Скетчинг это: Attention Required! | Cloudflare

что это такое и что необходимо для скетчинга, легкие скетчи, руки и глаз, позы и лицо, одежда, волк и другие животные

Скетчинг – вид рисования, который последние годы буквально захватил мир. Приобщиться к нему можно без особой подготовки, финансовые стартовые вливания невелики, а результат скор и вдохновляет на дальнейшее изучение. Ну а теперь подробнее.

Что это такое?

Скетчингом называют технику быстрого рисунка. То есть зарисовки, иногда наброски, но чаще всего законченные работы – и в плане мысли, и в плане оформления. Английское слово «sketch», кстати, обозначает «этюд». Рисунок выполняется не просто быстро, а именно в быстром темпе. Это не какая-то новинка, которой свет до этого не видывал. Просто рабочий инструмент дизайнеров и художников отделился просто от функции «промежуточного сервиса» и превратился в совершенно отдельное направление.

Ранее, к примеру, дизайнер, чтобы сделать иллюстративной свою мысль, быстро делал набросок какого-то уголка в интерьере, и это визуально для клиента проясняло ситуации. А потом эти наброски стали привлекательны как самостоятельные единицы. В том же академическом рисунке скетч используется как эскиз для уже полноценной работы, который помогает подобрать цветовую гамму, определиться с композицией. Но сейчас скетч сепарировался от прикладных скромных целей и вышел на авансцену.

Каковы функции скетчинга – оставить быстрое, моментное впечатление. То есть запечатлеть эмоцию, настроение, образ, которые вот-вот изменятся. Отсюда и быстрота, которая не выглядит поспешностью, а смотрится, наоборот, как осознанно выбранная тактика. Возможность выразить мысль и эмоцию через набросок – это вполне в духе времени, где все протекает быстро и где все хочет быть уникальным.

Применение

Кажется, для чего они нужны, уже стало ясно. А вот где их можно впоследствии использовать, стоит объяснить. И не только потому, что все сейчас монетизируется, но и потому что прикладной характер скетча продлевает ему жизнь.

Где могут использоваться скетчи:

• для создания авторских открыток – модно, популярно и всегда востребовано;

• для оформления уникальных постов в соцсетях – фоточки у всех, чужое брать нельзя (да и не хочется), а быстрый и простой скетч очень привлекает внимание, запоминается и очаровывает;

• для мелкой печати – блокноты, майки, шоперы могут быть украшены авторскими скетчами, особенно если это какой-то симпатичный мерч;

• реклама – успешному скетчеру могут заказать нарисовать оформление пакетиков чая или соцрекламу, а иногда и расписать графитовую стену в кафе, что тоже неплохо оплачивается;

• ведение собственного блога – усиливает впечатление от текстового продукта, уникализирует контент;

• продажа на стоках – скетчи тоже востребованы, потому как в визуальном сопроводителе текстов, продуктов и информационного контента нуждается весь цифровой мир.

Наконец, рисовать ведь можно и для души. Это отличное средство для рефлексии, отдыха, перезагрузки.

Что необходимо?

Стоит только войти в эту реку, как вытянуть из нее начинающего скетчера становится малореальным. Потому что сама инфраструктура направления, скажем так, очень симпатична.

Узнаем, что прикупить.

• Скетчбук. Если он красивый, приятный глазу и на ощупь, в него захочется заглядывать почаще. Это один из первых и простых стимуляторов для рисования. Он может быть карманный, а может быть и формата А4, листы в нем могут быть самых разных цветов.

• Простые карандаши – мягкий и твердый. Именно те, что хорошо лежат в руке и выдают ровно ту линию, которую от них ожидают.

• Черные линеры разной толщины. Для начала годится и черная капиллярная ручка.

• Маркеры серого цвета – нужны и светлые, и темные. В скетчинге серый будет одним из ключевых цветов.

• Набор цветных маркеров. Сначала можно купить просто базу, 12 маркеров, например. Впоследствии цвета можно докупать, сегодня маркеры для рисования продаются и по одному.

• Белый маркер. Определенно нужная вещь, потому следует брать хороший, который не высохнет быстро (соответственно, не копеечный).

• Кисточка № 3. Лучше беличью, но можно и синтетическую. Это необходимо, чтобы залить скетч акварелью – такое частенько нужно.

• Акварельные краски. Здесь можно не выбирать что-то суперпрофессиональное – достаточно классических красок.

И это не все – могут потребоваться пастель, сангина, различных видов карандаши и ручки, но это уже в процессе прогрессирования навыков. Кое-какие вопросы следует прояснить. Серый маркер нужен потому, что для рисования именно скетчей – это один из ключевых инструментов. Именно разные оттенки серого придают рисунку объем, так достигается реалистичность теней – и неважно, это цветное изображение или черно-белое.

Виды

Можно свести их к трем базовым, которые рисуют практически все начинающие скетчеры. Просто, чтобы попробовать себя во всем, нащупать свой стиль и удобные техники. Первый вид – рисование карандашом. Это та самая база рисунка, на этапе которой прорабатывается чувство пропорции, перспективы. Чтобы создать набросок, более подходящего, обучающего вида не найти. Дополнительных материалов не потребуется. Главное, чтобы было место, где получится удобно разместиться.

Второй вид – карандаш, сочетающийся с заливкой акварелью и прорисовыванием линером контуров.

Этот вариант посложнее, но для новичков он тоже годится. Даже если акварель кажется делом времени и хочется работать именно с маркерами, то цветовая подготовка точно не будет лишней. Зачем линеры нужны на таком этапе: они прорисовывают контуры поверх акварели. Рисунку необходимо добавить жизни, экспрессии, а значит, прорисовать все трещинки, фактуру, детализировать его. Только так можно добиться и завершенности рисунка, и его индивидуальности.

Третий вид заключается в рисовании маркерами. Они, в отличие от акварели, не смешиваются, не образуют таких тонких переходов. Но это не значит, что они невыразительны. В этом и кроется сложность – научиться орудовать маркерами так, чтобы это было технично, выразительно, сложно и реалистично в плане передачи изображения.

Жанры

Есть скетч, экспресс-зарисовка, а есть скетч-иллюстрация. Это немного другое, и скетчеры-новички стремятся к такому «повышению». На скетч-иллюстрацию – что предсказуемо – уйдет больше времени. Нужно подобрать информацию, продумать композицию, куда основательнее выбрать материалы. Да и работа над деталями будет более скрупулезной. Но такие работы и продать легче, и найти им применение, особенно если подобран жанр, в котором скетчер совершенствуется.

Узнаем, какие это могут быть жанры.

• Фуд-иллюстрация. Проще говоря, там рисуют еду. Это самый популярный вид скетчей, востребованный и хорошо развивающийся. Он подойдет и для визуализации кулинарных рецептов, и для рекламы фуд-продукции, и для оформления интерьера кафе, например.

• Ботанический или флористический. Цветочные композиции также активно востребованы: от оформления открыток до украшения самых разных тематических пространств. Активно используют это направление декораторы и флористы. Можно преуспеть в рекламе. Это один из самых проработанных жанров, требующий максимального погружения в тему.

• Интерьерный. Дизайн интерьера, декор пространства – вот про что этот жанр. На курсы по интерьерному скетчингу часто записываются дизайнеры, потому что благодаря этому они получают еще один мощный рабочий инструмент. А значит, становятся более конкурентны.

• Ландшафтный. Тоже необходим главным образом для дизайнеров – только тех, что рисуют ландшафтные композиции. Как для узких заказов, так и для оформления тематических журналов, порталов и т. д.

• Архитектурный или урбанистический. В центре внимания дома, города, улица, любимая многими урбанистика. Жанр очень активно развивается.

• Фэшн. Те самые изящные модели в нарядах, которых так хотелось научиться рисовать в детстве, могут освоить скетчеры. И зачастую – с нуля. Для блогов по стилю и развитию вкуса, освещению моды это полезная тема.

• Новогодний. Только на сезонных заказах в этой сфере можно заработать на несколько месяцев вперед. Потому что новогодние праздники – это целая индустрия, требующая и визуального оформления зарисовками разной сложности в том числе.

Скетчинг сейчас считается направлением очень актуальным, прогрессирующим, потому новые жанры могут появляться постоянно.

Как управлять карандашом?

Начинают обычно со скетчбука (или блокнота с акварельной бумагой) и хорошего графитового карандаша. Строят рисунок почти всегда со свободных линий, при этом давить на карандаш стоит по минимуму и располагать относительно бумаги его также надо под небольшим углом. Кстати, то же касается и тонировки рисунка. Вот так легко, быстро намечаются фигуры. А чтобы обозначить контурные линии, надо держать карандаш ровно, так, как при письме – угол к бумаге уже будет большим. Такие линии надо хорошенько контролировать.

А в принципе универсальный рисунок создается так:

• сначала делается набросок карандашом – обозначаются контуры и главные элементы, ключевые точки изображения;

• заливается цвет – появляются основные цветовые пятна, делается это либо акварелью, либо маркерами;

• обрабатывается маркерами – ими нужно проработать контуры изображения, детали, которые сделают работу законченной.

Иногда все происходит наоборот: набросок, а потом маркеры, затем заливка цветом. Нет понятия «лучше или хуже» – кому как удобно.

Техника рисования для начинающих

Узнать, как именно рисовать, можно на элементарных примерах.

Человек

Сначала надо разобраться с пропорциями – нарисовать на листе линию, разбить на равные части (7–8), если стоя, и на 5–6, если человек сидит.

• Заполнить нарисованную шкалу сверху вниз: сначала голову, потом – грудную клетку, таз, колени и стопы – все, соответственно, делениям. Надо предусмотреть переходные места, где одна узловая точка восходит к другой. Основа готова, и шкала с цифрами стирается.
• Мышцы для начала оформляются овалами, выделяются суставы.
• Теперь можно прорисовывать фигуру, все ее части соединять плавной линией, добавлять одежду, прическу, детализировать работу.

То есть и принцессу, и Гарри Поттера, кого угодно, любого персонажа начинают рисовать со шкалы, а уже потом появляются одежда, предметы в руках и т. д. Отрисовка рук, ног, глаз, лица, поз появляется потом. Сначала надо нарисовать тело в целом.

Животные

Чтобы научиться рисовать любое животное (от волка и собаки до лисы и дикобраза) надо представить его упрощенным. Лучше ориентироваться на геометрические фигуры. Они идут в основе рисунка: овал – тело, круг – голова и т. д. Потом прорисовываются контур и силуэт зверя, части тела. На первых порах очень выручают пошаговые алгоритмы.

Еда

Самые популярные темы – пирожные, конфеты (сладости) и овощи, фрукты (полезные продукты). В тренде и всеми любимый авокадо.

Пошаговый и легкий скетч на примере редиски:

• внизу листа рисуется небольшой круг, к которому добавляется пара вертикальных линий;
• из нижней линии создается хвостик, из верхней – основание листочков;
• линиями намечаются будущие листики вверху листа;
• контур нужно тщательно прорисовать, добавляются прожилки;
• готовый набросок обводится черным маркером;
• листья закрашиваются зеленым;
• плод зарисован красным карандашом, хвостик остается белым;
• в рисунке не хватает белых бликов, для чего и нужен белый маркер или линер.

По такому принципу создаются и другие фуд-скетчи.

Растения

Скетчи новичков не предполагают сложностей, иначе они не будут теми самыми быстрыми зарисовками. Вначале очень помогает копирование. Первыми уроками могут быть аналоги представленных работ – они просты, выразительны и понятны.

Другое

Можно выбрать свою специализацию, например: скетчи пейзажей или мультяшные иллюстрации. А может, это будет транспорт (электричка, самолет, байк, электросамокат). Сердце любой работы – это посыл, который дает ей художник. Он выражается настроением, цветовой гаммой, деталями.

А лучшим стартом для новичков станут упражнения для тренировки руки: штриховка, рисование линий в разных направлениях, скругление линий, рисование кругов и овалов, переход к формам и фигурам, отрисовка цвета и теней. Уверенная рука легче возьмет уже сюжетные иллюстрации.

Полезные советы

Их очень много, потому что велика сама сфера скетчинга. Но здесь собраны 12 универсальных советов, которые помогают сдвинуться с места.

Приведем 12 рекомендаций новичкам.

• Под руку нужно подложить лист бумаги, потому что от лежащей на рисунке ладони уже закрашенный участок может размазаться. Если работа большая, листом не отделаться – придется использовать мостик либо муштабель.
• Если на рисунок попали крошки, не надо смахивать их ладошкой, пальцами – у скетчеров для этих целей есть кисточка, она всегда должна поддерживаться в чистоте.
• Две базовые техники скетчинга: штриховка и растушевка. Последней пользуются, если предполагается работать мягкими материалами (углем, сангиной). Штриховка показывает направление светотени, соотношение тонов, текстуру.
• В штриховке нельзя использовать зигзаги и запятые. Движение всегда идет от темного к светлому. Штриховка следует форме фигуры. Штрихи всегда накладываются отдельно, друг возле друга, после рисования каждого карандаш отрывается от бумаги.
• Чтобы сделать длинные штрихи, держать карандаш нужно за серединку: он зажат вытянутыми пальцами, расположен почти в параллель листу. Кисть работает, а рука расслаблена.
• Чтобы проработать мелкие детали, карандаш держать надо «щепоткой» – действовать будут только пальцы.
• Для прорисовки длинных линий карандаш зажимают внутри ладони большим пальцем – рука при этом расслаблена.
• Линии в скетчинге всегда живые, это значит, они рисуются резко и быстро, без обводки снова и снова.
• Если хочется акцентировать какой-то из объектов, потребуется прорисовка широкими линиями.
• Изображенный подальше предмет будет прорисован тонкими линиями, а тот, что поближе, – жирными.
• Толстыми же линиями изображается более тяжелый предмет, соответственно, тонкими – легкий.
• В рисунке важна симметрия, и чтобы нарисовать предмет симметричным, надо показать центральную ось – просто легко наметить половинку предмета, а потом ее скопировать относительно оси.

В остальном же надо практиковаться, развивать насмотренность, пробовать разные техники и материалы.

Скетчинг. Импульс и стиль. скетчинг, скетчинг в Москве, рисование, рисовать, скетчбуки, скетчбук, курсы рисования, курсы скетчинга, скетчеры, скетчер, скетчмаркер, скетч, sketching, sketch

Скетчинг – это не об умении рисовать и не об английских словах в русском языке.

А скетчбуки — это не модное название старых добрых альбомов для рисования.

Английское заимствование здесь совсем не случайно.

Английское слово sketch, давшее название этому направлению творчества, имеет множество значений, среди которых есть и слово «рисовать», больше известное нам как draw. Но есть и другие, например, «чертить», «набрасывать», «зарисовка», «эскиз», «набросок». И даже – «схематичное изображение». Целый ряд слов отражающий довольно точно о чём идёт речь.

Изобразить внезапно родившуюся идею, порыв, настроение. Но как? Набросать на чём придётся, начертить, чтобы не забыть или вернуться позже. Создать эскиз и доработать позже. Целый ряд в одном слове —   sketching. Сегодняшний день добавляет новое, то, что не было заложено морфологией — сделать это красиво.

Да, скетчинг это в том числе о том, как быстро научиться рисовать всё подряд и так, чтобы было не только красиво, но и похоже. И ключевые слова здесь, пожалуй, «быстро», «похоже» и «всё подряд».

Скетчинг не подразумевает обучение правилам вообще не подразумевает академичности, когда сначала теория по композиции, технике, цвету, много теории и много правил. Потом много практики, сначала на основе этой самой теории и эталонов, а потом постепенно с добавлением чего-то «от себя».

Скетчинг подразумевает быстрое и непосредственное овладение рядом приёмов, помогающих изобразить нечто таким образом, когда изображённое не будет наивным детским рисунком, то есть дом будет похож на настоящий дом, человек на человека, собака на собаку, но не условно и трогательно как у детей, а по-настоящему и то, что называется «в среде», как на фотографии, на картине или в жизни, в окружении других предметов в том числе, в перспективе и с добавлением собственного понимания сюжета, цветовой гаммы, деталей.

Скетчинг пришёл в массовую культуру из архитектуры и дизайна. Быстро и стильно (красиво, с подачей) продемонстрировать идею будущего сооружения, интерьера или какого-то предмета – функциональная задача представителей этих профессий.

Идея может вынашиваться и разрабатываться определённое время, но может быть и результатом импульса, настроения, влияния атмосферы или чего угодно вокруг. В профессиональной деятельности это может быть и так и так, но массовое сознание, на наш взгляд, привлекла именно возможность создать стильное красивое изображение, поддавшись сиюминутному импульсу.

…Необычное здание, живописная улочка или интересное лицо…поддавшись настроению, запечатлеть это с помощью собственного наброска. Простой ручкой в записной книжке, когда появится подходящая минута – на пляже, за кофе или на совещании, в гостях. Это про скетчинг в массовой культуре сегодня. …Подарить такой набросок другу, близкому человеку, тому, кого хочется покорить…украсить собственное окружающее пространство….спросить ребёнка: «Хочешь я нарисую тебе эту собачку?» Это про скетчинг.

Уже довольно обычно, скетчинг увлекает и захватывает, уметь делать скетчи, стильные импульсивные наброски стало трендом. Среди молодых людей, конечно (конечно, и до скетчинга все рисовали на лекциях и на уроках), но и среди взрослых людей тоже. Это вдохновение и это просто интересно – взять и набросать стильную картинку, соответствующую твоему настроению.

Пропорции могут быть не вполне точными, детали не выписаны тщательно, но определённые навыки сделают изображение похожим, может, схематичным, но похожим на то, что хотелось изобразить, а главное – скеч (набросок) передаст настроение, атмосферу, которые повлияли на Вас и только Вам присущий стиль и детали.

Нужно попробовать, чтобы ощутить вкус. И, конечно, скетчинг стал использоваться в подарках и памятных сувенирах- дарить друг другу рисуночки, как мы уже говорили, и, конечно, публиковать их в социальных сетях  – тоже один из сегодняшних трендов.

Скетчи можно делать на чём угодно, на салфетках в кафе, в записных книжках, на любой бумаге. Особенно увлечённые скетчингом, заводят себе специальные блокнотики – скетчбуки. Скетчбуки – как маленький элемент творчества и вдохновения среди рутинных будничных дел. Можно ли называть их альбомами для рисования или блокнотами. Да, конечно, можно, но как всё модное и стильное, скетчинг – это про особенный творческий настрой, особенный мир, где всё имеет собственное название и значение, поэтому всё-таки скетчбуки)))

Выразить свою идею, передать настроение… можно переписываться с помощью скетчей, и делать это красиво, ярко и стильно.

Импульс и стиль, да, это, пожалуй, точно про скетчинг и про то, почему это явление стало так популярно у всех и шагнуло далеко за рамки функционального назначения в профессиональной среде дизайнеров, архитекторов и инженеров.

В мире, в котором мы живём, в мире невероятных темпов, высочайших запросов и невероятных вызовов, но вместе с тем в мире широчайших возможностей, скетчинг – это вдохновение, а вдохновение, наше собственное — это колоссальный ресурс для пополнения сил, возникновения идей и движения вперёд, который находится полностью под нашим контролем и который вне конкуренции. Вдохновляйтесь!:)

 

Вводный урок «СКЕТЧИНГ»

Скетчинг — это техника рисования быстрых рисунков. «Скетчинг» происходит от английского слова “sketch” – этюд, зарисовки, набросок, «рисовать эскизы», «делать наброски». Сегодня скетчами иллюстрируют журналы, книги и даже афиши. Принципы работы скетчинга — это передача первых впечатлений за короткий интервал времени. Материалы, используемые для скетчей — это маркеры, акварель, цветные карандаши, линеры и другие подручные материалы. На вводном мастер классе вам ничего не потребуется с собой — все материалы вам предоставят. Самое главное — навыки умения рисовать не требуются. Во время рисования скетч-иллюстраций все фигуры и формы упрощаются и стилизуются. При помощи этого художественного направления вы найдете надежный способ борьбы со стрессами, ощутите себя настоящим художником, раскроете творческую составляющую своей личности и внесете в свою жизнь яркие краски и впечатления.   Что будет на пробном уроке? Покажем и научим способам, с помощью которых, Вы сможете нарисовать выразительный скетч уже на первом занятии!  Познакомим с преподавателем. Введем с курсом обучения. Расскажем все о профессиональных материалах для рисования скетчей.   Ждем вас на первом бесплатном мастер-классе!!!

Дата проведения: 25 октября 2018 г. Время проведения занятия: с 17-00 до 19-00. Место проведения: г. Москва, Волгоградский проспект, д.32 корпус 5.  Вход свободный. Запись по почте:   [email protected] Преподаватель: Павлова Лариса Викторовна.

Рисование ботанического скетча — это кайф, релакс, отдых!

Вы знаете, что такое ботанический скетчинг?

Ботанический скетчинг — это простая и быстрая зарисовка растений: листочков, веточек, цветочков, пестиков-тычинок — любой зеленушки, которую вы видите вокруг!

Это могут быть цветы из букета, с клумбы, горшковые растюшки, даже дачные сорняки! Вспомните, как они красивы! А какими красками они заиграют в вашей акварели… ммм — просто вкуснота!

Чем же отличается ботанический скетчинг от ботанической иллюстрации?

Ботаническая иллюстрация — это скрупулезное, дотошное рисование тех же растений, но с точным соблюдением числа лепесточков-тычинок-листиков, это просто гиперреализм, выполняемый долго и упорно!

Ботанический скетчинг же — прежде всего — кайф и удовольствие!!! ведь сидеть и с наслаждением рисовать листочки и наносить на них прожилки, лепить разводами объем того же цветочка, а потом выделить значимые линии линером или ручкой — это отдых и релакс! это быстрая, красочная зарисовка, не менее эффектная, сочная и яркая, красивая, но упрощенная. Кстати, сейчас очень модно это направление в дизайне, применяется в изготовлении открыток, интерьеров, в оформлении сайтов и подарков.

Учиться рисовать скетчи в нашем клубе «Красочный мир» мы начали именно с растений — ведь все с ними знакомы с детства!

На первом занятии мы просто поговорили о том, что такое скетч вообще и как научиться рисовать скетч.

Сейчас осень, вокруг много красивых листьев — вот именно с них мы и начали вплотную знакомиться с этим направлением рисования. Вот что у нас получилось!

На следующем занятии мы продолжим знакомство с рисованием ботанических скетчей. Но сначала на примере рисования листа монстеры разберем акварельные приемчики — ведь у нас есть новички! А это так увлекательно — выполнять акварельные заливки, наблюдать за текучестью и разводами краски, вливать дополнительный цвет в ранее нанесенный, делать набрызги и еще много чего другого!

Закончив это простое упражнение, мы получим отличную открыточку в зеленых тонах и приступим к рисованию вишни! Тут уж есть простор для разбега творческой мысли и применения всех наших умений!

Смотрите, как все просто и интересно!

 

Клуб «Красочный мир» проводит занятия по субботам с 11-00 до 13-00 по адресу: г.Томск, ул.Кузнецова, 16. Подробно https://vk.com/club167922586

Скетчинг | Артур

Нарисуй мир вокруг себя

Быстро и красочно зарисовать свой завтрак , обед, ужин, цветок на подоконнике , стопку книг на столе , пейзаж за окном… а потом и друга бегущего с мячом, маму с кусочком торта за столиком в кафе… весь мир вокруг ты сможешь зарисовать в своём скетчбуке!

Приходи на наш курс скетчинга ✏️ и научись передавать свои эмоции, выражать мысли, делиться впечатлениями на листе бумаги.

Скетчинг — это техника быстрых рисунков, передача своих впечатлений с помощью различных материалов.

Для скетча обычно используются акварельные краски, цветные карандаши, маркеры на спиртовой основе, линеры и прочие материалы, занимающие немного места и не требующие длительной подготовки, ведь художник всегда носит их с собой, чтобы делать наброски «на ходу».

На курсе мы освоим различные виды скетч-иллюстрации:

• Food — иллюстрация или рисунок еды, самый популярный и вкусный вид иллюстрации.
• Ботаническая иллюстрация — делаем зарисовки растений и цветов, в дальнейшем мы впишем их в интерьер.
• Интерьерный скетчинг — рисуем интерьер, мебель и декор.
• Архитектурный скетчинг — городские зарисовки, эскизы зданий и городских улиц и их неповторимой атмосферы.
• Travel — скетч — текстовые заметки путешественника в скетчбуке соседствуют с зарисовками местности, еды и предметов, окружающих художника.
• Fashion-иллюстрация — создание скетчей одежды, обуви, костюмов и аксессуаров.

А кроме того, научимся рисовать портреты, делать зарисовки животных, предметов быта и многое другое.

• Научимся работать различными материалами.
• Натренируем глазомер и поставим руку.
• Освоим законы перспективы и цветоведения.
• Научимся передавать эмоции через рисунки.
• Разовьём свои навыки и чувство стиля и композиции.

Наш курс подходит как начинающим художникам, так и тем, кто уже немного знаком с рисунком и живописью!

Скетчинг – это удивительное искусство, его можно освоить, даже если ты никогда не держал в руке карандаш ✏️ или кисть!

Это возможность отпустить фантазию в полёт, научиться рисовать красивые, яркие, привлекательные иллюстрации.

В скетчинге нет строгих правил и норм, это воплощение творчества в чистом виде, скетчинг это ты и только твоё видение!

Скетчинг это мир вокруг тебя! Нарисуй его!

СКЕТЧИНГ – новое направление цифровой графики проекта «Информдизайн»

Проект ИНФОРМДИЗАЙН представляет новое направление цифровой графики, основанное на выполнении рисунка в быстром темпе – скетчинг.

Скетчинг – это техника рисования быстрых рисунков, одно из самостоятельных художественных направлений в современном искусстве.

Скетч-иллюстрация – законченное, продуманное, самостоятельное произведение, которое может быть оформлено в раму, может использоваться в печатной продукции.

Просмотреть некоторые примеры реализации данного направления цифровой графики можно на странице СКЕТЧИНГ проекта ПИКЧЕРС.

Разрабатываем цифровые картины индивидуального дизайна по конкретным тематикам в самых различных стилях и жанрах для прогрессивных компаний и людей, открыто и нестандартно мыслящих и предпочитающих действия словам

Цифровые картины, выполненные в технике скетчинга являются яркими и практичными элементами оформления любого помещения – будь то сдержанное офисное пространство или жилой интерьер. Вместе с тем цифровая картина может быть прекрасным подарком к любому значимому событию в жизни человека, подчёркивающим уникальность и значимость знака внимания.

Цифровые картины украшают пространство ярким и актуальным современным дизайном и достойны быть перед глазами сотрудников любой компании, ориентированной на эффективность и результат.

Больше информации о скетчинге вы можете получить на тематической странице СКЕТЧИНГ проекта ИНФОРМДИЗАЙН.

Проект YES!PRESENTATION постоянно работает над улучшением качества и расширением спектра предоставляемых услуг. Мы постоянно отслеживаем самые современные мировые тенденции в развитии информационного дизайна, используем в своей практике наиболее передовые и эффективные приёмы подачи информации.

Проект YES!PRESENTATION рад предложить Вам современный сервис по всему спектру предоставляемых услуг в области информационного дизайна. Мы обеспечиваем высокие стандарты качества выполнения работ и в каждом случае гарантируем профессиональный результат для решения Вашей задачи.

«Сказка о Гэндзи» и искусство, которое она вдохновила

Не каждый устойчивый литературный шедевр вдохновляет тысячи лет на создание великого искусства. «Повесть о Гэндзи», написанная в Японии начала XI века и, возможно, первый роман в мире, является исключением. Богатая повествованием сага о жизни и любви при японском императорском дворе, она стимулировала инновации и во многих отношениях стала основой самого японского искусства.

Точно так же лишь несколько музеев могут воздать должное столь продолжительному творческому периоду.Среди них выделяется Метрополитен-музей, чья «Сказка о Гэндзи: иллюстрированная японская классика» великолепна, столь же роскошна и обширна, как и сама книга, полная редких займов от японских учреждений.

Книга «Гэндзи» — один из памятников японского периода Хэйан (794–1185), который многие считают его золотым веком. Именно тогда королевство решительно освободилось от китайского влияния, разработав, например, собственное слоговое письмо, называемое кана, в котором было исполнено «Гэндзи» и которое вскоре стало основой новой японской каллиграфии.В то же время японские императоры становились в значительной степени церемониальными, если не декадентскими; в действительности Японией правила череда аристократических кланов во главе с сёгуном, начиная с семьи Фудзивара.

Написанный дворянкой и фрейлиной, роман отражает эстетизм, интриги и нравы придворной жизни, когда они вращаются вокруг неотразимо красивого, полиамурного, морально гибкого (и вымышленного) принца Гэндзи, также известного как Сияющий принц. История разворачивается в 54 связанных главах с большим актерским составом, в который входят прекрасные любовницы, любовницы по совместительству, дети, преданные слуги и братья Гэндзи.(В «Императорском празднике осенней листвы», глава 7, Сияющий принц скачет со своим ближайшим другом То-но Чуджо в танце синих волн.) Гэндзи — принц-плейбой, но невротик, дон Хуан. с чем-то большим, чем Гамлет, способный к раскаянию, вине, депрессии и своего рода навязчивой жалости к себе. Еще он легко плачет.

Возможно, еще до того, как он был закончен, главы «Гэндзи» начали циркулировать при дворе и за его пределами, и вскоре его автор стал тихой знаменитостью.Она стала известна как Леди Мурасаки Сикибу в честь главного женского персонажа ее книги и большой любви Гэндзи. «Гэндзи» обладает эмоциональной интенсивностью, которая кажется поразительно современной, особенно в том, что его персонажи постоянно перечисляют свою внутреннюю жизнь и перепады настроения. Это романтический роман, проникнутый меланхолией и поэтической тоской и иногда прерываемый импульсивными действиями с довольно высоким коэффициентом #MeToo. Гэндзи мог изнасиловать одно из своих завоеваний; он похитил Мурасаки практически с первого взгляда, когда ей было 10 лет.

В течение столетия после его написания японские художники принимали вызов эпоса, придавая его сценам визуальную форму в иллюстрированных альбомах «Гэндзи», ручных скроллах, висящих свитках, больших складных ширмах и, что менее знакомо, ослепительной миниатюрной версии бесцветной Роспись тушью. В ходе шоу мы видим, как проявляется живописная чувственность страны: изящные изометрические изображения архитектуры и взорванная крыша, которые делают интерьер и экстерьер одинаково заметным (поскольку Гэндзи часто смотрит снаружи).А низко расположенные облака из листового золота, подчеркивающие вид с высоты птичьего полета, соблазнительно блокируют действия и добавляют великолепной декоративности.

Подробнее о Метрополитен-музее

Вы можете увидеть эти элементы в зарождающейся относительно грубой форме в «Повести о ручных свитках Гэндзи» XII века. Среди старейших сохранившихся рукописей Гэндзи эти свитки нельзя было путешествовать, но Художественный музей Токугава в Нагое прислал вместо них тщательные копии, сделанные с 1926 по 1935 год художником Танакой Синби (1875-1975).Реально это или нет, но увидеть их — все равно что увидеть картины раннего Возрождения в первый раз.

На выставке представлены чайные чаши, связанные с Гэндзи, кимоно, предметы домашнего обихода и паланкин из лакированного дерева, предоставленные на время галереей Артура М. Саклера Смитсоновского института. Построенный в 1856 году для невесты сёгуна Токугава, он снаружи украшен золотым и серебряным орнаментом, а внутри окрашен подходящими виньетками «Гэндзи». Есть также пародии на ксилографии периода Эдо, некоторые откровенно эротические. Несмотря на множество романтических свиданий и встреч, «Гэндзи» таковым не является.

Эту роскошь собрали Джон Т. Карпентер, куратор японского искусства в Метрополитене, профессор японского искусства и культуры Гарвардского университета Мелисса Маккормик, а также Моника Бинчик и Киоко Киношита.

Писательница Мурасаки стала самостоятельной легендой. В начале выставки вы встретите несколько почти одинаковых портретных икон с ручными свитками, на которых она богато одетая, склонившись над письменным столом — также можно увидеть образец из лакированного дерева. В каждом из них ее роскошные одежды возвышаются вокруг нее, как небольшой горный хребет, через который ее длинные волосы часто уходят, как извилистая река.Хотя ее окружение скудно, а то и вовсе отсутствует, она находится в Исиямадере, буддийском храме, куда она, возможно, пошла, чтобы написать свой роман.

Находясь там, Мурасаки, как говорят, воодушевляла ее задачу бодхисаттвой Нёирин Каннон. И он тоже присутствует в шоу: скульптура 10-го века из позолоченного лакированного дерева из храма Исиямадера, которому поклонялись во времена Мурасаки.

Некоторые аспекты того, как художники адаптировали «Сказку о Гэндзи», становятся предметом внимания, когда вы отслеживаете некоторые из наиболее известных глав в шоу.Например, первая версия главы 12 «Изгнание в Суму», в которой Гэндзи травмирован тем, что его ненадолго изгнали из Киото на южное побережье Японии, где он терпит скуку, беспокойство и плохую погоду, — это рукопись середины 13 века. выполнен красивыми завитками каллиграфии на декорированной бумаге, но без иллюстраций.

На экране конца 16 века отчетливо видна буря, в которой преобладают огромные извивающиеся, похожие на дракона волны, визуализированные в основном чернилами, в то время как наш герой храбро сидит в небольшом убежище на берегу (крайний справа).Затем висящий свиток начала 17-го века Ивасы Матабей (1578-1650) обращает внимание на эту структуру, где Генджи стоит лицом к ветру, его кимоно вздымается за полупрозрачными бамбуковыми жалюзи, называемыми мису, которые фактически используются в других частях шоу.

Точно так же «Лодка, плывущая по течению» (глава 51), в которой внук Гэндзи, Ноу, и Укифунэ, его возлюбленная, сидящие в одиночестве в лодке на реке Удзи, появляется на двух экранах вместе со сценами из других глав, в то время как Двухпанельная обработка 1966 года, созданная Сатой Йоширо (1922–1997), показывает только лодку и ее пассажиров почти в натуральную величину, которые теперь откидываются.Ближе к концу выставки прекрасный двухпанельный экран середины 17-го века с изображением трех куртизанок, сцена с лодкой уменьшилась. Он появляется на крошечной картине на раздвижной двери в другую комнату, где читается как приглашение к близости.

---

Сказка о Гэндзи: японская классика в освещении

До 16 июня в Музее искусств Метрополитен, Манхэттен; 212-535-7710, metmuseum.org.

Ежедневные наброски для творческого вдохновения (Сори Ким). Онлайн-курс

Выделение времени для ежедневного изучения своего воображения не только ускоряет ваш творческий процесс, но и является отличным способом улучшить вашу технику рисования.В этом курсе Сори Ким, иллюстратор и инструктор-фрилансер, проведет вас через процесс создания набросков каждый день с использованием различных техник, одновременно экспериментируя с вашими идеями.

Узнайте, как отпустить перфекционистские тенденции и освободить руки, чтобы задокументировать свою повседневную жизнь. Узнайте, как использовать идеи из эскиза для создания иллюстрированных работ, и улучшите свою технику рисования с помощью забавных упражнений Сори.

Познакомьтесь с Сори Ким, откройте для себя ее опыт в иллюстрациях и то, как она проложила свой собственный путь в поле.Узнайте о корейских художниках, которые влияют на ее работу, а также о других международных художниках, которые ее вдохновляют.

Узнайте об инструментах и ​​материалах, которые использует Сори, начиная с альбомов для рисования и заканчивая чернилами, ручками и красками. Откройте для себя основы рисования с помощью советов Сори по рисованию в перспективе, узнайте, как использовать точки схода, и другие техники. Затем узнайте, как сделать наброски более динамичными, отказавшись от освещения в ваших работах.

Чтобы улучшить технику рисования, важно практиковаться в рисовании по наблюдению.Узнайте, как разделить любой предмет, который вы хотите нарисовать, и создать свою визуальную библиотеку. Узнайте, как рисовать, исходя из своего воображения, и узнайте, как добавить цвет к своим наброскам. Затем выполните несколько упражнений для дальнейшего изучения и экспериментов в своем альбоме для рисования.

Узнайте, как превратить эскиз в законченную иллюстрацию, оставив место для развития вашей первоначальной идеи. Узнайте, как создать систему для организации ваших альбомов, и закончите курс, узнав, как делиться своими набросками в социальных сетях.

Заполните альбом, рисуя каждый день в течение одного месяца, используя подсказки и методы Сори.

Этот курс предназначен для всех, кто хотел бы развить привычку к ежедневному рисованию, улучшить свои навыки рисования и развить свой творческий процесс.

Для прохождения этого курса вам не нужен предыдущий опыт рисования, только мотивация для развития ваших способностей к рисованию.

Что касается материалов, вам понадобится альбом для рисования, тонкие карандаши, карандаши, ластик, акварель и любые другие материалы, которые вы хотите использовать.

Обзор

Noguchi — это не искусство, это роскошное освещение | Выставки

Если вам нравится гулять по магазинам элитного освещения, то художественная галерея Барбакан — это то, что вам нужно прямо сейчас. Бумажные абажуры повсюду, от высоких волнистых на полу до роскошных версий сферических абажуров, которые можно купить где угодно. Этот обзор японско-американского скульптора Исаму Ногучи, красиво расположенный, теплый сияющим светом, искусно украшенный предметами из камня, керамики и бронзы, является обязательным для ценителей дизайна и является утомительным для всех, кто ищет истинное искусство.

В этом нет никакого удара, никакой эмоциональной или психической энергии, только плавное движение умных, но безобидных творений. Не может быть более резкого контраста с открывшим глаза недавним шоу великого иконоборца Жана Дюбюффе в Барбакане, в котором вас охватили все уродливые причуды искусства. Гладкие творения Ногучи в тех же самых пространствах даже не заполнили мою голову, пока я смотрел на них. Как будто у них вообще не было реальности.

В фильмах, которые можно смотреть, сидя на собственной мебели, Ногучи выглядит милым и творческим человеком.В одном ролике он сидит на детской площадке, которую он спроектировал, и болтает со своим наставником, архитектором Бакминстером Фуллером.

Верный ученик модерна… Работа Ногучи в Барбакане. Фотография: Тим П. Уитби / Getty Images для Barbican Art Gallery

Детские площадки были интересом на всю жизнь, утопическим социальным пространством, которое удовлетворило веру Ногучи в оживляющую силу скульптуры. Он родился в США в 1904 году, но частично вырос в Японии. Он обучался столярному делу, прежде чем найти пионера абстракции Константина Бранкузи в своей парижской студии и начал свою художественную карьеру в 1920-х годах в Нью-Йорке.

Радикально упрощенные формы Бранкузи вдохновили его. Затем Фуллер показал ему, как абстрактное искусство может служить обществу. И это траектория, которую вы можете увидеть на верхнем этаже галереи, где аккуратно рассказано о его развитии. Первые скульптуры Ногучи явно напоминают Brâncuși, такие как его произведение 1928 года, Globular, которое перекликается с пышной металлической сексуальностью парижского мастера в стиле ар-деко. И это задает образец, поскольку Ногучи был слишком верным учеником пионеров модернизма.

В этом он типичен для художников Нью-Йорка и Лондона 1920-х и 30-х годов — настоящий край современного искусства находился в континентальной Европе.Возможно, вы надеетесь увидеть, как Ногучи блестяще сочетает западные и японские идеи в глобальном модернизме.

Социальное пространство… Ногучи тестирует свою слайд-мантру на Венецианской биеннале 1986 года. Фотография: © INFGM / ARS — DACS

Я думаю, это то, во что кураторы хотят верить, что он делает. Но вместо этого он выступает как нью-йоркский эквивалент Генри Мура или Бена Николсона, создавая красивые, но совершенно ручные абстракции, приглушенно заимствованные из хардкорных европейских оригиналов. Таким образом, комната, полная биоморфных, сюрреалистических фигур, представляет собой робкую имитацию гораздо более тревожных скульптур Пикассо и Джакометти.

Больше всего меня поразило то, насколько хорошо эти предметы будут смотреться в шикарном роскошном доме или квартире. Ногучи заставляет вас взглянуть на историю современного искусства по-новому и неутешительно. Нам нравится изображать модернизм 20 века как историю революции и сопротивления, от дадаистов, бросивших вызов Первой мировой войне, до Пикассо, бросающего краску в лицо фашизму. Но Ногучи раскрывает более уютную сторону современного искусства: создает новый вид абстрактной элегантности для украшения домов богатых.

Некоторые сочтут его готовность перейти от чистого искусства к прикладному, его способность украсить комнату радикальными.Вероятно, поэтому эта выставка проводится сейчас: потому что Ногучи можно рассматривать как «утопического» и «прогрессивного» художника, стремившегося придать скульптуре социальную функцию. Но была ли бакелитовая радионяня, которую он разработал в 1937 году, действительно радикальной? Я не могу представить, чтобы голодающие издольщики жаждали стильных технологий. И им, вероятно, тоже не нужна была обтекаемая машина, которую он моделировал для Фуллера.

История Мексики, 1936 г. Фотография: Исаму Ногучи / © INFGM / ARS — DACS

Сердце Ногучи было в нужном месте: он вел кампанию против расизма и фашизма в 30-х годах.Но его любовь к красивой форме в хорошо структурированном пространстве делала его беспомощно эстетичным и высококлассным. Его вещи просто не могут передать гнев или боль. На основе его опыта пребывания в лагере для интернированных американцев японского происхождения в Аризоне во время Второй мировой войны появился его настенный рельеф 1945 года «Моя Аризона» с веселой красной пластиковой панелью на части ее рельефной, но гармоничной белой поверхности. Было бы здорово на элитной кухне. Конечно, это не беспокоит. Даже его проект мемориала погибшим в Хиросиме кажется мне слишком изящным.

После войны он проводил больше времени в Японии и обнаружил наиболее гениальную связь традиций, когда работал с фирмой по производству фонарей над созданием своих световых скульптур Акари. Возможно, это его самое большое наследие, но классика дизайна — это не то же самое, что великое произведение искусства. Вместо этого я обнаружил, что смотрю на грубые колонны Барбакана, в которых, по крайней мере, есть какая-то жестокая поэзия.

В Барбакане с 30 сентября.

UX-эскизы: недостающее звено. Я понимаю, что это заставит меня звучать… | Крис Р Беккер

В общей сложности 5 сеансов проработали так

Сессия 1: Обзор UX / дизайн-мышления
Сессия 2: Открытие / Определение
Сессия 3: Определение + Пользователи / Разработка

(В центре внимания этого разговора)
Сессия 4: Разработка потребностей пользователей / Мозговой штурм + Идея + Наброски
Сессия 5: Создание эскизов UX + Реализация / Планирование

Небольшая команда из 8 человек участвовала в ограниченном подмножестве упражнений на дизайн-мышление, чтобы узнать, кто их пользователи есть и какие проблемы им следует решать.
Начало с упражнениями протоперсоны.

Proto-Persona Exercise

Опираясь на эти обещания, мы записали некоторые идеи и объединили их в команду, которые, по нашему мнению, были самыми глубокими.
Insights Exercise

Все эти упражнения привели нас к точке, где мы смогли выполнить формулировку задачи — упражнение по написанию безумной библиотеки, чтобы все участники выражали одно и то же.

Упражнения, указанные выше, были выполнены в течение первых 3 занятий.

Сессия 4: Разработка потребностей пользователей / мозговой штурм + идея + создание эскизов — вот где резина отправляется в путь. Небольшую команду попросили обобщить свои ограниченные исследования и объединить полученные знания в результаты и идеи. Мы потратили время сеанса на формирование идей и создание идей с помощью идей / мозгового штурма и набросков.

Команда не была знакома с групповыми идеями, поэтому мы начали с Что, если…, Мне нравится…, Я хочу… Упражнение

Цель состоит в том, чтобы заставить группу думать на ногах.Генерировать множество мыслей и идей, используя самый удобный из имеющихся в их распоряжении методов. Основное внимание уделяется генерации, а не методу, поэтому учащиеся могут заполнять постеры — как им заблагорассудится: словами, письмом (короткие предложения), рисунками, фигурками, рассказами и т. Д.

Мы установили некоторые правила формирования идей. (IDEO — хорошее место для начала) и начали.

https://www.linkedin.com/pulse/20140806132529-5544582-in-defense-of-brainstorming-why-you-may-not-need-brainwriting

Мы использовали стикеры, чтобы генерировать столько же идей, сколько и мы. мог за 2 часа мозгового штурма.Как фасилитатор мозгового штурма / формирования идей, я продолжал поощрять группу общаться любым удобным для них способом, пока они продолжают придумывать идеи и выпускать плакаты. Я перемещал группу по каждому шагу в разделах «Что, если…» (35 мин.), «Мне нравится…» (35 мин.), «Я хочу» (35 мин.), «Группировка идей» (25 мин.). Это упражнение выполняется быстро и поначалу может показаться немного пугающим. Студенты склонны выдвигать какие-то идеи, а затем замедляются, поскольку им нужно больше думать. Моя цель как фасилитатора — способствовать тому, чтобы все мысли были помещены на стикер.Главное — следовать первому правилу в идеях. ОТЛОЖИТЬ РЕШЕНИЕ. Нет ничего плохого в том, чтобы выбросить это из головы и отправить на стикер.

Советы фасилитатора:

1. По мере того, как ученики начинают готовить плакаты, их всегда будет тот, кто разрушит идею стикеров, и как фасилитатор я в конечном итоге хожу вокруг и собираю все выброшенные стикеры и места. их обратно в свои списки и напоминают им. НИКАКИХ ПЛОХИХ ИДЕЙ! Мы можем убить их позже. Моделирование поведения необходимо для того, чтобы учащийся генерировал идеи.

2. Поощряйте безумные идеи. например, я бы хотел, чтобы пользователи могли просматривать свои данные, как садовые… диаграммы дополненной реальности! Помните, что отсутствие идеи — плохая идея, а дикие идеи побуждают учащихся расширять свою творческую песочницу.

3. Как инструктор, я попытался смоделировать поведение во время упражнения и продемонстрировал каждую категорию с 3 образцами: 1 слово, 1 предложение и 1 рисунок.

Группа из 8 взрослых, состоящая из 1 дизайнера, 2 менеджеров по продуктам, 1 дизайнера UX, 1 разработчика и 3 менеджеров по работе с клиентами, работала над цифровым продуктом для продажи рекламы.

Угадайте, на скольких стикерах были рисунки: фигурки, наброски или каракули?

— Это колоссальный ноль! Ни одного стикера с эскизом или рисунком? Группа из 8 человек сосредоточилась на словах и предложениях.

Это было немного неожиданностью и вызвало у меня любопытство. Преобладает ли языковая коммуникация над изображениями? Неужели зарисовки так снисходительно смотрятся в корпоративной среде, что подавляются? Мешает ли рабочая обстановка свободе самовыражения? Дудлы более уязвимы в социальной среде? Post-it — просто плохой носитель для набросков?

Мозговой штурм идей 2×2 матрица

Теперь стикеры имеют ограниченный размер (3 на 3 дюйма), и группы, которые придумали вместе со мной, не проводили мозгового штурма через «Что, если…», мне нравится.., Я бы хотел… метод раньше, поэтому я предположил, что отсутствие эскизов было результатом заметок на наклейке, а не упреком рисунку в целом.

Я спросил группу: «Я заметил, что нет никаких набросков или каракулей? Вы как группа не рисуете и не зарисовываете? »
Их ответ: «Не знаю? На самом деле мы не так много рисуем ». Это оставило меня немного разочарованным, но не помешало нам поговорить об идеях, сгенерированных на стикерах, но заставило меня задуматься, так как я знал, что следующая сессия будет во многом опираться на идеи рисования / набросков.

На самом деле зарисовки — это часть мышления, но их тоже нужно практиковать. Команда, с которой я работал, была малоопытной, и поэтому в ограниченное время для генерации идей они не полагались на метод создания набросков при продумывании идей. Я посоветовал своим ученикам практиковаться в рисовании, а не полагаться только на слова. Нам как разработчикам программных интерфейсов, в конечном итоге, нужно рисовать. Где-то по ходу дела возникает идея, что использование Adobe XD, Illustrator, Photoshop, Sketch, Figma и т. Д. Не является рисованием.Я утверждаю, что это рисунок, и если вы сначала сделаете набросок на листе бумаги, вы, в конечном итоге, выполните рисунок с помощью программного обеспечения более эффективно и действенно. Многие программные инструменты — плохие инструменты для создания эскизов.

Сессия 5: Создание эскизов UX + реализация / планирование. На заключительном занятии создание эскизов было в центре нашей мастерской. Мы использовали бумагу и фломастеры, чтобы быстро набросать бумажные версии пространства возможностей, которое мы определили во время создания идей.

10 советов по улучшению ваших эскизов.Рисование — это такой же навык, как и любой другой… | by Aman Sahota

Рисование — это такой же навык, как и любой другой. Чем больше вы это сделаете, тем лучше у вас получится.

Скорее всего, читая о набросках, вы, вероятно, думаете: «Наброски для меня не подойдут. Я не умею рисовать. Если вы избегаете рисования, потому что сомневаетесь в своих художественных навыках, будьте уверены, вы не одиноки.

1. Взгляните в лицо своим страхам

Вам нужно преодолеть страх быть оцененным по качеству ваших рисунков.Полезно помнить, что цель создания набросков не в том, чтобы проверить свои художественные навыки, а в том, чтобы исследовать различные идеи, а затем передавать их другим. Итак, пока вы можете рисовать линии, прямоугольники, стрелки и круги, вы можете рисовать.

2. Практика ведет к совершенству.

Рисование — это такой же навык, как и любой другой. Чем больше вы это сделаете, тем лучше у вас получится. Выработайте привычку рисовать наброски, и это поможет вам повысить уровень своих навыков.

Если вы только начали рисовать, попрактикуйтесь в рисовании основных фигур, таких как линии, треугольники и круги.Эти элементы являются строительными блоками любого эскиза. Соединив эти часто используемые элементы, вы создадите отличную основу для своих набросков.

3. Не сосредотачивайтесь на визуальном качестве

Ориентация на визуальное качество ваших эскизов может мешать вам. Когда вы сосредотачиваетесь на том, насколько «красивыми» должны быть ваши наброски, вы легко можете забыть о проблеме, которую пытаетесь решить. Помните, что в большинстве случаев вы выбросите свои наброски в конце, чтобы их не нужно было отполировать. Ясность должна быть вашим главным приоритетом.Вместо того, чтобы думать: «Достаточно ли красивого рисунка?» подумайте: «Достаточно ли ясен этот набросок?»

4. Используйте цвета и тени

Одно из основных правил рисования — лучше создавать эскизы в оттенках серого, чтобы не отвлекаться на цвета. Однако можно использовать ограниченное количество контрастных цветов (скажем, один или два), чтобы привлечь внимание к конкретным элементам (например, чтобы определенные элементы выделялись) или в качестве визуальных обозначений (например, вы можете использовать синий для ссылок и других интерактивных элементов) .Если вы все же используете цвета, обязательно используйте их последовательно.

Подобно цветам, добавление теней к интерактивным элементам (например, кнопкам) поможет людям лучше понять значение ваших элементов.

5. Научитесь рисовать длинные линии

При рисовании длинных линий подумайте о том, чтобы двигать рукой и ручкой плечом, а не локтем или запястьем. Это позволит вам рисовать более длинные и прямые линии. Этот метод легко можно применить к рисованию на доске.

6.Скетч в слоях

Это отличный совет из статьи Пейтера Бьюика «Беспорядочное искусство создания UX-эскизов». Пейтер советует начинать со светло-серого маркера и использовать более темную ручку для каждого последующего слоя. Когда вы будете готовы завершить набросок, используйте темно-серую ручку. Эта техника поможет вам создать ваш набросок шаг за шагом, обрисовывая сначала структуру вашего наброска, а потом детали.

7. Поверните страницу

Профессиональные рисовальщики часто переворачивают страницу, чтобы получить нужное положение рисунка.Это помогает им получать прямые линии с наименьшими усилиями. В следующий раз, когда вам будет сложно провести вертикальную линию, просто поверните страницу на 90 градусов и вместо этого нарисуйте горизонтальную линию.

8. Используйте шаблоны

Использование шаблона при создании эскиза сэкономит ваше время. Вам не нужно перерисовывать общие элементы каждый раз, когда вы набрасываете новый макет.

Вы также можете использовать копировальный аппарат для создания шаблонов из существующих эскизов.

9. Попробуйте создать цифровой набросок

Хотя для рисования требуется ручка и бумага, также можно рисовать с помощью цифровых устройств, таких как iPad с Apple Pencil.Цифровое рисование позволяет избавиться от пыли от ластика и скопления использованной бумаги. Это отличный вариант для людей, которые работают из разных мест, что упрощает организацию и быстрый доступ к вашим эскизам в любое время и в любом месте.

10. Эксперимент

Когда дело доходит до создания набросков, не существует универсального решения. У каждого свой стиль рисования. Если вы новичок в рисовании, не торопитесь, чтобы поэкспериментировать и попробовать новые техники. Не бойтесь пробовать разные форматы, стили и методы.Скоро вы обнаружите, что лучше всего подходит для вас.

Создание эскизов — это проверенный временем подход к исследованию, уточнению и передаче ваших дизайнерских идей. Это важный элемент отличного взаимодействия с пользователем. Отличные навыки рисования сэкономят ваше время, помогут ясно мыслить и найти лучшие решения проблем.

«Что такое искусство?» Льва Толстого (отрывки)

«Что такое искусство?» Льва Толстого (отрывки) «Что такое искусство?» (выдержки) по Льву Толстому

Примечание редактора: Это эссе (первоначально опубликовано в 1896 году) и перевод Алимера Мод (впервые опубликовано в 1899 г.) находятся в общественном достоянии и могут быть свободно воспроизведены.

Информация об авторе: Толстой Лев. (1828-1910), хотя наиболее известен своими литературными произведениями, также написал различные очерки по искусству, истории и религии.

Вопросы для обсуждения, библиографические ссылки и гиперссылки были добавлены Джули Ван Кэмп. (Авторское право Julie C. Van Camp 1997 г.) Их тоже можно свободно воспроизводить, если это полное цитата включается в любое такое воспроизведение.

Нумерация абзацев ниже была добавлена ​​для облегчения занятий обсуждение.Это не было включено в исходный текст.

[ВОПРОСЫ ДЛЯ ОБСУЖДЕНИЯ]

---

ГЛАВА ПЯТАЯ (выдержки) . . .

№1. Чтобы правильно определить искусство, необходимо, прежде всего, все, чтобы перестать рассматривать это как средство для удовольствия и рассматривать это как одно из условий жизни человека. Просмотр в этом мы не можем не заметить, что искусство — одно из средств половой акт между мужчиной и мужчиной.

№2.Каждое произведение искусства заставляет получателя войти в определенное вид отношений как с тем, кто продюсировал или производит, искусство, и со всеми, кто одновременно, ранее или впоследствии получают такое же художественное впечатление.

№3. Речь, передающая мысли и переживания мужчин, служит средством объединения между ними, и искусство действует аналогичным образом. манера. Особенность этого последнего средства полового акта, различение он от полового акта посредством слов, состоит в том, что тогда как словами человек передает свои мысли другому, искусства он передает свои чувства.

№4. Деятельность в области искусства основана на том, что человек, получая через его слух или зрение выражение другого человека чувства, способен переживать эмоции, которые переместили человек, который это выразил. Возьмем простейший пример; один человек смеется, и тот, кто слышит, веселится; или мужчина плачет, и другой, кто слышит, чувствует печаль. Мужчина возбужден или раздражен, и другой мужчина, увидев его, приходит в подобное состояние.К своими движениями или звуками своего голоса мужчина выражает храбрость и решимость или печаль и спокойствие, и это состояние ума переходит к другим. Мужчина страдает, выражая свои страдания стонами и судорогами, и это страдание передается другим люди; мужчина выражает чувство восхищения, преданности, страха, уважение или любовь к определенным объектам, людям или явлениям, и другие заражены такими же чувствами восхищения, преданности, страх, уважение или любовь к одним и тем же объектам, людям и явлениям.

№ 5. И именно эта способность человека принимать чужие выражение чувств и сам испытать те чувства, которые деятельность искусства основана.

№6. Если мужчина заразит другого или других напрямую, немедленно, по его внешнему виду или по звукам, которые он издает в самый раз он испытывает чувство; если он заставит другого мужчину зевать когда он сам не может удержаться от зевоты, или смеяться или плакать, когда он сам вынужден смеяться или плакать, или страдать, когда он сам страдание — это не искусство.

№7. Искусство начинается, когда один человек с целью присоединиться к другому или других к себе в одном и том же чувстве, выражает, что ощущение по определенным внешним признакам. Взять самое простое Пример: мальчик, испытавший, скажем так, страх при встрече с волк рассказывает об этой встрече; и, чтобы вызвать у других чувство, которое он испытал, описывает себя, свое состояние перед встречей, окружение, лес, его собственный беззаботность, а затем внешний вид волка, его движения, расстояние между сам и волк и т. д.Все это, если бы только мальчик, когда рассказывал история, снова переживает чувства, которые он пережил и заражает слушателей и заставляет их чувствовать то, что рассказчик испытал это искусство. Если бы даже мальчик не видел волка, но часто боялся одного, и если, желая вызвать в другие страх, который он чувствовал, он придумал встречу с волком и рассказал это так, чтобы его слушатели разделяли чувства когда он боялся мира, он испытал, что это тоже было бы искусством.И точно так же искусство, если человек, испытав либо страх страдания, либо влечение к удовольствию (будь то наяву или в воображении) выражает эти чувства на холсте или в мраморе, чтобы другие были заражены ими. И это также искусство, если человек испытывает или воображает себе чувство восторга, радость, печаль, отчаяние, храбрость или уныние и переход от одного к другому из этих чувств, и выражает эти чувства звуками, чтобы слушатели заразились ими и испытали их так, как их пережил композитор.

№8. Чувства, которыми художник заражает окружающих, могут быть самыми различные — очень сильные или очень слабые, очень важные или очень незначительный, очень плохо или очень хорошо: чувство любви к своей стране, самоотверженность и покорность судьбе или Богу, выраженная в драма, описанные в романе восторги влюбленных, чувства сладострастие выраженный в картине, мужество выраженное в триумфальном марше, веселье, вызванное танцем, юмор, вызванный забавной историей, ощущение тишины, передаваемое вечерним пейзажем или колыбельная, или чувство восхищения, вызванное красивой арабески — это все искусство.

№ 9. Если бы только зрители или аудиторы заражены чувствами которую автор почувствовал, это искусство.

№ 10. Чтобы вызвать в себе чувство, однажды испытанное, и вызвав его в себе, затем движениями линии, цвета, звуки или формы, выраженные словами, чтобы передавать ощущение, что другие могут испытывать то же чувство — это это деятельность искусства.

№11. Искусство — это человеческая деятельность, заключающаяся в том, что один человек сознательно, посредством одних внешних знаков, передавать руки другим чувства, которые он пережил, и что другие люди заражены этими чувствами, а также испытать их.

№ 12. Искусство — это не проявление, как говорят метафизики. о какой-то таинственной идее красоты или Бога; это не так, как эстетический физиологи говорят, что это игра, в которой человек избавляется от избытка запасенная энергия; это не выражение человеческих эмоций внешние признаки; это не создание приятных предметов; и, прежде всего, это не удовольствие; но это средство союза среди мужчин, объединяя их в одних чувствах, и незаменимый для жизни и продвижения к благополучию людей и человечества.

№ 13. Ведь благодаря способности человека выражать мысли словами, каждый человек может знать все, что было сделано для него в царствах мысли всего человечества до его дня, и может в настоящем, благодаря этой способности понимать мысли других, стать соучастником их деятельности и может сам передать свои современники и потомки мысли, которые он усвоил от других, а также от тех, которые возникли в нем самом; Итак, благодаря способности человека заразиться чувствами других посредством искусства, все, что переживается ему доступны современники, а также чувства испытанный людьми тысячи лет назад, и у него также есть возможность передавать свои чувства другим.

№14. Если людям не хватало этой способности воспринимать мысли задуманный людьми, которые предшествовали им, и передать другим свои собственные мысли, люди были бы подобны диким зверям или как Каспар Хаузер.

№ 15. И если мужчинам не хватало этой другой способности заразиться искусства, люди могли бы быть еще более дикими, и, прежде всего, более отделенные друг от друга и более враждебные по отношению друг к другу.

№16. И поэтому деятельность искусства — самая важная, столь же важен, как и сама деятельность речи, и в целом рассеянный.

№ 17. Мы привыкли понимать, что искусство — это только то, что мы слышим и увидеть в театрах, на концертах и ​​выставках вместе с здания, статуи, стихи, романы. . . . Но все это лишь малая часть искусства, с помощью которого мы общаемся друг с другом в жизни. Вся человеческая жизнь наполнена произведениями искусства всех видов. — от колыбельной песни, шутки, мимики, украшения домов, одежда и утварь, вплоть до церковных служб, построек, памятников, и триумфальные шествия.Это все художественная деятельность. Так что под искусством, в ограниченном смысле этого слова, мы не подразумеваем все человеческое деятельность, передающая чувства, но только та часть, за которую мы почему-то выбирают из него и которому мы придаем особое значение.

№ 18. Это особое значение всегда придавалось всем мужчинам. к той части этой деятельности, которая передает поток чувств от их религиозного восприятия, и эту небольшую часть искусства они специально назвали искусство, придав ему полный смысл слова.

№ 19. Так были люди древности — Сократ, Платон и Аристотель. — посмотрел на искусство. Так поступали еврейские пророки и древние Христиане уважают искусство; так это понималось и до сих пор понимается мусульманами, и, таким образом, это до сих пор понимается религиозными народ среди нашего крестьянства.

№20. Некоторые учителя человечества — как Платон в его Республика и такие люди, как примитивные христиане, строгие мусульмане, и буддисты — зашли так далеко, что отвергли всякое искусство.

№21. Люди смотрят на искусство таким образом (в отличие от преобладающий взгляд на сегодняшний день, который считает любое искусство хорошим, если только оно позволяет удовольствия) считают и считают, что искусство (в отличие от речь, которую не нужно слушать) настолько опасна в своей власти заражать людей против их воли, что человечество потеряет гораздо меньше, изгнав все искусство, чем терпя каждое и всякое искусство.

№ 22. Очевидно, такие люди были неправы, отрицая всякое искусство, ибо они отрицали то, что нельзя отрицать — одно из необходимых средства связи, без которых человечество не могло существовать.Но не менее неправы люди цивилизованного европейского общества. нашего класса и дня в пользу любого искусства, если оно служит красоте, т.е. доставляет людям удовольствие.

№ 23. Раньше боялись, что среди произведений искусства там могут быть причиной коррупции, и они запретили искусство в целом. Теперь они только боятся, как бы их не лишили Любые удовольствия искусство может себе позволить, и покровительствовать любому искусству. И я думаю, что последняя ошибка намного серьезнее первой и что ее последствия гораздо более вредны.

ГЛАВА ПЯТНАДЦАТАЯ

№24. Искусство в нашем обществе настолько извращено, что не только плохое искусство стало считаться хорошим, но даже само восприятие то, что искусство на самом деле было потеряно. Чтобы иметь возможность говорить об искусстве нашего общества, поэтому в первую очередь необходимо отличить искусство от подделки.

№ 25. Есть одно несомненное свидетельство отличия настоящего искусства. от его подделки, а именно заразительности искусства.Если человек, не прилагая усилий и не изменяя своей точки зрения при чтении, слушании или просмотре работ другого человека, переживаниях психическое состояние, которое объединяет его с этим человеком и с другими люди, которые также принимают участие в этом произведении искусства, затем объект, вызывающий это состояние — произведение искусства. И как ни поэтично, реалистично, работа может быть эффектной или интересной, это не произведение искусства если это не вызывает этого чувства (в отличие от всех других чувства) радости и духовного единения с другим (автор) и с другими (теми, кто тоже им заражен).

№ 26. Верно, что это указание внутреннее, и что Есть люди, которые забыли, что такое действие настоящего искусства кто ожидает чего-то другого от искусства (в нашем обществе великие большинство находятся в этом состоянии), и поэтому такие люди могут ошибка за это эстетическое чувство, чувство отвлечения и определенный ажиотаж, который они получают от подделок произведений искусства. Но хотя этих людей невозможно обмануть, как и невозможно убедить человека, страдающего «дальтонизмом» [тип дальтонизма], что зеленый цвет не является красным, но для всех что это указание остается совершенно определенным для тех, кто чувство к искусству не извращается и не атрофируется, и оно явно отличает чувство, производимое искусством, от всех других чувств.

№ 27. Главная особенность этого ощущения в том, что приемник истинного художественного впечатления настолько объединяет художника, что он чувствует себя так, как будто работа была его собственной, а не чужой — как будто то, что он выражает, было именно тем, чего он давно желал выражать. Настоящее произведение искусства разрушает, в сознании получателя, разделение между собой и художником — не только одного, но и между собой и всеми, чьи умы получить это произведение искусства.В этом освобождении нашей личности от его разделение и изоляция, в этом объединении его с другими, заключается главная характеристика и великая сила притяжения Изобразительное искусство.

№ 28. Если человек заражен авторским состоянием души, если он чувствует эту эмоцию и этот союз с другими, затем объект осуществившее это искусство; но если не будет такой заразы, если не будет этого союза с автором и другими движимы одним и тем же произведением — значит, это не искусство.Да и не только заражение — верный признак искусства, но степень заразности также является единственной мерой мастерства в искусстве.

№ 29. Чем сильнее зараза, тем лучше искусство как арт , говоря сейчас отдельно от его предмета, то есть не принимая во внимание качество передаваемых им чувств.

№ 30. А степень заразительности искусства зависит от трех условия:

1. О большей или меньшей индивидуальности чувства передан;
2. о большей или меньшей ясности, с которой чувство передается;
3. об искренности художника, т.е., по большему или меньшему сила, с которой сам художник чувствует передаваемые эмоции.

№31. Чем индивидуальнее передается чувство, тем сильнее действует ли это на получателя; тем индивидуальнее состояние души, в которую он переносится, тем больше удовольствия доставляет приемник получить, и, следовательно, более легко и решительно он присоединяется к этому.

№ 32. Четкость выражения способствует заражению, потому что приемник, сливающийся в сознании с автором, является чем больше удовлетворен, тем отчетливее передается чувство, которую, как ему кажется, он давно знал и чувствовал, и для которое он только сейчас нашел выражение.

№ 33. Но больше всего — это степень заразительности искусства. повысился по степени искренности в художнике. Как только зритель, слушатель, или читатель чувствует, что художник заражен собственными постановку, и пишет, поет или играет для себя, а не просто действовать на других, это душевное состояние художника заражает получатель; и наоборот, как только зритель, читатель, или слушатель чувствует, что автор не пишет, не поет или не играет для собственного удовольствия — сам не чувствует того, чего хочет выразить — но делает это за него, получателя, сопротивление сразу возникает, а самые индивидуальные и новейшие чувства и самая умная техника не только не дают любая инфекция, но на самом деле отталкивает.

№ 34. Я упомянул три состояния заразительности искусства: но все они могут быть сведены в одну, последнюю искренность, т. е. что художника должна побуждать внутренняя потребность выразить его чувство. Это условие включает первое; если художник искренен, он выразит чувство, которое он испытал. А также поскольку каждый мужчина отличается от других, его чувства будут быть индивидуальным для всех; и чем индивидуальнее это — тем больше художник рисовал это из глубины своей натуры — тем отзывчивее и искреннее он будет.И эта искренность побудит художника найти четкое выражение чувства который он хочет передать.

№ 35. Поэтому это третье условие — искренность — наиболее важно из трех. В крестьянском искусство, и это объясняет, почему такое искусство всегда действует так мощно; но это условие почти полностью отсутствует в нашем высшем классе искусство, которое постоянно создается художниками, движимыми личными алчность или тщеславие.

№ 36. Таковы три условия, которые отделяют искусство от подделки, и которые также определяют качество каждого произведения искусства, кроме его предмет.

№ 37. Отсутствие любого из этих условий исключает работу образуют категорию искусства и относят ее к категории искусства подделки. Если работа не передает особенности чувства художника и поэтому не является индивидуальным, если это непонятно выражено, или если это не исходило от внутренней потребности автора в выражении — это не произведение искусства.Если все эти условия присутствуют, пусть даже в малейшей степени, то работа, пусть и слабая, пока еще произведение искусства.

№38. Наличие в разной степени этих трех состояний — индивидуальность, ясность и искренность — решает заслугу произведения искусства как искусства, помимо предмета. Все работает искусства получают ранг заслуг в зависимости от степени, в которой они выполнить первое, второе и третье из этих условий. В одном может преобладать индивидуальность передаваемого чувства; в другом — ясность выражения; в третьих искренность; в то время как четвертый может иметь искренность и индивидуальность, но быть несовершенным в ясности; пятое — индивидуальность и ясность, но меньше искренности; и так далее, во всех возможных степенях и комбинациях.

№ 39. Таким образом искусство отделяется от того, что не является искусством, и, таким образом, качество искусства, определяемое искусством, независимо от его предмета материи, т. е. независимо от того, являются ли чувства, которые он передает, хорошо или плохо.

№ 40. Но как нам определять хорошее и плохое искусство со ссылкой на к его предмету?

---

ВОПРОСЫ ДЛЯ ОБСУЖДЕНИЯ

1. Толстой характеризует искусство с точки зрения отношения наблюдатель / воспринимающий как для художника, так и для других, кто воспринимает работа.Каков характер этих отношений?
2. Считает искусство важным условием жизни человека, поскольку он используется для передачи человеческих чувств или эмоций. Какие есть примеры этого общения? Как именно это коммуникация работать, по Толстому? Что нужно для успешного общения эмоций через искусство?
3. Мы передаем наши чувства и эмоции другими способами, кроме Изобразительное искусство. Каковы примеры некоторых из этих способов? Что необычного о коммуникации через искусство?
4. В этом художественном общении используются «внешние знаки», по Толстому (№11).Какие могут быть примеры этих «знаков». Чем «знаки», используемые художниками, отличаются от, скажем, дорожные знаки или стрелки в общественном здании? Как это «общение» с «внешними признаками» отличается от «выражения» с «внешними признаками»? (# 12)
5. Искусство не о постановке «удовольствия» Толстого. претензии. Используйте команду «найти» в своем браузере (или в текстовом редакторе программа) для поиска отрывков, в которых говорится о «удовольствии.» Что он, кажется, имеет в виду под «удовольствием»? Он последователен в этих отрывках в его употреблении слова «удовольствие»? Что значит он так враждебно относится к этому как к способу понимания искусства?
6. Толстой перечисляет еще несколько предложений для понимания искусства. что он отвергает. (# 12) Его предложение кажется более убедительным чем те, кого он отвергает? Почему?
7. Толстой, кажется, принимает иерархию, в которой есть «искусство» быта и высшего искусства, проникнутого религиозным восприятием (# 17-18).Это правдоподобное различие? Соответствует ли это различия вы проводите? Объясняет ли это культурное значение искусства?
8. Толстой обсуждает взгляды Платона на искусство (№19-23). Какие элементы с точки зрения Платона, считает ли он себя? Согласен ли он с Платоном о каких его взглядах на искусство? С чем он не согласен?
9. Как Толстой предлагает различать «настоящее искусство»? из «поддельного искусства» (№24-28)? Это работоспособный тестовое задание? Какие проблемы вы видите с этим? Ты можешь думать о контрпримеры что бросило бы вызов его взгляду на то, как провести это различие?
10. Толстой использует тест на заразность не только как описательный мера того, что должно считаться искусством, но также и стандарт для хорошее искусство (# 28-32).Что он подразумевает под этим стандартом? Как он предлагает применить этот тест для оценки искусства? Это полезно предложение по оценке качества искусства? Если вы не согласны с это предложение, как бы вы его оспорили?
11. Как действует «искренность» в теории Толстого? Используйте команду «найти», чтобы рассмотреть все отрывки. где он имеет в виду «искренность». Это полезное предложение для понимания и оценки искусства? Можем ли мы когда-нибудь обмануть об искренности художника? Как бы Толстой отреагировал на такие беспокойство об обмане?
12. Толстой ценит то, что он называет «крестьянским искусством», потому что искренности (# 35).Сравните рассуждения Толстого о «крестьянине». искусство »с похвалой Клайва Белла менее двадцати лет позже «первобытного искусства» ( ст. , №16). Сходны ли в чем-то их рассуждения? Чем он отличается? Вы думаете, что их похвала такому искусству была случайной?

    ---

Эта страница была размещена в сети и поддерживается Джули Ван Кэмп, Профессор философии, Калифорния Государственный университет, Лонг-Бич.

Ваши комментарии, вопросы и предложения приветствуются: jvancamp @ csulb.edu

Последнее обновление: 23 ноября 2006 г.

Рисунок против живописи: советы экспертов, издание 2019 г.,

Для начинающих изучать искусство, естественно задаться вопросом, что разница между живописью и рисунком есть. И чтобы ответить на этот вопрос, между ними существует огромная и значительная разница. Не только в синтаксическом значении двух терминов, но также и в различных типах каждый и методы подхода.

Окончательный и экспертный обзор здесь, чтобы уточнить подробнее, типы картин, типы рисунков после подробного описания принципиальная разница между ними.Кроме того, вы также узнаете больше о различиях, которые существуют между каждой техникой рисования и живописью техника.

Прочтите, чтобы узнать больше о различных типах картины и виды рисунка.

Давайте разберемся с основами

По определению, картина — это произведение искусства, которое включает использование кисти и, что очень очевидно, краски. Независимо от типа краска или кисть, произведение искусства по-прежнему классифицируется как рисование в данный момент он использует кисть.

В то время как рисунок, с другой стороны, может быть получен без вышеупомянутых двух материалов. Чаще всего это связано с использованием в большинстве случаев карандаш, а иногда даже ручка.

Давайте теперь узнаем больше о истории обоих видов искусства и то, как они трансформировались с годами.

История рисования:

История рисования уходит корнями в доисторические времена. Он использовался либо в качестве носителя для записи истории, либо для общение задолго до изобретения карандаша.

Найдены самые ранние известные рисунки на стенах пещер в Испании и Франции. Эти офорты датируются 30 000 лет назад. до 10 000 г. до н. э. и включать рисунки животных наряду с абстрактными формами.

Пещеры Альтамиры: наскальное искусство палеолита в Испании

Древние Греки и древние египтяне также рисовали фрукты, животные и даже человеческие фигуры. на повседневных предметах. Некоторые из них предназначались для эстетических целей, но иногда даже использовались для «общения с богами». Египетские иероглифы — еще один пример рисунка, используемого для общение в древности.

В восточных культурах, с другой стороны, не делалось различий между живописью и рисунком.

Но рисунок, как мы думаем о нем сегодня, приобрел популярность в Европе в 1400-х годах. Рисование карандашами или чернила, когда-либо использовались в качестве основы только для окончательных картин художников до Период Возрождения. Студентов-художников учили рисованию до того, как они научились учиться. живопись, скульптура или архитектура.Но более того, рисование стало считается отдельным видом искусства.

Такие художники, как Леонардо да Винчи, Микеланджело, хотя и наиболее известен своими другими работами, по-прежнему известен рисунки в их «портфолио».

Со временем появились новые изобретения. познакомился с миром искусства; как цветные карандаши, мелки, масляная пастель и мягкая пастель и т. д. Эти средства начали находить место в рисунках.

История живописи:

Сегодня нам нравятся пейзажи. и бытовые сцены, даже абстрактное искусство; но было время, когда картины были сделаны только для изображения сцен из Библии и в служении Богу.Рисование портретов членов королевской семьи и знати было стандартом на протяжении веков, некоторые могут сказать, что так оно и есть до сих пор.

Период Возрождения был периодом гражданских и религиозных изменений по всей Европе. но, как упоминалось выше, это был также период славных преобразований в искусстве. Именно тогда художники начали использовать искусство, чтобы восстать против статус-кво. Идея было создавать искусство для масс, искусство ради искусства.

Primavera Сандро Боттичелли: пример итальянского искусства эпохи Возрождения

Изменения в отраслях также означали меняется не только предмет, но и техника, используемая для рисования.Масляная краска была впервые завезенный в Восточный Афганистан, он попал в Европу в конце Средние века (до Возрождения). Тогда масла образовывали сафлор и льняное семя обычно использовалось вместе с пигментами. В средние века золото и другие драгоценные элементы были использованы в пигментах! В основном для изображения небесных сущностей, чтобы отделить их от своих человеческих собратьев.

Немецкий ученый и промышленник Отто Рем изобрел акриловую смолу где-то до 1934 года, а в 1950-х годах — акрил. краска (первые ее варианты) стала коммерчески доступной.

В условиях постоянно меняющейся политической обстановки сюжеты и стили изменились с самого начала человеческой жизни. Различное искусство движения за последние несколько столетий сыграли жизненно важную роль в создании эти политические ландшафты меняются.

Художественные направления, такие как сюрреалист, поп Движения Art и Bauhaus Art были созданы с учетом этих целей.

Двигаясь дальше, давайте посмотрим на разницу, которая существует между методами, используемыми в каждом конкретном случае.

Техника рисования

Живопись аналогична рисованию, но считается быть «мокрым» искусством, поскольку предполагает использование красок и кистей.Также там заключается в вариации того, как достигается конечный результат в каждом конкретном случае.

Что касается покраски, то подготовка обязательна поверхность, на которой будет выполняться покраска. Как только это будет завершено, другие шаги, такие как выбор тона цветов, которые будут отображаться на поверхность сделана.

Далее следует экспериментирование с различными техниками. такие как наслоение, глазирование краской и так далее. Почти нет предела для вещей, которые можно использовать в качестве краски, потому что она варьируется от акрила до масла Мел тоже!

Техника рисования

Рисунок, напротив, заметно отличается от бывший.Во-первых, он считается «сухим», так как не затрагивает использование красок или кистей и красок любого типа. Обычно используемые материалы Карандаш, ручка, а иногда и другие мелки и уголь тоже.

Когда дело доходит до техники, вы должны отметить, что подход к рисунку полностью отличается от того, что можно было бы использовать для рисование.

Что касается рисунка, он включает в себя больше размеры и масштаб для достижения конкретного результата. Если на то пошло, вы может даже считать каракули рисованием, но его нельзя отнести к категории картины.

Теперь, когда вы получили базовый, начальный уровень понимание этой фундаментальной концепции, вы не можете перейти к пониманию разные виды картин и рисунков.

Типы картин

Акварельная живопись

Теперь вы должны быть хорошо знакомы с этим, столкнувшись с это в школе. Картины этого типа выполнены акварельными красками. Как вы могли видеть и использовать, имея очень красочные палитры. Простой тип, что здорово для начала.

Живопись по стеклу

Это стиль, который предполагает использование цветов, которые Предназначен исключительно для использования на стекле, так называемой росписи по стеклу. Это может быть здорово используйте, если хотите украсить стеклянные изделия для домашнего декора. В краска такова, что она особым образом связывается только со стеклом, поэтому ее нельзя использовать на другие материалы, такие как бумага или любой холст.

Масляная живопись

В этом стиле живописи можно использовать масляную краску, которая состоит из олифы, имеющей способность прилипать к цветному пигменту краска.Естественно, поскольку он маслянистый по своей природе, это может быть немного сложно. обрабатывать. Тем не менее, он предлагает очень профессиональную глянцевую поверхность для всей рисование.

Акриловая живопись

Акриловая живопись — очень популярная техника рисования. А очень красивый и красочный вид росписи. Краска водорастворимая, однако окончательная окраска является водостойкой. Акриловые краски просты в использовании и, следовательно, они являются одним из наиболее часто используемых стилей среди картин.

Существуют различные другие типы картин, например, спрей. живопись, картины Inkwash и так далее.

Существуют различные другие типов картин , такие как окраска распылением, окраска тушью и так далее.

Типы рисунков

Портреты

Один из наиболее часто встречающихся типов рисунков, это предполагает изображение человека чаще всего до уровня плеч.

Пейзажи

Как будто это копия портрета, Пейзажный стиль рисования.В искусстве пейзажные рисунки обычно предназначены для рисовать такие предметы, как конкретная сцена или природа.

Cartooning, Doodling

Оба этих стиля являются уникальными техниками рисования . В основном зарезервировано для публикации в комиксах и художественных книгах. Он может включать использование сухих цветов, таких как пастельные тона, цветные карандаши и т. Д.

Technical Drawing

Стиль, очень популярный и знакомый среди студентов, изучающих моду, дизайн интерьеров и архитектуру.Это больше фокусируется на академических областях и концентрируется на достижении грубого наброска деталей изучаемого предмета.

Разница между набросок и рисование

Также, если вам интересно, в чем разница между черчение и зарисовка есть; мы обсудим это вкратце. Многие люди склонны используйте термины «зарисовка» и «рисование» как синонимы.

Потому что, хотя определение рисунка и живописи очень отделены друг от друга, это не относится к рисованию и зарисовке.

На самом деле зарисовка — это метод рисования; большинство людей Считайте наброски более свободным и менее изысканным методом рисования.

Эскизы обычно делаются как предварительные этапы для обоих рисунки и картины, чтобы получить общее представление о более законченном произведение искусства. Эскизы обычно создаются быстрыми мазками и обычно требует большей детализации, которая обычно есть в готовом чертеже.

Сегодня и рисунки, и эскизы существуют как отдельное искусство. формы; эскиз не обязательно должен содержать детали, чтобы считаться готовый продукт.