Стиль барокко сообщение: works.doklad.ru — Учебные материалы

Разное 

Содержание

Сочинение на тему «Барокко» | Сочинение и анализ произведений, биографии, образ героев

Барокко

Барокко — стиль европейского искусства, пришедшего, по одной из версий, в роли неоднозначной реакции на эпоху Ренессанса. В целом считается, что родина барокко — Италия, где этот стиль идентифицируют как «жемчужину неправильной формы». Барокко зародился в XVI веке, однако, пик его расцвета — XVII столетия. Не удивительно, что этот стиль предстает перед нами как синтез Готики и Возрождения — литературных эпох, которые ему предшествовали.

Основная тематика литературных произведений стиля барокко — быстротечность человеческой жизни. В то время появлялось много лозунгов согласно этому тезису («Мир — театр», «Мир — ярмарка», «Мир — лабиринт» и др). Одна из самых известных метафор во времена господства барокко — «жизнь — это сон», именно она отразилась в драматическом произведении известного испанского писателя этой эпохи Педро Кальдерона с похожим названием «Жизнь есть сон». К тому же, художники, работавшие в этом стиле, считали, что человек — лишь песчинка в бескрайнем океане. Человек обречен на смерть, а жизнь его — лишь мимолетная смесь случайностей и фортуны.

Отличительная черта барокко — грустные, пессимистические настроения. Жить в негармоничном, хаотичном мире — даже хуже смерти, потому жизнь — лишь страдание, на которое мы обречены. Человек барокко — раздвоенный, полон контрастов: одновременно в нем может царить любовь и преданность Богу и жестокий сатанизм. Таким, собственно, предстает перед читателями и весь барочный мир: сочетаются несочетаемые начала, реальные герои существуют параллельно с мифическими, а добро все время противостоит злу.

Характерной чертой барокко является также возвращение к культуре Античности: действия переносятся к высоконравственной Древней Греции, а герои наделены чертами личностей из античного мира. Для этого художники стиля барокко прибегали к причудливым аллегориям и метафорам, контрастов, капризности и вычурности образов.

Увлекшись причудливыми художественными средствами художники, к тому же, прибегали еще и к причудливым литературным формам. Именно поэтому распространенными были акростихи, мезостихи (поэзии, в которых зашифровано определенное скрытое значение, чаще всего — имя адресата) и другие причудливые по своей структуре произведения. Впоследствии появлялись удивительные стихи и за своим видом (в форме сердца, креста, звезды ромба и тому подобное).

Итак, барокко — жемчужина европейского искусства XVI-XVIII столетия, основные признаки которого — сложная метафоричность, затейливость, контрастность, пессимистические мотивы быстротечности человеческой жизни, а также возвращение к античным мотивам. Художники применяли оригинальные и интересные литературные средства, приемы, чтобы поразить читателя как можно больше.

Теги: Сочинение Что такое барокко, Барокко как вид литературного направления.

Стиль барокко в русском искусстве, архитектуре, литературе и музыке (Реферат)

Стиль барокко в русском искусстве, архитектуре, литературе и музыке

Владышевская Т. Ф.

Древнерусская музыка в своем развитии на протяжении XI—XVII вв. была монолитна. Она вся находилась в рамках единого стиля, выработанного в эпоху Средневековья. То новое, что возникало в процессе ее развития, не вносило существенных изменений, отличавших ее от существовавшей системы. Новые распевы в XV—XVII вв. — демественный, путевой, даже авторские распевы были всего лишь ветвями на стволе этого гигантского дерева. Они подчинялись общим нормам, выработанным средневековым каноном. Сам факт появления многоголосия на Руси после более чем полутысячелетнего господства унисона стал гигантской вехой в развитии русской музыки.

Минуя стадию разработки полифонического контрапунктического многоголосия, подобную итальянскому и нидерландскому мотетному стилю эпохи Возрождения, русское музыкальное искусство конца XVII в. осваивает формы, типичные для западноевропейского барокко, но применительно к своим, местным условиям. С развитием партесного концерта формируется первое новое стилевое направление в русском музыкальном искусстве — стиль барокко.

Барокко как стилевое направление охватило русскую культуру конца XVII — первой половины XVIII в. и параллельно развивалось в литературе и в искусстве. Д. С. Лихачев отмечает, что литература в Древней Руси была однородна, она подчинялась стилю эпохи того времени, но в XVII в. она уже не так едина и стройна, как в древности:

Древнерусская литература не знает литературных направлений вплоть до XVII в. Первое литературное направление, сказавшееся в русской литературе, — барокко1.

Существенной особенностью развития русского барокко надо признать историческое совмещение стилей. Как отмечает А. А. Морозов,

…в России, в силу ускоренного развития страны, вызванного петровскими преобразованиями, на одном историческом этапе как бы совместились несколько исторических периодов художественного развития, наслоившихся друг на друга… в тесном взаимодействии с особенностями национальной культуры страны2.

В изобразительном искусстве, как и в литературе и в музыке, расцвет стиля барокко относится к концу XVII — началу XVIII в., но период, предшествующий ему (XVII в.), был временем подготовки классических форм барокко, отмеченным взаимодействием западных и древнерусских традиций. В результате такого взаимодействия рождались оригинальные формы национального русского барокко: в архитектуре — нарышкинское барокко, очень яркое в цветовом отношении, с затейливыми формами; в иконописи — школа царских мастеров, ушаковская школа; в литературе — придворная поэзия Симеона Полоцкого, Кариона Истомина, Сильвестра Медведева; в музыке — троестрочное пение и партесные четырехголосные гармонизации песнопений знаменного, киевского, греческого, болгарского распевов. Эти ранние формы барокко имели большое значение в развитии русского искусства, выполняя до известной степени роль Возрождения, которое в силу исторических особенностей развития отсутствовало в русском искусстве.

(adsbygoogle = window.adsbygoogle || []).push({});

Барокко как широкое историко-культурное понятие охватывает значительный круг явлений, связанных общностью эстетических воззрений. Развитие средств выражения, выработанных в одних родах искусства, порождает своеобразные соответствия в других. Если сопоставить характер развития литературы, музыки и разных видов изобразительного искусства в России конца XVII — начала XVIII в., то можно заметить определенную синхронность их развития, в котором наиболее яркой гранью является рубеж XVII—XVIII вв. Начало века открывает новую эру в искусстве. Изменившаяся социальная и политическая атмосфера XVIII в. повлияла на характер развития искусства. Меняется язык литературы, музыки, архитектуры, живописи. Особенно отчетливо эта грань прослеживается в музыке. Развитие музыки стиля барокко складывается из двух этапов: раннего, второй половины XVII в., когда закладывались основы, происходило формирование новых жанров, еще связанных с древнерусской певческой культурой, и позднего барокко — с развитыми концертными формами многоголосия, яркими контрастами концертного стиля, расцветшего в начале XVIII в.

Очень сходна картина развития архитектуры эпохи барокко. Период московского зодчества с его декоративным убранством — карнизами, кокошниками — в 1670-х гг. сменяет заключительный аккорд древнерусской архитектуры — нарышкинское, или московское, барокко, представляющее собой переходную ступень от древнерусской культуры к европейскому стилю барокко. Нарышкинское барокко совмещает в себе декоративные черты древнерусского московского зодчества с планировкой, свойственной западноевропейской барочной архитектуре. В начале XVIII в. Петр I специально выписывает итальянских мастеров для застройки Петербурга, русская архитектура XVIII в. подражает западной архитектуре.

В истории русского изобразительного искусства общепризнанным фактом является переход на рубеже XVII—XVIII вв. от иконописи к живописному началу. Элементы барокко в иконописи также проявлялись на протяжении второй половины XVII в., когда под влиянием попавших в Россию гравюр Библии Пискатора — памятника западного барокко — рождались прекрасные ярославские фрески.

В XVII веке на Руси атмосфера так насыщена западными мотивами, что даже чудесные видения облекаются в западноевропейскую форму. Рождается новая порода людей. Внешней подвижностью и беспокойством проникнуты их позы и жесты, повороты и наклоны голов… Святые словно бегут мелкими шажками, подчиненные ритму какого-то своеобразного менуэта. Одновременно и жесты становятся более разнообразными и выразительными. Вместо спокойно протянутых рук начинает чувствоваться пафос3.

Это характеризует и школу царских мастеров, и ушаковскую школу, а в начале XVIII в. процесс быстрого движения навстречу западноевропейской культуре ускоряется. В России появляется портретная живопись на манер голландских и немецких портретистов Кнеллера, К. Моора, Гельдера, иконопись начинает подражать портрету.

Литературу XVII в. характеризует процесс, аналогичный развитию музыкальной культуры. Она отличается необыкновенным разнообразием и пестротой жанров и стиля. Зарождается светская лирическая поэзия любовного содержания — виршевая поэзия с характерным силлабическим ритмом, появляются повести и даже романы авантюрного содержания. Постепенно она сближается с западноевропейской литературой. Д. С. Лихачев пишет:

Никогда еще ни до XVII в., ни после русская литература не была столь пестра в жанровом отношении. Здесь столкнулись две литературные системы: одна отмиравшая, средневековая, другая зарождающаяся — нового времени… Литературная система русского XVIII в. ничем уже не отличается от литературной системы передовых западноевропейских стран… образование новой литературной системы не было простым результатом Петровских реформ. Эта система подготовлялась в русской литературе, и ее появление не явилось неожиданностью4.

Нетрудно заметить параллелизм развития во всех видах искусства эпохи барокко. В конце XVII в., последнем этапе, завершающем древнерусские традиции, уже активно сказывается западное влияние, которое проглядывает через оболочку древнерусских форм. Безусловно, веяния с Запада были и раньше (взаимодействие Руси с Европой началось уже в XVI в.), но с такой рельефностью они отразились лишь в XVII в., зерно упало на плодородную почву и дало пышные всходы. В XVIII в. «струя европеизма захлестнула старую культуру… произошел некий перерыв непрерывности»5. Происходит качественный скачок, в искусстве открывается новая эпоха, обусловленная сменой мировоззрения, мироощущения, изменением художественных принципов.

В таком же состоянии находилось и музыкальное искусство во второй половине XVII в. Новые западные веяния вступили в борьбу со старыми, еще очень крепкими традициями. Угасание древнерусского искусства не было результатом его внутреннего оскудевания. Конец ему положили общие исторические условия, сделавшие невозможным дальнейшее изолированное развитие русской культуры в русле старой традиции.

На русской почве барокко приобрело своеобразные национальные черты, отличающие его от западноевропейских барочных форм. Хотя барокко явилось в Россию из Европы через Польшу, Украину, здесь оно приобрело иное значение, чем на Западе.

Национальное своеобразие стиля барокко проявляется в музыке — так же как в литературе и изобразительном искусстве.

Барокко в России более жизнерадостно и декоративно, чем на Западе. Праздничность и стремление к украшениям порой доходят здесь до пестроты. Орнаментальность достигает пределов возможного, она проникает даже в стихосложение. «Орнамент курчавится по поверхности, не столько выражает существо предмета, сколько украшает его. Литературные сюжеты многопредметны», — отмечает Д. С. Лихачев. Даже внешний вид стихов приобретает барочные формы, они строятся в виде орнамента или фигур в виде креста, ромба, орла, звезды и т. д. «Стихи напоминают строгановские или царские письма в иконописи — та же орнаментальность, та же мелкопись, драгоценность, украшенность. Содержание в значительной мере заслонено драгоценным окладом формы. В целом орнамент барокко динамичен, но без свойственного западному барокко борения масс»6.

В литературу так же как и в музыку входит авторское начало, усиливается личная точка зрения автора. «Рост самосознания автора был одним из симптомов осознания в литературе человеческой личности»7.

Музыке эпохи барокко свойственна орнаментальность, декоративность письма, изукрашенность мелодики и фактуры; однако при всей динамичности сопоставления хоровых массивов, концерты не достигают той силы напряжения образных контрастов, которая характеризует музыку И.-С. Баха, Г. Генделя, А. Габриели, Г. Шютца.

Эпоха барокко | История. Реферат, доклад, сообщение, краткое содержание, лекция, шпаргалка, конспект, ГДЗ, тест

Разительные перемены, происходившие в мировос­приятии людей на рубеже XVI-XVII вв., не могли не повлиять на искус­ство. На смену уравновешенному и гармоничному искусству Возрожде­ния приходит новый стиль — барокко (итал. — причудливый, странный). Он возник в Италии и стремительно распространился по всей Европе. Барочным произведениям присущи особая пышность и величие, под­черкнутая декоративность и насыщенность лепниной. Их цель произ­вести на человека крайне эмоциональное впечатление.

Подлинный переворот в живописи совершил итальянец Микелан­джело да Караваджо (1573-1610). Он первым изобразил мир неприукрашенным, словно остановив на своих картинах мгновение реальной жизни. Удивительной достоверности персонажей художник достигал при помощи излюбленного живописного эффекта — светового контраста, игры света и тени.

Выдающимся представителем искусства барокко был архитектор и скульптор Джованни Лоренцо Бернини (1598-1680). Наиболее яркое про­изведение мастера — ансамбль перед собором Святого Петра в Ватикане. Множество разноязыких паломников, собиравшихся перед главным хра­мом католического мира, должны были чувствовать свое духовное един­ство. Для воплощения этой идеи Бернини нашел гениальное решение. Перед собором он соорудил величественную площадь с обелиском и фон­танами и придал ей форму овала, обрамленного двумя колоннадами. Общие очертания ансамбля напоминают ключ, что должно было символи­зировать слова Христа, обращенные к первому епископу Рима апостолу Петру: «И дам тебе ключи Царства Небесного».

Микеланджело да Караваджо. Ужин в Эммаусе. 1599 г.
Лоренцо Бернини. Площадь Св. Петра. Рим. 1657-1663 гг.

Непревзойденным «королем живописцев» по праву считается фла­мандец Питер Пауль Рубенс (1577-1640). Он придал искусству барокко новое дыхание, дополнив его традициями античности и Возрождения — изображениями обнаженного тела и радости бытия. Его картины бук­вально излучают жизненную силу. Рубенс был прекрасным колористом и умел удивительно точно передавать все оттенки цвета. Как никому, ему удавалось выписать фактуру тканей, блеск украшений, пушистость меха. Великий фламандец создал также свое направление в портретной живописи — парадный портрет — изображение известной личности в оре­оле славы и величия.

Настоящий золотой период переживала в XVII в. испанская живо­пись. Художник, архитектор и скульптор Эль Греко (1541-1614) родился на Крите, однако свои самые выдающиеся шедевры создал, живя в испанском городе Толедо. Его произведения на религиозные сюжеты выделяются чрезвычайной эмоциональ­ностью и поэтичностью.

Питер Пауль Рубенс. Автопортрет с женой. 1609 г.
Эль Греко. Апостолы Петр и Павел

Вершина испанской живописи — твор­чество Диего Веласкеса (1599-1660). В 24 года он стал придворным художни­ком короля Филиппа IV и, оставаясь им до конца жизни, писал преимущественно портреты. Веласкес создал галерею изо­бражений членов королевской семьи и их окружения, отмеченную глубоким про­никновением во внутренний мир и психо­логию персонажей. Полотна Веласкеса поражают точностью передачи каждого характера. Не случайно Папа Иннокен­тий X, увидев свой портрет, не смог удер­жаться от слов: «Слишком правдиво!».

В Голландии художники отказались от религиозных сюжетов. В поисках новых тем они обратились к окружающей дей­ствительности: писали портреты, сценки из повседневной жизни, пейзажи, натюр­морты. Материал с сайта http://worldofschool.ru

Диего Веласкес. Портрет инфанты Маргариты. 1660 г.
Рембрандт ван Рейн. Возвращение блудного сына. 1668-1669 гг.

Самый яркий представитель голланд­ской школы — Рембрандт ван Рейн (1606­1669). С глубокой любовью и теплом напи­саны им портреты жены и сына, других близких людей. Художник оставил свыше 60 автопортретов, глядя на которые, мож­но представить мир его мыслей и чувств в разные периоды жизни. Творческий путь Рембрандта завершает картина «Возвра­щения блудного сына» — рассказ художни­ка о всепрощающей любви и искреннем раскаянии. Два века спустя французский живописец Эжен Делакруа сказал о творче­стве Рембрандта: «Правда — самое прекрасное и редчайшее явление в мире».

Произведения европейских мастеров эпохи Возрождения и барокко — сокровищница мирового искусства.

Вопросы по этому материалу:

  • В чем заключается своеобразие стиля барокко? Какие проблемы волновали творцов этой эпохи?

Стиль барокко в интерьере квартиры и дома, особенности дизайна и фото

«Есть люди в стиле барокко: много красивых деталей, а в целом безвкусица» (Мария фон Эбнер-Эшенбах).

БАРОККО (итал. Barocco через исп. Barruecco от португ. Barroco — «причудливый, неправильный, дурной, испорченный») — один из самых трудных и многозначных терминов истории искусства. Словом «барокко» называют ряд историко-региональных художественных стилей европейского искусства XVII—XVIII вв., последние, критические стадии развития других стилей, тенденцию беспокойного, романтического мироощущения, мышления в экспрессивных, неуравновешенных формах. Для архитектуры барокко (Л. Бернини, Ф. Борромини в Италии, Б. Ф. Растрелли в России) характерны пространственный размах, слитность, текучесть сложных, криволинейных форм.

Барокко по правилам. Законы стиля от дизайнеров:

Закон 1.

Господствует идея облагораживания естества предметов, стремление к пышности.

Закон 2.

Интерьеры контрастны, динамичны образы в архитектурных деталях, совмещена реальность и иллюзия.

Закон 3.

Барочные орнаменты отличаются пестротой. Это правило касается обивки мебели, рисунка обоев. Орнаменты чаще всего состоят из растительных мотивов: это могут быть привычные розы или экзотические фрукты и растения.

Закон 4.

Обилие позолоты. Золоченой может быть лепнина на потолке и стенах, вазы и статуэтки, резные элементы мебели. Дорогие мебельные бренды Италии сегодня используют для позолоты дорогое сусальное и считают, что главное – украшать интерьер, а уж потом наполнять его смыслом.

Закон 5.

Барокко сохранил в себе такую важную черту классического стиля, как симметрия. На примере ниже интерьер в стиле Людовика XV. (музей Ниссим-де-Камондо). По богатству представленных экспонатов мебели ведущих мастеров той эпохи и ценнейших гобеленов экспозицию музея Ниссим де Камондо сравнивают даже с Версальским дворцом.

СТИЛЬ БАРОККО У ВАС В ДОМЕ

1. Позаботьтесь о гармонии между элементами, продумайте динамичные переходы от одной части помещения к другой. Динамика должна быть обозначена чуть кривоватыми линиями стен, потолка и дверных проемов, изогнутыми ножками столов, стульев, кушеток. Стоит разграничить пространство на верхний и нижний уровень.

2. При использовании стиля барокко в интерьере продумайте цветовое решение комнаты, сочетание белого и золотого идеально подойдут для контрастного выделения на фоне общего цвета. Идеально будут смотреться пастельные тона красного, розового, белого, голубого с желтым акцентом, богатые цветовые палитры в диапазоне от изумрудного до бордо.

3. При создании у себя в доме барочного интерьера, в качестве декоративных элементов используйте зеркала, скульптуру и живопись – возможно копии Рубенса, позднего Рембрандта, Караваджо. К элементам декора в стиле барокко будет относиться резьба, металлические накладки из бронзы и благородных металлов, а также мозаика из различных пород дерева (интарсия).

Стиль барокко в моде XIX века

К моде эпохи барокко традиционно относят моду Франции, соответствующую периоду правления Людовика XIV (1643-1715 гг.). Франция была законодателем моды в Европе, поэтому в других странах быстро переняли французскую моду.

Барокко был не просто одним из стилей изобразительного искусства. Это была целая эпоха, переломившая понимание человеком мира и самого себя. Именно тогда место паломничеств заняли промеды, рыцарских турниров — «карусели» и карточные игры; мистерий — театр и бал-маскарад. В интерьерах вместо икон стали вешать портреты и пейзажи, а музыка из духовной превратилась в приятную игру звука. Мужчина эпохи барокко предпочитает брить усы и бороду, душиться духами и носить напудренные парики. К чему сила, если теперь убивают, нажимая на спусковой крючок мушкета. Женщина барокко дорожит бледностью кожи, которая достигается благодаря обильному использованию косметики. Естественность теперь отвергается почти как порок. Она отождествляется с дикостью, бесцеремонностью, зверством и сумасбродством.

Портрет Марии Оранской-Нассау (третья четверть XVII в.) /  Вечернее платье 1893-5 гг.

Фото платья: www.metmuseum.org

В XIX веке время обернется вспять. В эпоху романтизма естественность вновь станет добродетелью, а «карусели» будет модно проводить в виде рыцарских турниров. Однако мода эпохи барокко, с ее пышными кружевами, великолепными тканями и роскошными украшениями, будет неизменно привлекать сентиментальных леди XIX века. Ведь что может быть романтичнее, чем представлять себя прекрасной дамой при блистательном дворе короля-солнца.

Силуэт.
 Характерный силуэт эпохи барокко – затянутый корсет, широкий вырез декольте, спущенное плечо и пышные рукава вновь входит в моду в 30-х гг. XIX века.

Портрет Амалии ван Сольмс. 1650 г.

«Пандора» — кукла для демонстрации модных нарядов. 1835 г.

© Victoria and Albert Museum, London.

Платье, 1831-4 гг.

Источник: http://www.metmuseum.org

Свадебное платье, 1835 г.

Источник: http://www.metmuseum.org

Силуэто это будет возвращаться в моду несколько раз напротяжении XIX века.

Вечернее платье. 1858-9 гг.

Источник: http://www.metmuseum.org

Бальное платье, 1889 г.

Источник: http://www.metmuseum.org

Амазонка
Другим очень важным вкладом эпохи барокко в моду XIX века были элементы, характерные для амазонок второй половины XVII века. Амазонка эпохи барокко состояла из приталенного жакета, длинной юбки, рубашки или манишки и шляпы.

Жозеф Парросель (приписывается). Портрет графини де Сан Жеран (1675 — 1682).

Амазонки очень походили на мужской костюм того же периода. Все те же пышные жабо и манжеты, рукава с отворотами, подчеркивающий фигуру силуэт…

Портрет герцога Мединачелли, 1684.

Платье, 1880 г.

Источник: http://www.metmuseum.org

Платье. 1882-6 гг.

Источник: http://www.metmuseum.org

Платье. 1880-2 гг.

Источник: http://www.metmuseum.org

Платье. 1890-е гг.

Источник: http://www.metmuseum.org

Костюм для прогулок. 1889 г.

Источник: http://www.metmuseum.org

Раскрывающаяся верхняя юбка.
Разрезать верхнуюю юбку так, чтобы из-под нее была видня нижняя, придумали еще это эпохи барокко. Однако в конце XVII века это решение становится особенно популярным. Верхнюю юбку начинают специально придерживать или подкалывать, демонстрируя богатую отделку нижней.

Портрет Шарлотты Амалии фон Гессен-Кассель (вторая половина XVII века).

Платье, 1885-7 гг.

Источник: http://www.metmuseum.org

Платье, 1881-3 гг.

Источник: http://www.metmuseum.org

Бальное платье. 1887-9 гг.

Источник: http://www.metmuseum.org

Бальное платье, 1897 г.

Источник: http://www.metmuseum.org

Свадебное платье, 1881 г.

Источник: http://www.metmuseum.org

Банты.
Банты были весьма популярным видом отделки платьев как в эпоху барокко, так и в XIX веке.

Бартоломеус ван дер Гельст, Портрет знатной пары. 1661 г.

Платье, 1870-5 гг.

Источник: http://www.metmuseum.org

Платье для вечерних приемов, 1880-2 гг.

Источник: http://www.metmuseum.org

Платье, 1855 г.

Источник: http://www.metmuseum.org

Еще на эту тему можно почитать:
Историзм в моде XIX — начала XX века. Издание второе, переработанное и дополненное.
Историзм в иллюстрациях модных журналов XIX — начала XX вв.

Готические стили в моде XIX в.
Стиль «Медичи» в моде XIX в.
Стиль рококо в моде XIX века

Мода рубежа 19-20 веков: от историзма к модерну.


Памятники барокко в Петербурге | Маршруты

В 1712 году Санкт-Петербург приобретает статус столицы России. По указу Петра I, город заселяется знатными людьми с целью благоустройства отдельных районов. Среди переселенцев оказался генерал-фельдмаршал граф Борис Петрович Шереметьев, которого государь женил на своей родственнице А.П. Нарышкиной. Специально для них император выделил участок дома № 34 на набережной реки Фонтанки.

Граница владения Шереметьева начиналась от берега Фонтанки и заканчивалась трассой будущего Литейного проспекта. При графе построили деревянный дом и служебные флигели, семья жила в усадьбе на Миллионной улице. Со временем сын Бориса Петровича Петр Борисович Шереметьев продал собственность.

В 1730-х годах на берегу Фонтанки возвели одноэтажный дворец. Спустя двадцать лет по проекту С.И. Чевакинского и Ф.С. Аргунова надстроили второй этаж. Существует версия, что при проектировании использовались чертежи Ф.-Б.Растрелли.В 1768 году, после смерти жены и дочери, П.Б. Шереметьев переехал в Москву. В отсутствие хозяев усадьба продолжала перестраиваться.

В течение 1788-1792 годов ее сдавали в аренду португальскому посланнику, впоследствии князю В.Б. Голицыну.В дальнейшем дворец унаследовал сын П.Б. Шереметьева Николай. Поначалу новый хозяин редко бывал в усадьбе (предпочитал проводить время в Москве), но в 1796 году он обстоятельно поселился в Северной столице. Архитектор И.Е. Старов занялся обновлением интерьеров Фонтанного дома. Николай Петрович организовал во дворце театр с труппой крепостных актеров и оркестр. В 1801 году он дал вольную Прасковье Ивановне Ковалёвой и женился на девушке. Вслед за И.Е. Старовым, помещения во дворце принялись перестраивать Д. Кваренги и А.Н. Воронихин. На территории усадьбы появились Летний дом, Каретные сараи, Садовый павильон.

В 1809 году Фонтанный дом перешел шестилетнему сыну Н.П. Шереметьева Дмитрию, в связи с чем был создан Опекунский совет над имуществом. Во дворце поселился главный попечитель М.И. Донауров с семьей. В 1810-20-х годах по проектам Х. Мейера и Д. Кварди построены Канцелярский, Больничный, Фонтанный и Певческий флигели. В последнем из них поселились хористы Шереметьевской капеллы. Дмитрий Николаевич служил в Кавалергардском полку, поэтому частыми гостями дворца становились сослуживцы графа, возникло выражение «жить на шереметьевский счёт». Помимо офицеров, в Фонтанном доме часто бывали художник О.А. Кипренский и А.С. Пушкин. В 1837 году граф женился на фрейлине императрицы Александры Фёдоровны Анне Сергеевне. В 1844 году у них родился сын Сергей.В мае 1838 года состоялось торжественное открытие чугунной ограды с воротами, украшенными гербом графов Шереметьевых. За двадцать лет работы архитектор И.Д. Корсини совершенно изменил дворцовые помещения, в середине 1840-х годов построил Садовый флигель. На музыкальных вечерах в Фонтанном доме выступали Глинка, Берлиоз, Лист, Вильегорский, Шуберт.

В 1849 году умерла первая жена Дмитрия Николаевича, и в 1859 году он женился во второй раз. В новом браке родился сын Александр. В течение 1867 года по проекту Н.Л. Бенуа к Шереметьевскому дворцу пристроили Северный флигель.  Смерть графа Дмитрия Николаевича в 1871 году повлекла за собой раздел имущества между его сыновьями, в процессе которого Фонтанный дом унаследовал Сергей Дмитриевич.

В 1874 году архитектор А.К. Серебряков построил на территории усадьбы новые пятиэтажные корпуса. Парадная часть осталась неизменной (набережная реки Фонтанки, дом № 34), со стороны Литейного проспекта возвели доходные дома (дом № 51). В начале XX века уничтожены Садовые ворота, Грот, Эрмитаж, Оранжерея, Китайская беседка. Позднее Манеж и Конюшни преобразовали в Театральный зал (ныне Драматический театр на Литейном). В 1914 году по проекту М.В. Красовского здесь построили двухэтажные торговые павильоны.После революции С.Д. Шереметьев передал Фонтанный дом советской власти.

С середины 1924 до 1952 года в одном из флигелей дворца проживала А.А. Ахматова. В дальнейшем в нем располагались всевозможные государственные учреждения, Музей дворянского быта (просуществовал до 1931 года), Научно-Исследовательский институт Арктики и Антарктики (вплоть до 1984 года). Вскоре великолепные интерьеры залов утратили былую красоту, а построенный Бенуа флигель использовался в качестве жилых квартир. 

В конце XX века Шереметевский дворец постепенно начали реставрировать, возрождая атмосферу XVIII столетия. В здании расположился Музей музыкального и театрального искусства. Экспозиция включает в себя историю семьи Шереметьевых, коллекции картин и предметов декоративно-прикладного искусства, огромное собрание музыкальных инструментов. Нередко в Фонтанном доме проводятся художественные выставки, концерты и лекции.Наряду с Музеем музыкального и театрального искусства, с 1989 года здесь работает Литературно-мемориальный музей А.А. Ахматовой. В нем воссоздана комната, в которой поэтесса писала свои нетленные произведения, оформлены экспозиции из ее книг, фотографий и личных вещей.С 2006 года площадку у Шереметьевского дворца украшает памятник А.А. Ахматовой, открытый в сороковую годовщину смерти Анны Андреевны.

Почему мастер барокко Артемизия Джентилески рисовала жестоких, напористых женщин

Первая известная работа Артемизии Джентилески (которую некоторые ученые приписывают отчасти ее отцу) была написана в 1610 году, когда ей было 17 лет. Работа под названием «Сусанна и старейшины» изображает библейскую историю, в которой группа развратных старейшин смотрит на прекрасную набожную жену, когда она купается. Хотя в то время это не было редкостью для художников, Джентилески интерпретировал ее иначе, чем большинство других.По ее версии, агрессия — и ее реакция при обнаружении, что за ней наблюдают — занимает центральное место. «Сусанна Артемизии представляет нам редкий в искусстве образ трехмерного героического женского персонажа», — пояснила биограф Джентилески Мэри Д. Гаррард. В отличие от других представлений, «выразительное ядро ​​картины Джентилески — это бедственное положение героини, а не ожидаемое удовольствие негодяев», — продолжил Гаррард.

Ранние работы, подобные этой, раскрывают мастерство Джентилески в обнаженной натуре и мимике, что положило начало ее репутации в Риме как художника-вундеркинда.(Некоторые ученые отметили, что Орацио применил проблемный подход к продвижению работ своей дочери, по сути экзотизируя ее, подчеркнув, что она была художницей женщины , а не просто художницей.)

Но интерес к Джентилески скоро исчезнет с нее. искусство и вместо этого к обсуждению ее тела и морали, после того, как ее изнасиловал и лишил девственности ее учитель рисования, Агостино Тасси, который также был деловым партнером ее отца. По словам Джентилески, Тасси схватил ее, когда она работала над холстом, и крикнул: «Не столько живопись, не столько живопись.Действия Тасси, казалось, были обусловлены смесью ревности, похоти и желания одолеть молодую женщину. «Это как если бы он был так же зол на ее работу, как и воспламенялся плотской похотью: отстранение ее от работы было первым шагом в его попытке доминировать над ней», — предположил Кроппер в своем эссе.

Последовал очень публичный и неоднозначный процесс, в ходе которого Джентилески был вынужден подробно описать свое нападение. Во время испытания она была подвергнута процессу sibille, — процессу, при котором веревки привязывались к ее пальцам и постепенно затягивались.Практика была предназначена для того, чтобы угадать, говорит ли она правду. После семи месяцев в суде судья наконец вынес решение в пользу Джентилески. Тасси приговорили к пяти годам тюремного заключения, но так и не отбыли срок.

Решение помогло сохранить репутацию Джентилески как благородной женщины и обеспечить брак с флорентийцем по имени Пьерантонио Стиаттеси. Это было необходимо в Италии 17-го века (общество, управляемое католической церковью), чтобы обеспечить ее будущее как успешную художницу.

Барокко Алфавит Монограмма Письмо Жемчуг Шарм Ожерелье

Описание:

Барочный кулон ручной работы с жемчугом. Ожерелье с жемчугом — 26 Алфавит, монограмма, буква, жемчужное ожерелье

Об этом товаре

«ЭТО ЗНАЧЕНИЕ ЛЮБВИ» — Ожерелье-инициал — прекрасный подарок, чтобы она знала, что она самая важная. она будет носить вашу любовь на шее и держать ее близко к сердцу. когда она носит ожерелье, у нее будет напоминание о вашей силе и о том, что вы всегда рядом с ней.Также вы можете купить его с любовником и обменять на его ношение. Когда скучаете друг по другу, независимо от расстояния, вы будете чувствовать себя связанными и теплыми. романтический жест, наполненный воспоминаниями о счастье и смехе.

«СОВЕРШЕННО ДЛЯ ПОДАРКА». Ношение большого колье с золотисто-серебристым оттенком — классический способ заявить о себе! покажите свое имя, новую фамилию, имя ребенка или даже alma mater! это идеальный подарок на день матери, день святого валентина, рождество, выпускной, дни рождения, вечеринку, выпускной бал, помолвку, свадьбу, невесту, подружку невесты или юбилей для любой важной женщины в вашей жизни, подростка, детей, дочерей, внучок, подруги, жены , невеста или та особенная леди

«СОВЕРШЕННО ДЛЯ ЛЮБОГО ОБОРУДОВАНИЯ» — Ожерелье с подвеской-подвеской, украшенное бисером и жемчугом, станет прекрасным дополнением любого гардероба.26 алфавит благодаря своей простоте, он естественно сочетается с любым нарядом. Независимо от того, что вы носите платье с открытой спиной, футболка с поясом соболезнования, рубашка в полоску, носите это ожерелье, все это будет в центре внимания толпы. каждая подвеска с буквой имеет свою историю, демонстрирует разное настроение каждый день и делает вас особенным.

RIGOROUS PRODUCTION — Ожерелье с подвеской в ​​виде букв — великолепное украшение, великолепный и привлекательный дизайн из французского, на это у рабочего уходит 8 часов, завершите 20 процессов изготовление. полировка ручной работы создает отражения и добавляет роскоши.регулируемая длина Цепочка с водной волной, экологически чистый гипоаллергенный цинковый сплав, без свинца и никеля, без вреда для кожи. у нас есть строгая система контроля качества продукции, чтобы гарантировать каждый качественный продукт!

Характеристики:

1. Подвески с буквами из высококачественного сплава 14k с импортным белым жемчугом подарят вам незабываемые моменты. №
2. Полированная поверхность делает жемчуг красивым и элегантным.
3. Большое колье для инициала — хороший подарок для ожерелья, дайте ей понять, что она всегда самая важная в вашем сердце, как это название буквы.
4. Лучший подарок лучшей подруге, подруге, маме, одноклассникам и влюбленным; отличный аксессуар для T-шоу, повседневной одежды, вечеринок, церемоний и т. д.

5. Различные буквы могут не только представлять разные имена, но также иметь другие особые значения.

Знаете ли вы это?

Например:

B — Вера — Завершите все верой.
C — Confidenc — Всегда уверен в себе.
F — Развлечения — Наслаждайтесь всем, что у вас есть.
H — Happniess — Радуйтесь своей жизни и тому, что вы делаете.
J — Радость — приносить радость окружающим.
L — Любовь — Посвящает свою любовь окружающим вас людям.
P — Настойчивость — Настойчивость — это победа.
R — Уважение — Уважайте разные культуры и верования.
W — Ждите — Ждите терпеливо, удача всегда будет.
Д — Да — Не бойтесь сказать «да» трудностям.
Z — Изюминка — Стремитесь достичь вершины жизни.
……

Вы можете выбрать разные буквы в соответствии с вашими предпочтениями или предпочтениями друзей и семьи. Я верю, что этот дар может дать вам разные значения.

Материал: сплав, покрытый жемчугом

Размер кулона: 3,3 * 2,7 см

Вес: около 7-9 г

Цвет: как показано

В комплект входит: 1 золотое ожерелье

Любой вид искусства можно сохранить жив только тогда, когда может дышать самостоятельно!

Удачных покупок 🙂

Славная история Мессии Генделя | Искусство и культура

Джордж Фридрих Гендель (в возрасте 64 лет в 1749 году) написал произведения, в том числе Messiah , которые поразили даже музыкальных титанов, которые его сменили.AGE Фотосток

Мессия Джорджа Фридриха Генделя изначально был пасхальным приношением. Он ворвался на сцену Musick Hall в Дублине 13 апреля 1742 года. Аудитория увеличилась до рекордных 700 человек, поскольку дамы прислушались к просьбам руководства носить платья «без колец», чтобы создать «место для еще большей компании». Статус суперзвезды Генделя был не единственной чертой; Многие также приехали, чтобы взглянуть на контральто, Сюзанну Сиббер, которая тогда оказалась втянутой в скандальный развод.

Присутствующие мужчины и женщины сидели загипнотизированные с того момента, как тенор последовал за скорбной увертюрой со своей пронзительной вступительной строкой: «Утешайте, утешайте мой народ, — говорит ваш Бог.Солисты чередовались с хором волна за волной, пока около середины Сиббер не пропел: «Его презирали и отвергали люди, человек печали и знаком с горем». Преподобный Патрик Делани был так тронут, что прыгнул. вскочил на ноги и закричал: «Женщина, да простятся тебе все грехи твои!»

Теперь, конечно, Мессия — неотъемлемая часть рождественского сезона. Горе концертному залу в Соединенных Штатах или Великобритании, который не может запланировать выступление на праздник, когда также резко увеличиваются продажи компакт-дисков и скачивание оратории в Интернете.Для многих любительских хоров произведение является сердцем репертуара и кульминацией года. В большинстве ораторий Генделя преобладают солисты, а хор поет лишь короткие припевы. Но в « Messiah », как говорит Лоуренс Каммингс, директор Лондонского оркестра Генделя, «припев продвигает работу вперед с большим эмоциональным воздействием и воодушевляющими посланиями».

В этом году 250-летие со дня смерти Генделя стало подарком для композитора эпохи барокко и его самого известного произведения.Мероприятие сосредоточено в Лондоне, где Гендель прожил 49 лет, вплоть до своей смерти в 1759 году в возрасте 74 лет. BBC транслировала все его оперы, всего более 40, и были исполнены все клавишные сюиты и кантаты композитора. во время ежегодного лондонского фестиваля Генделя, который включал концерты в церкви Святого Георгия на Ганновер-сквер, где поклонялся Гендель, и в Доме-музее Генделя («См. Гендель здесь спал»), давней резиденции человека, которого сам Людвиг ван Бетховен, цитируя Мессия был назван «величайшим композитором из когда-либо живших».«

Он родился в Галле, Германия, в религиозной зажиточной семье. Его отец, Георг Гендель, знаменитый хирург из северной Германии, хотел, чтобы его сын изучал право. Но знакомый, герцог Вайссенфельс, слышал, как вундеркинд, которому тогда едва исполнилось 11 лет, играл на органе. Признание дворянином гения мальчика, вероятно, повлияло на решение врача позволить своему сыну стать музыкантом. К 18 годам Гендель написал свою первую оперу Almira , первоначально исполненную в Гамбурге в 1705 году.В течение следующих пяти лет он работал музыкантом, композитором и дирижером при дворах и церквях в Риме, Флоренции, Неаполе и Венеции, а также в Германии, где был курфюрст Ганновера, будущий король Англии Георг I. вкратце его покровитель.

Неугомонная независимость Генделя контрастировала его с другим великим композитором того времени, Иоганном Себастьяном Бахом (1685-1750), с которым он не встречался. «Бах никогда не выходил из кокона придворного патронажа или церковной работы», — говорит Гарри Бикет, дирижер, клавесинист и директор лондонского камерного оркестра The English Concert.С другой стороны, Гендель редко привязывался к какому-либо благодетелю надолго, хотя, когда его просили, сочинял придворную музыку. Он написал The Water Music (1717), одну из немногих своих пьес, отличных от Messiah , узнаваемых среднестатистическим любителем концертов, для Георга I. летний вечер. «Но [Гендель] не слонялся по вестибюлям дворца в ожидании его светлости или королевского высочества», — говорит Джонатан Китс, автор книги Гендель: Человек и его музыка .

Такое свободное духом музыкальное предпринимательство было более чем возможно в Лондоне, куда Гендель навсегда переехал в 1710 году. Коммерческий бум, подкрепленный заморской торговлей, создал процветающий новый купеческий и профессиональный класс, который сломал монополию на культурное покровительство дворянства. Изюминкой лондонской музыкальной сцены стало соперничество, разделившее аудиторию на два широких музыкальных лагеря. С одной стороны, были защитники более традиционного итальянского оперного стиля, которые боготворили композитора Джованни Бонончини (1670-1747) и привезли его в Лондон.Энтузиасты новых итальянских опер Генделя связали судьбу с композитором немецкого происхождения. Партизанство было отражено в стихе 1725 года поэта Джона Байрома:

.

Некоторые говорят, что сравнивают с Бонончини,
Это Майнхер Гендель, но Нинни;
Другие утверждают, что он Генделю
Едва годится для того, чтобы держать свечу

Все более сложные оперные постановки привели к росту затрат, отчасти из-за найма музыкантов и певцов из Италии. «По общему мнению, итальянские певцы были лучше обучены и более талантливы, чем местные исполнители», — отмечает Кристофер Хогвуд, биограф Генделя и основатель Академии древней музыки, оркестра старинных инструментов Лондона, которым он руководит.Но красивые голоса часто сопровождались переменчивым темпераментом. Во время оперного спектакля 1727 года ведущие сопрано Генделя, Франческа Куццони и Фаустина Бордони, фактически вступили в драку на сцене, а их партизаны их подбадривали. «Жалко, что две такие благовоспитанные дамы называли [друг друга] Сукой и Шлюхой, ругали и дрались», — писал математик и сатирик Джон Арбетнот (1667-1735) в брошюре, описывающей растущую истерию в оперном мире Лондона. .

В 1730-е годы эмоциональные и финансовые издержки производства опер, а также изменение вкусов публики способствовали растущему интересу Генделя к священным ораториям, которые не требовали ни сложных декораций, ни иностранных звезд, включая, в конечном итоге, Messiah .«С ораториями Гендель мог бы быть больше сам себе хозяином», — говорит Китс.

Несмотря на свою известность, внутренняя жизнь Генделя остается загадочной. «Мы знаем гораздо больше об окружающей среде, в которой он жил, и о людях, которых он знал, чем о его личной жизни», — добавляет Китс. Частично это объясняется недостатком личных писем. Мы должны полагаться на противоречивые описания Генделя поклонниками и недоброжелателями, чьи мнения были окрашены музыкальным соперничеством Лондона 1700-х годов.

Хотя он не был женат и, как известно, не имел длительных романтических отношений, Генделя преследовали разные молодые женщины и ведущая итальянская сопрано Виттория Тарквини, согласно рассказам его современников.Искренне преданный друзьям и коллегам, он был способен на ужасные всплески гнева. Из-за спора из-за места в оркестровой яме он дрался на почти смертельной дуэли с композитором и музыкантом Иоганном Маттезоном, чей удар мечом был остановлен металлической пуговицей на пальто Генделя. Тем не менее, эти двое оставались близкими друзьями долгие годы. Во время репетиций в лондонском оперном театре с Франческой Куццони, Гендель настолько пришел в ярость из-за ее отказа выполнять все его инструкции, что схватил ее за талию и пригрозил выбросить в открытое окно.«Я хорошо знаю, что ты настоящая дьяволица, но я хочу, чтобы ты знал, что я Вельзевул!» — кричал он испуганному сопрано.

Гендель, который с годами становился все более толстым, определенно имел устрашающее телосложение. «Он уделял [еде] больше внимания, чем любой человек», — писал первый биограф Генделя, Джон Мэйнваринг, в 1760 году. Художник Джозеф Гупи, создавший декорации для опер Генделя, жаловался, что ему подали скудный обед в ресторане композитора. дом 1745 г .; только потом он обнаружил своего хозяина в соседней комнате, который тайно ел «кларетные и французские блюда».«Разгневанный Гупи изобразил карикатуру на Генделя за органной клавиатурой, его лицо превратилось в морду свиньи, в окружении птицы, бутылок с вином и устриц, разбросанных у его ног.

«Возможно, он был груб с едой, но не с деньгами», — говорит Китс. Скопив состояние благодаря своей музыке и разумным инвестициям в растущий лондонский фондовый рынок, Гендель сделал щедрые пожертвования сиротам, ушедшим на пенсию музыкантам и больным. (Он отдал свою часть выручки за дебют Мессии тюрьме для должников и больнице в Дублине.) Чувство человечности также пронизывает его музыку — на это часто указывают дирижеры, сравнивающие Генделя с Бахом. Но там, где оратории Баха превозносили Бога, Генделя больше интересовали чувства смертных. «Даже когда тема его работ религиозна, Гендель пишет о человеческом отклике на божественное», — говорит дирижер Бикет. Нигде это не является более очевидным, чем в Мессии . «Чувство радости, которое вы испытываете от хора« Аллилуйя », не имеет себе равных, — говорит дирижер Каммингс.«И как кто-то может сопротивляться припеву« Аминь »в конце? Он всегда поднимет вам настроение, если вы чувствуете себя подавленным».

Гендель сочинил Мессию за поразительный промежуток времени, где-то между тремя и четырьмя неделями в августе-сентябре 1741 года. «Он писал буквально с утра до ночи», — говорит Сара Бардуэлл из Дома-музея Генделя в Лондоне. Текст был подготовлен в июле выдающимся либреттистом Чарльзом Дженненсом и предназначался для пасхального спектакля в следующем году.«Я надеюсь, что [Гендель] выложит на нем весь свой гений и навыки, чтобы композиция могла превзойти все его предыдущие композиции, так же как тема превосходит все остальные объекты», — написал Дженненс другу.

Было несколько причин для выбора Дублина для дебюта Messiah . Гендель был удручен апатичным приемом, который лондонская публика оказала его произведениям в предыдущем сезоне. Он не хотел рисковать еще одной критической неудачей, особенно с такой неортодоксальной работой.В других ораториях Генделя были сильные сюжеты, основанные на драматических противостояниях между ведущими персонажами. Но «Мессия » предлагал самые расплывчатые повествования: первая часть предсказывала рождение Иисуса Христа; второй превозносил свою жертву за человечество; и последняя часть провозгласила его Воскресение.

Дублин был одним из самых быстрорастущих и процветающих городов Европы, где богатая элита стремилась продемонстрировать свою изысканность и экономическое влияние, чтобы организовать крупное культурное мероприятие.«Так что для Генделя было большим преимуществом совершить путешествие в Дублин, чтобы опробовать свою новую работу, а затем привезти ее обратно в Лондон», — говорит Кейтс, сравнивая композитора с бродвейскими продюсерами, которые опробовали пьесы в Нью-Хейвене перед постановкой их. в Нью-Йорке.

Успех «Мессии » в Дублине действительно быстро повторился в Лондоне. Messiah заняло время, чтобы найти свою нишу в качестве рождественского фаворита. «Так много прекрасной пасхальной музыки — особенно« Страсти по Матфею »Баха , особенно — и так мало великой сакральной музыки, написанной к Рождеству», — говорит Каммингс.«Но вся первая часть Мессии посвящена рождению Христа». К началу 19 века исполнение Messiah стало еще более сильной рождественской традицией в Соединенных Штатах, чем в Великобритании.

Нет никаких сомнений в том, что Гендель любил эту работу. Его ежегодные благотворительные концерты для его любимой благотворительной организации — лондонской больницы для подкидышей, дома для брошенных и осиротевших детей — всегда включали Messiah . А в 1759 году, когда он был слеп и плохо себя чувствовал, он настоял на том, чтобы 6 апреля присутствовать на представлении Messiah в Королевском театре в Ковент-Гардене.Через восемь дней Гендель умер дома.

Его общее состояние оценивалось в 20 000 фунтов стерлингов, что делало его миллионером по современным меркам. Большую часть своего состояния он оставил благотворительным организациям, а большую часть оставил друзьям, слугам и своей семье в Германии. Его единственным посмертным подарком самому себе было 600 фунтов стерлингов на его собственный памятник в Вестминстерском аббатстве, месте последнего упокоения британских монархов и их наиболее опытных подданных. Через три года после смерти Генделя был установлен памятник работы французского скульптора Луи Франсуа Рубийяка.

За границей репутация Генделя — и его самого известного сочинения — продолжала расти. Моцарт сделал Генделю величайший комплимент, реорганизовав Messiah в 1789 году. Даже Моцарт, однако, признал себя скромным перед лицом гения Генделя. Он настаивал на том, что любые изменения партитуры Генделя не следует интерпретировать как попытку улучшить музыку. «Гендель лучше любого из нас знает, что произведет эффект», — сказал Моцарт. «Когда он выбирает, он ударяет, как молния.«

Любитель классической музыки Джонатан Кандел живет в Нью-Йорке.

Рождество Композиторы Опера

Рекомендованные видео

Фламандская живопись в период барокко

Стиль живописи, созданный во Фландрии в 17 веке, известен как фламандское барокко.Этот стиль создавался примерно между 1585 годом, когда Голландская республика отделилась от южных регионов Габсбургской Испании, и примерно до 1700 года, когда правление Габсбургов закончилось после смерти короля Карла II. Антверпен — дом Питера Пауля Рубенса, Энтони Ван Дейка и Якоба Йорданса — занимал видное место в качестве точки художественного творчества в то время, как и Брюссель и Гент в меньшей степени. Питер Пауль Рубенс, выдающийся художник стиля фламандского барокко, оказал сильное влияние на художественную эстетику 17 века.

Фламандская живопись в стиле барокко примечательна тем, что она была разделена на разные тематические категории, и художники того времени, как правило, специализировались на одной из этих областей. Эти жанры включали историю, портретную живопись, жанр, пейзаж и натюрморты.

Историческая живопись

Историческая живопись, считавшаяся самым благородным жанром в 17 веке, состояла из изображений исторических, библейских, мифологических и аллегорических сцен. Питер Пауль Рубенс был доминирующим художником в этой категории, хотя его ученик Энтони Ван Дайк также стал заметным.В большей степени, чем в любой другой категории, фламандские художники-историки продолжали черпать влияние итальянской живописи. Рубенс провел девять лет в Италии, изучая работы мастеров, и познакомил с живописью монументальную сцену охоты. Примером этого служит его работа «« Охота на волков и лис »», которая изображает крупномасштабное благородное сражение и была вдохновлена ​​его исследованием классической древности.

Охота на волков и лис , Питер Пауль Рубенс

Охота на волков и лис — это пример монументальной сцены охоты, которую Рубенс представил в живописи.

Портретные картины

Портретные картины были по большей части монументальными или в натуральную величину, хотя групповой и семейный портрет приобрел известность в 17 веке. Хотя он не был портретистом, Рубенс завершил некоторые ранние работы в этой категории. Он также оказал влияние через своего ученика Энтони Ван Дейка, который стал придворным художником Карла I Английского и оказал влияние на последующую портретную живопись в Англии.

Жанровая живопись

Жанровые картины изображают сцены из повседневной жизни и были очень распространены во Фландрии 17 века.На этих картинах изображены фигуры без определенной идентичности, обычно занятые деятельностью, связанной с «крестьянской жизнью». Многие художники жанра следуют традиции Питера Брейгеля Старшего в изображении низших слоев общества. Картины Адриана Брауэра, на которых часто изображены дерущиеся и пьяные крестьяне, служат образцом фламандской жанровой живописи. Брауэр известен тем, что рисует предметы в интерьере, а не в экстерьере. Он также был известен своими выразительными лицевыми исследованиями, характерными для жанра «трони» (лица) и представленного в таких произведениях, как The Bitter Drink.

Village Lawyer Питер Брейгель

Жанровая картина Питера Брейгеля.

Пейзажи

Пейзажная живопись была еще одной важной категорией в 17 веке. Стиль развивался на основе фламандских пейзажных картин 16-го века, которые не были особенно реалистичными и использовали полуавтоматический вид, типичный для Питера Брейгеля Старшего. Архитектурная интерьерная живопись также стала популярной примерно в это время, развиваясь из работ Ганса Вредмана де Вриза и изображая реалистичные интерьеры существующих церквей и соборов.

Натюрморты

Цветочные натюрморты были широко распространены во Фландрии 17 века, популяризированы Брейгелем Старшим около 1600 года. Его сыновья, Ян Брейгель Младший и Амброзиус Брейгель, также были известными специалистами по цветам того времени. Другие предметы или подкатегории натюрморта включали банкетный натюрморт, натюрморт с животными и сцены с гирляндами. В натюрмортах часто присутствует моралистический посыл о краткости жизни, характерной чертой которой являются «vanitas».»Ванитас — это символический натюрморт, который предназначен для иллюстрации бессмысленности земной жизни и быстротечности всех земных занятий. Картины Ванитас были очень популярны во фламандских и голландских работах 17-го века, и они часто изображают такие символы, как черепа, цветы. , гниющие фрукты, часы, часы, дым и песочные часы — все это призвано передать эфемерную природу жизни на Земле.

Картина Vanitas

Образец vanitas XVII века работы Франциска Гисбрехта.

Orquesta Barroca de Sevilla — Скрытое послание периода барокко: нумерология и каббала

СУББОТА 28

16:30

ÚBEDA


Аудитория больницы Сантьяго


ORQUESTA BARROCA DE SEVILLA
Альфонсо Себастьян, клавесин и дирижер

Скрытое послание периода барокко: нумерология и каббала


По мнению некоторых известных музыковедов, некоторые из наиболее важных произведений Иоганна Себастьяна Баха и других композиторов периода барокко созданы под влиянием еврейской каббалы.Не впадая в оккультизм или чрезмерную интерпретацию, важность математики в музыке хорошо известна. Это относится к включенным в эту программу концертам и сюитам, сочиненным Бахом, его уважаемым кузеном Иоганном Бернхардом, а также Джорджем Муффатом, прямым наследником Корелли.

ПРОГРАММА

ЧАСТЬ ПЕРВАЯ

Иоганн Бернхард Бах (1676-1749)
Сюита № 1 соль минор
Ouverture
Loure
Rondeaux
Air
Passepied

Иоганн Себастьян Бах (1685-1750)
Концерт для клавесина ре минор BWV 1052
Allegro
Adagio
Allegro

ВТОРАЯ ЧАСТЬ

Иоганн Себастьян Бах
Концерт для скрипки ми мажор BWV 1042
Allegro
Adagio
Allegro assai

Джордж Маффа т (1653-1704)
Concerto Grosso No.12 соль мажор Propitia Sydera
Соната. Могила
Могила
Чакона

Продолжительность: 75 минут

Следите за этим концертом в прямом эфире в наших социальных сетях / на нашем канале YouTube.

Посвящается Диего Мартинесу Мартинесу (1963-2020), президенту Ассоциации культурных сообществ Убеды

В СОТРУДНИЧЕСТВЕ С AGENCIA ANDALUZA DE INSTITUCIONES CULTURALES

Андони Мерсеро (концертино и солист), Валентин Санчес и Розария д’Априле, скрипки I
Мигель Ромеро (второстепенное концертино), Игнасио Абалос и Рафаэль Муньос-Торреро, скрипки II
Кепа Артеткс, альт Рикчелло
Альдо Мата, виолончель
Альдо Мата , контрабас

Альфонсо Себастьян, клавесин и дирижер

Андони Мерсеро, скрипка. Он изучал игру на скрипке и альте в Высшей школе музыки королевы Софии в Мадриде, Университете Торонто, Высшей школе музыки им. Ганса Эйслера в Берлине и Амстердамской консерватории. Награжден на национальных и международных конкурсах, он руководил оркестром Orquesta Ciudad de Granada, Orquesta Sinfónica de Burgos, Orquesta Barroca de Salamanca и Orquesta Barroca de Sevilla. Он также сотрудничает с несколькими национальными и международными оркестрами и группами и является директором группы Musica Boscareccia, с которой он недавно записал компакт-диск, посвященный творчеству Франческо Корселли.Он также участвует в учебных программах JONDE и Academia de Música Antigua Университета Саламанки и работает профессором струнного квартета в Musikene.

Альфонсо Себастьян, клавесин и дирижер. Он изучал фортепиано (Пилар Армийо) и клавесин (Х. Л. Гонсалес Уриол) в Высшей консерватории в Сарагосе. Позже специализировался на фортепиано (Патрик Коэн) и изучал дирижирование (Клэр Левачер) в Национальной консерватории в Париже. Проходил курсы повышения квалификации у Дж.-W. Янсен, Г. Леонхардт, Л.-У. Мортенсен, Дж. Огг и П. Бадура-Шкода и другие. Кроме того, он является приглашенным дирижером Orquesta Vigo430 и членом группы Los Músicos de Su Alteza. Он также сотрудничает с несколькими ансамблями, такими как La Tempestad, Al Ayre Español и Orquesta Barroca de Sevilla, среди других. Точно так же он перевел на испанский трактат Квантца и сотрудничал с переводом трактата Карла Филиппа Эмануэля Баха (Dairea, 2016). С 1999 года он был профессором клавесина и континуо в Профессиональной консерватории в Саламанке.

Orquesta Barroca de Sevilla. Orquesta Barroca de Sevilla, совместный проект его соучредителя Вентуры Рико и Педро Гандиа Мартина, который был его художественным руководителем с 2001 года, входит в число лучших испанских ансамблей, посвященных исполнению старинной музыки в соответствии с критериями историзма. Его художественная деятельность проходит на самых важных сценах Испании и Европы, особенно в Андалусии. OBS записал богатую коллекцию музыкального наследия на своем лейбле, названном OBS-Prometeo, в дополнение к сотрудничеству с звукозаписывающими лейблами Harmonia Mundi, Lindoro, Almaviva и, в последнее время, с Passacaille и IBS.В 2011 году они были награждены премией Premio Nacional de Música. Они также выиграли премию Мануэля де Фальи в 2010 году, премию FestClásica в 2011 году и почетную награду города Севильи. OBS сотрудничает с Министерством культуры, Городским советом Севильи и Севильским университетом.

YOUTUBE

ВЕБ- И СОЦИАЛЬНЫЕ СЕТИ

www.orquestabarrocadesevilla.com
https: //www.facebook.com / Orquesta-Barroca-de-Sevilla-184517949536
https://twitter.com/Obs_Live
https://www.youtube.com/c/orquestabarrocadesevillaobs

Барокко и рококо: разные стили и их цели — 568 слов

Введение

Найти цель для искусства так же сложно, как дать ей точное определение. У искусства много причин и целей. Некоторые художественные стили сосредоточены на совершенстве физической формы, в то время как другие нацелены на то, чтобы послать сообщение зрителю.Выбор цели не означает, что один стиль по своей сути превосходит или уступает другому. Как показывает история, цели и идеи, стоящие за искусством, могут стать предметом споров и критики в художественном сообществе.

Пример такого противостояния можно найти между адептами двух разных художественных стилей, господствовавших в 18 веке — барокко и рококо. В то время как барокко было основано на трагедии, мраке, чистых эмоциях и значимых сообщениях, рококо был беззаботным стилем, сосредоточенным на красоте, веселье, любви и игривом поведении.

Святой Жером — Караваджо

Чтобы увидеть разницу между двумя стилями, необходимо сравнить работы их знаковых представителей — Микеланджело Меризи да Караваджо и Жан-Оноре Фрагонара. Одна из известных работ Караваджо — St. Gerome , на которой изображен святой за столом, заполненным рукописями и книгами. 1 На одной из книг изображен человеческий череп. Картина темная и контрастная, поскольку глубокие тени вступают в противоречие с яркими одеждами, которые носит святой.

Художник демонстрирует прекрасное использование светотени — техники, используемой для уравновешивания светлых и темных цветов в картине. 2 Святой Жером — классический образец стиля барокко — картина имеет глубокий смысл и большую философскую ценность. Он иллюстрирует библейскую сцену. Многие художники эпохи барокко, в том числе Караваджо, были глубоко религиозными. Контексты, лежащие в основе искусства Караваджо, не могли быть заключены в одну рамку изображения, что создает ощущение вопроса, оставленного без ответа.Как и многие картины в стиле барокко, его работы лучше всего наблюдать издалека. 3

Качели Жан-Оноре Фрагонара

Искусство рококо — полная противоположность барокко. Он произошел от стиля, используемого для украшения. Его отличительные черты — минимализм и внимание к деталям. Искусство рококо представляет собой палитру ярких и нежных цветов с ограниченным использованием черного цвета. Картина Жоана-Оноре Фрагонара « Качели » — один из величайших образцов искусства рококо. 4 На нем изображена девушка, которая веселится на качелях в парке, и молодой человек, удивленный тем, что девушка качается сквозь кусты.

В нем есть все черты классической живописи в стиле рококо: главные герои принадлежат к аристократии, окружение веселое и красивое, а обстановка немного озорна, поскольку подразумевается, что взволнованный молодой человек увидел ноги девушки, когда она вскочила на качелях. Искусство рококо, в отличие от темных и серьезных картин барокко, не имеет за собой каких-либо глубоких философских мотивов, а стремится воспевать красоту жизни. 5

Заключение

Как можно видеть, барокко и рококо были двумя разными стилями, созданными по разным причинам. Барокко должно было заставить зрителей задуматься над величайшими тайнами жизни и проиллюстрировать сильные чувства гнева, обожания, отчаяния и любви. Рококо был беззаботным декоративным стилем, не преследовавшим других целей, кроме как вызвать у зрителя чувство радости. Тем не менее, рококо в свое время критиковали за отсутствие смысла и большую глубину, несмотря на то, что он был создан для совершенно другой цели.

Библиография

Элкинс, Джеймс. Истории искусства. Нью-Йорк: Рутледж, 2013.

Нойман, Роберт. Искусство и архитектура барокко и рококо. Нью-Йорк: Пирсон, 2013.

  1. Джеймс Элкинс, Истории искусства (Нью-Йорк: Рутледж, 2013), 35.
  2. Элкинс, Истории искусства, 40.
  3. Джеймс Элкинс, Истории Art (New York: Routledge, 2013), 44.
  4. Robert Neuman, Baroque and Rococo Art and Architecture (New York: Pearson 2013), 102.
  5. Нойман, Барокко и рококо, 105.
Это эссе «Барокко и рококо: разные стили и их цели» было написано и отправлено вашим однокурсником. Вы можете использовать его в исследовательских и справочных целях, чтобы написать свою статью; однако вы должны процитировать это соответственно.

Запрос на удаление

Если вы являетесь владельцем авторских прав на эту статью и больше не хотите, чтобы ваша работа публиковалась на IvyPanda.

Запросить удаление

Нужен нестандартный образец Essay , написанный с нуля
профессионал специально для вас?

Барокко Введение: HUM2230-16 Лето AW61

    Щиток приборов

    HUM2230-16 Лето AW61

    Барокко Введение

    Перейти к содержанию Щиток приборов

    • Авторизоваться

    • Панель приборов

    • Календарь

    • Входящие

    • История

    • Помощь

    Закрывать