Современная абстрактная живопись: Абстрактная живопись, Продажа картин, Картина в подарок, Современные художники, Картины современных художников — Независимое театральное объединение "Зрительские симпатии"

Содержание

Как вписать абстрактную живопись в интерьер: 5 советов — INMYROOM

Существуют специальные правила по инсталлированию и экспозиции произведений искусства, учитываются разные факторы окружения живописного полотна: классическая живопись демонстрируется в залах исторических особняков с соответствующими интерьерами, а вот современное искусство принято размещать в белых кубах галерей, полностью нейтрализуя фон.

В жилых помещениях действуют те же правила, картина может стать изюминкой вашего дома, а может потеряться среди предметов обстановки. Возможно, вы только собираетесь делать ремонт и хотите выстроить будущий интерьер вокруг настоящего шедевра абстрактного искусства, который давно лежит «в столе», и вы никак не можете решиться повесить его на стену. А может быть так, что вы только собираетесь стать обладателем абстрактной картины, не меняя при этом привычного цвета стен. Является ли произведение искусства самодостаточным, или оно нуждается в помощи – это можно почувствовать интуитивно, а для того, чтобы правильно вписать живопись в будущий интерьер, нужно знать несколько правил. Мы поделимся рецептом успеха.

Совет №1: определитесь с размером картины

В современных интерьерах действует негласное правило относительно такого рода живописи: чем выше «уровень абстрактности», тем большего размера должно быть полотно. Если у изображения читаются некие формы геометрического или суггестивного характера, то такая картина, как правило, небольшого размера. Если же форма изображения не поддается четкой характеристике или отсутствует вовсе, то размеры полотна могут быть даже совместимы с человеческим ростом. При этом неважно, будет ли это холст с чистой фактурой красящего пигмента или имитация живописи, общая картинка интерьера от этого не зависит.

Совет InMyRoom: подумайте, на что рассчитан ваш интерьер, готовы ли вы отдать картине целую стену или же украсить ею прикроватную полку. Часто используется прием, когда работы с геометрическими формами компонуются между собой. Здесь возможны варианты дублирования одной работы – тогда занимаемая площадь стены под картины увеличивается, не нарушая основного правила.

Или же работы подбираются по цвету, смыслу или происхождению.

Совет №2: настройте правильный контраст

На самом деле в контрасте между произведением современного искусства и консервативным дизайном интерьера нет никакого противоречия, ведь искусство всегда опережает свое время, а облик человеческого жилища может не меняться столетиями и даже тысячелетиями. Поэтому, чтобы стилевой контраст не вызывал визуальной ошибки, нужно обращать внимание на содержание абстрактного полотна, как бы странно это ни звучало.

Совет InMyRoom: делайте ставку на такой важный фактор, как, например, эмоция от взгляда на картину. Полотно может выражать некую собранность и регулярность, что прекрасно впишет ее в классический интерьер, где ценны именно эти качества. А может характеризоваться нежностью и чувственностью, близких рококо, или смелостью и новаторством – отличительными особенностями модернизма.

Совет №3: подберите тональную поддержку

В этом случае создают один или несколько акцентов, чтобы впустить живопись в интерьер, который она не должна затмить. Тональная или цветовая поддержка скажет о том, что окружение этого произведения искусства тоже достойно внимания, и интерьер нужно воспринимать как одно целое. Проникновение произведения искусства в интерьер посредством отдельных его деталей должно быть деликатно, к этому вопрос нужно подходить с большой осторожностью, если только вы не задаетесь целью намеренно создать китчевый дизайн.

Совет InMyRoom: цвет в абстрактных картинах играет решающую роль, и если он весьма интенсивный или вам кажется, что агрессивный, то требует меньше поддержки – достаточно будет небольшого мелкого вкрапления в интерьер. Если же цвета довольно-таки мягкие и «послушные», то можно будет увеличить площадь этой цветовой гаммы. Каждый нюанс будет важным, ведь за счет объема цветовых вкраплений вы можете получить как спокойный и умиротворяющий интерьер, так и дерзкий и вызывающий.

Совет №4: создайте смысловую перекличку

Немного юмора в обустройстве своего жилья тоже не помешает, от этого интерьер будет наполнен новыми смыслами и высказываниями, а вам в нем никогда не будет скучно. Современное концептуальное искусство подходит для этого как никакое другое: будь то хипстерская ирония или интеллектуальные аллюзии. Такие приемы скажут много о хозяевах квартиры, а синтез абстрактного изображения и предметов дизайна и декора сделает из обычной комнаты настоящую инсталляцию.

Совет InMyRoom: внимательно выбирайте работу, если она вас по-настоящему интересует, то подумайте над ассоциациями или привяжите ее к уже заготовленному сценарию. Известен случай, когда один известный и эксцентричный деятель шоу-бизнеса в своем доме рядом с картиной Ильи Кабакова, изображающей табурет, расположил небольшой деревянный табурет, обыграв концептуальный замысел автора.

Совет №5: подчините интерьер искусству

Если вы хотите, чтобы картина с абстрактной живописью имела довлеющее значение для всего интерьера, то она и должна его полностью определять и подчинять себе. В этом случае все предметы интерьера подбираются под тот посыл, который несет в себе работа. Мебель, освещение, декор – все, как правило, завязано на цветовой гамме и настроении живописного полотна. При этом важно знать о времени, авторе и месте написании работы, если вы обладаете подлинником, или о значении в мировой культуре, если вы имеете дело с какой-либо репликой или копией мирового шедевра.

Совет InMyRoom: и главное, смело опирайтесь на свой собственный вкус и интуицию, прислушивайтесь к любым мимолетным и еще неоформленным мыслям – часто они бывают самыми верными. Готового рецепта при работе с абстрактными и концептуальными вещами никто не знает, и иногда так происходит, что смысл их просто лежит на поверхности.

100% ручная роспись маслом Современная Абстрактная живопись 3D стерео картина маслом гостиная спальня офисная Настенная картина художника|Рисование и каллиграфия|

информация о продукте

Характеристики товара

Название бренда: huteng
Тип: Картины, написанные маслом
Оригинальный: Да
Подложка: Канвасная лента
Рамка: Нет
Средство: Масло

Технические приемы: Ручная роспись
Сюжеты: Абстрактная живопись
Вид рамки: Живопись на свитке
Форма: Раздельная
Номер модели: 00188
Форма: Горизонтальный Прямоугольник
Стиль: Абстрактная живопись
Материал: Лен

описание продукта

отзывах покупателей ()

Нет обратной связи

Абстрактная живопись

Абстрактная живопись – это одно из основных направлений современного искусства.

Главная идея данного направления – передать гармонию между человеком и искусством, создать определенное гармоничное сочетание линий и цветовых пятен. Абстрактная живопись – это новое искусство, беспредметное и нефигуративное по своей сути. Абстрактная живопись не преследует цели точной и реалистичной передачи действительности, скорее, наоборот – главное передать поток эмоций и внутреннее состояние художника. Рекомендует для этого пройти курсы рисования акварелью красками, маслом и другие доступные программы в нашей арт-школе.

Истоки абстрактной живописи исходят к началу 20-го века. Именно тогда была создана первая картина абстрактной живописи. Родоначальником абстрактного искусства считают Василия Кандинского. Именно он разработал целую систему визуального восприятия абстрактного искусства. Направление абстрактной нефигуративной живописи поддержали и другие художники: Казимир Малевич, Михаил Ларионов, Наталья Гончарова, Пит Мондриан.

В. Кандинский

П. Мондриан

Абстрактное направление в живописи дало отправную точку для зарождения и развития других современных направлений в искусстве – появился лучизм, неопластицизм, супрематизм, экспрессионизм и геометрическая абстракция. Такое разнообразие направлений в живописи дало новые возможности художникам, новые темы и приемы в живописи.

Для абстрактного искусства главную роль играет цвет и форма, реалистические очертания и рисунок уходят на второй план. Художники по-новому начинают передавать на своих холстах знакомый ранее предметный мир. Абстрактная живопись дает художникам полную свободу действий.

Казимир Малевич

Василий Кандинский

Наталья Гончарова

Курс «Абстрактная живопись» рассчитан на слушателей с разным уровнем подготовки. Если Вы решили написать абстрактную картину и переживаете, получится у Вас или нет – отбросьте все свои сомнения в сторону. Занятие по абстрактной живописи – это не только урок по рисованию, а и арт-терапия. Вам нужно только прислушаться к самому себе, взять кисть в руки и начать творить. Наши опытные преподаватели помогут Вам создать картину-шедевр, отображающую именно Ваш внутренний мир.

Некоторые считают, что абстрактная картина всего лишь обычная мазня, но они глубоко ошибаются. Абстрактная живопись насыщенна символами и эмоциями, цветом – это настоящее эмоциональное творение, которое оперирует языком символов и обобщений, доведенных до крайней простоты в восприятии. По сути, абстракция – это «разжеванная» художником для зрителя квинтесенция художественного образа.

Василий Кандинский

Джексон Поллок

Стоимость занятия: 400 грн.

Все материалы включены в стоимость, кроме полотна

На занятия «Абстрактная живопись» можно принести свой холст, или приобрести в школе рисования в Киеве по следующим ценам:

Стоимость грунтованного полотна на подрамнике:

Размер, см.	Стоимость,грн.
35х55	100
45х55	130
55х75	150

Стоимость полотна других размеров уточняйте по телефонам художественной студии «Artstatus»

Продолжительность занятия – 2,5 часа.
Запись на уроки живописи по телефону: (097) 450-72-21, (066) 956-61-71

рисунки учеников художественной школы «Артстатус»

Китай Современная абстрактная живопись на холсте # RG20214 Современная абстрактная фабрика и производители

МИССИЯ
Мы стремимся к совершенству во всем, что мы делаем.
Мы гордимся не только качеством наших работ и конкурентоспособными ценами, но и эффективностью нашего процесса доставки и нашим первоклассным обслуживанием клиентов.
Все наши картины быстро доставляются к вам на дом или на работу, оформляются и готовы к повешению.

КОМАНДА
Качество и превосходство — основа культуры Royi Art.
Совершенство означает для нас идеальный баланс между качеством наших продуктов и наших услуг.
Royi Art Gallery, каждый человек на всех работах в нашей компании, разделяет эту общую страсть к совершенству и всегда в полной мере обслуживает наших клиентов.

ХУДОЖНИКИ
Каждый из наших художников обладает более чем пятнадцатилетним опытом работы.
В совокупности наши художники воплощают в себе огромную глубину, дисциплину и талант, что делает нас самым привлекательным центром искусства в мире.
В качестве свидетельства их опыта наши картины были выставлены в известных музеях, корпоративных офисах и пятизвездочных отелях.

ПРЕИМУЩЕСТВА
Бесплатные консультации по искусству и официальные цитаты
Быстрое выполнение заказа, поставляется по всему миру.
100% гарантия удовлетворения.

МАТЕРИАЛ
Мы гордимся тем, что не предоставляем ничего, кроме самого высокого качества искусства.
Окрашены вручную, с использованием масляных красок Winsor и Newton на льняном холсте.
Мы твердо намерены сделать так, чтобы каждая картина значительно превосходила ожидания наших клиентов.

МЕТОДИКА
Все наши картины созданы старомодным способом вручную без использования каких-либо методов печати.
Картины сначала зарисовываются вручную, прежде чем мы начнем процесс рисования.
Мы используем бесконечное количество техник покраски, включая использование холодного воска, смол, лаков, ножей, тряпок, соскобов
Картины могут занять от нескольких дней до нескольких месяцев, в зависимости от их сложности, размера, навыков и необходимых методов.

ДОСТАВКА
Доставка по всему миру.
Стоимость доставки будет добавлена при оформлении заказа.
поставляется с FEDEX, UPS, TNT, 3-5 рабочих дней на транспортировку до вашей двери.
Номер для отслеживания будет отправлен вам через уведомление о доставке.

Возврат
Нам нужны счастливые клиенты.
Мы поддерживаем все, что продаем.
Вы можете вернуть его для замены или получить полный возврат, если по какой-либо причине вы не удовлетворены своей покупкой.

Абстрактные картины – особенности, 20 самых знаменитых абстрактных картин — Изобразительное искусство — Культура ВРН

Текст: Сергей Кольцов
Фото: virtosuart.com

Абстрактные картины стремительно набирают популярность. В современном мире отношение к подобным картинам не так критично, как было раньше. В отличие от классического изобразительного искусства, которое отображает реальность, абстрактное чаще всего не имеет ничего общего с естественным миром. На сайте https://bit.ly/2W1PXvJ вы сможете ознакомиться с лучшими шедеврами абстрактного искусства.

Группа ценителей искусства определила коллекцию из двадцати наиболее известных абстрактных картин, которые оказали художественное влияние и по праву пользуются признанием.

В список входят работы великих знаменитых художников, которые сейчас хранятся в лучших музеях мира. Конечно, оценка субъективна, возможно, кто-то не согласится с топ-20. В любом случае, список двадцати лучших шедевров – это признание огромного вклада художников, создавших их запоминающимися. У вас есть возможность более подробно ознакомиться с этим списком и узнать много интересного и полезного для себя.

Абстрактные картины — это нефигуративное искусство. Здесь не изображают правильные формы, а также цвета. В подобном жанре важную роль играет цвет и форма пятен краски.

Известными представителями абстракционизма являются Василий Кандинский и Казимир Малевич, а также Франсис Пикабиа и Пабло Пикассо. Также в список следует добавить Барнетта Ньюмана.

Подобный жанр живописи весьма противоречив, однако он стремительно развивается в современном мире. Абстрактные картины могут выполнять различные задачи. При отсутствии стилистических рамок, подобная живопись легко впишется в любой интерьер, на любой стене.

Творения абстракционистов можно повесить в любом месте. Важно, чтобы цвета на картине гармонировали с интерьером. Этого будет достаточно для того, чтобы абстрактная картина безупречно смотрелась в вашем доме.

В жанре оптического искусства становится возможным создавать иллюзии, манипулируя узорами и формами, а также цветом. Удаётся создавать ощущение глубины и движения. Уникальные и мастерски выполненные картины станут достойным выбором для вашего дома. Вы сможете умело украсить стены, чтобы создать в них уют и комфорт.

4шт современная абстрактная картина холст бескаркасная настенная живопись цветы спальня гостиная домашний декор

Недостаточно акций для покупки!

словосочетание

АКЦИЯ

Купить сейчас

Предметы

общее

Товар успешно добавлен в корзину

Продолжить покупки

Просмотреть корзину и заказ

Абстрактная и фигуративная живопись. Персональный сайт петербургского художника Владимира Груздева

«Реальность открыта для бесчисленных интерпретаций»

( Ф. Ницше )

При классификации произведений современной живописи принято использовать традиционные названия стилей и направлений: реализм, сюрреализм, абстракционизм, экспрессионизм и так далее. Особенно характерно подобное деление для больших баз данных, размещаемых в Интернете. Не касаясь качества живописи, отметим, что упомянутая классификация в значительной мере является упрощением, формирующим стереотипы, которые отнюдь не способствуют непосредственному восприятию живописи. У англичан есть поговорка: «Give a dog a bad name and hang him» («Дай собаке дурное имя и повесь ее»). Нечто подобное происходит и с классификацией современной живописи.

Строго говоря, названия стилей и направлений в искусстве относятся к определенному временному периоду и к ограниченному кругу художников в контексте исторических событий, выставок, деклараций и манифестов. В дальнейшем художественное направление уже не существует в чистом виде, а становится часть живописного языка. Возможно, что, когда С. Дали говорил: «Сюрреализм – это я», он провидчески дистанцировался от удручающе беспомощных картинок в рубрике «сюрреализм» на бесчисленных сайтах современной живописи. Порой классификация принимает курьезные формы. Я видел в США альбом хрестоматийной советской живописи эпохи расцвета социалистического реализма (Лактионов, Чуйков) из собрания Fine Art Museum, St. Petersburg, Florida, который назывался «Советский импрессионизм». (Эти картины, принадлежавшие Русскому Музею, непонятным образом оказались в американской коллекции в приснопамятные годы правления А. Собчака, на волне перестроечной эйфории.)

Можно говорить об импрессионистском взгляде на мир, об экспрессионистской манере письма, о декоративности и орнаментальности, присущими модерну, но для того чтобы называться, к примеру, абстрактным экспрессионистом не достаточно поливать холст красками, как блин вареньем со сметаной.

В отличие от большинства течений и направлений, появившихся в живописи в XX веке, абстракционизм не имеет определенных временных рамок. Изначально к абстрактному искусству относили такие различные и внешне ничем не связанные художественные явления как живопись В. Кандинского, опиравшаяся на его теоретические разработки о соответствии звука, цвета и формы, геометрические построения П. Мондриана, абстрактный экспрессионизм Д. Поллока и многое, многое другое. Абстракционизм стал обобщающим термином для искусства, противостоящего предметной или фигуративной живописи. При этом сама фигуративная живопись в XX веке преодолела границы реалистического искусства.

Отметим, что в английском языке слово «figurative» означает «метафорический», «фигуральный», а также «изобразительный», «пластический», «живописный». Попробуем найти грань, разделяющую абстрактную и фигуративную живопись не на уровне языка, а с точки зрения психологии стиля.

Появлением термина «абстракция» по отношению к искусству мы обязаны немецкому искусствоведу Вильгельму Воррингеру, написавшему в 1906 году диссертацию «Абстракция и эмпатия». Термин появился раньше самого явления в живописи. Под абстракцией понималось нереалистическое, неприродное искусство, противостоящее натуралистической школе. Для сравнения, В. Кандинский в 1911 году в работе «О духовном в искусстве» писал: «Живопись нынче еще почти исключительно ограничена натуральными формами, взятыми напрокат из натуры. И нынешняя ее задача – испытать, взвесит свои силы и средства, познать их, как музыка поступала с незапамятных времен, и попробовать, наконец, эти свои средства и силы чисто живописным образом применять в целях творения». Идея абстрактного искусства витала в воздухе в начале XX века, выявляя растущий интерес к бессознательному в человеческой психике.

Воррингер противопоставляет абстракции эмпатию. В настоящее время это понятие находится в центре внимания психотерапевтов и социальных психологов. Под эмпатией понимается способность эмоционально сопереживать другим людям, воспринимать их горести и радости как свои собственные, быть вовлеченным в происходящее. Напротив, в абстракции выделяется элемент отстраненности, холодности, рассудочности — говорят: «абстрагироваться от чего-либо». Этот смысл зачастую переносится и на абстрактную живопись, что далеко не всегда соответствует истине. Геометрическую абстракцию еще можно упрекнуть в холодности и рассудочности. Композиции же Кандинского весьма эмоциональны, геометрические формы в них выступают не как упрощенные схемы объектов, а как формы, усиливающие воздействие цвета.

Еще один подход к данной проблеме можно найти у К. Г. Юнга. Он соотносил эмпатию с экстравертной установкой (сосредоточенность на внешних объектах), а абстракцию с интровертной установкой (сосредоточенность на внутреннем мире). Отсюда следует тесная связь абстрактной живописи с подсознанием. В XX веке психология и живопись одновременно стали осваивать сферу бессознательного. В психологии появились визуальные тесты (Роршаха, Люшера), использующие цветовые и зрительные ассоциации, связанные с абстрактным пятном. В свою очередь художники абстракционисты с их «дегенеративным искусством» стали прочно ассоциироваться в сознании обывателей с психическими отклонениями.

Здесь выявляется одна из важнейших особенностей абстрактного искусства: оно служит своего рода зеркалом внутреннего мира смотрящего. Восприятие абстрактной живописи определяется богатством ассоциативного зрительного ряда, прежде всего, опытом «смотрения» на произведения искусства. Чем больше опыт восприятия живописи вообще, тем больше удовольствия от созерцания хорошей абстрактной картины. В противном случае преобладают чисто физиологические ассоциации, выявляющие скрытые в подсознании комплексы и страхи. Сказанное относится к настоящим произведениям искусства, которые нужно отличать от стилизаций и поделок, в которых реализуются неадекватные амбиции плохих художников. Для этого тоже требуются опыт и интуиция.

Термин «абстракция» используется не только в значении «отстраненности от чего-либо», в противопоставлении эмпатии. «Абстрактный» может означать «не конкретный», «без деталей и частностей». В этом смысле абстрактная живопись характеризуется отсутствием однозначно узнаваемого образа. Как правило, зритель все равно находит образ в абстрактном пятне в соответствии со своими индивидуальными установками. Выделение образа из фона относится к функции сознания, вытесненное в подсознание воспринимается как фон. Образ и фон могут меняться местами, та или иная часть фона может присоединяться к образу, образуя новый вариант образа.

Абстрактная живопись создает ситуацию неопределенности, когда одной и той же поверхностной структуре можно привести в соответствие несколько смысловых прочтений. Неопределенность – это изысканно точный прием активного вовлечения бессознательного в восприятие. Этот прием используется в предсказаниях, в гипнозе, в искусстве. Каждый зритель может «домыслить под себя» произведение искусства. Так же и пациент, находящийся под гипнозом, расшифровывает указания хорошего психотерапевта, сообразно своим внутренним потребностям. Плохой психотерапевт, не понимающий важности неопределенности, старается просто навязать пациенту свою волю, что мало эффективно и не безупречно с точки зрения этики. Художники зачастую поступают как плохие эстрадные психотерапевты.

Можно выделить два принципиально разных подхода к обучению живописи или к созданию картины. Традиционный академический подход подразумевает обучение точному рисунку (мастерство руки) с последующим переходом к живописному произведению через эскизную проработку деталей. Другой метод предполагает непосредственную, часто спонтанную работу со всем пространством картины без предварительного рисунка на холсте. Здесь моторика движения кисти определяется размерами полотна, пустоты несут едва ли не тот же смысл, что и изображение, а фактура мазка, случайные подтеки и брызги краски органично входят в композицию. При этом само изображение чаще всего выделяется глазами из хаоса линий или из цветового пятна (обучение видению). В психологии подобный метод носит название «автоматического рисунка».

Первый подход безраздельно господствует в традиционной реалистической живописи, ищущей вдохновение в натуре. С некоторыми оговорками рамки реализма ограничиваются применением академического метода.

Второй подход в европейской традиции наиболее точно соответствует экспрессивному методу письма, который в большей или меньшей степени присутствует в различных направлениях авангардной живописи XX века. В чистом виде спонтанная работа, близкая к «автоматическому рисунку», используется в ряде восточных школ каллиграфии и живописи, исповедующих философию дзэн буддизма.

Я использую экспрессивный метод для создания цветового пятна в качестве подмалевка, задав предварительно палитру – определенную цветовую тональность. Далее можно либо выделять из хаоса образы с сюжетом, добавляя детали и удаляя лишнее, либо, избегая образов, работать с цветовым пятном, добиваясь интуитивной гармонии.

В первом варианте получившуюся картину можно расценивать как фигуративную, во втором – как абстрактную. Наличие или отсутствие однозначно узнаваемого изображения служит формальным признаком, разделяющим живопись на абстрактную и фигуративную. Отметим, что речь сейчас не идет о следовании натуре. И абстрактная, и фигуративная живопись, в данном случае, черпают вдохновение во внутреннем мире.

Разрушать возникающие образы, избегая определенности, бывает труднее, чем выделить конкретное изображение. Этот процесс, подобно медитации, требует отключения сознания, «остановки внутреннего диалога». В процессе алхимических манипуляций с красками формируется некий энергетический и эмоциональный настрой картины, который и является конечным продуктом творчества, передаваемым зрителям. Здесь крайне важно избегать негативных посылов, которые свидетельствуют о незрелости личности художника.

Создание картины подобным образом предполагает решение нескольких формальных задач, противоречащих друг другу. Цельное декоративное цветовое пятно рассыпается при формировании сюжетного изображения. Эффект глубины изображения тоже разрушает красочность плоского цветового пятна. На мой взгляд, ощущение глубины изображения, «метафизические провалы» и «дырки» в поверхности холста являются одним из самых сложных элементов, который более всего раздражает банальное обывательское восприятие. Картина может вырываться из рамы, может затягивать зрителя в себя, может создавать ощущение движения. При всем при том определяющим остается состояние, которое несет живописное полотно, – от первого интуитивного ощущения до устойчивого чувства, возникающего со временем.

Процесс создания картины можно сравнить с оптимизацией многоцелевой функции, которая предполагает бесчисленное множество решений. Изменение критериев оптимизации приводит к новым решениям.

Это хорошо знали древние, говоря: «Искусство вечно».

Сейчас часто говорят о смерти искусства. При этом происходит некая подмена понятий. Под актуальным искусством предлагается понимать настойчиво навязываемые публике кураторские проекты (в советские времена тоже были «кураторы от искусства» из спецслужб), концептуальные инсталляции, компьютерные игры, фильмы и журналы, использующие 3-d технологии (помните зеленые очки для посетителей Изумрудного города), глянец и гламур. Все это относится к сфере рекламы и к политтехнологиям. Суррогатные зрелища для зомбированных обывателей. На этот счет тоже есть подходящая английская поговорка: «Let the dead bury their dead» – «Пусть мертвые хоронят своих мертвецов».

Интересно отметить, что актуальное искусство не растворилось в беспредметности, а безнадежно завязло в конкретности, все более точно воспроизводящей виртуальную реальность. Сферой патологий оказалось не индивидуальное бессознательное, а унифицированное массовое сознание, тщательно промываемое рекламой, гламурной эстетикой и «актуальными проектами» штатных культурологов.

Любой язык, теряющий элемент неопределенности, становится командой. Общество, потерявшее искусство, становится сообществом насекомых.

Июль 2010.

18 современных художников-абстракционистов рассказывают о своем блоге

Домой

5 октября 2018 г.

Учить искусству опасно и невозможно. Но это тоже обязательно. Чтобы искусство существовало, художники должны научиться становиться тем, чем они собираются стать, и как создавать то, что они собираются создавать. Некоторые будут учиться в школе у других несовершенных людей, подобных им самим, которые по какой-то причине взяли на себя опасную, невозможную, императивную задачу — поделиться с другими тем, что они узнали.Другие художники найдут учителей вне класса. Они могут узнать, что значит быть артистом, общаясь с другими артистами на открытиях или в барах. Они могут узнать, что значит заниматься искусством, просматривая видео в Интернете или разбирая искусство, которое они видят в музеях или в книгах. Некоторые художники могут научиться тому, что они есть, следуя вдохновению, которое они получают от архитектуры и дизайна, просто реагируя на мысли и чувства, которые они испытывают, взаимодействуя с повседневной застроенной средой, ее бесчисленными продуктами и пространствами.Третьи могут научиться быть художниками, просто приняв — а затем взращивая — свое внутреннее принуждение к творчеству. Процесс изготовления может научить нас делать. Процесс бытия может научить нас тем, кем мы хотим быть. В конце концов, каждый, кто пройдет через процесс обучения до того момента, когда он сможет сказать фразу «Я художник», не чувствуя, что это ложь, получит историю, которую он может рассказать о своих учителях. Сегодня мы представляем вам коллекцию таких историй от художников, достаточно храбрых, чтобы поделиться своими линиями обучения .Они храбры, потому что заявить о своем эстетическом или концептуальном наследии подвергает их ужасной угрозе. Вы, читатель, можете понять, что один художник был учеником другого художника или был вдохновлен тем или иным предметом, и принять это за ярлык. Вы можете сказать: «Ага! Теперь я вижу, кого они копируют »или:« Теперь я понимаю их искусство! » Вместо этого, читая эти анекдоты о том, как эти 18 художников стали тем, чем они являются, позвольте информации расширить ваше восприятие. Следуйте каждой нити и копайте глубже.Вы можете увидеть опасную, невозможную, непреодолимую красоту того, что на самом деле означает преподавать и изучать искусство.

Аня Спилман

Спилман училась у Уэйна Тиболда в Калифорнийском университете в Дэвисе. О других своих учителях она говорит:

«Большое влияние на меня оказал триптих Иеронима Босха« Сад земных наслаждений »в Прадо, когда я был подростком. Я был поражен иконографией, а также сочным цветом и замысловатыми композициями его работ.Я сразу же отреагировал на двойственность в работе Боша: его яркая и яркая палитра: оттенки чернильного черного, умбры, бледно-розового, кости, киноварь и азурит; изгибы его полупрозрачных капсул удовольствия в Эдеме в сочетании с пронзительным психологическим и физическим спуском в ад галлюцинаций. Гений-дальновидный Босх передал человеческую природу во всех ее формах с прямой интимностью и силой, которые я нахожу невероятно редкими даже сегодня ».

Аня Спилман — Ультрафиолет, 2015.Масло на панели. 15,3 x 15,3 см

Дина Сирлин

Сирлин училась у Луи Финкельштейна, будучи аспирантом Куинс-колледжа Городского университета Нью-Йорка. В той же школе она училась у Бенни Эндрюса, который учился на абстрактного экспрессиониста в Школе художественного института Чикаго в 1950-х годах; Клинтон Хилл, ассистент Марка Ротко в студии; искусствовед и заместитель редактора Artforum Роберт Пинкус-Виттен, который, по ее словам, «помог мне критически взглянуть»; и Чарльз Каджори, ученик Ханса Хоффмана.Сирлин говорит:

«[Происхождение] действительно сложный вопрос. Связи с художниками тоже идут в сторону. Когда я был молодым художником в Yaddo, для меня была важна Энн Труитт. Тем летом там была и Мелисса Мейер [1983]. Эрин Лоулор была моей однокурсницей в Центре Ротко в Латвии. Хосе Хиркинс был в Центре Ротко одновременно с нами [2016]. Кара Уокер была студенткой, когда я преподавал в Художественном колледже в Атланте, и мы с Кара выступали на той же биеннале в Атланте в 1992 году. Затем есть другие художники — писатели и драматурги.Хайден Эррера [биограф Фриды Кало и Аршил Горки] был моим наставником как писатель-искусствовед. Крис Краус [Я люблю Дика] и я вместе были в Яддо … Я был близким другом драматурга Рональда Тавела [Театр смешных]. Он был сценаристом Уорхола … Надеюсь, я не запутал вас в этом дополнительном ответе ».

Деанна Сирлин — Чудо, 2015. Холст, смешанная техника. 127 x 106,7 см

Бренда Заппителл

«Когда я только начала рисовать, на меня больше всего повлиял Пикассо.Меня привлекло его использование цвета и нанесения знаков, в частности, в «Девушка перед зеркалом» (1932). Позже, когда я начал писать больше в стиле абстрактного экспрессионизма, меня больше привлекали Джоан Митчелл и Виллем Де Кунинг. Однако я действительно начал смотреть на их работы после того, как начал рисовать таким образом, а не раньше.

Бренда Заппителл — На данный момент, 2017. Акриловая краска с холодным воском на панели. 127 x 127 см

Даниэль Гёттин

В интервью 2006 года для Minus Space NY художник Крис Эшли спросил Гёттина, где он начал свою карьеру.Геттин ответил:

«История искусства иногда претендует на то, чтобы определенное направление в искусстве было целостным. Использование термина «бетон» не обязательно совпадает с идеологическим фоном Konkrete Kunst, которое также основывалось на идеях об обществе и политике. Меня беспокоит сущность, которая также может включать в себя противоречия — да и нет, и даже может быть. Моя отправная точка — это синтез разных взглядов или позиций одновременно, что для меня является пространственным взглядом. Он может быть очевидным или тонким, симметричным или асимметричным, или тем и другим вместе, с противоречием или без него. Это может быть правило и отклонение вместе. Некоторые из моих ранних работ были коллажами, связанными с работами Курта Швиттерса (Мерц), любой найденный материал, грубо приклеенный на кусок картона — физический, прямой, импровизированный, случайный, красочный, даже дадаистский. Позже я заинтересовался минимальным искусством, где произведения искусства часто точно спланированы, идеально и четко построены с определенным использованием материалов и вниманием к деталям. Оба движения важны для меня, и иногда я вижу, что мои работы содержат части обоих, соответствующие между этими двумя историческими позициями в искусстве.”

Даниэль Гёттин — Без названия 2 (Розовый), 1992. Паватекс, акрил. 97 x 58,5 x 3 см

Гэри Паллер

«Довольно сложно понять влияние человека, по крайней мере, для меня, поскольку я работаю в основном на интуиции, а не на сознании. Я действительно думаю, что мои годы становления в качестве студента искусств в Калифорнийском университете в Лос-Анджелесе (бакалавриат 74, MFA 77) сформировали большую часть меня. В то время Калифорнийский университет в Лос-Анджелесе был школой художников с европейскими / модернистскими уклонами. На мой первый урок рисования меня записали на вводный урок рисования с Ричардом Дибенкорном (я понятия не имел, кто он такой), но у него и руководства факультета были некоторые проблемы, и его должность была уволена до начала занятий. начал.Так что я учился у Ричарда Джозефа, нового реалиста, который дал мне прочный фундамент. Лишь шесть месяцев спустя, работая в более продвинутом классе живописи с Чарльзом Гарабедяном, я начал экспериментировать с абстракцией. На протяжении многих лет профессором, который, вероятно, оказал на меня наибольшее влияние, был Уильям Брайс. Билл был очень красноречивым, достойным, щедрым, вдумчивым, веселым учителем и другом. Как трудолюбивый и плодовитый художник, он часто говорил о необходимости проводить время в студии, обдумывая вещи, а все остальное менее важно.Я часто думаю о нем, и мне так повезло, что я знаю его долгое время. Мне потребовалось несколько лет, чтобы отделить себя от идеи быть студентом и слышать звуки моих старых профессоров в своей голове всякий раз, когда я рисовал, но со временем я пришел к четкому пониманию того, кто я есть, и ответственности. Я должен делать работу, которая соответствует моему видению. Я часто вижу аспекты других художников в своих работах, иногда чувствую, что действительно существует связь через одни и те же идеи, а иногда мне просто кажется, что любое сходство является поверхностным.В конце концов, позвольте писателям-искусствоведам рассказать о влиянии ».

Гэри Паллер — 9 (2015), 2015. Бумага, тушь. 37,8 x 29 см

Трейси Адамс

«Майкл Мазур (1935–2009) был моим учителем гравюры 25 лет назад. Мы впервые встретились, когда я был в Центре изящных искусств в Провинстауне, где Майкл проводил недельный семинар по гравюрам. В нашей первоначальной связи выделяется так много вещей: Майкл был невероятно чутким и социально сознательным человеком не только в выбранной тематике (рисунки и отпечатки страдающих пациентов в психиатрической больнице и животных за решеткой в зоопарке), но и в наши беседы один на один о жизни.Он научил меня быть щедрым через пример, чтобы уравновесить эгоцентризм студии. В его технике или стремлении к художественной карьере не было ничего такого, чем бы Майкл не поделился. Майкл проводил время в Китае в конце 80-х, и именно благодаря его любви к азиатскому пейзажу я научился упрощать свои жесты, рисовать с экономией выражения, что мне очень близко к сердцу. Я никогда не забуду его чувство юмора, когда он сказал мне: «Трейси, это ungepatchke!», Что на идиш означает «слишком занят и украшен».”

Tracey Adams — Balancing Act 2, 2016. Гуашь, графит, чернила на заклепках. 66 x 50,8 см

Kyong Lee

Ли цитирует свое первое вдохновение как акварель Поля Сезанна, которую она увидела в 11 лет, которая оставила «незабываемое впечатление». Далее она говорит:

«Мой профессор Клаус Штюмпель был настолько близок к природе, что его почти прозвали« фермером ». Он порекомендовал мне изучить Франтишека Купку. Я изучал его процесс абстрагирования, его космическую и мистическую перспективу.Прежде всего, я узнал больше, чем что-либо о его любви к жизни и его воле держать свои мысли. Когда я вернулся в Корею, я снова подумал о Кандинском. Я считаю, что его стремление найти объективную, универсальную истину в искусстве — невыполнимая задача. Я считаю, что искусство — это скорее субъективное и личное, чем что-либо другое. Когда я ищу свою самую глубокую внутреннюю сторону, я могу общаться с внутренней стороной других. Я думаю, что искусство может быть средой, соединяющей микрокосм (человека) и макрокосм (мир). Особенно предметом моего исследования является цвет.Я ищу цвет как прилагательное. Мне нравится отношение Рихтера к работе, его страсть к живописи и дух экспериментов. Может быть, на Кавара? Мне нравятся его работы, которые он хотел доказать живым, и я хочу доказать себе, работая каждый день, что я все еще жив, эмоционально и разумно. Мои мысли о Василии Кандинском и многих других минималистах сильно отличаются от общей точки зрения. Я не согласен с их художественной точкой зрения ».

Кьонг Ли — Картина с белым, 2008.Акрил, холст, 150 x 200 см

Джоанн Фриман

Фриман ссылается на художников (Эллсуорт Келли, Карла Аккарди, Анри Маттис, Пол Фили, Моррис Луи, Барнетт Ньюман и Энди Уорхол), дизайнеров (Сол Басс и Рой). Кульман) и архитекторов (Ле Корбюзье). Но она также говорит о личных способах, которыми культура повлияла на ее искусство, как в следующем анекдоте:

«Бизнес моего отца — вывески. Как и большинство городских детей в Америке, я вырос на заднем сиденье машины, очень хорошо разбираясь в рекламных щитах и неоне.Привлечение внимания к прямым визуальным стимулам было частью моей психики. Совсем недавно я был в Музее современного искусства в Нью-Йорке и снова был поражен картиной Барнетта Ньюмана «Vir Heroicus Sublimis» (Человек, героический и возвышенный) (1950-51). Моя интуитивная реакция на его силу, непосредственность и простоту была ошеломляющей, подтверждая мое собственное визуальное прошлое и индивидуальность ».

Джоан Фриман — Обложки 13-фиолетовый, 2014. Гуашь на бумаге кади ручной работы. 33,1 x 33,1 см

Брент Халлард

«Для меня это был Мондриан.Художники-абстракционисты того времени работали с абстракцией более концептуально, то есть им нравилась ее идея, в то время как Мондриан работал в обратном направлении через механику и вышел на другой конец, заново изобретая плоскость изображения. С тех пор не многие так поступали. Затем я подумал, что должно быть больше способов попасть в это странное пространство, с которым Мондриан так ясно справился. [Эллсуорт] Келли и [Роберт] Мангольд показали другие способы выражения этого «другого» пространства. Опыт этих художников дал мне возможность по-настоящему ценить усилия моих сверстников и стремиться преодолеть следующую границу.”

Брент Халлард — Облака, 2013. Бумага, акрил. 25,4 x 35,6 см

Одри Стоун

«Я любил и часто думал о работах Вии Целминс. Ее внимательная наблюдательность и спокойное исполнение меня очень вдохновляют. Луиза Буржуа всегда вдохновляла меня своей решимостью выражать себя наилучшим образом для своих идей. Более очевидным источником вдохновения была бы Агнес Мартин, я люблю ее уверенную сдержанность, и Марка Ротко за эмоциональный удар, который может дать его работа.”

Одри Стоун — Nb. 61, 2011. Бумага, нить, тушь, графит. 43,2 x 35,6 см

Pierre Auville

Auville упоминает немецкие блок-хаусы времен Второй мировой войны, расположенные вдоль французского побережья Атлантического океана. Он говорит: «Большинство людей считают их ужасными страхами. На мой взгляд, их сущность была частью пейзажа, время слило их с песком, дюнами и морем или с картинами, которые наложили на них уличные художники ». Кроме того, на Овиля с юности повлиял этот опыт:

«В возрасте шести или семи лет я имел честь посетить пещеру Ласко на юго-западе Франции.Для меня это был шок. Мои родители купили несколько факсимиле в качестве сувениров, и я часами разглядывал их в подвале нашего дома, гадая, в чем разница между фотографиями и настоящими произведениями искусства. Разница была очевидна, но я изо всех сил пытался понять ее суть. Я включал и выключал свет, наклеивал на картины песок, пытаясь воспроизвести суть картин Ласко, но так и не достиг того, что я считал их душой.

Pierre Auville -4 Carrés, 2014.Пигментированный цемент на пенопластах. Структурно-подвесной каркас на спине. 120 x 120 x 6 см

Люук де Хаан

Де Хаан упоминает влияние самых разных художников (Пит Мондриан, Казимир Малевич, Эль Лисицкий, Энди Уорхол, Элсворт Келли) до дизайнеров альбомов (Hipgnosis, Питер Сэвилл) и музыкантов (Стив Райх, Терри Райли, Мортон Фельдман, Брайан Ино). Он говорит:

«В годы до моего полового созревания визуальный язык Пита Мондриана привлекал большое внимание в Нидерландах.Я был слишком молод, чтобы думать об искусстве, но Мондриан был там, и это было интригующе. И все еще есть! Чуть позже я познакомился с супрематистами, которые, как и я, взяли за отправную точку геометрические формы. Поскольку мои сестры примерно на пять лет старше меня, я обнаружил (через их парней) в раннем подростковом возрасте «прогрессивную» музыку и соответствующий дизайн обложек. Неудивительно, что я хотел стать дизайнером обложек. Если бы мне пришлось выбрать одного художника, который изменил бы мой взгляд на вещи, это был бы Эллсворт Келли.В середине 80-х годов музей Стеделийк в Амстердаме приобрел «Голубую кривую VI» (1982). Я регулярно ходил на нее смотреть и изучал визуальный язык. Но теперь, что, может быть, более важно, я руководствуюсь своей собственной реакцией на искусство … Я начал думать об искусстве … о цели, значении, о боже ».

Луук Де Хаан — Diaphanous Dance 9, 2013. Ультрахромные чернила HD на бумаге Hannemuhle. 29,7 x 21 см

Бренда Биондо

«Учение Йозефа Альберса влияет на то, как я думаю о размещении цветов в различных контекстах.Небесные пространства Джеймса Террелла повлияли на то, как я думаю об использовании атмосферного цвета в разных контекстах. В целом, на общую эстетику моих серий Paper Skies и Moving Pictures сильно повлияли современные американские художники, такие как Джорджия О’Киф, Марк Ротко, Барнетт Ньюман, Эллсворт Келли, Фрэнк Стелла и т. Д. »

Бренда Биондо — Бумажное небо нет. 21 (Large), 2015. Сублимационная печать на алюминии (матовое / глянцевое покрытие). 83,8 x 96,5 см

Pierre Muckensturm

«Более 20 лет назад я обнаружил часовню Роншана, позднюю работу архитектора Шарля Эдуарда Жаннере, известного как Ле Корбюзье.Ни до, ни после я не чувствовал такого восприятия правильности возможностей между массивностью и возвышенностью. Затем для меня начался этот долгий поиск, который до сих пор питает меня, стремясь приблизиться к наиболее подходящим отношениям между полным и пустым ».

Pierre Muckensturm — 17.1, 2017. Карборунд и сухая игла на меди. Печать на бумаге bfk rives 250 G. 56 x 56 см

Джессика Сноу

«Я хотел бы рассказать о художнике, который вдохновлял меня на протяжении десятилетий больше, чем любой другой художник: Матиссе, художнике, которому можно учиться всю жизнь. .Его работы пошли по многим направлениям из-за его экспериментов и поиска новых возможностей в живописи. Они прекрасны, поднимают настроение, сложны, временами прекрасны и безмятежны, временами трудны и трудны — отражают то, какова жизнь ».

Джессика Сноу — Fling 1, 2015. Бумага, акварель. 31,8 x 31,8 см

Сьюзан Кантрик

Вместо того, чтобы перечислять ее влияния, Кантрик цитирует художников, чьи работы интересуют ее больше всего, независимо от того, есть ли прямая связь с ее собственными работами.Ее краткий список современности и современности:

«Ширли Джаффе, Томас Носковски, Эми Силлман, Шарлин фон Хейл, Ричард Дибенкорн, Хуан Усле и Пер Киркеби. Это эклектичный и не исчерпывающий список, но их объединяет ясность, сложность и жизнеспособность, которые являются моими собственными заботами, выраженные через сильный цвет и структуру, различные формы и мелкое пространство для рисования. Что касается до-модерна, то Вермеер, Дега и Мане находятся на вершине моего списка, опять же, для этого трио атрибутов: ясность, сложность, живучесть.Вдобавок: натянутость твердого изображения Вермеера передает невероятно ощутимую неподвижность — остановку времени. Особый способ Дега акцентировать свое пространство «безмолвными», неодушевленными областями и / или сильным вертикальным элементом способствует продолжительному ритмичному просмотру. И в Мане есть непосредственность и свежесть, которые, помимо всего остального мастерства, в лучшем случае захватывают ».

Susan Cantrick -sbc 141, 2012. Акрил, лен. 100 x 100 см

Anne Russinof

«В моем случае на меня повлиял не один художник как таковой, а скорее художественное сообщество, в котором я вырос в Чикаго.В моем районе, который называется Линкольн-парк или Старый город, были художники, и когда я проявил интерес к рисованию в подростковом возрасте, меня посоветовали пойти в школу, связанную с прекрасным Чикагским институтом искусств, для рисования фигур. . Там мне пришлось пройти прямо через музей с его знаменитой коллекцией импрессионистов, чтобы попасть в школу. Думаю, это в основном сформировало мой интерес к линиям, жестам и цветам ».

Anne Russinof — Look See, 2014.Масло на холсте. 76 x 76 см

Macyn Bolt

«Моя художественная родословная основана на художниках, которые сочетают« редуктивный »подход к созданию изображений / объектов с вниманием к поверхности и тонким деталям. На ум приходят Брайс Марден, Ими Кнебель, Дэвид Новрос и Сол Левитт. Кроме того, скульптурные работы Ричарда Серры, Карла Андре и Фреда Сэндбэка с их особым использованием трехмерного пространства продолжают вдохновлять мой подход к живописи ».

Macyn Bolt — Shadow Boxer (Б.2), 2015. Холст, акрил. 122 x 96,9 см

Изображение: Аня Спилман — Созвездие скорби, 2009. Бумага, масло. 73,7 x 104,2 см
Автор Phillip Barcio

Продажа абстрактных картин: Купить абстрактные картины онлайн

История абстрактной живописи

Абстрактное искусство — это движение, появившееся в конце 19 века в период больших научных и интеллектуальных изменений. Фигуративная живопись устарела, поскольку художники стремились к более свободному способу художественного выражения. Абстрактная картина состоит из взятия элемента из реального мира и его представления в картине , но в упрощенном или реорганизованном виде, чтобы выделить сообщение, эмоцию или собственную версию реальности художника. Абстрактная живопись берет свое начало в импрессионизме и кубизме , движениях, которые уже привели к значительному отходу от узнаваемых форм. абстрактных картин Кандинского, Малевича и Делоне были первыми, кто исследовал «чистую абстракцию».В абстрактной живописи часто встречаются насыщенные цвета, линейные и геометрические формы. Абстрактная живопись — это также термин, который можно использовать, говоря о монохромных картинах: картинах, полностью покрытых одним цветом. Художник Ив Кляйн исследовал хроматическое богатство синего цвета в своих больших абстрактных картинах , в то время как картин итальянского художника Люцио Фонтана сосредоточились на цвете , желтом или красном . Знаменитый французский художник Пьер Сулаж работал почти исключительно с черным .

Купите абстрактную картину на Singulart

Абстрактное искусство повлияло на многие художественные направления , такие как орфизм, абстрактный экспрессионизм, минимальное искусство и концептуальное искусство. Даже сегодня картин в абстрактном стиле остаются очень популярными среди художников. Singulart объединяет несколько художников, которые демонстрируют посредством своих абстрактных картин великое чувство художественной свободы. Singulart — одно из лучших мест, где можно купить современную и современную картину : художница Даниэла Швайнсберг, например, создает поэтические и красочные абстрактные картины, а Ники Харе представляет абстрактных работ , которые одновременно выразительны и жесты и обычно выполнены в черно-белый . красочных абстрактных картин Евы Хаутон приглашают нас задуматься о женственности. Наши абстрактных картин всегда уникальны и сделаны вручную. Приходите и откройте для себя разнообразие современного абстрактного искусства на сайте Singulart !

Современное абстрактное искусство The Perfect Wall Art

Александра Осадкова

09 октября ’19

Модернистское абстрактное искусство — ваш предпочтительный дизайн

Значение современного абстрактного искусства

Вы понимаете, что мы имеем в виду, когда говорим о современном искусстве? Многие мужчины и женщины верят в это.Они могут сказать «абстрактное искусство» или произведение искусства, которое «раскрывает чувства, а не вещи». Что ж, если не считать предыдущего замечания, все эти описания могут быть достоверными. Но строго говоря, мы не определяем современные произведения искусства по стилю или технике. Итак, как мы можем определить современное искусство?

Эта эпоха отличается тем, что большинство художников работали свежо и увлекательно, бросая вызов традиционным представлениям о том, что такое искусство. Это факт, что некоторые из этих свежих революционных художников исследовали возможности использования произведений искусства не только для создания изображений вещей, пейзажей и людей, но и как средства выражения эмоций, атмосферы и фантазий.Кроме того, факт, что многие из разработанных ими методов могут поначалу показаться примитивными или даже произвольными. Некоторые из этих художников были озабочены исследованием вариантов самих веществ, не нуждаясь в выражении или обозначении чего-либо. Сейчас абстрактная живопись считается важнейшим стилем движения современного искусства. Этот абстрактный жанр, созданный самыми знаменитыми художниками 20-го века и известный своей смелой эстетикой, отражает критический момент модернизма.

Как катализатор современного искусства абстрактная живопись воплотила «принципы» в традиционных произведениях искусства. В отличие от фигуративных и символических изображений, абстрактные художники подчеркивают цвет, композицию и эмоции. Точно так же, вместо того, чтобы сосредотачиваться исключительно на готовых работах, эти художники придают значение процедуре. Мы исследуем этих важных персонажей, уделяя особое внимание их специфическим стилям, различным точкам зрения и неизменному вкладу в абстрактные произведения искусства.Современное абстрактное искусство обращается к современной душе.

Если вы хотите нарисовать абстрактное искусство и никогда не делали этого раньше, это может помочь определить дизайн, который вы хотели бы создать. Каким бы вы хотели, чтобы ваше современное абстрактное искусство выглядело?

Некоторых людей от природы тянет к оживленным, активным картинам с большим количеством цветов и деталей. Другие мужчины и женщины чувствуют себя подавленными этой модой и вместо этого предпочитают спокойную легкость монохроматической окраски цветового поля.Заманчиво обнаружить, что 1912-25 и 1947-70 годы были золотыми веками абстрактного искусства, а также поверить в то, что нынешнее возрождение абстракции не более чем серебряная эра. Однако этот дар обманчив: их современникам было непонятно, какие Малевич, Мондриан и Поллок были высокими гигантами, какими они кажутся нам в ретроспективе. По правде говоря, сейчас создается огромное количество великих абстрактных произведений искусства, а также лучшее из них, как самое лучшее абстрактное искусство вчерашнего дня.

Наступила золотая эра абстракции.

Музеи и художественные объекты в последнее время демонстрируют удивительное увлечение абстрактным искусством, настоящим и прошлым. Как мы можем понять смысл этого действия в произведении искусства, которое было объявлено мертвым 40 десятилетий назад? Я считаю, что наиболее полезный способ понять абстракцию — это не с точки зрения ее формального развития (которое, тем не менее, не соответствует линейным моделям, любимым теоретиками), а с точки зрения тематического содержания.Формальные атрибуты абстрактной скульптуры или картины важны не сами по себе, а в выразительном послании их работы. Художники действуют, возрождая и изменяя архетипы бессознательного современной культуры.

Следовательно, наиболее полезными вопросами о современной абстрактной скульптуре или живописи являются: Какие темы и типы они восстанавливаются в обычаях современного искусства? Как они меняются? И использовал ли художник их, чтобы выразить политический, социальный и религиозный опыт нашего времени?

Сейчас русский художник Василий Кандинский известен как первопроходец этого абстрактного жанра.Клиника Кандинского была заказана «внутренней необходимостью» — теорией, которая призывала музыкантов стать «слепыми к« признанным »и« непризнанным »типам, глухим к учениям и потребностям своего периода». Кульминацией этой смелой стратегии стали композиции, в которых вместо геометрических фигур, плавающих линий и ярких цветов отказались от фигуративных типов.

Василий Кандинский

De Stijl, также называемый неопластицизмом, сосредоточился на упрощении тона и формы, в частности, на использовании линий и основных цветов.Эта косметическая пара была неотъемлемой частью клиники Мондриана, поскольку он считал, что «то, что выражается через связь. Тень может существовать через разные цвета, измерения через другие измерения, место через другие места, которые им противопоставляются. Вот почему я уважаю связь как главное вещь «

Мондриан

Американский художник Джексон Поллок сыграл значительную роль в росте абстрактного экспрессионизма, послевоенного движения, характеризующегося спонтанным производством, живой композицией и программой рисования жестов.Чтобы создать свои культовые картины-боевики, Поллок тонкой струйкой, наливанием и промоканием промышленных красок на больших холстах, стратегически расположенных на земле. Он варьируется от черных предметов, которые исполняются на отрицательной дистанции, до ярких композиций, наполненных энергией, его картины иллюстрируют его развивающуюся эстетику.

Джексон Поллок

Большинство из нас знает Пабло Пикассо. Может быть, ни один другой современный художник не смог так привлечь внимание публики. Пикассо был главным художником в группе под названием «Кубисты».Еще одним известным кубистом был Жорж Брак. Самая важная идея кубизма заключалась в том, чтобы попытаться «увидеть» вещи со всех возможных углов в одно и то же время и представить это в изображениях. Они использовали прямые линии и смешение двухмерных поверхностей, чтобы создать эту иллюзию. Многие полученные изображения кажутся неэффективными и сбивающими с толку, но также побуждают зрителя рассмотреть эти предметы в новом свете. Кубисты работали в нескольких медиа, включая живопись, скульптуру и коллаж.Они часто включали в свою работу «найденные предметы», такие как коряги, детали велосипеда или старые конверты. Они повлияли на них из зарождающейся области психоанализа (зачатки современной психологии), они считали, что «подсознание» оказывает фантастическое влияние на идеи и поведение людей.

Пабло Пикассо

Не говоря уже о стилях дизайна, большинство людей согласны с тем, что ни одно пространство не обходится без искусства. Хорошие новости? Если вы знаете, где искать, можно найти множество отличных картин, гравюр и многого другого.В то время как когда-то продажи произведений искусства в основном вращались вокруг громких аукционов и продаж галерей «голубых фишек», эпоха Интернета открыла появление множества интернет-магазинов, стремящихся сделать этот постоянно растущий рынок доступным для более широкого круга покупателей.

Об авторе Александра Осадкова родилась в 1984 году в Киеве, Украина. Училась в Национальной академии изобразительного искусства и архитектуры в Киеве. Получил образование в Украине и США. Живет в Лос-Анджелесе. Современное искусство. Современное искусство. Художник выставок, писатель. E: Этот адрес электронной почты защищен от спам-ботов.У вас должен быть включен JavaScript для просмотра.

Ключевая ценность перенаселенного абстрактного искусства в современном обществе | Сяо Фариа да Кунья

Теперь, когда мы разрушили миф о том, что «даже ребенок мог бы это нарисовать», витающий над миром абстрактной живописи, мы можем по-настоящему взглянуть на то, что делает абстрактное произведение великолепным.

Помните: настоящие абстрактные картины сделать нелегко.

Ключевым моментом здесь является то, чтобы воплотить идею в другом облике, но при этом относиться к тому же основному посланию, которое вдохновило картину.

Мое выражение может быть жаргоном. Это может не дать вам представления о том, каким должно быть абстрактное искусство, особенно абстрактный экспрессионизм. Но, к счастью, есть художники гораздо более зрелые, чем я, которые гораздо яснее объяснили суть абстрактной живописи.

Согласно Барнетту Ньюману:

Я надеюсь, что моя картина дает кому-то, как и мне, ощущение его собственной тотальности, его собственной обособленности, своей индивидуальности.

Поэтому рассмотрите процесс создания абстрактной картины, одновременно выражая свои мысли и совершенствуя себя.Рим не строится за один день (да, я знаю, это клише, но все же верно), и самопознание и самоисследование могут быть (и должны быть) процессом на всю жизнь. Напротив, на завершение картины может уйти всего несколько десятков часов или несколько дней.

Если на то, чтобы обрести собственную индивидуальность и целостность, у нас уходит целая жизнь, естественно, задача художника ложится на плечи.

Ключевым моментом здесь является понимание того, что вы, как художник, действительно хотите выразить посредством смешивания цветов, манипуляции с текстурой, добавления медиа … и как вы, как художник, могли бы передать это конкретное сообщение без использовать что-то конкретное, но полагаться только на мазки, тона и смывки.

Вы же не хотите бросать сообщение в лица аудитории. Вы же не хотите наносить жирный мазок на чистый холст и давать ему громкое имя.

Лучше найдите время, чтобы подумать, набросать и проделать свой путь. Хорошая абстрактная картина — это не случайное решение, а несколько слоев тщательной корректировки, которые направлены на достижение одной цели. Хотя эта цель может быть непонятна публике с первого взгляда, аудитория все же должна ощущать самоотверженность и манипуляции со стороны художника.

Ссылка

Роберт Флорчак. «Почему современное искусство такое плохое?». Пейджер У. 2014. Интернет.

Эд, Янг. «Ребенок не может это нарисовать — могут ли люди отличить абстрактное искусство от работы ребенка или шимпанзе?». Журнал Discover . 2011. Интернет.

Поиск пользователей | Houzz

Оригинальная абстрактная акварель «Разрушение» Генри Брауна, 2009 г., галерея RainsOnly 1 Left

Эта оригинальная абстрактная акварель под названием «Разрушение» Генри Брауна была написана в 2009 году.Использование ярких цветов в пестрых синих, пурпурных, желтых и оранжевых тонах в сочетании с движением оживляет картину. «Разрушение», наполненное цветом, представлено в плавающем бескислотном коврике, в черной рамке из массива дерева, стекле для защиты от ультрафиолета и подписано художником. Украсьте свой дом этой уникальной современной акварелью в рамке, которая непременно сделает любую комнату потрясающей! Ознакомьтесь с другими оригинальными абстрактными изображениями и образами жизни, доступными в галерее Rains.Состояние: отличное, для лучшего цветопередачи смотрите крупные планы. Общие характеристики: Оригинальная абстрактная акварель — Разрушение 18,25 дюйма (Ш) x 22,25 дюйма (В) Плавающий бескислотный коврик белого цвета Стекло для защиты от ультрафиолета Твердая древесина дюймовая черная рама Готов повесить О художнике: Генри Пол Браун; Родился в 1950 году в Гринсборо, Северная Каролина, учился в средней школе Пейджа, где получил награду «Золотой ключ». Генри — художник-самоучка, который начал свою карьеру в возрасте 15 лет.Его основные художественные среды — акварель, масло и акрил. Генри заядлый путешественник и собиратель. Он находит красоту в мельчайших деталях природы и выражает это на холсте, картоне или бумаге. В начале своей карьеры он был традиционным акварелистом; пейзажи, морские пейзажи и пустыни, все места оказали влияние на его сюжет. Его путешествия по стране запечатлены в его ранних работах. В последние годы жизненный опыт превратил его живопись в точные замысловатые абстрактные произведения, которые представляют собой взрыв цвета и движения.Его духовное и основанное на вере написание многих его работ дает нам представление об этом художнике. На протяжении многих лет Генри участвовал в нескольких художественных выставках в Северной Каролине. Среди коллекционеров: Charles Kuralt, Cone Family, Murals for High Point, NC и International Furniture Market and Restaurant. Подробнее

Золотой век абстракции: прямо сейчас — ARTnews.com

Заманчиво увидеть 1912–25 и 1947–70 годы как два золотых века абстрактного искусства и почувствовать, что нынешнее возрождение абстракции — не более чем серебряный век.Но настоящее всегда обманчиво: для их современников не было очевидно, что Малевич, Мондриан и Поллок были высокими гигантами, которыми они кажутся нам в ретроспективе. Дело в том, что сегодня создается огромное количество хороших абстрактных произведений искусства, и лучшие из них ничем не уступают лучшим абстрактным искусствам прошлого. Золотой век абстракции — , сейчас .

Музеи и арт-центры в последнее время проявляют заметный интерес к абстрактному искусству прошлого и настоящего.В прошлом году МоМА открыл «Изобретая абстракцию, 1910–1925»; Гуггенхайм предлагал «Искусство другого рода», сравнивая американскую и европейскую абстракцию 1950-х годов; «Destroy the Picture» в Музее современного искусства в Лос-Анджелесе исследует увлечение грязными, потрепанными материалами художников той же эпохи; Музей современного искусства Монреаля проследил впечатляющую историю канадской абстракции с 1939 года; Хантер-Колледж / Галерея Таймс-Сквер представили «Концептуальную абстракцию» — обзор 20 художников-абстракционистов, получивших известность в Нью-Йорке в 1980-х годах (который я курировал вместе с Иоахимом Писсарро); и MUDAM (Musée d’Art Moderne) в Люксембурге собрали 23 современных европейских художника в Les Détours de l’abstraction.Уже в 2013 году Художественный центр Уокера в Миннеаполисе открыл «Painter Painter», опрос молодых художников-абстракционистов из США и Европы, а в следующем месяце Музей современного искусства в Чикаго открывает «MCA DNA Chicago Conceptual Abstraction, 1986–1995 »с работами в различных медиа.

Как нам понять всю эту деятельность в виде искусства, которое было объявлено мертвым 40 лет назад? Я считаю, что наиболее полезный способ понять абстракцию — не с точки зрения ее формальной эволюции (которая, в любом случае, не соответствует линейным моделям, любимым теоретиками), а с точки зрения тематического содержания.Формальные качества абстрактной картины или скульптуры важны не сами по себе, а как часть выразительного послания произведения. Художники работают, возрождая и трансформируя архетипы из бессознательного современной культуры. Поэтому наиболее полезными вопросами о современной абстрактной живописи или скульптуре являются следующие: какие темы и формы она извлекает из традиций современного искусства? Как они изменились? И как художник использовал их, чтобы выразить социальный, политический и духовный опыт нашего времени?

Мы можем разделить абстрактное искусство на шесть основных категорий.Три реагируют на природу: космология, пейзажи и анатомия. И три отвечают культуре: ткани, архитектура и знаки. Эти категории не исключают друг друга. Например, часто случается, что космологические изображения включают анатомические образы или изображения, вдохновленные узорами на тканях, включают нарисованные или письменные знаки.

1. Космологии

Семиконечная звезда Криса Мартина для Исаака Хейса , 2009, касается космологии и технологий.

ПРЕДОСТАВЛЕНО MITCHELL-INNES & NASH, НЬЮ-ЙОРК.

Космологические образы в современном искусстве принимают три основных вида: орбиты, орбиты и созвездия. Сферы и орбиты в творчестве новаторских художников-абстракционистов, таких как Александр Родченко и Любовь Попова, отразили одержимость русского авангарда космическими путешествиями как аллегорию революции: космонавт оставил коррумпированный старый мир, чтобы построить рациональную утопию в космосе. .

Другой вид космологических образов появился в 1920-х годах: карта созвездия или звездного неба, состоящая из массива точек, соединенных линиями.В конце 1940-х годов Поллок использовал фиксированные созвездия и приводил их в движение на таких картинах, как «Отражение Большой Медведицы» (1947). И статическая, и мобильная версии мотива играют важную роль в современной абстракции.

Для парижских сюрреалистов пунктирный мотив звездной карты был значимым как пример того, как понятный смысл (образное изображение Ориона или Большой Медведицы) может возникать из случайных событий (случайное распределение звезд. в ночном небе).Однако для современной аудитории тот же формальный мотив, вероятно, будет восприниматься не как буквальное созвездие, а как более абстрактный образ сети.

«Созвездия» Криса Мартина напоминают эпоху Интернета с ее обещанием полной взаимосвязанности и угрозой непрерывного наблюдения. Фанки, сделанная вручную фактура его картины, со сферами из папье-маше, появляющимися в каждом узле, вновь подтверждает ценность несовершенного человечества над бесшовной сетью технологий. Картины Джули Мехрету также меняют смысл ее источников.В то время как кружащиеся созвездия Поллока представлялись их первоначальной аудитории как образы юнгианского бессознательного, сетки и полосы Мехрету, перемежающиеся движущимися толпами и клубами дыма, выражают динамизм и потрясения мировой экономики.

Среди современных художников Дэвид Роу сочетает орбитальные образы с кристаллическими формами, изменяя их значение с социального и утопического на духовное и трансцендентное. Среди других абстрактных художников, использующих космологические образы, — Олафур Элиассон, Иоле де Фрейтас, Билл Комоски, Альберт Олен, Мэтью Ричи, Питер Шайфф и Кристофер Вул.

2. Пейзажи

Картина Аниша Капура Cloud Gate , 2004, расположенная в парке Миллениум в Чикаго, отражает и искажает окружающий пейзаж.

ПИТЕР Й. ШЛЮС / ПРЕДОСТАВЛЕНИЕ ГОРОДА ЧИКАГО И ГАЛЕРЕЯ ГЛАДСТОН, НЬЮ-ЙОРК И БРЮССЕЛЬ.

Полвека назад, в февральском номере журнала ARTnews за 1961 год, историк искусства-иконоборца Роберт Розенблюм ввел термин «абстрактное возвышенное», чтобы описать то, как картины Клиффорда Стилла, Марка Ротко и Барнетта Ньюмана вызывают в памяти ощущение необъятности и мощи природы, сравнимое с пейзажами таких художников-романтиков, как Я.М. В. Тернер и Каспар Давид Фридрих. Хотя возвышенное может быть не в моде, ссылки на природный ландшафт сохраняются в современной абстракции.

Огромная популярность монументального произведения Аниша Капура Облачные врата может быть связана с галлюцинаторным впечатлением, которое он производит при спуске небес на Землю. В то же время зеркальная кожа скульптуры, напоминающая полированную бронзу Бранкузи, помещает ее в авангардную традицию искусства, которая активно взаимодействует со зрителями и окружающей средой.Посеребренная скульптура Капура в центре Чикаго, кажется, впитывает, концентрирует и передает сущность большого американского мегаполиса.

Конечно, абстрактное искусство не обязательно должно быть монументальным, чтобы вызывать ассоциации с природной средой. Дэвид Рид оттеняет свои жесты с такой точностью, что это напоминает клубящиеся облака над западным пейзажем. Абстрактные картины Герхарда Рихтера светятся тем же влажным мерцающим светом, что и его картины немецкой сельской местности. Его полупрозрачные цвета и модулированная штриховка выглядят как фотографии даже в его нефигуративных композициях.

С другой стороны, Мэри Хейлманн использует непрозрачные цвета и грубую манеру письма, чтобы избежать намеков на иллюзионизм. Тем не менее, барочные повороты и повороты ее сложенных лент на картине, такой как Surfing on Acid (2005), предполагают параллельные линии волн, приближающихся к пляжу, набухающих и разбивающихся по мере приближения к берегу. Используя новую технологию цифровой анимации, Дженнифер Стейнкамп превращает деревья, виноградные лозы и ветви в извивающиеся абстрактные арабески. Пейзажные образы также появляются в абстрактных работах Тары Донован, Стивена Эллиса, Аноки Фаруки, Жаклин Хамфрис, Ширли Канеда, Вольфганга Лайба, Фабиана Маркаччо, Джозефа Мариони, Одили Дональда Одиты, Корнелии Паркер, Джоанны Пусетт-Дарт, Пэт Стейр, Уильям Вуд, Сэнфорд Вурмфельд и Джон Зинссер.

3. Анатомия

В книге Джонатана Ласкера The Quotidian and the Question , 2007, предлагаются анатомические структуры.

ПРЕДИСЛОВИЕ CHEIM & READ, НЬЮ-ЙОРК.

В холстах Джонатана Ласкера тонко написанные декорации и воображаемые пейзажи заняты задумчивыми присутствиями, нанесенными толстыми мазками импасто. Эти «присутствия» обычно принимают форму P-образных конфигураций, предполагающих противостоящие друг другу массивные головы, такие как преследуемые глазные яблоки и усеченные ступни покойного Филипа Гастона.

Однако абстрактная анатомия современных художников редко соответствует образу человеческого тела в целом. Вместо этого их работа имеет тенденцию намекать на отдельные части тела, внутренние органы или «отвратительные» вещества, выделяемые телом. Шедевр скульптора Тима Хокинсона — это огромная инсталляция из плавающих мочевых пузырей, соединенных длинными кишечными трубками, под соответствующим названием Uberorgan . Среди художников Сью Уильямс создала пульсирующие композиции половых органов, а Кэрри Мойер использует биоморфные кривые и краснеющие цвета для интимного возбуждения в композициях, которые изначально выглядят как абстрактные пейзажи.

Оставив узнаваемое тело еще дальше позади, Ингрид Калам изображает вселенную капель, пятен и мазков, их жалкие ассоциации компенсируются яркими, несовместимыми цветами. На первый взгляд кажется, что мотки и цветные лужи Каламе свободно капали на холст в стиле Поллока. Однако кажущаяся плавность ее работы — результат кропотливого процесса отслеживания разметки, найденной на тротуарах, этажах и улицах. Эти рисунки на полупрозрачной бумаге архивируются, а затем располагаются слоями для создания новых композиций.

Мы также можем найти более или менее телесные образы в абстрактных картинах и скульптурах Гады Амер, Росс Блекнер, Чакая Букер, Сесили Браун, Лидия Дона, Кристиан Эккарт, Маргарет Эванджелин, Эллен Галлахер, Шарлин фон Хейл, Рози Кейзер, Джайлс Лайон. , Томас Нозковски, Рокси Пейн, Моник Прието, Мартин Пурье, Урсула фон Ридингсвард, Джеймс Сиена и Марк Дин Века.

4. Ткани

Работы Валери Жодон, вышедшей из движения Pattern and Decoration, остались в высшей степени абстрактными, но отсылают к повторяющимся узорам ткани или обоев, как в Circa , 2012.

ПРЕДОСТАВЛЕНО ARTIST AND VON LINTEL GALLERY, НЬЮ-ЙОРК.

Переходя от естественных моделей к искусственным моделям для абстракции, ткань играет важную роль в качестве источника вдохновения. На протяжении большей части 20-го века художники-абстракционисты-мужчины отвергали сравнения между своими картинами и декоративными тканями. Однако в 1970-х годах женщины-художницы, такие как Мириам Шапиро и Джойс Козлофф, вознамерились возродить украшение и использовать его в качестве отправной точки для нового, феминистского способа абстракции.Художники (как мужчины, так и женщины) движения Pattern and Decoration часто включали репрезентативные и архитектурные элементы в свои ярко окрашенные композиции.

Из художников, вышедших из этого движения, Валери Жодон осталась одной из самых строго абстрактных. В своей недавней работе она почти полностью устраняет цвет, используя только черно-белую или белую краску на голом коричневом полотне. Но она сочетает в себе эту строгую палитру с чувственным обилием узоров, ошеломляющих и дразнящих разум, как резное деревянное панно из Альгамбры.Ее дизайн предполагает повторяющиеся узоры на ткани или обоях, но при этом никогда не переходит в регулярность.

В 1970-е годы некоторые американские художники, такие как Ким МакКоннел, смотрели на африканские ткани как на модели непринужденной геометрии. Сегодня признание блестящих новаторов завоевывают сами африканские художники. Возьмем, к примеру, абстрактные гобелены Эль Анацуи, представленные на ретроспективе, которая продлится 4 августа в Бруклинском музее. Гобелены Анацуи состоят из сотен или тысяч кусков металлического лома — крышек, лент, оберток и этикеток, украшающих бутылки и другие предметы, которые вы можете найти на рынке или в куче мусора в Западной Африке.Сверкающие золото и серебро работ Анацуи создают образ праздничного великолепия. Эти гобелены, задрапированные и сложенные, а не висящие заподлицо со стеной, бросают вызов нашим предположениям об обязательной плоскости абстракции. К другим современным абстракционистам, работающим с изображениями тканей и декоративных узоров, относятся Линда Беземер, Бернард Фризе, Ричард Калина, Райан МакГиннесс, Беатрис Мильхазес, Шон Скалли, Фрэнк Стелла, Филип Таафф и Адриана Вареджао.

5.Архитектура

Архитектурные структуры используются в картинах Питера Галлея, как в Accretive Cognition , 2010.

Картины Питера Галлея, положившие начало движению нео-гео 1980-х годов, одержимо сосредоточены на мотиве прямоугольной камеры, напоминающей дом, тюрьму, компьютерный чип или часть оборудования. Опираясь на узкую полосу земли или пола, конструкция соединена с окружающей средой трубопроводами, которые проходят через землю или уходят в небо, соединяя ее в невидимую городскую сеть.Вместо убежища клетка становится символом постмодернистского «я»: изолированного, обездвиженного и находящегося под наблюдением. Чисто оптическое качество модернизма 1960-х годов уступает место в работах Галлея чистилище цветов Day-Glo и фактур номеров мотелей: ярких, угрожающих и странно соблазнительных. Другой художник, Сара Моррис, использует наклонные сетки и пульсирующие цвета, чтобы показать ошеломленную путаницу в зеркальных фасадах корпоративного модернизма.

В то время как Галлей и Моррис предлагают большие аллегорические утверждения о современном обществе, Рэйчел Харрисон обращается к сфере личного опыта.Ее скульптуры часто включают балки, перемычки и лепные украшения, залитые цементом, или куски гипсокартона, скрепленные в рыхлую сетку, вместе с игрушками, фотографиями в рамках и другой домашней обстановкой. Работы кажутся фрагментами домов, разрушенных стихийными бедствиями или разрушенных повседневной жизнью. И все же есть что-то странно веселое в разрушенной архитектуре Харрисон, даже если она не окрашена в цвета начальной школы, которые она часто предпочитает. У них есть своего рода смелость, как будто они полны решимости продолжать, несмотря ни на что.(В последней работе Харрисона архитектура превратилась в анатомию, поскольку ее сложенные формы начинают напоминать живых существ.)

Архитектурные конструкции также играют важную роль в абстрактных работах Джона Армледера, Фрэнка Бадура, Гельмута Федерле, Лиама Гиллика, Гильермо Куитки, Шерри Левин, Дэвида Новроса, Дорис Сальседо, Эндрю Спенс, Джессики Стокхолдер, Сары Сзе, Фиби Уошберн и Рэйчел Уайтред.

6. Знаки

В Untitled , 2010 Уэйд Гайтон обновляет абстракцию, устраняя руку художника, используя цифровые принтеры вместо трафаретов.

ЛАМАЙ ФОТО / ФОТО ПРЕДОСТАВЛЕНО ХУДОЖНИКОМ И ПЕТЦЕЛОМ, НЬЮ-ЙОРК.

Знаки были важным элементом современного искусства с 1911 по 1912 год, когда Пикассо и Брак вставили буквы и обрывки газет по трафарету в свои кубистские картины. Но флаг, карта и фотографии Джаспера Джонса 1950-х и начала 1960-х годов положили начало революционным преобразованиям в характере вывески. Его набитые по трафарету буквы и регулярная сетка стали передавать бессмысленность, а не смысл.Они не выражали эмоций; они подавили это. Так или иначе, его работы лежат в основе большинства важнейших произведений искусства 1960-х годов, от монохромных картин Фрэнка Стеллы и Брайса Мардена до минимальных коробок Роберта Морриса и Дональда Джадда.

Пятьдесят лет спустя Джонс продолжает оказывать решающее влияние на абстракцию. Уэйд Гайтон, показанный в прошлом году в Уитни, обновляет рисунки с номерами Джонса, устраняя руку художника, используя цифровые принтеры вместо трафаретов. Настойчивые буквы Гайтона похожи не на знаки, а на отмены, отказывающиеся обозначать и затем исчезающие в пустоте.

Картины Марка Брэдфорда напоминают гигантские компьютерные экраны, которые сложные полицейские управления используют для наблюдения в реальном времени за дорожным движением, преступностью и несчастными случаями, с наложением данных на городские сети. Но в отличие от мерцающих пикселей экрана компьютера, изображения Брэдфорда имеют реальную сущность. Как и Каламе, он работает с бумагами и материалами, собранными на улицах Лос-Анджелеса, измельчая и состаривая их, а затем накладывая их в свои композиции. Мощное сочетание образов и материалов Брэдфорда передает опыт жизни одновременно в параллельных вселенных информации и ощущений.

Другие художники, использующие письменный язык или форматы, напоминающие карты и диаграммы, включают Ай Вэйвэй, Мел Бохнер, Дэвид Диао, Кайо Фонсека, Кармела Гросс, Гу Венда, Дженни Хольцер, Восене Ворке Косроф, Гленн Лигон, Тацуо Миядзима, RETNA, Джоан Снайдер, Сю Бинг, Стивен Вестфол, Терри Уинтерс и Хоссейн Зендоруди. Письменный язык, в частности, кажется, обладает международным потенциалом.

В конечном счете, эволюция абстрактного искусства — как и эволюция современного искусства в более широком смысле — была серией ответов на жизненный опыт 20-го и 21-го веков.Как утверждает Галлей в блестящем эссе 1991 года, абстракция перед Второй мировой войной во многом была вдохновлена утопической верой в то, что рациональная технократия (то есть социализм) создаст лучший мир. Технократический идеал нашел свой самый мощный символ не в розовощеких деятелях социалистического реализма, а в геометрической абстракции. После разрухи Второй мировой войны и разоблачения ужасов сталинской России геометрия больше не могла функционировать как образ утопии. Сменив полярность, он стал символом отчуждения.

Большая часть современного искусства, не говоря уже о художественной литературе, фильмах и телевидении, отражает видение мира Blade Runner , в котором личность оказывается бессильной из-за анонимных правительственных агентств, гигантских корпораций и оглушающей массовой культуры. Полезно помнить, что это кошмарное видение само по себе является романтическим стереотипом, игнорирующим положительные аспекты постмодернистского общества. С 1980 года количество людей, живущих в крайней нищете, резко сократилось как в процентах от мирового населения, так и в абсолютных цифрах.Основная причина — глобализация экономики, которая создала миллионы рабочих мест на фабриках в бывшем Третьем мире, подняв рабочих от голода в сельской местности к существованию в городах. Некоторые из самых захватывающих абстрактных художников сегодня — это такие, как Анацуи и Мехрету, чьи работы являются ответом на эту трансформацию, либо заново изобретая традиционные искусства для глобального мира искусства, либо создавая визуальные аллегории социальных изменений, которые выводят нас за пределы старого капитализма-социализма. делить.В 2013 году, как и в 1913 году, мы думаем о будущем с помощью абстракции.

Пепе Кармель — адъюнкт-профессор истории искусств Нью-Йоркского университета.

Абстрактное искусство Торонто | Художник — Абстракционизм Лори Мирабелли

Лори Мирабелли — известный местный художник, создающий современное абстрактное искусство. Лори родом из Sault Ste. Мари, Онтарио, Канада. Она изучала психологию в университете Лаврентиана, и, хотя она хотела продолжить карьеру в области изобразительного искусства, она продолжала работать в области защиты детей.Несмотря на свою постоянную карьеру, она продолжала питать свою любовь к современному современному искусству, и в 2009 году она нацелилась на то, чтобы прорваться на сцену абстрактного искусства в Торонто. Она совершила прыжок веры, продала свой дом и переехала в большой город.

В настоящее время Лори проживает в своем лофте-студии в центре Торонто. Лори работает преимущественно акриловой краской на холсте; однако известно, что она также работает с маслом и холодным воском. Как художник-абстракционист, ее работа состоит из сильных смелых линий и геометрических форм, которые сочетаются с акцентом на пространство.Ее специализация — создание крупномасштабных акриловых абстрактных картин для домов, корпоративных офисов, загородных домов и бутиков. За несколько коротких лет Лори выросла и превратилась в опытного современного художника. Коллекционеры и торговцы произведениями искусства, которые следят за ее карьерой живописи, говорят, что творчество Лори постоянно развивается. Ее акриловое абстрактное искусство — это отражение ее личных мыслей, эмоций, борьбы и побед. Биографический визуальный роман, возможно, мог бы лучше объяснить это.С каждым движением кисти она освобождает часть себя, очищая и очищая то, что больше не нужно, и открывает себя тому, что должно было быть. У нее действительно есть абстрактное искусство для продажи непосредственно через ее онлайн-галерею художников, или вы видите ее искусство для продажи в одной из художественных галерей, в которых она представлена. Прочтите, как она начала свою карьеру в качестве художника-абстракциониста.

По словам художника:

Я продолжаю манипулировать и расширять границы красок и маркировки, всегда ища конечный продукт, который является «законченным».Вы видите дилемму, верно? Есть ли когда-нибудь законченная абстрактная картина? Как я узнаю, что последний штрих — последний? Я всегда чувствовал себя немного не на своем месте в этом мире. Мешочек этого… может быть, немного того… и смешанный со множеством всего остального. Но каким-то образом, с каждым неправильным поворотом, который я делал в своей жизни, я оказывался здесь. А «здесь», честно говоря, чертовски хорошее место. Моя абстрактная живопись акрилом — это загадка, которую я всегда пытаюсь разгадать… мои поиски и тоска по этому идеально завершенному произведению искусства; метафора всего моего состояния.Интересно, что бы случилось, если бы я когда-нибудь нарисовал это идеальное произведение искусства…

Если вы еще не следили за моим путешествием, присоединяйтесь и давайте посмотрим, можно ли создать эту метафорическую идеальную абстрактную картину или она уже существует.

Лори Мирабелли

Как вписать абстрактную живопись в интерьер: 5 советов — INMYROOM

Совет №1: определитесь с размером картины

Совет №2: настройте правильный контраст

Совет №3: подберите тональную поддержку

Совет №4: создайте смысловую перекличку

Совет №5: подчините интерьер искусству

100% ручная роспись маслом Современная Абстрактная живопись 3D стерео картина маслом гостиная спальня офисная Настенная картина художника|Рисование и каллиграфия|

отзывах покупателей ()

Абстрактная живопись

Абстрактная живопись

Китай Современная абстрактная живопись на холсте # RG20214 Современная абстрактная фабрика и производители

Абстрактные картины – особенности, 20 самых знаменитых абстрактных картин — Изобразительное искусство — Культура ВРН

4шт современная абстрактная картина холст бескаркасная настенная живопись цветы спальня гостиная домашний декор

Абстрактная и фигуративная живопись. Персональный сайт петербургского художника Владимира Груздева

18 современных художников-абстракционистов рассказывают о своем блоге

Аня Спилман

Дина Сирлин

Бренда Заппителл

Даниэль Гёттин

Гэри Паллер

Трейси Адамс

Kyong Lee

Джоанн Фриман

Брент Халлард

Одри Стоун

Pierre Auville

Люук де Хаан

Бренда Биондо

Pierre Muckensturm

Джессика Сноу

Сьюзан Кантрик

Anne Russinof

Macyn Bolt

Продажа абстрактных картин: Купить абстрактные картины онлайн

История абстрактной живописи

Купите абстрактную картину на Singulart

Современное абстрактное искусство The Perfect Wall Art

Значение современного абстрактного искусства

Наступила золотая эра абстракции.

Ключевая ценность перенаселенного абстрактного искусства в современном обществе | Сяо Фариа да Кунья

Поиск пользователей | Houzz

Золотой век абстракции: прямо сейчас — ARTnews.com

Абстрактное искусство Торонто | Художник — Абстракционизм Лори Мирабелли

Добавить комментарий Отменить ответ