозначением (весьма неопределёнными расплывчатым) реалистического и натуралистического направления в итальянском искусстве. Самыми известными художниками этого направления являютсяДж. Фаттори, С. Лега, Т. Синьрини, О. Боррани, В. Кабьянка,Дж. Аббати и др.
Возрождениеили РЕНЕССАНС (от фр. renaissance, итал.rinascimento) – эпоха в истории культуры Европы, пришедшая на смену культуре Средних веков и предшествующая культуре нового времени. Примерные хронологические рамки эпохи – XIV-XVI века. Отличительная черта эпохи возрождения – светский характер культуры и её антропоцентризм (то есть интерес, в первую очередь, к человеку и его деятельности). Появляется интерес к античной культуре, происходит как бы её «возрождение» – так и появился термин. Рисуя картины традиционной религиозной тематики, художники начали использовать новые художественные приёмы: построение объемной композиции, использование пейзажа на заднем плане, что позволило им сделать изображения более реалистичными, оживленными. Это резко отличало их творчество от предыдущей иконографической традиции, изобилующей условностями в изображении. Наиболее известные художники этого периода: Сандро Боттичелли (1447-1515),Леонардо да Винчи (1452-1519), Рафаэль Санти (1483-1520),Микеланджело Буонарроти (1475-1564), Тициан (1477-1576),Антонио Корреджо (1489-1534), Иероним Босх (1450-1516),Альбрехт Дюрер (1471-1528).
Геометрический абстракционизмвид абстрактного искусства, композиции которого построены из ограниченного набора правильных форм и основных цветов.
ГиперреализмФОТОРЕАЛИЗМ, СУПЕРРЕАЛИЗМ – стиль в живописи и скульптуре, основанный на фотореализации объекта. Гиперреализм возник в США в середине 20 века. Главная цель гиперреализма показать действительность.
Городской пейзаж(архитектурный пейзаж) – жанр изобразительного искусства, в котором основным предметом изображения являются городские улицы, здания.
Готика(произошло от итал. gotico – непривычный, варварский) – период в развитии средневекового искусства, охватывавший почти все области культуры и развивавшийся на территории Западной, Центральной и отчасти Восточной Европы с XII по XV век. Готика завершила развитие европейского средневекового искусства, возникнув на основе достижений романской культуры, а в эпоху Возрождения искусство средневековья считалось «варварским». Готическое искусство было культовым по назначению и религиозным по тематике. Оно обращалось к высшим божественным силам, вечности, христианскому мировоззрению. Готика в своем развитии подразделяется на Раннюю готику, Период расцвета, Позднюю готику.
Графикаискусство изображения предметов контурными линиями и штрихами. Иногда в графике допускается применение цветных пятен, но здесь они играют вспомогательную роль.
Гризайль(произошло от фр. grisaille, от gris – серый) – вид декоративной живописи, выполняемой в разных оттенках какого-либо одного цвета (чаще серого). Гризайль применяется с 17 века, широко распространена в росписях интерьеров классицизма, главным образом как имитация скульптурного рельефа.
Дадаизм(произошло от фр. dadaisme, dada – деревянная лошадка; в переносном смысле – бессвязный детский лепет) – модернистское литературно-художественное течение 1916-1922 годов, для которого характерны сознательный иррационализм и демонстративный антиэстетизм. Зародился во время Первой мировой войны в Цюрихе (Швейцария), как реакция на последствия войны, жестокость которой, по мнению дадаистов, подчеркнула бессмысленность существования. Рационализм и логика объявлялись одними из главных виновников опустошающих войн и конфликтов. Исходя из этого, дадаисты считали, что современную европейскую культуру необходимо уничтожить через разложение искусства. Самые известные дадаисты: Ханс Арп (1886-1966), Марсель Дюшан (1887-1968),Макс Эрнст (1891-1976), Филипп Супо (1897-1990), Тристан Тцара (1896-1963).
Декоративная живописьживопись, созданная с целью украшения интерьера или дополнения к дизайну помещения.
Дивизионизм(от франц. division – разделение), пуантилизм – направление неоимпрессионизма, письмо раздельными четкими мазками в виде точек или мелких квадратов. Смешение цветов с образованием оттенков происходит на этапе восприятия картины зрителем. Самые известные художники, писавшие в этом стиле:Жорж Сёра (1859 – 1891), Поль Синьяк (1863-1935), Анри Матисс (1869-1954), Камиль Писсарро, Люсьен Писсарро, Анри Эдмон Кросс, Шарль Теофил Ангран, Максимилиан Люс, Ипполит Птижан, Жорж Леммен, Тео Ван Риссельберге, Джованни Сегантини, Николай Мещеряков.
Импрессионизм(от фр. impression – впечатление) – направление в европейской живописи, зародившееся во Франции в середине 19 века. Импрессионисты избегали всяких подробностей в рисунке и пытались уловить общее впечатление от того, что видит глаз в конкретный момент. Этого эффекта они достигали при помощи цвета и фактуры. Самые известные художники этого направления живописи: Мане, Ренуар, Сезанн, Дега, Моне, Писсарро.
Караваджизмстиль европейской живописи эпохи барокко, появившийся в Риме в конце XVI века. Основоположником этого стиля считается Караваджо. Караваджо оказал огромное влияние на развитие европейской реалистической живописи.
Революция Караваджо в области формы и иконографии живописи явилась результатом радикального изменения отношений между художником и внешним миром. Для караваджизма характерны: демократизм художественных идеалов; интерес к непосредственному воспроизведению натуры; драматизация изображения с помощью контрастов света и тени; стремление передать ощущение осязаемой материальности предметов; крупные планы; монументализация жанровых мотивов; бытовая трактовка религиозных и мифологических сюжетов.
кич (от нем. kitsch – безвкусица) – термин, обозначающий одно из наиболее одиозных явлений массовой культуры, синоним псевдоискусства, в котором основное внимание уделяется экстравагантности внешнего облика, крикливости его элементов. По сути, китч – разновидность постмодернизма. Китч – это массовое искусство для избранных. Произведение, принадлежащее к китчу, должно быть сделано на высоком художественном уровне, в нем должен быть увлекательный сюжет, но это не настоящее произведение искусства в высоком смысле, а искусная подделка под него. В китче могут быть глубокие психологические коллизии, но там нет подлинных художественных открытий и откровений.
Классицизм(произошло от лат. classicus – образцовый) – художественный стиль и эстетическое направление в европейской литературе и искусстве 17 – начала 19 вв., одной из важных черт которых являлось обращение к образам и формам античной литературы и искусства, как идеальному эстетическому эталону. Художественное произведение, с точки зрения классицизма, должно строиться на основании строгих канонов, тем самым, обнаруживая стройность и логичность самого мироздания. Интерес для классицизма представляет только вечное и неизменное. В каждом явлении он стремится распознать только существенные, типологические черты, отбрасывая случайные индивидуальные признаки. Эстетика классицизма придаёт огромное значение общественно-воспитательной функции искусства. Многие правила и каноны классицизм берет из античного искусства.
Клуазонизм(от фр. cloison – перегородка) – термин, перенесенный в живопись из прикладного искусства. Суть данной системы заключается в том, что все полотно разделяется на несколько плоскостей разного цвета в соответствии с изображаемыми фигурами или предметами. Каждая из этих плоскостей очерчивается причудливо изгибающейся широкой контурной линией, как в витражах свинцовыми перегородками. Главная роль в клуазонизме отводится чистым контрастным цветам, которые придают живописной плоскости особый декоративный эффект, поднимая линию горизонта и разрушая привычную перспективу натурного пространства. Фигуры уплощаются и становятся похожими на тени. Эта манера письма разработана Эмиль Бернаром и Л.Анкетеном в 1887 г.
Конструктивизмнаправление в советском искусстве 20-х гг. ХХ в. Сторонники конструктивизма, выдвинув задачу конструирования окружающей среды, активно направляющей жизненные процессы, стремились осмыслить формообразующие возможности новой техники, ее логичных, целесообразных конструкций, а также эстетические возможности таких материалов, как металл, стекло, дерево. Показной роскоши конструктивисты стремились противопоставить простоту и подчеркнутый утилитаризм новых предметных форм, в чем они видели овеществление демократичности и новых отношений между людьми.
Космизм(от греч. kosmos – организованный мир, kosma – украшение) – художественно-философское мировоззрение, в основе которого располагается знание о Космосе и представление о человеке как о гражданине Мира, а также о микрокосмосе, подобном Макрокосмосу. Космизм связан с астрономическими знаниями о Вселенной.
Кубизм(от фр. cubisme, произошло от cube – куб) – модернистское направление в живописи начала ХХ века, которое выдвинуло на первый план формальную задачу конструирования объёмной формы на плоскости, сведя к минимуму изобразительно-познавательные функции искусства. Слово “кубисты” было употреблено в 1908 и 1909 французским критиком Л. Воселем как насмешливое прозвище группы художников, изображавших предметный мир в виде комбинации геометрических тел или фигур. Самый известный художник этого направления живописи: Пабло Пикассо (1881-1973).
Кубофутуризмнаправление в искусстве авангарда в начале ХХ века, соединившее в себе наработки итальянских футуристов и французских кубистов.
Самые известные художники кубофутуризма: Казимир Малевич,Давид Бурлюк, Иван Клюин, Александра Экстер, Наталья Гончарова, Надежда Удальцова, Любовь Попова, Ольга Розанова, Иван Пуни.
ПОП-СЮРРЕАЛИЗМ (от англ. lowbrow – малообразованный, непритязательный) – направление в изобразительном искусстве, возникшее в Лос-Анджелесе в конце 1970-х годов. На становление лоуброу арта повлияли панк-музыка, поп-искусство и другие субкультуры. У истоков движения стояли подземные карикатуристы Роберт Уильямс и Гэри Пэнтер, и художники Гэри Байсмэн и Тим Бискуп.)
Лучизмживописное направление в русском искусстве 1910-х гг. Придумали этот стиль М. Ф. Ларионов и Н.С. Гончарова.
Лучизм это абстрактное искусство, основанное на вмещение световых спектров и светопередачи.
(от итал. manierismo, от maniera – манера, стиль) – стиль в искусстве, основанный на усвоении манеры какого-нибудь большого мастера или определенной художественной школы.
Метареализм(произошло от греч. meta – между, после, через и геalis – вещественный, действительный) – реализм многих реальностей, связанных непрерывностью метаболических превращений и перемен состояний. Есть реальность, открытая зрению муравья, и реальность, открытая блужданию электрона, и реальность, свёрнутая в математическую формулу. Метареальный образ, метаморфоза, метабола – способ взаимосвязи всех этих реальностей, утверждение их растущего единства.
Мизерабилизм
(от фр. miserable – несчастный) – направление изобразительного искусства, зародившееся во Франции после 1940-х годов. В рамках данного направления, на первое место выносятся принципы фигуративности, сюжетно-драматическое начало в живописи и графике, с подчеркиванием трагической обреченности, «покинутости» человека в мире. Основоположником мизерабилизма считается Франсис Грюбер.
Минимализм
(произошло от англ. minimal art – минимальное искусство) – художественное течение, исходящее из минимальной трансформации используемых в процессе творчества материалов, простоты и единообразия форм, монохромности, творческого самоограничения художника. Для минимализма характерен отказ от субъективности, репрезентации, иллюзионизма. Отвергая классические приемы и традиционные художественные материалы, минималисты используют промышленные и природные материалы простых геометрических форм и нейтральных цветов (черный, серый), малых объемов, применяют серийные, конвейерные методы индустриального производства. Минимализм возник в США в первой половине 60-х гг. Среди наиболее репрезентативных минималистов: К. Андре, М. Бочнер,У. Де Мариа, Д. Флэвин, С. Ле Витт, Р. Мэнголд, Б. Мэрден, Р. Моррис, Р. Раймэн.
Модерн
(произошло от фр. moderne – новейший, современный) – cтиль в европейском и американском иcкyccтвe нa pyбeжe XIX-XX вeкoв. Модерн переосмысливал и стилизовал черты искусства разных эпox, и выpaбoтaл coбcтвeнныe xyдoжecтвeнныe пpиeмы, ocнoвaнныe нa пpинципax асимметрии, орнаментальности и декоративности. Его отличительными особенностями являются: отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, природных линий. Этим oбъяcняeтcя нe тoлькo интepec к pacтитeльным opнaмeнтaм в пpoизвeдeнияx мoдepнa, нo и caмa иx кoмпoзициoннaя и плacтичecкaя cтpyктypa – oбилиe кpивoлинeйныx oчepтaний, oплывaющиx, нepoвныx кoнтypoв, напоминающих pacтитeльныe фopмы. Художники, писавшие в стиле модерн: Поль Гоген (1848-1903), Густав Климт (1862-1918).
Модернизм
(произошло от итал. modernismo – «современное течение») – общее название направлений искусства и литературы конца 19-20 века: кубизм, дадаизм, сюрреализм, модерн, футуризм, экспрессионизм, абстрактное искусство, функционализм, неоимпрессионизм, постимпрессионизм и т. п.
Натюрморт
(в переводе с фр. – мертвая, неодушевленная натура) – это художественное изображение различных предметов быта. Ими могут быть: посуда, домашняя утварь, фрукты, овощи, цветы, дичь или любое их сочетание. Самые известные школы в написание натюрморта – фламандская и голландская, в которых по-своему решили задачу передачи цвета и композиции.
Наив, наивное искусство
изобразительные виды народного искусства; творчество художников-самоучек; а также самодеятельное искусство.
Натурализм
(произошло от лат. naturalis – природный) – направление в литературе и искусстве последней трети 19 века, стремившееся к объективно точному и бесстрастному воспроизведению наблюдаемой реальности. Считается, что натурализм воспроизводит реальность без ее идейного осмысления, художественного обобщения, критической оценки и отбора.
Неоклассицизм
Де Стиль – термин, обозначающий художественные явления последней трети XIX-XX вв., которым присуще обращение к традициям античного искусства, искусства эпохи Возрождения или классицизма. Возникновение неоклассицизма обусловлено стремлением противопоставить некие “вечные” эстетические ценности тревожной и противоречивой реальности. Самый известный художник этого направления живописи: Адольф Вильям Бугро (1825-1905)
Неопластицизм
одна из ранних разновидностей абстрактного искусства. Создан к 1917 году нидерландским живописцем П. Мондрианом и др. художниками входившими в объединение “Стиль”. Для неопластицизма характерно, по словам его создателей, стремление к “универсальной гармонии”, выразившееся в строго уравновешенных комбинациях крупных прямоугольных фигур, четко разделенных перпендикулярными линиями черного цвета и окрашенных в локальные цвета основного спектра (с добавлением белого и серого тонов).
НеореализмНеореализм
художественное направление, получившее развитие в изобразительном искусстве в середине XX века в ряде стран Европы и в США, представители которого на фоне модернистского искусства провозгласили возврат к реалистическим ценностям традиционных изобразительных форм.
Неоэкспрессионизм
направление в современной живописи, которое возникло в конце 1970-х и доминировало на арт-рынке до середины 1980-х. Неоэкспрессионизм возник в Европе как реакция на концептуальное и минималистическое искусство 1970-х. Неоэкспрессионисты вернулись к образности, фигуративности, живой и эмоциональной манере, ярким насыщенным цветам.
Ню(произошло от фр. nu – нагой, раздетый) – один из жанров изобразительного искусства, посвященный изображению нагого тела, преимущественно женского. В своём развитии ню тесно связан с изображением обнажённого человеческого тела и воплощает идеал красоты данной страны и эпохи. Ню зарождается в эпоху Возрождения в рамках мифологического, аллегорического, исторического и бытового жанров. Формирование ню как жанра происходит в 17 веке с распространением идей сенсуализма: изображения нагого тела проникаются откровенно чувственным началом.
Оп-Арт(от англ. ор art, сокращение от optical art – оптическое искусство) – неоавангардистское течение в изобразительном искусстве, одна из поздних модификаций абстрактного искусства. В оп-арте эффекты пространственного перемещения, слияния и “парения” форм достигались введением резких цветовых и тональных контрастов, ритмических повторов, пересечения спиралевидных и решетчатых конфигураций, извивающихся линий.
Орфизм(от фр. orphisme, от Orpһée – Орфей) – направление во французской живописи 1910-х гг. Название дано в 1912 французским поэтом Аполлинером живописи художника Робер Делоне. Орфизм связан с кубизмом, футуризмом и экспрессионизмом. Основные особенности живописи этого стиля эстетизм, пластичность, ритмичность, изящество силуэтов и линий.
Мастера орфизма: Робер Делоне, Соня Терк-Делоне,Франтишек Купка, Франсис Пикабиа, Владимир Баранов-Россине, Фернан Леже, Морган Рассел.
(искаженное лат. persona – личность, особа) – первоначально синоним современного понятия портрет вне зависимости от стиля, техники изображения, места и времени написания. Понятие парсуна в значении произведения переходного периода от иконописи к светской портретной живописи предложено И.М. Снегирёвым в 1854 году.
Пастораль
(произошло от фр. pastorale, пастушеский, сельский) – жанр поэтизирующий мирную и простую сельскую жизнь.
Примитивизм
стиль живописи, зародившийся в XIX-XX веках. Примитивисты намеренно упрощали картину, делая её формы примитивными, как народное искусство, творчество ребенка или первобытного человека. Основное отличие от наивного искусства: наив – живопись непрофессионалов, а примитивизм – стилизованная живопись профессионалов. Самыми известными художниками этого направления являются Марк Шагал, Нико Пиросмани.
Поп-арт
(произошло от англ. popular art – популярное, общедоступное искусство или от pop – отрывистый звук, лёгкий хлопок) – буквально: искусство, производящее взрывной, шокирующий эффект – неоавангардистское направление в изобразительном искусстве. Поп арт получил распространение со 2-й половины 1950-х гг. в США. Художники этого направления воспроизводят буквально типичные предметы современного быта (вещи домашнего обихода, упаковку товаров, фрагменты интерьеров, детали машин…), популярные печатные изображения известных личностей, вырезки из газет или включают эти предметы и изображения в композиции. Отличительная черта поп-арта – сочетание вызова с безразличием. Все одинаково ценно или бесценно, одинаково красиво или безобразно, одинаково достойно или недостойно. Самые известные художники поп арта: Джаспер Джонс, Роберт Раушенберг и Энди Уорхол.
(произошло от фр. слова portrait) – это художественное изображение человека с передачей его внутреннего мира. Делится на индивидуальный, групповой, парадный, автопортрет.
Постимпрессионизм
(произошло от фр. postimpressionisme, от лат. post – после и импрессионизм) – совокупность направлений, возникших во французском искусстве во второй половине 1980-х годов и пришедших на смену импрессионизму. Началом постимпрессионизма принято считать середину 1880-х, когда состоялась последняя выставка импрессионистов и был опубликован Манифест символизма (1886) поэта Жана Мореаса. Новые течения декларировали неприятие эстетики импрессионизма и реализма. Их объединяла готовность передавать в картинах не сиюминутные, но длительные, сущностные состояния жизни, как материальные, так и духовные. Поиски шли различными путями: это и пуантилизм (Жорж Сёра,Поль Синьяк), и символизм Поля Гогена.
Постмодернизм
(произошло от фр. postmodernisme – после модернизма) – новый художественный стиль, отличающийся от модернизма возвратом к красоте вторичной реальности, повествовательности, обращением к сюжету, мелодии, гармонии вторичных форм. Для постмодернизма характерно заимствование из разных эпох, регионов и субкультур стилей, образных мотивов и художественных приемов.
Прерафаэлитизм
(произошло от англ. pre перед и raphaelitism – Рафаэль) – эстетико-мистическое направление в английской поэзии и живописи во второй половине XIX в, образовавшееся в начале 50-х годов с целью борьбы против условности в английском искусстве викторианской эпохи, против академических традиций и слепого подражания классическим образцам.
Проторенессанс
(произошло (от греч. protos – первый и фр.Renaissance – Возрождение) – переходное направление в итальянском искусстве от эпохи Средневековья к эпохе Возрождения.
Пуантилизм
(дивизионизм) (произошло от фр. pointiller – писать точками) – направление неоимпрессионизма, письмо раздельными четкими мазками в виде точек или мелких квадратов. Смешение цветов с образованием оттенков происходит на этапе восприятия картины зрителем. Самые известные художники, писавшие в этом стиле: Жорж Сёра (1859 – 1891), Поль Синьяк (1863-1935), Анри Матисс (1869-1954).
Пуризм
(от фр. pur – чистый) – направление в живописи и архитектуре XX века, ищущее при создании своих произведений эстетической ясности, точности, подлинности в изображении. Это течение было создано французским художником Амеде Озенфаном и архитектором Ле Корбюзье в 1918 году с написанием ими художественного манифеста «После кубизма». Идеальной пропорцией в пуризме рассматривается золотое сечение и отвергается декоративность и манерность.
Реализм
(произошло от лат. геalis – вещественный, действительный) – направление в искусстве, характеризующееся изображением социальных, психологических и прочих явлений, максимально соответствующим действительности. Самые известные реалисты: Илья Репин, Иван Шишкин, Василий Поленов, Василий Суриков, Исаак Левитан.
Рококо
(происходит от фр. rococo, rocaille) – стиль в искусстве и архитектуре, зародившийся во Франции в начале 18 века. Отличался грациозностью, легкостью, интимно-кокетливым характером. Придя на смену тяжеловесному барокко, рококо явился одновременно и логическим результатом его развития, и его художественным антиподом. Со стилем барокко рококо объединяет стремление к завершённости форм, однако если барокко тяготеет к монументальной торжественности, то рококо предпочитает изящество и лёгкость.
Романтизм
(произошло от фр. romantisme) – идейное и художественное направление в европейской и американской живописи конца 18 – начала 19 веков, выдвигавшее на первый план индивидуальность, наделяя ее идеальными устремлениями. Романтизм выделял главенство воображения и чувств. Его основная социально-идеологическая предпосылка – разочарование в буржуазной цивилизации, в социальном, промышленном, политическом и научном прогрессе. Самые известные живописцы этого жанра: Э. Делакруа, И.К. Айвазовский (1817-1900).
Иппический жанр
(произошло от греч. hippos – лошадь) – жанр изобразительного искусства, в котором главным мотивом является изображение лошади.
Исторический жанр
жанр изобразительного искусства, посвященный историческим событиям и деятелям, а также социально значимым явлениям в истории общества.
Каприччо(произошло от итал. capriccio, буквально – каприз, прихоть) – архитектурный пейзаж-фантазия. Самые известные художники писавшие каприччо: Франческо Гварди, Антонио Каналетто.
Марина
МОРСКОЙ ПЕЙЗАЖ (произошло от фр. marine, итал.marina, от лат. marinus – морской) – жанр изобразительного искусства, изображающий морской вид. Яркий представитель этого жанра – И.К.Айвазовский (1817-1900).
Сентиментализм
(произошло от лат. sentiment – чувство) – направление западного искусства второй половины XVIII., выражающее разочарование в цивилизации, основанной на идеалах разума. Сентиментализм провозглашает чувство, уединенное размышление, простоту сельской жизни “маленького человека”. Идеологом сентиментализма считается Ж.Ж.Руссо. Художники, писавшие в этом жанре: Я.Ф. Хаккерт, Р.Уилсон, Т.Джонс, Дж.Форрестер, С.Дэлон.
Символизм
(происходит от фр. symbolisme) – одно из крупнейших направлений в искусстве (в литературе, музыке и живописи), возникшее во Франции в 1870-80-х гг. и достигшее наибольшего развития на рубеже XIX и XX веков, прежде всего в самой Франции, Бельгии и России. Символисты радикально изменили не только различные виды искусства, но и само отношение к нему. Их экспериментаторский характер, стремление новаторству, космополитизм и обширный диапазон влияний стали образцом для большинства современных направлений искусства. Художники символисты: Обри Бердслей, Михаил Врубель.
Стрит-арт(от англ. street art – уличное искусство) – искусство, получившее развитие на улицах и в городских публичных местах. Включает в себя граффити, тэги, трафаретное граффити, стикер-арт, постеры, видео проекции, флэш-мобы и уличные инсталляции.
Материал подготовлен студией Art-Spb
Промоутер абстракционизма: Василий Кандинский в Бонне | Культура и стиль жизни в Германии и Европе | DW
Выставка Кандинского открывается очень внушительно: большой светлый зал, одна из стен которого — окно. На белых стенах огромные фотографии художника и его подробная биография. На фотографиях мы видим становление денди и гения.
Лицо новой эпохи
Молодой Кандинский носил усы и бородку и был похож на молодого барина. Потом бородка исчезла, появились металл во взгляде и поднятый подбородок. Самоуверенность и даже высокомерие Кандинского очень заметны. Кандинский не просто художник, не просто преподаватель и теоретик. Он был активным, харизматическим пропагандистом и, как говорят сегодня, промоутером абстракционизма. И то, что он считал себя лицом и лидером новой эпохи, нового мировоззрения, прекрасно видно по его фотографиям.
Василий Кандинский, 1913
Под самым потолком, над фотографиями и биографией, напечатан фриз из цитат мастера. Я некоторые старательно переписал: «Эти абстрактные формы важны не сами по себе, важен их внутренний звук, их жизнь», «Каждое произведение искусства технически возникает так же, как космос возник из катастроф», «Создание произведения искусства — это создание мира».
Звучит патетически, и сегодня невозможно представить себе художника, говорящего в таком бронзово-мраморном стиле. Постоянно повторяются слова «внутренний» и «чувство». Разве можно с этим не согласиться? Разве Кандинский говорит не само собой разумеющиеся вещи, о которых сегодня знают даже дети?
За видимым материальным миром
И тут мы встречаем первую проблему — и Кандинского, и выставки. Кандинский был теософом. Его термины «форма», «чувство», «внутренний», «непосредственный» — это термины антропософской доктрины, то есть определенной неоспиритуальной идеологии начала ХХ века.
В двух грубых словах идею Кандинского можно описать так: за видимым материальным миром стоит мир невидимый, открытый нашему «внутреннему чувству». Внутренне чувство непосредственно воспринимает игру «абстрактных» форм и цветов: точек, линий, полос и пятен, имеющих тот или иной цвет — красний, синий, желтый. Скажем, желтый треугольних и красный круг кодируют некоторое «внутреннее состояние», которому созвучна наша душа, то есть это «состояние» переливается из круга и треугольника прямо в нашу душу, не нуждаясь в словах и опознаваемых предметах.
На практике процесс перехода к абстракционизму был долгим и непростым. И нелинейным — абстрактных, ничего не изображающих, визуальных элементов становилось то больше, то меньше. Кандинский очень заботился о своем приоритете (хотя писал о высоком, о чувствах, духовности и внутреннем опыте), и в 1913 году подписал один из своих рисунков «Первая абстрактная акварель», вбив гвоздь в историю искусств. Сегодня искусствоведы не считают изобретение абстракционизма фиксированной точкой в истории, картины постепенно становились все более и более абстрактными в течении некоторого периода, и трансформация предметного рисования в беспредметное в случае каждого отдельного художника заслуживает интереса.
Путь в царство беспредметного
Трансформация искусства Кандинского — один из самых известных и наглядных эпизодов в истории модернизма, эта трансформация может быть прослежена на примере его живописи, его рисунков или, как в случае выставки в боннском музее, печатной графики.
«Сидящие девушки», 1907
В самом начале пути Кандинский рисовал вполне иллюстративные картинки: рыцари, девы, парки, реки, паруса. Они похожи на иллюстрации Билибина к русским сказкам, только сделаны куда более грубо. Кандинский использовал эффекты народного лубка.
«Три всадника в красном, синем и черном», 1911
С течением времени контурные линии рисунков Кандинского стали отползать друг от друга, фигуры, которые ими ограничивались, растворяются в фоне. Картинки зримо утрачивают связность, нога отрывается от лошади и становится уже не столько ногой, сколько изогнутой линией. Картина превращается в аквариум, в котором плавают изогнутые черные кочерги и красные и синие пятна. Синие пятна тянутся к синим пятнам, синие пятна уже ничего не изображают. Картинка как бы расслаивается, живет на нескольких этажах: контуры утекают в одну сторону, пятна цвета — в другую.
Серия «Маленькие миры», лист VIII, 1922
Дальше — больше. Линии наползают друг на друга, сбиваются в кучи, происходящее начинает напоминать побоище мохнатых инфузорий в питательном растворе. Выглядит это жутковато, но не без шарма. Рисунок Кандинского плотный и интенсивный. Конечно, это копошение мелких форм похоже не столько на абстракционизм, сколько на сюрреализм.
Серия «Маленькие миры», лист IV, 1922
Следующий шаг — геометризм. Кривые линии постепенно распрямляются, появляются жесткие геометрические формы: треугольники, квадраты, круги, висящие в пустоте. Жутковая органическая пластика совершенно исчезает. Геометрический абстракционизм так и остался последним словом Кандинского.
Где рука гения?
Но вернемся к боннской экспозиции. После светлого, просторного и торжественного первого зала, заполненного огромными фотографиями и торжественными лозунгами, сама выставка обескураживает. Залы затемнены, что, впрочем, понятно: старая бумага очень чувствительна к свету, на свету она желтеет.
Графика помещена в одинаковые огромные серые паспарту и черные рамки. Выглядят эти ряды одинаковых паспарту как надгробья в полумраке.
Сами работы Кандинского — малого формата. Маленькие черные линии, почти невидимые пресловутые точки (черная точка на белом листе имела огромное значение в визуальной метафизике Кандинского и в учении Баухауза): бумага сильно потемнела. В каждую гравюру надо долго всматриваться, искать, где же здесь рука гения, обещанное им царство духа?
Графические серии, выпускавшиеся в папках, являются коммерчески-маркетинговым ходом, но никак не возвышенно-спиритуальным. Для оформления своих книг Кандинский нарисовал много абстрактных виньеток, они легки и изящны, но виньетки все-таки ближе к салонному и декоративному искусству, чем к царству свободы.
Выставка поразила меня несоответствием претензий художника, его места в истории искусства, его мифа, с одной стороны, и невыразительностью представленных в экспозиции работ — с другой.
Любовь с первого взгляда
Впрочем, в целом выставка сделана очень прилежно и достойно, каталог толст и красив, а само полное собрание печатной графики Кандинского — уникально. Оно хранится в Мюнхене в городской галерее в Ленбаххаусе (Lenbachhaus).
И одно мне до того не известное творение мастера я полюбил, увидев в Бонне, сразу и всей душой. Благо оно висит сразу у входа и к тому же — крупного формата. Это афиша мюнхенской выставки… французского импрессиониста Клода Моне: темно-зеленый фон, текст и в самом верху плаката рисунок.
Что это за рисунок? Импрессионистский? Ничуть не бывало! Кандинский изобразил изгиб реки и плывущую ладью под треугольным парусом — «древнерусский» мотив Билибина или Рериха. К Клоду Моне он вопиюще не имеет никакого отношения. Абсурд? Бесчувственность? Неуважение к Моне? Как бы то ни было, сегодня это выглядит как сильный авангардистский ход.
Автор: Андрей Горохов
Редактор: Ефим Шуман
10 главных выставок сентября / Новости города / Сайт Москвы
«Любимов и время»
Дата: 30 августа — 26 октября
Место: Музей Москвы (Зубовский бульвар, дом 2)
Часы работы: вторник, среда, пятница, воскресенье — с 10:00 до 20:00, четверг — с 11:00 до 21:00, выходные — понедельник и последняя пятница месяца
В Музее Москвы открылась масштабная выставка «Любимов и время. 1917–2017. 100 лет истории страны и человека», приуроченная к столетию со дня рождения Юрия Любимова — актера, режиссера, основателя Театра на Таганке и знаковой фигуры для отечественного театра. Родившийся в революционный год Любимов стал революционером на театральных подмостках — отказавшись от системы Станиславского, он выстроил свою собственную.
Выставка в Музее Москвы, решенная в духе сценографии любимовских постановок и использующая современные мультимедийные технологии, занимает площадь более двух тысяч квадратных метров. В нее вошли фото и видео репетиций, афиши, декорации к спектаклям, фрагменты сценографий, предметы искусства из коллекций самого музея, театров, из личного архива семьи Любимовых и частных собраний. В пространстве выставки пройдут спектакли, перформансы, творческие встречи. Кульминацией станет спектакль «10 дней, которые потрясли мир» Максима Диденко и актеров Мастерской Дмитрия Брусникина — оммаж одноименному легендарному спектаклю, который Любимов поставил в Театре на Таганке в 1965 году. Спектакль покажут в Музее Москвы 29 сентября.
«Театр начинается с палки»
Дата: 31 августа — 19 ноября
Место: «Новое крыло» Дома Гоголя (Никитский бульвар, дом 7)
Часы работы: с 12:00 до 20:00, выходные — понедельник и вторник
Еще одна театральная выставка, хотя и не столь масштабная, открывается в «Новом крыле» Дома Гоголя. Студенты мастерской Дмитрия Крымова спорят с набившим оскомину выражением «Театр начинается с вешалки» и под руководством куратора Валентины Останькович выясняют, с чего он начинается на самом деле. Результатом исканий стало превращение выставочного пространства в мастерскую сценографа, где из разрозненных таинственных предметов и смыслов рождается спектакль: перед зрителем предстают бесконечно длинный занавес, палка-копалка, борщ в Большом театре и другие не менее загадочные объекты. Разобраться в том, что все это, собственно, такое, поможет аудиогид: голос-проводник расскажет историю каждого объекта и расставит все по полочкам. А еще позволит почувствовать себя на спектакле мастерской Дмитрия Крымова: игра со смыслами и визионерские приемы — визитная карточка театра.
«Клюндер. Графика»
Дата: 2 сентября — 3 декабря
Место: Государственный музей А.С. Пушкина (улица Пречистенка, дом 12/2)
Часы работы: ежедневно, кроме четверга, — с 10:00 до 18:00, четверг — с 12:00 до 21:00, выходные — понедельник и последняя пятница месяца
Александр Клюндер не самый известный российский художник XIX века. В свое время он был востребован, много работал, писал портреты членов императорской фамилии, а также А.С. Пушкина и М.Ю. Лермонтова, однако не оставил своего имени в истории. Выставка в Музее Пушкина призвана открыть широкой публике несправедливо забытого живописца. На ней будут представлены 159 акварельных портретов кисти Клюндера из Государственного Эрмитажа, Русского музея, Третьяковской галереи, Исторического музея, Пушкинского музея и других государственных музеев и частных коллекций.
«Край бунтарей»
Дата: 5 сентября — 8 октября
Место: Московский музей современного искусства (Тверской бульвар, дом 9)
Часы работы: с понедельника по воскресенье — с 12:00 до 20:00, четверг — с 13:00 до 21:00
Чуть больше месяца продлится небольшая, но очень интересная выставка в ММОМА. «Край бунтарей» представит работы владивостокских художников, чей взгляд определяет сегодняшнее состояние арт-сцены столицы Приморья. От первых неформальных опытов художников 1960-х до исканий их сегодняшних преемников — в экспозицию вошли работы более двух десятков ключевых фигур художественной жизни Владивостока из частных и государственных собраний. Картины из своих коллекций для московской выставки предоставили в том числе Приморская картинная галерея и одна из старейших частных галерей современного искусства Владивостока «Арка».
«Москва сквозь века»
Дата: 8 сентября 2017 года — 21 января 2018 года
Место: Третьяковская галерея, Инженерный корпус (Лаврушинский переулок, дом 12)
Часы работы: вторник, среда, воскресенье — с 10:00 до 18:00, четверг, пятница, суббота — с 10:00 до 21:00, выходной — понедельник
Накануне Дня города Третьяковская галерея запускает выставочный проект, посвященный столице. 8 сентября в Инженерном корпусе стартует «Москва сквозь века» — попытка проанализировать, как изменялось изображение столицы в течение последних четырех столетий. Экспозиция, построенная в хронологическом порядке, включает пять разделов: «Москва — третий Рим», «Московский Кремль — сердце города», «Разговоры о старой Москве», «Красная площадь. “Формула Москвы”» и «ХХ век. Городские голоса». Перед зрителем предстает послепожарная Москва на иконах XVII века, переулки и дворы, запечатленные в XVIII и XIX веках, живопись и графика XX века. Часть картин специально отреставрировали для выставки, например «Москву» (1913) Аристарха Лентулова. А отреставрированный «Извозчичий двор в Замоскворечье» (1887–1892) Сергея Светославского впервые покинет фонды Третьяковки. Восемь картин можно будет не только увидеть, но и услышать — для них музей составил уникальные аудиоинсталляции совместно со специалистами в различных областях, например орнитологами: «Московским двориком» (1878) Василия Поленова можно полюбоваться, слушая пение птиц, обитавших в 1878 году в районе переулков Арбата.
«Сохраненные святыни Москвы ушедшей»
Дата: 8 сентября 2017 года — 21 января 2018 года
Место: Третьяковская галерея (Лаврушинский переулок, дом 10)
Часы работы: вторник, среда, воскресенье — с 10:00 до 18:00, четверг, пятница, суббота — с 10:00 до 21:00, выходной — понедельник
С 8 сентября в здании Третьяковки по соседству с Инженерным корпусом можно будет увидеть «Сохраненные святыни Москвы ушедшей» — старинные иконы и утварь из московских храмов, разрушенных в ХХ веке. В экспозицию вошло более 25 предметов из фонда драгоценных металлов Третьяковской галереи. Ранее ни один из предметов не был экспонирован.
«Константин Бранкузи. Скульптуры, рисунки, фотографии, фильмы»
Дата: 16 сентября — 12 ноября
Место: «Мультимедиа-арт-музей» (улица Остоженка, дом 16)
Часы работы: с 12:00 до 21:00, выходной — понедельник
Выставка Константина Бранкузи, одного из основателей абстракционизма в скульптуре, ярчайшего представителя парижской школы, — бесспорно, одно из главных событий этой осени. Бранкузи, родившийся в конце XIX века в простой крестьянской семье в Румынии, проделал удивительный путь от мальчика на посылках у гончара до художника, имя которого начали произносить с придыханием еще при его жизни. В начале ХХ века Бранкузи пешком ушел в Мюнхен, а позже — в Париж, где поступил в Школу изящных искусств и учился у Родена, а вскоре заставил парижскую богему взволнованно смотреть на свои грубые, примитивные и лаконичные скульптуры. В Москву из собрания парижского Центра Жоржа Помпиду, где, к слову, есть отдельная «комната Бранкузи», приедут ключевые работы скульптора, а также его рисунки, фотографии из мастерской и посвященные ему фильмы.
«Цай Гоцян. Октябрь»
Дата: 13 сентября — 12 ноября
Место: ГМИИ имени А.С. Пушкина, главное здание (улица Волхонка, дом 12)
Часы работы: вторник, среда, суббота, воскресенье — с 11:00 до 20:00, четверг, пятница — с 11:00 до 21:00, выходной — понедельник
Еще одно долгожданное событие сентября — первая персональная российская выставка одного из самых известных современных китайских художников Цая Гоцяна. Он покинул Китай еще в середине 1980-х и приобрел известность, переехав в США, но связи с родиной не разрывает: художник работает с порохом, который был изобретен тысячу лет назад в Китае. В России Цай Гоцян известен как автор пиротехнического шоу на открытии Олимпиады в Пекине в 2008 году, хотя в мире его знают как тонкого художника: его огромные пороховые полотна и инсталляции экспонируются в крупнейших мировых музеях. Выставка в Пушкинском музее приурочена к 100-летию Октябрьской революции. Как говорит сам автор, его интересует не столько политический аспект этого исторического события, сколько мечты, надежды и стремление к совершенству простых людей того времени. Экспозиция начнется у входа в главное здание музея — здесь Цай Гоцян возведет инсталляцию «Октябрь» из берез и детских колясок и колыбелек, пожертвованных москвичами. Кстати, если у вас есть ненужная коляска, ее можно передать в дар музею. О том, как это сделать и что можно получить взамен, можно прочитать здесь.
«Заоблачный лес» (Московская международная биеннале современного искусства)
Дата: 19 сентября 2017 года— 18 января 2018 года
Место: Новая Третьяковка (улица Крымский Вал, дом 10)
Часы работы: вторник, среда, воскресенье — с 10:00 до 18:00, четверг, пятница, суббота — с 10:00 до 21:00, выходной — понедельник
Основной проект VII Московской международной биеннале современного искусства на целых четыре месяца поселится в здании Третьяковки на Крымском Валу. Его название — «Заоблачный лес» — таит в себе попытку вернуться к теплой ламповой реальности из мира социальных сетей и интернета. По мысли директора Национального музея современного искусства (Токио) Юко Хасегавы, выступившей куратором основного проекта Московской биеннале, в эпоху до интернета общество было подобно лесу, где все деревья существуют в согласии и гармонии. Бешеная гонка медиа обособила людей, заставила каждого переселиться на свое облако. Спасти нас от одиночества может только искусство, которое соединяет в себе живые эмоции и высокие технологии. Свои работы на эту тему в Новой Третьяковке представят 52 художника из 25 стран. Среди них создатель инсталляций Олафур Элиассон (Дания), автор перформансов, скульптур и видеоарта Мэтью Барни (США) и его бывшая супруга и соавтор — исландская певица и художница Бьорк. Интересна и параллельная программа биеннале — в течение четырех месяцев москвичей ждет 69 выставок на 49 площадках города.
«Такаси Мураками. Будет ласковый дождь»
Дата: 29 сентября 2017 года — 4 февраля 2018 года
Место: музей «Гараж» (улица Крымский Вал, дом 9, строение 32)
Часы работы: ежедневно с 11:00 до 22:00
В самом конце сентября, когда надежды на теплые дни закончатся, в музее «Гараж» откроется, пожалуй, самая милая выставка этой осени — «Будет ласковый дождь». Даже если имя Такаси Мураками кажется вам незнакомым, вы точно видели его работы, просто потому что они повсюду. Его рисунки и инсталляции в духе японской анимации и комиксов выставляются в музейных залах по всему миру. Кроме того, с эмоциональными рожицами фантастических зверьков и человечков Такаси Мураками хорошо знаком мир моды: с 2003 года Мураками сотрудничает с дизайнером Марком Джейкобсом, а 10 лет назад создал принт для знаменитых сумок Louis Vuitton. Выставка в «Гараже» охватит несколько периодов творчества Мураками — с 1990-х годов до наших дней. В экспозицию, поделенную на пять тематических разделов, войдет более 80 работ художника: живопись, графика, полнометражные фильмы и анимация Мураками из государственных и частных коллекций, а также комиксы манга и различные артефакты из студии Мураками. Кроме того, можно будет познакомиться с японской гравюрой и живописью из коллекции ГМИИ имени А.С. Пушкина и увидеть связь Мураками с традиционной японской культурой.
Абстракция и нефигуративный рисунок
Эти рисунки коровы Ван Дусберга были сделаны в 1917 году и являлись классической иллюстрацией процесса абстракции. По сути, чтобы абстрагироваться, вам нужно от чего абстрагироваться, так что во всех истинных абстрактных работах существует связь между «реальным» миром и абстрактным изображением.Это процесс абстракции Ван Дусберга, описанный более подробно.
Именно Мондриан установил стандарт этого подхода, опираясь на пример художников-кубистов.
Мондиан Автопортрет
Матисс
Многие художники интересовались теми же формальными проблемами, сравните портрет Матисса выше с автопортретами Мондриана.
Процесс абстракции интересен тем, что все сводится к тому, что не учитывать, а что ставить на место. Большинство ранних абстракций сводили предметы к линиям, и большинство этих линий делались прямыми, а не изогнутыми. Есть смысл искать основную геометрию.
Из серии «Пирс и океан» Мондриана
Эти ранние мондианцы показывают, что процесс сначала был постепенным, заключающимся в устранении сложностей, которые в первую очередь были выведены из наблюдений, однако поздние мондианцы немного отличаются.
С Бродвея Буги-вуги
Эти более поздние рисунки Мондриана (см. Выше) не основаны на прямом наблюдении и больше связаны с исследованием возможностей ритма и композиции, однако они все еще связаны с « реальностью » как в отношении музыки того времени, так и того факта, что Город Нью-Йорк, где они были изготовлены, основан на сеточной системе.
Пикассо создал классический набор рисунков быков, иллюстрирующих процесс абстракции.
Пикассо
Однако, возможно, именно в мультфильмах 1930-40-х годов абстракция и искажение изображения превратились в нечто, что ценилось в массовой культуре.
Пикассо и Дисней
Рой Лихтенштейн сделал серию гравюр, в которых с иронической точки зрения постмодерна прокомментировал процесс абстракции.Его работа указывает на то, что в какой-то момент связь между референтом и указателем в какой-то момент разрывается, и сама абстракция становится тем, на что ссылаются, а не каким-либо внешним предметом искусства. Его последние два принта более «конструктивистские», чем абстракции, то есть они являются конструкциями сами по себе, а не отражениями лежащей в основе геометрии в природе.
Рой Лихтенштейн
Это заставляет меня задуматься об очень похожем, но принципиально другом фоне абстрактных образов.Это нефигуративная традиция. Возможно, нам никогда не следует называть эту работу «абстрактной», потому что на самом деле нет ничего абстрактного. Нефигуративные элементы используются как самостоятельные формы. На этом супрематическом рисунке ниже имеется прямая ссылка на геометрию и силу инженерного рисунка.
Супрематический рисунокМалевич основал супрематизм, художественное направление с названием, прославлявшее нефигуративное искусство, основанное на «превосходстве чистого художественного чувства», а не на визуальном изображении объектов.
Малевич
Конструктивизм как термин был изобретен скульпторами Певснером и Габо, которые разработали индустриальный, угловатый стиль работы, более соответствующий эстетике инженерного рисунка, а его геометрическая абстракция чем-то обязана супрематизму Казимира Малевича. Опять же, то, что похоже на что-то еще, по своей сути совершенно иное. Малевич придумал название «конструктивист» в качестве высмеивания.Он пытался критиковать тех, кто прославлял инженерию в своей работе, вместо того, чтобы предоставлять чистую форму для размышлений. Он считал свою работу очень духовной, для Малевича конструктивисты были слишком заинтересованы в том, чтобы связать искусство с социальным совершенствованием, он не соглашался с их дидактической позицией, считая искусство выходящим за рамки социалистических идеалов. Родченко был конструктивистом, его конструкции компаса и линейки, возможно, были одними из самых ранних рисунков, в которых геометрические конструкции просто прославлялись как эстетика сама по себе.
Родченко чертежи циркуля и линейки
Конструктивизм продолжался как движение со многими ответвлениями, такими как Де Стейл или «конкретное искусство», целью которого было «разработать предметы для умственного использования» и произвести «чистейшее выражение гармоничной меры и закона». Все эти движения разделяли основной принцип, согласно которому искусство и чистая универсальная идея формы неразрывно связаны и прославляют силу геометрии как формального устройства. Эти идеи быстро распространились по Европе, такие художники, как Бен Николсон, познакомили Габо и Мондриана с Англией, прежде чем они переехали в Штаты.Габо также написал определяющий текст о конструктивизме и участвовал в журнале Circle, который редактировал Николсон.Разница с более современными художниками, такими как Кеннет Мартин, заключалась в том, что художники все больше интересовались лежащими в основе математическими процессами, лежащими в основе способности геометрии казаться такой аутентичной или « правильной », и меньше — духовными аспектами, которые изначально привлекали художников, таких как Мондриан и Кандинский до теософии и работ мадам Блаватской, молодые художники часто заставляют работать, чтобы продемонстрировать последствия определенных формальных решений, основанных на числовых принципах.Как видно из рисунков Кеннета Мартина ниже, он глубоко разбирался в числовых процессах. Мартин (вместе со своей женой Мэри) время от времени преподавал в Ньюпорте, когда я был студентом. Он садился и говорил с очень сложной визуальной геометрией и ожидал, что все мы, студенты, сможем следовать за ним. Я действительно чувствовал разделение искусства и науки, большинство из нас ушло в искусство, потому что мы были мусором в математике, и Мартин был одним из тех немногих людей в художественном колледже, которые сомневались в нашем слишком легком игнорировании научных принципов, эмпирических данных и математической строгости.
Кеннет Мартин Конструктивистские рисунки 1960-х годов
Рисунки Мартина почти всегда делались на миллиметровой бумаге, ранее существовавшие отношения, установленные в сетках миллиметровой бумаги, позволяли ему сконцентрироваться на последовательном развитии идеи, он признавал, что выбранные части всегда будут взаимосвязаны из-за предопределенной базовой геометрии миллиметровой бумаги. сетка. В течение 1960-х годов основные процессы становились все более и более важными, как вы можете видеть на рисунках Ларри Пуна ниже.
Рисунки Ларри Пунса
Однако в конце 60-х в галерее Тейт прошла выставка под названием «Искусство настоящего». Эта выставка познакомила Великобританию с минимализмом. Выставленные работы снова выглядели очень похожими на предыдущее «абстрактное» искусство, но теоретическая игра изменилась. Исчезли все упоминания о духовности или красоте геометрической формы. Это искусство было о «реальности», объект стал тем, к чему стремились картины и рисунки. Типичным для того времени был разговор Фрэнка Стеллы, который в 1967 году отклонил приглашение Кеннета Тайлера сделать гравюры в Gemini G.E.L. семинар в Лос-Анджелесе, заявив, что «если он когда-либо делал рисунок, он использовал ручку Magic Marker». Он действительно продолжал делать эти гравюры, но его первоначальный ответ подчеркивает повседневную реальность, которую художники-минималисты хотели привнести в свои работы. Сол Левитт, пожалуй, самый известный из этих художников. Рисунок ниже просто демонстрирует, как можно разными способами комбинировать горизонтальные и вертикальные линии для создания разных тональных значений. Не больше, не меньше. Конечно, Левитт продолжал делать настенные рисунки, удаляя как поверхность бумаги, так и руку художника, становясь в большей степени «архитектором» рисунков, чем более раннее более романтическое представление о художнике как о духовном или эмоционально чувствительном.ВидетьСол левитт
Розалинда Краусс считала сетку главным оружием, используемым современными художниками, чтобы установить четкую разницу между собой и их предками, ориентированными на повествование. ВидетьФизическая сущность «объектности» снова привлекала скульпторов в область рисования, таких художников, как Ричард Серра, которые стремились создавать рисунки, которые были бы такими же весомыми, как скульптура, их поверхности являлись выражением телесности выбранной среды рисования, а поддержка была столь же важной, как и материалы заявки.Эти рисунки стали свидетельством причастности художника к материалам, а также к самостоятельным «объектам».
Ричард Серра и физическая сущность
Скульптор Роберт Моррис был одним из первых художников того времени, который объединил перформанс и физическую выносливость в области рисования и абстракции. Его рисунки «Слепое время» открывают дверь к совершенно новому диапазону подходов к рисованию как нефигуративной практике. ВидетьВ этих различных подходах к абстракции я нахожу захватывающим то, что то, что поначалу было ответом на тип объективного рисунка, который искал лежащий в основе универсальный набор форм, которые, можно сказать, лежат в основе реальности, в конечном итоге превратилось в рисунок как реальность сам по себе. .Художники-минималисты были известны тем, что заявляли: «Что видишь, то и получаешь». Теоретически это противоположная позиция по сравнению с тем, что ранее занимали такие художники, как Малевич и Мондриан. Сравните минималистскую позицию с этой цитатой, взятой непосредственно с веб-сайта Theosophy: «Абстракция была бесформенным голосом, который растворял границы конкретного объекта, чтобы позволить потоку космического света пролиться на ожидающий холст, место, где внутреннее и внешнее царства духовности начали новую творческую эволюцию ».
Когда молодой художник рассматривал серые изображения в хорошо просматриваемых художественных журналах 1960-х годов, изображения картин Малевича казались очень похожими на серию картин Эда Рейнхарта Ultimate или пронумерованные картины британского художника Боба Лоу. Все эти художники пытались представить способ концептуального понимания мира посредством визуальных заявлений. Однако начало 20 века было временем конфликта между новым грядущим миром научно-технического прогресса и находящимся под серьезной угрозой старым миром религиозных верований, и к концу двадцатого века этот прогресс (на Западе) стал реальностью, те, кто все еще верил в духовности рассматривались как динозавры.Что принесет 21 век — это другой вопрос, возможно, само искусство потребует переопределения или, что более вероятно, новый дух времени глобальной взаимосвязанности и экологической осведомленности породит новые прочтения и новые философские позиции, с которых можно снова « увидеть » основной «простой» черный квадрат.
Малевич 1915 Черный квадрат
Ad Reinhardt Ultimate Painting No. 19 1953
Боб Ло № 62 (черный / синий / фиолетовый / синий) 1967
В духовных кругах квадрат представляет физический мир, он указывает на четыре направления компаса: север, восток, юг и запад.Итак, вернемся ли мы, наконец, к теософии и возникновению духовности новой волны, чтобы найти контекст для современного нефигуративного рисунка, или каждая позиция покрывается общим термином постмодернизм? В некоторых неевропейских культурах квадрат символизирует мужские качества, но что они собой представляют, установить трудно. Возможно, некоторые мужчины склонны к тому, чтобы стать компьютерными ботаниками. Голландский художник Гельмут Смитс решил выжечь в траве квадрат размером 3 на 3 фута. Если смотреть на него с высоты 1 км над землей (3280 футов), как и на карте Google, он выглядит как битый пиксель на мониторе компьютера.
Гельмут Смитс
СсылкиРельефные конструкции — это выставка 1966 года, имевшая небольшой, но влиятельный каталог. Художник Эндрю Тилберис все еще преподавал в Лидсе, когда я начал работать над базовым курсом, он делал свои рельефные структуры внутри специально построенной студии, обшитой прозрачным пластиком, чтобы предотвратить оседание пыли на его красивых плоских отшлифованных поверхностях.
Чарльз Бидерман был очень влиятельным теоретиком и художником в 1960-е годы.
Питер Галлей — художник и писатель, оказавший большое влияние на теоретизацию абстрактного искусства в 1980-х и 90-х годах. См. Эссе «Кризис геометрии» в его списке сочинений.
Фер, Б. (2000) Об абстрактном искусстве Лондон: Yale University Press
См. Также:
Было ли абстрактное искусство изобретено спиритуалистом середины 19 века? ‹Literary Hub
Историки искусства почти ничего не любят делать (кроме изучения искусства), чем спорить об искусстве и художниках.Это происходит в каждом университете и на каждой конференции по всему миру: кто был так называемым отцом современного искусства, Гюстав Курбе или Эдуард Мане? (Трудно сказать, можем ли мы увенчать их как со-отцов?) Кто был более важным художником, Пабло Пикассо или Анри Матисс? (Мне лично Матисс больше нравится, но я понимаю новаторское значение Пикассо.) Но многие из этих аргументов бледнеют по сравнению с одним из самых больших вопросов в мире искусства: кто был художником, создавшим первое в мире произведение абстрактного искусства — произведение, посвященное исключительно раскрасить, или узор, или форму, или жест (или все вышеперечисленное!) вместо узнаваемого предмета, взятого из жизни? Кто изобрел абстрактное искусство, которое породило модернизм в том виде, в каком мы его знаем?
Первым сторонником абстракции и , спорящим об основателе абстракции, был Василий Кандинский (1866-1944), который был настолько заинтересован в доказательстве себя как пионера формы, что написал письмо своему торговцу произведениями искусства в 1936, чтобы заявить о своем праве на картину, созданную 25 годами ранее, под названием Komposition V ( Composition V , 1911, частное собрание).Об этой картине Кандинский писал своему берлинскому дилеру Дж. Б. Нойману: «Это действительно первая абстрактная картина в мире, потому что в те дни не было другого художника, который рисовал бы абстрактные картины. Следовательно, это «историческая картина».
Komposition V — это монументальное достижение, огромная работа (6 футов на 9 футов!), Заполненная толстыми черными линиями и завихрениями цветов. Бывают моменты, когда роршахианцу необходимо найти узнаваемый образ… Это человек, стоящий в профиль в правом нижнем углу? Я спрашиваю себя. А там — это птица? Но, несмотря на все мои вопросы и прищуривание, ответ всегда один: нет ни субъекта, ни объекта. Картина такая, какая она есть — захватывающий взрыв цвета и линии, настолько живые, что ваши глаза не могут оставаться на месте достаточно долго, чтобы сосредоточиться на какой-либо отдельной детали. Это потрясающе. И Кандинский прав: если бы это была первая в мире абстрактная картина, это действительно была бы «историческая картина», и на протяжении десятилетий она воспевалась как таковая многими историками искусства.
Но что, если это не первая в мире полностью абстрактная картина? А что, если Кандинский не был первым художником-абстракционистом?
Пусть начнутся аргументы.
*
Этот вопрос о рождении абстракции сначала кажется незначительным — возможно, даже бессмысленным — но он имеет большие последствия. Во-первых, для художника было бы смелым шагом рисовать ради живописи, а не для репрезентации или повествования. Итак, подумайте, насколько свободным это, должно быть, было и для художников в начале 20-го века: Вы хотите нарисовать холст с каплей красной краски в центре? Действуй! Вам больше не нужно притворяться, что капля — это цветок или лицо! И не будет преувеличением отметить, что движение к чистой абстракции в начале века проложило путь для таких людей, как Марк Ротко, Джексон Поллок, Хелен Франкенталер, Агнес Мартин, Герхард Рихтер и тысячи других крупнейших имен в мире. искусство за последний век.Подобно тому, как изобретение масляной краски произвело революцию в среде много веков назад, развитие абстрактного искусства изменило ход истории искусства в нашу современную эпоху.
Больше не было необходимости рисовать гору так, как она видна невооруженным глазом; вместо этого вы можете представить его на основе своих эмоций или личного восприятия.Хотя абстракцию можно считать отличительной чертой эстетики ХХ века, ее корни уходят корнями в XIX век. В последние десятилетия 1800-х годов многие известные художники были озабочены экспериментами, направленными прямо на то, чтобы бросить вызов проверенным традициям, связанным с живописью, — вспомните плоские пейзажи Поля Сезанна, искажающие пространство, или бесчисленные работы Клода Моне, детализирующие эффекты света.Хотя эти художники не создавали абстрактное искусство как таковое, с помощью этих экспериментов они создали визуальный прецедент для настройки внешнего вида предмета, чтобы продвинуться за пределы реализма. Таким образом, их изображения были абстрагированы . Больше не было необходимости рисовать гору так, как она видна невооруженным глазом; вместо этого вы можете представить его на основе своих эмоций или личного восприятия. «Живопись с натуры — это не копирование объекта; это реализация своих ощущений », — сказал однажды Сезанн.Раздались неотразимые сирены, призывающие к полной абстракции, хотя для полного расцвета потребуется целое поколение.
Увлечение выходом за пределы ограничений зрения было не только в моде в мире искусства в конце 19 века, оно также проникло в другие сферы западного общества, подпитываемое оптимизмом и масштабными изменениями, вызванными Промышленной революцией. Представьте себе обещание и азарт этого периода, когда могло случиться что угодно, могло произойти. Действительно, мир казался новым, взволнованным научными открытиями и блестящими изобретениями той эпохи и последующих десятилетий.Ископаемые! Электрический свет! Фотография! Рентген! Ради бога, атом ! Благодаря этим разработкам невидимое внезапно стало видимым, и такие ранее непостижимые достижения вызвали на поверхность еще больше вопросов: Что еще мы могли не видеть ? Что выходит за рамки нашего видения?
Эти вопросы, честно говоря, задавали всегда, независимо от научных достижений, но до 19 века их ответы обычно только предполагались или задавались в определенном контексте: религии.Некоторым может показаться странным, что те же полвека, которые породили большой напор научных достижений, также привели к возрождению религиозного — особенно протестантского — евангелизма. Однако если смотреть через любопытство — , что выходит за рамки нашего видения? — это не похоже на такую растяжку. Фактически, этот способ допроса долгое время был прерогативой религиозной веры. И поскольку многие общества 19-го века изменились способами, ранее невообразимыми — например, с распадом традиционных сообществ по воле урбанизации, — люди, несомненно, были обеспокоены.Им нужно было что-то, чтобы развеять свои страхи, что-то большее, во что можно было верить. Следовательно, в эту эпоху был заметный всплеск религиозного рвения.
Спиритизм обеспечил заманчивую связь между наукой и религией, приняв аспекты обеих, чтобы создать гибридную доктрину, сочетающую связь с загробной жизнью с осязаемым доказательством этой загробной жизни.Однако в середине 1800-х гг. Совершенно новая система верований — некоторые даже называли ее религией, хотя другие возражали против этого термина — сочетала очарование духовным миром и «доказательство» его существования через общение с мертвыми. : Спиритизм.Спиритизм, популярное движение, последователи которого верили в способность общаться с потусторонними существами, зародилось в 1840-х годах со стуков за столом печально известных сестер Фокс, которые утверждали, что находятся в прямом контакте с призраками в своем доме с привидениями в Хайдсвилле, штат Нью-Йорк. .
По мере того, как росла их слава, росла и концепция спиритуализма в целом — спиритуализм обеспечивал заманчивую связь между наукой и религией, принимая аспекты обеих, чтобы создать гибридную доктрину, сочетающую связь с загробной жизнью с осязаемыми доказательствами загробной жизни.Даже после того, как одна из сестер Фокс призналась в 1880-х годах в совершении мистификации с «рэпом», популярность системы убеждений продолжала расти в течение нескольких последующих десятилетий, вдохновляя любопытные умы королевы Виктории, Пьера Кюри (мужа Марии, которая, в частности, была скептически настроен), и Артур Конан Дойл, создатель Шерлока Холмса.
По правде говоря, спиритуализм — хотя и был определен, систематизирован и популяризирован в 1800-х годах — долгое время оказывал большое влияние на историю искусства. Художники часто заявляли о прикосновении какой-то неизвестной нематериальной силы, ведущей их к творчеству; древние римляне верили в существование творческих духов, или гениев , которые населяли стены дома или студии художника и тайно формировали результат произведения искусства (перенос термина гений от духа к духу сам художник имеет большое значение, поскольку искусство стало более индивидуальным, прославленным делом во время итальянского Возрождения).
Даже Альбрехт Дюрер, величайший немецкий живописец, гравер и рисовальщик эпохи Возрождения, считал, что его собственный автопортрет (1500, Старая пинакотека, Мюнхен) был санкционирован Богом, что еще раз подчеркнуло решение художника смоделировать свою внешность и жесты. средневековые изображения Христа. В каждом случае духовное или божественное вдохновение побуждало художника к действию.
Однако, на пике подъема спиритизма, к этой устаревшей концепции пришел поворот: что, если бы художник был просто средством для творчества духа ? Ghost art , можете ехидно пробормотать вы, и я вас слышу: это кажется немного надуманным, если не сказать больше.Но некоторые спиритуалисты утверждали, что они были творческими сосудами для мертвых, создавая произведения искусства не по своей воле, а по своей воле. Как будто это недостаточно интересно, двое из самых выдающихся художников-спиритуалистов, возможно, даже вошли в историю с помощью своих потусторонних, искусных наставников.
Летом 1871 года, когда Василию Кандинскому было всего пять лет и он слонялся по Одессе, Джорджиана Хоутон (1814-84) была занята подготовкой к открытию своей первой художественной выставки « Духовные рисунки акварелью », которая должна была состояться. проходил в Новой британской галерее на лондонской Бонд-стрит.Этот плодовитый художник, относительно неизвестный в возрасте 57 лет, подготовил 155 замысловатых акварелей, живущих с завитками ярких цветов и великолепно многослойными спиральными формами, похожими на крошечные вихри, призванные вовлечь смотрящего в их бурлящие центры. Хоутон десять лет трудилась над завершением своих работ, и она была готова поделиться ими с миром, но мир, похоже, не был слишком готов принять их.
Существенной причиной провала выставки были сами произведения искусства: хотя ее картины были прекрасны в художественном отношении и технически великолепны, они были странными и непонятными для широкой публики.Не имея проблем с поиском галереи, способной представить ее работы, она арендовала Новую Британскую галерею на свои скудные средства и произвела свою выставку самостоятельно (надо любить доверие этой женщины!). Все было тщательно продумано: план выставки, рамы, которые Хаутон арендовал специально для этого случая, даже самодельный каталог изобиловал введением в символику и художественную философию Хаутона. В течение четырех месяцев она отстаивала свою работу, даже проводя пять дней в неделю — с 10 утра до 5:30 вечера! — в галерее, болтая с посетителями и предлагая подробные объяснения своей работы.
По большей части не ладилось.
Существенной причиной провала выставки были сами произведения искусства: хотя ее картины были прекрасны в художественном отношении и технически великолепны, они были странными и непонятными для широкой публики. Возьмем, к примеру, картину Хоутона 1861 года, Глаз Бога (Союз спиритуалистов Виктории, Мельбурн, Австралия), изображения которой объясняет викторианский ученый Рэйчел Обертер следующим образом:
[Мы] видим клубок прозрачных прямых, волнистых и спиральных линий, выходящих из левого угла бумаги и вверх от нижнего края страницы, когда белые нити плавают по поверхности.Никаких узнаваемых форм не появляется; все, что видно, — это линии и цвета: желтый, сепия и синий. В волнах есть органическое качество, ощущение микроскопических деталей и ощущение пребывания в глубоководном мире или в другом таинственном месте. Расплывчатость образов контрастирует со спецификой названия, которое вызывает плотный символизм, лежащий в основе.
Критика картин Джорджианы Хоутон была жесткой: один рецензент даже сказал: «Если бы мы суммировали характеристики выставки в одной фразе, мы бы объявили, что символизм сошел с ума.Точно так же лондонская газета Daily News сравнивала спиральные сцены Хоутона с «спутанными нитками цветной шерсти», в конечном итоге считая их «наиболее необычными и поучительными примерами художественной аберрации». Даже обзор, который на первый взгляд казался положительным — художественный критик The Era назвал это шоу «самой удивительной выставкой в Лондоне на данный момент» — был завуалированным осуждением: оно было поразительным по своей непостижимости, своей причудливости. Из 155 картин на выставке Хоутон продал только одну, а стоимость выставки была настолько велика, что поставила художника на грань банкротства.
Работа Хоутона была противоположностью этим популярным стилям, поэтому неудивительно, что она была встречена с таким пренебрежением.Честно говоря, дуэль художественных мод в Лондоне в то время была ранним проявлением импрессионизма — все еще малоизвестной сущностью — и замысловатыми детализированными, основанными на повествовании картинами прерафаэлитов, каждая из которых была репрезентативной (и представительной). случай прерафаэлитов, фигурально). Это было особенно верно в отношении прерафаэлитов, которые предпочитали изображения «серьезных предметов» — любви, смерти, бедности, изящной литературы, мифологии — создаваемые с чрезмерным реализмом.Замечательный пример, великолепная Офелия сэра Джона Эверетта Милле [1851-52, Тейт Британия, Лондон], представляет самоубийство персонажа Гамлета с такими деталями, что ботанически настроенные зрители могут легко идентифицировать сочные цветы, которые ее окружают.
Работы Хоутона были противоположностью этим популярным стилям, поэтому неудивительно, что они были встречены с таким пренебрежением. И все же ее странные, нерепрезентативные изображения были лишь частью проблемы. Другая половина была ее вдохновением для ее картин: они возникли, как писал Хоутон, из многочисленных духов, которые овладели ее кистью, эффективно используя ее в качестве медиума. Она, , не рисовала их, заявила Хоутон, а духов, рисовала, и она считала свои работы «росписями духа», чтобы прояснить их происхождение.
__________________________________
Из ArtCurious Дженнифер Дасал, изданного Penguin Books, отпечатка Penguin Publishing Group, подразделения Penguin Random House, LLC. Авторские права © 2020 Дженнифер Дасал.
Как нарисовать абстрактный рисунок
Как нарисовать абстрактный рисунок
(Абстрактный рисунок натюрморта с натуры)
Дамиана Осборна
А вот еще один пост по многочисленным просьбам! Давайте абстрактно! Уууу! Что абстрагироваться от этого?
Ну, в этом посте я постараюсь ответить на несколько абстрактных вопросов.
Вы знаете, какие вопросы у вас возникают, когда вы сидите в туалете, глядя на абстрактные узоры на полу в ванной?
Что такое абстрактный рисунок? Что такое автоматический рисунок? Каковы преимущества рисования? Роль абстрактного искусства? Абстрактный реализм и др.
Почему абстрактное искусство полезно для вашего мозга?
Пожалуйста, посмотрите видео. Может быть, вы почувствуете вдохновение и сами попробуете какие-нибудь забавные абстрактные вещи.
Если хотите, прокомментируйте и поделитесь блогом или видео.
Абстрактный рисунок противоположен реалистическому рисунку в том смысле, что его цель — отойти от чистого изобразительного искусства и вместо этого сосредоточиться на выражении и настроении, нанесении знаков, узорах и формах, ритмах и тонах, импровизациях и воображаемом.
Абстрактный рисунок пером натюрморт цветов и листьев.Природа — прекрасный источник абстрактных форм, геометрических узоров и узоров. Я нашла в саду несколько интересных суккулентов, камни и дерево и поставила их на стол для своих студентов-художников.
Когда мы учимся рисовать, наше побуждение состоит в том, чтобы попытаться получить все точные детали предмета перед нами.
Возможно, это наша обусловленность фотографическим изображением в нашей культуре заставляет нас верить, что произведение искусства должно быть максимально приближено к фотографии.
Это, конечно, полная чушь.
Фотография никоим образом не является точным отображением реальности.
На самом деле, как можно точно представить реальность? Нет такого.
Таким образом, цель абстрактного рисования — освободиться от рабского копирования.
И вместо этого сосредоточиться на выражении, на движении, на ритме, на использовании нашего воображения, на манипулировании и овладении реальной средой рисования, и, прежде всего, на том, чтобы расслабиться и повеселиться.
Абстрактный рисунок углем натюрморт, листья и травы. Абстрактный натюрморт углем рисунок суккулентов.Рисование — это забавное упражнение, которое мы часто делаем рассеянно, особенно во время разговора по телефону.Большинство детей все время рисуют каракули, пока им скучно в классе или на мебели.
В детстве я не понимал концепцию раскрашивания в строках моих книжек-раскрасок.
Дело в том, что в рисовании нет правил. А ученые и психологи написали много статей о рисовании и развитии мозга у детей.
Рисование важно, потому что оно позволяет уму блуждать, а бессознательному — вызывать образы. Это может стать источником вдохновения для вашего искусства.
Приятно не беспокоиться о том, чтобы рисунок выглядел «идеальным».
Рисунок Луизы фон Мекленбург-Стрелиц, королевы Пруссии, ок. 1795.• Он способствует спонтанности и свободе от ограниченного мышления А-типа.
• Это заставляет замолчать чрезмерно аналитический ум, потому что это становится разновидностью медитации.
• Позволяет подключиться к вашему подсознанию.
• Рисование — отличное снятие стресса у взрослых.
• И это стимулирует наше творчество.
• Свободное ассоциативное мышление позволяет нашему уму естественным образом создавать новые концепции.
• Дудлинг способствует развитию идей дизайна и композиции, а также побуждает нас по-разному исследовать среду, с которой мы рисуем.
• Способствует импровизации.
• Нет проблем, которые нужно решить.
• Вы можете сделать перерыв в попытках достичь совершенства или быть идеальным.
• Рисовать — это весело.
Абстрактный автоматический рисунок Я делал случайные отметки и завитки.Если прищуриться, может быть, вы увидите ёжика?Автоматическое рисование немного похоже на рисование, когда вы позволяете себе делать совершенно случайные и спонтанные отметки без преднамеренного намерения.
Это увлекательная медитация. И это удивительно, что получается.
Автоматический рисунок позволяет подсознанию выражать свои мысли и подавляет контролирующий, рациональный ум, тем самым высвобождая наши чистейшие формы творчества.
Автоматическое рисование по своей сути является абстрактным рисунком, поскольку его целью не является отображение чего-либо конкретного.Обычно в результате упражнения получается наш собственный естественный рисунок, создание линий или узоров.
Я называю это личной каллиграфией. И, конечно же, он на 100% уникален для каждого из нас.
Использование личной каллиграфии весьма показательно. Так же, как почерк человека что-то говорит нам о писателе.
Абстрактный автоматический рисунок графитовых спиралей и волнистых линий.Выполнение небольших упражнений по рисованию или автоматическому рисованию отлично подходит для расслабления и изучения естественного построения линий.Он показывает присущий человеку стиль рисования или «программирование».
И для манипулирования и исследования самого средства рисования.
Это очень осязательное и не церебральное упражнение.
Если вы не рисуете каждый день, это может помочь вам «размяться» и быстро вернуть ощутимое ощущение рисования. Как снова водить машину, когда ты не водил несколько месяцев.
Это хорошо сделать перед уроком рисования или рисованием.
Автоматический рисунок был важным элементом сюрреалистического движения и абстрактного экспрессионизма.Для дальнейшего чтения см. Удивительные примеры автоматического рисования с помощью Widewalls.
Жан Арп, 1916 год, автоматический рисунок. Смерть идеи, Пауль Клее (1915).Абстрактный реализм находится в середине спектра между совершенно необъективным, бесперспективным, спонтанным или случайным нанесением пометок и заканчивая реализмом.
Это создание абстрактного рисунка или узора, основанного на реальных объектах и вдохновленного объективной реальностью.
Абстрактный реализм популярен в современном искусстве и варьируется от банальных «капельных» картин на лицах, которые так часто встречаются, до эмоциональных фигур и портретных картин Эндрю Сальгадо, Зои Франк, Майкл МакКэффри, Алиссы Монкс, Сесили Браун, Юнсунг Джанг, Мартина Кампоса. и многие другие.
Среди старых известных абстрактных реалистов Фрэнк Ауэрбах, Фрэнсис Бэкон, Дэвид Хокни, Чак Клоуз, Леон Коссофф, Герхард Рихтер и др.
Эти художники варьируют масштаб между абстракцией и реализмом, создавая произведения искусства, которые объединяют две противоположности вместе.
Абстрактный реализм — это по-настоящему выразительный художественный стиль, который не подчиняется правилам линейной перспективы, пространства, точности тона или цвета, пропорций или точного изображения объекта.
Наоборот, цели — это выразительность и эмоции, то, как это нарисовано, а не сам предмет, двусмысленность и искажение реальности, чтобы передать чувство, намерение или личную точку зрения.
Хотя аспекты в произведении искусства по-прежнему едва узнаваемы в повседневных вещах, таких как фигуры, пейзажи или предметы.
Насколько узнаваемыми или неоднозначными являются эти узнаваемые черты, — выбор художника.
Совершенно абстрактная картина еще дальше уходит от различимых элементов.
Используя растения, дерево и камни, которые я собрал для упражнения по абстрактному рисованию, мы смогли исследовать диапазон от репрезентативного рисунка до чистой абстракции, такой как автоматические рисунки и каракули.
Абстрактный реализм — это искусство, одновременно абстрактное и реалистичное. Мы можем «расшифровать» определенные формы или узоры в абстрактном дизайне, которые указывают или напоминают нам об определенных реалистичных элементах.
Абстрактный рисунок натюрморта с алоэ и семядоли orbiculata.Например, мне особенно нравится рисовать крючковатые листья алоэ и завитки коры, потому что эти рисунки легко сочетаются с упрощенными мотивами декоративных форм и линий.
Шипы алоэ превращаются в ряд букв С, а узор на коре — в каракули С.
Не заботясь о деталях, художник может подчеркнуть общий дизайн или композиционные аспекты натюрморта. А также элементы жестов — движение, ритм и движение.
Текстуры, качество линий и выразительность нанесения, его вес, пространственные качества, баланс и тон составляют эстетическое ядро произведения искусства.
Абстрактный рисунок углем натюрморта из суккулентов, дерева и камней.Мы, конечно, знаем, что абстрактные узоры можно найти повсюду в природе и в мире. Вам нужно только взглянуть на узоры в текстуре древесины, в облаках, воде, полу в ванной, песчаных дюнах, шкурах животных, растениях, снежинках, кристаллах, клетках — везде.
Типами узоров могут быть спирали, фракталы, симметрии, меандры, волны, пузыри, пятна и полосы, трещины и мозаики.
Волновые узоры на берегу океана.Эти естественные модели могут иметь очевидные математические соотношения, такие как последовательность Фибоначчи или золотое сечение.
Природа — неиссякаемый источник вдохновения для абстрактного искусства.
С самых ранних наскальных рисунков и резных фигур палеолита природа и природные формы, такие как фигуры и животные, всегда вдохновляли на создание абстрактных произведений искусства.
Картины Ласко.Эстетическая оценка абстрактного искусства и узоров в природе открывает вам возможность увидеть мир уникально богатым, всегда новым и постоянно приносящим удовлетворение образом.
Как сказал Пикассо:
Пикассо, бык тарелка V 1945. Литография быка в кубистском стиле абстрактного экспрессионизма. Пикассо, абстрактный натюрморт, бутылка басового стекла и пачка табака, 1914 год.Нет абстрактного искусства. Всегда нужно начинать с чего-нибудь. После этого вы сможете удалить все следы реальности ».
Картина или рисунок — это изображение реальности на двухмерной поверхности. Таким образом, это по своей сути абстрактное искажение реальности.
Даже трехмерная скульптура может быть абстрактной в том смысле, что она представляет собой репрезентативное или обработанное факсимиле скульптурированного объекта, а не сам объект.
Следовательно, произведение искусства не может не быть абстрактным. Если, конечно, вы не говорите о самом физическом произведении искусства — холсте, краске, мраморе, — которые сами по себе реальны и существуют в мире.
Все картины абстрактные. Некоторые абстрактные картины также имеют графическое изображение или повествовательное содержание, но по сути они в первую очередь абстрактны, потому что у нас есть только краски.”
— Роберт Биссет
Абстрагировать означает извлечь или удалить. Все художники, будь то художники или даже фотографы, обязательно должны абстрагироваться от реальности, чтобы создавать свои произведения искусства.
Это выбор, который они делают в кадре изображения, который определяет результат; цвета, дизайн, композиция, пропорции, фокус и т. д.
Не менее важно то, что исключено из рамки изображения. И это часть замысла и выражения художника.
Художник может и должен абстрагироваться от многих деталей при создании своей картины. Каждая хорошая композиция — это прежде всего произведение абстракции. Это знают все хорошие художники. Но художник не может полностью обойтись без сюжетов, если его работы не будут страдать от обнищания ».
— Диего Ривера
Абстракция также означает идею или концепцию, которая не является материальной или материальной.
Картина, фотография или скульптура могут быть физическими, но символизм, образ, представление, интерпретации, значение и ощущение произведения являются абстрактными.
Угольный натюрморт с деревом, камнями и растительностью.Абстрактное искусство помогает нам отстраниться от повседневной реальности, потому что наш мозг пытается классифицировать то, что мы видим. Это может заставить нас чувствовать себя некомфортно или свободно.
Абстрактное искусство может побудить наш разум активизироваться в более широком смысле, потому что он не привязан к узнаваемой интерпретации.
Следовательно, новые идеи, эмоции, воспоминания, ассоциации и творческие пути могут запускаться из-за пустоты, вызванной отсутствием определения.
Это благодатное место для подсознания. Где мы создаем свои собственные значения, интерпретации и чувства. Абстрактное искусство инстинктивно обращается к нам.
Объективно объяснить невозможно. Это личное дело.
Абстрактное искусство — это способ увидеть переплетение порядка и хаоса с нашей собственной субъективной точки зрения.
Это эстетика, которая оставляет позади обязательные условности и дает нам новые ощущения или восприятия. И способ представить себе незнакомую реальность или испытать неоднозначные чувства.
Мало у кого есть воображение, достаточное для реальности ».
— Гете
Если вы ищете смысл в искусстве и хотите знать, что, черт возьми, делает искусство хорошим, посмотрите «В чем смысл искусства?» и скажи мне, что ты думаешь. Это всего лишь мой личный взгляд на проблему.
Пожалуйста, напишите комментарий ниже, если у вас есть какие-либо мысли или вопросы по поводу абстрактного рисунка. Или если вы хотите поделиться со мной интересной статьей.
Посмотрите здесь некоторые из моих рисунков.
Дамиан Осборн — прекрасный художник из Кейптауна, Южная Африка. Черпая вдохновение в традициях старых мастеров, в природе и в людях вокруг него (особенно его жене), он пытается выйти за рамки посредственности и стремиться к мастерству в своих картинах.
Последние сообщения Дамиана Осборна (посмотреть все)Абстракция: Искусство дизайна
Кристоф Ниманн: Иллюстрация
47mОт обложек New Yorker до скетчей в Instagram, иллюстратор Кристоф Ниманн играет с абстракцией и интерактивностью и ставит под сомнение подлинность.
Тинкер Хэтфилд: дизайн обуви
42 мОпыт Тинкера Хэтфилда в архитектуре и легкой атлетике послужил толчком к созданию его революционных дизайнов обуви для Nike, включая культовую серию Air Jordan.
Es Devlin: Сценический дизайн
43mХудожник-постановщик Es Devlin создает запоминающиеся декорации для концертов, опер, спектаклей и подиумов, используя свет, кино, скульптуру и даже дождь.
Бьярке Ингельс: Архитектура
45mАрхитектор Бьярке Ингельс объединяет функциональность, фантазию и экологичность в «прагматичных утопических» проектах, таких как чистая электростанция, увенчанная горнолыжным спуском.
Ральф Жиль: автомобильный дизайн
48mРальф Жиль, глобальный руководитель отдела дизайна Fiat Chrysler, направляет бренд в будущее, предлагая новые элегантные спортивные автомобили и беспилотный электрический фургон.
Паула Шер: графический дизайн
41mГрафический дизайнер Паула Шер рисует словами, развивая визуальный язык знаковых брендов и организаций по всему миру.
Platon: Photography
44mБесстрашные портреты Платона захватывают души мировых лидеров и простых людей.Съемка с генералом Колином Пауэллом позволяет увидеть его процесс.
Илзе Кроуфорд: дизайн интерьера
42mДизайнер интерьеров Илзе Кроуфорд создает пространства и предметы, которые вызывают чувства и способствуют благополучию, от отелей высокого класса до мебели Ikea.
Форма абстракции: выдержки из коллекции Олли
Poetic Inspiration for
The Shape of AbstractionПризнавая синергетические отношения между изображениями и словами, коллекционер Рональд Олли пригласил известного писателя и поэта Куинси Труппу, чтобы откликнуться на абстрактное искусство в его коллекции.Стихотворение труппы « Форма абстракции»; для Рона Олли , который также вдохновил на название этой выставки и сопутствующей публикации, приводится ниже. Труппа, как и многие артисты на этой выставке, вдохновлена темпом и вариациями джазовой музыки, и его стихи отражают эту энергию.
Форма абстракции;
для Рона ОллиТруппа Куинси
форма абстракции — это то, во что верит разум
он видит, фигуры, цвета, выходящие из холста
(или кусок стали, известняка, щебня, сколотый и разрезанный,
высеченный, сформированный в память, отшлифованный,
улучшенный до изящество, отполированное до блеска, почти
зеркало, отражает творческое воображение, где
художник оставляет свое сердце внутри языка
, рожденного силой головы молотка, искусство развивается
оттуда, плодородные мечты творцов передаются
в риффах буги-вуги из бибопа, глубоко в дельта-блюзе,
живут в чистой утробе, твердые поверхности рождают лица,
где голоса разлетаются, рэп поверх горячих джазовых фраз в Гарлеме, звучит
оригинальных форм, создает слова — например, раззмататазз — слинг их
смешивания цветов в живой язык — все, что оживляет
и поет, шокирует или унижает чувства — пока мы находимся здесь, в мире
, если он не горит и не взрывается в войны
, созданные человеком- сделал ядерный ад — когда ужас
выбирается вместо красоты — мазок кисти может вызвать
воспоминаний как любовь, иногда слышимую шепотом),
— это то, что мазки художника оживляют из пустых
пустых белых маток холстов — они могут быть красными, коричневыми,
черными, коричневыми или желтыми полотнами — пока неизвестный пульс не бьет оттуда
зародышей, поднимите их в дыхательные формы
из глубоких внутренних творческих импульсов, залитых цветами,
тона, например, когда мы смотрим на образования облаков и видим
чудес в небе, образы, созданные там, содержат свою собственную музыку, ритм
, как когда море катится в хлопающих волнах
пена, рев, а затем рычание в то, что представьте себе, что
бешеных животных могут услышать, страдая от бешенства,
, с другой стороны, глаз представьте себе, что глаза выпучены, чтобы увидеть
, что за корабль выходит на бесконечный, острый, как бритва, край лезвия
, рассекающий море пополам может означать, с нашей точки зрения здесь, на берегу,
в серый день, полный силуэтов, контуров развевающихся фигур,
контуров колеблющихся изображений,
форм, рассеивающихся внутри выхлопных газов, извергающихся из дымовой трубы судна » s
горелка, тянущаяся за собой, когда она плывет на восток
к какому-то неизвестному порту, которого она достигнет в темноте мертвый момент
прямо перед полуночью, яркая звезда
выше в ночи, это белое эхо света, указывающее путь,
или одноглазый циклоп, моргающий из истории,
, в конце концов, это картины, распадающиеся на синем
сером холсте неба, это испытание веры Роршаха, то, что
, как кажется, воспринимает глаз как искусство, переносится обратно на
, исследуя мозг в мгновение нестабильности — а это
— это стремление к капризному принятию решений, наполненное импульсивными намеками на то, что или что не следует выбирать.
, рассматривая творческие варианты, предлагаемые в качестве бартера,
— в обмен на банкноты, обмен, обмен или обмен,
— это форма переговоров , является предметом торга,
, который тоже является своего рода формой искусства, хотя и не тот же
творческий уровень выражения, с которого происходит настоящее искусство —
, потому что искусство окутано тайной и магией.
— это сила, которая может обогащать, поддерживать жизнь,
питать красотой, радостью, отражать истину,
сомневаться в том, что мы о себе знаем или чего не знаем,
задает нам вопросы — зачем мы здесь и где
все эти формы приведут нас через цвета, залитые красотой
или шок, где музыка пробуждает линии
чечетку через формы, разбивается на ритмы,
переносит нас в место, где блуждает воображение,
заполняет пространство волшебным, таинственным чудом
10 типов абстрактного искусства, которые нужно знать и использовать в своих проектах
Абстрактное искусство может показаться эксцентричным, но оно гораздо полезнее, чем вы думаете.Вот десять видов абстрактного искусства, которые вы должны знать и использовать в своих проектах.
Читайте дальше, чтобы узнать больше о различных типах абстрактного искусства — от кубизма до сюрреализма, от мрамора до абстрактного органического — и о том, какие стили переосмысляются в современном дизайне, а также о том, как вы можете использовать абстрактные изображения в своих собственных проектах.
Что такое абстрактное искусство?
В то время как реалистическое искусство пытается представить реальную реальность, абстрактное искусство стремится к прямо противоположному.Ранние абстрактные художники, работавшие в конце 19 — начале 20 веков, использовали цвет, форму, форму и линии для создания картин, скульптур и рисунков, которые целенаправленно чувствовали себя независимыми от идентифицируемых объектов, пейзажей и людей. Абстракция дала художникам новый уровень свободы для экспериментов с художественными методами и позволила им изменить традиционное значение понятия «искусство».
Посетители Музея современного искусства в Нью-Йорке рассматривают картину художника-абстракциониста Джексона Поллока.Изображение Бамбл Ди.Абстрактное искусство шло рука об руку с развитием модернизма и постмодернизма, междисциплинарных движений, которые поощряли отход от традиционных подходов, стилей и способов мышления, унаследованных от эпохи Возрождения, раннего модерна и викторианской эпохи.
В течение 20 века ряд движений защищал и выдвигал интерпретации абстрактного искусства, включая сюрреализм, дадаизм, кубизм и фовизм. Такие художники, как Пабло Пикассо, Пит Мондриан, Василий Кандинский, Барбара Хепворт и многие другие изобрели и усовершенствовали свои собственные версии абстракции, в результате чего картины и скульптуры сегодня считаются шедеврами.
Для современных дизайнеров абстрактное искусство — это термин, охватывающий огромное количество различных стилей и художественных подходов. Однако, как правило, все стремятся представить творчество, визуальность и художественное выражение нереалистично.
Почему абстрактные изображения полезны для дизайнерских проектов?
Многие важные направления графического дизайна, такие как швейцарский стиль 1950-х годов, стиль Мемфиса 1980-х и минимализм 1990-х годов, заимствовали свои реплики из мира абстрактного искусства.Геометрические формы, минималистичные макеты и яркие цвета — все это отличительные черты.
В течение 20-го века графический дизайн постоянно обращался к стилям абстрактного искусства, чтобы информировать коммерческую работу для плакатов, журналов, упаковки и брендинга. Почему абстрактное искусство так привлекает дизайнеров?
Во-первых, абстрактное искусство невероятно универсально. Поскольку реальные объекты или люди не представлены в абстрактных изображениях, дизайнеры могут применять эти стили изображений к широкому кругу проектов.Абстракция делает акцент на визуальном настроении и индивидуальности изображения, а не на реалистическом содержании. Таким образом, дизайнер может придать дизайну определенный внешний вид, манипулируя цветом, формой и узором, сохраняя при этом нейтральность в дизайне.
Во-вторых, абстрактные образы психологически сильны. Ряд исследований показал, что абстрактное искусство может оказывать значительное эмоциональное воздействие на зрителя, возможно, отчасти потому, что абстракция освобождает мозг от доминирования над реальностью.Исследование 2012 года установило прямую связь между просмотром абстрактного искусства и чувством удовольствия. Помня об этом, опытные дизайнеры и бренды могут использовать абстрактные изображения, чтобы манипулировать настроением зрителя и даже повышать вероятность покупки продукта.
Зрители смотрят на абстрактную картину на выставке в Болонье, Италия. Изображение от starmaro.Наконец, абстрактные образы связаны с современностью и авангардом в общественном восприятии. Компании, которые хотели бы быть связаны с чувством современности и новаторским подходом, часто используют абстрактные образы в своем брендинге и маркетинге.
Ниже вы узнаете о десяти стилях абстрактного искусства, на которые постоянно опираются дизайнеры, привлекая креативность, красоту и интерес в коммерческие проекты, а также о нашем редактировании лучших изображений для экспериментов для упаковки, веб-дизайна и полиграфических проектов.
1. Брызги, капли и брызги краски
Вдохновленный работами американского абстрактного экспрессиониста Джексона Поллока, изображения с брызгами краски и текстуры капель привносят эклектичный и энергичный вид в дизайнерские проекты.Эти типы изображений особенно красивы в качестве фона для упаковки и крупномасштабных печатных дизайнов, таких как плакаты и баннеры, придают макетам цвет, текстуру и движение, создавая при этом удивительно однородный и универсальный фон для типографики и логотипов.
Изображение Juhku. Изображение Ensuper. Изображение Ксении Мартьяновой. Эти различные фактурные техники придают вашему дизайну энергичность и эклектичность. Изображение им классное.2.Блок цветов
Искусство вышло на новый уровень абстракции благодаря работам американского художника Марка Ротко, известного своими масштабными картинами «Цветовое поле». Его монументальные полотна раскрывают психологический и драматический потенциал блочного цвета.
Чтобы воплотить блочный цвет в своих проектах, обратите внимание на Ротко, а также на работы голландского художника Пита Мондриана, одного из первых сторонников современного абстрактного искусства, для красочного графического вдохновения.
Оба этих художника были ключевыми источниками вдохновения для дизайнеров международного, или швейцарского, стиля 1950-х годов.И неудивительно — простые цветные блоки создают простой и потрясающий фон для макетов на основе сетки.
Изображение сделано Харе Кришна. Изображение V.stock. Изображение Рэйчел Брюнет. Эти простые цветные блоки позволяют создавать потрясающие фоновые рисунки. Изображение SOMMAI.3. Мрамор
Суминагаси, древнее искусство японского мрамора, возможно, является одной из самых ранних форм абстрактного искусства, первый известный образец относится к 10 веку.
Художник наносит цветные чернила на воду перед тем, как перенести их на впитывающую поверхность, например на бумагу или ткань. Каждый образец мрамора уникален, а результаты получаются невероятно красивыми и абстрактными.
Поскольку бумага под мрамор использовалась в книжном производстве в 18-19 веках, этот художественный стиль прочно ассоциируется с издательским делом и интеллектуализмом. Попробуйте использовать мраморный фон в дизайне книг или канцелярских принадлежностей или используйте на веб-сайтах, чтобы придать цифровому дизайну больше тактильного качества.
Изображение предоставлено мисс Смайл. Изображение CARACOLLA. Изображение Лейлы Дивайн. Мраморные фоны позволяют создавать красивый и оригинальный дизайн книг, канцелярских товаров и веб-сайтов. Изображение предоставлено Prostock-studio.4. Кубизм
В начале 20 века художники Пабло Пикассо и Жорж Брак стремились одновременно представить все возможные точки зрения на предмет или объект. Результатом эксперимента стал кубизм, стиль абстрактного искусства, в котором слабо идентифицируемые предметы выглядят фрагментированными и геометрическими.
Этот стиль был разработан русским художником Василием Кандинским, который еще больше абстрагировался от кубизма и считается многими искусствоведами пионером нефигуративного искусства.
Сегодня дизайнеры могут обновить кубизм с помощью низкополигональных фонов и архитектурных плоскостей, придавая трехмерное качество иммерсивности фоновым текстурам, векторным иллюстрациям и дизайнам приложений.
Изображение сделано Харе Кришна. Изображение предоставлено Unconventional. Эти низкополигональные конструкции и архитектурные плоскости, созданные под влиянием кубизма и нефигуративного искусства, станут отличной отправной точкой для вашего проекта.Изображение Sakemomo.5. Штриховая графика
Каталонский художник Жоан Миро сочетал абстрактные линейные рисунки и картины с сюрреалистическим сюжетом. Большая часть его работ использовала или находилась под влиянием процесса печати литографии, что, возможно, способствовало графическому восприятию его искусства.
Абстрактное линейное искусство, в котором простые непрерывные линии использовались для создания форм и форм, является отличительной чертой работ Миро и многих других абстрактных художников, работавших в 1950-х и 1960-х годах.
Line art прекрасна своей простотой и может использоваться дизайнерами для передачи концепций, а также для создания значков и логотипов.
Изображение Dinni91. Изображение предоставлено abstract_art7. Простота абстрактных линий идеально подходит для значков и логотипов. Изображение tutsi.6. Мемфисский стиль
Эклектичный стиль Мемфис — результат движения, инициированного группой итальянских дизайнеров, архитекторов и художников в начале 1980-х годов.Стиль Мемфис подчеркивает геометрию, смелые цвета и узор и затрагивает целый ряд художественных стилей от ар-деко до китча.
Одни критики считают его безвкусным, другие любят веселую и экспериментальную энергию Мемфиса. Современные дизайнеры заново открыли для себя и возродили стиль Мемфис, и это оптимистичное и радостное настроение стиля, которое бренды сочли эффективным для привлечения и преобразования клиентов.
В этом году возрождение стиля Мемфис переходит на трехмерную территорию.Созданные с помощью САПР рендеры и потрясающие 3D-фоны придают стилю новое преимущество.
Изображение предоставлено Bug_Fish. Изображение Ю.О. Чеха. Изображение предоставлено local_doctor. Эти плоские и трехмерные модели в стиле Мемфис возродились в мире искусства. Изображение предоставлено Ozz Design.7. Абстрактная органика
Плавные, изогнутые формы и приглушенные цвета середины века — отличительные черты стиля абстрактного органического искусства. Такие художники, как Чарльз и Рэй Имз, пересмотрели и переосмыслили местные художественные стили 1950-х годов, что привело к созданию органических форм и акценту на натуральных материалах, текстурах и цветах.
Легкая элегантность абстрактного органического стиля сделала его неизменным фаворитом среди дизайнеров на протяжении десятилетий, многие из которых используют этот стиль для брендинга, рекламы и упаковки.
Наивно нарисованные, органичные формы и иллюстрации могут работать как стильный плоский дизайн. Или попробуйте разместить абстрактные 3D-иллюстрации в качестве фона для макетов веб-сайтов.
Изображение KarolinaCloud. Изображение предоставлено SF Stock. Эти абстрактные, органические художественные стили станут шикарным дополнением к любому дизайну веб-сайта.Изображение предоставлено Media Whalestock.8. Полутона
Полутона описывает эффект точек, создаваемый при печати, путем разбиения изображения на серию точек. Эффект был воспроизведен такими поп-артистами, как Энди Уорхол и Рой Лихтенштейн. В 1960-х и 1970-х годах эти художники часто стремились сделать свои работы похожими на рекламные щиты в газетах.
Дизайнеры могут придать макетам нотку ретро, используя полутоновые фоны или наложения. Или попробуйте поэкспериментировать с изменяющимся дизайном полутонов, чтобы добавить текстуру и интерес к градиентному дизайну.Яркие, привлекающие внимание цвета являются естественным партнером для этого эффекта, вдохновленного поп-артом, или выберите монохромный, чтобы подчеркнуть его газетное наследие.
Изображение Spietsen. Изображение Vanzyst. Полутоновые текстуры создают эффект в стиле поп-арт. Изображение от jumpingsack.9. Сюрреализм
Несмотря на то, что сюрреалистическое искусство не является строго абстрактным, оно направлено на создание искаженной версии реальности путем манипулирования реалистическими образами. Такие художники, как Сальвадор Дали, Рене Магритт и Фрида Кало, испытали влияние психоанализа, растущей области исследования и практики в начале 20 века.Их картины и скульптуры стремились расширить творческий потенциал ума, сопоставив вместе образы, которые казались иррациональными и нетрадиционными.
Хотя позже он был устаревшим абстрактным модернистским искусством, сюрреализм и сегодня продолжает вдохновлять художников и дизайнеров, которые ценят этот стиль за его способность удивлять и восхищать зрителя.
Чтобы направить сюрреализм в свои проекты, ищите необычные изображения статуй, предметов и людей. Найдите дизайны, в которых используются искажения, склейки или необычные концепции, чтобы предложить что-то уникальное для редакционных дизайнов, плакатов и изображений веб-сайтов.
Изображение от frankie’s. Изображение Zamurovic Photography. Изображение Фриды Мишо. Необычные концепции творят чудеса с постерами, редакционным дизайном и изображениями для веб-сайтов. Изображение Титхи Луадтонг.10. Абстрактный рельеф и скульптура
Живопись часто рассматривается как доминирующее средство абстрактного искусства. Однако многие художники обращались к скульптуре и рельефу, чтобы перевести абстрактные концепции в трехмерную форму.
Обратитесь к британскому скульптору Барбаре Хепуорт за абсолютным абстрактным вдохновением.Ее монументальные скульптуры, отлитые из металла, камня и дерева, представляют собой вершину модернистских достижений между 1930-ми и 1960-ми годами.
Даже плоский дизайн выиграет от трехмерных текстур и рельефных изображений, вдохновленных Хепуорт и ее современниками. Просмотрите нашу редакцию лучших абстрактных рельефных изображений, идеально подходящих для добавления динамизма и роскоши фону.
Изображение предоставлено pernsanitfoto. Изображение предоставлено wacomka. Абстрактные рельефные изображения добавляют динамичной роскоши фону.Изображение предоставлено Evannovostro.Ищете больше художественного вдохновения? От известных художников, которые решили работать из домашних студий, до художников, определяющих современную дизайнерскую сцену Японии, — откройте для себя что-то творческое, что вдохновит вас сегодня:
Изображение на обложке — KarolinaCloud.
абстрактного искусства! Определение, виды, характеристики Объектив
Абстрактное искусство
Абстрактное искусство — это беспредметное искусство, которое не имеет точного представления визуальной реальности, но использует формы, цвета, текстуры и знаки жестов для достижения своего эффекта.Он зародился в начале 20 века и был совершенно радикальным для своего времени.
Кто-то может даже сказать, что абстракция началась с наскальных рисунков тысячи лет назад. Абстрактное искусство представляет собой художественный разрыв с традиционными формами, что было главной особенностью.
Абстрактное искусство существует уже более 100 лет. Художники начали создавать упрощенные возражения, практически не ссылаясь на «реальный» мир.
Современное абстрактное искусство, которое мы знаем сегодня, можно отнести к импрессионизму, постимпрессионизму и кубизму.Все трое помогли осознать идею о том, что искусство не может быть репрезентативным.
Абстрактное искусство Василия Кандинского — Маленькие миры I, 1922 год и несколько кругов, 1926 годПервым художником, создавшим абстрактное искусство в том виде, в каком мы его знаем, был Василий Кандинский.
Историки часто называют его «отцом» абстрактного искусства за создание картин в плавающих, нерепрезентативных формах с 1912 года. Его работы принесли абстракцию в Америку во время Armory Show в 1913 году.
Какие бывают виды абстрактного искусства?
- Чувствительный или неформальный абстракционизм
- Ташизм
- Геометрическая абстракция
- Живопись действия
Чувствительный или неформальный абстракционизм
Преобладают чувства и эмоции.Цвета и формы создаются свободно. В Германии появляется движение под названием «Der blaue Reiter» («Синий рыцарь»), основателями которого являются Кандинский, Франц Марк и другие.
Красно-синяя лошадь — Франц (1912)Абстрактное искусство, в котором цвет и форма воплощены в максимальной выразительности.
Эти художники углубляются в хроматические исследования, добиваясь пространственных и формальных вариаций в живописи с помощью получаемых тонов и оттенков. Им нужен абстрактный, чувствительный и эмоциональный экспрессионизм.
С помощью формы, цвета и линии художник может свободно выражать свои внутренние чувства, не связывая их с воспоминаниями внешнего мира. Эти элементы композиции должны иметь единство и гармонию, как музыкальное произведение.
Лучшие художники-абстракционисты:
Василий Кандинский 1866-1944
Русский художник, которого многие историки считают «отцом абстрактной живописи», но до абстракционизма он участвовал в различных художественных направлениях, таких как импрессионизм, также прошел короткую фазу фовизма и экспрессионизма.
Абстрактное искусство Василий КандинскийКак и в 1911 году, он написал книги о духовном в искусстве, в которых стремился указать на символические соответствия между внутренними импульсами и языком форм и цветов, а в 1926 году — с точки и линии. на поверхность, более техническое объяснение конструкции и изобретательности вашего искусства.
Десятки его работ были конфискованы нацистами, некоторые из них экспонировались на выставке «Дегенеративное искусство».
Франц Марк 1880-1916
Абстрактное искусство Франц МаркНемецкий художник, увлеченный искусством первобытных людей, детей и душевнобольных, Марк выбрал исследования на животных в качестве своих любимых тем, познакомился с Кандинским, под его влиянием убедил себя в том, что сущность существ раскрывается в абстракции.
Восхищение итальянскими футуристами придало новую динамику творчеству Марка, который начал использовать формы и массы ярких цветов, типичных для кубистской живописи.
Ташизм
Ташизм появился в Европе после Второй мировой войны с намерением порвать с предыдущими моделями искусства. Название механизма происходит от французского tache, что означает пятно.
Формируется пятнами, созданными импульсивно со всей свободой и эмоциональным излитием художника.Лирическое Ташизм показывает светлые, прозрачные и спонтанные тона. «Драматический тахизм» имеет темные, серьезные, страстные тона.
Картины того периода ценят спонтанный жест, инстинкт художника в момент создания.
Глядя на картину, можно представить себе движения художников. Важным художником, представляющим этот тип живописи, является Ханс Хартунг.
Абстрактное искусствоЭтот тип абстракции также называется неформальной абстракцией в том смысле, что он не имеет определенной формы.
Сырье, использованное для росписи, также было исследовано. Некоторые художники уделяли больше внимания жестам, а другие исследовали материал, создавая текстуры, слои и используя новые материалы.
Лучшие художники-абстракционисты:
Жан Дюбюффе 1901-1985
Французский художник, вдохновленный искусством детей и сумасшедших.
Его работы имели неправильную форму и простой дизайн.
Абстрактное искусство Жан ДюбюффеОн отправился на поиски новых форм искусства и нашел то, что он назвал сырым искусством: созданное людьми, которые не являются частью художественной среды, которые не имеют культурных и исторических ссылок на искусство и ищут идеи и темы внутри себя. , например, дети, сумасшедшие и одинокие люди.
Это геометрическое абстрактное искусство, на которое сильно повлияли кубистские и футуристические движения. Это связано с использованием геометрических форм и с более рациональной и жесткой характеристикой в изображениях. Поэтому линии и цвета организованы таким образом, что в результате получается в основном геометрическая композиция.
Поскольку этот аспект проявился вскоре после формальных открытий кубизма, он имел несколько течений, некоторые из которых заслуживают особого внимания. Среди них: супрематизм; Конструктивизм; Неопластицизм или Де Стидж, Конкретизм, Неоконкретизм.
Лучшие художники-абстракционисты:
Пит Мондриан 1872-1944
Голландский пионер абстрактного искусства, развившийся от начала пейзажа до абстрактных геометрических работ самого строгого типа. Его холсты написаны чистыми, яркими красками и прямыми линиями.
Абстрактное искусство Пит МондрианХудожник стремился получить как можно больше ясности, и для этого он стремился, чтобы холсты отражали математические законы Вселенной. Не случайно узоры на картине всегда были правильными, точными и устойчивыми.Он переехал в Нью-Йорк в 1940 году, где начал развивать более красочный стиль с цветными линиями. и синкопированные ритмы.
Это изготовление импровизированных и жестикуляционных «капельных картин», когда холст кладут на пол и поливают его краской из банки или перетаскивают кистью или палкой.
Этот тип живописи не имеет предыдущих схем и появился в Нью-Йорке в 1940-х годах под влиянием сюрреалистических автоматических процессов рисования.
Лучшие художники-абстракционисты:
Джексон Поллок 1912-1956
Он американский художник, он ввел новую модальность в технику, капая краски, которые капают из проколотых контейнеров намеренно, в быстром исполнении, резкими и стремительными жестами, распыляя, окрашивая, окрашивая выбранную поверхность с необычными и фантастическими результатами , иногда осознается перед публикой.
Абстрактное искусство Джексон ПоллокРазработал исследование ароматической живописи
В последних работах этой линии художник использовал такие материалы, как гвозди, ракушки и кусочки холста, смешанные со слоями краски, чтобы придать текстуре рельефность. Он часто использовал промышленные краски, многие из которых используются в покраске автомобилей.
Виллем де Кунинг (1904–1997)
Он был голландским художником, который покинул Голландию в возрасте 22 лет на борту грузового судна, начал свою жизнь плотником и маляром стен.
Абстрактное искусство Виллем де КунингВ отличие от своих коллег-авангардистов, отказавшихся от фигуративного изображения в его картинах, женские фигуры — знак отличия в его творчестве.
В конце 1940-х годов вместе с Джексоном Поллоком, Аршилом Горки и Марком Ротко революционная американская живопись основала абстрактный экспрессионистский авангард.
Каковы характеристики абстрактного искусства?
Основные характеристики абстракционизма:
- Оппозиция модели эпохи Возрождения и изобразительного искусства;
- Непредметное искусство;
- Субъективное искусство;
- Отсутствие узнаваемых объектов;
- Оценка форм, цветов, линий и текстур.
Абстрактные произведения искусства могут содержать элементы, связанные с эмоциями, как способ освобождения от необходимости в достоверном представлении.
Фернан Леже 1919, Железнодорожный переезд — Альбер Глез, 1921, Composition bleu et jauneТаким образом, художник не стремится передавать реальность. В этом смысле еще одна яркая черта абстрактного искусства — свобода, которая служит как художнику, так и любителю. Другими словами, у него есть свобода интерпретировать произведение, как ему нравится, без каких-либо реальных обязательств.
Следовательно, главная характеристика абстракционизма — отсутствие приверженности к изображению реальности — это быть противовесом концепции реалистического искусства. Таким образом, абстрактные работы более концептуальны и полностью отходят от того, что считалось классическим искусством.
Как создается абстрактное искусство?
Абстрактное искусство — это самостоятельная композиция, свободная от изображений и иллюстраций. В абстрактном искусстве это не просто процесс создания ландшафтов или объектов, это процесс исследования.Это НЕ должно иметь особого значения, повествования или объяснения.
В абстрактном искусстве мы соединяем разные цвета и формы, чтобы создать произведение, представляющее каждого конкретного поклонника.
Абстрактное искусство, по сути, дает крылья непреднамеренному вдохновению, то есть не стремится представить или изобразить что-либо конкретное.
Для создания абстрактного изображения требуется воображение и чувство творчества.
Основная цель абстракции — не рассказывать историю, а поощрять участие и воображение.
Основная цель этого вида искусства — предоставить зрителям нематериальные и эмоциональные переживания, совершенно разные для каждого из них, которые могут полностью варьироваться в зависимости от настроения, с ощущением, которое дает вам конкретное произведение, с вашим художественным репертуаром в момент.
Какова цель абстрактного искусства?
Основная цель абстракции в искусстве — не рассказывать историю, а поощрять участие и воображение.
Основная цель этого вида искусства — дать зрителям нематериальные и эмоциональные переживания, совершенно разные для каждого человека, в зависимости от их личности и настроения.
Абстрактное искусство Казимир Малевич — Композиция с Моной Лизой, 1914 — Супрематическая композиция, 1916Западное искусство с эпохи Возрождения до середины 19 века опиралось на логику перспективы и попытку воспроизвести видимую реальность. В конце 19 века многие художники почувствовали необходимость создать вид искусства, который охватил фундаментальные изменения в технологии, науке и философии, они были против формальных учений и начали создавать искусство, которое не обязательно относилось к объектам в реальный мир.Источники, из которых отдельные художники черпали свои теоретические аргументы, были разнообразны и отражали социальные и интеллектуальные проблемы во всех областях западной культуры того времени.
Абстрактное искусство Марк Ротко — Белый центр — МногообразиеПодходы, используемые в абстрактной живописи, охватывают многие направления, включая немецкий экспрессионизм, фовизм, кубизм и абстрактный экспрессионизм. Подчеркивая формальные качества произведения искусства на репрезентативный предмет, абстрактные художники экспериментировали с новыми техниками, такими как использование ярких и произвольных цветов, реконструкция форм и отказ от реалистичной трехмерной перспективы.
Абстрактное искусство не процветало между I и II мировыми войнами.
Пораженная тоталитарной политикой и художественными движениями, вновь сделавшими акцент на изображениях, таких как сюрреализм и социально-критический реализм, ей уделялось мало внимания. Но после Второй мировой войны возникла энергичная американская школа абстрактной живописи, получившая название «абстрактный экспрессионизм», которая имела широкое влияние. С 1950-х годов абстрактное искусство стало общепринятым и широко практикуемым подходом в европейской и американской живописи и скульптуре.
Джоан МитчеллАбстрактное искусство теперь во многом живет в мире искусства. Он двухмерный и трехмерный.
Абстрактное искусство также можно создавать с использованием многих материалов и поверхностей. Может использоваться совместно с изобразительным или полным искусством. Абстрактное искусство заинтриговало и действительно сбило с толку многих людей, но для тех, кто принял его нереференциальный язык, нет никаких сомнений в его ценности и его достижениях. Они не значимы из-за эстетического стандарта красоты или нет, они важны, потому что в мгновение ока они представили миру что-то новое.
Абстрактное искусство в Бразилии
Абстрактное искусство начало проникать на территорию Бразилии с 1940-х годов. Пионерами были Авраам Палатник (1928), Манабу Мабе (1924–1997) и Луис Сачилотто (1924–2003).
Авраам ПалатникЭто началось в 1950-х годах под влиянием художников Антонио Бандейра и Сисеро Диаса, которые после поездки в Европу вернулись, чтобы принести в страну абстракционизм.
Однако это движение в Бразилии выделилось только в первом издании Bienal de São Paulo в 1951 году.Поэтому к этому современному направлению присоединилось большое количество художников.
1ª Bienal de Sao Paulo — Arquivo Historico Wanda Svevo — Fundação Bienal de Sao Paulo — IPTC Photo MetadataКто такие художники бразильского абстрактного искусства?
Среди величайших представителей абстрактного искусства Бразилии есть такие имена, как:
Альфредо Вольпи, Иван Серпа, Цицеро Диас, Манабу Мабе,