В какой стране зародилось барокко: 20 городов с впечатляющей архитектурой — Независимое театральное объединение "Зрительские симпатии"

Содержание

Стиль барокко в дизайне интерьера

Появился стиль барокко в интерьере и архитектуре в Италии на рубеже XVI-XVII веков. И быстро получил широкое признание практически во всех европейских странах. Поэтому иногда происходит путаница в стране, где зародилось данное направление дизайна. Главные отличительные черты стиля барокко в интерьере – динамичность форм и беспокойный ритм кривых линий, обилие роскоши и резных элементов в мебели, позолоты. Архитектура барокко подразумевает единство стиля дома, сада, фонтанов, павильонов, наличие большого количества скульптур и неразрывно связанна с внутренним интерьером.

Дизайнерские решения, характерные для стиля барокко, будет сложно воплотить в условиях небольшого пространства или частного дома с невысокими потолками. Потому что данное направление тяготеет ко всему роскошному, объемному, высокому. В интерьере преобладают динамичные овалы, спирали, сложные и запутанные очертания, роскошная мебель. Если вас интересует лестница в дом на второй этаж под ключ, переходите на evrolestnica.

ru, чтобы узнать все детали.

Пространственная организация барокко

Во времена возникновения барочных зданий внутри самих архитектурных сооружений также была изменена форма деления пространства. Возникло новое понятие в дизайне интерьеров – анфилада. Проходные комнаты располагались друг за другом, но при открытых дверях могли просматриваться одновременно. Таким образом, они как бы образовывали сквозной коридор. Высокие потолки и роскошные люстры значительно усиливали визуальное восприятие. Это придавало интерьеру в стиле барокко недосказанность и таинственность.

В период расцвета данного стиля появились мансарды и чердаки, которые стали использовать для постоянного проживания. В интерьере помещения появилась такая комната как будуар.

Основные черты стиля барокко

Ткани. Целые стены обиваются тканями, над кроватями вешаются балдахины или шторы. Обязательное наличие массивных тканей на окнах и мебели;
Обилие криволинейных форм, даже колонны делали витыми;
Фрески с яркими и крупными элементами, популярны фрески не только на стенах, но и на потолке;
Мраморные камины с изящной отделкой;
Лепной декор с позолотой или же однотонной белый, но с выраженным рельефом;
Лестница является не просто функциональной деталью интерьера, но его ярким элементом;

Оформление стен и потолков в стиле барокко

Стены стиле барокко могут быть с элементами отделки из мрамора или позолоты, приветствуются деревянные панели.

Натуральная структура может быть сохранена, но также может быть и окрашена. Отличительная черта – использование лака. Дизайн интерьера не подразумевает свободных плоскостей, если они остаются, то заполняются фресками, гобеленами или просто затягиваются тканью.

Для современных квартир и частных домов отличным вариантом обработки стен в стиле барокко будет использование венецианской штукатурки, деревянных панелей или дорогих обоев с характерным рисунком.

В традиционном исполнение помещения в стиле барокко потолки должны быть расписаны и обрамлены золоченой лепниной. Если попытаться добавить интерьеру данного стиля современности, то для отделки потолка допускается использование фрески на флизелиновой основе.

Пол – важная деталь интерьера

Пол, как и стены, и потолок, призван обязательно демонстрировать роскошь интерьера и богатство его обладателя. Поэтому, важно в качестве покрытия для пола использовать дорогие материалы. Необходимо соблюсти контраст. К примеру, мраморная плитка выкладывается в виде мозаики, керамическая плитка имеет яркий рисунок. Очень хорошо в современном интерьере в стиле барокко будут смотреться наливные полы.

Роль цвета и света в барокко

Цвет должен обязательно иметь глубину, приветствуется явная игра света и тени. Наиболее предпочтителен коричневый и бирюзовый, цвет бордо и беж, черный. Золото и перламутр используются как дополнительные оттенки.

В качестве декоративной инкрустации допустимо использование в мебели элементов кости и фарфора, черепахового панциря. Света должно быть много, причем, естественного света. Поэтому, важны большие окна. Свет должен отражаться в многочисленных зеркалах, которые также крайне желательные в интерьере.

В качестве создания дополнительного уюта приветствуется наличие огромного количества подушек. Они могут быть на кроватях, на креслах, иметь разную фактуру и внешний вид.

Что выбрать из мебели

Мебель должна иметь высокие спинки, выраженные ножки. Обивка выполняется дорогими плотными тканями. Особенно ценится мебель, выполненная из массива ценной древесины.

Убранство кровати состоит из обязательного балдахина над ложем, дутого покрывала, вороха подушек и скамеечки для ног. В спальне обязательно наличие такого атрибута будуара как зеркало с массивной рамой.

Это интересно знать!

К новинкам мебели, которые интерьеру подарил барокко, относятся бюро и столы-консоли, туалетные, ночные столики, высокие подставки для безделушек и подсвечников. В моду интерьера входит такое понятие как мебельный гарнитур.

Барокко считается самым роскошным историческим стилем, который не утратил своей актуальности и сегодня. Он прекрасно подойдет для оформления интерьера загородных вилл с высокими потолками, широкими лестницами и большими комнатами.

Мир в раннее Новое время

Архитектура российской науки

В период с 1823 по 1826 годы в Москве по проекту Доменико Жилярди и Афанасия Григорьева построили здание Опекунского совета. Оно находилось неподалеку от Воспитательного дома – благотворительного учреждения, предназначавшегося для брошенных детей и сирот. Здесь им давали образование, обучали ремеслам, готовили к самостоятельной жизни. В Воспитательном доме действовали Латинские классы, Повивальный институт и Классические курсы, на которых молодых людей готовили к поступлению на медицинский факультет Московского университета.

Московский Опекунский совет управлял Воспитательным домом и его делами. Для пополнения своего бюджета он имел право заниматься ссудно-залоговыми операциями, печатать и продавать игральные карты, фарфоровые, кожевенные и другие изделия.

Поэтому он ведал банковскими учреждениями – Ссудной, Сохранной и Вдовьей казнами. Вырученные Опекунским советом деньги шли на содержание благотворительного заведения. Помимо московского Опекунского совета существовал также петербургский, который выполнял аналогичные функции в столице Российской империи. Позднее оба совета были объединены в один.

Здание Опекунского совета, выполненное в стиле ампир, стало украшением Солянки. Изначально ансамбль включал в себя шесть отдельно стоявших корпусов – их число, вероятно, намекало на количество членов Опекунского совета, состоявшего из шести Директоров, которые должны были «дом оный во всех нуждах защищать».

Центральным ядром композиции стал двухэтажный главный корпус с ионической колоннадой. Он предназначался для Совета Опекунов и Сохранной казны воспитательного дома. Его портик был украшен лепным гербом с двухглавым орлом, гирляндами по бокам и надписью «1825 годъ». Ниже располагалась золоченая надпись «Опенкунскiй Советъ», а также сложный фриз с изображением играющих детей. Этот декор можно видеть над входом в здание и сегодня.

Еще одна приметная архитектурная деталь – огромный купол, выполненный по образцу древнеримских храмов. Это характерная деталь стиля ампир. По главным осям каждого из фасадов были расположены полукруглые окна. К ним с двух сторон летят фигуры трубящей Славы.

По бокам основного здания находились два жилых флигеля, а во дворе – хозяйственные постройки. Между флигелями и главным корпусом разместились парадные въезды, которые украшали два белокаменных пилона, увенчанные фигурами лежачих львов. Спустя 20 лет здание было реконструировано по проекту Михаила Быковского, и все постройки были объединены в единое целое.

В разное время в здании находились первая Московская сберегательная касса, Дворец труда, Дом охраны младенца, Академия медицинских наук. Сейчас здесь расположились аппарат медицинского отделения Российской академии наук, Министерство науки и высшего образования Российской Федерации, Российский научный фонд.

Фонд был создан в целях поддержки фундаментальных и поисковых исследований и развития коллективов, занимающих лидирующие позиции в различных областях науки. Сегодня РНФ – один из эффективных инструментов грантового финансирования. Благодаря гибкой системе управления он может своевременно реагировать на изменение тенденций в развитии мировой и отечественной науки.

Декорирования храмов в стиле барокко

Как-то я услышала притчу «В храм не пускают», которая родилась в начале 90-тых,после развала СССР, когда народ был потерян и остался без идеалов. Я не совсем согласна с этой притчей, но из нее я поняла ,что Бог в первую очередь должен быть в нашем сердце. Нельзя не согласиться с немецким и французским философом Альбертом Швейцером, который сказал: «Регулярное посещение церкви так же не способно сделать человека христианином, как регулярное посещение гаража не способно сделать человека шофером». Храм, может повлиять на мировоззрение людей и приобщить их к вере.

Самым ценным наследием в нашей стране, безусловно, являются православные храмы. Церкви стоят, и ко многим из них мы идем с чувством и благоговением. Храм – это Небо на земле. Человек же постоянно совершенствует то ,что создает своими руками, стараясь приблизиться к Богу. Стилей построения зданий много, но меня больше всего привлекло барокко.

Цель моей работы: Попытаться сравнить декорирования храмов в стиле барокко и выявить связь между их особенностями в зависимости от регионов.

Гипотеза: отличия между способами декорирования и строительством храмов обусловлены различными взглядами на представление стиля барокко, историей его создания, особенностями региона и отвечает на запросы времени .

Глава 1. История появления в России направления барокко.

Барокко зародилось в Италии. И в каждом государстве барокко приобретало свои национальные черты. В нашей стране этот стиль имеет свой путь развития. Барокко зарождается в то время, когда общество всерьез начало интересоваться культурой. Архитектура барокко в России поражает своим размахом и сложностью. Ей свойственны обилие сложных, как правило, криволинейных форм, масштабные колоннады. На фасадах зданий того времени и в их интерьерах наблюдается изобилие скульптур. Встречаются и многоярусные купола со сложными формами. Отличительными деталями стиля являются атланты, кариатиды, поддерживающие своды и играющие роль колонны, а также маскароны — скульптурные украшения в форме человеческой головы или морды животного в анфас.

Глава 2. Влияние географических факторов на строительство храмов.

Как нам известно большое влияние на характер строительства помещений оказывают именно географические факторы , в которые входят :климат, рельеф, запасы природных ресурсов. В первую очередь архитекторы должны обращать внимание на климатические особенности местности ,чтобы создать максимально долговечное сооружение. Как правило, такие места располагались на холмах или возвышенностях. Считалось ,что чем выше построен храм, тем ближе он к небесам и Богу. Если же земля под храмом по какой-то причине начинала оседать и он оказывался в низине, то Божий дом переходил во владения Дьявола.

История создания храмов в стиле барокко в разных регионах страны.

Хочу начать свое повествование с истории создания храма Знамения Богородицы в Дубровицах, который находится в центральном регионе России. Она была построена для Петра 1. Церковь Знамения Пресвятой Богородицы, как отмечают специалисты, это порождение итальянской творческой мысли, нашедшей своё воплощение в стиле барокко. Для её сооружения использовался местный белый камень, часто встречающийся в Подольском крае. Завершены работы были в 1699 году, но освятили церковь пятью годами позже.

На западе от Москвы в Прекрасном городе Киеве Расположилась не менее прекрасная Андреевская церковь. Строительство ее связанно с посещением Киева в 1744-м году императрицы Елизаветы Петровны. Императрица решила разместить в Киеве свою летнюю резиденцию. . 9 сентября 1744 года состоялась церемония закладки церкви, во время которой императрица собственноручно положила в основание храма первые три кирпича – символ будущего строительства. Построена она была в 1754 году Мировым сообществом здание Андреевской церкви занесено в каталог «1000 чудес света. Шедевры человечества пяти континентов», изданного в Германии в 2002 году.

Русское барокко сквозь призму поэзии и зодчества. Нарышкинское, или московское барокко

Этот причудливый, а порой и странный стиль, главенствующий в архитектуре и искусстве Европы с конца шестнадцатого до середины восемнадцатого веков, утвердился в эпоху интенсивного создания государств по национальному признаку. Он был тесно связан с церковью и аристократическими кругами. прославлял и пропагандировал их могущество. Поэтому для него в первую очередь характерна пышность, грандиозность и патетическое пристрастие к эффектным зрелищам. В этом стиле совмещены иллюзорность и реальность, есть сильные контрасты масштабов и ритмов, а также фактур и материалов, тени и света.

Описание барокко

Как только вначале не называли этот стиль: странным, склонным к излишествам, нелепым, вычурным, неестественным. .. Эти характеристики в эпоху его зарождения звучали как насмешки. А все потому, что барокко не соответствовал тогдашним канонам античного искусства и архитектуры.

Но постепенно зодчество стало приобретать новые приоритеты и качество. Барокко зародилось в Италии. Именно эта страна была в то время центром культуры, откуда этот стиль начал свое триумфальное шествие по Европе. И в каждом государстве барокко приобретало свои национальные черты.

Архитектура барокко, в России в том числе, в первую очередь поражает своим размахом и сложностью. Ей свойственны обилие сложных, как правило, криволинейных форм, масштабные колоннады. На фасадах зданий того времени и в их интерьерах наблюдается изобилие скульптур. Встречаются и многоярусные купола со сложными формами. Ярким примером можно назвать собор св. Петра в Ватикане. Отличительными деталями стиля являются атланты, кариатиды, поддерживающие своды и играющие роль колонны, а также маскароны — скульптурные украшения в форме человеческой головы или морды животного в анфас.

Именно в архитектуре, как считают специалисты, барокко было представлено во всем разнообразии и полноте. Всех зодчих, создающих свои работы в этом стиле, сложно перечислить. Это итальянцы Бернини, Мадерна и Борромини, поляк Ян Глаубиц и многие другие. В России архитектором, чьи творения можно причислить к барокко, считается в первую очередь Б. Растрелли. Нужно сказать, что в нашей стране оно развивалось по особому пути.

Зарождение русского барокко

Начало восемнадцатого века в России ознаменовалось крупнейшими событиями. В результате успешно завершенной Северной войны и многочисленных петровских реформ страна начала развиваться и культурно, и экономически. Возникновение Петербурга тоже явилось важным событием, оно положило начало новому этапу в истории не только нашего, но и мирового зодчества. Именно с этого и началось, собственно, распространение барокко в архитектуре 18 века. В России для строительства столицы и ее пригородов собрались не только отечественные, но и зодчие из Западной Европы. Решение грандиозных задач градостроительства осуществлялось на основе традиций русской архитектуры.

Западноевропейские веяния

Тем не менее петербургское зодчество времен Петра I, а это — первая четверть восемнадцатого века, хоть и сложилось как истинно национальное, отвечающее местным особенностям, в то же время отражало результаты освоения многих стилей западноевропейского строительства. Возник некий монолитный и весьма органичный сплав нашего и зарубежного архитектурных стилей. Так началась в России.

При этом процесс ассимиляции и творческой переработки западноевропейских стилей, по существу, зародился еще в пятнадцатом веке, когда при Иване III в Москву приехали работать итальянцы. Во второй половине семнадцатого века влияние иностранцев усилилось, когда в русской архитектуре стали понемногу распространяться и антаблементы, фронтоны, наличники и скульптурные мотивы.

В нашей стране он долго не мог утвердиться. Несмотря на то что критики ниспровергали классицизм в архитектуре, они, тем не менее, не видели альтернативы «колоннам и куполам». Яростно обсуждались достоинства неоготики и «неоренессанса», однако термин «барокко» в России употреблять избегали. Брюллов во время поездки в Италию был возмущен «развращенным вкусом» и нелепостью творений Борромини.

И только в восьмидесятых годах девятнадцатого века исследователем древнерусского зодчества Н. Султановым был введен термин «русское барокко». В России им обозначали допетровскую архитектуру семнадцатого века. С тех пор появилась устойчивая концепция, по которой первая фаза этого стиля сложилась в 1640 годах.

По определению Лихачева, барокко в России приняло на себя некоторые черты Ренессанса, который так и не смог достаточно полно проявиться. Тем не менее термин «русское барокко» в России и вообще в мире принимается не всеми специалистами. Поэтому его считают условным, а название берут в кавычки.

Формально по своим качествам этот стиль близок к маньеризму. В нем выделено несколько стадий: «нарышкинское», «голицынское», «петровское барокко в России» (18 век, первая четверть) и «зрелое», относящееся к елизаветинскому времени. Последний стиль наиболее ярко воплощен в творчестве Ф. Растрелли Младшего во многих строениях Петербурга.

Нарышкинское, или московское барокко

Под этим стилем подразумевают группу храмов, выстроенных этим знаменитым боярским родом. Нарышкинский стиль барокко в России представлен такими произведениями архитектуры конца семнадцатого — начала восемнадцатого веков, как церкви в Филях и Троицком-Лыкове, в Уборах и Дубровицах, а также Успения, возведенного на Маросейке.

Специалисты называют его в какой-то мере его последующей стадией, в которой проступили преобразованные формы из западноевропейской архитектуры, такие как ордера с и их элементами, декоративные мотивы барочного происхождения и т. д.

Особенности нарышкинского стиля в архитектуре

Он возник в переломный для нашего зодчества момент. Именно тогда в русский патриархальный стиль стали постепенно проникать веяния из Европы. От архитектуры шестнадцатого века его отличает вертикальная пронизывающая энергия, которая скользит по граням на стенах и выбрасывает пышные узорчатые волны.

Для зданий этой эпохи русского зодчества характерно смешение противоречивых тенденций, в строениях наблюдается разнородность структур и декоративной отделки. В строениях «нарышкинского» барокко в России, в особенности в Москве, присутствуют явные черты европейского маньеризма и отголоски готики, есть немного от ренессанса и романтизма, и все это сливается с традициями деревянного и древнерусского каменного зодчества.

Голицынский стиль

Постепенно началось развитие барокко в России. На смену нарышкинскому в московской архитектуре пришел другой стиль — голицынский, который считается переходным. Его расцвет пришелся на первое десятилетие восемнадцатого века, а влияние сохранялось до середины этого же столетия.

Первыми зданиями, возведенными в этом стиле барокко в России, считаются церкви в Дубовицах, в Перове, Волынском, Лаврентьевский монастырь в Калуге. В отличие от «нарышкинских», в декоративном убранстве «голицынских» строений больше используется чисто барочных элементов. Однако их конструктивные решения, композиции изолированных объемов и замкнутый характер массивов ближе к европейскому Ренессансу. Ясность плана с простотой форм в сочетании с богатым внутренним убранством роднят многими памятники барокко в России с классическими образцами древнерусского зодчества. Особенно явственно это прослеживается в поздних постройках — церкви Петра и Павла в Москве, а также в Троекурове и на Якиманке.

Строгановский стиль

Данное стилистическое направление русской архитектуры конца семнадцатого и начала восемнадцатого веков свойственно строениям, возведенным по заказу известного промышленника, в честь которого оно и названо.

От более радикальных памятников эпохи московского барокко строгановские отличаются сохранением традиционного для русских храмов пятиглавого силуэта, на который нанесен пышный, словно вылепленный от руки, барочный декор. К ним относятся Казанская в Устюжне, Смоленская в селе Гордеевка, Рождественская в Нижнем Новгороде и многие другие церкви, а также Введенский собор, построенный в Сольвычегодске.

Петровское барокко

Этот термин применяется историками искусства к архитектурному стилю, который был одобрен Петром I и широко использовался в Санкт-Петербурге. Ограниченный условными рамками, он больше ориентировался на образцы шведских, немецких и голландских зодчих. Архитектура барокко в России времен Великого реформатора представляла собой во многом эклектичные здания, с пристрастием к классицизму и готической старине. Сводить все многообразие решений петровских зодчих к этому стилю можно лишь с долей условности.

Архитектуре этого времени свойственна простота объемных построений, в ней много четких членений и сдержанности убранства, нередко наблюдается и плоскостная трактовка фасадов. В отличие от нарышкинского барокко в России, петровское представляет собой решительный отказ от византийских традиций, которые доминировали у наших зодчих почти семи столетий. Вместе с тем налицо отличия от голицынского стиля, вдохновляемого непосредственно итальянскими или австрийскими образцами.

Яркие представители

Неоценимую роль в становлении барокко в России сыграли не только русские, но и многие известные иностранные архитекторы. Одним из представителей западной школы, работавших в нашей стране, является Франческо Бартоломео Растрелли — сын итальянского скульптора, служившего при дворе короля Людовика XIV. Судя по словам его биографов, свой строительный опыт он приобрел в России. Будучи весьма одаренным художником, Растрелли сумел проявить себя искусным зодчим и занять очень высокое место при дворе, получив должность «обер-архитектора». Его творчество в 1740-1750 годах достигло своего апогея.

Другие яркие представители барокко в России — это А. В. Квасов, спроектировавший и построивший Большой Царскосельский дворец до перестройки, осуществленной Растрелли. К его творчеству относят и не сохранившуюся на Сенной площади церковь Успения Пресвятой Богородицы. Не менее известными зодчими эпохи русского барокко являются П. Трезини, А. Виста и, конечно, работавший в России с 1760-го по 1770-й яркий иностранный представитель этого стиля Последний, в своих ранних постройках еще находившийся под влиянием «стареющего» барокко, впоследствии перешел на классицизм, который в нашей стране только-только зарождался. Однако сказать однозначно, что Ринальди является представителем именно этого раннего стиля, невозможно.

Постройки эпохи русского барокко

Достаточно известное творение Растрелли — Смольного монастыря, построенный в 1748-1764 годах в Петербурге. Он создан в русских традициях аналогичных ансамблей, относящихся к предыдущим столетиям. Не менее известны и находящиеся в Северной столице дворцы двух елизаветинских вельмож — С. Строганова и М. Воронцова. Однако на первом месте среди работ Растрелли стоит, конечно же, Зимний дворец, который возводили восемь лет. Он был завершен в 1762-м. Именно здесь в наивысшей степени проявился талант этого зодчего. Среди других шедевров барокко — Большой дворец в Царском Селе и многие другие. Все они очень ярко характеризуют тот стиль, который преобладал в середине восемнадцатого века в России. Эволюцию творчества замечательного архитектора П. Трезини подчеркивает Федоровская церковь, расположенная в Александро-Невской лавре. Сегодня много споров по поводу того, кому принадлежит построенный на Владимирской площади одноименный собор. Однако многие склоняются к тому, что это был не неизвестный мастер, а именно П. Трезини, который, словно соперничая с Растрелли, создал в конце 1760-го эту удивительной красоты церковь. Надо сказать, что, к сожалению, очень многие строения, принадлежащие этому зодчему, впоследствии были перестроены или просто исчезли.

Не отставал от своих коллег и Ринальди, который создал несколько православных храмов, сочетающих в себе многие элементы барокко. В частности, это Андреевский собор с его пятиглавием куполов и высокой многоярусной колокольней, Ботный домик, расположенный в Петропавловской крепости, Китайский и Мраморный дворцы. Последний считается в русской архитектуре уникальным явлением.

РЕФЕРАТ

Особенности русского барокко, творчество В.В. Растрелли

Введение

В России процессы образования нового после ренессанса стиля наиболее активно развернулись в Москве и во всей зоне ее культурного влияния. Декоративность, освобожденная от сдерживающих начал, которые несла в себе традиция XVI столетия, в московской архитектуре исчерпала себя, сохранившись в хронологически отстававших провинциальных вариантах. Но процессы формирования светского мировоззрения развивались и углублялись. Их отражали утвердившиеся изменения во всей художественной культуре, которые не могли миновать и архитектуру. В его пределах начались поиски новых средств, позволяющих объединить, дисциплинировать форму, поиски стиля.

Стадии развития русского барокко:

· Московское барокко (с 1680-х по 1700-е годы, ранее неточно называлось «нарышкинское барокко») — переходный период от узорочья к полноценному барокко с удержанием многих конструктивных элементов древнерусской архитектуры, переработанных под влиянием украинского барокко.

· Петровское барокко (с 1700-х по 1720-е годы) — совокупность индивидуальных манер западноевропейских архитекторов, приглашённых Петром I для застройки новой столицы, Санкт-Петербурга.

· Елизаветинское барокко (c 1730-х по 1760-е годы) — гибрид петровского и московского барокко с североитальянскими привнесениями. Наиболее полно воплотился в грандиозных постройках Ф.Б. Растрелли.

барокко московский петровский искусство

1. Московское барокко

Московское барокко — условное название стиля русской архитектуры последних десятилетий XVII — первых лет XVIII в., основной особенностью которого является широкое применение элементов архитектурного ордера и использование центрических композиций в храмовой архитектуре. Первый этап развития русского барокко. Устаревшее название — «нарышкинское барокко».

Предпосылки к возникновению нового направления искусства:

· В XVII в. в русском искусстве и культуре появилось новое явление — их обмирщение, выражавшееся в распространении светских научных знаний, отходе от религиозных канонов, в частности, в зодчестве. Примерно со второй трети XVII в. начинается формирование и развитие новой, светской, культуры.

· В архитектуре обмирщение выражалось прежде всего в постепенном отходе от средневековых простоты и строгости, в стремлении к внешней живописности и нарядности.

· Соединение особенностей различных стилей и культур, а также определённое «переосмысление» их русскими мастерами и определило специфичный характер нового возникнувшего архитектурного направления — нарышкинского стиля.

Особенности нарышкинского барокко:

· сочетание черт русской архитектуры с элементами центральноевропейского.

· Основным источником заимствований служило расположенное за западными рубежами России Великое княжество Литовское.

Таким образом, на российской почве возник достаточно самобытный стиль, который, будучи основанным в значительной степени на национальных традициях зодчества, принося в то же время в строительное искусство России новые черты. Стиль стал весьма произвольной адаптацией барокко для России, в отличие от построек петровского барокко.

· Построенные в нарышкинском стиле здания нельзя назвать подлинно барочными в западноевропейском понимании. Нарышкинский стиль в своей основе — архитектурной композиции — оставался русским, и только отдельные, едва уловимые элементы декора заимствовались из западноевропейского искусства.

Постройки:

Церковь Троицы в Троице-Лыково, 1698-1704 гг.

Успенская церковь на Покровке (1696-99 гг. ).

Церковь Иоанна воина на Якиманке (1706-13 гг.).

2. Петровское барокко

Это архитектурный стиль, ориентировавшийся на образцы шведской, немецкой и голландской гражданской архитектуры.

Архитектуре петровского времени свойственны простота объёмных построений, чёткость членений и сдержанность убранства, плоскостная трактовка фасадов. В отличие от нарышкинского барокко, популярного в это время в Москве, петровское барокко представляло собой решительный разрыв с византийскими традициями, которые доминировали в российской архитектуре почти 700 лет. Вместе с тем налицо и отличия от голицынского барокко, вдохновлявшегося непосредственно итальянскими и австрийскими образцами.

К числу первых строителей Петербурга принадлежат Жан-Батист Леблон, Доменико Трезини, Андреас Шлютер, Дж.М. Фонтана, Николо Микетти и Г. Маттарнови. Все они прибыли в Россию по приглашению Петра I. Каждый из этих архитекторов вносил в облик сооружаемых зданий традиции своей страны, той архитектурной школы, которую он представлял. Курируя осуществление их проектов, традиции европейского барокко усваивали и русские зодчие, как, например, Михаил Земцов.

Прообразом петровского барокко можно считать здания, возведённые в Москве до начала планомерной застройки новой столицы. Это Лефортовский дворец в Москве (1697-1699 гг., архитектор Д.В. Аксамитов и церковь Архангела Гавриила, в народе прозванная Меншиковой башней (1701-1707 гг., архитектор Иван Зарудный). В этих сооружениях элементы московского барокко сочетались с ордерными деталями в оформлении фасадов. Прихотливым сочетанием элементов московского и петровского барокко отмечено и пришедшее ему на смену аннинско-елизаветинское барокко.

Кунсткамера

Здание «Палат» заложили в 1718 году. Строительством руководил архитектор Маттарнови, который и разработал проект здания. После него возведением здания вплоть до 1734 года занимались другие архитекторы: Гербель, Киавери, Земцов. К началу 1725 года, когда Пётр умер, были возведены лишь стены. В 1726 году в ещё не достроенное здание были перевезены коллекции. Завершенное здание было в своём роде уникальным: ничего похожего Европа ещё не знала, но было так всесторонне продуманно, что без серьёзного ремонта простояло до наших дней.

Здание построено в стиле петровского барокко, состоит из двух 3-этажных корпусов в формах, соединённых барочной многоярусной башней со сложным купольным завершением. Музейные коллекции занимали восточное крыло здания, в средней части находился Анатомический театр, в башне — Готторпский глобус (с 1754 Большой академический) и обсерватория, в западной — учреждения Академии наук. Здесь работал М.В. Ломоносов.

В 1777-1779 интерьеры украшены 4 скульптурными аллегорическими группами, бюстами и медальонами выдающихся учёных, в 1819-1825 — росписями (художник Ф. Рихтер). Ввиду обилия материалов в 1830-х гг. Кунсткамера была разделена на ряд музеев: Зоологический, Этнографический, Ботанический, Минералогический.

Кикины палаты

Это единственный сохранившийся до нашего времени дом адмирала-советника и одного из сподвижников Петра I — Александра Кикина. Он был построен в 1714-1720 годах. В 1718 году Кикин был казнён за организацию побега из России царевича Алексея Петровича, а его дом взят в казну. В 1719-1727 годах здесь находилась коллекция петровской кунсткамеры и личная библиотека Петра I. В 1720-х годах Кикины палаты были перестроены неизвестным архитектором. С 1733 года здесь разместились канцелярия, лазарет и церковь лейб-гвардейского Конного полка.

В 1829 году здание было перестроено по проекту архитектора Александра Штауберта, а декор в стиле барокко уничтожен.

Во время Ленинградской блокады Кикины палаты сильно пострадали, но в 1952-1956 годах были восстановлены в предполагаемом первоначальном виде архитектором Ириной Бенуа. В настоящее время в здании размещается музыкальный лицей.

3. Елизаветинское барокко

Елизаветинское барокко — термин для обозначения архитектуры русского барокко эпохи Елизаветы Петровны (1741-61). Крупнейшим представителем этого направления был Ф.Б. Растрелли. В отличие от предшествующего ему петровского барокко, елизаветинское знало и ценило достижения московского барокко конца XVII-начало XVIII вв. , удержав сущностные для русской храмовой традиции элементы (крестово-купольная схема, луковичные или грушевидные пятиглавия).

Елизаветинское барокко (иногда от него отделяют «аннинское», однако различие между ними условно) тяготело к созданию героизированных образов с целью прославления могущества Российской империи. Растрелли спроектировал величественные дворцовые комплексы в Петербурге и его окрестностях — Зимний дворец, Екатерининский дворец, Петергоф. Растрелли свойственны исполинские масштабы построек, пышность декоративного убранства, двух-трехцветный окрас фасадов с применением золота. Мажорный, праздничный характер архитектуры Растрелли наложил отпечаток на всё русское искусство середины XVIII века.

Самобытную страницу елизаветинского барокко представляет творчество московских архитекторов середины XVIII века — во главе с Д.В. Ухтомским и И.Ф. Мичуриным. В Петербурге при Елизавете Петровне трудилась плеяда отечественных зодчих — С.И. Чевакинский, А.В. Квасов и др. На храмовой архитектуре специализировался итальянец П.А. Трезини. Елизаветинское барокко осталось стилем столичным и мало затронуло русскую провинцию.

После смерти Елизаветы Петровны основные строительные заказы были переданы итальянцу Антонио Ринальди, который, который прежде работал для «молодого двора» в Ораниенбауме. Он отказался от грандиозности растреллиевских начинаний и привнёс в придворное зодчество элементы камерного стиля рококо. В продолжение 1760-х Ринальди, как и другие ведущие архитекторы, преодолел притяжение отживавшего свой век барокко и приступил к освоению эстетики классицизма.

Постройки:

Храм Священномученика Климента, Папы Римского — православный храм в честь Священномученика Климента (1932 г.).

Никольский морской собор (1753-1762 г.).

Мариинский дворец

Дворец был построен по заказу императрицы Елизаветы Петровны в 1744. Проект в стиле барокко был разработан Бартоломео Растрелли.

4. Творчество В.В. Растрелли (Б. Растрелли)

Бартоломео Франческо Растрелли, знаменитый русский архитектор итальянского происхождения, родился в Париже в 1700 году. Наиболее яркий представитель русского барокко. Сын известного русского скульптора и архитектора Бартоломео Карло Растрелли (1675-1744), также итальянского происхождения.

Растрелли соединил элементы европейского барокко с русскими архитектурными традициями, почерпнутыми им прежде всего из нарышкинского стиля, такими как колокольни, крыши, цветовое решение.

В 1716 году Растрелли приехал со своим отцом в Санкт-Петербург, где его отец был приглашён Петром I на работу по строительству императорского дворца. С 1725 по 1730 года проходил обучение, скорее всего в Италии.

Первой самостоятельной работой молодого зодчего был дом молдавского господаря А. Кантемира в Петербурге (1721-1727). В 1730 году был назначен придворным архитектором императрицы Анны Иоанновны. Высший расцвет творчества мастера наступает в середине века в 1745-1757. С приходом к власти Екатерины II мода на барокко ушла и перестав получать заказы, мастер вышел в 1763 в отставку с поста обер-архитектора и уехал в Швейцарию.

Умер Растрелли в Петербурге в 1771 году.

Наибольший расцвет творчества Бартоломео Растрелли — время правления Елизаветы Петровны (1741-1761). Первый заказ от императрицы — деревянный летний дворец в Санкт-Петербурге (1741 — 44, не сохранился). Затем последовали дворец Воронцова (1749 — 52), дворец Строганова (1752 — 54). С 1747 по 1752 года архитектор посвятил себя работе над Большим дворцом в Петергофе. В 1747 был создан эскиз Андреевского собора в Киеве, в 1752 — 57 — перестройка Екатерининского дворца в Царском Селе. Две его наиболее известные работы — это ансамбль Смольного монастыря (1748 — 64) и Зимний дворец с его знаменитой Иорданской лестницей (1754 — 62).

Иорданская лестница в Зимнем дворце

Ансамбль дворцов и парков Петергофа — памятник архитектуры и садово-паркового искусства. Строительство Петергофа было инициировано Петром I. Первое открытие — 1723 год. После смерти Петра строительство замирает и лишь в царствование Елизаветы Петровны начинается заново. Она поручает Растрелли отстроить новый главный дворец взамен старого петровского.

Работы начались в 1747 году, а уже в 1756 здесь состоялись пышные празднества. Роскошь и размеры помещений, блестящее мастерство архитектора и сотен первоклассных мастеров производили ошеломляющее впечатление.

Роскошная золоченая парадная лестница вела в не менее пышный Танцевальный зал, а за ним в новый Аван-зал, также украшенный золоченой резьбой и живописными плафонами. Миновав его, гости оказывались на оси парадной анфилады покоев дворца. Казалось, длина его бесконечна. Тем более что в глубине перспективы находилось окно, через которое взгляд проникал в пространство парка.

Большой дворец в Петергофе

Екатериниский дворец в Царском Селе

История строительства начинается в 171о году, когда на месте усадьбы появляется загородная царская резиденция. Вокруг нее возникают русские деревни. В 1719-1720 гг. на территории будущего города появляется слобода дворцовых служителей, и проводятся мероприятия по упорядочению ее планировки и застройки. С 1811 по 1843 гг. здесь находился Царскосельский императорский лицей.

С конца 1748 года и по 1756 год строительство царскосельской резиденции возглавлял обер-архитектор двора Ф. — Б. Растрелли. 10 мая 1752 года императрица Елизавета Петровна подписала указ о капитальной перестройке старого здания, а 30 июля 1756 года Ф. — Б. Растрелли показывал свое творение Елизавете Петровне и иностранным послам. Своими размерами, мощной пространственной динамикой и живописностью декора дворец, возведенный в стиле русского барокко, производил сильное впечатление. Широкая лазоревая лента дворца с белоснежными колоннами и золоченым орнаментом выглядела празднично. Над северным корпусом возвышались пять золоченых глав Дворцовой церкви, над южным, где находилось парадное крыльцо, — позолоченный купол с многоконечной звездой на шпиле.

Смольный монастырь

Сооружение Воскресенского Новодевичьего монастыря, начато по проекту Ф.Б. Растрелли в 1748 г. (закончен в 1764 г.). В центре монастырского ансамбля возвышается пятиглавый собор. Окончательную достройку и внутреннюю отделку собора осуществлял В.П. Стасов в 1832-1835 гг. Двухъярусный основной объем храма увенчивают пять глав, тесно примыкающих друг к другу. Пластика наружных стен отличается исключительным богатством и живописностью. Выступы углов украшены пучками колонн в первом ярусе и пилястр во втором. Окна обрамлены наличниками с перехватами причудливого рисунка. Интерьер собора, исполненный уже в эпоху классицизма, резко контрастирует своей строгостью и простотой с праздничным и нарядным наружным обликом. Невысокая глухая каменная ограда (возведена в 1750-1760х гг.), окружавшая прежде весь ансамбль сохранилась далеко не полностью (часть северной и западная стена были разобраны). Колокольня, запланированная Растрелли с западной стороны ансамбля, не была осуществлена.

Зимний дворец

Зимний дворец в Санкт-Петербурге — памятник архитектуры русского барокко. Построен в 1754-1762 Б.Ф. Растрелли. Был резиденцией российских императоров. Здание решено в виде мощного каре с внутренним двором; фасады обращены к Неве, Адмиралтейству и Дворцовой площади. Парадное звучание здания подчёркивает пышная отделка фасадов и помещений. Грандиозный пожар в 1837 г. уничтожил внутреннюю отделку, лишь отчасти восстановленную в 1838-1839 гг. В.П. Стасовым и А.П. Брюлловым. Более всего отпечаток стиля Растрелли сохранила Большая церковь с нарядным золоченым декором и Главная (Иорданская) лестница, мраморные марши которой, раздваиваясь, ведут на второй этаж к анфиладе парадных залов. В 1922 всё здание передано Государственному Эрмитажу.

Заключение

В данной работе мы рассмотрели развитие русского барокко. Множество красивейших сооружений русской архитектуры было создано именно в это время. Многие из сооружений не сохранились. Также, рассмотрели творчество Б. Растрелли. Он был прекрасным архитектором, который внес значительный вклад в развитие русского искусства барокко. Наивысшей точкой расцвета стиля стало Екатерининское барокко.

Список литературы

1. Алленов М.М., Евангулова О.С. Русское искусство X — начала XX в. — М.: Искусство. — 1989.

2. Балакина Т.И. МХК: Россия IX-XIX вв. — М.: Издательский центр АЗ. — 1997.

3. Бражнев И.А., Баташкова А.Н. Русский интерьер XVIII-XIX вв. — М.: Сварог ИК. — 2000.

4. Гольдштейн А.Ф. Зодчество. — М.: Искусство. — 1979.

5. Кашекова И.Э. От античности до модерна. — М.: Просвещение. — 2000.

6. Малюга Ю.А. Культурология. — М.: Просвещение. — 1998.

Пилявский В.И. История Русской архитектуры. — М.: Искусство. — 1984.

Подобные документы

Понятие и отличительные особенности барокко как стиля в искусстве, история его развития. Сферы проявления барокко в российском искусстве, его временные рамки: нарышинское, петровское, церковное, дворцовое, елизаветинское, народное. Оформление интерьеров.

контрольная работа , добавлен 17.11.2013

Понятие и общая характеристика барокко как стиля в архитектуре и искусстве европейских стран конца XVI — середины XVIII в., его отличительные особенности и значение в мировой культуре. Представители данного течения и анализ их выдающихся произведений.

презентация , добавлен 17.03.2015

Барокко как постренессансная культура, ее характеристика и отличительные признаки, причины и предпосылки его зарождения, основополагающие идеи и мотивы. Особенности развития барокко в архитектуре, яркие представители данного направления и их шедевры.

реферат , добавлен 24.11.2009

Понятие барокко как стиля в архитектуре XV века, его сущность, отличительные черты, история становления и развития. Роль в зарождении нового стиля Микеланджело Буанаротти, его лучшие работы в стиле барокко. Представители русского барокко и их шедевры.

реферат , добавлен 05.04.2009

Ранние произведения, церковная скульптура и декор Джованни Лоренцо Бернини. Характеристика и особенности творчества Диего Веласкеса. Темы и жанры живописи Рубенса. Варфоломей Варфоломеевич Растрелли как наиболее выдающий представитель русского барокко.

контрольная работа , добавлен 02.03.2012

Русское барокко в архитектуре и эпоха Екатерины Великой. Стиль «барокко» в западноевропейском искусстве. Пространственный размах, слитность, текучесть сложных, обычно криволинейных форм в архитектуре барокко. История создания Екатерининского дворца.

реферат , добавлен 19.01.2011

Русское барокко как разновидность стиля барокко, сформировавшаяся в Московском государстве и Российской империи в конце XVII-XVIII вв. Предпосылки к возникновению нового направления искусства. Особенности нарышкинского, галицинского и петровского барокко.

презентация , добавлен 27.11.2011

Характеристика и специфические особенности культуры эпохи Ренессанса, ее основополагающие идеи и яркие представители. Место стиля барокко в архитектуре, скульптуре и живописи того времени, его сущность и предпосылки развития, распространенность в России.

контрольная работа , добавлен 26.03.2010

Исследование процесса зарождения, становления и распространения художественного стиля барокко. Анализ вклада данного стиля в историю мировой культуры. Описания стиля барокко в литературе, музыке, архитектуре и искусстве. Мировоззрение эпохи барокко.

курсовая работа , добавлен 23.05.2013

Импрессионизм как одно из самых ярких и интересных направлений во французском искусстве последней четверти XIX века, его общая характеристика и отличительные особенности. Яркие представители данного течения и направления их творческой деятельности.

Русское барокко в архитектуре

Сухаревская башня на открытке 1927 года

В Россию барокко пришло в 18 веке и достигло расцвета в середине века, то есть уже тогда, когда в Европе уже наметился переход к классицизму. Как и другие стили, барокко в России приобрел некоторую самобытность, благодаря чему появились такие понятия, как московское или нарышкинское барокко, русское барокко.

Строгановская церковь в Нижнем Новгороде (1696—1719)

Русскому барокко, в отличие от западно-европейского, свойственны большая простота и структурность композиций. В отличие от каменных фасадов Европы, в России в качестве материалов отделки предпочитали использовать гипс и штукатурку, что позволяло использовать окраску. Именно поэтому объекты, относящиеся к русскому барокко, отличаются ярким контрастным колером.

Ансамбль Новодевичьего монастыря в Москве

Наиболее часто в архитектурных композициях той эпохи встречаются сочетания красного, голубого или желтого с белым, а также синий цвет, применение белой жести и позолоченных материалов в качестве кровельных покрытий.

Придворная церковь в Петергофе

В качестве декоративных элементов, украшающих фасады зданий стиля барокко, наиболее часто применяется орнаментная лепка, в которой прослеживается традиционный русский колорит. В архитектурных памятниках русского барокко дошедших до наших времен, в отличие от западных образцов, отсутствует такой характерный признак, свойственный этому стилю, как мистицизм.

Церковь Знамения в Дубровицах — яркий образец голицынской вариации «московского барокко»

В конце 17 — начале 18 века в Москве появилось и распространилось по другим городам такое направление, как нарышкинское барокко. Позднее, на смену ему пришло барокко голицинское, влияние которого прослеживается практически до середины 18 века.

Сольвычегодский Введенский монастырь — недействующий мужской православный монастырь Котласской епархии Русской православной церкви в городе Сольвычегодск Котласского района Архангельской области России.

Смоленская (слева) и Владимирская церкви

Эти стили получили свое название по фамилиям родов под чьим покровительством и строились самые значимые объекты той эпохи, обладающие своими характерными чертами. К знаменитым памятникам архитектуры этого периода относят Новодевичий монастырь, церковь Покрова в Филях, Церковь Знамения Богородицы в Дубовицах недалеко от Подольска, Церковь Ивана Воина в Москве на Якиманке, многочисленные храмы в других городах России.

Церковь Рождества Богородицы в Подмоклово (1714-22) заказана князем Долгоруковым, однако продолжает традиции голицынского барокко

Наиболее ярко и величественно барокко проявило себя в объектах дворцовой архитектуры Петербурга, а также Петергофа и Царского Села. С помощью особенностей этого стиля подчеркивалось могущество и процветание России того периода.

Церковь царевича Иоасафа

Впечатление усиливалось за счет внутреннего декоративного оформления в этом же стиле интерьеров, по роскоши которым не было равных в Европе.

Строгановская (Рождественская) церковь в Нижнем Новгороде

Одним из наиболее выдающихся архитекторов того периода считается Ф. Растрелли. Под его руководством возводились городские и окрестные императорские резиденции, в частности, Зимний, Строгановский и Воронцовский дворцы, а также Смольный монастырь, Екатерининский дворец в Царском Селе. Всеобщее восхищение вызывали и вызывают до сих пор грандиозность масштабов его зданий, роскошь и пышность декоративного убранства, праздничность и торжественность дворцов.

Церковь Иоанна Воина на Якиманке (1706—1713) намечает переход от нарышкинского барокко к петровскому

Другими выдающимися архитекторами той эпохи считаются М. Земцов, Д. Ухтомский, Квасов, Трезини, С. Чевакинский. Так, по проектам Трезини создавались первые пятиглавые петербургские храмы, в частности, Фёдоровская церковь, лишь фрагментарно сохранившийся ансамбль Троице-Сергиевой пустыни близ Стрельны. По проектам Чевакинского строились Шуваловский дворец, Никольский Морской собор, а также знаменитый дворец Шереметевых. К типичным барочным постройкам того периода относятся также церковь Архангела Гавриила в Москве, также известная как Меньшиковская башня и Петропавловский собор в Казани.

Храм Воскресения Христова в Кадашах

Церковь Бориса и Глеба

Период барокко в России был относительно недолог. Уже в середине 18 века в столичных, а затем и в провинциальных постройках барокко соседствует с рококо, а к 1770 году оно и вовсе начинает активно вытеснятьсяклассицизмом.

Храм иконы Божией Матери «Знамение»

Смоленская церковь в Софрино, вид с юга

Церковь Покрова в Филях

Новоиерусалимский монастырь в 2014 году. Воскресенский собор, на первом плане — подземная церковь Константина и Елены

Спасский храм в селе Уборы

Западная стена Донского монастыря, на заднем плане — надвратная колокольня

Церковь Успения на Покровке. Рисунок А. Вейса, 1845 г

Троицкая церковь в Троице-Лыкове

Меншикова башня в 2008 году

Палаты В. В. Голицына в Охотном ряду. Дворцовый фасад. Начало 1920-х годов.

Воробьёвский дворец — впервые построенный при Иване III во второй половине XV в. великокняжеский дворец, расположенный на месте бывшей вотчины бояр Воробьёвых на Воробьёвых горах. Был любимой резиденцией Великого Князя Василия III, впоследствии неоднократно перестраивался. В 1684—1690 гг. первый этаж был выстроен в камне, верхние этажи оставлены деревянными (деревянное жильё считалось более здоровым). Последний раз перестроен после 1775 г. Сгорел при пожаре Москвы в 1812 г. Здесь бывали Иван IV, Алексей Михайлович, Пётр I, Екатерина II. На территории парка у современной ул. Косыгина возможно восстановление деревянно-каменного дворца с созданием музея древнейшей московской великокняжеской и царской загородной резиденции.

Петровское барокко

Екатериненталь

Петровское барокко — термин, применяемый историками искусства к архитектурному и художественному стилю, одобренному Петром I и широко использованному для проектирования зданий в новой российской столице Санкт-Петербурге.

Кунсткамера

Ограниченный условными рамками 1697—1730 гг. (время Петра и его непосредственных преемников), это был архитектурный стиль, ориентировавшийся на образцы шведской, немецкой и голландской гражданской архитектуры (представленной, в частности, Тессинами). Западноевропейские прообразы памятников петровского барокко — здания во многом эклектичные, влияние «интернационального» барокко Бернини в них смягчено французским пристрастием к классицизму и преданиями готической старины. Сводить всё многообразие архитектурных решений петровских архитекторов к барокко можно только с известной долей условности.

Кикины палаты

К числу первых строителей Петербурга принадлежат Жан-Батист Леблон, Доменико Трезини, Андреас Шлютер, Дж. М. Фонтана, Николо Микетти и Г. Маттарнови. Все они прибыли в Россию по приглашению Петра I. Каждый из этих архитекторов вносил в облик сооружаемых зданий традиции своей страны, той архитектурной школы, которую он представлял. Курируя осуществление их проектов, традиции европейского барокко усваивали и русские зодчие, как, например, Михаил Земцов.

Меншиковский дворец

Петровские ворота Петропавловской крепости

Летний дворец Петра I

Здание Двенадцати коллегий (гравюра 1753 года)

Александро-Невская лавра

Зимний дворец в 1750-х гг. Фрагмент по рис. Махаева

Елизаветинское барокко

Елизаветинское барокко (барочно-рокайльный стиль, монументальное рококо) — термин для обозначения архитектуры русского барокко эпохи Елизаветы Петровны (1741—1761). Крупнейшим представителем этого направления был Ф. Б. Растрелли, откуда второе название этого извода барокко — «растреллиевское». В отличие от предшествующего ему петровского барокко, елизаветинское барокко знало и ценило достижения московского барокко конца XVII-начало XVIII вв., удержав сущностные для русской храмовой традиции элементы (крестово-купольная схема, луковичные или грушевидные пятиглавия).

Смольный собор (арх. Ф. Б. Растрелли)

Никольский морской собор (арх. С. И. Чевакинский)

Екатерининский собор (арх. А. Ринальди)

Зимний дворец

Большой Екатерининский дворец

Вид на Большой Петергофский дворец и Большой каскад в створе Морского канала

После смерти Елизаветы Петровны основные строительные заказы были переданы итальянцу Антонио Ринальди, который прежде работал для «молодого двора» в Ораниенбауме. Он отказался от грандиозности растреллиевских начинаний и привнёс в придворное зодчество элементы камерного стиля рококо. В продолжение 1760-х Ринальди, как и другие ведущие архитекторы, преодолел притяжение отживавшего свой век барокко и приступил к освоению эстетики классицизма.

Самобытную страницу елизаветинского барокко представляет творчество московских архитекторов середины XVIII века — во главе с Д. В. Ухтомским и И. Ф. Мичуриным. В Петербурге при Елизавете Петровне трудилась плеяда отечественных зодчих — крепостной архитектор Ф. С. Аргунов, С. И. Чевакинский, А. В. Квасов и др. На храмовой архитектуре специализировался итальянец П. А. Трезини. За исключением украинских построек А. В. Квасова, А. Ринальди, Г. И. Шеделя, елизаветинское барокко осталось стилем столичным и мало затронуло русскую провинцию.

Библиография:

Виппер Б. Р. Архитектура русского барокко. М.: Наука,1978.
Власов В. Г. Искусство России в пространстве Евразии. Т.2. Классическая архитектура и русский классицизм. СПб.: Дмитрий Буланин, 2012. С.73-104.
Овсянников Ю. М. Великие зодчие Санкт-Петербурга. Трезини. Растрелли. Росси. СПб.: Искусство-СПб.(2-е изд.), 2001.
Русское искусство эпохи барокко. Новые материалы и исследования. Сборник статей. СПб., 1998.

От средневековья — к “новому времени” (о русском искусстве XVIII века)

История искусства не знает более крутого поворота от средневековья к новому времени, чем в России
начала ХVIII столетия. Вплоть до начала царствования Петра I могло казаться, что позднесредневековая
художественная система на Руси прочно властвует, а чужеземные “фряжские затеи” растворяются в ней, как
ручьи в море. И вдруг это море ушло под землю и на обнажившимся дне стали со сказочной быстротой
произрастать совершенно новые побеги, так же как на берегах Невы “из тьмы лесов, из топи блат” встала
новая русская столица, вскоре ставшая одним из красивейших мира. Всего несколькими десятилетиями
раньше, в то время, когда во Фландрии работал Рубенс, в Испании — Веласкес, в Голландии — Рембрандт,
русские иконописцы только-только начинали писать парсуны — иконоподобные портреты царя Ивана
Грозного, царя Федора Иоанновича, о внешности которых знали понаслышке.
Художественная система Древней Руси была великой и прекрасной, покуда не истощилась ее
историческая почва. Но ХVII веке она истощилась, и плоды начали чахнуть. На общемировом историческом
фоне она становилась архаизмом; Петр, прорубая окно в Европу, взорвал и старую художественную
традицию. Правда традиции способны и возрождаться из пепла, когда приходит их час.
Впрочем, в эпоху, начавшуюся с реформ Петра древнерусские традиции не погибли, а только ушли в
глубь и на периферию. Россия была громадна. От камня, брошенного Петром в застоявшиеся российские
заводи, круги шли по всему обширному пространству, но чем дальше от центра — от Петербурга и Москвы, —
тем они были слабее. Окраинная деревенская Россия продолжала жить художественным наследием старины:
пела старинные песни, рассказывала былины и сказки, резала по дереву русалок-берегинь, хранила заветы
иконного письма, донесенные до наших дней мастерскими Палеха. Художественный облик России ХУIII
века складывался из многих пластов, и только верхние, петербургские пласты основательно оторвались от
прошлого.
Сложность петровской эпохи ярко отражается на всей ее культуре, в частности на искусстве.
Характернейшей особенностью этого времени является стремление к знанию. В 1697 году Петр сам
едет учиться на Запад. С этого же года он начинает посылать туда молодежь обучаться “навигационным
наукам, живописному искусству, механике, инженерству, артиллерии” и т. д. Как известно, Петр
периодически устраивал смотры дворянских “недорослей” , не позволяя им жениться, пока не “превзойдут
науку” .
Петр I в своей художественной политике на первых порах руководствовался не столько
эстетическими, сколько деловыми соображениями. В искусствах он видел прежде всего важное подспорье
научному и техническому прогрессу, поэтому и хлопотал об их обновлении: иконописными методами нельзя
было ни иллюстрировать научные книги, ни исполнять чертежи и проекты, ни делать документальные
зарисовки. Для этих целей лучше всего годилась гравюра — линейное, точное, экономное изображение,
среднее между картиной и чертежом. Такие документальные гравюры при Петре сразу же получили
распространение.
Культура петровского времени отличалась деловитостью, но скучной ее не назовешь: в ней таилась
романтическая нетерпеливость — поскорее узнать, открыть, освоить, догнать. После столетий неспешного
традиционного развития и недоверия к новшествам Россию обуяла неистовая любознательность. Сам Петр
не только собственноручно владел четырнадцатью ремеслами — плотничал, точил, строил, делал чертежи
кораблей, — но и страстно увлекался всем необычным — редкостями и диковинами. Он основал Кунсткамеру —
коллекцию природных диковин, “как человеческих, так и скотских, звериных и птичьих уродов” , поощрял
раскопки в сибирских курганах, приказывал собирать и хранить “старые надписи на каменах, железе или
меди, или како старое необыкновенное ружье, посуду и прочее все, что зело старо и необыкновенно” .
Главной же его страстью было судоходство, и любимыми его художниками были те, кто умел изображать
корабельные снасти. Поэзия петровского времени- это поэзия кораблестроительства, соленого морского
ветра.
Архитектура XVIII века
Понятно, почему Петр, самодержавный царь крепостнического государства, поначалу с таким жаром
ухватился за традиции бюргерской Голландии: тут все было ему на руку — опыт в мастерствах, опыт в науках
и, главное, опыт общения с морем и покорения моря. Из Голландии Петр выписывал мастеров и
художников, там покупал картины, сам обучался там корабельному делу, а свое великое детище — Петербург —
ему хотелось сделать похожим на Амстердам.
Большие возможности для дальнейшего развития русского зодчества раскрылись в строительстве
нового города на берегах Неве, заложенного первоначально как порт и крепость, но вскоре превращенного в
столицу. С самого начала Петербург строился как город, а не как собрание помещичьих усадеб: указом 1714 г.
Петр категорически запретил строиться в глубине дворов, фасады должны были вытягиваться вдоль улиц,
прямых и широких. Строительство Петербурга сопровождалось большими работами по укреплению берегов
Невы и малых рек, сооружению каналов. Для успешного решения новых задач были приглашены
иностранные архитекторы, помогавшие быстрее освоить опыт западноевропейского строительства;
одновременно русских мастеров посылали для обучения за границу. Из числа приглашенных иностранных
зодчих значительное воздействие на развитие русской архитектуры оказали только те, которые в России
прожили долго, познакомились с местными условиями, широко и серьезно подошли к решению
поставленных задач. Наиболее крупным среди них был Д. Трезини, соорудивший Петропавловский собор и
Петропавловские ворота в крепости, спроектировавший здание Двенадцати коллегий и Гостиный двор.
Здания, построенные Доменико Трезини, способствовали формированию характерных приемов нового
стиля русского барокко. Крупнейшими русскими зодчими, творчество которых сложилось в процессе
строительства Петербурга, были М. Земцов, И. Коробов, П. Еропкин. Общая направленность их работ
характеризует важнейшие основные области строительства второй четверти ХVIII века. М. Земцов был
строителем различных по назначению сооружений — дворцовых и административных. Одним из известных
произведением Земцова был Аничков дворец на Невском проспекте. С именем Коробова связаны большие
работы в Адмиралтействе. Еропкин был выдающимся градостроителем. Стиль архитектуры этого времени
может быть охарактеризован как раннее барокко в котором сплавлены воедино русские архитектурные
традиции ХVII века и привнесенные формы западноевропейского строительства. Петру-победителю
хотелось быть не хуже европейских монархов, не уступать им в блеске. Он пригласил из Франции
королевского архитектора Леблона и поручил ему главную роль в строительстве загородной резиденции
Петергофа, который он задумал сделать подобием Версаля и даже превзойти французский оригинал. И в
самом деле, Петергоф ослепителен, особенно его центральная панорама с каскадами фонтанов. Решающей
для расцвета русского барокко была деятельность отца и сына Растрелли. Сын скульптора Растрелли,
Бартоломео Растрелли-младший, был архитектором. Его можно считать русским художником, т.к. он работал
исключительно в России. Растрелли создал в полном смысле слова национальный русский стиль в
архитектуре, не имеющий прямых аналогий на Западе. Русское искусство обязано ему блестящим расцветом
дворцового ансамбля. Из города-порта и города-крепости Петербург был превращен им в город дворцов.
Начинал он при Анне, а по-настоящему развернулся в царствование Елизаветы, то есть в 40-х и 50-х годах.
Русская архитектура середины века частью создана, частью вдохновлена им. Большой Царскосельский
дворец, Зимний дворец на берегу Невы, дом Строганова на Невском проспекте, собор Смольного монастыря
— вот его лучшие образцы. Они праздничны и строги, пластичны и ясны. В середине ХVIII века влияние
Растрелли на современных ему архитекторов было огромно, в особенности на тех, кому приходилось
строить по его чертежам. К школе Растрелли можно отнести русских архитекторов: Чевакинский — им был
построен Никольский Военно-морской собор в Петербурге, Квасов строил дворец и церковь в Козельце,
влияние Растрелли сказалось и на Кокоринове. Наиболее крупную фигуру в Москве представлял Ухтомский,
имевший для Москвы почти такое же значение, как Растрелли для Петербурга. Из его построек наибольшее
значение имеет высокая колокольня Троице-Сергиевой лавры, триумфальная арка — Красные ворота в
Москве, к сожалению, снесенную.
В 60-х годах в русском искусстве наметился перелом к классицизму. Хотя полной зрелости
классицизм достигает в начале ХIХ век, но уже во второй половине ХVIII русская архитектура поднимается
на очень высокую высоту. Преодолев пышность барокко, его вычурность, его внешнюю парадность эти
мастера достигают глубокой выразительности строгостью и простотой. Первым вестником новых идей в
архитектуре был в России французский архитектор Валлен-Деламот. Здания Деламота уже не являются
дворцовыми усадьбами, но выходят прямо на улицы, всеми своими сторонами. Деламот почти не вводит
скульптурных украшений в отделку основных стен. Излюбленной формой украшения в этот период
становится провисающая гирлянда или легкие барельефы изображающие подвешенные на лентах различные
предметы. Творчество Деламота имело большое значение для русской архитектуры: Деламот оказал большое
влияние не только на своих учеников Баженова и Старова, но и на других архитекторов работающих в
Петербурге. Если Петербург был центром всей культурной и политической жизни страны в первой половине
ХVIII век, то во второй половине снова начинает оживать Москва. Немалую роль в этом сыграл указ о
“вольности дворянской” 1761 г., освободившей помещиков от обязательной военной службы.
Со второй половине ХVIII века начинается расцвет московского строительства; на первых порах
здесь строит свои дворцы-усадьбы крупнейшая знать: Разумовские, Шереметьевы, Куракины, Долгорукие и
т.д. Их дворцы отличаются от петербургских больше широтой, большей “усадебностью” ; недаром Москву
называли “большой деревней” . Труднее, чем в Петербурге, здесь изживаются наследия пышности барокко и
рококо, туже идет усвоение классицизма. Будущий русский архитектор Василий Иванович Баженов
занимался в школе Ухтомского, затем учился в Московском Университете и наконец закончил Академию
художеств. После заграничной командировке он поселился в Москве, с которой связаны его крупнейшие
постройки и проекты. Особо видное место среди них принадлежит проекту Кремлевского дворца и
строительству в Царицыне под Москвой. В отличии от характерных приемов дворцовых сооружений
середины века Баженов выдвигает на первое место решение общих задач планировки. Он намечает создание
на территории кремлевского холма целый системы площадей и объединяющих их проездов и задумывает
весь дворец, учитывая общую планировку и конкретные особенности местности. В строительстве ансамбля в
Царицыне Баженов также смело и по-новому подошел к поставленной перед ним задаче. В отличие от
дворцовых сооружений середины века он создал здесь живописный пейзажный парк с размещенными в нем
небольшими павильонами, органически связанными с теми конкретными участками, на которых они
возведены. В своеобразных архитектурных формах царицынских построек Баженов пытался развивать
традиции древнего московского зодчества. Из построек Баженова в Москве особое значение имеет бывший
дом Пашкова. Зодчий хорошо использовал рельеф участка и учел место нахождение здания в
непосредственной близости от Кремля. Баженов был не только замечательным зодчим-практиком, он
принадлежал и к крупнейшим представителям русской художественной культуры. Наряду с Баженовым в
Москве работал М. Казаков, своим образованием обязанный школе Ухтомского. Практическая деятельность
Казакова началась в Твери, но важнейшие его постройки были выполнены в Москве. Казаковым было
построено много различных зданий в Москве, среди которых особенно выделяются Университет и
Голицынская больница, первая крупная городская больница Москвы. В конце ХVIII века большие
строительные работы вел Джакомо Кваренги уроженец Северной Италии, он только после своего приезда в
Россию получил возможность создать крупные произведения. Среди выполненных по его проектам
многочисленных зданий простых и лаконичных по формам, так же преобладают общественные сооружения —
Академия наук, Государственный банк, торговые ряды, учебные заведения, больница. Одна из лучших
построек Кваренги — здание учебного заведения — Смольного института. Внутренние помещения находятся у
Кваренги в глубоком соответствии с внешней архитектурой. Залы его величавы уже самыми своими
размерами. К тому же они почти всегда прямоугольны; Кваренги особенно увлекается квадратными
планами, дающими наибольшую уравновешенность. Та же пропорциональность широко применяется
Кваренги в наружном оформлении, в соответствии всех элементов здания. Творчество Кваренги от начала
до конца было целостно и едино.
Скульптура XXVIII века
В древней Руси скульптура в отличии от живописи находила сравнительно небольшое применение, в
основном как украшение архитектурных сооружений. В ХVIII веке неизмеримо разностороннее стала
деятельность скульпторов, свободнее выражавших новые, светские идеалы общества. Прежде всего начинает
развиваться монументально — декоративная пластика, тесно связанная с архитектурой и продолжающая
старые традиции. Особенности декоративной пластики ярче всего проявились в украшениях Петергофского
дворца. В Петровскую эпоху возникают и первые монументальные памятники. Собственно первым
мастером скульптуры в России был Б. Растрелли. Он с сыном приехал из Франции в 1746 году по
приглашению Петра I и нашел в России свою новую родину так как получил большие возможности для
творчества. Самое лучшее, что он сделал, — это скульптурный портрет Петра I и статуя императрицы Анны
Иоанновны арапчонком. Бронзовый бюст Петра увековечил лик яростного реформатора. Огромная взрывная
энергия заложена в неукротимом облике. Статуя Анны тоже по-барочному эффектна, ее облик тоже
устрашает, но устрашает по-другому: нарядный многопудовый идол с отталкивающим лицом старой
женщины, которая важно движется не видя кругом себя ничего. Редкий пример разоблачительного
парадного портрета.
Во второй половине XVIII века скульптура достигает больших успехов. Развиваются все виды ее и
жанры. Русские скульпторы создают и монументальные памятники, и портреты, и садово-парковую
пластику, работают над украшением многочисленных архитектурных сооружений. Первым русским
скульптором, выступившим после Б. Растрелли, был М. Павлов. Павлову принадлежат барельефы 1778 года
в интерьере Кунсткамеры. Выдающимся событием в общественной и культурной жизни России стало
открытие в 1782 году памятника Петру I, так называемый “Медный всадник” . В отличии от Б, Растрелли Э.
Фальконе изваял гораздо более глубокий по содержанию образ Петра, показав его законодателем и
преобразователем государства. Скульптор передал неудержимо-стремительное движение всадника,
огромную и властную силу его утверждающего жеста правой руки. Памятник метафорически емко выразил
политический смысл деятельности Петра, прорубившего для России “окно в Европу” . Русская Академия
художеств выпустила из своих стен немало талантливых русских скульпторов — Ф. Шубин, Ф. Гордеев, М.
Козловский, И. Щедрин.
Ф. Шубин родился на севере в семье холмогорских крестьян. В детстве познакомился с резьбой по
кости, тогда и зародилась его любовь к искусству. Творчество Шубина — преимущественно портретиста —
развивалось, оставаясь необыкновенно цельным и единым. Он знал пластику барокко, но выше всего для
него было античное искусство. Он творчески воспринял это наследие, оставаясь самобытным художником.
Шубин мастерски исполнил бюст князя А. Голицина. За бюст Голицина Екатерина II наградила скульптора
золотой табакеркой. Русская знать считала за честь портретироваться у Шубина. Шубин вписал блестящую
страницу в историю русской скульптуры. М. Козловский тридцати лет поступил в Академию художеств.
Здесь он выделился своим дарованием не только в скульптуре но и в рисовании. За рельеф “Князь Изяслав
Мстиславович на поле брани” он был удостоен Большой золотой медали и послан пенсионером в Италию. В
1801 году Козловский исполнил свою знаменитую статую “Самсон разрывающий пасть льва” . Этот образ
библейского героя воспринимался как памятник неувядаемой славе русских в их борьбе за свою
независимость и свободу. В конце своей жизни Козловский ярче всего проявил себя в памятнике А.
Суворову. Порывистость движения, энергичный поворот головы в античном шлеме — все подчеркивает
героический характер образа великого полководца. Последние произведения Козловского завершают поиски
русских скульпторов XVIII века. Героический характер пластических образов, стремление к благородству и
уравновешенности как бы предвосхищают особенности русского искусства первой четверти XIX века.
Живопись первой половины XVIII века
В русской живописи Петровской эпохи наиболее значительную роль играл портрет. В нем были еще
сильны влияния старой парсуны. Статичность позы портретируемой модели, плоскостная трактовка формы,
интерес к орнаменту давали себя знать в подобных произведениях. Постепенно портрет начинал все глубже
передавать внутреннее содержание человека. Уже в первой четверти ХVIII века появились портреты, в
которых правдиво запечатлены образы многих выдающихся современников. Самыми крупными
художниками первой половины ХVIII века были И. Никитин и А. Матвеев. Они скорее других преодолели
старые иконописные влияния и создали произведения реалистического характера. И. Никитин еще
мальчиком был отдан в придворный хор, а когда стал старше, целиком посвятил себя живописи. Уже его
ранние портреты отличались большим мастерством исполнения. После возвращения из Италии, куда он был
послан для усовершенствования в искусстве, он приобрел признание как самый талантливый художник
России того времени. Петр1 очень гордился мастерством Никитина. Никитин неоднократно писал портреты
самого Петра, из которых особенно выделяется портрет в круге. В отличии от многих иностранцев,
писавших царя, как правило в парадном облачении, в пышной и торжественной обстановке, художник
изобразил лишь одну голову Петра, правдиво передав его состояние. О таланте и мастерстве Никитина
говорят также и другие его портреты, например, Г. И. Головкина и Г. С. Строганова. Портретное искусство
Никитина — вершина в истории развития русской живописи первой половины ХVIII века. Никому из его
современников — художников не удалось достичь такого глубокого проникновения в существо человеческой
психологии, такого артистизма и высокого профессионального мастерства. А. Матвеев известен как автор
ряда портретов, а так же картин и декоративных росписей, которые он исполнил для Петропавловского
собора, Зимнего дворца и других зданий Петербурга. Большинство этих росписей не сохранилось, так как
сооружения, где они находились, были разрушены или перестроены. В последние годы жизни Матвеев был
руководителем Живописной команды, которая сыграла большую роль в развитии русского искусства, и
особенно в подготовке художников. Эта Живописная команда Канцелярии от строений, возникшая в
Петербурге занималась созданием художественного убранства многочисленных построек столицы и других
городов.
Крупным мастером живописного портрета, сочетавшим разнообразные художественные приемы, был
в середине ХVIII века А. Антропов. Сын солдата, он с шестнадцати лет начал учиться у Матвеева, вместе с
которым создал ряд декоративных росписей в Петербурге, Москве и других городах. В портрете Петра III нет
идеализации, обычной для парадных царских портретов, создаваемых художниками — иностранцами, хотя то
же композиционное решение. Антропов написал очень правдивый, острый, почти карикатурный образ царя
— узкоплечего, на длинных тощих ногах. Пышное окружение — колонна, балдахин, трон и золоченный столик
с царскими регалиями — подчеркивает физическое и духовное ничтожество царя. Многие художники ХVIII
века вышли из крепостных крестьян, а некоторые так и остались в крепостной зависимости до конца своих
дней. Крепостным графа Шереметьева был Иван Петрович Аргунов — представитель очень талантливой
семьи, давший русскому искусству многих художников. Он известен прежде всего как портретист. По
приказу хозяина ему приходилось писать портреты петербургской знати, знакомых Шереметьева и членов
его семьи. Обычно они не позировали, и Аргунов, как он сам рассказывал, писал их, наблюдая во время
торжественных праздников во дворце хозяина. Шереметьев не ценил в Аргунове художника, давал нередко
ему самые различные поручения и, наконец, отослал в Москву управлять своим московским домом, тем
самым почти лишив художника возможностью заниматься живописью. Творческая деятельность Аргунова
развернулась в 1750-1760 годы. Известность ему принесли портреты Б. Шереметьева и В. Шереметьевой —
самоуверенных и надменных дворян знатного рода. Аргунов, обучившийся у Гроота, овладел стилем
западноевропейского парадного портрета. Не случайно он получил заказ написать портрет новой
императрицы — Екатерины II.
Живопись второй половины XVIII века
Портретное искусство второй половины ХVIII века достигает подлинного расцвета. В это время
творят крупнейшие живописцы Ф. Рокотов, Д. Левицкий и В. Боровиковский, создавшие блестящую
галерею портретов современников, произведения, полные глубокой мысли, воспевающие красоту и
благородство стремлений человека. Эти портреты не только донесли до нас образы многих замечательных
людей, но и явились свидетельством высокого артистизма русских художников, их оригинальности, а также
зрелости живописно-пластической культуры. Художники умели воссоздавать реальный образ с помощью
различных живописных средств: изысканных цветовых оттенков, дополнительных цветов и рефлексов,
богатейшей системой многослойного наложения красок.
В ряду крупнейших русских портретистов второй половины ХVIII века наиболее своеобразным был
Ф. Рокотов. Он уже молодым человеком получил широкую известность как умелый и оригинальный
живописец. Его творческое наследие значительно. Рокотов уже в 1760 году ученик Академии художеств, а
через три года — ее преподаватель и затем академик. Служба отвлекла художника от творчества, а
официальные заказы тяготили. В 1765 году Рокотов покинул Академию художеств и переехал навсегда в
Москву. Там начался новый, творческий очень плодотворный период его жизни. Он стал художником
просвещенного дворянства в независимой, а порой и вольнодумной Москве. В его произведения отразилось
характерное для того времени стремление лучшей, просвещенной части русского дворянства следовать
высоким нравственным нормам. Художник любил изображать человека без парадного окружения, не
позирующим. Люди в поздних портретах Рокотова становятся более привлекательными в своей
интеллектуальности и одухотворенности. Обычно Рокотов использует мягкое освещение и все внимание
сосредоточивает на лицах. Люди в его портретах почти всегда чуть-чуть улыбаются, нередко пристально,
иногда загадочно глядят на зрителя. Их объединяет нечто общее, какая-то глубокая человечность и душевная
теплота. По одухотворенности, живописности, общей изысканности многие портреты Рокотова имеют
аналогию в портретной живописи лучших английских мастеров ХVIII века. Когда расцветало творчество
Рокотова началась деятельность другого крупнейшего живописца — Дмитрия Левицкого, создавшего серию
правдивых, глубоких по характеристике портретов. Он родился, вероятно, в Киеве и вначале учился
изобразительному искусству у своего отца — известного украинского гравера. В 1770 году на выставке в
Академии художеств Левицкий выступил с рядом портретов, представ сразу же зрелым и крупным
мастером. За один из них — архитектора А. Кокоринова — он был удостоен звания академика. Художник еще
опирается на традиции барочного портрета. Вскоре Левицким была создана знаменитая серия портретов
смолянок — воспитанниц Смольного института. Выполненная по заказу императрицы Екатерины II она
принесла ему подлинную славу. Художник изобразил каждую из воспитанниц этого привилегированного
дворянского учебного заведения за любимым занятием, в характерной позе. Левицкий прекрасно передал
очарование молодости, счастья юной жизни, разные характеры. Интимные портреты Левицкого эпохи
расцвета его творчества, который приходится на 1770-1780-е годы, представляют вершину достижений
художника. В Петербурге он написал посетившего русскую столицу французского философа Дени Дидро,
нарочито изобразив его в домашнем халате и без парика. Исполнены грации, женственности в своих
портретах М. Львова, пустой светской красавицей представляется Урсула Мнишек, расчетливая
кокетливость присуща примадонне итальянской комической оперы певице А. Бернуцций. Левицкий по-
разному относился к моделям своих портретов: к одним — с теплотой и сочувствием, к другим — как бы
безразлично, третьих осуждал. Как и многие русские художники того времени, Левицкий получал за свои
портреты намного меньше, чем заезжие иностранные живописцы. Он умер в тяжелой нужде глубоким
стариком, до последних дней не оставляя кисти.

Елизаветинское барокко — термин для обозначения архитектуры русского барокко эпохи Елизаветы Петровны (1741-61). Крупнейшим представителем этого направления был Ф.Б. Растрелли. В отличие от предшествующего ему петровского барокко, елизаветинское знало и ценило достижения московского барокко конца XVII-начало XVIII вв., удержав сущностные для русской храмовой традиции элементы (крестово-купольная схема, луковичные или грушевидные пятиглавия).

Постройки:

Храм Священномученика Климента, Папы Римского — православный храм в честь Священномученика Климента (1932 г.).

Никольский морской собор (1753-1762 г.).

Мариинский дворец

Умер Растрелли в Петербурге в 1771 году.

Иорданская лестница в Зимнем дворце

Большой дворец в Петергофе

Екатериниский дворец в Царском Селе

Смольный монастырь

Зимний дворец

стиль ар-нуво | Архитектурные стили

Экспрессионизм

19 Август, 2013

Экспрессионизм – это одно из течений в европейском искусстве эпохи модернизма. Оно получило наибольшее распространение в первые десятилетия двадцатого века, преимущественно в Австрии и Германии.

Футуристическая архитектура

25 Октябрь, 2013

Футуристическая архитектура – стиль в архитектуре, зародившийся в Италии в начале двадцатого столетия. Его характерными чертами стали антиисторизм, сильный хроматизм, движение, лиризм, длинные динамические линии.

Блобитектура

14 Сентябрь, 2018

Блобитектура (англ.: blobitecture; от слов «blob» («капля») и «architecture»), или блобизм (блоб) – это постмодернистский архитектурный стиль, характеризующийся изогнуто-округлой формой зданий.

Стиль прерий

11 Сентябрь, 2017

Стиль прерий, или школа прерий – архитектурный стиль конца 19-го — начала 20-го века, наиболее широко распространённый на Среднем Западе США.

Метаболизм

19 Август, 2013

Метаболизм (в переводе с греческого – изменение, превращение) – это архитектурный стиль в градостроительстве и архитектуре, получивший распространение в середине двадцатого столетия.

Органическая архитектура

21 Август, 2013

Органическая архитектура — это одно из течений архитектурной мысли, которое впервые было сформулировано американцем Луисом Генри Салливеном. Он в своих размышлениях опирался на положения эволюционной биологии.

Стиль «Искусства и ремёсла»

7 Ноябрь, 2019

«Искусства и ремёсла» (англ.: Arts and Crafts) – это британское художественное направление середины 19-го века — первой четверти 20-го века (приблизительно до 1920 года) в искусстве и в дизайне ремесленных изделий.

Маньеризм

23 Август, 2013

Маньеризм – стиль в западноевропейском искусстве, зародившийся в Италии и получивший распространение в 16-ом – первой трети семнадцатого века. Очагами его развития стали города Флоренция, Рим и Мантуя.

Норвежский стиль

5 Сентябрь, 2016

Норвежский стиль − архитектурный стиль, зародившийся в Норвегии и Швеции в XI веке и достигший своего расцвета в 30-х годах XX столетия. Характерной особенностью строений, выполненных в данном стиле, является их максимальная гармония с окружающим ландшафтом и создание настоящего архитектурного шедевра в условиях довольно сурового климата. Главными качествами этих строений являются надежность и основательность.

Барокко

26 Август, 2013

Барокко (в переводе с итальянского – «странный», «причудливый», «склонный к излишествам») – это одно из направлений в европейской культуре и искусстве, получившее распространение в 17-18 веках.

Елка в стиле барокко | Русский Базар

Репортерский дневник

Елка в музее – разве это не удивительно, не странно? Ну а уж елку в стиле барокко мне видеть и вовсе не доводилось. Ручаюсь – вам тоже. Само слово «барокко» и означает буквально – странный, причудливый. А установлена семиметровая эта серебристая из горной Вирджинии привезенная красавица в одном из роскошнейших залов нью-йоркского музея Метрополитен в преддверии Рождества и Нового года. И будет сиять огнями и поражать причудливым своим убранством гостей музея до 5 января.
Такого наряда никогда не было ни на одной рождественской ели в мире, потому что украшено царственное это дерево, сквозь густую хвою которого невозможно увидеть ствол, не обыкновенными, пусть даже самыми редкостными и дорогими игрушками, а миниатюрными скульптурными группами, каждая из которых – сколок Писания о Рождестве Христовом, своеобразная иллюстрация к тому или иному его эпизоду, многократно отраженному в лучших произведениях художников разных стран и разных веков.
Тем виртуозно выполненным фигуркам, которые будто с неба опустились на ветви сказочной ели, немногим менее трехсот лет. Их родина – Неаполь, и сотворялись они в XVIII веке, в годы владычества стилистики барокко с его динамичностью и напряженностью образов, изяществом и легкостью линий, чувственной роскошью и величественной пышностью, причудливым сочетанием реальности и мечты, сказки и черт земного бытия. «Динамика момента, каприз минуты, величие неба и почитание Бога», — так отозвался о неаполитанской рождественской скульптуре граф Джузеппе Горани в знаменитых своих воспоминаниях.
А создали это диво дивное, все эти сотни мастерски исполненных скульптурных композиций (в искусстве они зовутся мелкой пластикой) известнейшие ваятели того времени мэтр – учитель, глава школы неаполитанского барокко Джузеппе Саммартино и его ученики Сальваторе ди Франко, Джузеппе Гори, Франческо Вива… Это они в воображении своем восстановили, в эскизах запечатлели, а после изваяли, смастерили, одухотворили евангельские сцены рождения Христа так, как это видели они, не повторяя никого из великих мастеров прошлого.
Как прекрасна и поэтична вот эта необычайно эмоциональная, будто живая объемная картина-скульптура – «Святое семейство»: Богородица, чистая и вдохновенная святой своей материнской любовью, Иосиф, преданный, честный трудяга, и Младенец в плетеной своей колыбели. Именно эту композицию Франческо Вивы описал позднее Гете, она была в собрании семьи Торрес, известных книгоиздателей, ею любовался и жаждал приобрести король Швеции, она поменяла множество владельцев, прежде чем попасть в коллекцию Лоретты Хайнс Говард.
Свою, в ту пору куда более скромную по объему коллекцию Лоретта Говард показала публике впервые в 1957 году именно здесь, в стенах музея Метрополитен. Собрание неаполитанских святочных фигурок произвело тогда громадное впечатление. А уже в 1964 году, т.е. почти сорок лет тому назад, Лоретта в канун Рождества подарила музею и благодарным его посетителям огромную ель, и на ней были развешаны, а под ней поставлены все сокровища Лоретты, потому что она считала невозможным скрывать их от людей. Было тогда сокровищ этих много меньше, чем сейчас, – ведь Лоретта Говард, посвятившая им всю жизнь, продолжала свое собирательство, требовавшее и профессиональных знаний, и усилий, и энтузиазма, и немалых затрат, сначала одна, а потом вместе с дочерью Линн.
«Мама была необыкновенным человеком, умным, целеустремленным, увлеченным. Необычайно деятельным. Без этих качеств невозможно было бы собрать такую единственную в мире коллекцию», — говорит в эксклюзивном интервью «Русскому базару» миссис Линн Говард.
— Сегодня мы видим только те шедевры неаполитанских мастеров XVIII века, которые собрала ваша мать?
— Конечно, нет. Мама умерла двадцать лет тому назад, и я сочла своим долгом продолжить дело ее жизни. Эта очень интересная, но, поверьте, нелегкая работа не была новой для меня, потому что я едва ли не с детских лет помогала матери и трудилась вместе с нею.
— Значит, коллекция продолжает расти?
— Разумеется. Ежегодно ее фонды пополняются. По всему миру мы ищем и находим все новые раритеты, создававшиеся мастерами школы Саммартино. Поэтому и украшение этой рождественской елки с каждым годом становится все богаче.
— Вы сказали: «Мы ищем и находим». Кого вы имели в виду?
— Мы – это я и моя дочь Эндрия Селбау Росси. Она художница и дизайнер, создающий целостный великолепный этот ансамбль – ель и уникальное ее убранство. Причем дизайн панорамы всякий год новый.
— Семейная традиция будет продолжена?
— Обязательно. Эндрия стала мамой, а я счастливой бабушкой маленькой Линн, так что есть кому стать в будущем нашей сподвижницей.
— На радость всем, кто любит искусство.
Обычай наряжать елку корнями уходит в далекие языческие времена, когда дерево, дававшее тепло, живительный сок, смолу, укрывавшее от дождя и ветра, спасавшее подчас от хищников и врагов, было объектом поклонения. Но возродил обычай этот и сделал его христианским живший в конце XII — начале XIII века ставший отшельником блистательный проповедник и вдохновенный поэт Франциск Ассизский, чья жизнь и духовный подвиг тоже многократно запечатлены на полотнах лучших художников мира. А потому вдвойне закономерно, что ель, украшенная фигурками, имеющими не только художественную, но и историческую ценность, высится именно в зале средневекового искусства, в антураж которого органично вписывается.
Мы входим в просторный, высотой в два этажа, зал, над входом в который мастерская репродукция мозаики XII столетия из константинопольской Айя-Софии «Христос во славе». Удивительные гобелены, вазы, потиры. Виртуозная деревянная скульптура Великого Тилмана Рименшнайдера. Иоанн Креститель неизвестного бургундца XV века – несгибаемый, коленонепреклоненный. Мадонна с младенцем из Франции XIII столетия. Потрясающая голова монаха из усыпальницы в бенедиктинском аббатстве – тоже Франция, XV век… А на фоне решетчатого экрана, за которым возносились песнопения хора в старинном соборе в испанском Вальядолиде, ель-великан в царской мантии своего невиданного убранства.
В каких только лесах выросла такая красавица! Множество ангелов присели на раскидистых ее ветвях. А у подножия, на резном дубовом постаменте, более чем двадцати метров в периметре, по каменистым, иссушенным зноем холмам Палестины бредут, шествуют, скачут конные и пешие крестьяне, охотники, пастухи, купцы, горожане – у каждого свой характер, мысли, чувства, устремления. Тут и экзотически одетые волхвы с пестрой своей свитой, и самые разные изваянные Саверио Вассало животные – овцы, козы, лошади, тяжелогруженые верблюды, даже слоны. И все это в причудливых сочетаниях, в стилистике, приближающей зрителя к тем, отдаленнейшим, открывающим нашу эру временам. Саммартино и его ученики сумели отразить в своих творениях всю драматичность раскаленной ситуации в стране, куда пришли завоеватели, показать столкновение иудеев и римлян, обстановку, когда зародилось и развилось учение Христа. Две с половиной сотни скульптурных групп, каждая из которых – не китч, не бурлеск, а подлинное произведение искусства. Поражают пластика, необычайная выразительность, подробнейшая деталировка, психологическая мотивировка каждой сцены. Фигурки (они совсем не крохотны, их величина от 15 см до полуметра) изваяны из гипса, терракоты, сплетены из шнурков и проволоки, одеты в оригинальнейшие многоцветные платья и плащи, украшенные вышивкой, с продуманными аксессуарами и драгоценностями, с чеканными кинжалами и саблями. .. Конечно, костюмы отнюдь не библейские – так одевались современники художников в Италии и в странах Западной Азии. Но кувшины, курильницы, ковры, колыбельки, покрывала – куда древнее. Богатство и бедность соседствуют – как во все времена. Одни восседают на породистых скакунах, на гордом верблюде, даже в паланкине, установленном на спине слона. Другие, бедно одетые, несут шлейфы их одежд, прислуживают, охраняют, пасут стада, ведут повозки с товарами, тащат бурдюки с драгоценной водой. Не забыты и путешественники, и разбойник, крадущийся к селению, и рабы – тюрки, монголоиды, негры, светловолосые европейцы… Чудо!
И еще одно чудо – музыка. Торжественные и мелодичные рождественские гимны – Бах, Гендель, Шуберт, Вивальди… Все это тоже выбрала, скомпоновала, сделала неотъемлемой частью своей коллекции Лоретта Хайнс Говард.
Побывайте в музее Метрополитен! Приведите туда детей и внуков – радости их не будет предела. Музей расположен в Манхэттене на углу 5-й авеню и 82-й улицы, куда проще всего доехать поездами метро 4, 5, 6 до остановки «86 Street». По пятницам и субботам в 7 часов вечера на елке зажигают особенные старинные свечи.
Великолепно и предновогоднее убранство филиала Метрополитен Клойстерс, музея средневекового искусства в Fort Tryon Park в верхнем Манхэттене (поезд метро А до остановки «190 Street»). Побывать там также чрезвычайно интересно. Дерзайте!

Краткая история музыки барокко в Европе

ИТАЛИЯ

Папство вернулось в Рим в 1377 году, а после середины 15 века город стал центром культуры Возрождения. Массовое папское покровительство искусства стало обогащать Рим. Во время папства (1447–1455) Николая V были отремонтированы оборонительные стены, построены дворцы и отреставрированы церкви. Крупные художники и архитекторы теперь работали в Риме, и к концу века он вытеснил Флоренцию как главный центр Возрождения.Разграбление города в 1527 году наемниками Габсбургов было временной неудачей. В течение 16 века Микеланджело, Донато Браманте, Рафаэль и другие художники работали на пап, и строительство новой базилики Святого Петра продолжалось. Однако только во время правления (1585-1590) Папы Сикста V плотный, запутанный средневековый городской образец начал модернизироваться. Три главные улицы были проложены так, чтобы расходиться от площади Пьяцца дель Пополо к центру города. Сикст также построил площади и фонтаны и восстановил акведук Аква Феличе.Кроме того, были отремонтированы старые церкви и достроен купол Святого Петра.

Неудивительно, что музыка тоже должна процветать на этом богатом визуальном фоне. Типичным из музыкантов эпохи барокко, действующих в Риме, был композитор и скрипач Арканджело Корелли (1653-1713), чей стиль игры стал основой скрипичной техники XVIII и XIX веков и чьи композиции камерной музыки оказали огромное влияние. . Он родился в Фузиньяно, учился в соседней Болонье, а после 1675 года жил в Риме.Его покровителями были королева Швеции Кристина и, после 1690 года, кардинал Пьетро Оттобони (1667-1740), либреттист и важный музыкальный покровитель, который в качестве вице-канцлера церкви проживал в Палаццо делла Канчеллерия, где располагались Поэтико-музыкальные академии и исполняются оперы и оратории. Наиболее широко издаваемый и переизданный композитор до австрийского Йозефа Гайдна, Корелли был первым композитором, получившим международную репутацию исключительно на основе своей инструментальной музыки.Многие элементы его стиля стали обычным явлением в 18 веке, и его работы являются ранними примерами недавно разработанной системы мажорной и минорной тональности. Как выдающийся скрипач-виртуоз того времени, он обучал многих ведущих скрипачей-композиторов 18 века, в том числе итальянца Франческо Джеминиани.

Многие выдающиеся композиторы периода барокко, особенно Гендель, например, жили в Риме, и влияние Корелли должно было распространиться по всей Европе. Рим, конечно, также был представлен в Гранд-туре, которым в 1700-х годах все больше и больше наслаждались богатые страны Европы и особенно Англии.

Соперничая с Римом по своему музыкальному влиянию, если не по своему архитектурному и художественному великолепию, Неаполь обязан своим выдающимся положением в музыке неисчислимому количеству талантливых музыкантов, родившихся в городе, а также своим музыкальным консерваториям, которые их воспитывали и обслуживали. Что ж. Действительно, Неаполь удачно называют консерваторией музыки 18-го века, и на самом деле он может похвастаться четырьмя консерваториями высочайшего музыкального уровня.

Вряд ли великий композитор первой половины сеттеченто не испытал влияния неаполитанской музыки.Действительно, самые великие музыкальные деятели того времени посещали Неаполь или оставались там и работали какое-то время. Гениальный Никола Порпора (родился 19 августа 1686 года в Неаполе; умер там в феврале 1767 года), например, не только обучал Йозефа Гайдна, но и близко знал таких всемирно известных личностей, как Бонончини, Фаринелли, Гендель и Хассе. В 1733 году он отправился в Лондон, присоединившись сначала к Хассе, а затем к Бонончини, чтобы соревноваться с гигантом Генделем. Некоторые говорят, что влияние Порпоры модернизировало поздний оперный стиль композиции Генделя или, по крайней мере, сохраняло эту тенденцию вплоть до отъезда Порпоры из Англии в Италию в 1737 году.

Общепризнанным мастером неаполитанской музыки барокко был Алессандро Скарлатти (род. 2 мая 1660 г. в Палермо; ум. 24 октября 1725 г. в Неаполе). Почти в мгновение ока он произвел революцию в провинциальной музыкальной атмосфере, царившей в Неаполе, прежде чем он прибыл в феврале 1684 года в качестве нового маэстро ди капелла в часовню вице-королевства. Прямой наследник великих итальянских традиций оперы, оратории, кантаты и инструментальной композиции, полученных от Пьетро Франческо Кавалли (1602-1676), Джакомо Кариссими (1605-1674), Алессандро Страделла (1642-1682) и Джованни Легренци (1626- 1690), Скарлатти был хорошо оборудован, чтобы произвести революцию в неаполитанской музыкальной жизни.Внезапная отставка старой неаполитанской гвардии — Франческо Провенцале (ок. 1627–1704) и шестерых его коллег, разочарованных тем, что Провенцале уступили место Скарлатти после смерти Пьетро Андреа Зиани (ок. 1630–1684). расчистил путь для глотка свежего воздуха Скарлатти. Опера и кантаты Скарлатти, его серенаты и оратории, и особенно его инструментальные произведения, вскоре принесли новую жизнь неаполитанской музыке. Ему предстояло написать более ста опер, 600 кантат и ряд ораторий.Представители европейской знати часто заказывали ему сочинение сонат для духовых и струнных инструментов, а также пьес для сембало и гроссовых концертов.

Доменико Скарлатти (род. 26 октября 1685 г. в Неаполе; ум. 23 июля 1757 г. в Мадриде) был шестым сыном Алессандро Скарлатти. Отец, несомненно, подверг Доменико лучшему обучению в Неаполе, взяв его примерно в 1708 году в Венецию, чтобы учиться у Франческо Гаспарини (1668-1727), самого ученика Арканджело Корелли (1653-1713).Из Венеции Скарлатти-младший отправился в Рим с Генделем, согласно отчету, где оба выступали перед кардиналом Пьетро Оттобони. Около 1720 года он переехал в Лиссабон, а через десять лет — в Мадрид. Сегодня он, пожалуй, наиболее известен своими клавишными сонатами, в которых он щедро позаимствовал из латиноамериканских народных мелодий и ритмов, создав уникальную смесь, которую можно было бы назвать «иберийским барокко».

Франческо Дуранте (род. 31 марта 1684 г., во Фратта-Маджоре; ум. 13 августа 1755 г., в Неаполе) был самым занятым из неаполитанских учителей, занимал должности в консерваториях Сант-Онофрио и Санта-Мария-ди-Лорето и преподавал, играет и сочиняет где-нибудь еще.Его карьера развивалась в наилучшее возможное время для максимального использования новой глубины и богатства, новой музыкальной беглости, которую Алессандро Скарлатти создал для Неаполя. Дуранте настолько извлек выгоду из этих удачных обстоятельств, что Руссо посоветовал назвать его «величайшим гармонистом Италии, то есть мира».

Но из-за неизменно высокого вдохновения немногие композиторы того времени, неаполитанские или другие, могут сравниться с Джованни Батистой Перголези (род. 4 января 1710 г., в Ези; ум.16 марта 1736 г., в Поццуоли). Его карьера также совпала с наиболее плодотворным периодом в истории неаполитанской музыки. Судьба Перголези заключалась в том, чтобы воспользоваться (в течение двух с половиной десятилетий трагически укороченной жизни) грандиозной возможностью для совершенно новой музыкальной формулировки, которую предоставили произведения Скарлатти. Практически в одиночку Перголези выковал новый драматический стиль, используя для своих целей скромную оперную буффа и привнося в сцену и концертный зал все тонкости психологического, идиоматического и мотивационного развития, а также всю драматическую гибкость, столь важную для искусства театра. музыкальная характеристика, которую Моцарт должен был довести до совершенства.

Венеция, великий независимый торговый город на воде на севере, также была местом огромного богатства, архитектурных шедевров и музыкального влияния, самым известным из ее музыкальных сыновей был Антонио Вивальди. Венеция также участвовала в «Гранд-туре» европейской знати. Однако, оглядываясь назад, мы, возможно, можем с грустью отметить, что экономическая мощь и богатство Венеции уже находились в упадке, и к концу жизни Вивальди наступил экономический спад, из которого Венеция так и не оправилась.

Глубокое, всепроникающее и вдохновляющее влияние на итальянскую музыку барокко оказали скрипичные мастера, в основном сосредоточенные в Кремоне — семья Амати в 16 и 17 веках, семьи Гварнери и Страдивари в 17 и 18 веках. Можно предположить, что подобным же образом великие строители органов Германии, Арп Шнитгер на севере и Готфрид Зильберман на юге, вдохновляли и бросали вызов таким композиторам, как Букстехуде и И.С. Бах, на создание сочинений для органа, которые в полной мере использовали бы разнообразное и величественное звучание этих выдающихся инструментов.

ИЗ ИТАЛИИ В ГЕРМАНИЮ

Иоганн Георг Пизендель (родился в 1687 году, умер в Дрездене в 1755 году) был не только одним из выдающихся немецких скрипачей 18 века, но и музыкальной личностью с мировым именем. В возрасте десяти лет он отправился в Ансбах, где его учителем стал Джузеппи Торелли. В 25 лет он поступил в Дрезденский придворный оркестр, а в 1728 году был назначен его руководителем, с отличием занимая этот пост до самой своей смерти. Во многом именно благодаря его творчеству Дрезденский придворный оркестр получил известность во всей Европе.Иоганн Фридрих Райхардт писал в 1774 году: «Хотя Берлинский оркестр всегда был хорош, люди, способные судить и знакомые с обоими, всегда предпочитали дрезденский оркестр под руководством известного концертмейстера Пизенделя». С разрешения двора Пизендель отправился во Францию в 1714 году и в Италию в 1716/17 году. Он учился у Вивальди в Венеции, а также познакомился с другими выдающимися итальянскими мастерами того времени, а по возвращении в Дрезден представил новейшие итальянские скрипичные сочинения.

Мы знаем, что Пизендель исполнил концерт Торелли для Лейпцигского Collegium Musicum, а Дрезден в то время был центром немецкого культа Вивальди, под влиянием которого И.С. Бах сочиняет органные концерты. Политические и культурные связи между Саксонией и Италией стали еще сильнее после коронации Марии Амалии Саксонской королевой Неаполя. Королевские резиденции в Мюнхене, Штутгарте и Ганновере также позволили себе роскошь итальянских музыкальных заведений, и многие из меньших княжеских дворов, где музыка была направлена немцами, заказали последние партитуры из Италии.

Значение и статус Пизенделя как оригинального композитора долгое время недооценивались. Хотя он не был плодовитым писателем, те его произведения, которые сохранились, имеют высокое качество и демонстрируют индивидуальную творческую цель. Соната для скрипки соло — очень сложное произведение как с музыкальной, так и со скрипичной точки зрения, и оно имеет тенденцию подтверждать теорию о том, что игра и стиль Пизенделя, возможно, привели к сочинению сольных сонат Баха. Действительно, было высказано предположение, что Шесть сонат / партит Баха для скрипки соло были составлены именно как вызов Пизенделю во время визита Баха в Котенский двор, где Бах тогда находился на службе.

Точно так же капельмейстер Готы Готфрид Генрих Штольцель (1690-1749) отправился в Италию в 1713 году, чтобы установить личный контакт с выдающимися музыкантами того времени и не упустить ни одной возможности «там, где что-нибудь должно быть услышано». . Он встретил Алессандро Скарлатти в Риме, а в Венеции — Вивальди, Марчелло и своего земляка Иоганна Давида Хайнихена. Его путешествие проходило через Флоренцию, Пизу и Ливорно, а обратно через Болонью, Венецию и Триест в Инсбрук, затем через Линц и Будвейс в Прагу.

Например, «Concerto a quattro chori»

Штользеля стал ярким событием в придворной музыке того времени. Само озвучивание этого произведения с его двумя группами труб, группой деревянных духовых и разделенных струнных, создает атмосферу праздничного великолепия, характерного для периода позднего барокко, с его чистой радостью от создания музыки. J.S. Бах знал и, вероятно, ценил эту великолепно звучащую работу своего коллеги в Готе; он использовал фугальную тему из Финала этого Концерта в своем G minor Bourrée из «Clavierbchlein» для Вильгельма Фридемана Баха, в котором «Partia di Signore Stelzeln» в нескольких частях занимает почетное место.

ГЕРМАНИЯ

Германия, хотя и находилась под сильным влиянием событий в Италии, на самом деле привносила эти формы и стили в свои местные традиции.

Реформация, возглавляемая Мартином Лютером и официально начавшаяся в 1517 году, принесла религию в массы, как через перевод Лютера библейских текстов на немецкий язык, так и за счет широкого использования хорала в качестве основного текстового / музыкального сопровождения церковной службы. Из традиционных хоральных мелодий большая часть немецкой музыки барокко должна была расти и развиваться.Кантаты и страсти часто основывались на хорале, а если и не были, то были просто продолжением хоральной традиции. Органисты тоже разрабатывали хорал на неделю, либо добавляя вставки между стихами, либо составляя целые наборы вариаций на основе определенной мелодии хора.

К этой традиции следует добавить инстинктивную немецкую любовь к порядку, проявляющуюся до сих пор во многих аспектах немецкой жизни. Таким образом, немецкие композиторы были привлечены к фуге, канону и пассакальи как к своей основе фундаментальной формы, образца и единства.

Одним из нескольких композиторов раннего барокко, внесших значительный вклад в объединение хорала и контрапункта, был ДИТРИХ БУКСТЕХУД. Датчанин по происхождению и родился в Ольдесло, Гольштейн (тогдашнее владение Дании), в 1637 году, он умер в Любеке в 1707 году в возрасте шестидесяти девяти или семидесяти лет. В дополнение к его композиционным вкладам, его артистизм на органе был легендарным. Его исполнение духовной музыки, инструментальной и вокальной, сделало Любек местом паломничества музыкантов, стремящихся продвинуться в своем искусстве, а сам молодой Себастьян Бах преодолел двести миль, чтобы услышать их и сесть у ног Мастера.В кантатах и страстях Баха, а также в его многочисленных хоральных прелюдиях и вариациях развитие хорала достигло пика, который впоследствии никогда не превышался.

Хорал продолжился и продолжает занимать фундаментальное место в жизни Германии, как протестантской, так и католической. Хоралы постоянно звучат как в домах, так и в церквях. На протяжении веков церковные хоры были обычным делом прогуливаться по улицам в течение недели, распевая их перед домами.Даже в 1880-х годах Штайнерт, бостонский торговец пианино, повторно посетивший свой родной баварский городок после сорокалетнего отсутствия, обнаружил, что ночной сторож на улице все еще отмечает часы, распевая свои стихи из гимна на свою старую хоральную мелодию. делает в другом баварском городке в Мастерсингерах Вагнера. Хорал действительно пронизывает немецкую религиозную, общинную и домашнюю жизнь. Частный путешественник в Германии сегодня может быть удивлен, узнав, сколько из тех, кого он или она встречает, являются постоянными и полными энтузиазма участниками церковных хоров, что еще раз свидетельствует об их глубокой любви к хоровой музыке.

АНГЛИЯ

1600-е годы оказались веком политических потрясений и перемен в Англии — перехода от автократической к парламентской монархии. В начале века Британией правил очень деспотичный монарх, который не имел ничего общего с молодым и амбициозным парламентом. Разборка произошла с судом в парламенте и последующей казнью короля Карла I в 1649 году. За этим последовала попытка республики при Кромвеле, которая оказалась хаотичной и катастрофической.Восстановленные монархи — Карл II и Яков II — все еще несколько неохотно соглашались с верховенством парламента, пока сам парламент не призвал дочь Джеймса Мэри и ее голландского мужа Вильгельма Оранского спасти страну от политической нестабильности. Они сделали это в 1689 году, после чего вместе правили как Вильгельм III и Мария. Эта краткая история объяснит, почему после культурного вакуума и хаоса революции, республики и ее последующих лет музыка снова стала процветать к концу века.

Генри Перселл родился в 1659 году, и хотя ему предстояло прожить очень короткую жизнь (он умер в 1695 году), он смог насладиться и полностью использовать возобновившееся расцвет музыки.

Он посвятил много своего таланта написанию опер или, скорее, музыкальных драм и случайной сценической музыки; но он также писал камерную музыку в форме сюит для клавесина и трио-сонат, а также участвовал в растущей лондонской публичной концертной сцене. Для молодого Лондонского Музыкального Общества он написал Оды в честь дня Святой Сесилии (покровительницы музыки), который любой меломан может отпраздновать 22 ноября.

Пёрселл, сын придворного музыканта, певца в Королевской часовне и продолжавший занимать королевские должности до самой смерти, работал исключительно в Вестминстере у трёх разных королей на протяжении двадцати пяти лет, а также факты о деятельности Перселла при дворе достаточно хорошо задокументированы. Среди других произведений, написанных для двора, он написал оды к королевским дням рождения, в том числе живую и мелодичную «Приходите, сыны искусства».

Смерть королевы Марии нанесла сокрушительный удар по стране.Мэри была очень любимым монархом, и публика требовала похорон, что отражало ее преданность. Никаких расходов не пожалели. Сэр Кристофер Рен позаботился о том, чтобы дорога в Вестминстер была обнесена черными перилами. Триста мрачных женщин возглавили свиту в черных плащах с мальчиками, несущими свои поезда. Перселла также попросили исполнить оду смерти своей (и страны) любимой королевы Марии. Как прекрасно повод для запоминающейся и горько-сладкой музыки Перселла.В ноябре того же года Вестминстерское аббатство также станет местом собственных похорон Перселла, на которых объединенные хоры аббатства и Королевской часовни будут отмечать преждевременную кончину «английского Орфея».

В течение последних десятилетий 1600-х годов Англия многое узнала об итальянских и французских музыкальных стилях от Перселя и войдет в новый век, горячо восприняв континентальную моду.

В музыкальной жизни Англии в первой половине 1700-х годов доминировала фигура гигантского Генделя, поселившегося в Лондоне в 1712 году; и здесь королевская семья снова сыграла свою влиятельную роль.

После раннего обучения в Германии Гендель отправился в Италию, где провел более трех лет во Флоренции, Риме, Неаполе и Венеции. В Риме он учился у Корелли и, возможно, встретил Вивальди в Венеции по возвращении.

Гендель покинул Италию в начале 1710 года и отправился в Ганновер, где был назначен капельмейстером курфюрста Джорджа Луи. Королевские дома Великобритании и Европы всегда были тесно связаны между собой, и Закон об урегулировании в 1701 году, закрепивший за протестантами правопреемство короны, сделал мать Джорджа наследницей престола Великобритании.В 1705 году Джордж был натурализован парламентским актом, а в августе 1714 года смерть королевы Анны сделала его королем. Гендель, который уже побывал в Лондоне и, видимо, находил это по душе, должен был последовать примеру курфюрста в принятии британского гражданства, и действительно, часть успеха Генделя в Лондоне была обусловлена королевским покровительством курфюрста Ганновера, ныне короля Георга I.

Влияние Генделя как на культурную среду его времени, так и на его более молодых английских современников трудно переоценить.Это было начало эпохи «Гранд-тура», когда образованные и состоятельные граждане отправились в «Гранд-тур» в Италию, Францию, Германию и Нидерланды. Часто они возвращались домой полные энтузиазма по поводу академий, театров, оперных театров и концертной жизни, с которыми они столкнулись в Европе. Короче говоря, Англия стала гостеприимным хозяином для иностранных виртуозов, импресарио, певцов и композиторов. Как заметил гамбургский теоретик, критик и композитор Иоганн Маттезон в 1713 году (Das Neu-Erôffnete Orchester): «Тот, кто в настоящее время хочет заработать на музыке, отправляется в Англию.”

В Англии, как и в Германии, главным образцом инструментальной музыки был Корелли, чьи сочинения впервые стали известны в Лондоне к концу семнадцатого века. В 1715 году Джон Уолш-старший — он и его сын вскоре стали издателями Генделя — выпустил «12 Concerti Grossi Op. 6, с которого они были исполнены, адаптированы и, судя по всему, повсеместно полюбились. Английский историк музыки сэр Джон Хокинс упоминает случай в 1724 году, когда группа энтузиастов-любителей, только что усвоившая сочинение Корелли.6 у книготорговца, «отыграли все 12 концертов, не вставая со своих мест» ( История науки и практики музыки , 1776). Концерты современника Корелли Торелли и современные модные венецианские концерты Вивальди также были опубликованы и стали популярными в Англии.

Одним из первых композиторов, напечатавших концерты в Англии, был Франческо Джеминиани. Близнецы родился в Лукке и учился игре на скрипке у Корелли в Риме.Также возможно, что он изучал композицию у Алессандро Скарлатти в Неаполе. В 1707 году Джеминиани вернулся в свой родной город Лукку, где он три года играл в городском оркестре, прежде чем занять должность в Неаполе в 1711 году в качестве руководителя оперного оркестра. В 1714 году он приехал в Англию, где его игра быстро завоевала поддержку видных деятелей при дворе и аристократии. Джеминиани уехал из Лондона в Дублин в 1733 году, где заработал прекрасную репутацию учителя, исполнителя, организатора концертов и теоретика.В том же году он открыл Концертный зал в Дублине, очевидно, используя помещения наверху для музыки, а комнаты внизу для торговли картинами.

ФРАНЦИЯ

Вклад Франции в музыку барокко, особенно в ее ранний период, 1650-1700 гг., Был сравнительно невелик. Это было полностью связано с влиянием некоего Джованни Баттиста Лулли (1632–1687), итальянца благородного происхождения, который в молодости отправился во Францию и в 1653 году начал службу при дворе Людовика XIV. Здесь он использовал свое влияние на короля в сочетании с агрессивным бизнесом, чтобы создать для себя виртуальную монополию на французскую музыку, которая продержалась и после его смерти и до начала 1700-х годов, и только с Рамо и Купереном Франция снова начал находить себя в музыкальном плане.Мертвую хватку Люлли (если использовать его более позднее французское написание) над французской музыкой в то время трудно было переоценить. Серия строго ограничивающих королевских патентов дала ему полную монополию на использование музыки на французской сцене. Агрессивный и проницательный в бизнесе, Люлли скупил ведущие театральные площадки и, чтобы укрепить свое положение, даже убедил короля издать постановление, ограничивающее количество певцов и инструменталистов, которые могли выступать с другими парижскими театральными труппами.

Основное влияние, которое Франция оказала на эпоху барокко, было влиянием придворной роскоши.В 1669 году Людовик XIV (1638-1715) решил превратить старый охотничий домик в Версале во дворец невиданной красоты. Он был завершен в 1682 году, а двор переехал в 1683 году. В Европе не было ни королевского, ни княжеского двора, который мог бы сравниться с Версалем по роскоши его позолоченных интерьеров, его зеркал и люстр, с соответствующей яркостью придворной церемонии и в Европе не было королевского или княжеского двора, который открыто или тайно не стремился бы соответствовать этой модели.

Люлли (ныне натурализованный француз как Жан-Батист Люлли с буквой «у») отразил этот идеал в великолепии своих опер и оперных декораций, поставленных с помощью всевозможных машин, с помощью которых солнца и ангелы могли летать, а корабли могли летать. кататься по диким бурным морям. Его оперные тексты восхваляли короля и на каждом шагу отражали новейшие королевские мысли, что, конечно же, укрепляло его положение. В то же время необходимо подчеркнуть, что его выступления нельзя было пропустить.Его оперы и священные произведения демонстрируют богатство и величие (Ouverture во французском стиле — один из его вкладов), что вызовет восхищение публики и приезжих музыкантов из Италии и Германии.

Хотя большая часть королевской семьи Европы должна была совершить паломничество в Версаль, никто не должен был знать, что Людовик и его страна были перегружены долгами, которые наложил на них дорогостоящий Версаль. Вдобавок Франция в последние годы 1600-х годов пережила два голода и серию катастрофических военных поражений. Великолепие Версаля постепенно угасло вместе с энергией короля, и его смерть в 1715 году ознаменовала как конец Версаля (хотя позже он возродится), так и возрождение (нелуллийской) музыки в Париже с бумом нот. уроки книгопечатания и музыки для буржуазии. Музыкальная свобода и жизненная сила возродились в Париже и будут продолжать процветать даже после того, как Людовик XV вернул свой двор в Версаль.

ИСПАНИЯ

Мавританское присутствие (примерно 800-1500) придало испанской музыке большую часть ее отличительного колорита, оставив в наследство сложные арабские ритмы, микротонические гаммы и непреходящую любовь к щипковым инструментам, виуэле и гитаре.Позже странствующие цыгане добавили региональной вариативности в ритм и мелодию. Именно эту богатую и разнообразную народную смесь Доменико Скарлатти позже изучал и использовал с таким пылом и энтузиазмом.

Когда император Карл V объединил Нидерланды, Бургундию, Неаполь и Испанию под одной короной, Испания открылась для всего европейского музыкального мира. Во времена правления Карла и его сына Филиппа II, вместе взятых в период с 1516 по 1598 год, испанская музыка достигла апогея. В этот период процветало и органное строительство; Строители органов стали предприимчивыми и изобретательными по мере того, как процветание Испании распространилось на церкви.Сам Филипп II подарил орган в соборе Гранады — он до сих пор используется регулярно. Слепой композитор-органист Антонио де Кабесон (1510–1566) был одним из первых в мире композиторов для клавишных, его сочинения отличались довольно передовым стилем.

Однако значительный музыкальный прогресс в период барокко произошел и в других частях Европы. Глядя на имена испанских композиторов 1650-1750 годов, мы не находим ни одного особенного примечания. Однако в 21 веке нам нужно время от времени напоминать себе, что с 1650 по 1750 год политическая карта мира была совсем другой.Большая часть южной Италии (с центром в Неаполе и включая Сицилию и Сардинию) была «испанскими» колониями испанской части Дома Габсбургов (ведущей державы в Европе). Испания была ведущей европейской державой в Средиземноморье, и в ее культуре было гораздо больше, чем иберийский пенис.

Крупнейшей фигурой испанского барокко был Доменико Скарлатти, который родился и получил музыкальное образование не в Испании, а в Италии. В примерно 500 сонатах Скарлатти мы находим все богатство и волнение, мелодическое и ритмическое разнообразие традиционной Испании..

В каком году начался период барокко? — dengenchronicles.com

В каком году начался период барокко?

1600
Барокко — это период художественного стиля, который начался около 1600 года в Риме, Италия, и распространился по большей части Европы.

В каком году закончилась эпоха барокко?

1750
1750 год считается концом барокко из-за смерти Иоганна Себастьяна Баха. Его музыка считается кульминацией стиля барокко.Барокко — это термин, который впервые был применен к архитектуре в уничижительной манере.

Как начался период барокко?

Барокко возникло как реакция католической церкви на многочисленные критические замечания, возникшие во время протестантской Реформации в 16 веке. Это было началом эпохи, известной как Реформация и протестантское христианство. Большая часть XVI века была отмечена религиозными конфликтами.

Когда начался и закончился период искусства барокко?

1585 по с.1700/1730 годы часто называют эпохой барокко. Слово «барокко» происходит от португальского и испанского слов, обозначающих большую жемчужину неправильной формы — barroco и barrueco соответственно. Критики восемнадцатого века были первыми, кто применил этот термин к искусству 17 века.

Где начался период искусства барокко?

Определение периода барокко. Барокко — это период художественного стиля, который начался около 1600 года в Риме, Италия, и распространился по большей части Европы. Назовите наиболее выдающиеся черты искусства барокко и его самых известных художников.

Кто был самым выдающимся композитором периода барокко?

Характеристики. В музыке стиль барокко составляет большую часть классического канона. Среди известных композиторов — Иоганн Себастьян Бах, Джордж Гендель и Антонио Вивальди. В более позднюю часть периода стиль барокко получил название рококо, стиль, характеризующийся все более декоративными и сложными работами.

Каковы характеристики церкви в стиле барокко?

Архитектура: истоки и характеристики.Еще одна особенность церквей в стиле барокко — квадратура; картины в стиле тромплей на потолке в лепных рамах, настоящие или раскрашенные, переполненные картинами святых и ангелов и соединенные архитектурными деталями с балюстрадами и консолями.

Какие новые мотивы представлены в музыке барокко?

Классический репертуар переполнен, плотен, перекрывается, нагружен, чтобы вызвать шоковые эффекты. Новые мотивы, представленные в стиле барокко: картуши, трофеи и оружие, корзины с фруктами или цветами и другие, сделанные маркетри, лепниной или резьбой.

Как искусство барокко получило свое название и что породило его? Определить это искусство

Как искусство барокко получило свое название?

Барокко означает жемчуг неправильной формы, полученный от слова barocco на португальском языке, впервые использованный в середине 1700-х годов.
Искусство барокко не имеет никакого отношения к жемчугу, но это слово использовалось как эпитет для стиля, который не отвечал высоким художественным стандартам предшествующей эпохи Возрождения. Независимо от своего происхождения, он имел коннотации «причудливого» и «абсурдного», когда использовался его критиками, которые отвергали его как декадентского преемника уважаемого движения Возрождения.До конца 19 века, а иногда и в настоящее время, некоторые люди используют это слово в его первоначальном значении как оскорбление всего, что они считают гротескным или ненормальным. Например, один блогер в 2011 году резко раскритиковал фильм «Черный лебедь» в виде аллитерации как «мрачный, барочный и берсерк».

Что дало начало искусству барокко? и где?

На смену маньеризму, искусство барокко зародилось в Риме, художественной столице Европы в 17 веке, и распространилось на другие европейские страны, где оно слилось с местными традициями и культурами. Религиозные картины продолжали преобладать, но в этот период также появились нерелигиозные картины, такие как королевские портреты, пейзажи, натюрморты и картины, изображающие частную и придворную жизнь, а также исторические события. Королевские особы и правители заказывали портреты для демонстрации величия. Нерелигиозные темы стали более популярными. Королевские особы семнадцатого века, аристократы и другие богатые люди по сути не отличались от людей сегодня, они использовали доступные технологии и инструменты (т.е. картины и другие виды изобразительного искусства), чтобы продемонстрировать свое богатство, наняв художников, чтобы они нарисовали портреты, на которых они гордо позируют и демонстрируют свои платья и украшения. Поручить художнику нарисовать сложный портрет самого себя, чтобы повесить его в вашем доме, было символом статуса, подобным последнему смартфону или крутой машине сегодняшнего дня.

В следующий раз, когда вы увидите религиозную картину в стиле барокко, помните, что, скорее всего, она из католической Европы (например, Италии, Франции, Испании и Фландрии), но если она нерелигиозная (например. г. Натюрморты, пейзажи и портреты) то, скорее всего, из протестантской Европы, то есть из Голландии и Англии. Из этого правила есть исключения, потому что некоторые голландские художники, такие как Рембрандт, предпочитали рисовать религиозные картины для потенциальных покупателей.

Религия (священная vs. светская)

Искусство барокко уходит своими корнями в религиозную напряженность, сохранявшуюся до 1600-х годов. К тому времени католическая церковь потеряла большую часть Европы, где она перестала быть верховной властью в Риме, как это было столетием ранее.Это последовало за крупным восстанием многих христиан, которые «протестовали» против католических традиций и учений. Позже религиозное движение было названо протестантской Реформацией. В католической Европе главной целью искусства было прославление католических верований и самой церкви. Следовательно, в такое время религиозного конфликта не было никаких сомнений в использовании искусства в политических целях, особенно потому, что Церковь была самой богатой и могущественной организацией в Европе наряду с европейскими королевскими особами. Католики, встревоженные теми, кто пытается «реформировать» свою многовековую Церковь, вступили в духовную борьбу (а иногда и воинственную), пытаясь вернуть себе «заблудшие души» любыми возможными способами.Драматические библейские изображения в визуальном церковном искусстве были одним из самых простых способов обратиться к обычным людям и произвести впечатление на них, поскольку большинство европейцев были неграмотными. Церковь заказывала искусство с популистским призывом не для образованной элиты, а для крестьянского класса. Их художественная «маркетинговая кампания» была направлена на этот стиль искусства, который обращается к людям, чтобы вернуть их в Церковь, нанимая художников, которые изображали драматические, яркие сцены из библейских историй, чудес и святых.Эти комиссии положили начало эпохе искусства барокко, когда оно было просто инструментом католической контрреформации. Именно поэтому оно изначально встречало сопротивление в протестантских странах, но позже было воспринято как чисто светское искусство, распространившись по остальной протестантской Европе, где оно стало лишенным религиозных или политических посланий.

В католических церквях с самого начала своей истории искусство служило очень высокой цели. Иконические изображения Христа или другие библейские сцены всегда считались священными, в то время как в протестантских (реформатских) церквях изобразительное искусство, включая картины, знамена, кресты или даже отдельные скульптуры, считалось только символическим или орнаментальным, а не священным само по себе.Глубоко иконоборческая протестантская церковь не заказывала искусство. Отсутствие процесса утверждения со стороны епископов, когда художники могли столкнуться с возможностью отклонения, если их работы основаны на «ложной доктрине», оставляло художникам возможность нарушать старые правила визуальной интерпретации

Экономика

Капитализм развивался намного раньше, чем эпоха барокко, но он очень быстро развивался в Западной Европе в 1600-х годах. В протестантских странах этому способствовала мысль Реформации, устранившая клеймо ростовщичества, поэтому было разрешено кредитование под проценты, а богатство рассматривалось как знак небесных благословений. Бедность больше не была добродетелью. Поощрялись упорный труд и инвестирование для приобретения богатства, что привело к росту значительного среднего класса в таких странах, как Нидерланды. Обратите внимание, что, несмотря на секуляризацию культуры сегодня, эта вера по-прежнему лежит в основе западного капитализма, который пылкие верующие рассматривают как долговременные гармоничные отношения между протестантской этикой и свободным рынком, которые возникли почти одновременно и место в истории. Некоторые протестантские лидеры, такие как Жан Кальвин, выступали против и удаляли иконы и другие изображения внутри церквей, поскольку они считались идолопоклонниками.Неудивительно, что свободный рынок заменил Церковь как главного покровителя искусства. Это момент, когда впервые в истории западного искусства искусство стало коммерчески доступным для покупки, а индивидуальные заказы были доступны практически каждому. Это было рождение арт-бизнеса, ориентированного на рынок. Хотя это художественное движение зародилось в католической Европе (например, в Италии, Франции и Испании), оно процветало в протестантских странах, таких как Голландия. Заменив церковь и монархию католической Европы средним классом в протестантских странах, вы получите гораздо больший рынок искусства.В отличие от католической Италии или Франции, растущий рынок искусства Голландии стимулировал художников эпохи барокко, усиливал конкуренцию между ними, и производство картин процветало. Искусство как бизнес процветало, ожесточенная конкуренция заставляла цены снижаться, голые стены не любили, владение картинами для домашнего декора превратилось в причуду, дома богатых имели до 100, а иногда и 200 картин. Искусство стало настолько популярным, что говорят, что почти в каждом голландском доме стены украшали картины. Историки называют 17 век в Нидерландах, в частности, голландским золотым веком искусства, торговли и науки.

Новый класс самодельных мужчин (средний класс), вытесняющий аристократию и церковь в качестве главных потребителей и заказчиков искусства, не искал библейских или мифологических тем, они хотели видеть себя. Повседневная жизнь обычного гражданина стала главной темой, модной художественной темой. Картины, посвященные домашней жизни, родителям, детям, животным, домашнему хозяйству, будут фигурировать в картинах, даже самых обыденных или неприглядных, таких как:
Интерьер с матерью, очищающей волосы своего ребенка [удаление вшей], известный как «Долг матери» Питер де Хуч родился в Роттердаме в 1617 году.

Поскольку художники пытались угнаться за рыночным спросом, они позволяли потенциальным клиентам заходить в свои студии, чтобы понаблюдать за их работой и посмотреть их картины. Художники продавали большую часть своих работ, но оставляли некоторые шедевры в студии для рекламы своего мастерства.

Политика

Феодализм (9-15 века) — это социально-политическая структура, при которой король делит свою землю между дворянами (также известными как помещики, именно тогда этот термин был впервые использован), которые нанимали рыцарей для защиты земли, и крестьян (крепостных).Крестьяне живут и обрабатывают землю (на латыни это феодум). Этот общественный договор был несправедливым по отношению к миллионам семей, которые всю жизнь прожили в рабстве, сохраняя при этом минимум для себя. К крестьянам часто относились как к рабам, которые работали на помещиков в обмен на защиту от посторонних. К середине 1500-х или 1600-х годах феодализм почти исчез из Европы, и под властью абсолютных монархий возникли могущественные военные государства. В старые добрые времена темного средневековья король или королева из королевской семьи взошли на трон, потому что это считалось правом рождения.Однако абсолютный монархист — это правитель, который верит и пропагандирует, что их абсолютная власть — это больше, чем право от рождения, это дарованное Богом («божественное») право, которое сработало в их пользу, поскольку критика потенциально может означать нападение на религию. Другими словами, если вы произносите что-либо, кроме хвалы в адрес Царя, установленной Богом власти, вы можете совершить богохульство. Подъем абсолютной монархии заполнил брешь, оставшуюся позади из-за ослабления влияния католической церкви и упадка феодальной знати.Среди абсолютных монархий, появившихся в Европе в 1600-х годах: Франция (Людовик XIV), Испания (Филипп II), Пруссия, бывшее государство Германии (Фридрих Великий) и Россия (Петр Великий, а затем Екатерина Великая). (Примечание: вы заметили, что у многих монархов, кажется, есть слова «Великий», прикрепленные к своим именам ?! Я бы не возражал против такого ярлыка в учебниках истории, вместо того, чтобы быть навсегда известным как русские 16-го века » Иван Грозный »). В экономическом отношении капитализм заменил феодализм, а политически абсолютные монархии заменили ослабленные феодальные монархии.Во многих европейских странах, таких как Франция, искусство барокко сыграло роль в зарождающихся монархиях, где оно использовалось правителями и аристократами для демонстрации своего престижа и богатства. Хотя искусство барокко использовалось в качестве инструмента для пропаганды Римской церковью Италии, оно также использовалось европейскими правителями в аналогичных пропагандистских целях. Людовик XIV был образцом абсолютной монархии Европы (каламбур, он фактически стал королем в возрасте 5 лет).

Хотя искусство во время правления Людовика XIV было главным образом прославлять его и государство Франции, он также был великим покровителем искусства, который щедро поддерживал его. Людовик XIV стал символом эксцессов эпохи барокко, олицетворяя Францию в искусстве как главу государства, обладающего абсолютной властью. Он был очарован собственным изображением, заказал себе 300 портретов. Хотя для монарха нет ничего необычного в том, что он заказывает большое количество портретов, требовать, чтобы ваше лицо было нарисовано 300 раз, — это немного нарциссизм! Когда вы политик и у вас много свободного времени, значительную его часть можно потратить на позирование для фотографий … или картин. Увековеченный, вероятно, неправильной цитатой: «l’état, c’est moi» (что означает «Я государство»), эгоцентричный Король-Солнце даже поручил «военным художникам» следовать за ним, чтобы записывать и рисовать его военные кампании.В те дни, когда еще не было фотографии, это был единственный способ графически запечатлеть важные события. Людовик XIV одобрял искусство во всех формах, живопись, скульптуру и архитектуру. Несмотря на свою эксцентричность, он превратил Францию в один из крупнейших европейских центров искусства и культуры, статус которого сохранялся до Второй мировой войны.

Философия и наука

Одним из основных протестантских идеалов было укрепление автономии христианских личностей от власти традиционной церкви, что означало, что Церковь не должна была быть единственным посредником между верующими и спасением.Эта концепция духовной независимости нашла отражение во всех сферах жизни, включая искусство. Расширение знаний и новые течения индивидуализма, рационализма и гуманизма, а также Реформация возвестили интеллектуальную Эру Просвещения, начавшуюся в середине 1600-х годов, затем охватившую 1700-е годы и позже. Их кредо — философия Рене Декарта: «je pense, donc je suis» («Я думаю, следовательно, я существую»). Для художников эта идеология индивидуализма означала свободу. Художники вышли за рамки чисто религиозных или политических образов.До того момента в западной истории искусство служило ясной цели или должно было нести послание, будь то обучение общественной морали, повышение духовности прихожан, запись важных событий, прославление правителей, украшение соборов или пышное украшение дворцов. Когда искусство стало независимым от многовекового церковного повеления, это открыло двери творчества для художников. Если бы я был художником в стиле барокко, я теперь мог бы создавать произведения искусства, лишенные каких-либо людей, я мог бы нарисовать корзину с фруктами или деревья (пейзаж), или вернуться к религиозным картинам, но изобразить библейские сцены так, как я их вижу, а не как я проинструктирован их рассматривать.Это безудержное творчество положило начало новой концепции, которая была известна позже в 19 веке, по словам Теофиля Готье, как «l’art pour l’art» (искусство ради искусства).

Также к середине 1600-х годов большинство ученых в Европе были коперниканцами (отсылка к астроному Николаю Копернику, чья шокирующая, но научно доказанная теория 1543 года утверждала, что Земля не является центром Вселенной). Не все были готовы отказаться от своей геоцентрической (земной) веры, особенно духовенство.С их точки зрения, это означало, что люди и их место (планета) во Вселенной не имеют первостепенного значения, как считалось сотни лет. В отличие от католической церкви, которая отвергла недавнюю научную теорию о Солнце, протестанты постепенно начали принимать гелиоцентрический (солнечно-центрированный) взгляд на Солнечную систему среди других теорий научной революции 1500-х и 1600-х годов. Воздействие этой потрясающей научной теории на искусство было еще одной причиной, по которой художники усомнились в важности человека в своих произведениях искусства.Признаки этого можно было увидеть в пейзажах без присутствия человека или натюрмортах с простым изображением простых предметов.

Концепция барокко в JSTOR

Абстрактный
Apoyándose en la escuela alemana de Historia de los Conceptos, este artículo description algunas etapas de la Historia del Termino Barroco. A la vez, articula algunos desafíos del trabajo sobre el concept: su estatus como noción históricamente exógena, su circación interdisciplinaria, sus apropiaciones nacionales y regionales, las estrategias cognitivas a las cuales esturales usos ideológicos-políticos a los cuales este programa puede dar lugar y, finalmente, sus inestabilidades axiológicas combinadas con sus intermitencias históricas. Рассматривайте todo lo anterior, se trata de un Concepto en el que tanto la configuración como la trayectoria históricas Poseen una gran complejidad. Más que desear reducir esta complejidad, reconoceremos en ella el signo de una notable eficiencia del barroco en la Historiaultural que llega hasta nuestros días.
Информация о журнале
Revista Canadiense de Estudios Hispánicos [RCEH] было основано в 1976 году и является официальным изданием Канадской ассоциации латиноамериканцев.Задача журнала с момента его создания заключалась в том, чтобы стать международным форумом в Канаде для обмена знаниями и интеллектуальными исследованиями в области латиноамериканских исследований по широкому спектру методов и подходов. Публикуя передовые, высококачественные, наводящие на размышления работы выдающихся канадских и зарубежных ученых, журнал служит связующим звеном между канадскими исследователями латиноамериканских исследований и международным сообществом. Мы стремимся и дальше оставаться форумом передового опыта для исследователей в области латиноамериканских исследований — культуры, литературы и кино ‚и мы отмечаем, что RCEH в настоящее время считается одним из ведущих журналов в нашей дисциплине.
Информация об издателе
RCEH — официальное издание Канадской ассоциации латиноамериканцев. Он распространяется по всему миру и принимает исследовательские работы по языку, литературе, кино и истории культуры латиноамериканского мира, написанные на любом из испанских языков, на французском или английском языках. В журнале также есть обзорный раздел. Издает три ежегодных выпуска, один из которых — монография. С момента своего создания цель RCEH состояла в том, чтобы создать форум для международного диалога по латиноамериканским исследованиям.Статьи должны быть строгими и оригинальными и вносить значительный вклад в область их исследований. La RCEH es la publicación oficial de la Asociación Canadiense de Hispanistas. Tiene una diffusión mundial y acepta trabajos devestigación sobre lengua, literatura, cine, e Historiaultural del mundo hispánico, redactados en cualquiera de las lenguas hispánicas, en francés o en inglés. La revista consta, asimismo, de una sección de Reseñas. Publica tres números anuales, uno de los cuales es un monográfico.Desde sus comienzos el objetivo de la RCEH ha sido constituir un foro de diálogo internacional sobre los Estudios Hispánicos. Los artículos deben ser rigurosos y originales y constituir una aportación importanta su área devestigación.
9.3: Итальянское барокко (1580-е — начало 1700-х)
Италия стала пионером периода барокко, когда художники соединили великий стиль живописи эпохи Возрождения с эмоциональной драмой периода маньеризма. Италия была центром искусства на протяжении более двух веков, и период барокко не был исключением, поскольку он распространился по всей Европе.Караваджо, Джентилески и Бернини создали стили периода барокко с дополнительным акцентом на эмоциональное искусство.
Одним из наиболее убедительных авторов искусства барокко был Микеланджело Меризи да Караваджо (1571–1610), который родился в Милане, Италия. Используя революционный процесс, Караваджо создал освещенное освещение, резкий контраст между светлыми и темными областями, чтобы создать драматические религиозные сцены, в которых человеческая форма возникла из глубокой тени.Тенебризм с его сильными различиями света и тьмы стал процессом живописи, используемым для барокко в Италии.
Презирая традиционную идеализированную интерпретацию религиозных сюжетов, Караваджо взял свои модели с улиц и нарисовал их реалистично. В Распятие Святого Петра (9.7) Караваджо показывает восхождение креста Святого Петра прямо перед зрителем. Караваджо был мастером секуляризации религиозного искусства, изображая обычных людей, грязь и все такое.Кажется, будто он намеренно рисовал, чтобы шокировать и оскорбить зрителя, делая картину еще более увлекательной.
9,7 Распятие святого Петра 9,8 Призвание святого Матфея
Призвание святого Матфея (9. 8) иллюстрирует момент, когда Христос взывает к Матфею, когда они смотрят друг на друга через комнату, их позиции обозначены стрелой светлый. Свет появляется за пределами кадра, контрастируя мужчин за столом светлыми и темными тенями.Резкое использование света освещает те участки картины, которые Караваджо считал важными, например, руку Христа, указывающую на Мэтью, а затем отбрасывает несущественные элементы в глубокие тени. Драматический эффект смелый, сильный и запечатлел момент, когда Христос якобы сказал: «Следуй за мной».
Первая художница-феминистка, Артемизия Джентилески (1593–1653), следовала Караваджо в стиле и театральном освещении. Джентилески была первой женщиной-художником, которая стала известной в свое время, изображая картины на феминистские темы.Используя методы светотени эпохи Возрождения и объединив их с использованием света Караваджо, Джентилески создал Юдифь и ее служанку (9.9). На большинстве своих картин она изображала женщин как главных героев, которые смелы, сильны и непокорны и лишены общих женских черт слабости и робости. На этой яркой картине две женщины только что убили Олоферна, и его голова находится в корзине, которую она несет. Торжественно стоя после обезглавливания, они знают опасность, но не выказывают страха. Эстер перед Ахашверошем (9.10) следует той же теме, Эстер, и еврейская героиня появляется перед королем, чтобы умолять своего народа, теряя сознание от стресса своих действий.
9.9 Юдифь и ее служанка 9.10 Есфирь перед Артаксерксом
Джан Лоренцо Бернини (1598–1680), один из величайших скульпторов 17 века и, возможно, один из самых впечатляющих архитекторов Рима, спроектировал скульптуры для различных частей церквей Рима, включая собор Святого Петра.Бернини создал романтический стиль скульптуры в период барокко, впервые выразив эмоции и движение. Он вырезал свои статуи в форме историй, хождение вокруг скульптурных фигур раскрыло сказку, историю, рассказанную в камне. На Бернини сильно повлияли мраморные скульптуры греческой и римской античности, которые он изучал, но он сделал еще один шаг вперед. Балдахино (балдахин на четырех столбах) (9.11) над главным алтарем в Санкт-Петербурге построен из четырех огромных витых и рифленых мраморных столбов, парящих над алтарем, украшенных херувимами и витыми оливковыми и лавровыми ветвями.Капители на вершине каждой колонны украшены резными ангелами, держащими гирлянды, вся конструкция соединена наверху крестом и золотым глобусом.
9.11 Baldacchino Бернини
Одно из самых значительных достижений и выдающихся работ Бернини находится в часовне Корнаро, Санта-Мария-делла-Виттория, Рим. Ecstasy of Saint Teresa (9.12) — это кульминация способности Бернини использовать архитектуру, скульптуру и дизайн театральных декораций для создания запрестольного образа, подобного сценическому представлению, построенного из камня.
9.12 Экстаз Святой Терезы
На сцене лежала Святая Тереза, плывущая на каменном облаке (9.13). Вырезанная из сверкающего белого мрамора, она находится в тот самый момент, когда она не поражена дротиком божественной любви ангела (9. 14). Длинные позолоченные потоки золота за спиной святого освещены скрытым окном, создавая иллюзию света с небес.
9.13 Ангел и святая Тереза 9.14 Santa Teresa 9.15 Боковые боксы
Бернини создал театральный опыт для всех членов церкви, создав ложи для оперы с каждой стороны святого (9.15). Многие члены семьи Корнаро могут быть найдены в ящиках, вырезанных в разных позах, вовлеченных в глубокую беседу, молитву или чтение книги. Сложная аранжировка рассказывает историю, возрождая страсти Христа и приглашая зрителя на сцену.
В какой европейской стране зародилось искусство барокко? — Цвета-NewYork.com
В какой европейской стране зародилось искусство барокко?
Барокко — это период художественного стиля, который начался около 1600 года в Риме, Италия, и распространился по большей части Европы в 17-18 веках.
Кто был первым итальянским художником эпохи барокко?
Микеланджело Меризи да Караваджо
Как художники эпохи барокко повлияли на культурные изменения?
эпохи Контрреформации. В целом «живопись в стиле барокко» была отражением глубоких политических и культурных изменений, происходивших тогда в Европе. Именно с помощью этих двух элементов художники эпохи барокко стремились вызвать эмоциональные состояния у зрителя, обращаясь к чувствам, часто драматическим образом.
Что было главной особенностью искусства барокко?
Некоторые из качеств, наиболее часто ассоциируемых с барокко, — это величие, чувственное богатство, драматизм, динамизм, движение, напряжение, эмоциональная яркость и тенденция к стиранию различий между различными искусствами.
Как зародилось искусство барокко?
Барокко возникло как реакция католической церкви на многочисленные критические замечания, возникшие во время протестантской Реформации в 16 веке. Католическая церковь в Ватикане увидела в искусстве возможность воссоединиться с людьми. Большая часть XVI века была отмечена религиозными конфликтами.
Как бы вы описали кому-нибудь искусство барокко
<< читать меньше?
Искусство барокко лучше всего описать словом драма. Стиль барокко характеризуется преувеличенным движением и четкими деталями, используемыми для создания драматизма, изобилия и величия в скульптуре, живописи, архитектуре, литературе, танце и музыке.
Чем искусство барокко отличается от ренессанса?
Искусство эпохи Возрождения сочетало в себе влияние природы, классической учености и индивидуальности человека. Ключевое различие между этими двумя формами заключается в том, что в то время как искусство барокко характеризуется декоративными деталями, искусство эпохи Возрождения характеризуется слиянием христианства и науки с целью создания реализма через искусство.
Когда был период барокко?
Произведенный от португальского barroco, или «жемчужина необычной формы», термин «барокко» широко использовался с девятнадцатого века для описания периода в музыкальном искусстве Западной Европы с 1600 по 1750 год.
Какие религии преобладали в период барокко?
Барокко
В искусстве барокко — это одновременно и период, и стиль, который в нем доминировал.
Популярность и успех «барокко» были поддержаны Римско-католической церковью, которая решила во время Тридентского Собора, что искусство должно напрямую и эмоционально передавать религиозные темы.
Какое событие в религии повлияло на искусство барокко?
Когда Мартин Лютер прикрепил свои 95 тезисов к дверям Виттенбургского собора в 1517 году, протестуя против коррупции католической церкви, он инициировал движение, которое изменило религиозный, политический и художественный ландшафт Европы.
Кто является основоположником эстетики реалистического барокко?
Караваджо
Кто такой знаменитый художник эпохи барокко?
Рубенс, Караваджо, Веласкес, Рембрандт и Пуссен — это имена 5 величайших художников эпохи барокко XVI и XVII веков, периода, когда богатство красок и широкий спектр индивидуалистических стилей стали характеризовать искусство.
Кто был самым известным и востребованным фламандским художником периода барокко?
Питер Пауль Рубенс известен своими изобретательными и динамичными картинами на религиозные и мифологические сюжеты, хотя он также писал портреты и пейзажи. Он считается одним из величайших художников эпохи барокко 17 века.
Почему искусство было так важно в эпоху Возрождения?
Искусство, живопись, скульптура, архитектура, музыка и литература эпохи Возрождения, созданные в Европе в XIV, XV и XVI веках под объединенным влиянием возросшего познания природы, возрождения классической науки и более индивидуалистического взгляда на человека. .
Какой самый популярный предмет в стиле барокко?
Хотя тематика и даже стиль могут варьироваться между картинами в стиле барокко, у большинства произведений этого периода есть одна общая черта: драма. В работах таких известных художников, как Караваджо и Рембрандт, интерес к драме проявляется в интенсивных контрастах между сияющим светом и надвигающимися тенями.
В чем смысл искусства барокко?
Барокко (Великобритания: / bəˈrɒk /, США: / bəˈroʊk /; французский: [baʁɔk]) — стиль архитектуры, музыки, танца, живописи, скульптуры и других видов искусства, процветавший в Европе с начала 17 века до 1740-х годов. .В декоративно-прикладном искусстве используется обильный и замысловатый орнамент.
Когда зародилось искусство барокко?
1600
В чем разница между рококо и барокко?
Рококо возникло из барокко. Оба стиля отличаются сложным орнаментом и декором, и оба использовались в больших зданиях с социальным или культурным статусом. Архитектура барокко серьезна, драматична и тяжела. С другой стороны, рококо легкое, воздушное и декоративное.
Откуда появился термин «барокко»? — MVOrganizing
Откуда появился термин «барокко»?
Термин «барокко», вероятно, произошел от итальянского слова «барокко», которое философы использовали в средние века для описания препятствия в схематической логике.
Что означает «барроко», португальское слово, образованное от «барокко»?
Произведенный от португальского barroco, или «жемчужина необычной формы», термин «барокко» широко использовался с девятнадцатого века для описания периода в музыкальном искусстве Западной Европы с 1600 по 1750 год.
Что означает португальское слово Barocco?
барокко Добавить в список Поделиться. Хотя это слово происходит от португальского слова barroco, означающего «несовершенная жемчужина», не все в стиле барокко несовершенно.Караваджо и Рубенс считаются художниками эпохи барокко, а композиторы эпохи барокко включают Вивальди, Баха и Генделя.
Что означает Барако?
Барако на языках Филиппин означает «жеребец» и ассоциируется с образом мужественности. Барако обладает сильным вкусом и ароматом, напоминающим анис. Деревья барако — одни из самых крупных выращиваемых в коммерческих целях кофейных деревьев, что затрудняет их выращивание.
Что повлияло на период барокко?
Наиболее важными факторами эпохи барокко были Реформация и Контрреформация; развитие стиля барокко считалось тесно связанным с католической церковью.
Какого цвета должен быть мой подмалевок?
Тщательно подбирайте цвет подкраски в соответствии с вашими целями: светлые землистые тона или другие приглушенные тона обеспечат естественную основу и будут отражать много света; более темные цвета повлияют на тон ваших других, многослойных цветов и могут просвечивать через вашу картину.
No related posts.