Эпоха барокко в музыке.
На грани XVI и XVii веков в западноевропейском искусстве начинаются серьезные перемены, которые затрагивают и полностью изменяют архитектуру, живопись, скульптуру, литературу и, конечно же, музыку.
Для музыки это время ознаменовано прежде всего рождением нового вокального жанра — оперы.
Паралельно возникает и развивается множество инструментальных жанров: фуга, сюита, старинная соната (ансамблевая и сольная), concerto grosso и др.
На смену искусству эпохи Возрождения приходит новый художественный стиль, который получает название стиль модерна или арт-нуово, т.е. «новое искусство». Уже гораздо позже, в эпоху классицизма, в XVIII веке, этот стиль стали называть барокко.
Значения стиля барокко для истории искусства и культуры настолько велико, что по нему получила свое название и вся связанная с данным стилем эпоха — эпоха барокко.
Предпосылки возникновения барокко.
Чем было обусловленно прекращение одного из самых светлых периодов в развитии искусства — Ренессанса — и приход ему на смену стиля барокко? Одной из главных причин этого факта является изменения мировоззрения людей того времени.
Основные черты стиля Барокко.
Основные черты характерные стилю барокко — напряженный драматизм, патетика, экспрессивность, контрастность.
В то же время для многих произведений эпохи барокко характерны фантастичность и насыщенность символикой. И вот как раз в силу своей насыщенности символикой барочные музыкальные произведения особенно сложны и трудны для понимания, они требуют как от исполнителя, так и от слушателя достаточно высокой степени подготовленности.
Символика эпохи барокко.
Многие элементы музыкального языка того времени в настоящее время вообще не подлежат трактовке, т.
к. большинство элементов культуры — той культуры, что составляла и наполняла жизнь, простого обывателя, регулярно посещавшего храм и знавшего наизусть множество хоралов (церковные песнопения) — безвозвратно утрачена. Однако композиторы эпохи барокко общались через творчество с Богом и, конечно же направляли творчество для такого же слушателя, своего современника, предпологая, что слушатель их понимает.
Чтобы дать примерное представление, как слушатель эпохи барокко воспринимал музыку, приведем несколько примеров взятых из работ, посвященных творчеству И.С.Баха, известного ученого — музыковеда Б.Яворского: «Ход на чистую кварту (музыкальный интервал) вверх мог истолковываться как символ непоколебимой веры, ход на терцию вниз иногда мог служить символом глубокой печали. Трели могли передавать радость, смех, хохот, дрожание, трепет. Восходящий ход или anabasis, мог иметь массу трактовок, например в скорбных, трагических произведениях он мог символизировать восхождение на Голгофу. Нисходящий ход или catabasis — фигура умирания, оплакивания, но так же мог символизировать и разные состояния, события, явления.
Значение эпохи барокко
Эпоха барокко дала миру таких композиторов как, А.Вивальди, А.Корелли, Дж.Перголези, Ф.Верачини, Дж.Тартини, Ф.Куперна и многих других. Венцом и завершающей кульминацией эпохи барокко стало творчество И.С.Баха и Г.Генделя.
Утратив большинство ключей к пониманию скрытого смысла музыкальных произведений эпохи барокко, человечество не раз проходило через эпохи, во многом с ней схожими. Но музыка эпохи барокко не только в скрытых символах, но и напрямую, через эмоции, выражает общечеловеческие ценности. Поэтому музыка эпохи барокко не потеряет своей актуальности никогда. Прямое подтверждение этому, наследие композитора И.С.Баха.
Композиторы эпохи барокко
В петербургском Музее музыки открылась новая постоянная экспозиция, посвященная музыкальным инструментам эпохи барокко. В честь этого предлагаем познакомиться с жемчужинами барочной музыки и послушать произведения ярчайших композиторов барокко.
Антонио Вивальди
Неизвестный автор. «Портрет Антонио Вивальди», 1723 год, Международный музей и библиотека музыки, Болонья © Public domain
Вивальди родился в Венеции в 1678 году, его отец, работавший цирюльником и скрипачом, стал первым учителем Антонио. Вивальди начал сочинять музыку еще в подростковом возрасте. А в 25 лет он стал преподавать в школе-интернате для беспризорных девочек, где проработал с перерывами 30 лет.
В результате усилий Вивальди школьный оркестр превратился в полноценный коллектив, который знали за пределами Венеции и даже Италии. Девушки под руководством Вивальди пели и играли на инструментах, включая те, что считались «не женскими». Именно для них Вивальди написал гигантский корпус своей инструментальной и духовной музыки.
После 40 лет Вивальди стал настоящей звездой и как композитор, и как скрипач: он получил капельмейстеский титул в Мантуе, играл в Риме перед Папой, был в Богемии, Австрии и разных точках Италии, сочинял оперы, получал заказы от французской королевской семьи, познакомился с императором Карлом VI Габсбургом (отцом будущей императрицы Марии Терезии).
«Гармоническое вдохновение»
Именно этот сборник прославил Вивальди далеко за пределами Италии. В него входит 12 концертов, которые композитор расположил группами — четырежды по три. В каждой такой группе он чередует сначала сольный, потом двойной, а затем четверной концерты. Среди них есть концерты в духе 17 века и Корелли — с танцевальными частями и мозаикой контрастных секций. А есть — менее барочные, уже в духе классицизма: компактные трехчастные концерты с эффектной драмой и звучной «оперной» лирикой.
«Гармоническое вдохновение» прекрасно знал и внимательно изучал другой знаменитый композитор барокко — Иоганн Себастьян Бах. Сборник был настолько популярен, что ходил в списках, и в личном владении Баха была именно такая, рукописная копия. Он даже сделал свои версии 10 вивальдиевских концертов.
«Времена года»
«Времена года» — это четыре скрипичных концерта, которые вошли в сборник «Поединок гармонии с изобретением» 1725 года.
В «Весне» журчат ручьи и чирикают птицы, в «Лете» жалуется осовевший от жары пастух и гремит знаменитая гроза, «Осень» — время праздника урожая, возлияний и охоты, «Зима» — холодный ветер и конькобежцы, шлепающиеся на лед.
Генри Пёрселл
Джон Клостерман. «Портрет Генри Пёрселла», 1695 год © Public domain
Предположительно Генри Пёрселл родился в 1659 году, а умер в 1695 году, в 37 лет.
Он жил в музыкальной семье — и отец, и дядя Пёрселла были музыкантами и членами Королевской капеллы. Пёрселл-старший пел на коронации Карла II. Дядя Пёрселла был его наставником в игре на лютне и органе, также он давал первые уроки композиции.
Пёрселл пел в хоре придворной капеллы, пока голос его не сломался; к тому моменту он уже сочинял музыку. Недолго проработав в качестве копииста и хранителя органа, в 20 лет он принял пост органиста Вестминстерского аббатства.
В начале 1680-х Пёрселл получил работу при дворе, став одним из королевских композиторов и сочетая новую должность с обязанностями органиста в аббатстве. Придворный пост подразумевал сочинение колоссального количества музыки для праздников и повседневных нужд Карла II — любителя увеселений и искусств. Пёрселл сохранил свой пост при Якове II, пришедшем к власти в 1685, и при Вильгельме III Оранском, правившем совместно с женой, королевой Марией.
Опера «Дидона и Эней»
«Дидону и Энея» считают первой величайшей английской оперой.
«Дидона и Эней» — очень разнообразная опера. Мозаику хоров, речитативов, танцевальных интерлюдий, пляшущих хоров, инструментальной музыки, народных песен англичане взяли из Франции — такое пестрое строение оперной материи можно найти у Жан-Батиста Люлли. Но английские композиторы создали собственный стиль, где герои более индивидуализированы, и все заострено: ни подобный безумный задор, ни такая беспросветная мрачность не были возможны по ту сторону пролива.
Опера уникальна еще и тем, что это — одна из немногих за всю эпоху барокко опер с трагической концовкой. Оперным героям могли угрожать смертельные опасности; они могли быть на волосок от гибели, но из-за того, что опера была привилегированным искусством, положительный герой в ней транслировал идею власти, государственную идею, и не мог потерпеть фиаско.
Заглавная героиня, рыдающая и умирающая на сцене, — это было чем-то экстраординарным.
Te Deum and Jubilate
Пёрселл сочинил Te Deum and Jubilate — старинный христианский гимн «Тебя, Бога, хвалим», за год до смерти, к празднованию Дня святой Цецилии в 1694 году вместо традиционной оды. Особую торжественность повода он подчеркнул, добавив к струнным две трубы. В Te Deum достигает кульминации все лучшее, что есть в церковной музыке Пёрселла: полифоническое мастерство, эффектные сопоставления соло, ансамбля и тутти, выразительная иллюстрация текста музыкальными средствами.
Te Deum открывается радостными перекличками труб со струнными. Трио солистов-мужчин вступает с первой строкой, мастерски повторяя первые интонации труб, а хор вступает на словах «[Отца вечного], вся земля величает», где эффектно подчеркнуто слово «вся».
Георг Фридрих Гендель
Джон Теодор Хайнс. «Портрет Георга Фридриха Генделя», около 1740 года, Гендель-Хаус, Халле © Public domain
Гендель — еще один выдающийся композитор барокко из Германии. Он родился в семье врача, и его отец хотел, чтобы Гендель стал юристом. Но Георг с детства проявлял способности к музыке, и с 10 лет начал брать уроки композиции и игры на музыкальных инструментах.
После смерти отца Гендель продолжал обучение в гимназии, а после все-таки поступил в университет на юридический факультет. Но здесь он окончательно понял, что эта стезя ему не подходит, и он должен заниматься музыкой.
Чтобы расширить свои горизонты, Гендель отправился в путешествие: сначала он жил в Гамбурге и работал в местном оперном театре, где написал свои первые оперы.
Потом он три года провел в Италии, а после отправился в Лондон. В Великобритании Гендель продолжал жить и работать до конца своей жизни.
Опера «Ринальдо»
Эту оперу Гендель создавал, уже находясь в Лондоне: «Ринальдо» стала первой оперой композитора для английской сцены. Либретто писал итальянец Джакомо Росси на основе рыцарской поэмы о первом Крестовом походе «Освобожденный Иерусалим». Впрочем, от сюжета поэмы осталось довольно мало: Аарон Хилл, руководитель Королевского театра, где ставили оперу, внес много правок.
Опера «Ринальдо» шла с огромным успехом в Лондоне в течении шести лет — с 1711-го до 1717-го. В 1715 году произведение перевели на немецкий и исполнили в Гамбурге, тоже с бурным успехом.
Новая волна популярности пришла к опере в 20-м веке, благодаря Генделевскому обществу. В 1950-е годы начали более-менее регулярно ставить оперы Генделя. «Ринальдо» была одной из первых и с тех пор достаточно плотно вошла в репертуар мировых оперных театров.
Особенно популярными стали арии Lascia ch’io pianga и Sibilar gli angui d’Aletto.
Сюиты «Музыка на воде»
«Музыка на воде» — это три сюиты, объединенные под общим названием. Точное время их написания неизвестно, но это был период между 1715-м и 1717-м годом. «Музыка на воде» сопровождала прогулки по Темзе короля Георга I.
Сюиты исполняли прямо на реке: и музыканты, и король располагались в лодках. Отсюда появилось предположение, что тихие и громкие части сюит исполнялись в прямой зависимости от удаленности кораблика с музыкантами от кораблика короля: тихие играли, когда музыканты были близко, громкие — когда музыканты от короля были далеко. И сама музыка, действительно, получилась очень водная, волнующая.
Иоганн Себастьян Бах
Элиас Готлоб Хаусманн. «Портрет Иоганна Себастьяна Баха», 1748 год © Public domain
Бах родился в 1685 году, в один год с двумя другими великими композиторами — Георгом Фридрихом Генделем и Доменико Скарлатти. Среди его родственников были органисты, придворные музыканты в разных немецких княжествах, композиторы. У самого Баха было 20 детей, выжило из которых 10, а трое его сыновей также стали композиторами. Умер Бах в 1750 году, и считается, что с его смертью ушла эпоха барокко.
В течение жизни Бах работал придворным музыкантом, церковным органистом и кантором церкви в разных частях восточной Германии. Главными местами его работы стали три города — Веймар, Кётен и Лейпциг.
В Веймаре Бах работал в 1708–1717 годах при княжеском дворе. Там он написал блестящие органные работы и первые кантаты — церковные сочинения для певцов-солистов и маленького оркестра.
В Кётене композитор работал при дворе князя Леопольда Анхальт-Кётенского с 1717-го по 1723-й год. Период работы в Кётене — это «Бранденбургские концерты», сонаты и партиты (циклы танцевальных пьес) для скрипки соло.
В 1723–1750 годах Бах жил и работал в Лейпциге. Там он поступил на службу кантором церкви св. Фомы. Фактически это означало, что Бах стал руководителем всей церковной музыки этого небольшого университетского города в Саксонии: в его обязанности входило обеспечивать музыкой четыре городские церкви. На этом посту написаны самые главные баховские работы, например, «Страсти по Матфею».
Бах оставил после себя огромный корпус работ — более 1000 произведений. Разберем и послушаем некоторые из них.
«Гольдберг-вариации»
«Гольдберг-вариации» начинаются с бесхитростной прозрачной темы, которая называется арией, хотя не поется, а исполняется на клавесине.
Ария напоминает старинный испанский танец сарабанду, но необычный, светлый по характеру (сарабанды обычно были траурными).
За арией следуют 30 вариаций на нее. Будто в калейдоскопе чередуются галантные танцы, миниатюрные фуги и другие полифонические фокусы. В конце, словно пройдя полный круг метаморфоз, снова звучит ария.
Долгое время «Гольдберг-вариации» не были знакомы широкой публике. В 1955 году канадский пианист и композитор Гленн Гульд сделал на лейбле Columbia запись этого цикла, которая потрясла мир. Теперь «Гольдберги» — часть не только интеллектуальной, но и поп-культуры: например, их можно услышать в фильме «Молчание ягнят».
«Бранденбургские концерты»
Бранденбургские концерты Баха — это цикл из шести концертов, которые были написаны в 1721 году.
Композитор посвятил их Кристиану Людвигу, прусскому принцу из династии Гогенцоллернов, маркграфу Бранденбург-Шведтскому. Эти концерты примечательны не только своей структурой и устройством, но и тем, как избирателен Бах в отношении инструментов, которые он использует. Здесь достаточно большой набор тембровых сочетаний, позволяющий отразить множеств чувств и красок.
Например, пятый концерт Бах решил создать, чтобы продемонстрировать возможности нового клавесина, который он привез из Берлина. Мастер, который сделал этот инструмент — Михаэль Митке. А в шестом концерте очень необычный состав инструментов. Бах написал его для двух виол да браччо, двух виол да гамба, виолончели и клавесина. К тому времени виола да гамба была уже устаревшим инструментом. Но друг и покровитель Баха, князь Леопольд Ангальт-Кётенский любил играть именно на виоле да гамба, поэтому она появился в концерте.
«Страсти по Матфею»
Духовная оратория «Страсти по Матфею» относится к жанру пассионов.
Это произведения на евангельскую тему страдания Христа, которые исполнялись в Великую Пятницу. Всего Бах написал четыре пассиона: «Страсти по Иоанну», «Страсти по Матфею», а также «Страсти по Марку» и «Страсти по Луке». Полностью до нас дошли только первые два пассиона.
Первое исполнение «Страстей по Матфею» произошло в церкви Святого Фомы в Лейпциге 11 апреля 1727 года — в Великую пятницу. Над текстом «Страстей по Матфею» Бах работал вместе с немецким поэтом Кристианом Фридрихом Хенрици, который писал под литературным псевдонимом Пикандер. В 1725 году он выпустил сборник церковных стихов «Наставляющие размышления в Чистый четверг и Страстную пятницу». Стихи оттуда вполне подходили, чтобы использовать в «Страстях» в дополнение к евангельскому тексту. В итоге Пикандер написал либретто для «Страстей по Матфею», а позже и для «Страстей по Марку».
В «Страстях по Матфею» Бах использовал два хора и два оркестра. В состав оркестра входили две поперечные и две продольные флейты, две скрипки, два гобоя, гобой д’амур, гобой да качча, виола, виола да гамба и генерал-бас.
Текст Евангелия исполняет тенор в форме речитатива. Солисты исполняют роли различных действующих лиц, также речитативом. Кроме Иисуса, есть реплики Иуды, Петра, двух первосвященников, Понтия Пилата, жены Пилата, двух свидетелей и двух служанок.
Для справки
Глубже погрузиться в атмосферу эпохи барокко можно на постоянной экспозиции Музея музыки в Шереметевском дворце «Музыкальные инструменты эпохи барокко». Банк ВТБ стал генеральным партнером проекта в рамках социальной программы «Культурная страна».
Эра барокко — 2163 слова
Содержание
- Обзор
- Эра и стиль музыки барокко (1600-1750)
- Tempo
- ERA BAROCE
- и The COMPOSERS
- ВЫ
- Ссылки
Обзор
Эпоха барокко (1600-1750) относится к периоду европейской истории, когда музыканты сочиняли и исполняли определенный типичный стиль музыки (Winterer, 2005).
Первоначально термин барокко в основном использовался в Португалии. Несмотря на то, что позже это стало важным событием в музыке, первоначальная интерпретация этого термина была довольно уничижительной. Например, он использовался для обозначения экстравагантности, ненормальности или какой-то формы странного искусства. Позже термин был изменен для обозначения исторического периода в музыке.
В отличие от других музыкальных стилей, существовавших в Европе до 1600 г. н.э., стиль барокко характеризовался интенсивной, щедро текстурированной и богато украшенной музыкой. Кроме того, мелодичная лирика, исполнявшаяся в эпоху барокко, была богато украшена и имела богатые контрапункты (Vaubel, 2005). По-видимому, это привлекло огромное количество поклонников из-за привлекательного характера самой музыки.
Эта музыкальная эпоха несла с собой верования и характеристики, такие как доктрина привязанности, которая позволяла сочинять песни, выражающие эмоции композитора. Кроме того, в эту эпоху, в отличие от эпохи Возрождения, в музыкальном стиле подчеркивались такие элементы, как темп, текстура и контраст по объему (Winterer, 2005).
Исследования показывают, что стиль музыки, исполнявшийся в период раннего Возрождения и Средневековья, был резким и не имел украшений, таких как инструменты и вокальные краски. Музыка эпохи барокко характеризовалась обильным использованием инструментов, тембров голоса и стилей литургической музыки. За это время приобрела известность светская музыка.
Необходимо отметить, что, помимо светской музыки, другие стили, которые получили быстрое признание в этот период, были гомофонными и полифоническими стилями (Locke, 2007). Последний использовался инструменталистами и композиторами для написания и исполнения более чем одной музыкальной линии. Гомофоническая музыкальная техника отделяла играемый аккомпанемент от мелодических линий. Позже эти линии были поддержаны гармонией басовых инструментов, таких как виолончель или фагот и клавесин.
В этот период следует отметить, что параллельно с гомофонной музыкой развивались и другие формы музыки. Кроме того, искусство контрапункта, популярное в период Возрождения, распространилось и на эпоху барокко (Winterer, 2005).
Композиторы использовали искусство для сочинения полифонической музыки, такой как фуги и пушки, имитирующие контрапункты. Примерно в 1600 году зародилась оркестровая и оперная музыка (Morazzoni, 2005). Опера была важна в эпоху барокко, поскольку играла ключевую роль в греческих драматических представлениях.
Интеллектуалы из Италии интересовались древнегреческой драмой, и поэтому они зависели от оперной музыки, чтобы возродить ее дух. Оперная музыка хорошо сочеталась с гомофонным музыкальным стилем, используя поэтическую мелодию для привлечения внимания слушателей. Именно в эпоху барокко сформировался оркестр. Это произошло от сочетания вокальной и оперной музыки. Первая великая оперная музыка того времени называлась «Орфей», которую сыграл Клаудио Монтеверди в 1607 году (Locke, 2007).
Самым популярным музыкальным стилем середины 1600-х годов был концерт. В отличие от уникального по стилю оркестра, у концерта был контраст объема и фактуры, что делало его таким интересным.
Кроме того, его отличительными чертами от оркестра был ансамбль солистов или сольный инструменталист. Именно в период барокко природные явления и человеческие духи были включены в сочиняемую музыку (Winterer, 2005). В этом эссе исследуются стили музыки, которые использовались в эпоху барокко.
Эпоха барокко и музыкальный стиль (1600-1750)
Период, охватываемый эпохой барокко, начался с 1600 г. н.э. Он начался с рождения оперы. На начальных этапах развития Монтеверди и закончились смертью Генделя и Баха в 1750-х гг. Консерваторы считают, что эпоха барокко возникла из эпохи Возрождения, которая длилась с 1400 по 1600 год нашей эры. Музыкальный стиль, характеризовавший эту эпоху, был концептуально грандиозным с искусно украшенным дизайном. Он последовал за литературой и музыкальным искусством барокко, которые отображали напряжение, энергию и движение.
Музыка того времени отличалась стилем в том смысле, что слова использовались для описания образов и интеллектуальных знаний.
Более богатый словарный запас характерен для музыки и играет роль выражения крайних привязанностей (Friesen, 2010). Излишне говорить, что музыкальная классификация, играемая в эту эпоху, была. Помимо музыки, существовали и другие формы искусства. К таким искусствам относились живопись, скульптура и архитектура.
Музыка того времени отличалась от той, что исполнялась в эпоху Возрождения. В нем были тональности, такие как минор и мажор, а также названия, указывающие на центры тонов и форм, такие как ре минор для фуги и токкаты, ля мажор для оркестра и скрипки, используемые в концерте. Они заменили модальности, которые были в стиле эпохи Возрождения. Кроме того, модальные каденции были заменены аутентичными каденциями.
Рождение оперы было исполнением крайних чувств в музыке барокко. Мелодическая свобода была показана тем, как музыканты выражали свои эмоции. Необходимо отметить, что музыка той эпохи тронула сердца слушателей, композиторов и инструменталистов и заставляла их свободно выражать свои эмоции.
Именно в это время модальная система эпохи Возрождения сменилась тональной системой эпохи барокко (Локк, 2007).
Исследования показывают, что античная музыка, известная как музыка эпохи Возрождения, требовала академической подготовки для приобретения навыков пения и сочинения. Музыкальный стиль эпохи барокко имел новые концепции, не требующие обучения. Это было понятие, отличное от того, что существовало в эпоху Возрождения. Обучение тому, как выражать слова и эмоции в этой новой концепции, было спонтанным. Музыканты и композиторы, исполнявшие светскую и церковную музыку эпохи барокко, для придания интересности смешивали стиль модерно со стилем антико.
Искусство контрапункта, господствовавшее в эпоху Возрождения, перешло в эпоху барокко и достигло своего апогея после гармонического направления Баха. В это время музыка барокко считалась контрапунктической (Locke, 2007). Однако музыка барокко приняла новый оборот и приняла новые стили, такие как Basso Continuo и Stile Concertato.
В этих стилях для воспроизведения музыки использовались клавишные и фагот. Гармония заполнялась клавишными, а письменные партии исполнялись на фаготе, виолончели или виоле да гамба (Vaubel, 2005). Stile Concerto включал в себя концепцию, согласно которой ансамбль и группа исполнителей исполняли музыку в оппозиции (Friesen, 2010).
Эпоха барокко стала первым в истории случаем, когда в музыке использовались динамика и темп. Темп включал в себя такие стили, как престо и аллегро, в то время как фортепиано и форте формировали динамику (Locke, 2007). Кроме того, музыканты в этот период улучшили свои навыки и приемы определения фигурных басовых партий, каденций, орнаментов и вариаций мелодий. Именно в этот период сформировались новые музыкальные стили.
Эти стили включали кантаты, оратории, сюиты и оперы. Другие в этой категории включали сонату, концерт, токкату, пассакалью, чакону и фугу. Многие композиторы использовали стили, в которых отображались контрастные элементы, такие как концертанто.
Кроме того, исследования показывают, что в музыке того времени использовались идиомы. После 1600 г. н.э. многие песни, которые были сочинены, развивались на основе идиом основных инструментов (Morazzoni, 2005).
Музыка написана для определенного инструмента. Изначально и в эпоху, предшествовавшую барокко, песни сочиняли для любого инструмента. В то время инструментальная и вокальная музыка составляла центр музыки, поскольку доминировала церковь. Стиль модерн уступил место новым и дифференцированным идеям, благодаря которым композиторы, сочиняя инструментальные произведения, заимствовали вокальные стили и идиомы (Vaubel, 2005).
Этапы развития музыки барокко были многочисленны, если учесть, что это была долгая эпоха, связанная с последовательным развитием музыки определенного стиля. Также необходимо отметить, что в эту эпоху развития музыки использовалось несколько типов стилей сочинения и пения для создания музыки высокого качества, которую могло оценить все общество.
Как уже упоминалось, использование музыкального сопровождения было обычным явлением в ту эпоху.
Это было сочтено необходимым, особенно в связи с тем, что необходимо было смешивать каждую единицу продукции, чтобы соответствовать динамичным потребностям общества. Более того, эпоха барокко ассоциировалась не только с простым музицированием, но и была пронизана живыми концертами на сцене.
Использование темповых и динамических s было распространенным явлением среди музыкальных композиторов и певцов в эту историческую эпоху. В качестве примера можно привести использование украшений, а также специальных украшений во время музыкальных концертов. Было обнаружено, что они нравятся подавляющему большинству любителей музыки. Действительно, совершенно очевидно, что смешанные выражения были обычным явлением в музыке, играемой в то время.
Tempo
До 1600 года для обозначения темпа традиционных песен использовались обозначения. У большинства песен был примерно одинаковый темп.
В эпоху барокко композиторы начали сочинять песни, меняющиеся по темпу.
В отличие от традиционного способа использования обозначений для определения разницы в темпе, композиторы эпохи барокко использовали такие термины, как Vivacissimo, Ralletando, pretissimo и poco a poco для обозначения темпа (Morazzoni, 2005). Эти итальянские слова, которые позже использовались для обозначения конвекционного темпа, первоначально использовались в Италии, а затем распространились в других частях Европы.
Хотя, с одной стороны, эти термины вызывали недоумение у композиторов из-за их странности, с другой стороны, они были полезны композиторам, которым нужно было интерпретировать свои музыкальные произведения. Например, умеренный темп можно назвать анданте, что в переводе с итальянского означает «ходьба». Этот термин находится между adagio, что означает медленный темп, и moderato, что означает умеренную скорость (Friesen, 2010).
Другие включают Meno и Lento, что означает меньше и медленнее соответственно.
Эти термины могут использоваться вместе для обозначения разного темпа. Например, мено анданте будет означать немного более быстрый темп. В это время были изобретены метрономы. Метрономы использовались композиторами для обозначения темпа музыки. Большинство исполнителей и дирижеров предпочитали использовать метрономы для разметки темпа, поскольку они были точными (Юдкин, 2010).
Эпоха барокко и композиторы
В эпоху барокко многие композиторы сочиняли песни в разных стилях. Среди выдающихся композиторов были мастер барочной оперы Клаудио Монтеверди, Георг Филипп Телеманн — плодовитый и разносторонний инструменталист и композитор из Германии, Доменико Скарлатти — разработчик классической музыки в эпоху барокко, Жан-Филипп Рамо — композитор музыки для клавесина. из Франции Генри Пёрселл, композитор струнной музыки, и Иоганн Пахельбель, композитор камерной, хоровой и органной музыки (Vaubel, 2005).
Этот человек был известен в то время тем, что сочетал ре мажор в бассо континуо и 3 скрипки при исполнении своих композиций жиги и канона (Morazzoni, 2005).
Среди других — английский композитор струнной музыки по имени Мэтью Локк, композитор для лютни из Франции — Дени Готье, исполнители органной музыки — Хосе Элиас и Франсуа Куперен, а также Арканджело Корелли среди других.
Основные периоды эпохи барокко
Эпоха барокко и музыкальные стили были разделены на ранний средний и поздний периоды. Последний охватывал период между 1680-1750 годами, тогда как средний возраст — период между 1630 и 1680 годами. Более ранний период 1600-1630 годов характеризовался безречитативными ритмами и стилями контрапункта (Vaubel, 2005).
Композиторы предпочитали применять в своей музыке разные стили, а не старомодные концертные и речитативные стили. Именно после этого периода у композиторов появилось желание создавать гармонию и диссонанс в своих произведениях (Morazzoni, 2005). Это было сделано с целью преодоления мелкомасштабной музыки, которой не хватало прогресса. Они почувствовали необходимость ввести инструментальные сочетания, новый вокал, речитативы, монодию, диссонанс и хроматизм.
Это привело к отказу от преемственности мелодий и ритмов. На их место была введена прерывность, отличительная черта барокко и ренессанса. Это было восторженно по ритму, гармонии и мелодии. Примером прерывистого ритма и гармонии были монадические мадригалы Пери и Каччини (Friesen, 2010).
Стили оперы и кантанты в бельканто доминировали в средний период. За это время композиторы восстановили контрапунктическую фактуру. Это привело к росту музыкальных форм. Были введены тоны, а вместо ладов использовались минорные и мажорные аккорды. В период 1680-1750 годов тональность в музыкальных стилях барокко была полностью установлена (Friesen, 2010). Стили сонаты, концерта и арии разрослись до полноты, и преобладала инструментальная музыка.
Заключение
Подводя итог, необходимо отметить, что музыкальному стилю эпохи барокко и особенно позднего периода во многом были свойственны изобилие и экстаз. Как упоминалось выше, стиль музыки, принятый в эту эпоху, лучше всего можно описать как интенсивную, щедро текстурированную и очень богато украшенную форму музыки.
Кроме того, мелодические линии этой исторической музыки, исполнявшейся в эпоху барокко, были богато украшены и имели богатые контрапункты. Как отмечается в обзоре литературы, были случаи, когда музыкальный стиль эпохи барокко смешивался церковью с музыкальным стилем эпохи Возрождения.
Это увеличило столь желанный вкус и предпочтения в музыке. Кроме того, важно отметить, что три основных периода музыкального стиля эпохи барокко находились под влиянием отдельных национальных стилей. Некоторые из стран, которые исторически использовали эту форму музыки, включали Италию и Францию.
Например, первый представил итальянские жанры, такие как соната. Позже итальянская соната использовалась для выражения конвекционного темпа. Первоначально он использовался в Италии, а затем был принят в других частях Европы. Франция представила балет, а также валторну.
Ссылки
Фризен, Э. (2010). «Отличная музыка и очарование кино». Queen’s Quarterly, 117(2), 286-297.
Локк, Р. (2007). «Более широкий взгляд на музыкальную экзотику». Журнал музыковедения, 24(4), 477-521.
Мораццони, AM (2005). «Вызов мудрости». Европейский журнал информационных систем: Специальный выпуск: личные размышления о Клаудио Сиборре , 14(5), 522-523.
Вобель, Р. (2005). «Роль конкуренции в становлении музыки барокко и ренессанса». Журнал экономики культуры, 29(4), 277-297.
Винтерер, К. (2005). «От королевского к республиканскому: классический образ в ранней Америке». Журнал американской истории, 91(4), 1264-1290.
Юдкин, Дж. (2010). Понимание музыки (6-е изд. TH ). Бостон: Издательство Бостонского университета.
Музыка: Эссе периода барокко — 2994 Слова
История музыки раннего и позднего барокко Реджинальд Льюис
История музыки
Г-н Харлан Закари
10 апреля 2013 г.
Период барокко начался в 1600 году и исторически закончился в 1750 году. Термин «барокко» произошел от португальского слова, означающего «жемчужина неправильной формы».
Слово «барокко» изначально использовалось для обозначения или выражения странности, ненормальности и экстравагантности, применяясь больше к искусству, чем к музыке. Только в 20 веке термин барокко использовался для обозначения периода в истории музыки. Два географических региона сыграли важную роль в развитии музыкального стиля барокко. Музыка в Северной Германии и Голландии в основном концентрировалась на богатом контрапункте и орнаментальных мелодиях, которые составляют суть фуги. Основное внимание в них уделялось органу и вокалу. В то время как в Риме, который представлял собой другой конец Европы, инструментальная музыка была более распространена.
Именно здесь были официально сыграны соната и концерт. Итальянская музыка путешествовала на север из Рима, в то время как более строгая форма музыки из северной Германии двигалась на юг, таким образом сливая две формы музыки, чтобы создать музыку барокко и ее выражения. Музыка эпохи барокко контрастировала с жесткой музыкой эпохи Средневековья и Возрождения, что вносило различия в размерах, качестве и темпе музыки.
По сравнению с другими музыкальными периодами, предшествовавшими периоду барокко, музыку барокко можно рассматривать как богато украшенную, текстурированную и интенсивную. Музыка этого периода характеризовалась богатым контрапунктом и богато украшенной мелодической линией. Музыка этого периода имеет ряд определяющих характеристик, включая использование бассо континуо и веру в доктрину привязанностей. Учение о привязанностях позволяло композиторам выражать эмоции и чувства в своих произведениях.
«Другой отличительной чертой эпохи барокко был акцент на контрасте объема, фактуры и темпа в музыке по сравнению с музыкой позднего Возрождения, которая не концентрировалась на этих элементах. Кроме того, музыка барокко оторвалась от резкости стиля Средневековья и раннего Возрождения с новым акцентом на использование вокального и инструментального колорита. Светские типы музыки теперь использовались так же широко, как и литургические музыкальные стили, например, в католической церкви».
Имитационная полифония, состоящая из более чем одной музыкальной линии, по-прежнему была чрезвычайно важным фактором в написании и исполнении музыки, в то время как омофонический метод, являющийся музыкальной техникой, демонстрирующей значительное разделение между мелодической линией и аккомпанементом, набирал силу. принятие и использование довольно быстро в этот период. Этот гомофонный стиль со временем стал доминирующим и в инструментальной музыке. Музыкальные произведения, содержащие партию континуо, в которой клавишные, обычно орган или клавесин, и басовый инструмент, обычно фагот или виолончель, помогают передать гармоническую поддержку аккордов под мелодическими линиями других голосов. Хотя в этот период истории музыки гомофонная музыка становилась все более популярной, одновременно развивались и новые формы полифонической музыки. Подобно композиторам эпохи Возрождения, композиторы этого периода считали, что искусство контрапункта необходимо для их художественной формы. Две чрезвычайно строгие формы подражательной полифонии, пушки и фуги, были очень популярны во времена эпохи барокко.
