Советы мастеров живописи: Советы мастеров. Живопись и графика, Букинистика

А кто такая Агнешка Венка (Agnieszka Wencka) в мире живописи?
Что вы слышали, что вы знаете о её творчестве?

Здравствуйте, Люба.

Насколько мне известно, Агнешка Венка – это один из ведущих мастеров масляной живописи в мире. Эта польская художница за свои 37 лет (родилась 3 января 1978 года) добилась потрясающих успехов в современной живописи, а многие критики с уверенностью называют ее юным дарованием. Ее работы – это настоящая пьеса, посвященная женщинам всего мира. Именно женщины являются главной творческой музой Агнешки, и она изображает их естественными, живыми и невесомыми, какими и подобает быть барышням.

Творческая карьера

К сожалению, несмотря на мировую славу, в России об Агнешке известно очень немного. Разумеется, ее биографию можно найти в Интернете, но она либо представлена в обрывках, либо вовсе не переведена на русский язык. Однако я нашел следующую информацию, которая может вас заинтересовать.

Агнешка Венка начала творить еще в юные годы, когда училась в школе. Преподаватели изобразительного искусства неоднократно отмечали, что ребенок несмотря на свой юный возраст, без сомнения, обладает талантом художника. Более того, Агнешка владела незаурядным стилем исполнения, благодаря чему полотна под ее рукой превращались в настоящие произведения искусства.

После окончания школы Агнешка получила приглашение от университета имени Адама Микиевича. Разумеется, она выбрала художественный факультет по направлению «Масляная живопись».

Обзор работ

Агнешка пишет картины в самых разных жанрах. В большинстве ее работы разномастны, но в них можно без труда уловить единую манеру исполнения художницы. В ее коллекцию входят:

• портреты;
• натюрморты;
• жанровые сцены;
• пейзажи.

Однако наибольших успехов Агнешка Венка добилась на поприще «ню». Она изысканно и утонченно изображает неприкрытую наготу красивого женского тела, и делает это очень грациозно. Персонажи ее картин – это обычные женщины, а не модели вовсе. На картинах Агнешки видно, что им не чуждо чувство обыденности и однообразности, но в этом и заключается их первозданная красота.

Стоит отметить, что именно масляная живопись позволяет Агнешке запечатлеть женщин и передать не только их красоту, но и, что гораздо важнее, их эмоции и чувства.

К сожалению, мне не удалось найти названия работ Агнешки, но все же я хочу представить вашему вниманию наиболее известные и яркие ее полотна. Убедиться в том, что это работы одного художника, можно по ее характерной манере исполнения, а также по подписи.

Прочие направления

Эксперты хорошо отзываются о работах Агнешки в жанре ню, однако отмечают, что эта художница превосходно реализовала себя и в других направлениях. С моей стороны будет несправедливо упустить из внимания, что в исключительных случаях в картинах Агнешки фигурируют и мужчины. В качестве примера можно привести джаз-бэнд с изображением трех музыкантов. Сама же художница любит изображать детей. Маленькие девочки на ее картинах будто оживают. Она очень ловко подхватывает едва уловимые эмоции. Задумчивый взгляд, робкая улыбка, застывшее движение – все это делает работы Агнешки столь удивительно прекрасными и добрыми.

Рад сообщить, что сегодня Агнешка Венка жива и здорова. Они проживает на своей исконной родине – в Польше. Там же она работает. Что же касается ее участия в выставках, то она является желанным гостем во многих галереях, разбросанных по всему миру.

Надеюсь, я смог ответить на ваш вопрос. Желаю всего наилучшего!

С уважением, Алекс Гримм.

Полезный совет?

Расскажите друзьям

Впервые за два года Sotheby’s привез в Москву шедевры русской живописи

+ A —

Петров-Водкин занял «Руину» на два дня

 Несмотря на надвигающийся «мягкий локдаун», в Музее архитектуры имени Щусева открылась предаукционная выставка Sotheby’s, где представлены лучшие вещи грядущих русских торгов в Лондоне. Два года аукционный дом не мог привозить в Россию произведения искусства из-за пандемии. Директор музея Елизавета Лихачева назвала это событие, которое готовилось полгода, «ласточкой надежды на возвращение к нормальной системе существования». Центральным экспонатом вернисажа в пространстве «Руина» стала картина Кузьмы Петрова-Водкина «Натюрморт с яблоками», которая оценивается в £2,5–3,5 млн. Создавая эту работу, художник уже писал свой главный шедевр – «Купание красного коня». Один из эскизов к нему запечатлен на фоне натюрморта.

   Картина Петрова-Водкина, естественно, заняла лучшее место на синих полукруглых стенах, которые возвели в «Руине» для выставки. Натюрморт во всех отношениях необычный – в нем читаются экспериментальные решения с пространством, благодаря которым мастер-новатор вошел в историю искусства. Перед нами столешница, слегка наклоненная влево, которая словно левитирует сама по себе, ножек стола мы не видим. На синей фактурной скатерти лежат яблоки ярких цветов – желтые, красные и зеленые –, которые, кажется, каким-то чудом удерживаются на поверхности, не скатываясь на пол. А за натюрмортом висит эскиз с изображением коня, который задорно смотрит с рисунка на сочные плоды. 

  Летом 1912 года, когда художник писал эту картину, Петров-Водкин с женой гостил в имении генерала Петра Грекова на хуторе Мишкина Пристань Царицынского уезда (тогда Саратовской губернии). Приехал он туда по приглашению дочери генерала Наталии, которая училась тогда у мастера в художественной школе в Петербурге. В этом имении Петров-Водкин делал эскизы, этюды и первый живописный вариант «Купания красного коня». Одного из героев известного шедевра, который находится в постоянной экспозиции Третьяковки, художник нашел здесь же: ему позировал генеральский конь по кличке Мальчик. Двоюродный брат Кузьмы Сергеевича Александр Трофимов тоже приехал на каникулы в генеральскую усадьбу, он стал всадником с знаменитой картины. По «Натюрморту с яблоками» можно судить об атмосфере, в которой создавался шедевр и тому, как шли художественные поиски Петрова-Водкина. 

 Помимо этой картины на выставке представлены картины ХIХ и ХХ веков – работы Натальи Гончаровой, Константина Маковского, Петра Кончаловского, Николая Рериха, а также более современные вещи – нонконформистов: Оскара Рабина, Эрика Бутатова и недавно ушедших из жизни Олега Целкова и Ивана Чуйкова. Словом, есть что посмотреть, пока эти произведения, долгое время хранившиеся в частных коллекциях не будут проданы в Лондоне и снова не  разлетятся по миру. Чтобы их показать, аукционный дом, конечно, пошел на определенное преодоление ситуации. Дело в том, что цены на перевозку картин за время пандемии выросли, специалисты не смогли приехать в Россию из Лондона, потому как и там не ровен час введут новые ограничения, а кратковременный показ выставки сопряжен с известными ограничениями. 28 и 29 числа на вернисаж можно попасть только при наличии QR-кода. В целом пандемия заметно ударила по арт-рынку, хотя прошлогодние русские торги прошли успешно (выручка составила $19,3 млн). Впрочем, не только коронавирус внес коррективы в аукционную жизнь.

– Случился Брекзит: Британия отделилась от Евросоюза и теперь передвижение искусства между островом и континентом сопряжено с различными ограничениями, нужны экспортные лицензии, – рассказывает глава российского отделения аукционного дома Ирина Степанова. – Однако нам хотелось восстановить давнюю традицию показа в Москве, со сложностями, но получилось открыть этот проект.

  Директор Музея архитектуры им. Щусева Елизавета Лихачева считает первый за два года такой показ знаком, который дает надежду на возвращение к нормальной жизни. Хотя указ президента об ограничениях застал врасплох ее вотчину, как и остальные арт-институции. Менять планы на ходу тем не менее не будут, это просто невозможно. 

– Все произошло стремительно, а музейная жизнь предполагает более долгий горизонт планирования, поэтому наша жизнь изменилась незначительно, – говорит Лихачева «МК». – Мы себя три раза похвалили за то, что еще раньше перенесли большую выставку Константина Мельникова на февраль. Сейчас бы мы этот проект просто не сделали, потому что на полторы недели выпало из жизни огромное количество рабочих – то есть продакшн выставки было бы нельзя осуществить в таких условиях. Отметила для себя странную вещь: в соцсетях музея масса комментариев людей, которые обвиняют нас во всех смертных грехах. Активные антиваксеры. Можно понять их психологию – они просто не успевают анализировать лавинообразный поток информации и ведутся на какие-то мифы. Поэтому мы усилили охрану.

старых мастеров — чему любой художник может научиться у старых мастеров

Если вы подписались на меня в Instagram или Facebook, вы уже видели, что в ноябре у меня был специальный проект. Я рисую точную копию старой живописи и учусь техникам, которые художники использовали уже сотни лет назад. Это так называемые техники рисования старых мастеров. Известные старые мастера, такие как Леонардо да Винчи и Иоганнес Вермеер, использовали их при создании своих шедевров. Моя картина является копией фрагмента картины Моретто да Брешиа «Портрет дамы в образе Саломеи.«Я называю свою« Мечтательная Саломея », потому что я придал ей более мечтательный вид и другое значение. Портрет был написан на курсах, организованных Национальным музеем Финляндии. Преподавателем курса была Эмми Мустонен.

5 советов, которым можно научиться у старых мастеров

После того, как я нарисовал свою первую картину маслом, и первую, в которой используются эти техники, я чувствую, что мне еще есть чему поучиться. Так что весной я буду рисовать еще одну в этих техниках. Однако я уже обнаружил много вещей, которые можно использовать с любыми расходными материалами, и я хотел написать в блоге сообщение о том, что вы можете извлечь из моего опыта.Эти советы можно применить к любым темам, даже к абстрактному искусству. В конце этого поста также есть короткое видео (посмотрите его на YouTube), в котором показаны другие изображения процесса.

1) Не расстраивайтесь с самого начала!

Мой процесс создания картины начался с эскиза углем. Делая наброски, я чувствовал, что просто создаю большой беспорядок. Я нажал слишком сильно, и рисунок оказался недостаточно подробным. На изображении показан эскиз после того, как он был очищен ластиком — непосредственно перед первым слоем краски.Если вы сравните это с готовой картиной, между ними будет огромная разница. Выражение лица дамы на рисунке выглядело грустным, но в готовом варианте у нее есть полуулыбка. Я понял, что черты лица и характеристики настолько тонкие, что требуется много времени, чтобы их исправить.

При рисовании у меня не хватило настойчивости, чтобы закончить ее прическу и шаль, но все же я смог сделать их достаточно детализированными в процессе рисования. Если бы я сделал первоначальный набросок, не посещая курс, я бы назвал его неудачным и потерял надежду добиться чего-то, что выглядело бы как старая картина.

Я часто говорю о сырых идеях (см. Этот пост в блоге), и это относится и к реалистическому искусству. Первые строчки — это только начало понимания того, какой будет финальная работа. Когда я делал наброски, у меня было лишь приблизительное представление о том, чем моя леди должна отличаться от оригинальной версии. Но как только я продолжил рисовать, мое видение стало яснее. Так что оставайтесь любопытными по поводу идей, которые вы получите во время создания, и не расстраивайтесь вначале!

2) Прежде чем нырять глубже, ограничьте запасы!

В моей картине первые слои были сделаны всего двумя цветами: жженой умброй и цинково-белым.Эти первые слои образуют так называемый подмалевок , который показывает, где находятся тени и освещенные области. Это заставляет художника искать контрасты, а с другой стороны, позволяет работать с деталями, не выбирая цвета. Философия подмалевка может быть применена к любому материалу и стилю, если рассматривается как этап, на котором вы ограничиваете свои ресурсы и добавляете больше контента к произведению. Когда вы пройдетесь по каждой области своей работы и убедитесь, что она хорошо сочетается с другой, вы сможете контролировать общую картину через детали.Мне это намного приятнее, чем пытаться все время видеть все одним взглядом.

3) Снижайте скорость, чтобы сохранять концентрацию внимания!

Меня удивили положительные эмоции, которые я испытал при рисовании в технике старых мастеров. Я думал, что в моей голове будет много требующих голосов, но процесс меня удивил. Даже если меня вытянули из зоны комфорта, я понял, что может быть «мягкий фокус», когда вы вкладываете всю свою энергию в работу, чтобы это также улучшило ваше представление о себе.Я считаю, что такое новое принятие себя было основано на двух вещах.

Во-первых, я знал, что закончить картину придется долго. Шести занятий в классе было недостаточно. Еще мне пришлось делать домашнее задание. Каждый из слоев должен был высохнуть перед добавлением нового, и высыхание заняло несколько дней. Этот медленный темп казался старомодным, но тоже неплохим. Это заставило меня задуматься о том, насколько мы были бы мягче, если бы не были так заняты все время. Я также заметил, что стал меньше беспокоиться об ошибках.Когда прогресс идет медленно, ошибки начинаются с малого, и их легче исправить.

Второе, что мне помогло, это то, что мы использовали палец для удаления мазков кисти. Когда я нежно погладил холст краской, это повлияло на все мое мышление. Мне казалось, что красота, созданная и увиденная Моретто да Брешиа, ласкала мой мозг.

4) Не пытайтесь сделать середину похожей на конец

Перед посещением курса я принял одно решение: я сделаю все возможное, чтобы последовать совету учителя.Поскольку я не был знаком с этой техникой, я не знал заранее, как должна выглядеть картина после каждого слоя. Когда я преподаю искусство, я часто вижу, как люди беспокоятся о деталях, которые будут выглядеть великолепно, когда они просто перейдут к следующим шагам. Человеку свойственно сравнивать свою середину с желаемой. Но если вы можете установить критерии в соответствии с каждым этапом, это приведет к лучшему качеству.

Итак, укладывая цвета один за другим, я пыталась развеять свои опасения по поводу того, насколько желтым выглядело платье или насколько красным был мех. При использовании техник старых мастеров цвета на палитре не смешиваются. Пигменты из тюбиков укладываются тонкими слоями как есть. Итак, если вы хотите зеленый цвет, вы начнете с желтого, дайте ему высохнуть в течение нескольких дней, а затем перейдете к синему. Прозрачные слои с мягкими краями создают смешанный цвет и реалистичный вид.

Рисуя эти тонкие слои цвета, я невольно подумал, что кожа слишком неровная. Но мой учитель посоветовал мне продолжить создание цветовых различий, чтобы подготовить картину к «белой размывке».«Тонкий слой цинкового белила сделал кожу более ровной, и все предыдущие слои имели смысл. Попробуйте этот подход, рассматривая слои и элементы как строительные блоки для новых!

5) Резкость мягкая, а не наоборот!

Мне часто напоминали, что нужно сделать каждую область и каждую деталь мягче. Даже большинство крошечных пятен было смягчено пальцем, чтобы сделать их более полупрозрачными и размытыми без острых краев. В результате картина выглядела размытой и неопрятной. Но когда закончили, аккуратно добавленные резкие линии и точки сделали свое дело.Было волшебно, как внезапно вся картина стала точной. Я узнал, что обострить мягкость очень легко. Добавив несколько штрихов, мы закончили мех. Добавление крошечной острой точки завершило глаз. Нос вообще не нуждался в заточке, потому что я хотел подвести глаз ко рту, где я добавил небольшое белое пятно.

Если вы добавите мягкости, вы также сделаете свою работу более объемной. Леонардо да Винчи сказал:
«Начало и конец тени лежат между светом и тьмой и могут бесконечно уменьшаться и бесконечно увеличиваться.Тень — это средство, с помощью которого тела отображают свою форму. Формы тел нельзя было понять в деталях, кроме тени ».

После того, как я нарисовал свою «Мечтательную Саломею», я был очарован тем, как смотрел на края предметов и насколько они мягкие. Я знаю, что сегодняшний мир резок. Мы стремимся к резким фотографиям, чистой графике и включаем флуоресцентное освещение. Вещи, которые мы используем, производятся в промышленных масштабах и так же совершенны, как и были разработаны на компьютере. Но попробуйте побывать в более мягком мире Леонардо! Зажгите свечу и наблюдайте за огнями и тенями.Пусть все мягкое вдохновляет вас, когда вы создаете искусство, и отражайте эту мягкость и по отношению к себе!

Бонус: сделайте это значимым — посмотрите видео!

Моя «Мечтающая Саломея» теперь в рамке, и ей отведено особое место в нашей библиотечной комнате. Я был так счастлив, что смог закончить ее до Рождества.

Эта картина — мое первое упражнение, когда я учусь у старых мастеров, но у нее есть и другие символические значения. Я сделал короткое видео, показывающее изображения из класса и то, как ее раскрашивали слой за слоем.В то же время я также объясняю, что для меня символизирует «Сонная Саломея».

Изучите техники старых мастеров и многое другое!
>> Подпишитесь на цветочные фантазии!

3 шага к тому, чтобы стать лучшим художником, меньше рисовать

Вы когда-нибудь задумывались, где вы должны найти время для рисования?

Если вы пытаетесь рисовать в свободное время, это может показаться невозможным.

Вы уже пытаетесь найти свободное пространство и разложить краски, а иногда даже не можете это сделать.

Вы хотите поработать над смешиванием цветов, попробовать новый цвет краски и определенно поработать с альбомом, но у вас также есть работа, семья, друзья — обязанности, которые просто более важны.

И поэтому вы задаетесь вопросом: стоит ли вам просто продолжать, делая все, что в ваших силах?

Или вы можете использовать стратегию, которая не требует так много времени и дает лучшие результаты?

Я пытался найти ответ на этот вопрос:

Как вы можете вписать свое творчество в и без того загруженную жизнь?

Я работал с художниками и студентами, чтобы найти другой, более эффективный подход, и я думаю, что нашел его.

Оказывается, ответ не заключается в большем. Делает меньше.

Шаг 1. Раскрашивайте только одним цветом в неделю.

Кто сказал, что вы должны закончить картину на каждом сеансе?
Никто, насколько я могу судить. Просто когда вы видите, как работают художники, они часто выглядят так, как будто картина приходит с легкостью, происходит «счастливый случай», превращающий их ошибку в идеально сформированное облако.

Ваши несчастные случаи совсем не счастливы, поэтому близкие родственники задают худший вопрос, который только можно задать.

Что это?

Большинство из нас полагает, что успешные картины создаются в момент вдохновения, вихря творческого гения, летающих красок, размахивания кистей.

Но это не так, большинство профессиональных художников гораздо более уважаемы.

Если у вас мало времени, нет ничего плохого в том, чтобы начать медленно, ваше подсознание может даже быть благодарным. Большинство людей так много думают, что у них нет времени создать законченную картину на выходных, и это расстраивает вас.

Урезав и позволив себе сделать один маленький шаг к готовой картине, вы упростите себе жизнь в дальнейшем рисовании.

Хорошо, а какие цвета мне использовать?

Нет определенного волшебного цвета, но вот совет: начните с ультрамаринового сине-белого.

Вот и все.

Намного лучше создать одно хорошее изображение с одним единственным цветом, чем 100 неполных картин с 10 цветами. Часто творческие люди являются блестящими стартерами, но не успешными финалистами.Бьюсь об заклад, у вас есть сотни потрясающих идей для картин, которые вы любили бы делать, если бы только у вас было время.

Начните с одного цвета и двигайтесь вверх.

Ключевое слово — «хорошо». Одна хорошо составленная, хорошо продуманная картина приносит больше удовольствия, чем сотни поспешных работ.

Вы можете создать широкий диапазон тонов с помощью ультрамаринового синего, он имеет небольшой серийный номер, поэтому не требует больших затрат и будет полезен для многих картин в будущем.

Некоторые художники работают быстрее других, но в целом, если вы тратите менее трех часов на одну из своих картин, вы, вероятно, делаете это слишком быстро.Уменьшите количество и сосредоточьтесь на качестве.

Само по себе это может удвоить или утроить ваше время выполнения, что повысит вашу уверенность и навыки как художника.

Но он также делает кое-что еще: освобождает время для поиска.

Шаг второй: Найдите по одной картине в месяц для копирования.

Как вы, наверное, заметили, есть сотни техник, чтобы стать лучшим художником. В идеальном мире вы бы жили в Италии, изучая классические техники живописи, впитывая атмосферу Возрождения.Время от времени останавливаемся на мороженое, чтобы посмотреть, как проходит мир.

Есть только одна проблема: вы не живете в идеальном мире. И я тоже.

Даже если бы вы рисовали полный рабочий день с армией помощников (у Дэмиена Херста есть более 100 помощников, которые помогают ему рисовать его работы), вы не сможете сделать все.

Так что не пытайтесь.

Вместо этого сосредоточьтесь на одной стратегии и добейтесь в ней хороших результатов.

Мой совет: начните с мастер-копии.

Почему копирование у мастеров — ваша лучшая стратегия

Вот почему: практически все техники рисования, которые вам нужно изучить, были выполнены раньше.

А часто это ваши любимые картины.

Чтобы картина работала, нужно учиться у лучших. Так что выберите картину и выберите от нее часть. Необязательно рисовать всю картину. Просто небольшой раздел для начала. И попробуй скопировать.

Не получится, но вы можете быть удивлены. Даже если вы думаете, что хорошо знаете картину, вы никогда не увидите ее, пока не начнете ее рисовать. Вы никогда по-настоящему не узнаете предмет, пока не начнете его рисовать, вы должны сосредоточиться и сосредоточиться.

Эта картина ниже была копией, я позаимствовал ее у Джейкоба Коллинза, фантастического художника из Нью-Йорка. Я нарисовал деталь, портрет головы маслом.

Уилл Кемп, Главный этюд — После Коллинза, холст, масло

Было ли это идеально?

Нет

Улучшил ли я свою картину?

Определенно.

Результаты?

Картина была выбрана для участия в ежегодной выставке Королевского общества портретистов в торговом центре Mall Galleries в Лондоне.Спасибо, Джейкоб.

Чтобы композиция работала, нужно изучить хорошо составленную картину. Чтобы создать цветовую гармонию, вам нужно понимать, насколько приглушены некоторые цвета на самом деле, даже если на первый взгляд они кажутся яркими

А это сложно, когда вы новичок, потому что у вас нет необходимых навыков.

На мой взгляд, гораздо легче понять, как работают великие картины, и затем использовать эти принципы рисования для создания своих собственных работ.

Одна картина в неделю, даже одна картина в месяц, и скоро у вас будет коллекция.

Шаг третий: медленно начинайте добавлять больше цветов

Как только вы начнете получать результаты, я думаю, вам будет намного проще начать экспериментировать с большим количеством цветов.
Добавляем жженую умбру для создания черного и узнаем о теплых и холодных тонах. Тогда будет легче перейти к выбору полной палитры.

У всех больше мотивации работать над тем, что работает.
Если вы получите хороший результат, вы будете воодушевлены, вам не придется так сильно напрягаться, чтобы вернуться в студию (или за кухонный стол)

Вы захотите это сделать, а это заставляет рисовать много приятнее.

И знаете что?

Когда вы начинаете рисовать, как я уверен, вы обнаружили, время летит, вы попадаете в зону, и вы удивляетесь про себя…

Почему я не делаю это чаще?

Вместо того, чтобы мечтать научиться рисовать, вы действительно сможете это делать.

Это очень простая концепция.

Идеальна ли концепция?

№

На самом деле у него есть один серьезный недостаток:

Вы могли не знать, что красить дальше?

И это может быть непросто, вы хотите нарисовать своих кошек или собак, мужа, жену или детей, но это похоже на огромный скачок.

Если вы хотите начать работу и укрепить свою уверенность, вы можете научиться рисовать в моем онлайн-курсе «Как рисовать акриловыми красками».

Я покажу вам шаг за шагом, как я создаю картину, и вы можете следовать в своем собственном темпе, в промежутках между сбором детей, чтобы реализовать свой потенциал рисования.

Если вы хотите в этом году упростить и получить больше результатов с меньшими усилиями, я думаю, вам стоит подумать об этом — вам просто нужно несколько уловок, которые помогут вам начать работу.

Об авторе: Уилл Кемп является основателем художественной школы Уилла Кемпа, имеет ненасытный аппетит к мороженому и настоятельно рекомендует мороженое из темного шоколада в Grom , Флоренция (оно огромно). также научат вас рисовать.

5 вещей, которым фотографы могут научиться у старых мастеров живописи

Искусство существует почти так же давно, как и люди. В тот момент, когда мы научились отмечать что-то, чтобы другие могли видеть и интерпретировать, момент зарождения искусства.К счастью для нас, фотографов, нам не нужно заходить так далеко, чтобы начать учиться на истории искусства. Фактически, нам нужно только дойти до «старых мастеров».

Старый хозяин Кто?

Тем, кто не знает, кто такие «старые мастера»: это художники, работавшие в Европе до 1800-х годов. В частности, это относится к тем, кто работал на вершине своей игры, и многие из их работ до сих пор будут выставляться в галереях по всему миру.

Во времена, когда еще не было социальных сетей и маркетинга, этим художникам для достижения успеха приходилось во многом полагаться на простой чистый талант и навыки. Фактически, можно было бы возразить, что тогда преуспели только по-настоящему великие художники — нельзя было просто купить себе путь к популярности или нанять кого-то для «доработки» или «ретуши» вашей работы.

Тогда не было коротких путей к успеху. На самом деле вам нужно было потратить время и преданность делу, чтобы добиться успеха.

Чему мы могли научиться из старых картин?

Причина, по которой я упоминаю эту слегка дерзкую насмешку в отношении современного состояния искусства и фотографии, заключается в том, что мне интересно, сколько из нас будут просматривать наши работы через сто лет? Полагаю, не много.Имея это в виду, любое произведение искусства, созданное нами сто или даже четыреста лет назад, заслуживает серьезного внимания.

Вы не сможете выставлять свои работы на обозрение и восхищаться ими на протяжении веков, если вы серьезно не знаете, что делаете, и я считаю, что мы можем многому научиться, глядя на их работы.

В этой статье я хочу взглянуть на работы некоторых старых мастеров и увидеть, что сделало некоторые из их картин такими успешными в то время. Что они сделали, что привлекло внимание зрителя? Какие уловки они использовали, чтобы вести взгляд зрителя? Как они рассказали историю в одном кадре?

№1.HDR

Теперь, прежде чем вы все с отвращением уйдете от самого упоминания HDR, позвольте мне объяснить. Для тех, кто не знает, HDR означает High Dynamic Range, что на самом деле означает очень мало чистых черных теней и очень мало чистых белых бликов на вашем снимке. По сути, вы используете такие инструменты, как множественная экспозиция или несколько источников света, чтобы гарантировать, что каждая часть вашего изображения будет равномерно освещена.

Неудачно сделанное изображение будет выглядеть плоским и визуально очень запутанным. Этой техникой мучительно злоупотребляли в середине 2000-х годов, и теперь она имеет довольно плохую репутацию, когда этот термин бормочут в темных уголках киноклубов по всему миру.

Так как же, черт возьми, старые мастера использовали HDR, когда спорили о том, какие ресницы — белки или барсуки — лучше подходят для рисования? Что ж, у художников есть уникальный козырь, и это их способность раскрасить любую область своего холста любой яркостью, какой захотят.

Леонардо Ди Винчи был мастером интерпретации света и часто использовал свою «художественную лицензию», чтобы передать невозможное в своих портретах на открытом воздухе. Взгляните на «Богородицу с младенцем и святой Анной» ниже.

Те из нас, кто когда-либо снимал портреты на улице, знают, что получить хорошо экспонированный направленный свет на ваших объектах, а также правильно экспонированный фон — непростая задача.

На левом изображении — оригинальная картина Леонардо да Винчи, а на правом — интерпретация того, как могла бы выглядеть эта сцена, если бы она была снята фотоаппаратом.

Художники были мастерами в том, что никогда не переэкспонировали свой фон, и, конечно же, это потому, что им не нужно было беспокоиться об одной единственной экспозиции, они могли использовать любую яркость, которую они хотели для своего фона.

Мы, фотографы, должны помнить об одном и том же, потому что детали на заднем плане портрета на открытом воздухе почти всегда предпочтительнее, чем размытие светлых участков, как мы видим на правом изображении выше.

Один из способов добиться равномерной экспозиции во всем кадре — использовать HDR. С помощью HDR вы делаете несколько снимков с разной экспозицией, а затем объединяете их позже в публикации. Это нормально для пейзажей, но для портретов объект, скорее всего, будет перемещаться между изображениями, а мультиэкспозиции редко совпадают.Альтернативой этому является просто экспонирование кадра для фона, а затем добавление дополнительного освещения к объекту на переднем плане, чтобы выровнять экспозицию кадра.

На изображениях ниже (спасибо моей терпеливой жене, которая позволила мне сделать эти пробные снимки, чтобы показать вам) вы увидите реальность съемки на открытом воздухе.

На верхнем левом изображении наш объект правильно экспонирован, но фон очень переэкспонирован. В правом верхнем углу у нас есть правильно экспонированный фон, чтобы показать цвет и детали, но теперь наш объект очень темный и недоэкспонированный.Наконец, внизу я добавил немного дополнительного освещения, чтобы теперь мы могли получить точную экспозицию как для объекта, так и для фона одновременно.

Именно в таких случаях требуются небольшие технические знания, чтобы получить эффектный снимок по сравнению с сильно размытым фоном или очень темным объектом. Этот более высокий динамический диапазон в изображениях — это навык, который художники изначально считали само собой разумеющимся в то время, но это навык, который мы, современные фотографы, должны полностью понять, если мы когда-либо надеемся создавать равномерно экспонированные портреты людей на открытом воздухе, как это делали сотни лет назад.

№ 2. Использование цвета для разделения переднего и заднего планов

В последние годы широко распространилась тенденция снимать все широко открытое с диафрагмой f / 2.8 или шире. Не поймите меня неправильно, я тоже так делаю, и мне нравится, как он выглядит, но почему? Для некоторых очень малая глубина резкости — это способ отделить себя от поколения iPhone. До портретного режима крошечные линзы смартфонов не могли точно создать какую-либо глубину резкости на своих изображениях, поэтому все на снимке телефона выглядело резким.Объективы большего размера и размеры сенсора обеспечивают меньшую глубину резкости, и поэтому съемка всего на открытом воздухе отделяет ваши изображения от простого «моментального снимка».

Что еще более важно, малая глубина резкости — отличный способ контролировать и направлять взгляд зрителя вокруг кадра. Если вы хотите, чтобы внимание было сосредоточено на объекте, а не на фоне, вы делаете фон размытым, и у зрителя нет другого выбора, кроме как сосредоточиться на объекте.

На снимке выше вы видите, что я использую очень малую глубину резкости, чтобы расфокусировать фон, чтобы привлечь внимание зрителя к объекту.

К сожалению, у старых мастеров не было этой способности. На самом деле, очень редко можно увидеть картину, в которой не все детали четко сфокусированы, и только когда появились камеры, это стало более творческим визуальным элементом в изображениях. Так как художники все в фокусе в своих изображениях, им приходилось использовать разные способы направлять зрителя туда, куда они хотели, чтобы они смотрели, и они делали это с помощью цвета.

Взгляните на два изображения ниже, чтобы понять, что я имею в виду.

На верхнем изображении мы видим, как Орацио Джентилески использует очень смелые и яркие цвета на своих объектах, но позади них мы не видим ничего, кроме тусклых серых камней и грязи. Это может показаться очевидным, но это очень эффективный способ создать четкое разделение от переднего плана до фона и направить взгляд ваших зрителей.

На изображении ниже мы видим обратное.На этой картине мы видим, что Гвидо Рени на самом деле использовал очень смелый цвет позади нашего бледного объекта, который также был заключен в приглушенные и тусклые цвета. Опять же, это привлекает внимание зрителей, куда он хочет, чтобы они смотрели.

Интересно, что на этой картине мы также видим противоположное, происходящее с другим объектом в кадре. Они одеты в оранжевое, а фон за ними тёмно-серый. Это не так очевидно, как жена озорного Потифара, и это потому, что она все еще в центре внимания в этом кадре, а не отшатнувшийся Иосиф.

Эта картина, безусловно, является одним из лучших примеров использования цвета для разделения и направления зрителя, и это даже не касается того, как определенные цвета используются здесь, чтобы рассказать историю. На мой взгляд, поистине замечательное исследование цвета.

Итак, как мы можем применить эти знания в нашей фотографии сейчас? К счастью, гораздо проще использовать цвет для отделения объектов от фона, чем вы думаете, и это ни в коем случае не означает, что вам не следует также использовать малую глубину резкости, а также это цветовое разделение.На самом деле, они часто идут рука об руку, особенно с более загруженным фоном. Вы часто найдете нейтральный фон и красочные предметы в коммерческих модных изображениях, а также в электронной коммерции, и они просто используют белый фон, чтобы привлечь максимальное внимание к одежде.

На изображениях ниже от Ранкина и Марио Тестино мы видим использование белого и приглушенного фона для максимального воздействия на испытуемых.

И наоборот, мы можем использовать красочный фон, чтобы выделить и изолировать объект, и именно этот прием вы часто видите в моих собственных работах. На двух изображениях ниже вы четко видите, как я использую цвет для разделения переднего и заднего планов. Слева за моделью виден четкий жирный цвет, резко контрастирующий с ее белым платьем, а справа я покрасила место жирным синим цветом, чтобы сильно контрастировать с красным стилем на переднем плане.

Вы можете продвинуть эту теорию цветоделения еще на один шаг, разместив объект между цветами. На моем изображении ниже вы увидите, что я искусственно закрасил фон за моим объектом, но я также искусственно закрасил ближайший передний план в аналогичные цвета. С этой техникой размещения объекта между цветами, подобными этому, можно легко перестараться, но при использовании в сочетании с малой глубиной резкости у зрителя нет другого выбора, кроме как сосредоточиться на объекте.

№3. Композиты

Вы можете подумать, что «композиты» — это относительно современный термин, слово, используемое для описания головоломки, состоящей из изображений, преобразованных в совершенно отдельную часть. Разве это действительно возможно только с современным цифровым программным обеспечением? Что ж, как оказалось, композиты — это просто современное слово, но процесс объединения нескольких элементов в единое целое существует почти так же давно, как и само искусство.

В нашем современном цифровом мире мы часто используем композиты как способ объединения нескольких изображений по ряду причин. Может быть, мы пытаемся создать что-то, чего, в конечном счете, не существует в реальном мире, или, может быть, мы просто пытаемся объединить различные экспозиции одной сцены, которую обычно было бы почти невозможно запечатлеть в одном кадре.

Но какой бы ни была причина для композиции, мы обычно пытаемся создать невозможный снимок, снимок, которого просто не существует в реальности.Поэтому неудивительно, что художники занимались этим веками, и если для них это было достаточно хорошо, то и для нас.

Одна из основных причин объединения нескольких элементов в картинах часто была связана с более крупными картинами, в которых задействовано много-много предметов. Художники редко заставляли 10 важных людей стоять и позировать одновременно, поэтому их часто рисовали отдельно, пока вся картина не была завершена, что фактически создавало невозможный снимок.Но множественность сюжетов была не единственной причиной создания такой композитной живописи.

Ниже портрет мужчины. Личность мужчины на самом деле неясна, и это может быть даже автопортрет самого художника. Эта картина была написана итальянским художником Паоло Веронезе (Paolo Caliari) в 1576 году, и хотя предполагается, что именно так выглядел предмет, само окружение полностью выдумано.

В то время было очень распространено заказывать портрет самого себя, как он есть сегодня, и тогда, как и сегодня, было очень распространено иметь определенные аспекты вашего портрета «улучшено».В данном случае считается, что эта картина была сделана в южной Италии, и в этом районе не было ни одного из тех деревьев, которые мы видим позади объекта.

Что еще более важно, джентльмен уверенно опирается на цоколь рядом с огромными рифлеными греческими колоннами. Ни тогда, ни когда-либо в окрестностях этого города в Италии таких колонн не было. Этот прием часто использовали художники, поскольку он давал им возможность что-то сказать о предмете. В этом случае мы видим на резных рельефах на постаментах рядом с ним сцены, которые дают нам подсказки о его профессии, происхождении или даже военном звании.Как я уже сказал, это было очень распространенной практикой, но тот образ, который мы видим перед собой, на самом деле никогда не существовал.

Еще одним прекрасным примером композитных материалов старых мастеров был натюрморт. Картина с натюрмортами на столе была невероятно популярной, но только в начале 1700-х годов Ян ван Хюйсум начал создавать невозможные картины, популярность которых резко возросла. Ян Ван Хейсум был не чем иным, как гением со своей кистью, и на пике карьеры он буквально не мог рисовать достаточно быстро, чтобы удовлетворить спрос на его изысканные работы.

Но что действительно выделяло работы Яна Ван Хейсума, так это его способность запечатлеть фрукты и цветы в уникальных композициях. До этого момента художники рисовали то, что находилось в вазе с фруктами перед ними, но в эпоху, когда еще не было холодильника, вы были обязаны сезонам и тому, что цвело в то время. Ян Ван Хейсум отказался от этого представления и собрал лучшие фрукты и цветы года в одной картине.

Ян Ван Хюйсум изображения «Фруктовый кусочек» 1722 года просто никогда не существовало, и это необыкновенная коллекция фруктов и цветов, которые никогда не сидели в одном месте одновременно.Если вам когда-нибудь представится возможность увидеть работы Яна Ван Хейсума, я настоятельно рекомендую вам проверить это, поскольку его мастерство почти невероятно. Детали этой работы просто захватывают дух вблизи. Фактически, его способности и техника были настолько востребованы, что он всегда работал один и никогда не допускал посетителей в свою студию.

Я уверен, что вам не нужен совет о том, где искать вдохновение для современных композитных фотографов, и, безусловно, есть много великих композиторов, из которых можно выбрать прямо сейчас.Но вот несколько, с которых вы можете начать: Рене Робин, Дэйв Хилл, Эрик Йоханссон.

И помните, если композитинг был достаточно хорош для старых мастеров сотни лет назад, он определенно достаточно хорош для нас сегодня.

№4. Композиция и ведущие линии

Конечно, это не должно вызывать удивления, но композиции и линии оформления уже давно стали важной частью мира искусства. Но хотя вы считаете это очевидным, в современной фотографии часто упускают из виду сильную композицию в пользу простой записи того, что перед вами.Я вижу, что слишком многие современные фотографы увлечены резкостью, мегапикселями и цветовым балансом, чтобы как можно точнее воссоздать то, что находится перед их камерой. К сожалению, ничто из этого не приведет к созданию «отличной» фотографии, как и идеальная рамка не сделает отличную картину.

Как фотографы, мы должны думать о том, чтобы рассказывать визуальную историю, и для этого многие великие художники будут использовать композицию и ведущие линии, чтобы окинуть взглядом визуальное путешествие вокруг кадра.Простое размещение модели в центре кадра не приведет к ее резке, а использование инструмента для проверки цвета, острого как бритва объектива за 2000 долларов и 100-мегапиксельной камеры никогда не изменит этого.

Давайте взглянем на некоторые работы старых мастеров и посмотрим, что они сделали с композицией и ведущими линиями.

Эта картина «Ночной дозор» Рембрандта ван Рейна 1642 года, вероятно, является одной из наиболее изученных картин всех времен, поскольку студенты-художники по всему миру обсуждают ее художественные тропы и он мог легко заполнить целую статью сама по себе.Но если мы просто кратко посмотрим только на композицию и ведущие линии, вы увидите, как Рембрандт четко использует форму, форму и объекты для создания направляющих линий, которые все ведут нас к центральным предметам. Это один из тех элементов в произведении искусства, которые могут показаться очевидными после того, как их покажут вам, но для неосведомленного зрителя это невероятно мощный визуальный инструмент.

На рисунке ниже мы видим немного более сложное использование направляющих линий.

На приведенной выше картине «Мученичество святого Андрея» Шарля Ле Бруна мы можем ясно видеть очень сильные ведущие линии на протяжении всего этого снимка, и если вы продолжите смотреть на это изображение, начнет появляться все больше и больше повторяющихся форм и симметрии.Посмотрите еще раз и посмотрите, не станет ли обилие треугольников более очевидным. Эти очень сильные линии и сбалансированная симметрия невероятно сложно реализовать в таком сложном произведении, и чем больше вы смотрите на это, тем больше композиционных элементов начинает проявляться.

Нет, конечно, ничего плохого в современных изображениях, которые создаются сегодня, но вам может быть трудно найти современное изображение, которое приблизилось бы к этому уровню композиционной сложности.

Как я уже упоминал ранее, примеры поразительной композиции и ведущих линий сегодня найти труднее, чем вы думаете.Не поймите меня неправильно: конечно, это где-то где-то там, но я думаю, что в недавних образах он играет меньшую роль, чем исторически.

Анри Картье-Брессон — один из самых известных фотографов по композиции и руководству, поскольку его работы 1930-х годов являются частью практически каждой уважающей себя библии по обучению фотографии.

По мере того, как мы продвигаемся вперед во времени, становится все труднее выделять яркие формы композиции, поскольку многие другие факторы составляют часть нашего современного репертуара фотографии.Тем не менее, отличное место для начала — это работа Микаэля Янссона, поскольку его работы часто содержат много ярких композиционных элементов.

№ 5. Кьяроскуро

Наконец, мы рассмотрим один из моих любимых: светотень. Для тех, кто не знает, что означает это странное слово, светотень пришла из эпохи Возрождения в искусстве и использовалась для описания света и тени. Художники эпохи Возрождения использовали окрашенную бумагу, а затем применили белую гуашь для создания своих работ, что привело к сильно контрастирующему изображению.

Это сильно контрастирующее произведение искусства снова было замечено как гравюра на дереве, в результате чего использовались только два тона; чернила на ксилографии и поверхности, на которой она должна была быть напечатана. Кьяроскуро — это всего лишь слово, которое сегодня используют немногие художники, но более современный термин для этого сильно контрастирующего стиля освещения, используемого как в кино, так и в фотографии, — «сдержанное освещение».

Ключевыми художниками, которые позже разработали этот стиль светотени, были Леонардо да Винчи, Караваджо и Рембрандт, и они были замечены как первые люди, которые отошли от этого HDR-«взгляда» на все, что правильно показано на картинах, и исследовали более сильное, практически единый легкий стиль работы.

Конечно, в то время самым заметным источником света после захода солнца был свет свечи, и именно этот источник света, по-видимому, использовался во многих картинах светотени.

На знаменитой картине «Сват» Герарда ван Хонтхорста в 1625 г. мы ясно видим свечу в кадре, и, как и во многих великих картинах светотени, объекты размещаются вокруг источника света для создания этот потрясающий оттенок от светлого к темному, от светлого к темному по всему кадру.Это такие произведения искусства, как это, и это невероятное использование сдержанного освещения, которое должно быть гораздо более заметным в современной черно-белой фотографии, но, к сожалению, это умение упускается из виду и часто игнорируется. Если вы хотя бы отдаленно интересуетесь черно-белой фотографией, то, пожалуйста, уделите немного времени изучению этих картин кьяроскуро и их художников и гарантируйте, что вы не будете разочарованы.

Кьяроскуро также была техникой, которая начала использоваться немного более стилистически в портретах одного человека.На изображении ниже «Давид с головой Голиафа» Гвидо Каньяччи в 1645 году мы видим очень умное использование светотени не только для объекта, но и для фона.

Для меня это потрясающе стилистический портрет того времени, и очень умное использование света для тени делает изображение невероятно трехмерным. Диагональная линия тени позади объекта прорезается, когда свет падает на лицо Дэвида, а затем снова падает в тень, прежде чем снова вернуться к свету позади него.Эта красивая игра света столь же элегантна, сколь и проста. Опять же, мы редко видим такое высокоуровневое исполнение освещения в нашем современном создании изображений, и я чувствую, что многим из нас, в том числе и мне, было бы полезно понять его более всесторонне.

Итак, чему мы можем научиться у светотени и приступить к реализации уже сегодня? Прежде всего, нам снова нужно изолировать наши объекты от фона, и, как художники, создающие двухмерные изображения трехмерных объектов, нам нужно добавить больше визуальной глубины в наши портреты.

Я говорю об этом, потому что слишком часто вижу, как объекты исчезают на заднем плане позади них, и в конечном итоге они визуально теряются в кадре. Взгляните на два примера ниже, чтобы увидеть разницу в отношении «разделения объекта и фона».

На изображении слева вы увидите, что модель не отделена от фона, и кажется, что она не имеет формы без дополнительного фонового света позади нее.На втором изображении вы ясно увидите очень сильное разделение, которое теперь присутствует, что приводит к большей форме и форме объекта, а также к добавлению ощущения глубины кадра.

Оба эти изображения были сняты с использованием одного источника света, единственное, что изменилось, — это то, насколько близко объект находится к фону позади нее. Когда я переместил ее и свет ближе к фону, свет упал на нее, а также на фон, и мы очень быстро и легко создали дополнительную глубину кадру с добавлением света позади.

Конечно, это очень упрощенный пример использования светотени в современной фотографии, но принципы те же. Создайте ощущение глубины в кадре не только объекта, но и фона.

Заключительные мысли

Суть в том, что работы «Старых мастеров» сегодня находятся в галереях, и некоторые из этих картин были написаны сотни лет назад, но мы все еще наслаждаемся и созерцаем их сегодня. В мире, где некоторые изображения длятся не более нескольких секунд, действительно стоит посетить то, что делает эти произведения искусства столь важными для нашей визуальной культуры сегодня.

Такие элементы, как сильный динамический диапазон, использование цвета для отображения глубины, включая невозможные элементы, сильная композиция, а также привлекательные свет и тень были обычными элементами во многих произведениях искусства раньше. Теперь эти невероятно мощные, почти жизненно важные элементы изображения найти гораздо труднее.

Я знаю, что я, со своей стороны, попытаюсь включить многие из этих элементов в свою будущую работу, и я бы посоветовал вам сделать то же самое. В конце концов, если это было достаточно хорошо для «старых мастеров», этого достаточно для нас.

Об авторе : Джейк Хикс — редактор и модный фотограф из Рединга, Великобритания. Он специализируется на удержании навыков в камере, а не только на экране. Если вы хотите узнать больше о его невероятно популярном гелеобразном освещении и постпрофессиональных методах, перейдите по этой ссылке для получения дополнительной информации. Вы можете найти больше его работ и статей на его веб-сайте, в Facebook, 500px, Instagram, Twitter и Flickr. Эта статья также была опубликована здесь.

Картины старых мастеров: Руководство по коллекционированию

Идея стать коллекционером картин старых мастеров — категория на Christie’s, охватывающая 500 лет искусства по ценам от нескольких тысяч фунтов до 450 миллионов фунтов стерлингов — может показаться устрашающей.Но, как объясняет специалист Майя Маркович в видео выше — с помощью некоторых примеров, продаваемых на вечерней распродаже Christie’s Old Masters Evening в Лондоне 3 декабря — есть несколько основных правил, которым вы также можете следовать, чтобы получить работу, которая вам нравится. как хорошее вложение.

Ниже приведены еще несколько указателей, от условия к предмету происхождения, которые можно учитывать при навигации по рынку старых мастеров, проиллюстрированных примерами из наших архивов аукционов.

• 1
• «Является ли художник признанным именем?» И другие вопросы, которые можно задать

Основные вопросы, которые следует учитывать при поиске, включают: является ли художник известным именем? Является ли эта работа удачным или особенно поворотным моментом в карьере или развитии художника? Указывается ли авторство полностью (или квалифицируется как «Студия» / «Круг» / «Последователь» художника)? Включена ли работа в основную литературу о художнике, а если нет, были ли проведены консультации с текущими экспертами? Была ли эта работа включена в какие-либо недавние плодотворные выставки художника?

Специалисты Christie’s обычно рекомендуют приобретать хороший образец работы относительно небольшого художника, а не посредственный, возможно, в плохом состоянии, под более авторитетным именем.

• 2
• Происхождение добавляет интерес — и ценность

Это всегда было мотивирующим фактором при инвестировании в произведения искусства, поскольку происхождение добавляет объекту интереса и определенную легитимность и вес, если уважаемые коллекционеры сочли его достойным своей коллекции.Карл I, например, в конце 1620-х годов купил великолепную коллекцию картин и скульптур из знаменитой коллекции герцога Мантуанского.

Примеры картин, пользующихся спросом из-за их интересного происхождения, включают в себя портрет Джусто Фердинандо Тендуччи Томаса Гейнсборо , приведенный выше, который был продан из коллекции Ива Сен-Лорана и Пьера Берже в Париже в 2009 году за 2193000 евро при оценке в евро. 400 000–600 000 и «Портрет джентльмена » Франса Халса из коллекции Элизабет Тейлор, проданной в Нью-Йорке в 2012 году за 2 098 500 долларов при эстимейте 700 000–1 000 000 долларов.

Более историческое происхождение также может повысить ценность. В декабре 2016 года Christie’s представил эскиз констебля , выходящего на берег в лодке, Брайтон , который был передан по наследству дочери художника Изабель Констебл и позже хранился в двух знаменитых коллекциях на континенте в первой половине XX века. .

Эта работа также была включена в основополагающую выставку знаменитых «шестифутов» Констебля в Тейт Британ, Национальной галерее искусств в Вашингтоне, округ Колумбия.С. и Художественная галерея Хантингтона в Сан-Марино, Калифорния.

• 3
• Помните, что забытая работа может быть восстановлена ​​- и если это произойдет редко, тем лучше.

Это особенно важные факторы, которые следует учитывать.Хотя на первый взгляд некоторые картины старых мастеров могут показаться в плохом состоянии, это может быть связано с тем, что исходная поверхность скрыта слоями старого обесцвеченного лака и грязи, которые часто являются поверхностными.

Лучше инвестировать в работу, которой не уделяют должного внимания, которую можно относительно легко обработать с помощью чувствительной реставрации, чем в ту, которая в прошлом подвергалась многочисленным реставрационным кампаниям, некоторые из которых могли привести к истиранию исходной поверхности. и перекрашены.В случае сомнений проконсультируйтесь с реставратором.

Что касается редкости, всегда важно учитывать, насколько плодовитым был художник и как часто его работы появляются на открытом рынке.

Когда сочетаются отличное состояние и редкость, работы могут достигать исключительной цены — и предлагать покупателям уникальную возможность приобрести значительную и красивую работу. Когда в июле 2016 года на продажу поступил редкий и изысканно выполненный портрет дамы придворного художника Уильяма Ларкина (вверху), он составил 266 500 фунтов стерлингов при оценке в 40 000–60 000 фунтов стерлингов.

Точно так же летом 2016 года был предложен потрясающий и прекрасно сохранившийся вид на Кот-д’Опаль в Пикардии Ричарда Паркса Бонингтона (вверху), казненного незадолго до своей преждевременной смерти в 1828 году в возрасте 25 лет, и реализован за 1 370 500 фунтов стерлингов. против оценки 400 000-600 000 фунтов стерлингов.

• 4
• Мы будем следить за картинами, которые вызывают у вас особый резонанс.

Исторически сложилось так, что семейные портреты или фотографии, собранные во время Гранд-тура, часто становились ценными семейными реликвиями.В Christie’s мы стараемся предупредить членов семьи, когда на продажу выставляются портреты их предков или картины, связанные с конкретным домом, который впоследствии, возможно, перешел из рук в руки.

С другой стороны, портреты как королевских натурщиков, так и важных исторических личностей могут найти отклик у будущих поколений. То же самое может относиться к топографическим видам европейских городов, университетских городков или определенных ландшафтов.

• 5
• Цены начинаются от 5000 фунтов стерлингов.

Преимущество покупки старых мастеров состоит в том, что хорошие образцы портретов, топографических пейзажей, натюрмортов и других жанров можно найти по разным ценам.В ценовой категории от 5 000 до 10 000 фунтов стерлингов, например, вы можете найти декоративные работы, внесенные в каталог как «Студия» или «Круг» известных художников, а также полностью атрибутированные картины менее известных мастеров.

Если вас интересует портретная живопись, то есть замечательные портреты елизаветинских и якобинских времен XVI и начала XVII веков, которые могут понравиться современной эстетике, их стиль относительно плоский и геометрический, с чистыми цветовыми блоками.

Примерно 20–30 лет назад итальянские мифологические сюжеты XVIII века пользовались большим спросом, что привело к росту цен.Сегодня эти работы более доступны (10 000–20 000 фунтов стерлингов), в то время как прекрасные образцы идеализированных пейзажей таких художников, как Локателли и Л’Оризонте (см. Ниже), появляются на рынке относительно часто.

Замечательные голландские и фламандские натюрморты можно купить по любой цене. Есть прекрасные картины 17-го века голландских и фламандских мастеров второго и третьего яруса, доступные менее чем за 20 000 фунтов стерлингов, в том числе замысловатые части цветов и роскошные настольные дисплеи, украшенные серебряными солонками и лобстерами.

Вы также можете приобрести менее амбициозные работы более авторитетных художников примерно за 15–20 000 фунтов стерлингов, включая портреты Томаса Гейнсборо и сэра Джошуа Рейнольдса (см. Выше). Цены могут варьироваться в зависимости от личности няни, которая не всегда известна. С другой стороны, портреты королевских натурщиков оставались востребованными на протяжении веков.

То же самое относится к топографическим видам Венеции и Лондона, которые были востребованы новыми покупателями и опытными коллекционерами из-за непреходящей привлекательности этих двух городов.

Ниже представлены картины старых мастеров, предлагаемые на наших предстоящих распродажах, которые, вероятно, будут содержать примеры многих стилей и периодов, перечисленных выше. Если вам нужна дополнительная информация о наших аукционах или о покупке вашей первой работы в этой категории, наша международная команда специалистов по старым мастерам готова вам помочь.

Как рисовать как старые мастера