Средства художественного выражения импрессионизма: Урок на тему «Новые средства художественной выразительности в живописи конца XIX – начала ХХ в. В мире художественных образов Пабло Пикассо»

Урок на тему «Новые средства художественной выразительности в живописи конца XIX – начала ХХ в. В мире художественных образов Пабло Пикассо»

Цели урока:

Познакомить с новым нетрадиционным направлением в зарубежном изобразительном искусстве – кубизмом, показать, как идеи кубизма раскрылись в творчестве Пабло Пикассо, активизировать познавательную деятельность учащихся, научить учащихся давать оценку современным произведениям искусства, выделять и обобщать характерные черты нового художественного направления, выражать свое отношение к работам представителей течения.

Эпиграф:

“Цель, которую я себе ставил, создавая кубизм, писать и ничего больше. И писать, ища новую экспрессию, лишенную бесполезного реализма, но с объективной реальностью”. (Пабло Пикассо).

Урок-панорама.

Художественно-педагогическая сверхзадача – погружение.

Зрительный ряд: П. Пикассо “Авиньонские девицы”, “Герника”.

Музыкальный ряд: Александр Скрябин “Поэма экстаза”.

Оборудование (ТСО): музыкальный центр, экран, проектор.

Описание хода урока

1. Организационный момент урока.

Создание атмосферы взаимодействия и сотрудничества, настрой учащихся на продуктивную деятельность, работа с журналом.

2. Актуализация знаний. Обозначение образовательного объекта урока, создание необходимой образовательной среды.

Учитель:

20 век стал свидетелем революций в искусстве.

Отжившие традиции теряли свои позиции под натиском авангарда. Эти победители – первопроходцы, отверженные в свое время, смогли не только заглянуть в будущее, но и стать общепризнанными глашатаями нашего века.

Во второй половине 19 века серьезный шаг в сторону от художественной традиции сделали импрессионисты.

На экране работы художников-импрессионистов: Клод Моне “Впечатление. Восход солнца”, Огюст Роден “Портрет артистки Самарии”, Клод Моне “ Бульвар Капуцинок в Париже”, Эдгар Дега “Танцовщицы в голубом”.

Учитель:

Импрессионизм можно охарактеризовать тремя словами: “жизнь, движение, радость”. Подтвердите или опровергните это высказывание.

Учащиеся:

1. Для художников импрессионистов важен не сюжет, а его чувственное восприятие, впечатление, которое они смогут произвести на зрителя (стог сена, куст сирени, движение толпы).
2. Подвижность и изменчивость мира “мимолетное видение”.
3. Краски наносили быстрыми мазками (им некогда было их смешивать).
4. Впервые художники вышли на пленэр. Живопись на пленэре.
5. Исключением был Эдгар Дега, который продолжал писать в мастерской.

Учитель:

Пленер открыл художникам новую реальную действительность, суть которой состояла в следующем:

1. В природе ни один цвет не существует сам по себе. Единственный источник цвета — солнце, цвет предметов меняется в зависимости от времени дня и световоздушной среды.
2. Тени имеют свой цвет в зависимости от силы и качества световых лучей, но никогда не бывают черными, как не существует в природе черного цвета в чистом виде.
3. Рефлексы на поверхности предмета изменяются от угла падения и света и его интенсивности.

В отличие от импрессионистов, которые работали сообща, художникам постимпрессионистам достались одиночество, страшные тиски нужды, надругательства критиков и разрыв с буржуазным обществом.

На экране: Винсент Ван Гог “Звездная ночь”, “Терраса кафе ночью”, Поль Гоген “Идол”, Поль Сезанн “Гора Сент-Виктуар”.

Учитель:

“А если сегодня мне, грубому гунну,

кривляться перед вами не захочется – и вот

я захохочу и радостно плюну,

плюну в лицо вам

я – бесценных слов транжир и мот”, —

гордо заявил Маяковский со сцены прямо в лицо зрителям.

Постимпрессинисты превзошли своих предшественников, они противопоставили себя обществу. Почему жизнь и судьба этих художников была трагичной?

Учащиеся:

Импрессионисты и постимпрессионисты отвергали официально признанное искусство. Гоген бросил успешную карьеру и удалился от цивилизации, Ван Гог декларировал нежелание считаться с социальными нормами, Тулуз-Лотрек вопреки аристократическому происхождению прожигал жизнь в компании парижских притонов.

Для постимпрессионистов выразительность стала важнее изобразительности, это с наибольшей силой проявилось в творчестве Ван Гога. Он заполнял холсты родившимися в душе образами, больше беспокоясь о передаче эмоционального состояния, чем о сходстве с мотивом.

В полотнах Гогена мы видим иную реальность, мифы, легенды становятся частью повседневной жизни: хмурый идол естественным образом вырастает в природном пейзаже.

Сезанн сумел увидеть и донести до зрителя миллионолетние процессы как плод космического творения.

Учитель:

Трагедия художников в том, что их творчество, обращенное к современникам, не было ими востребовано. Но какой парадокс судьбы!!! Слава, признание пришли к ним после смерти! Могли ли они мечтать, что их творческое наследие, став итогом искусству 19 столетия, проложит дорогу в будущее другим творцам.

Открытия, сделанные постимпрессионистами, оказали воздействие на развитие некоторых течений в западноевропейском искусстве 20 века – фовизма, кубизма, экспрессионизма.

На экране высказывания художников:

“Вообразить мир таким, как нам хочется”. А. Дерер.

“Я хочу, чтобы усталый, измотанный, изнуренный зритель, глядя на мою живопись, вкусил отдых и покой”. А. Матисс.

“Цель, которую я себе ставил, создавая кубизм, писать и ничего больше. И писать, ища новую экспрессию, лишенную бесполезного реализма, но с объективной реальностью”. П. Пикассо.

“Искусство рассчитано на диалог художника со зрителем”.

Первым модернистическим направлением в зарубежном изобразительном искусстве начала 20 века были фовизм и кубизм.

Создание проблемной ситуации на уроке.

Учитель:

Представьте, мы с вами находимся на Осенней парижской выставке.

Идет 1905 год.

Посетители и критики шокированы представшим зрелищем. Один из посетителей выставки, критик Луи Воксель, назвал картины “дикими” — fauve, отсюда и произошло название направления “фовизм”.

Просмотр слайдов работ А. Матисса.

Как вы думаете, что же стремился выразить в своих работах А. Матисс?

Учащиеся:

Художник выражает свои чувства, ощущения, а не отражает реальный мир. Окружающий мир служил только поводом для выражения мыслей, чувств, средствами света Основным художественным средством его картин является цвет и линия.

(Можно предложить учащимся на время обсуждения работ А. Матисса, стать членами жюри Парижской выставки. Выбрать сторонников и противников его творчества.) Во время обсуждения учащиеся приходят к выводу, что художник имеет право изображать мир таким, как ему хочется, воспринимать мир сердцем и душой. Полотна А. Матисса должны украшать залы музеев.

Учитель:

Если фовисты мечтали создавать искусство, радующее глаз, успокаивающее чувства, то кубисты хотели “растревожить человеческие души”.

В 1907 году французская публика увидела картину Пабло Пикассо “Авиньонские девицы”. Идолообразные деформированные фигуры, застылые формы, очевидное влияние африканской скульптуры, почти полное отрицание пропорций и вообще целостности человеческой фигуры – все это произвело впечатление не только на зрителей, но и на художников. Это был полный отказ от светотени и перспективы и построение изображения в виде комбинации разложенных на плоскости объемов. Вместе с Жоржем Браком, Пикассо становится родоначальником кубизма – художественного направления, отвергшего традиции натурализма и изобразительно – познавательную функцию искусства.

Призыв “трактовать (изображать) натуру посредством цилиндра, шара, конуса”, был воспринят кубистами как активное руководство к действию.

Глядя на картины Пабло Пикассо, никогда не подумаешь, что это творения одного и того же мастера. Одни отрицали его как художника, считали его картины бессмысленными, другие – восхищались им!

На экране “Герника” Пабло Пикассо.

Начало 1940-х годов. Оккупированный нацистами Париж. Ночь, полутемная студия, окна зашторены. Раздается резкий стук в дверь. В мастерской художника появляется группа гитлеровцев. Обыск. Яркий свет фонаря выхватил из сумрака холст. Но…что изображено на нем…

Немецкий офицер в сером мундире застыл. Он был поражен и взбешен. “Это вы сделали?” — спросил он у художника.

“Нет. Это вы сделали!”…ответил художник. И в этих словах прозвучали гнев, презрение, проклятие людей земли к нацисским изуверам.

“Герника” недаром взбудоражила гитлеровца.

Всмотримся в картину и рассмотрим анализ художественного произведения по таблице.

(Учитель и учащиеся анализируют произведение “Герника” П. Пикассо).

В конце урока учащиеся приходят к выводу, что Пабло Пикассо художник 20 века!!!

Задачей учителя является создание ситуации успеха, оценка деятельности учащихся на уроке.

Домашнее задание: целесообразно разделить класс на группы и вручить каждой соответствующее задание.

1. Кто он Пабло Пикассо. Страницы биографии.
2. “Голубой” период в творчестве Пикассо.
3. “Розовый” период в творчестве Пикассо.
4. Кубизм.
5. Наследие П. Пикассо.

Анализ художественного произведения “Герника” Пабло Пикассо (Приложение)

АРС Импрессионизм — рабочая тетрадь изо

Импрессионизм (фр. Impressionismus — впечатление)  II пол.19 века. Франция. Формируется в искусстве, музыке, литературе стилистической направленности. Термин импрессионизм происходит от названия картины Клода Моне (Claude Monet)  «впечатление.Восход » (на французском языке.» „Impression. Soleil levant», 1872 г.) K.Monė. Впечатление.  Восход. 1872. K. Moне и его друзья, подчеркивая свою решимость идти новым путем, нарушая все каноны салонной живописи смело взяли этот термин. Они стали называться импрессионистами, а сам   импрессионизм  охватил все сферы художественного мышления.  Можно утверждать, что многие из наиболее важных событий  20-го века. в искусстве  связаны с импрессионизмом. K.Moне. Женщина с зонтиком Это направление формировалось как протест  салонному академизму.Отказавшись от исторических, мифологических тем, импрессионизм стремился передать непосредственное впечатление от действительности. В отличие от студийной живописи, для импрессионизма характерна  пленэрная живопись. K. Moне. Пешеходный мост В картине фиксируется определенное мгновение,  используется фрагментарная, ассиметричная композиция, кадрирование, неожиданные ракурсы.  При передаче атмосферы создается впечатление движения воздуха. O.Ренуар. Девушки с цветами. 1890. Э.Maне. Folie Бецер бар. 1881-82 год. В живописи преобладали пейзажи, городские мотивы (кафе, бульвары, салоны, театры, сцены ипподрома, ) и портреты.  K.Писаро. Монмартр ночью. 1897. Импрессионисты развивали пленэрную живопись,изображение растворяли, отказываясь от четких контуров форм,  отказались от локальной окраски предмета, утверждая, что его цвет всегда зависим от освещения и окружающих предметы рефлексов. K.Писаро. Монмартр днем. 1897. Избавившись черного цвета и тонального моделирования, напротив, выбрав чистую, яркую палитру красок, художники писали на холсте отдельными дробными мазками, которые только на расстоянии сливались в целое. Такое оптическое смешение цветов называется дивизионизмом. В картинах импрессионистов свет и воздух изменяет впечатление от объекта, который передается в цвете, яркими, эскизными мазками. Даже тени предметов становятся цветными. K.Moне. Руанский собор Для сульптуры импрессионистов  типична вибрирующая поверхность, мягкая моделировка и живописная светотень. O.Роден. Поцелуй Импрессионизм появился в Париже. В первой выставке импрессионистов, которая состоялась в 1874 году приняли участие K.Moне, О.Ренуар, A.Сислей, K.Писаро, Э.Дега Восьмая. — в 1886.  1874-1886 м. были неформальные художественные выставки — «изгои салон. Импрессионизм — условное название. Она была адаптирована для художников, которые, в свою мужественную работу, не было принято в салоне — официальный французский форум искусства. Э.Дега. Урок танца Хотя импрессионистов последовали же творческий подход общие стилистические принципы, но его темы, мотивы и даже «нарисовал стиль отличается Самые известные художники:. Клод Моне (Claude Monet), Пьер-Огюст Ренуар (Auguste Renoir), Эдгар Дега (Эдгар Дега) Камиль Писарро (Camille Писсарро) Alfedas Sislėjus (Alfred Sisley).  Эдуардо связано с импрессионизмом Мане (Эдуард Мане) живописи, август Родин (Огюст Роден) скульптуры. O.Ренуар. Актриса Жанна Самари 19. В конце распространения импрессионизма в Западную Европу, а затем и влияние на развитие искусства.  Продолжение импрессионизма — Неоимпрессионизм.  19. II р. бесшовные художественных течений заменяет творческая индивидуальность, которая располагалась в законах творчества, имеют свой собственный творческий систему. K.Писаро. Тенденция к станции Они думали, что Эдвард создал произведения, отражающие дух времени. Он понял, что долг художника берется из своей эпохи все, что она может дать. Только тогда, когда художник будет играть важную роль в жизни исследователя. Поэтому, я очень любил ее время картина бытовые сценки: парижский толпу, которые слушают оркестр в парке, ресторанов, кабаре и так далее. Э.Maне. Женщина с ребенком в саду Э.Maне. Балкон Иронично черный фрак и цилиндр World контрастные смело проникает людям в повседневной жизни, использовать E.Manė новый, более яркий вид. Он начал использовать богатую цветовую градацию и контрастность. Его работа дала ему имя первого модернистского и заложил основы для новой, свежей и, засунув импрессионистов направления искусства. Клод Моне работает наиболее отчетливо отражается означает серьезные свойства импрессионизм.  Формулируя основные принципы импрессионизма и живопись характер программы, на самом деле был командиром направления искусства. K.Moне. Водяные лилии Как вы знаете, перед художниками были только эскизы в природе, аналогичный показатель в конце исследования более поздней версии. K.Moне настаивал, что картина от начала до конца, должна быть создана под открытым небом — на открытом воздухе (пленэре — под открытым небом). Когда вы создаете непосредственно в природе, художники изучали передать богатство природной красотой природных условиях, взаимодействия света и воздуха, мерцание, которое, по сути, зависит от времени суток и солнечного света, цвета изменяются. K.Moне. Маковое поле Свет и цвет исследования рефлексов в свою очередь, изменил цветовую палитру для отмены черный, цвет смешивания и начал писать чистым цветом и только то, что лучше всего в состоянии раскрыть красоту природы — пейзажи, архитектура, люди, природа.   K.Monė в основном писал пейзажи, групповые портреты и фигурные композиции.  K.Monė всю жизнь остался верен принципам пленэрной и последний в своих работах, написанных в те же самые вещи много раз, при разном освещении и погодных условиях. «Руанский собор» создал серию из десяти картин. K.Moне. Руанский собор K.Moне работа оказала значительное влияние на все импрессионистов, но наиболее пострадавших от Камила Писарро и Альфреда Sislėjų. A.Сислей. Канал для Moret’o Альфред Сислей— коробка ymus французских импрессионистов художник. Очарованный Barbizono художников картины в лесу Фонтенбло, больше заинтересованы в пейзажах.  О 1875. бледнее цвет его работ. Sislėjus стал художником пейзажи смешно. Он никогда не отрицал четкую структуру изображения, как и другие импрессионисты. A.Сислей.. Корабль во время наводнения Камиль Писарро. С 1866 года. Писарро принадлежит импрессионистов среду, в которой застрял через и исследовать K.Monė E.Manė. Это было почти исключительно Pleiner художник-пейзажист, и обратил темы от жилых районов — Понтуаз и Luvesjeno. Создал живописные города — Париж, Руан и Гавр — изображения. K.Писаро. Лувр и Сен с моста Pont Neuf. Пьер-Огюст Ренуар. Apie1862 году. знакомы с K.Monė и A. Sislėjumi, любил яркие импрессионистов и мягкие розовые тона пленэрной живописи.  Стиль художника прошли в 9 лет.  Он никогда не оставлял фигуративной живописи, в ​​то время как другие наслаждались импрессионистов чистый пейзаж. O. Ренуар. Деревенский танец Эдгар Дега. Известный французский импрессионист представителем. О 1866. вступил в контакт с импрессионистов, и 1874. принимал участие в их первой выставке.  С 1872, Окрашенные театральной жизни и развлекательных заведениях сцены; Кроме того, он был заинтересован в туалете женщин и работы дня.  Дега работает очень универсальным. В то время как это всегда было приоритетом для масляной живописи, пастели, рисунки, диаграммы, глины и воска создаются и пластиковых работ.  Его творчество всегда было в центре внимания человека.  Картины характеризуется раздробленностью и необычным асимметричной композиции. Э.Дега. Танцовщица с букетом цветов. 1877. Огюст Роден.  Его реалистический стиль, должен рассматриваться как передача принципам импрессионизма скульптуры. Скульптура текстурные поверхности позволяет неповторимый свет и тени. Портретные бюсты выявить глубокие эмоциональные моменты. O.Роден. Shadow. 1880. Роден, создал «Жители города Кале» (1884-95 гг.), создав новый тип памятника, которому чужда демонстрация героизма.  Его положение, скульптура не зависит от архитектуры, скульптур совершил подлинный переворот в концепции, сам он был одним из самых известных скульпторов конца  19 века . O.Роден. Жители  города Кале.Фрагмент

10.3 Импрессионизм. Постимпрессионизм. | Искуству.ру

Творчество Эдуарда Мане предварило возникновение импреммионизма.

Эдуарда Мане (1832- 1883) также причисляют к импрессионистам, хотя он категорически отказывался принимать участие в их выставках. В истории французского и мирового искусства творчество Э. Мане занимает особое место, которое определяется как приверженностью художника к классическим традициям европейской культуры («Олимпия»; портреты, навеянные испанской живописью), так и новаторскими поисками в области пленэрной живописи («В лодке», «Берта Моризо» и др.).

Использование Э. Мане классических мотивов при изображении современной жизни вызвало бурю негодования зрителей, особенно оскорбила их мораль картина «Завтрак на траве», где художник расположил на лужайке сидящих рядом одетых мужчин и обнаженную женщину.

Картина Э. Мане «Олимпия», на которой современная женщина показана в позе Венеры, стала предметом яростных нападок критиков. Газеты называли ее нелепой пародией на тициановскую «Венеру Урбинскую». Современники никак не хотели согласиться с тем, что Э. Мане изобразил не античную красавицу, а французскую натурщицу. Большая, массивная фигура негритянки с букетом цветов оттеняет хрупкость и белизну обнаженной женщины.

Понадобилось много лет, чтобы «Завтрак на траве» и «Олимпия» заняли свое почетное место в музеях.

Э. Мане предвосхитил начинания импрессионистов в области поиска новых средств живописи. Показательна в этом отношении картина «Флейтист». На живописном сером фоне выделяется выразительный силуэт мальчика. Место действия не обозначено. Э. Мане пренебрегает обязательной для того времени перспективой, открытой еще в эпоху Возрождения.

В некоторых полотнах он параллельно с Дега использует завоевания кинематографа в передаче времени и пространства. Его картина «Бар в Фоли-Бержер» — сложное, развивающееся в пространстве и во времени действие. За спиной молодой красивой женщины у стойки бара — зеркало, в котором отражаются посетители: например, в правой части картины мы видим отражение дамы, слушающей какого-то господина. Молодая героиня картины погружена в задумчивое состояние. Сложная композиция картины позволяет зрителю домысливать сюжет.

Мане. Портрет родителей.

Мане. Старый музыкант. 1862

Мане. Музыка в Тюильри. 1862

Эдуард Мане. Завтрак на траве. 1863

Эдуард Мане. Олимпия. 1863

Мане. Осмеяние Христа. 1865

Мане. Уличная певица. Ок. 1862

Мане. Флейтист. 1866

Мане. Портрет Эмиля Золя. 1868

Эдуард Мане. Расстрел императора Максимилиана. 1868-69

Мане. Завтрак в ателе. 1869

Эдуард Мане. Бал-маскарад в Опере. 1873

Мане. Аржантей. 1874

Мане. В лодке. 1874

Мане. Вишня. Ок. 1877

Мане. Нанá. 1877

Мане. У папаши Латюиля. 1879

Эдуард Мане. Бар в Фоли-Бержер. 1881

Импрессионизм

Живопись. В 1874г. в одном из парижских Салонов открылась выставка тогда еще совсем неизвестных художников. Среди них были Клод Моне, Пьер Огюст Ренуар, Камиль Писсарро, Альфред Сислей, Поль Сезанн и др. К этой группе художников были близки Эдуард Мане и Эдгар Дега.

Одна из картин К.Моне называлась «Впечатление. Восход солнца». На ней изображена гавань ранним утром, окутанная розовым туманом, сквозь который проступают солнце и неясный силуэт лодки. Переливы красок создают ощущение торжественности момента.

После этой выставки кто-то из журналистов презрительно отозвался о ее участниках как об «импрессионистах», потому что их картины якобы фиксировали лишь первое впечатление от увиденного (от фр. impression — впечатление). Художникам это слово понравилось, и они стали называть себя импрессионистами. Так возникло название нового направления в искусстве.

Художники-импрессионисты совершили величайший переворот в живописи. Они работали, не согласуясь с правилами и принципами академической школы. В отличие от академистов, создававших произведения на библейские, исторические и мифологические мотивы, импрессионисты стремились отобразить реальную жизнь, показать бытовые сценки. Они вышли писать свои полотна на пленэр, т.е. на открытый воздух. Эти художники применяли преимущественно яркие краски, при этом основное внимание уделяли игре цветовых оттенков, а не четкой прорисовке фигур и деталей. Импрессионистов отличает живое видение натуры. Как известно, один и тот же предмет может вызвать различные впечатления в зависимости от освещения, времени года, погоды и даже настроения. Для импрессионистов были важны передача ускользающих мгновений, выделение случайных деталей, постоянное открытие нового.

Художники стремились уловить на картинах короткие мгновения бытия, подобно фотографам. К. Моне, например, удалось передать эффект движущегося поезда даже раньше изобретения кинокамеры. Они выхватывали из повседневной жизни сюжеты своих произведений, поэтому композиции часто строили фрагментарно, изображения были перерезаны краями полотна, фигуры показывали в сложных ракурсах. Асимметричные, динамичные и неуравновешенные композиции создавали впечатление случайности, но на самом деле были тщательно продуманны. Острота образов усиливалась специальными приемами наложения краски.

Признанным лидером среди художников-импрессионистов был Клод Моне (1840- 1926). Уже в ранней работе «Дама в саду» он использовал чистые, сверкающие краски. Природа у К. Моне не величественна, а естественна. «Как много надо работать, чтобы передать то, что я хочу уловить!» — говорил художник.

К. Моне некоторые мотивы писал много раз при различном освещении (Руанский собор, стога, вокзал Сен-Лазар, лондонские туманы). На каждом полотне он открывает новые стороны натуры. Передать красоту одного объекта в различное время суток, при различном освещении — эта задача очень привлекала К. Моне. Одно из лучших произведений К. Моне — знаменитый «Бульвар Капуцинок в Париже» (1873, хранится в ГМИИ им. А. С. Пушкина). Выбрав точку зрения сверху, художник изобразил уходящую по диагонали перспективу бульвара, поток экипажей и движение толпы. Такая точка зрения позволяет К. Моне отказаться от первого плана. Он передает впечатление от уезжающих экипажей и едва заметно вибрирующего воздуха. Фигурки уходящих вдаль прохожих едва намечены белыми мазками. Фасады домов на противоположной стороне бульвара наполовину скрыты ветвями платанов. Все растворяется в сияющем солнечном освещении, контрастирующем с голубовато-лиловой тенью от домов, лежащей на уличной мостовой.

К. Моне разрушает представление о плоскости холста, создавая иллюзию пространства и наполняя его светом, воздухом и движением. Взгляд зрителя устремляется в бесконечность, и нет предельной точки, где бы он мог остановиться.

Солнечную сторону К. Моне делает оранжевой, золотисто-теплой, теневую — фиолетовой, а единая свето-воздушная дымка придает всему пейзажу тональную гармонию. Контуры домов и деревьев постепенно вырисовываются в воздухе, пронизанном солнечными лучами.

В красочном мареве тонут архитектурные детали зданий, тают контуры экипажей, растворяются ветки деревьев, а глубина пространства теряется в движении светящегося воздуха. Все это заполняет картину таким образом, что глаз зрителя теряет грань между близкими освещенными стенами и дальним голубым сумраком, скрывающим продолжение улицы.

Искусствовед К. Г. Богемская отмечает: «Когда говорят, что импрессионисты умели запечатлевать момент безостановочного движения жизни, то подтверждением этому может быть названа картина «Бульвар Капуцинок в Париже».

Новым в искусстве импрессионизма стали техника мазка, передача впечатления от света и цвета натуры. Художники наносили на полотно чистые краски, не смешивая их на палитре, поэтому картины поражали своей мно-гоцветностью и при разглядывании издали как бы оживали. Например, при ближайшем рассмотрении «Белых кувшинок» (1899) К. Моне хорошо видно, что они написаны густо-розовыми, голубыми и даже терракотовыми оттенками. Яркие краски передают не только белизну кувшинок, но и, как кажется, даже их запах. Зритель сам словно присутствует среди них. Этот эффект — величайшее достижение искусства импрессионизма.

Клод Моне. Дама в зеленом. Портрет Камилль Моне. 1866

Моне. Завтрак на траве. 1865-66

Клод Моне. Дама в саду. 1867

Моне. Сад в Сент-Адресс. 1867-68

Моне. Берег Сены в Беннекуре. 1868

Моне. Лягушатник. 1869

Моне. Бульвар Капуцинок. 1873

Клод Моне. Восход солнца. Впечатление. 1872-73

Моне. Поле маков. 1873

Клод Моне. Вокзал Сен-Лазар. 1877

Моне. Темза ниже Весминстера. Ок. 1871

Клод Моне. Стога сена. 1891

Моне. Руанский собор на закате. 1892-94

Моне. Мостик в Живерни. 1899

Моне. Кувшинки («Желтая нирвана»). После 1916

Огюста Ренуара (1841 — 1919) считают импрессионистом, но его творчество не ограничивалось рамками этого направления. По технике живописи Ренуар действительно был близок К. Моне, однако его взгляды отличались от эстетики импрессионизма, и он никогда не причислял себя к импрессионистам, хотя в их выставках участвовал. Ренуар писал то, что ему было близко (танцующих модисток, завтракающих лодочников и т.п.), а в импрессионистический период — сцены из жизни парижских предместий, ресторанов и общественные балы («Мулен де ла Галет», «Качели», «Ложа» и др.). В этих, казалось бы, мимолетных впечатлениях художник увидел праздник быстротекущей жизни и сияющую радость ее счастливых мгновений.

Ранним портретам О. Ренуара было присуще общее качество: художник не изолировал модель от окружающего мира. Основываясь на своих впечатлениях, он делал тени голубыми, а лицо на солнце золотисто-розовым. Уже с самых первых своих работ О.Ренуар всегда рисовал только кистью, обращая особое внимание на светотональную моделировку формы («Девушка с веером», «Белокурая купальщица» и др.).

Для О. Ренуара было увлекательной задачей изобразить своих современников, особенно волновали художника женские образы — соблазнительное обаяние юных парижанок, жемчужная теплота обнаженного женского тела («Нагая женщина, сидящая на кушетке», 1876). Очаровательны портреты детей кисти Ренуара («Девочка с лейкой», 1876; «Портрет мадам Шарпантье с детьми», 1878).

В 1878 г. О. Ренуар написал портрет (в полный рост) «Жанны Самары» — актрисы парижского театра «Комеди франсез» — и несколько эскизов к этому портрету, которые можно рассматривать как самостоятельные произведения. Они были созданы в те счастливые минуты, когда художник, не ограниченный необходимостью угождать вкусам заказчика, работал вдохновенно, в полном согласии с собой.

На одном из лучших эскизов определяет настроение розовый фон, являющийся той общей средой, из которой постепенно возникают очертания фигуры. Цвет в картине как будто вибрирует. Белый холст, просвечивая через тонкий красочный слой, придает розовому цвету особую свето-носность. На этом фоне горят золотистые волосы Жанны Самари. Зрителя привлекают ее женственный мягкий взгляд, четко прорисованные губы, красивая рука с золотым браслетом, которой актриса слегка подпирает голову. Легкие мазки кисти художника намечают ее плечи. Жанна Самари изображена в естественной позе. Ее взгляд обращен к зрителю, однако в ее внутреннем состоянии есть и некоторая отрешенность: женственно-прекрасная и обаятельная, она — здесь, перед нами, и в то же время словно чуть-чуть отдалена от нас. Художнику удалось передать смену настроений своей героини.

Ренуар. Портрет Альфреда Сислея и его жены. 1868

Ренуар. Лягушатник. 1869

Ренуар. В ложе. 1874

Ренуар. Завтрак гребцов. 1875

Ренуар. Мулен де ла Галет. 1876

Ренуар. Обнаженная. 1876

Ренуар. Девушка с веером. 1880

Ренуар. Завтрак гребцов. 1881

Ренуар. Две сестры. 1881

Ренуар. Танец в Буживале. 1882-83

Ренуар. Большие купальщицы. 1884-87

Ренуар. Светловолосая купальщица. 1904-06

Альфред Сислей (1839-1899) постоянно жил в окрестностях Парижа. Его завораживали покой и простор деревенского пейзажа, облака, плывущие по небу, зеркальный блеск воды. Он создавал чарующие изображения природы с легким оттенком грусти («Маленькая площадь в Аржантее», «Наводнение в Марли», «Мороз в Лувесьен-не», «Берег Сены у Буживаля», «Опушка леса в Фонтенбло» и др.). Сислей тщательно продумывал композицию своих работ, добиваясь монументальной выразительности скромных пейзажей. Он был сторонником светлого колорита, много работал на пленэре.

Альфред Сислей. Вильнёв-ла-Гаренн. 1872

Альфред Сислей. Водоем в Марли. 1875

Альфред Сислей. Ветреный день в Венё. 1882

Эдгар Дега (1834-1917), прекрасно изучивший выразительные возможности жеста, любил рисовать танцовщиц («Танцевальный класс», «Танцовщица на сцене», «Танцовщицы на репетиции») и скачки («Скаковые лошади перед трибуной», «На скачках», «Жокеи перед скачками»). На полотне «Голубые танцовщицы», где три девушки готовясь к выходу на сцену, поправляют платья, все залито волшебным голубым светом, кажется, что сейчас зазвучит музыка. В целой серии картин хрупкие и невесомые фигурки балерин предстают перед зрителем то в полумраке танцевальных классов, то при свете софитов, то в краткие минуты отдыха. Они не позируют художнику, каждая из них занята своим делом. Возникает эффект присутствия, придающий картинам Э.Дега документальную убедительность.

В середине 1880-х годов художник начинает использовать пастель и создает свои знаменитые рисунки обнаженной натуры («После ванны»).

Дега считал, что следует изображать не столько красивое, сколько характерное. В отличие от большинства импрессионистов для Дега средством выражения была линия, а не мазок. Линией художник умел передавать характер движения, эмоциональное состояние модели.

Скульптура. Огюст Роден (1840-1917) прославился умением воплощать в скульптуре яркие эмоциональные состояния, внезапные порывы души. Есть много общего в скульптуре Родена и живописи Дега: та же мягкость светотени, та же незавершенность жеста.

В 1880 г. французское правительство поручило Родену создать портал для Музея декоративных искусств. Он начал работу над «Вратами Ада» — грандиозным скульптурным образом грехов человеческих, где соединились эпическое величие «Божественной комедии» Данте и безысходная тоска «Цветов зла» Бодлера. Огромный портал с двумя створками так и остался незаконченным.

Вся поверхность дверей была покрыта неровной массой, которая при ближайшем рассмотрении оказывалась скопищем человеческих тел. Над вратами склонились три Тени, беспомощные в борьбе со смертью. Под ними, подперев голову рукой, сидит Мыслитель. В целом же произведение перегружено и дробно по композиции, что позволило критике назвать его «воротами в никуда». Однако оно представляет несомненный интерес, напоминая о бронзовых рельефах дверей средневековых соборов, прежде всего «райских дверях» флорентийского баптистерия, которые поразили Родена в Италии. Знаменательно, что эскизы, выполненные в процессе работы над «Вратами Ада», вызвали к жизни много самостоятельных значительных произведений («Ева», «Поцелуй», «Вечная весна», «Мыслитель» и др.).

Статуя «Мыслителя» явилась олицетворением мучительного процесса поиска ответов на извечные вопросы о смысле бытия, стоящие перед человечеством. Мощный титан согнул свою спину от тяжелых раздумий. Лицо его печально. Чтобы почувствовать сложность настроений «Мыслителя», интересно рассмотреть различные ракурсы скульптуры. Справа движение согнутых рук и ног, резкая линия лба и носа, наклон спины делают фигуру предельно напряженной. Ее поза передает состояние мучительного интеллектуального усилия. Слева впечатление меняется: левая рука, безвольно опустившаяся на колено, указывает на усталость.

В 1884 г. Роден получил заказ от городского муниципалитета Кале на проект памятника в честь героя Столетней войны Эсташа де Сен-Пьера, пожертвовавшего собой во имя спасения осажденного города. Англичане пообещали сохранить жизнь горожанам, если шесть знатных граждан согласятся добровольно, в лохмотьях, босые, с веревками на шее пойти на казнь. Первым решился на это Эсташ де Сен-Пьер, за ним последовали другие герои. Памятник в их честь был закончен скульптором в 1886 г., но установлен лишь в 1895 г. «Граждане Кале» — это реалистическая монументальная Скульптура, в которой Роден воплотил образы людей, объединенных общей трагической судьбой. Скульптурная группа не имеет постамента, расположение фигур граждан на уровне земли как бы объединяет их с народом, что усиливает демократичность произведения.

Когда в 1878 г. Роден впервые экспонировал сначала в Брюсселе, а затем в Париже свою скульптуру «Бронзовый век», стремление выразить в статическом искусстве всю трепетность жизни, а также новаторский характер моделировки формы неровными кусками вызвали негодование общественности. С этого момента все выставляемые на суд публики произведения Родена стали поводом к полемике. Сурово были встречены «Мыслитель», «Ева», «Адам», «Блудный сын», «Мучение» и многие другие работы. В течение своей долгой жизни Роден, восхищаясь молодостью и красотой влюбленных, много раз обращался к теме вечной весны, ускользающей любви, страданий, поцелуя. Например, композиция «Поцелуй» (1886) потрясает страстностью и силой чувства.

Постепенно в творчестве Родена все более нарастает тяготение к усложненным символическим образам, к выявлению тончайших эмоций — от ясной гармонии и мягкого лиризма до отчаяния и мрачной сосредоточенности. Произведения скульптора приобретают незаконченный вид из-за текучести и живописной неровности поверхности. При этом возникает впечатление стихийного рождения формы. Скульптор всегда придавал большое значение фактуре как важному средству выразительности образа.

Роден много и успешно занимался жанром портрета. Общество литераторов заказало Родену статую Бальзака. Скульптор трудился над этим памятником шесть лет. Подчеркнутая физиологичность трактовки образа писателя, не свойственная импрессионизму (что свидетельствует о многообразии творческих поисков Родена), вызвала резкое неприятие. Скульптора обвиняли в том, что он обрядил великого писателя «в смирительную рубашку». Несмотря на справедливость некоторых упреков Родену (в привкусе натурализма, модернистской стилизации), нельзя не признать его потрясающего умения выразить напряженное внутреннее движение, подчинить пластическую форму психологическому переживанию.

Открытия художников-импрессионистов оказали влияние и на другие виды искусства, в первую очередь на музыку. Импрессионизм в музыке, так же как и импрессионизм в живописи, неразрывно связан с национальными традициями французского искусства, с французской поэзией и литературой. В творчестве композиторов и художников встречается много общих тем: колоритные жанровые сценки, портретные зарисовки, но исключительное место занимает пейзаж. Музыка импрессионистов (К.Дебюсси, М. Равель и др.) пробуждает у слушателей богатые зрительные образы, передает тончайшие и едва заметные оттенки настроений.

Постимпрессионизм

Художники-постимпрессионисты П.Сезанн, В.Ван Гог и П. Гоген не были объединены ни общей программой, ни общим методом. Хотя эти художники начали работать параллельно с импрессионистами и испытали их влияние, они считали своей главной задачей — передавать не видимость предметов, а их сущность, идею, используя образ как знак, символ.

Поиски новых путей ярко выражены в творчестве Поля Сезанна (1839 — 1906), возродившего утраченный импрессионистами целостный взгляд на мир. П. Сезанн участвовал в первой выставке импрессионистов 1874 г., затем он уехал в родной Прованс, где жил замкнуто и много работал. Трудолюбие было главной его чертой. Когда через 20 лет Сезанн отправил в Париж 150 картин, его приветствовали как великого художника. Молодое поколение живописцев увидело в Сезанне своего вождя.

Мир, природа, человек утверждаются Сезанном во всей цельности и материальности (по терминологии самого художника, это «реализация натуры»). Он стремился исследовать пространство и форму, создать устойчивую композицию.

Художник пишет портреты родных («Мадам Сезанн в красном кресле»), друзей и множество автопортретов, портреты-типы («Курильщик», 1895 — 1900), пейзажи («Берега Марны», 1888), натюрморты («Натюрморт с корзиной фруктов», 1888-1890), сюжетные картины («Игроки в карты», 1890- 1892). На своих полотнах он создает мир, полный созерцательности, задумчивости и сосредоточенности.

Например, на полотне П.Сезанна «Пьеро и Арлекин» изображены люди искусства — те, кто живет в вечном карнавале преображений. И в то же время перед зрителем — типичные персонажи итальянского театра. Народная традиция наделила их определенными чертами характера: Арлекина, победителя в шутовских проделках, — хитрой изворотливостью; Пьеро, неудачника и мечтателя, — застенчивой робостью.

Поль Сезанн изобразил Пьеро и Арлекина в тот момент, когда они идут на праздник, чтобы принять участие в театрализованном представлении. Пока актеры не играют и остаются самими собой. Над этим полотном художник работал очень долго, он писал своих героев с натуры, изнуряя модели долгими часами полной неподвижности. В костюме Арлекина художнику позировал его сын, а в костюме Пьеро — приятель сына. Тем не менее, возникает впечатление, что это не живые люди, а напряженно двигающиеся марионетки. Арлекин в обтягивающем «домино» высокомерен, недоброжелателен, горд. Пьеро согнулся под тяжестью своих мыслей, кажется, что его белоснежные одежды сделаны из гипса, непомерно тяжелы и сковывают движения. Голова Арлекина немного откинута назад, его настороженный и оценивающий взгляд обращен к зрителю. Голова Пьеро, напротив, опущена вниз, он углублен в себя. Художник переосмысливает эти образы, укоренившиеся в народной традиции. Фигуры на картине находятся как бы в разных пространственных измерениях, они сосуществуют, но не взаимодействуют.

П. Сезанн владел великолепной живописной техникой, создающей трепещущую красочную поверхность. По представлению художника, живопись складывается из двух составляющих — геометрической структуры природных форм и колорита. Свои поиски он сформулировал так: «Все в природе лепится в форме шара, конуса, цилиндра; надо учиться писать на этих простых фигурах, и, если вы научитесь владеть этими формами, вы сделаете все, что захотите. Нельзя отделять рисунок от красок, нужно рисовать по мере того, как пишете, и чем гармоничнее становятся краски, тем точнее делается рисунок. При наибольшем богатстве красок форма неизменно достигает своей полноты».

На натюрмортах Сезанна порой трудно определить, какие фрукты изображены. В портретах также есть некоторая условность, ибо художника занимают не столько духовный мир и характеры моделей, сколько основные формы предметного мира, переданные цветовыми соотношениями. Свойственные искусству Сезанна элементы абстрагирования привели его многочисленных последователей к живописной отвлеченности, ибо они сумели усвоить только его формальные достижения.

Сезанн. Убийство. 1860-е г.

Сезанн. Вакханалия. 1860-е г.

Сезанн. Негр Сципион. 1867

Сезанн. Отец художника за чтением L’evenement. Вторая половина 1860-х г.

Сезанн. Черные мраморные часы. 1869-71

Сезанн. Девушка у пианино («Увертюра к “Тангейзеру”»). Ок. 1869

Сезанн. Дом повешенного. 1873

Сезанн. Автопортрет в каскетке. Ок. 1873

Сезанн. Цветы в вазе. Ок. 1877

Сезанн. Берега Марны. 1888

Сезанн. Берега Марны. Вторая половина 1880-начало 1890-х г.

Сезанн. Гора Сент-Виктуар. Ок. 1896-98

Сезанн. Пьеро и Арлекин («Масленица»). 1888

Сезанн. Натюрморт с бутылкой. 1893-95

Сезанн. Апельсины и яблоки. 1895-1900

Сезанн. Мадам Сезанн в желтом кресле. Ок. 1890

Сезанн. Курильщик. Ок. 1890-92

Сезанн. Большие купальщицы. 1898-1905

Постимпрессионистом называют и Винсента Ван Гога (1853-1890) — художника, воплотившего смятенный дух человека. Его работы имеют определенные черты старой голландской традиции («Едоки картофеля», 1885). Когда через брата Тео, служившего в частной картинной галерее, Ван Гог сблизился с импрессионистами, его техника стала более свободной, смелой, палитра высветлилась («Пейзаж в Овере после дождя», 1890). Вскоре Ван Гог переехал в город Арль (Прованс), где вместе с Гогеном мечтал организовать нечто вроде братства художников. Здесь, на юге Франции, он начинает лихорадочно работать, как будто чувствуя, как мало времени ему отпущено («Красные виноградники в Арле», 1888).

Ван Гог повышенно эмоционально изображает не только людей, но и пейзаж и предметный мир. Свойственная художнику особая острота восприятия сообщает его произведениям сложное переплетение как будто взаимоисключающих настроений: восторга перед миром и пронзительного чувства одиночества, щемящей тоски, постоянного беспокойства. Даже обычные дома или комнаты («Хижины», 1888; «Спальня», 1888) приобретают у Ван Гога подлинный драматизм. Он очеловечивает мир вещей, наделяя его собственной горькой безнадежностью. Ван Гог достигает экс-прессии, нанося краски резкими, иногда зигзагообразными, а чаще параллельными мазками, как в уже упоминаемых «Хижинах». Ощущение напряженности создается с помощью цветовых контрастов и мазков, идущих в разных направлениях.

Ван Гог в большинстве случаев писал с натуры, но даже его этюды имели характер законченной картины, ибо он не отдавался всецело непосредственному впечатлению, а привносил в образ сложнейший комплекс идей и чувств, многообразные ассоциации («Прогулка заключенных», 1890; «Автопортрет с перевязанным ухом», 1889).

Последний год жизни Ван Гог проводит в больницах для душевнобольных. Его творческая активность в этот период поразительна. С какой-то истовостью он пишет природу, архитектуру, людей («Овер после дождя», «Церковь в Овере», «Портрет доктора Гаше» и др. ).

При жизни Ван Гог не пользовался известностью. Его огромное влияние на искусство сказалось много позднее.

Ван Гог. Пейзаж.

Винсент Ван Гог. Едоки картофеля. 1885

Ван Гог. Ткач.

Ван Гог. Пара ботинок. 1887

Винсент Ван Гог. Ночное кафе в Арле. 1888

Ван Гог. Автопортрет с перевязанным ухом и трубкой.

Поль Гоген (1848-1903), как и Ван Гог, довольно поздно стал систематически заниматься живописью. Ему было более 30 лет, когда, оставив службу в банке, он целиком посвятил себя искусству. Первые произведения художника отмечены влиянием импрессионизма, но вскоре Гоген вырабатывает свою манеру. В 1891 г. он уезжает на Таити, пленившись примитивной жизнью полинезийских племен, которые сохранили, по его мнению, безмятежный покой, первозданную чистоту и цельность, присущие детству человечества. Он вносит в свои экзотические, овеянные романтикой и легендой произведения элементы символики («Таитянская пастораль», «Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идем?», 1897). Художник передает на полотнах красоту земли, покрытой розовым песком, экзотичных белых цветов, каменных идолов и людей, похожих на этих идолов.

Стремясь приблизиться к художественным традициям туземного искусства, Гоген пришел к обобщению формы, ее плоскостному решению, ярким краскам, орнаментальному характеру композиции. Так, в одной из первых таитянских вещей «Женщина, держащая плод» (1893) смуглое тело таитянки передано намеренно плоскостно, силуэт очерчен контуром, черты лица застыли. Желтый орнамент на красной юбке вторит узору, образуемому листьями деревьев над ее головой, и сама она — неотъемлемая часть этой вечной природы. Гоген преднамеренно нарушает перспективу, он пишет, не сообразуясь с воздействием световоздушной среды, как импрессионисты, а преображая реальную природу в декоративный красочный узор. Художник усиливает интенсивность тонов, ибо его интересует не цвет травы в определенном освещении, в конкретное время суток, как Клода Моне, а цвет травы вообще. Он не пользуется светотеневой моделировкой, а накладывает цвет ровными плоскостями, в контрастном сопоставлении. Гоген понимает цвет символически, поэтому заменяет реальный цвет натуры на фантастический. Он стилизует форму предметов, подчеркивая нужный ему линейный ритм. Плоскостность, орна-ментальность, яркость красочных пятен — декоративность искусства Гогена позволила назвать его стиль ковровым. Многие полотна его действительно напоминают восточные декоративные ткани. Своей стилизацией таитянского искусства Гоген вызвал интерес к искусству неевропейских народов.

Гоген. Сад под снегом. 1879.

Гоген. Бретонские девушки танцуют. 1888

Гоген. Видение после проповеди (Борьба Иакова с Ангелом). 1888

Гоген. Женщина с натюрмортом Сезанна.

Гоген. Кафе в Арле (г-жа Жину). 1888

Гоген. «Здравствуйте, господин Гоген». 1889

Гоген. Прекрасная Анжела. 1889

Гоген. Желтый Христос. 1889

Гоген. Автопортрет с «Желтым Христом». 1889-90

Гоген. Аве Мария. 1891

Гоген. Дух мертвых бодрствует. 1892

Гоген. «Её зовут Вайраумати». 1892

Поль Гоген. Таитянские пасторали. 1892

Гоген. «Сегодня мы пойдем на рынок». 1892

Сезанн, Ван Гог, Гоген имели огромное влияние на развитие художественной культуры Новейшего времени.

IMPRESSIONISM (CLASSICAL MUSIC) — RADCAP

Импрессионизм в музыке (фр. impressionnisme, от фр. impression- впечатление)- музыкальное направление, аналогичное импрессионизму в живописи и параллельное символизму в литературе, сложившееся во Франции в последнюю четверть XIX века — начале XX века, прежде всего в творчестве Эрика Сати, Клода Дебюсси и Мориса Равеля. Точкой отсчёта «импрессионизма» в музыке можно считать 1886-1887 год, когда в Париже были опубликованы первые импрессионистические опусы Эрика Сати («Сильвия», «Ангелы» и «Три сарабанды»)- и как следствие, пять лет спустя, получившие резонанс в профессиональной среде первые произведения Клода Дебюсси в новом стиле (прежде всего, «Послеполуденный отдых фавна»). Музыкальный импрессионизм в качестве предшественника имеет прежде всего импрессионизм во французской живописи. У них не только общие корни, но и причинно-следственные отношения. И главный импрессионист в музыке, Клод Дебюсси, и особенно, Эрик Сати, его друг и предшественник на этом пути, и принявший от Дебюсси эстафету лидерства Морис Равель, искали и находили не только аналогии, но и выразительные средства в творчестве Клода Моне, Поля Сезанна, Пюви де Шаванна и Анри де Тулуз-Лотрека. Сам по себе термин «импрессионизм» по отношению к музыке носит подчёркнуто условный и спекулятивный характер (в частности, против него неоднократно возражал сам Клод Дебюсси, впрочем, не предлагая ничего определённого взамен). Понятно, что средства живописи, связанные со зрением и средства музыкального искусства, базирующиеся большей частью на слухе, могут быть связаны друг с другом только при помощи особенных, тонких ассоциативных параллелей, существующих только в сознании. Проще говоря, расплывчатое изображение Парижа «в осеннем дожде» и такие же звуки, «приглушённые шумом падающих капель» уже сами по себе имеют свойство художественного образа, но не реального механизма. Прямые аналогии между средствами живописи и музыки возможны только при посредстве личности композитора, испытавшего на себе личное влияние художников или их полотен. Если художник или композитор отрицает или не признаёт подобные связи, то говорить о них становится как минимум, затруднительным. Однако перед нами в качестве важного артефакта имеются признания и, (что важнее всего) сами произведения главных действующих лиц музыкального импрессионизма. Отчётливее остальных эту мысль выразил именно Эрик Сати, постоянно акцентировавший внимание на том, сколь многим в своём творчестве он обязан художникам. Он привлёк к себе Дебюсси оригинальностью своего мышления, независимым, грубоватым характером и едким остроумием, не щадящим решительно никаких авторитетов. Также, Сати заинтересовал Дебюсси своими новаторскими фортепианными и вокальными сочинениями, написанными смелой, хотя и не вполне профессиональной рукой. Но если Сати выводил свой прозрачный и скуповатый по средствам импрессионизм от символической живописи Пюви де Шаванна, то Дебюсси (через посредство того же Сати) испытал на себе творческое влияние более радикальных импрессионистов, Клода Моне и Камилла Писсаро. Достаточно только перечислить названия наиболее ярких произведений Дебюсси или Равеля, чтобы получить полное представление о воздействии на их творчество как зрительных образов, так и пейзажей художников-импрессионистов. Так, Дебюсси за первые десять лет пишет «Облака», «Эстампы» (наиболее образный из которых, акварельная звуковая зарисовка- «Сады под дождём»), «Образы» (первый из которых, один из шедевров фортепианного импрессионизма, «Отблески на воде», вызывает прямые ассоциации со знаменитым полотном Клода Моне «Импрессия: восход солнца»)… По известному выражению Малларме, композиторы-импрессионисты учились «слышать свет», передавать в звуках движение воды, колебание листвы, дуновение ветра и преломление солнечных лучей в вечернем воздухе. Симфоническая сюита «Море от зари до полудня» достойным образом подытоживает пейзажные зарисовки Дебюсси. Несмотря на часто афишируемое личное неприятие термина «импрессионизм», Клод Дебюсси неоднократно высказывался как истинный художник-импрессионист. Так, говоря о самом раннем из своих знаменитых оркестровых произведений, «Ноктюрнах», Дебюсси признавался, что идея первого из них («Облака») пришла ему в голову в один из облачных дней, когда он с моста Согласия смотрел на Сену… Что же касается шествия во второй части («Празднества»), то этот замысел родился у Дебюсси: «…при созерцании проходящего вдали конного отряда солдат Республиканской гвардии, каски которых искрились под лучами заходящего солнца… в облаках золотистой пыли». Равным образом, и сочинения Мориса Равеля могут служить своеобразными вещественными доказательствами прямых связей от живописи к музыке, существовавших внутри течения импрессионистов. Знаменитая звукоизобразительная «Игра воды», цикл пьес «Отражения», фортепианный сборник «Шорохи ночи»- этот список далеко не полон и его можно продолжать. Несколько особняком, как всегда, стоит Сати, одно из произведений, которое можно назвать в этой связи, это, пожалуй- «Героический прелюд ко вратам неба». Окружающий мир в музыке импрессионизма раскрывается сквозь увеличительное стекло тонких психологических рефлексий, едва уловимых ощущений, рождённых созерцанием происходящих вокруг незначительных изменений. Эти черты роднят импрессионизм с другим параллельно существовавшим художественным течением- литературным символизмом. Первым обратился к сочинениям Жозефена Пеладана Эрик Сати. Немного позднее творчество Верлена, Малларме, Луиса и- особенно Метерлинка нашло прямое претворение в музыке Дебюсси, Равеля и их некоторых последователей. Импрессионисты создавали произведения искусства утончённые и одновременно ясные по выразительным средствам, эмоционально сдержанные, бесконфликтные и строгие (чистые) по стилю. При этом сильно изменилась и трактовка музыкальных жанров. В области симфонической и фортепианной музыки создавались главным образом программные миниатюры, сюитные циклы (возвращение к рококо), в которых преобладало красочно-жанровое или пейзажное начало. Значительно богаче стало гармоническое и тембровое окрашивание тем. Импрессионистская гармония характеризуется резким повышением колористического, самодовлеющего компонента звука. Это развитие происходило под воздействием множества внешних влияний, в том числе: французского музыкального фольклора и новых для западной Европы конца XIX века систем музыкального построения, таких как русская музыка, григорианский хорал, церковная полифония раннего Возрождения, музыка стран Востока (именно под влиянием впечатлений от очередной Всемирной выставки 1889 года были написаны знаменитые «Гноссиены» Сати), негритянские спиричуэлс США и др. Это проявилось, в частности, в использовании натуральных и искусственных ладов, элементов модальной гармонии, «неправильных» параллельных аккордов и т. п. Инструментовка импрессионистов характеризуется уменьшением размеров классического оркестра, прозрачностью и тембровым контрастом, разделением групп инструментов, тонкой детальной проработкой фактуры и активным использованием чистых тембров как солирующих инструментов, так и целых однородных групп. В камерной музыке любимое тембровое сочетание Сати и Дебюсси, почти символическое для импрессионизма- это арфа и флейта. В целом следует признать, что жизнь этого музыкального стиля была достаточно краткой даже по меркам скоротечного XX века. Первые следы отхода от эстетики музыкального импрессионизма и стремление расширить пределы присущих ему форм музыкального мышления можно обнаружить в творчестве самого Клода Дебюсси уже после 1910 года. Что же касается первооткрывателя нового стиля, Эрика Сати — то раньше всех, уже после премьеры оперы «Пеллеас и Мелизанда» в 1902 году он решительно покидает растущие ряды сторонников импрессионизма, а спустя ещё десять лет- организует критику, оппозицию и прямое противодействие этому течению. К началу 30-х годов XX века импрессионизм стал уже старомодным, превратился в исторический стиль и полностью сошёл с арены актуального искусства, растворившись (в качестве отдельных красочных элементов)- в творчестве мастеров совершенно иных стилистических направлений (например, отдельные элементы импрессионизма можно выделить в произведениях Оливье Мессиана, Такэмицу Тору, Тристана Мюрая и др. ).

Франция — родина импрессионизма и символизма

Франция дала миру новое понимание искусства, переведя его из реалистической плоскости в модернистскую парадигму. Благодаря французской живописи многие нации имеет красочную импрессионистическую и символистскую литературу. Рассмотрим два основных направления, зародившихся во Франции.

Импрессионизм

Начало импрессионизма связано с выступлением художников против официальных штампов Парижского салона. Они показали новую форму искусства, максимально приближенную к жизни, открытием своей выставки «независимых» в 1874 г..  «Впечатление. Восход солнца» («впечатление» — «impression») — картина, давшая название всей школе живописцев, куда вошли такие известные личности, как Ф. Писсарро, А. Сислей, П. О. Ренуар. Близки к ним были Эдуар Мане и Эдгар Дега, которые тоже представляли свои произведения на импрессионистических выставках до 1886 г.
Расширение реалистического искусства вызвано интересом художников к жизни всего: от атрибутов городской культуры (вокзалов, улиц, фонарей, бульваров) до людей разных сословий. Они демонстрировали новый принцип отражения действительности, улавливая сущность явлений, процессов в одном мгновении: состоянии природы, атмосферы. Все это требовало новых средств художественной выразительности, свежего и острого восприятия мира.
Импрессионизм интересовали сильные страсти, одухотворенная природа, национальное прошлое, «ночная» сторона внутренней жизни человека, творческое и комическое, реальность и фантастика.
Приемы художников: фрагментарность композиции, неожиданные ракурсы и акценты, срезы фигур.
А. Сислей придумал специальную технику пленэра, с помощью которой его картины с точностью могли передать ощущения или звуковые эффекты. Импрессионисты разлагали сложные цвета, использовали цветные тени, рефлексы и валёры.
В середине 1880-х гг.. импрессионисты осознают ограниченные возможности их творческого метода, вытесняющего всесторонние познания мира и темы, имеющие острое общественное значение. В 1886 г. группа распалась. Но импрессионизм на этом не заканчивается, наоборот начинает активно проявляться в разных национальных культурах.
Импрессионистическую направленность имели живописцы Германии (М. Либерман, Л. Коринт), США (Дж. Уистлер), Швеции (А.Л. Цорн), России (К. А. Коровин, И. Э. Грабарь). В скульптуре этот творческий метод проявляется в желании передать мгновенное движение, эскизной пластике, текучести и мягкости форм (О. Роден, Э. Дега).

Символизм

Школа, которая возникла во Франции в 70-80 гг. 19 в.. От фр. Symbolisme означает знак, опознавательная примета. Эстетика французского символизма предусматривала использование символа в качестве главного объекта художественной выразительности и основного средства приближения к тайне «неизреченного».

Предпосылкой возникновения символизма была потеря ориентиров в мире технического прогресса и поиск новых культурных приоритетов. Задача нового направления – постичь мир во всей его многогранности. В основе лежала идеалистическая философия, признающая существование земного и неземного, идеального, небесного мира, познать который можно только иррациональным образом, с помощью интуиции. Художественный символ – способ избежания обыденности, стремление к идеальному миру. Ему характерны загадочность и поглощение разнообразных смыслов, многозначность, обусловлена наслоениями разных культурных эпох.
Основное поле для исследований – внутренний мир человека, отражающий внешнюю действительность. Именно здесь символисты ищут ответы на интересующие их жизненные вопросы. Кроме символа, для выражения своих концепций в этом направлении используются такие художественные приемы: сложная метафоризация, иносказание, намеки, мелодичность, многозначность слов, абстрактность образов и т. п..
Надеюсь, теперь вы убедились в том, что Францию по праву можно считать родиной модернистского искусства, и знаете об огромном ее вкладе в мировую культуру.

Экспрессионизм против импрессионизма: интроверт и экстраверт мира искусства

Искусство основано на эмоциях. Однако то, как он его вызывает, особенно с точки зрения метода и тона, варьируется от произведения к произведению. Отличный пример этого можно найти, исследуя произведения экспрессионизма и импрессионизма, двух стилей искусства, которые возникли в разное время и в разных местах, но оба они уходят корнями в яркое проявление человеческого опыта.

Итак, чем экспрессионизм отличается от импрессионизма? Чтобы понять, как эти два стиля сравниваются, полезно взглянуть на каждый из них отдельно, изучив, чего стремились достичь художники этой школы и как они работали для этого.Вот что нужно знать об экспрессионизме и импрессионизме в изобразительном искусстве, а также краткий обзор того, как эти стили соотносятся в музыке.

Экспрессионистское движение зародилось в Германии и Австрии в начале 20-го ^-го -го века, главным образом как критика изменяющейся и часто деморализующей общественной структуры, вызванной индустриализацией. Название было придумано чешским историком искусства Антонином Матейчеком в 1910 году и призвано обозначать противоположность популярным картинам импрессионистов, которые уже были в моде.

Художник, работающий в стиле экспрессионизма, свободен от традиционных форм и цветов. Наоборот, экспрессионизм — это целенаправленный отход от реализма, опирающийся на абстрактную форму, преувеличенные мазки и необычный выбор цвета для передачи физической реальности. Эти произведения полностью субъективны, хотя часто они создавались как очень прямой и очень критический ответ на проблемы дня.

Примеры экспрессионизма

Вероятно, самой знаковой экспрессионистской картиной является «Крик» Эдварда Мунка, абстрактное изображение собственной борьбы Мунка с психическим заболеванием.

Источник: Wikimedia
Крик Эдварда Мунка, 1893 год.

Среди других известных произведений экспрессионистского искусства — «Старый гитарист» Пабло Пикассо (1903–1904) и «Желтая корова» Франца Марка (1911).

Источник: wikimedia
«Старый гитарист» Пабло Пикассо.

Примечательно, что экспрессионизм не всегда использовался в качестве комментария к социальным проблемам. Например, «Желтая корова» Франца Марка — это сентиментальное проявление женственности, созданное в честь его женитьбы на Марии Франк в 1911 году.

Современный взгляд на современное искусство

История искусства: как использовать концепции импрессионизма в своих проектах 

Импрессионизм возник раньше экспрессионизма, последний из которых фактически во многом был ответом (и предупреждением) полуреализму, изображенному в произведениях импрессионистов. Он зародился в Париже в конце 19 века и был способом для современных художников критиковать быстро меняющийся городской пейзаж.Характеристики импрессионизма включают использование ярких цветов, которые часто использовались для изображения уличных сцен. Краска наносится короткими мазками, а цвета не смешиваются, как если бы художник просто взглянул на сцену, прежде чем перенести ее на холст. Также большое внимание уделяется точному воспроизведению естественного света.

Образцы импрессионизма

Сам термин импрессионизм происходит от картины Клода Моне «Впечатление, восход солнца» (1872). Произведение иллюстрирует качества импрессионистского искусства, оставляя у зрителей ощущение, что художник поймал мимолетный момент времени.

Источник: Raw pixel
«Впечатление, восход солнца» Клода Моне.

Не менее известны многие другие импрессионистские картины Моне, такие как «Женщина с зонтиком» (1875 г.) и «Пруд с водяными лилиями» (1899 г.).

Источник: Raw Pixel
«Женщина с зонтиком» Клода Моне.

Другим известным примером импрессионизма является картина Пьера-Огюста Ренуара «Жанна Самари в платье с декольте» (1877).

Источник: Instagram
«Жанна Самари в платье с декольте» Пьера-Огюста Ренуара.

Различие между экспрессионизмом и импрессионизмом распространяется и на музыку, хотя смыслы совершенно те же. Экспрессионистская музыка — это более абстрактная интерпретация традиционных западных тонов, цель которой — передать глубокие эмоции. Импрессионистская музыка, тем временем, направлена ​​на то, чтобы уловить настроение момента.

Композиторы, связанные с экспрессионистской музыкой, включают Игоря Стравинского, Арнольда Шёнберга и Белу Бартока, а Клод ДеБюсси, Морис Равель и Исаак Альбенис — все композиторы, олицетворяющие импрессионистское движение.

Оживите свой мир

Ваш мир акварелью: медитативное рисование пейзажей

Моне и Дебюсси Титаны импрессионизма

Примечание редактора: В связи с Клод Моне: Истина о природе Общественное радио Колорадо запустило новую серию блогов, посвященных Моне и музыке.

Если Клод Моне — титан импрессионистского искусства, то его двойник в музыке — Клод Дебюсси.Только не называйте Дебюсси импрессионистом.

Я пытаюсь «что-то другое», реальности в каком-то смысле то, что идиоты называют импрессионизмом, чуть ли не наименее подходящий термин из возможных

— писал Дебюсси своему издателю в 1908 году

Что имели в виду «имбецилы», когда называли его музыку импрессионистской? И почему Дебюсси обиделся на этот термин?

Картины

Моне характеризуются отчетливыми тонкими мазками, мягкими краями и меняющимся светом. Точно так же музыка Дебюсси стирает грани и создает новые гармонии, что придает его музыке мечтательный характер.

Дирижер Дэвид Робертсон, создавший серию мультимедийных концертов импрессионистов, так описывает импрессионизм:

Музыка часто кажется довольно резкой. Вы можете постучать по нему ногой. Вы можете довольно легко спеть мелодию. Он разбит на легко узнаваемые фрагменты. И в тот момент, когда приходит импрессионизм, внезапно многие из этих ясностей начинают размываться, и появляется другая ясность.Вид ясности, которую вы использовали бы, чтобы описать лунный свет на воде.

Прослушайте полное интервью с Дэвидом Робертсоном на сайте cpr.org.

Слушайте Monet Mondays на CPR Classical, чтобы открыть для себя захватывающую связь между Моне и музыкой его времени.

Они все знали друг друга

Моне был первоисточником импрессионизма в искусстве, но вскоре идеалы импрессионизма перекинулись на музыку и литературу. Это не удивительно. Все они знали друг друга.

Во второй половине 19 века художественный центр Парижа располагался по адресу 89 rue de Rome. Почти каждый вечер вторника поэт Стефан Малларме приглашал к себе домой творческих интеллектуалов, чтобы обсудить искусство, музыку, литературу и философию. Такие писатели, как Оскар Уайльд, Поль Верлен и У. Йейтс вместе с такими художниками, как Эдуард Мане, Пьер-Огюст Ренуар, Эдгар Дега, а иногда и Клод Моне, входили в эту художественную элиту. Композитор Клод Дебюсси также присоединился к группе, которую Малларме назвал «Les Mardistes» ( mardi по-французски — вторник).

Именно в этих знаменитых вечерних салонах по вторникам Дебюсси открыл для себя стихотворение Малларме «Прелюдия к полудню фавна». Поэма описывает чувственный сон фавна, мифологического получеловека-полукозла, олицетворявшего плодородие. Смысл стихотворения не ясен. Снится фавн или нимфы в его сне реальны?

Дебюсси положил начало импрессионизму в музыке своей музыкальной интерпретацией Prelude to The Afternoon of a Faun в 1894 году. Он олицетворяет двусмысленность стихотворения. Музыка мечтательная и чувственная. Нет жестких краев. Он чувствует себя неукорененным во времени. Неудивительно, что дирижер Пьер Булез считал это произведение началом современной музыки, когда сказал:

.

Флейта фавна вдохнула новое дыхание в музыкальное искусство.

«

» Дебюсси « Прелюдия » имела восторженный успех на своей премьере. Так почему же Дебюсси возмутился, когда его назвали композитором-импрессионистом? К 1894 году это слово стало уничижительным.Впервые он был использован, когда критики осыпали оскорблениями картину Клода Моне « Впечатление, Восход солнца » в 1874 году. Критики назвали картину «незавершенной» и неблагоприятно сравнили ее с обоями. Моне и его друзьям было все равно, и они использовали это слово для своего нового стиля живописи. Но для Дебюсси, пытавшегося построить свою карьеру, это был негативный багаж.

Справедливости ради следует отметить, что такие композиторы, как Дебюсси, были больше связаны с поэтами и писателями, на которых повлияла революция Моне.

Дебюсси восхищался творчеством своего друга, поэта Поля Верлена. Поэма Верлена «Clair de Lune» («Лунный свет») послужила источником вдохновения для одноименного фортепианного шедевра Дебюсси (1890). Верлен использует прилагательные «грустный и красивый», чтобы описать лунный свет в своем стихотворении. Говорят, что Дебюсси сказал: «Музыка — это пространство между нотами», и вы слышите это чувство в открытости между первыми нотами в произведении. Это идеальное музыкальное сочетание грусти и красоты, найденное в произведениях Верлена.

Насколько нам известно, Дебюсси никогда не писал музыки, связанной с картиной Моне. Но мы должны благодарить Моне за « ноктюрнов (1899) » Дебюсси. Моне познакомил Дебюсси с американским художником Джеймсом Эбботтом Макнейлом Уистлером, чья серая, туманная серия ночных сцен под названием Ноктюрнов вдохновила Дебюсси на создание собственной серии музыкальных впечатлений. Сирены изображает ночное море.

Sirènes изображает море и его бесчисленные ритмы, и вскоре среди волн, посеребренных лунным светом, слышна таинственная песня сирен, которые смеются и уходят.

— Дебюсси

Импрессионизм в искусстве распространился по всему миру. Импрессионизм в музыке распространился на юг в Испанию с такими композиторами, как Исаак Альбенис и Мануэль де Фалья, на север в Англию с такими композиторами, как Фредерик Делиус, и даже в Америку с Чарльзом Томлисоном Гриффсом. И сегодня произведения импрессионистов, такие как « Clair de lune » Дебюсси, « 3 Gymnopedie s» Сати и « Pavane for a Dead Princess» Равеля, являются одними из самых любимых в классической музыке.

Header Images: Клод Моне в своей мастерской, 1920 год. Частная коллекция/Roger-Viollet, Paris/Bridgeman Images. Фото Дебюсси предоставлено CPR через Wikimedia Commons.

Мане и импрессионисты – Введение в искусство

Мане

Эдуард Мане, французский художник, был ключевой фигурой в переходе от реализма к импрессионизму.

• Его ранние шедевры, «Завтрак на траве» (Le déjeuner sur l’herbe ) и Olympia, вызвали большие споры и послужили объединяющими точками дляСегодня они считаются переломными картинами, знаменующими зарождение современного искусства.
90–180 Для его стиля в этот период характерны свободные мазки, упрощение деталей, подавление переходных тонов.
• Работы Мане рассматривались как вызов произведениям эпохи Возрождения, которые вдохновляли его картины. Работа Мане считается «ранним модерном» отчасти из-за черных обводок фигур, привлекающих внимание к поверхности плоскости картины и качеству материала краски.

• сопоставление : Дополнительный акцент на сравнении, когда контрастирующие объекты расположены близко друг к другу.
• Импрессионизм : направление в искусстве 19 века, зародившееся в группе парижских художников. Характеристики живописи импрессионистов включают в себя относительно небольшие, тонкие, но видимые мазки, открытую композицию, акцент на точном изображении света в его меняющихся качествах (часто подчеркивая эффекты течения времени), общий, обычный сюжет, включение движения как важнейший элемент человеческого восприятия и опыта, а также необычные углы обзора.

Эдуард Мане (1832–1883) — французский художник. Один из первых художников 19-го века, который обратился к предметам модерна и постмодернизма, он был ключевой фигурой в переходе от реализма к импрессионизму. Его ранние шедевры, The Luncheon on the Grass ( Le déjeuner sur l’herbe ) и Olympia , вызвали большие споры и послужили объединяющими точками.Сегодня они считаются переломными картинами, знаменующими зарождение современного искусства.

Мане открыл студию в 1856 году. Его стиль в этот период характеризовался свободными мазками, упрощением деталей и подавлением переходных тонов. Приняв современный стиль реализма, начатый Гюставом Курбе, он нарисовал Любительница абсента (1858–1859) и другие современные предметы, такие как нищие, певцы, цыгане, люди в кафе и бои быков. Музыка в Тюильри — ранний образец живописного стиля Мане.Вдохновленный Хальсом и Веласкесом, он является предвестником его жизненного интереса к предмету досуга.

Музыка в Тюильри, 1862 г.: одна из самых ранних работ Мане, которая демонстрирует его интерес к небрежным мазкам куста и неторопливой общественной деятельности парижан 19-го века. Salon des Refusés (Салон отвергнутых) позже в том же году. Сопоставление на картине полностью одетых мужчин и обнаженной женщины было спорным, как и ее сокращенная, похожая на набросок обработка, нововведение, которое отличало Мане от Курбе.В то же время эта композиция раскрывает изучение Мане старых мастеров эпохи Возрождения. Одна работа, которую ученые называют важным прецедентом для Le déjeuner sur l’herbe , — это « Буря » Джорджоне (или Тициана) Пасторальный концерт из

. «Завтрак на траве» (Le déjeuner sur l’herbe) Эдуара Мане, 1863 г. На картине изображено сопоставление обнаженной женщины и скудно одетой купальщицы на пикнике с двумя полностью одетыми мужчинами в сельской местности.Отвергнутый жюри Салона 1863 года, Мане воспользовался возможностью выставить эту и две другие картины в Салоне Отверженных 1863 года, где картина вызвала общественную известность и споры. уважаемая работа художника эпохи Возрождения в его картине Олимпия (1863 г.), обнаженная натура, изображенная в позе, основанной на картине Тициана Венера Урбино (1538 г.). Мане создал Olympia в ответ на предложение представить Салону картину с обнаженной натурой.Его впоследствии откровенное изображение самоуверенной проститутки было принято Парижским салоном в 1865 году, где вызвало скандал.

Олимпия Эдуарда Мане, 1863: «Олимпия» Мане вызвала споры в то время из-за конфронтационного взгляда изображенной женщины, а также из-за того факта, что многочисленные детали на картине означают, что она проститутка.

Картина вызвала споры отчасти потому, что обнаженная носит небольшие предметы одежды, такие как орхидея в волосах, браслет, лента на шее и тапочки без мулов, все это подчеркивало ее наготу, сексуальность и комфортный образ жизни куртизанки.Орхидея, зачесанные вверх волосы, черная кошка и букет цветов были в то время признанными символами сексуальности. Тело этой современной Венеры тонкое, что противоречит господствующим стандартам, и это отсутствие физического идеализма раздражало зрителей. Тело Олимпии, как и ее взгляд, откровенно конфронтационны. Она вызывающе смотрит, как ее слуга предлагает цветы от одного из ее поклонников-мужчин. Хотя ее рука лежит на ноге, скрывая лобок, ссылка на традиционную женскую добродетель иронична: в этой работе, как известно, отсутствует женская скромность.Как и в случае с «Завтрак на траве» , картина подняла проблему проституции в современной Франции и роли женщин в обществе.

Грубо написанный стиль и фотографическое освещение в этих двух противоречивых работах воспринимались современниками как современные: в частности, как вызов работам эпохи Возрождения, которые Мане копировал или использовал в качестве исходного материала. Его работы считаются «ранним модерном» отчасти из-за черных обводок фигур, привлекающих внимание к поверхности плоскости картины и качеству материала краски.

Импрессионизм

Импрессионизм — это движение 19 века, известное своими картинами, целью которых было изобразить быстротечность света и запечатлеть сцены современной жизни и мира природы в их постоянно меняющихся условиях.

• Определите характеристики импрессионизма.

• Термин «импрессионизм» происходит от названия картины Клода Моне, Impression, soleil levant («Впечатление, Восход»).
• Работы импрессионистов характерны для изображения общих визуальных эффектов, а не деталей, и для достижения эффекта интенсивной цветовой вибрации используются короткие, «прерывистые» мазки смешанных и несмешанных цветов.
• Во второй половине 1873 года Моне, Ренуар, Писсарро и Сислей организовали Société Anonyme Coopérative des Artistes Peintres, Sculpteurs, Graveurs («Кооперативное и анонимное объединение художников, скульпторов и граверов»), чтобы независимо выставлять свои работы смешанным критический ответ.
• Импрессионисты выставлялись вместе восемь раз в период с 1874 по 1886 год. Отдельные художники получали небольшое финансовое вознаграждение от выставок импрессионистов, но их искусство постепенно завоевало определенное общественное признание и поддержку.
•  Импрессионисты обычно рисовали сцены современной жизни и часто рисовали на открытом воздухе или en plein air .
• В середине 19 века Академия изящных искусств доминировала во французском искусстве, ценя исторические сюжеты, религиозные темы и портреты, а не пейзажи или натюрморты.
• В начале 1860-х Моне, Ренуар, Сислей и Базиль познакомились во время учебы у академического художника Шарля Глейра. Они обнаружили, что их объединяет интерес к рисованию пейзажей и современной жизни, а не к историческим или мифологическим сценам.
• Картины импрессионистов можно охарактеризовать использованием коротких толстых мазков краски, которые быстро передают суть предмета, а не детали.
• В картинах импрессионистов не используется прозрачность тонких пленок краски (глазури), которыми раньше художники тщательно манипулировали для создания эффектов.
• Тематически работы импрессионистов ориентированы на то, чтобы запечатлеть движение жизни или быстрые мгновения, запечатленные словно на снимке.

• En Plein air : En plein air — это французское выражение, которое означает «на открытом воздухе» и в частности используется для описания процесса рисования на открытом воздухе, который также называется peinture sur le motif («peinture sur le motif»). живопись на земле») на французском языке.
• Vista : От итальянского vista («вид, зрелище»).Дальний вид или перспектива, особенно видимая через отверстие, проспект или проход.
• фланёр : Человек, наблюдающий за обществом, обычно в городских условиях; «наблюдатель за людьми».

Импрессионизм — это художественное течение 19 века, созданное группой парижских художников, в том числе Бертой Моризо, Клодом Моне, Огюстом Ренуаром, Эдгаром Дега, Камилем Писсарро и Альфредом Сислеем, а также американской художницей Мэри Кассат. Эти художники строили свои картины с помощью свободных цветов, которые преобладали над линиями и контурами. Обычно они рисовали сцены современной жизни и часто рисовали на открытом воздухе. Импрессионисты обнаружили, что они могут запечатлеть мгновенные и преходящие эффекты солнечного света, рисуя en plein air . Однако многие импрессионистские картины и гравюры, особенно созданные Моризо и Кассат, установлены в домашних интерьерах. Как правило, они изображали общие визуальные эффекты вместо деталей и использовали короткие, «прерывистые» мазки смешанных и несмешанных цветов для достижения эффекта интенсивной цветовой вибрации.

Радикалы в свое время, ранние импрессионисты нарушили правила академической живописи. Во Франции 19 века Академия изящных искусств («Академия изящных искусств») доминировала во французском искусстве. Академия была хранителем традиционных французских стандартов содержания и стиля живописи. Исторические сюжеты, религиозные темы и портреты ценились (пейзаж и натюрморт не ценились), и Академия предпочитала тщательно обработанные изображения, которые при внимательном рассмотрении выглядели реалистично. Цвет был мрачным и консервативным, а следы мазков были подавлены, скрывая личность художника, эмоции и приемы работы.

Художники-импрессионисты не могли позволить себе ждать, пока Франция примет их работы, поэтому они устроили собственную выставку — помимо ежегодного салона, организованного Академией. Во второй половине 1873 года Моне, Ренуар, Писсарро и Сислей организовали Société Anonyme Coopérative des Artistes Peintres, Sculpteurs, Graveurs («Кооперативная и анонимная ассоциация художников, скульпторов и граверов»), чтобы выставлять свои работы независимо друг от друга. Всего в их первой выставке, состоявшейся в апреле 1874 года в мастерской французского фотографа и карикатуриста Надара, участвовало 30 художников.

Критическая реакция была неоднозначной. Критик и юморист Луи Леруа написал язвительную рецензию в газете Le Charivari, в которой, играя словами с названием «Впечатление , soleil levant » («Впечатление, восход солнца») Клода Моне, он дал художникам имена которым они стали известны. Термин «импрессионисты» быстро завоевал популярность у публики. Его приняли и сами художники, несмотря на то, что они представляли собой разнородную группу по стилю и темпераменту, объединенную, прежде всего, духом независимости и бунтарства.Они выставлялись вместе восемь раз в период с 1874 по 1886 год. Отдельные художники получили небольшое финансовое вознаграждение от выставок импрессионистов, но их искусство постепенно завоевало определенное общественное признание и поддержку. Их дилер, Поль Дюран-Рюэль, сыграл в этом важную роль, поскольку он представлял их работы публике и устраивал для них шоу в Лондоне и Нью-Йорке.

Импрессионисты запечатлели обычных людей, занятых повседневными делами как в сельской, так и в городской среде. Художники-импрессионисты смягчили границу между предметом и фоном, так что эффект импрессионистической картины часто напоминал снимок, часть большой реальности, запечатленная как бы случайно.Они пытались показать то зрелище Парижа и его окрестностей, которое раньше не было доступно рабочему классу.

В период между 1853 и 1870 годами Наполеон III, племянник первого Бонапарта и нового императора, поручил своему префекту Сены барону Осману проект городского обновления Парижа. Париж в 19 веке. был все еще средневековым городом с узкими мощеными улицами и открытыми коллекторами без уличного освещения в большинстве районов города. Городская беднота в основном населяла центральную часть Парижа и была тем населением, которое спровоцировало и осуществило великую революцию 1889 года и более мелкие восстания 1830 и 1848 годов.Темные узкие улочки Парижа мешали правительству контролировать это население. Осман очистит центр Парижа от людей и зданий и устроит широкие чистые бульвары с дорогими витринами и многоквартирными домами для новой буржуазии. Сточные воды больше не будут течь по центру улицы, а современные газовые фонари сделают современный Париж действительно «городом огней». Все это стало зрелищем, которое для импрессионистов станет тем, чем был модернизм, и темой многих их картин.

Развитие импрессионизма можно рассматривать отчасти как реакцию художников на вызов, брошенный фотографией, которая как бы обесценивала умение художника воспроизводить реальность. Несмотря на это, фотография на самом деле вдохновляла художников на поиск других средств художественного выражения, и вместо того, чтобы конкурировать с фотографией в имитации реальности, импрессионисты стремились выразить свое восприятие природы и современной городской жизни.

Сцены из буржуазной беззаботной жизни, а также из мира развлечений, таких как кафе, танцевальные залы и театры, были среди их любимых сюжетов.В своих жанровых сценах современной жизни эти художники пытались остановить момент своей стремительной жизни, точно определяя определенные атмосферные условия, такие как мерцание света на воде, движущиеся облака или городские огни, падающие на танцующие пары. Их техника пыталась запечатлеть то, что они видели.

Пьер-Огюст Ренуар, Танец в Мулен де ла Галетт, 1876. Холст, масло, 4’3 ½” x 5’9”. Музей д’Орсе, Париж. PD US

Живопись импрессионистов отошла от традиций Академии, отдавая предпочтение повседневным предметам, преувеличенному цвету, нанесению густой краски и стремясь уловить движение жизни, а не постановочные сцены.

В середине 19 века Академия изящных искусств доминировала во французском искусстве. Академия была хранителем традиционных французских стандартов содержания и стиля живописи. Ценились исторические сюжеты, религиозные темы и портреты; пейзажа и натюрморта не было. Академия предпочитала тщательно обработанные изображения, которые выглядели реалистично при ближайшем рассмотрении. Картины в этом стиле были составлены из точных мазков, тщательно смешанных, чтобы скрыть руку художника в работе.Цвет был сдержанным и часто смягчался нанесением золотого лака.

В начале 1860-х годов четверо молодых художников — Клод Моне, Пьер-Огюст Ренуар, Альфред Сислей и Фредерик Базиль — познакомились во время учебы у академического художника Шарля Глейра. Они обнаружили, что их объединяет интерес к рисованию пейзажей и современной жизни, а не к историческим или мифологическим сценам. Следуя практике, которая стала все более популярной к середине века, они часто вместе отправлялись в сельскую местность, чтобы рисовать на открытом воздухе или en plein air , но не с целью создания набросков, тщательно законченные работы в мастерской, как это было принято.Рисуя при солнечном свете прямо с натуры и смело используя яркие синтетические пигменты, которые стали доступны с начала века, они начали развивать более светлую и яркую манеру живописи, которая еще больше расширила реализм Гюстава Курбе и Барбизона. Школа.

Impression, soleil levant (Впечатление, Восход солнца) Клода Моне, 1872: Эта картина стала источником названия движения, насмешливо данного критиком, но принятого художниками и публикой

Техника

Картины импрессионистов можно охарактеризовать использованием коротких, толстых мазков краски, которые быстро передают суть предмета, а не детали.Цвета часто накладываются бок о бок с минимальным смешиванием, насколько это возможно, в этой технике используется принцип одновременного контраста, чтобы цвет казался зрителю более ярким. Картины импрессионистов не используют прозрачность тонких пленок краски (глазури), которыми раньше художники тщательно манипулировали для создания эффектов. Кроме того, поверхность картины обычно непрозрачна, а игра естественного света подчеркивается.

Тематически импрессионисты сосредоточились на запечатлении движения жизни или быстрых мгновений, запечатленных как на снимке.Представление света и его изменяющихся качеств имело первостепенное значение. Обычные сюжеты и необычные ракурсы также были важными элементами произведений импрессионистов. Обратите внимание на фабрику на заднем плане — еще один символ современной жизни, которую пытались запечатлеть импрессионисты.

Осенний эффект в Аржантёе, Клод Моне, 1873. Холст, масло, 21,7 x 29,4», Институт Курто. PD US

Скульптура импрессионистов

Принято считать, что современная скульптура началась с творчества французского скульптора Огюста Родена.

• Как правило, художники-модернисты были озабочены изображением современных проблем, а не грандиозных исторических и аллегорических тем, которые ранее предпочитались в искусстве. Роден моделировал сложные, турбулентные, глубоко изрезанные поверхности из глины, и многие из его наиболее известных скульптур противоречили преобладающей традиции фигурной скульптуры, в которой работы были декоративными, шаблонными или очень тематическими. Спонтанность, очевидная в его работах, связывает его с импрессионистами, хотя он никогда не отождествлял себя с ними.
• Самая оригинальная работа Родена отошла от традиционных тем мифологии и аллегории в пользу реалистичного моделирования человеческого тела и прославления индивидуального характера и физического состояния.
• Именно свобода и творчество, с которыми Роден использовал эти практики, наряду с его более открытым отношением к телесным позам, чувственным предметам и нереалистичным поверхностям, ознаменовали преобразование традиционных скульптурных техник XIX века в прототип для современная скульптура.
• Хотя его творчество вышло за многие стилистические границы, и он не идентифицировал себя конкретно как импрессиониста, Дега, тем не менее, считается одним из основателей импрессионизма.
• Скульптура Маленькая четырнадцатилетняя танцовщица Эдгара Дега ок. 1881 год был показан на Выставке импрессионистов 1881 года и вызвал много споров из-за отклонения от исторического прецедента, ключевого мотива импрессионистов.

• Огюст Роден : Огюст Роден был французским скульптором.Хотя Родена принято считать прародителем современной скульптуры, он не задался целью восстать против прошлого. Он получил традиционное образование, подходил к своей работе как ремесленник и желал академического признания, хотя его так и не приняли в передовую художественную школу Парижа.

Французская скульптура

Современный классицизм во многом контрастировал с классической скульптурой 19 века, для которой были характерны приверженность натурализму, мелодраматизму, сентиментальности или какой-то величавой грандиозности.На рубеже веков в классической традиции было выбрано несколько различных направлений, но изучение живой модели и постренессансной традиции по-прежнему оставалось фундаментальным. Современный классицизм проявлял меньший интерес к натурализму и больший интерес к формальной стилизации. Больше внимания уделялось ритмам объемов и пространств, а также контрастным свойствам поверхности (открытая, закрытая, плоская, ломаная и т. д.), в то время как меньше внимания уделялось повествованию и убедительным деталям анатомии или костюма.Больше внимания уделялось психологическому эффекту, чем физическому реализму, и использовались влияния более ранних стилей во всем мире.

Современная скульптура, как и все современное искусство, «возникла как часть попытки западного общества примириться с городским, индустриальным и светским обществом, возникшим в 19 веке». Как правило, художники-модернисты были озабочены представлением современных проблем, а не грандиозных исторических и аллегорических тем, которые ранее предпочитались в искусстве.

Влияние Родена

Принято считать, что современная скульптура началась с творчества французского скульптора Огюста Родена. Роден, которого часто считают скульптурным импрессионистом, не собирался восставать против художественных традиций, однако он использовал новые способы построения своей скульптуры, которые бросали вызов классическим категориям и методам. В частности, Роден моделировал в глине сложные, турбулентные поверхности с глубокими карманами. Хотя он никогда не называл себя импрессионистом, энергичное жестовое моделирование, которое он использовал в своих работах, часто сравнивают с быстрыми жестовыми мазками, стремящимися запечатлеть мимолетный момент, что было типично для импрессионистов.Самая оригинальная работа Родена отошла от традиционных тем мифологии и аллегории в пользу моделирования человеческого тела с интенсивным реализмом и прославления индивидуального характера и телесности.

Роден был натуралистом, которого волновали не столько монументальные выражения, сколько характер и эмоции. Отойдя от многовековой традиции, он отвернулся от идеализма греков и декоративной красоты течений барокко и необарокко. Его скульптура подчеркивала индивидуальность и конкретность плоти, предлагая эмоции через детализированные текстурированные поверхности и взаимодействие света и тени.В большей степени, чем его современники, Роден считал, что характер человека раскрывается в его физических особенностях. Талант Родена к моделированию поверхностей позволил ему позволить каждой части тела говорить за целое. Страсть мужчины в Поцелуй , например, выражена сцеплением его пальцев ног с камнем, жесткостью спины и дифференцированием рук. Роден видел страдания и конфликты как отличительные черты современного искусства. Он утверждает, что «на самом деле нет ничего более трогательного, чем обезумевший зверь, умирающий от неудовлетворенного желания и тщетно просящий милости, чтобы подавить его страсть.

Главное нововведение Родена заключалось в том, чтобы извлечь выгоду из таких многоэтапных процессов скульптуры 19-го века и их зависимости от гипсового литья. Поскольку глина быстро портится, если ее не держать влажной или не обжигать в терракоту, скульпторы использовали гипсовые слепки в качестве средства фиксации композиции, которую они должны были сделать из нестойкого материала, которым является глина. Это было обычной практикой среди современников Родена: скульпторы выставляли гипсовые слепки в надежде, что им поручат сделать работы из более стойкого материала.Однако Роден изготовил несколько гипсов и использовал их как сырье для скульптуры, рекомбинируя их части и фигуры в новые композиции и новые имена. По мере того как практика Родена развивалась до 1890-х годов, он становился все более и более радикальным в своем стремлении к фрагментации, комбинированию фигур разного масштаба и созданию новых композиций из своих более ранних работ.

Именно свобода и творческий подход, с которыми Роден использовал эти практики, наряду с его активацией поверхностей скульптур посредством следов собственного прикосновения, ознаменовали преобразование Роденом традиционных скульптурных техник 19-го века в прототип современной скульптуры.

«Мыслитель» Огюста Родена: эксперименты Родена с формой, видимые в «Мыслителе», положили начало современной абстрактной скульптуре

Эдгар Дега

Эдгар Дега — французский художник, известный своими картинами, скульптурами, гравюрами и рисунками. Он особенно отождествляется с предметом танца; более половины его работ изображают танцоров. Его считают одним из основоположников импрессионизма, хотя он отверг этот термин, предпочитая называться реалистом.

В течение всей его жизни общественное отношение к творчеству Дега варьировалось от восхищения до презрения.Как многообещающий художник в традиционном стиле, Дега принял ряд картин, принятых в Салон между 1865 и 1870 годами. Однако вскоре он объединил усилия с импрессионистами и отверг жесткие правила, суждения и элитарность Салона — так же, как и Салон и широкая публика поначалу отвергали экспериментаторство импрессионистов.

Работа

Дега вызвала споры, но в целом вызывала восхищение своим мастерством. Его La Petite Danseuse de Quatorze Ans , или Маленькая четырнадцатилетняя танцовщица , которую он представил на шестой выставке импрессионистов в 1881 году, вероятно, была его самой противоречивой работой; одни критики осуждали то, что они считали его «ужасающим уродством», в то время как другие видели в нем «цветение». Скульптура на две трети в натуральную величину и изначально была вылеплена из воска, необычного для того времени материала. Она одета в настоящий лиф, пачку и балетки и имеет парик из настоящих волос. Все, кроме ленты для волос и пачки, покрыто воском. 28 бронзовых повторений, которые сегодня выставлены в музеях и галереях по всему миру, были отлиты уже после смерти Дега. Пачки, которые носят бронзовые фигуры, варьируются от музея к музею.

Эдгар Дега «Маленькая танцовщица четырнадцати лет», ок. 1881: Спорная скульптура, которую Дега продемонстрировал на Выставке импрессионистов 1881 года, известна своей экспериментальностью и нарушением традиции

Признанный важным художником при жизни, Дега теперь считается одним из основателей импрессионизма.Хотя его работы пересекали многие стилистические границы, его участие в выставках других крупных фигур импрессионизма, его динамичные картины и зарисовки повседневной жизни и деятельности, а также его смелые эксперименты с цветом послужили тому, чтобы окончательно связать его с импрессионистским движением как одним из его направлений. величайшие художники.

Развитие и виды реалистического искусства

Классицизм Сначала консервативные элементы отказались признать изменение или новый порядок вещей, и они напряглись их отношение как в политике, так и в искусстве.После первых потрясений традиционно монархические державы объединили свои силы в Священный союз. В искусстве классицизм привел к официальному академическому стилю: см. Классицизм. и натурализм в 17 веке. Эта «идеальная» концепция была основана по старому порядку, но была обречена на исчезновение как земледельческая цивилизация уступил место индустриальной цивилизации. «Идеал» классицизма мог быть только подходить с некоторым самоотречением и большими усилиями.Его место стало бросать вызов исполнению желаний романтизма. Эпопея экспансия при Наполеоне привнесла сопоставимые эстетические желания в его будить. Для Франции поражение было ужасным. В течение многих лет боевой дух французов был ликовал от побед и завоеваний, но теперь оказался в смирительной рубашке буржуазных практических интересов с их тесным кругозором и их стремление к финансовому богатству. Эстетический и интеллектуальный дух не мог найти выход в материализме Реставрации и Июльская монархия. Романтизм В этом бедственном положении оказалась вся Европа. Аристократия и вера в идеальные ценности исчезли. Люди, ярость которых в прошлом привела к революции, теперь притупились и порабощены. Они были подготовлены к осуществлению амбиций, которые были весьма безграничны, и они были внезапно отброшены в более узкое русло, чем Когда-либо. Плодом этого кризиса был романтизм, потому что только сны давали им спасение, а свободная игра воображения было наиболее эффективным средством бегства от настоящей реальности. Около 1830 г. Художники-романтики обратились за своими предметами в мир художественной литературы и выбирал темы из прошлого или из далекого землях, или они давали волю своим фантазиям. Это не могло продолжаться, просто поскольку нормальный образ жизни в прошлом не мог быть искусственно продлен. В конце концов, человеку пришлось принять подлинное давление времени, и в XIX века это привело в противоположном направлении, к «настоящему» которая навязала себя и свое правило.Не было другого возможного будущего нового этапа, в который вступило человечество. Переход к Реализм через пейзажную живопись Перейти от индивидуализма 1830 г. (основан о мечтах), к строгому позитивизму 1850 г. (на основе конкретных реалий), необходимо было пройти через переходный период. В искусстве это переход был достигнут посредством пейзажа живопись и природа.Только природа могла удовлетворить одновременно мечтатель и реалист. В природе романтик-индивидуалист мог найти одиночества, он мог простираться до пределов мира и находить слияние его человеческой души с универсальной душой природы. К зарождающемуся Реалистичная природа предложила непосредственное натуралистическое решение. Художник мог созерцать увиденное и достоверно передавать его, и таким образом он научился общаться с «реальным». Художник-реалист старался избегать предвзятых представлений — утопического идеализма или эскапистского романтизма.Классические пейзажи П.Х. де Валансьен и А. Э. Мишаллон по-прежнему правили условностью, как и романтические пейзажи с фигурами назарянами, Камилем Коро и В.Н. Диаса, Мишеля и Юэ во Франции и Джона Мартин и Дж.М.У. Тернер в Англии, которая не накладывала ограничений на воображение. Следующий им новый ландшафт промежуточной фазы предшествовал ландшафту строгого оптического наблюдения, которое должно было прийти с импрессионистами. И романтик, и реалист одинаково чувствовали себя в этом лирическом романе как дома. фаза, ибо в ней видимое и чувственное были почти неразличимы. Барбизон школа во Франции наиболее ярко отражала эстетическое настроение период. Субъективный восторг романтиков сохранялся так хорошо выраженный Кюстином в его Memoires et Voyages , написанном в 1830 году: «Чувствами пренебрегают, искусством пренебрегают, даже прекрасным телосложением пренебрегают. игнорируется.Внешний мир исчезает, и природе приходит конец. Сверхъестественное начинает царствовать, и человек смотрит уже не вовне, а только в себя». Кое-что от этого осталось в творчестве Феодора Руссо, величайший пейзажист барбизонской школы, чей искусство так совершенно неправильно понимается сегодня. Отказ Индивидуализма К 1850 году индивидуализм (важность личность) была дискредитирована, а объективность стала Цель человеческих амбиций. Более того, эта объективность пыталась быть свободный от любого влияния или искажения из-за «личного фактора» (субъективности), как его пренебрежительно называли. Объективность требовала представления индивида коллективу, который требовал жертвы любым отличающаяся точка зрения. «Человечество» стало практически священным мифом. В нового пантеона он занял свое место рядом с двумя другими новыми божествами, будущее» и «прогресс». С этого момента все стало связано с науки, основанные на наблюдении.Ранее. воображение было была способность, с помощью которой художник-романтик превращал все, что он получил от внешнего мира к своим внутренним целям. Теперь вместо этого чтобы наиболее полно использовать объективную реальность, он доверял только наблюдение. Так что это наблюдение никоим образом не должно быть испорчено каким-либо личное чувство, оно было создано, чтобы подчиняться универсальным и неуловимым правилам науки. В то время как романтик откликался на поэтические или музыкальные устремления, новые художники считали науку источником единственно возможной истины. Факты против воображения Новые художники — это так называемые реалисты — видел живопись как физический язык который имел дело только с видимым миром. Они думали, что все, что был абстрактным или концептуальным (невидимым или нематериальным) не принадлежал в область живописи. С середины века все, что касается психику считали подозрительной, поскольку она была неконтролируемой и испорченной с индивидуализмом.Из науки распространился всеобщий культ факта. Все это представляло собой полный переворот романтического мировоззрения. Насколько далеко для романтиков факты учитывались лишь в той мере, в какой они пробуждали внутренние отклики, через которые можно было передать уникальное чувства одного человека. Примерно так же было и в случае с классические художники. Классический художник разработал идею разума по классическим правилам; простой факт был лишь отправной точкой и конструктивный элемент. Происхождение объективности и реалистической эстетики Греки основали новый метод мышления которая должна была лежать в основе всего развития западной цивилизации. В греческой мысли наблюдаемый объект был четко отделен от субъекта. кто наблюдает. В объективном взгляде на объект внутренняя жизнь и присущие наблюдателю характеристики устраняются настолько, насколько это по-человечески возможный. Только субъект обладает душой и живет во времени.Объект принадлежит пространству, где его можно определить и измерить, и где оно подчиняется законы логики. Мы были так глубоко проникнуты этой традицией субъективного и объективного, что мы принимаем его как естественное, спонтанное и присущие человеку. Этот мыслительный процесс, зародившийся в Греции, остается основа нашего мышления сегодня. Как наука взяла на себя ответственность для всего будущего человечества оно привело искусство к принятию его техники объективного наблюдения, и этот способ мышления также применялся к решить социальные проблемы, созданные развитием машины.Эта программа была базовой для реалистической эстетики, хотя некоторое время назад до того, как художники-реалисты полностью приняли его. Просо, например, отказался быть движимым политикой и демократическим мировоззрением. Его искусство было посвящено к жизни крестьянина в поле: см., например, такие произведения, как Мужчина с мотыгой (1862) и Ангелус (1859 г.). Оноре Домье, подобным же образом, был движим силой романтизма и перевел это в большое и грандиозное видение.Но и политику он принял — ведь его люди были пришельцами в города — пролетариатом. Однако именно Курбе в конце концов принял и реалиста, и социалистическое кредо и необходимость объективного реализма в искусстве и политике. См. его сложный шедевр под названием The Мастерская художника (1855, Музей Орсе). (Сравните викторианский искусство в Британии.) Французский Импрессионизм — высшая форма реализма Поколение, последовавшее за Курбе, найдено более точное изобразительное решение «научной» проблемы.Они приняли идею реалистической объективности, но понимал ее как «оптическую объективность». Это было основой импрессионизма Моне — высшим выражением реализм 19 века. Парадоксально, но импрессионизм Моне — на в то же время, когда он представлял собой окончательное выражение реализма в искусстве — спровоцировало крушение этого самого реализма. Это произошло потому, что Моне стремление воспроизвести свое впечатление о том, что было светлым и преходящим, привело к полному пренебрежению формой, то есть рисунком и линией.(Примечание: описание импрессионистской идиомы см. : Характеристики. живописи импрессионистов 1870-1910 гг.) ПРИМЕЧАНИЕ: подробнее о ФРАНЦУЗСКОМ ИМПРЕССИОНИЗМЕ, , читайте в следующих статьях: • Происхождение и влияния • Ранняя история • Импрессионист Эдуард Мане • Импрессионист Клод Моне • Ренуар, Сислей, Писсарро, Дега, Сезанн • Клод Моне и Камиль Писсарро Путешествие в Лондон • Импрессионист Развитие живописи • Выставки импрессионистов в Париже • Групповые разделения • Наследие Импрессионизм Моне Варианты импрессионизма Не все французские импрессионисты художники были пуристами, как Клод Моне (1840-1926).Мане, Дега и Анри Фантен-Латур (1836-1904), например, принял более реалистическое стиль живописи. И за пределами Франции любое сходство со стилем Моне был гораздо реже. Как это было, Германия, Голландия, Россия, Америка и Австралия породил совсем другой тип импрессионистского плена воздушная живопись на основе натуралистического реализма раннего Барбизона Школа. В Германии это представлял Адольф Менцель (1815-1905), Макс Либермана (1847-1935) и школы Ворпсведе, недалеко от Бремена, в частности работа Паулы Модерзон-Беккер (1876-1907).В Нидерландах это был представлен пейзажами и жанровой живописью голландской Гааги. Школа. В России это отразилось в творчестве передвижников как Иван Шишкин (1832-98), и Исаак Левитан (1860-1900). См. также шведского импрессиониста Андерса в натуралистическом стиле. Цорн (1860-1920). Тем временем американец Импрессионизм варьировался от более лирического стиля Джорджа Иннес (1825-94) и Уистлер (1834-1903), к более контролируемой манере письма Уильяма Меррит Чейз (1849–1916) и Теодор Робинсон (1852-96). В Австралии лидеры Гейдельбергского Школа — Том Робертс (1856-1931), Артур Стритон (1867-1943), Чарльз Кондер (1868-1909) и Фред МакКаббин (1855-1917) — создал стиль австралийского Импрессионизм ближе к натурализму барбизонцев и реалистов как Жюль Бастьен-Лепаж (1848-84). Неоимпрессионизм было еще одним следствием подхода Моне, а также растущего значения науки.Оптические исследования уже проводились во Франции М. Э. Шеврёль, оказавший влияние, в частности, на художников-неоимпрессионистов. Жорж Сёра, основатель пуантилизма и итальянский Дивизионизм (ок. 1890-1907). Исследование H.L.F. фон Гельмгольц в Германии привлекал все большее внимание к анализу физических ощущений. Вскоре стало уже недостаточно говорить о «реальности» или «настоящем», оба философских термина; вместо этого внимание было обращено на то, какова реальность оценивается (наше зрительное восприятие) органами чувств. Главное следствие импрессионизма Моне, однако его одержимость попытками уловить мимолетные впечатления света, то есть именно то, что видит человеческий глаз. Этот фиксация на свете и цвете привела к тенденции «дематериализации». дал публике — привыкшей к ультрарепрезентативной академической искусство — идея о том, что искусство перестало подражать природе. Это понятие — идея о том, что живопись больше не должна согласовываться с природой — открыл дверь для абстракции 20-го века направления искусства, со всей их дерзостью, субъективизмом и анимизмом. Разное Значение термина «реализм» Фактически к концу XIX в. несколько различных школ мысли выросло вокруг понятия «реализм» в искусстве. Их противоположные подходы можно суммировать вверх следующим образом: 1. Реализм предполагает использование традиционных формы, отражающие идеальный, неизменный мир, как сотворенный Богом. За например, трава зеленая; море синее; человеческие лица должны иметь правильные Особенности; сельские сцены должны быть живописными.Не должно быть нечестивых безобразие или неприятность, за исключением случаев, когда это отражает и подтверждает важная нравственная точка зрения. (Стандартный «Классический» или «Академический» должность.) 2. Реализм предполагает высшую важность чувств и чувств человека, потому что это единственные осязаемые вещи, которые «познаваемы» кем угодно. (Стандартный «Романтический» должность.) 3. Реализм означает изображение жизни «бородавками». и все».Это означает сосредоточение внимания на реальных проблемах, включая болезни, тяжелый и смерть. А настоящие люди — рабочие люди, часто небритые, серолицые, невзрачные или морщинистые; дома грязные или кривые; люди может быть толстым и/или некрасивым. Так же важны «реалистичные темы» включать как мирское, так и возвышенное, не в последнюю очередь потому, что реальная жизнь в основном состоит из повседневных дел. (Базовая позиция «Реалист».) 4. Реализм основан на точном оптическом факт.А оптика зависит от света. Например, большинство наблюдателей согласитесь, что солнце может — в определенный момент, скажем, на закате — перевернуть траву красный или розовый. Пленэрная живопись должна отражать эту научную реальность, а художники должны рисовать траву таким цветом, какой она есть. Проще говоря, реальность существует только в том впечатлении, которое человек получает. (стандартное положение художников-импрессионистов.) 5. Реализм основан на восприятии художника.Например, если он воспринимает пейзаж как массу сливая формы и цвета, вот как он должен рисовать. если он увидит стаю ворон как по существу угрожающую, он должен представить их в этом светлый. Если он видит мир как в корне абсурдное место, то это Для него естественно включать абсурд в свои картины. если он желает включить определенные символы в свою картину или составить свою картину в определенным образом, чтобы передать личную истину, интуитивно ощущаемую его, он свободен в этом. (Модернистская позиция или позиция начала 20 века.) Двадцатый Вековые разработки в реализме Несмотря на рост абстрактного искусства такие как кубизм, итальянский футуризм и английский вортицизм, за которым следует русский Супрематизм и конструктивизм, Реализм оставался мощной силой в области изобразительного искусства. искусства и продолжал охватывать различные школы, начиная от ультрарепрезентативных Академическая живопись (как преподают в академиях), сюрреализм и фотореализм с одной стороны, с другой Ашканская школа, магический реализм и американский Живопись сцены с другой.Последний вариант — китайский циничный Реализм (1990-е), форма сатирической живописи, выражающая Неопределенность в Китае после разгона на площади Тяньаньмэнь. Циничный Реалисты заимствовали из нескольких традиций, включая сюрреализм, романтизм, Символизм и академическое искусство.

Определение и синонимы слова импрессионизм в словаре английского языка

ИМПРЕССИОНИЗМ — Определение и синонимы слова импрессионизм в словаре английского языка

Файлы cookie Educalingo используются для персонализации рекламы и получения статистики веб-трафика.Мы также делимся информацией об использовании сайта с нашими партнерами в социальных сетях, рекламе и аналитике.

Скачать приложение
educalingo Я очень много занимаюсь искусством. Я начал покупать искусство несколько лет назад, и мне очень нравятся работы Т.С. Кэннон, американский художник. Потом я познакомился с русским импрессионизмом советских времен и начал коллекционировать его, особенно Гелия Коржева.

Ронни Данн

ПРОИЗНОШЕНИЕ ИМПРЕССИОНИЗМА

ГРАММАТИЧЕСКАЯ КАТЕГОРИЯ ИМПРЕССИОНИЗМА

Импрессионизм это существительное . Существительное — это тип слова, значение которого определяет действительность.Существительные дают названия всем вещам: людям, предметам, ощущениям, чувствам и т. д.

ЧТО ЗНАЧИТ ИМПРЕССИОНИЗМ НА АНГЛИЙСКОМ ЯЗЫКЕ?

Импрессионизм

Импрессионизм — направление в искусстве 19 века, зародившееся в группе парижских художников. Их независимые выставки принесли им известность в 1870-х и 1880-х годах, несмотря на резкую оппозицию со стороны традиционного художественного сообщества Франции.Название стиля происходит от названия произведения Клода Моне, Impression, soleil levant , которое спровоцировало критика Луи Леруа ввести этот термин в сатирическом обзоре, опубликованном в парижской газете Le Charivari . Характеристики импрессионистской живописи включают относительно небольшие, тонкие, но видимые мазки, открытую композицию, акцент на точном изображении света в его меняющихся качествах, обычный сюжет, включение движения как важнейшего элемента человеческого восприятия и опыта, а также необычные визуальные эффекты. углы.За развитием импрессионизма в изобразительном искусстве вскоре последовали аналогичные стили в других средствах массовой информации, которые стали известны как импрессионистская музыка и импрессионистская литература.

Определение слова импрессионизм в словаре английского языка

Определение импрессионизма в словаре — это движение во французской живописи, разработанное в 1870-х годах главным образом Моне, Ренуаром, Писсарро и Сислеем, имеющее целью объективную запись опыта с помощью системы мимолетных впечатлений, особенно естественных световые эффекты. Другим определением импрессионизма является метод передачи опыта в искусстве, литературе или музыке путем фиксации мимолетных впечатлений от реальности или настроения.

СЛОВ, РИФМУЮЩИХ С ИМПРЕССИОНИЗМОМ

ˌɛksɪbɪʃɪʃˌnɪzəm

hjuːˌmænɪtɛɛrɪɪˌnɪzəm

ˌaɪsəleɪʃɪʃˌnɪzəm

ˌmaɪkrʊɔːɡʊɔːɡʊɔːɡˌnɪzəm

ˌvɛdʒɪtɛɛrɪɪˌnɪzəm

Синонимы и антонимы слова импрессионизм в английском словаре синонимов

Перевод слова «импрессионизм» на 25 языков

ПЕРЕВОД ИМПРЕССИОНИЗМА

Узнайте перевод импрессионизм на 25 языков с помощью нашего многоязычного переводчика английского языка. перевод слова импрессионизм с английского на другие языки, представленные в этом разделе, были получены с помощью автоматического статистического перевода; где основной единицей перевода является слово «импрессионизм» на английском языке.

Переводчик английский —

китайский 印象派

1 325 миллионов говорящих

Переводчик английский —

испанский импрессионизм

570 миллионов говорящих

Переводчик Английский —

Арабский انطباعية

280 миллионов говорящих

Переводчик английский —

португальский импрессионизм

270 миллионов говорящих

Переводчик английского языка —

Бенгальский ইঙ্গিতে চিত্রাঙ্কন

260 миллионов говорящих

Переводчик английский —

малайский Импрессионизм

190 миллионов говорящих

Переводчик английский —

немецкий импрессионизм

180 миллионов говорящих

Переводчик английский —

японский 印象主義

130 миллионов говорящих

Переводчик английский —

корейский 인상주의

85 миллионов говорящих

Переводчик английский —

яванский Импрессионизм

85 миллионов говорящих

Переводчик английский —

вьетнамский ấn tượng chủ nghia

80 миллионов говорящих

Переводчик английский —

тамильский உணர்வுமுறை

75 миллионов говорящих

Переводчик английского языка —

маратхи Номер

75 миллионов говорящих

Переводчик английский —

турецкий изленимчилик

70 миллионов говорящих

Переводчик английский —

польский импрессионизм

50 миллионов говорящих

Переводчик английский —

румынский импрессионизм

30 миллионов говорящих

Переводчик английский —

греческий ιμπρεσιονισμός

15 миллионов динамиков

Переводчик английский —

Африкаанс импрессионизм

14 миллионов динамиков

Переводчик английский —

шведский импрессионизм

10 миллионов говорящих

Переводчик английский —

норвежский впечатление

5 миллионов динамиков

Тенденции использования импрессионизма

ТЕНДЕНЦИИ ИСПОЛЬЗОВАНИЯ ТЕРМИНА «ИМПРЕССИОНИЗМ»

Термин «импрессионизм» довольно широко используется и занимает 38. 657 позиция в нашем списке наиболее часто используемых терминов в английском словаре.

ЧАСТОТА

Довольно широко используется

На показанной выше карте показана частотность использования термина «импрессионизм» в разных странах.Тенденции основных поисковых запросов и примеры использования слова импрессионизм Список основных поисковых запросов, которые пользователи ввели для доступа к нашему онлайн-словарю английский языка и наиболее часто используемые выражения со словом «импрессионизм».

ЧАСТОТА ИСПОЛЬЗОВАНИЯ ТЕРМИНА «ИМПРЕССИОНИЗМ» СО ВРЕМЕНЕМ

На графике показано годовое изменение частотности использования слова «импрессионизм» за последние 500 лет. Его реализация основана на анализе частоты появления термина «импрессионизм» в оцифрованных печатных источниках на английском языке в период с 1500 года по настоящее время.

Примеры использования в английской литературе, цитаты и новости об импрессионизме

2 ЦИТАТЫ С «ИМПРЕССИОНИЗМ»

Известные цитаты и высказывания со словом импрессионизм .

Я очень много занимаюсь искусством. Я начал покупать искусство несколько лет назад, и мне очень нравятся работы Т.С. Кэннон, американский художник. Потом я познакомился с русским импрессионизмом советских времен и начал коллекционировать его, особенно Гелия Коржева.

Импрессионизм – газета души.

10 КНИГ НА АНГЛИЙСКОМ ЯЗЫКЕ ПО ТЕМЕ

«ИМПРЕССИОНИЗМ»

Поиск случаев использования слова импрессионизм в следующих библиографических источниках. Книги, относящиеся к слову импрессионизм , и краткие выдержки из этих книг для получения представления о контексте использования этого слова в литературе на английский языке.

Представляет художественное движение, зародившееся в конце 1800-х годов и включающее таких известных художников, как Клод Моне, Пьер Огюст Ренуар и Жорж Сёра.

Взгляд на историю коллекционирования импрессионизма — кто, когда, почему и почему нет.

Энн Дюма, Майкл Эдвард Шапиро, 1999

3

Импрессионизм : Живопись и политика

В этой прекрасной книге ведущий авторитет в области живописи импрессионистов предлагает новый взгляд на этот вызывающий восхищение и чрезвычайно популярный вид искусства.

Преследующий, глубоко трогательный и неизменно честный.

5

Истоки Импрессионизм

Origins of Impressionism дает ежедневное, год за годом исследование генезиса эпохального стиля.

6

Импрессионизм : Искусство, досуг и парижское общество

Изучает использование кафе, оперных театров, танцевальных залов, театров, ипподромов и побережья во французских импрессионистских картинах

Представляет художественное движение, зародившееся в конце 1800-х годов и включающее таких известных художников, как Клод Моне, Пьер Огюст Ренуар и Жорж Сёра.

Его мелкие красочные мазки, умение передать с помощью малейших оттенков цвет трепет природы, в конечном итоге сыграл решающую роль в развитии Импрессионизм , наряду с экспрессивной манерой живописи Оноре . ..

Дает краткую историю импрессионизма в Австралии и дает биографии 12 художников, включая Тома Робертса, Чарльза Кондера, Фредерика Маккаббина и Артура Стритона, а также цветные иллюстрации их работ.

10

Импрессионизм : Исторический обзор и библиография

Эта книга представляет собой всестороннее исследование этого художественного периода, от его истоков до его проявлений в работах некоторых наиболее почитаемых художников в истории искусства.

10 НОВОСТЕЙ, ВКЛЮЧАЮЩИХ ТЕРМИН «ИМПРЕССИОНИЗМ»

Узнайте, о чем говорит национальная и международная пресса и как термин импрессионизм используется в контексте следующих новостей.

От вишневого пирога до мороженого: одиннадцать вкуснейших событий на …

Художественный музей Денвера откроет сегодня «Цветение: рисование цветов в эпоху Импрессионизм », а Palettes представляет три блюда за 34 доллара . .. «Westword, 15 июля»

Большой бокс-сет собирает концерты Майлза Дэвиса с Newport fest — NY …

Его перформансы представляют собой слуховой импрессионизм , переданный с интенсивностью брутализма.Сокращения представляют самую крутую сторону Майлза, … «New York Daily News, 15 июля»

Шоу Джона Слоана в Глостере во время Первой мировой войны — Театр и искусство …

Пьянящие черты европейского пост- импрессионизма , фовизма, экспрессионизма и кубизма, выставленные на выставке Armory, создали ашканский реализм — и … «Boston Globe, 15 июля»

Мероприятия музеев и галерей — Филадельфия.ком

Выставка Lenfest в Пенсильвании Импрессионизм . Визуальное наследие округа Бакс. Художник в саду. Закрывается 8/9. Герман Леонард: . .. «Philly.com, 15 июля»

Амстердам и Париж: история двух городов | Ежедневная Калифорния

Я выучил импрессионизм и пост- импрессионизм в Музее Ван Гога в Амстердаме и Музее Орсе в Париже.«Daily Californian, 15 июля»

В сотрудничестве с Silverman Gallery, Pennswood Art Gallery …

Галерея Сильвермана сделала Пенсильванию Импрессионизм своей основной миссией. Герман Сильверман, основатель и почетный председатель… «Bucks Local News, 15 июля»

Как компьютеры могут помочь историкам искусства — The New York Times

Результаты — обнаружены сверхъестественные сходства между образцами русского романтизма и французского импрессионизма , между поп-артом и … «Нью-Йорк Таймс, 15 июля»

Вы можете поблагодарить этого человека за популяризацию французского импрессионизма

Скорее всего, вы знакомы с именами самых популярных французских импрессионистов — Моне, Ренуара, Мане, Писсарро, Дега. .. «WRTI, 15 июля»

Документальный фильм привносит красок в историю импрессионизма раннего …

Однако когда в 1883 году Дюран-Рюэль привез новую картину в Новый Свет, Импрессионизм обрел как критический, так и коммерческий успех.«Philly.com, 15 июля»

Дилемма всеядного: переосмысление Джона Сингера Сарджента

Однако, как указывает Ормонд, «Сардженту потребовалось менее десяти лет в Англии, чтобы пройти путь от архиапостола школы «мазка и пятна» [ импрессионизма ] до … «Big Think, 15 июля»

ССЫЛКА

«ОБРАЗОВАНИЕ. Импрессионизм [онлайн]. Доступно . Январь 2022 года».

Объяснение постимпрессионизма и модернизма

Жорж Брак, L’Aquarium (Аквариум), ок. 1950 г.

Постимпрессионизм и Модернизм — это две категории искусства, которые постоянно обсуждаются в мире искусства, поскольку они не имеют четкого определения. В зависимости от аукционного дома или художественной галереи художники кажутся взаимозаменяемыми между классификациями.Это затрудняет понимание того, какое место они занимают в более широком контексте истории искусства. Все это потому, что постимпрессионизм технически может подпадать под модернизм, поскольку он кратко охватывает тот же период времени. Однако постимпрессионизм отличается тем, что описывает конкретное место и период времени, совершенно не принимая во внимание то, что происходит в остальном мире. С другой стороны, модернизм имеет дело с аналогичным периодом времени в глобальном масштабе.

Постимпрессионизм — термин, созданный британским художником и искусствоведом Роджером Фраем в 1910 году для описания развития французского искусства со времен Мане.Что отличает постимпрессионистов от импрессионистов, так это постоянное использование ярких цветов с толстым нанесением краски и акцентом на реальный предмет, но с большей склонностью подчеркивать геометрические формы и искажать форму для выразительного эффекта, используя произвольные цвета.

Художники, которые считаются постимпрессионистами, включают Ван Гога, Гогена, Сера, Редона, Тулуз-Лотрека, Сезанна, Руссо, Синьяка и Вуллара. Как вы можете судить по их художественным работам, ни один из их стилей не особенно похож.Это связано с тем, что постимпрессионизм — это не обязательно классификация стилей, это классификация мест, строго ограниченная художниками во Франции после Мане. Джон Ревальд, известный историк искусства, еще больше ограничил классификацию периодом между 1886 и 1914 годами. Это просто определило французское изобразительное искусство в более широком контексте изменений, происходящих в остальном мире.

Анри де Тулуз-Лотрек, La Revue Blanche, 1895 г.

Это подводит нас к модернизму — философскому течению, которое наряду с культурными тенденциями и изменениями возникло в результате широкомасштабных и далеко идущих трансформаций западного общества в конце 19 — начале 20 веков, повлиявших на художественные представления.Художники-модернисты включают Пикассо, Брака, Матисса, Мура, Леже и Дюфи и многих других. Модернизм отвергал традицию и выступал за возвращение к основным основам искусства. Художники восприняли новообретенную свободу самовыражения, экспериментов и радикализма, бросив вызов нормам. Они считали, что искусство должно основываться на цвете и форме, а не на изображении мира природы. Сам модернизм охватывает широкий спектр художественных движений, возникших в этот культурно богатый период времени.Таким образом, модернизм, в отличие от постимпрессионизма, представляет собой обобщенный ярлык, описывающий преобладающие философские чувства, которые испытывали художники того времени.

Как видите, эти две категории классификации искусства предназначены для определения очень хаотичного и удивительно творческого периода в истории искусства. В то время как постимпрессионизм фокусируется исключительно на художниках во Франции, а модернизм — на более широком западном обществе, их следует правильно использовать в мире искусства, и необходимо прийти к универсальному соглашению о классификации художников. Это помогло бы прояснить недоразумения, возникающие при обсуждении искусства и художников в то богатое время, когда процветало художественное творчество и еще больше процветали художественные движения.

ЕЩЕ СТАТЬИ:

Посмотреть наш инвентарь Пабло Пикассо здесь: инвентарь Пабло Пикассо

Посмотреть наш инвентарь Анри Матисса здесь: инвентарь Анри Матисса

Пожалуйста, посетите нашу страницу художественного образования здесь: Masterworks Fine Art Gallery Art Education

Постимпрессионизм — Дж.Slater Fine Art Appraisal

 

 

 

Воскресный полдень на острове Гранд-Жатт, Жорж Сёра, 1884-86 (фрагмент)

Постимпрессионизм был динамичным французским художественным движением, которое началось после последней выставки импрессионистов в 1886 году. Оно продолжалось до 1905 года с появлением фовистов, которые открыли модернизм и 20 ^й век. Движение развилось как реакция на то, чего, по мнению художников, не хватало в импрессионизме.Это был очень изменчивый период, время, когда художники жили вместе, показывая и делясь своими работами. Таким образом, они вдохновлялись талантом и видением друг друга. Хотя Париж был центром движения, некоторые художники сформировали группы в Бретани и на юге Франции. Они часто начинали с одного стиля, развиваясь в другой, а затем еще в один, всегда следуя своему уникальному видению того, что они видели и чувствовали. Развилось множество различных художественных стилей, которые впоследствии оказались основой искусства, развившегося в 20 ^-м -м. век.

Искусствовед Роджер Фрай ввел термин «постимпрессионизм» в 1910 году, когда описал художников, которые расширили импрессионизм, отвергнув его ограничения. В 1880-х годах некоторые молодые художники, экспериментировавшие с импрессионизмом, начали пробовать различные способы интерпретации линий, форм, цветов и узоров. Они были недовольны оптичностью импрессионистского движения и хотели найти смысл и выражение в своем искусстве.

Постимпрессионизм характеризовался:

• использование ярких цветов, часто неестественных или произвольных
• толстое нанесение краски
• предмет из реальной жизни
• искажение форм выражения
• акцент на структурно-геометрической теории или теории цвета

Тем не менее, группы следовали двум основным направлениям: от научной теории цвета пуантилизма Сёра до пышных, красочных и выразительных работ художников Понт-Авенской школы, таких как Гоген.Художники, рисующие в Бретани, превратились в школы синтеизма, клуазонизма, Les Nabis и символизма. Те, кто сосредоточился на теории цвета, хотели структуры, порядка и оптических эффектов, созданных с помощью цвета, как в работах Поля Сезанна, Жоржа Сёра и Поля Синьяка. Другая группа из художественной колонии Понт-Авен разработала пышное символическое видение, основанное на субъективном взгляде художника. Покинув Париж, они искали смысл и простоту. Поль Гоген, Эмиль Бернар и Винсент Ван Гог таким образом исследовали концепцию картины как личного окна в разум и душу художника, а не просто окна в реалистический мир. .Эта концепция позже, в 20 ^-м -м веке, привела к современному искусству, немецкому экспрессионизму, абстрактному экспрессионизму и феминистскому искусству.

Автопортрет Винсента Ван Гога, 1887

Поль Сезанн был единственным художником, выставлявшимся вместе с импрессионистами. После непродолжительного пребывания в Париже он отправился на юг, в Экс-ан-Прованс, где рисовал до конца своей жизни. В своих пейзажах и натюрмортах он произвел революцию в живописи, увидев реальность в геометрических плоскостях.Он ввел понятие одновременности, рассматривая объект более чем с одной точки зрения. Наряду со многими другими постимпрессионистами он также изменил концепцию традиционного картинного пространства, которая была стандартом со времен Ренессанса. Этот оригинальный способ видения позже способствовал кубизму и абстрактному искусству.

Хотя развивались два противоположных стилистических направления, абстракционизм и экспрессионизм, все же оставался общий элемент, разделяемый всеми постимпрессионистами. Это был акцент на абстрактной форме и узоре при нанесении краски на холст. Это можно увидеть во всех работах, которые были представлены в это очень новаторское и формирующее время.

Натюрморт с семью яблоками Поля Сезанна, 1878

Ниже приводится список постимпрессионистских групп и некоторых основных художников этих групп.

Неоимпрессионизм-пуантилизм-дивизионизм

• Жорж Сёра
• Поль Синьяк
• Клод Писсарро
• Анри-Эдмон Кросс
• Шарль Ангран
• Максимилиан Люс
• Анри Матисс

Школа Понт-Авен – Синтеизм – Перегородчатая колония

• Поль Гоген
• Эмиль Бернар
• Поль Серюзье
• Шарль Леваль
• Куно Амиет
• Луи Анкетен
• Морис Дени

Символизм

• Поль Гоген
• Одилон Редон
• Гюстав Моро
• Джеймс Уистлер
• Эдвард Мунк
• Пьер Боннар
• Анри Руссо
• Пюви-де-Шаванн

Лес Наби

• Морис Дени
• Поль Серюзье
• Пьер Боннар
• Эдуар Вюйар
• Астрид Майоль
• Пол Рэнсом
• Кер-Ксавье Руссель
• Феликс Валлоттон

Другие известные постимпрессионисты

• Поль Сезанн
• Анри де Тулуз-Лотрек

Au Lit: Le Baiser Анри де Тулуз-Лотрека, 1892

Продано на аукционе Christie’s в Нью-Йорке: 9 ноября 2015 г.