За сколько можно научиться рисовать: Сколько времени в день нужно учиться рисовать, чтобы достигнуть оптимального прогресса в рисовании?

Может ли научиться рисовать взрослый?

У меня часто спрашивают, cможет ли взрослый человек научиться рисовать? Сможет. Есть немало примеров, подтверждающих моё мнение. Например, такие художники, как В. И. Суриков, М. А. Врубель, начали обучаться академическому рисунку и живописи уже взрослыми людьми. И это не помешало им стать крупнейшими мастерами в русском искусстве, скорее, в чём-то помогло. Дело в том, что они начали рисовать поздно не по своей воле, а по воле внешних обстоятельств. Но, как только появилась возможность, они начали заниматься всерьёз, осознанно. Сталкивались ли они с трудностями? Да. И с бóльшими, чем те, кто начинал учиться раньше. Но преодоление этих трудностей воспитало в художниках волю, трудолюбие, поэтому они и стали крупными мастерами. Что нужно взрослому, чтобы научиться рисовать? Во-первых, необходимо научиться правильно относится к результату своей работы. Взрослый, в отличие от ребёнка, критически оценивает результат работы, сразу видит недостатки. Поначалу, когда навыка ещё нет, уровень исполнения задания не устраивает ученика. Эта проблема решается следующим образом. Обучение необходимо начинать с простейших заданий. Главное, что необходимо начинающему рисовать — сформировать основные навыки. Эти навыки можно сформировать только выполняя простые задания, когда акцент ставится не на выполнении собственно задания, а на освоении техники рисунка и живописи. Поэтому даются только те задания, которые по силам для начинающего художника. Распространённое заблуждение начинающих — что престижнее взяться за сложное задание — впоследствии приводит к разочарованию результатом. Поэтапное обучение предполагает переход к новым, более сложным заданиям только тогда, когда ученик готов к их выполнению. В старой школе это правило соблюдалось очень жёстко. Ученика переводили в следующий класс после сдачи экзамена, независимо от возраста. Во-вторых, следует определиться с тем, зачем учиться рисовать? Для себя, для успеха в смежной профессии, стать художником или что-то иное? Сколько времени вы готовы уделить? Если время, которое человек может уделить рисованию, сильно ограниченно, то лучше сузить круг задач. Например, осваивать только рисунок карандашом или акварель. Вряд ли работающий человек сможет рисовать или писать картину по 3-4 часа в день. Но один час в день даже очень занятой человек найти сможет. И этого достаточно, чтобы добиться успеха. В-третьих, многим кажется, что рисовать — легко. Может, действительно есть те, кому легко даётся обучение. Но я считаю, что творчество — это, в первую очередь, труд. Только прикладывая усилия, можно получить результат. А радость от полученного результата тем выше, чем больше вложено труда. Попутно замечу, что есть немало студий, завлекающих учеников к себе тем, что у них можно легко научиться изобразительному искусству всего за несколько занятий. Такая реклама, на мой взгляд, сродни рекламе компаний сетевого маркетинга,  МЛМ и проч.

Как научиться рисовать акварелью и сколько это стоит

Анастасия Мисюк

рисует акварелью

Я начала рисовать акварелью в 2016 году.

На каком-то сайте увидела картину с цветами и статью, в которой девушка рассказывала об акварельной технике. Дома у меня уже были нужные акварельные краски: в 2011 году я купила их в подарок маме. Все сошлось, я обрадовалась и пошла рисовать копию той картинки с цветами. Получилась кошмарная мазня, но процесс меня очень захватил.

Я задумалась о том, как освоить акварельную технику с нуля и что для этого нужно. В этой статье я собрала базовую информацию, которая оказалась для меня очень полезной: где учиться, какие материалы покупать и во сколько обойдется новое увлечение.

Если боитесь, что ничего не получится, то у меня для вас два рисунка.

Это то, с чего я начинала. Если не поняли — это рельсы. Я здесь очень постаралась! А так я рисовала уже через год занятий. Неидеально, но это один из моих любимых рисунков

Что вы узнаете

Что такое акварель

Профессиональные акварельные краски состоят из двух основных элементов — гуммиарабика и пигмента — и добавок, которые улучшают свойства материала. Гуммиарабик — это твердая прозрачная смола из сока разных видов акации. Она служит связующим звеном для пигмента, легко размывается водой и застывает на воздухе. Пигмент — это красящее вещество. Вместе они образуют цветную клейкую пасту — это и есть акварельная краска.

Акварельные краски отличаются от любых других тем, что они прозрачные. Для сравнения: слой гуаши, темперы или масляных красок полностью закрывает лист — это корпусные, укрывистые краски. В отличие от акварельного слоя, укрывистый не пропускает через себя свет, а просто дает цвет бумаге. Поэтому бумага или холст почти не работает с такими красками. В акварели же появляется эффект свечения: белая бумага отражает лучи света, которые падают на нее сквозь красочный слой.

В акварельной живописи почти не используют белую краску: ее роль играет бумага — светлые места просто не закрашивают. Поэтому, начиная картину, лучше сразу определить, какие участки должны быть светлыми, и не закрашивать их.

Еще одна особенность акварельных красок — их разводят большим количеством воды. Чем больше краски в воде, тем насыщеннее акварельный слой, и наоборот. Кроме того, вода позволяет создавать красивые эффекты и заливки.

Здесь я пыталась добиться свечения на воде, поэтому почти не закрасила ее область А здесь я упражнялась с заливками

В Европе до 18 века акварель применяли для второстепенных задач, например для эскизов и набросков, и как подготовительную краску для более серьезных живописных техник, например перед работой с маслом. Сейчас акварельная живопись — это отдельный вид искусства.

При этом акварелью легко рисовать дома — для этого не нужна отдельная мастерская. Понадобятся одна или две емкости с водой, хорошая бумага, краски, кисти и немного вспомогательных материалов.

Как все это выбрать, я расскажу дальше в статье.

НОВЫЙ КУРС

Как сделать ремонт и не сойти с ума

Разбираемся, как начать и закончить ремонт без переплат: от проекта до приемки

Покажите!

Где учиться рисовать акварелью

С точки зрения техники рисовать акварелью непросто. Когда я впервые взяла в руки акварельные краски, я использовала их как гуашь — плотно набирала краску на кисть и просто закрашивала лист толстыми мазками, как красят стены. Думаю, так начинают многие.

Акварель работает по-другому: ее берут только с большим количеством воды и наносят тонким прозрачным слоем. Сообразить самому, как делать правильно, сложно. Поэтому есть большой риск разочароваться в технике, когда ничего не получится.

Чтобы не бросить все после неудачной попытки, стоит посмотреть, как опытные художники пишут акварелью, изучить их приемы. И у начинающих с нуля сейчас есть много возможностей это сделать.

Когда я только начинала учиться, очень любила рисовать цветы, особенно розы

Где учиться

Офлайн-школы

В офлайн-школах могут учиться рисовать и дети, и взрослые. Преимущество таких школ в том, что студентам не нужно беспокоиться об оборудовании и материалах: им дают мольберты, планшеты, бумагу и краски. Кроме того, преподаватели общаются с учениками напрямую, разбирают их ошибки, помогают поставить руку и технику. Даже на коротких курсах такая обратная связь очень ценна.

Одно занятие длится примерно 2 часа. Сколько всего уроков на курсе и по какому расписанию они проходят, лучше уточнять у менеджеров школы. Офлайн-программы стоят 8000—10 000 Р.

Школа «А-ля прима» в Москве предлагает поэтапные офлайн-курсы для начинающих: 5 занятий по 2,5 часа стоят 5000 Р. Все материалы предоставляют. Также у этой школы есть программа для продолжающих взрослых, то есть для тех, кто уже знаком с акварельной техникой, — 5 занятий по 2,5 часа за 5000 Р.

Занятия проходят раз в неделю и длятся 3 часа. Всего за учебный год школа проводит 35 уроков. В прошлом учебном году — 2020—2021 — занятия в группах для взрослых стоили 8200 Р в месяц, или 73 800 Р в год.

Еще при школе есть музей — советую по возможности его посетить. Билет стоит 350 Р.

Я никогда не училась в офлайн-школах. Когда начинала, мне было неловко приходить к людям и показывать, что я ничего не умею. Но это неправильно: именно в офлайн-школе можно взять максимум от учебы и получить обратную связь от преподавателя, узнать о своих ошибках и слабых сторонах. В тот момент у меня остро стоял вопрос денег, поэтому я искала бесплатные источники. А сейчас, когда я уже умею рисовать акварелью, я скорее выберу мастер-класс художника, чья техника мне нравится.

Где учиться

Мастер-классы

Мастер-классы — это короткие разовые уроки рисования. Один МК может длиться до шести часов. Как правило, на нем мастер пишет картину с нуля и комментирует каждое свое действие, а участники все за ним повторяют. Я ни разу не участвовала в МК, но хотела бы попробовать.

Чтобы участвовать в мастер-классах, желательно хотя бы немного уметь пользоваться кистями и красками. Преподаватели могут объяснить базовые моменты, если потребуется, но выдержать несколько часов за сложной работой, совсем не умея рисовать, сложно. Особенно если вы рисуете с натуры на открытом воздухе, то есть на пленэре.

В Москве мастер-классы и пленэры часто проводит художница Анастасия Кустова. Она пишет городские пейзажи, горы, людей и работает на больших форматах. У нее узнаваемая техника живописи — контрастные картины, написанные резкими мазками. И интересная цветовая палитра — приглушенные цвета и много коричневых оттенков.

Записаться на МК к Анастасии можно на ее инстаграм-странице. Там же размещают анонсы всех мероприятий. Стоимость одного МК — до 5000 Р.

Где учиться

Онлайн-школы

Онлайн-школы продают видеоуроки, которые можно смотреть в любом месте. В таких школах часто бывает бесплатный доступ к некоторым обучающим материалам, чтобы студент познакомился с курсом, но основной контент платный.

Я училась в «Энтерклассе», «Лекторуме» и школе Вероники Калачевой.

Я проходила этот курс в прямом эфире за 990 Р. А сейчас его можно купить за 3900 Р в записи.

На курсе нужно нарисовать четыре сюжета:

1. Морской пейзаж с кораблем.
2. Пейзаж с речкой в Суздале.
3. Городской пейзаж с Невой в Санкт-Петербурге.
4. Луг с ромашками.

Мне понравились технические приемы, о которых рассказывал Сергей. Некоторые из них я стараюсь применять и в своих рисунках. Например, использую маскировочную жидкость — этим специальным составом покрывают участки рисунка, которые должны остаться светлыми. Жидкость хорошо защищает бумагу под собой от краски, когда высыхает. Поэтому можно рисовать прямо поверх покрытия и не бояться, что краска затечет туда, куда не надо. В конце состав можно легко снять с бумаги ластиком.

Также Сергей научил меня делать фактурные светлые участки острыми предметами — канцелярским ножом или лезвием. Им просто трут красочный слой и соскабливают краску в нужных местах.

Каждую практику я покупала за 990 Р. Эти курсы записывали в прямом эфире, и до начала эфира их можно было купить по сниженной цене. Сейчас в записи они стоят дороже: первая практика — 2990 Р, вторая — 1990 Р.

У практик одинаковая структура. Сначала студенты изучают теорию, разбирают свет и тень в конкретном сюжете и делают его карандашный набросок. Дальше перерыв 30 минут. Затем практика и работа с цветом: преподаватель пишет картину в цвете с нуля и показывает студентам, как правильно применить теорию, комментирует все свои действия. На этом этапе ученики должны работать одновременно с преподавателем.

По ходу практики можно задавать вопросы в чате. Также не запрещают рисовать свой сюжет, но на ту же тему.

Студентам дают 1—2 дня, чтобы закончить работу. Дальше ее надо загрузить в личный кабинет, чтобы преподаватель дал обратную связь и разобрал ошибки.

Преимущества таких практик в том, что интенсивная работа в течение пяти часов прокачивает выносливость и терпение. Плюс на «Лекторуме» можно найти интенсивы на интересные и редкие темы. Например, я нигде больше не встречала такого подробного разбора по построению теней, какой был на практике «Строим тени правильно».

Те самые яблоки в полиэтиленовом пакете, которые я нарисовала на практике-интенсиве «Лекторума» А это мой натюрморт с интенсива «Строим тени правильно»

Плюс таких занятий в том, что их ведут преподаватели с большим опытом рисования и обучения. И даже на бесплатных курсах рассматривают важные и полезные темы, а информацию структурируют от простой к сложной.

Еще в школе есть курс для начинающих — «Акварель 2.0». В нем собрали все темы, которые нужны новичку: это знакомство с техникой и материалами, простейшие упражнения, работа кистью, приемы и многое другое, вплоть до рисования серьезных сюжетов. Обучение длится 6 недель. Цена с доступом на 3 месяца и без обратной связи — 7990 Р, с обратной связью и доступом около года — 13 990 Р.

Обучение во всех этих школах проводят известные в российском акварельном сообществе художники и художницы. Перед покупкой курса рекомендую посмотреть работы каждого мастера и выбрать стиль, который больше понравится, а потом идти к нему учиться.

Где учиться

Ютуб-каналы

Ютуб-каналы — это возможность учиться бесплатно. Я рекомендую начинать с видео на канале Екатерины Голанд — это художница, которая занимается разными видами творчества: акварелью, витражной росписью, росписью шелка, линогравюрой.

Когда я не знала, с чего начать, наткнулась на небольшой бесплатный курс Екатерины «Месяц акварели» — в нем было пять видеоуроков и статьи об акварельной живописи. Информацию подавали от основ к более сложным темам. К сожалению, сейчас этого курса уже нет. Но на ютуб-канале осталось несколько простых упражнений, которые тогда очень помогли мне понять суть акварельной техники.

Вот какие уроки Екатерины Голанд стоит посмотреть:

1. Вливание цвета — о том, как разные краски растекаются в воде.
2. Тоновая растяжка в один цвет — как получить самый темный и самый светлый оттенок одного и того же цвета.
3. Цветовая растяжка в два цвета — как получить плавный переход из одного цвета в другой.
4. Смешивание цветов и цветовая таблица — это основы механического смешивания, то есть урок о том, как получать новый цвет, смешивая краски на палитре. И немного базовой теории цвета. Рекомендую посмотреть урок и сделать таблицу: разместите все свои цвета в одинаковом порядке в столбик и в строку — вы увидите, как они смешиваются друг с другом.
5. Лессировочная решетка — урок о лессировке. Это техника, в которой вы накладываете несколько слоев акварели, чтобы получить нужный цвет. Акварель — прозрачная краска, и если вы закрашиваете лист, например, красным, а сверху накладываете зеленый, то цвета оптически смешиваются и дают новый серо-коричневый цвет. Каждый следующий слой делают только после того, как предыдущий полностью высохнет. В процессе работы художник может накладывать до 30 лессировок, чтобы набрать нужный цвет и тон. А в ботанической иллюстрации делают до 50. Даже не представляю, сколько терпения у этих людей.

Ко всем урокам есть базовые упражнения. Рекомендую обязательно их выполнять, чтобы узнать и прочувствовать, как краски взаимодействуют с водой и бумагой.

Так выглядит результат упражнения по вливанию цвета

Еще один сильный ютуб-канал и блог у Анастасии Кустовой — я о ней уже рассказывала. На канале есть сложные полноценные видеоуроки с подробным объяснением, как все работает в акварели, и наглядной демонстрацией. Для новичка выглядит страшно, но художница поясняет каждое свое решение в работе, поэтому уроки подходят всем.

Начать можно с видео про цвет и тон и дальше смотреть темы по порядку — они расположены от простого к сложному. И обязательно выполняйте задания.

Татьяна объясняет основы теории цвета, рассказывает о работе с цветовым кругом, законах смешивания цвета и о теплых и холодных цветах. Все на примере рисунков.

Деление красок на теплые и холодные цвета — это деление по восприятию. Если выкрасить ультрамарин слева и голубую или холодную синюю Pb15 справа, вы увидите разницу

Где учиться

Инстаграм-блоги

В «Инстаграме» много блогов акварелистов. Это удобная площадка для художников: результат их работы — картинка, и ее надо показывать, как и процесс ее написания. Вот интересные страницы, на которые я рекомендую подписаться:

1. @aquarelle_cafe — аккаунт об акварели. Админы публикуют работы акварелистов, рассказывают о лайфхаках в акварельной живописи, проводят прямые эфиры.
2. @nina_petrovskaya — блог художницы, которая рисует все — от ботаники до пейзажей, — проводит марафоны и прямые эфиры. Она организовала свою школу акварельной живописи. У нее я проходила свой первый марафон — расскажу об этом дальше.
3. @marina.chugunova — художница специализируется на морских и городских пейзажах. В блоге есть короткие видео прорисовки мелких деталей и видео процесса работы над всей картиной, также бывают марафоны.
4. @maria.mishkareva — красивый и яркий блог, художница пишет натюрморты с цветами и посудой. Сюда приятно заглянуть и вдохновиться.
5. @dubovoy_artist — художник пишет в основном городские пейзажи. Уровень детализации просто зашкаливает — мне очень нравится этот профиль.
6. @solodov.nikolay — здесь публикуют сельские и лесные пейзажи, в том числе зимние. Люблю смотреть на то, как в работах показаны тени, которые падают от предметов в солнечный день.
7. @ilyaibryaev — художник пишет пейзажи, которые как будто находятся в тумане, эти рисунки завораживают.

Инстаграм-уроки удобно смотреть в разделе IGTV.

Где учиться

Марафоны

В «Инстаграме» часто проходят марафоны, на которых можно учиться и получать поддержку от единомышленников самого разного возраста и уровня подготовки. Художники организуют их, чтобы привлечь больше подписчиков, — чем лучше они объяснят и покажут процесс рисования, тем лучше для них. Поэтому участников бывает очень много — 200, 300, 500 человек.

Когда я в 2018 году начинала участвовать в марафонах, они были похожи на мини-курсы: материалы подавали красиво, понятно, на видео в хорошем качестве. Интересно было участвовать в онлайн-трансляции: садишься за компьютер, и еще 300 человек одновременно с тобой стараются и рисуют такую же картинку.

Эту картину я нарисовала на своем первом марафоне с Ниной Петровской в 2018 году

Сейчас в марафонах бывают длинные и короткие уроки — по 5 минут. А бывает просто создание рисунка на заданную тему, где рисуешь любой свой сюжет. Чаще всего такие уроки проводят в прямых эфирах. Новичкам рекомендую выбирать марафоны с длинными уроками: там дадут больше полезной информации.

Хорошие марафоны редко бывают бесплатными. Платные обычно стоят 500—700 Р.

Мой первый марафон — «Акварельная зима» от Нины Петровской — был бесплатным и очень добротным. У него была история: организаторы взяли рассказ писательницы на тему зимних романтических приключений, и студентам нужно было выполнить рисунок по предложенному референсу к каждой главе, всего их было пять или шесть.

Референс — картинка или фото, с которого художник пишет работу

Еще я проходила марафон «Летнее путешествие» от Нади Лойтлофф, он стоил 590 Р. И марафон про Венецию за 400 Р, но я не помню, кто его организовал. В общей сложности я потратила на участие в марафонах 1980 Р.

Я не участвую в марафонах с 2019 года: ничего нового там уже не узнаю, поэтому неинтересно. Но для новичка это отличный формат, в том числе и потому, что можно познакомиться с людьми, с которыми у вас общий интерес к живописи.

Вот несколько особенностей марафонов, которые нужно понять и принять:

• относитесь к марафонам так, словно просто много людей собрались вместе порисовать. Это не то соревнование, которому надо отдать все силы;
• хороший марафон — это хорошие видеоуроки. Вы приходите, чтобы посмотреть, как правильно работать кистями и красками. Это и есть ваша цель;
• не ждите призов. У организаторов субъективная оценка при выборе победителя, они имеют на это право. Вы пришли учиться и общаться — учитесь и общайтесь.

Я считаю, что хорошее знание теории бесполезно без практики, поэтому рекомендую выделять минимум по 15 минут в день на простые зарисовки. Если у вас нет идей, рисуйте все, что видите перед собой: кружку, собаку, облако или любой другой предмет.

Как выбрать краски

Детские акварельные краски не подойдут: их часто делают из дешевого сырья, поэтому они дают неожиданные цвета. По свойствам детская акварель тоже сильно уступает профессиональной: быстро выцветает, недолговечная, малопигментированная. Поэтому сразу выбирайте краски из профессиональной линейки — привыкайте к тому, как они себя ведут.

Например, мне нравятся краски российского производства от завода «Невская палитра». Также хорошие и яркие краски по доступной цене у Pinax, их стоимость — 145—250 Р за тюбик.

Акварельные краски бывают сухими и пастообразными. Первые продают в кюветах, вторые — в тюбиках. Состав у них одинаковый. Но краски в кюветах нужно размачивать, поэтому их сложнее набрать для большой заливки. Зато их комфортно носить с собой на пленэры. Краску в тюбиках надо только выдавить на палитру и добавить воды — это удобно. С тюбиками хорошо работать дома.

Дешевле покупать краски в кюветах. Например, кювета «Невской палитры» стоит 96 Р, а тюбик — около 172 Р, то есть в два раза дороже.

Акварельный тюбик — слева, кювета — справа Краски из тюбика просто выдавливают на палитру и разводят водой

На упаковке акварели всегда указывают состав пигментов — их может быть до пяти в одной краске. Также бывает однопигментная акварель — такая больше подойдет новичкам, потому что с ней удобнее учиться смешивать краски.

Для начала хватит шести красок: красной, синей и желтой в теплых и холодных оттенках. Все остальные цвета можно смешать из этих шести. Названия красок у каждого производителя свои, поэтому не ориентируйтесь на них, а смотрите на пигментный состав.

Вот пример: маркировка пигмента в краске «Сиена жженая» — P.Br.7

Профессиональные бюджетные краски хорошего качества — «Невская палитра», Pinax — стоят 80—100 Р за кювету и 150—200 Р за тюбик 15 мл. Но есть варианты и дороже.

Например, французские краски Sennelier стоят от 544 Р за тюбик 10 мл, а Daniel Smith — 1068—2000 Р за тюбик 15 мл. Дешевле 1000 Р я их в продаже не видела, но это скорее заслуга маркетинга. Они действительно качественные, и есть даже линейки с эффектами — с блестками или краски, которые дают красивый осадок при работе. Но и бюджетные умеют так же. Поэтому я не вижу смысла столько переплачивать за бренд, хотя и купила пару тюбиков для разнообразия.

Это все мои акварельные краски

Если сложно на старте разобраться с пигментами, возьмите набор акварельных красок. Я рекомендую «Сонет» из 24 цветов в кюветах за 686 Р или «Ленинград-2» из 16 кювет за 1292 Р от «Невской палитры». Моим первым набором был именно «Ленинград-2».

Но не стоит совсем игнорировать пигменты: знание состава красок помогает подобрать нужный цвет в картине, создать эффекты, например грануляцию. А еще это помогает сэкономить: большую часть красок в наборе обычно не используют, а вот ходовые цвета — красный, синий, желтый — быстро заканчиваются, их приходится докупать поштучно.

Грануляция — это когда от большого количества воды краска выпадает в осадок. В результате получается неоднородный красочный слой. Красками с таким эффектом удобно рисовать шероховатые поверхности — фактуры, землю

Набор акварели для новичков — 576 Р, по 96 Р каждый

Оттенок	Цвет	Название	Пигмент
Теплые оттенки	Желтый	Кадмий желтый средний	Py35
	Синий	Ультрамарин	Pb29
	Красный	Кадмий красный светлый или алая	Pr108 или Pr188
Холодные оттенки	Желтый	Лимонная	Py3
	Синий	Голубая или синяя	Pb15
	Красный	Розовый хинакридон, карминовая. Идеально — розовая в один пигмент	Pv19, Pr19 или Pr122

Теплые оттенки

Название

Кадмий желтый средний

Название

Ультрамарин

Название

Кадмий красный светлый или алая

Пигмент

Pr108 или Pr188

Холодные оттенки

Название

Лимонная

Название

Голубая или синяя

Название

Розовый хинакридон, карминовая. Идеально — розовая в один пигмент

Пигмент

Pv19, Pr19 или Pr122

На какой бумаге рисовать

Бумага — самое важное в рисовании акварелью, потому что от ее качества всегда напрямую зависит результат. На хорошей бумаге раскрываются все возможности акварели. Она стойкая, меньше повреждается при трении ластиком или кистью, на ней получаются красивые заливки. Еще она устойчива к старению — не выцветает и не портится, а значит, картины будут долго вас радовать.

Дешевая бумага может размокать, при трении на ней появляются катышки, с нее некрасиво стекает вода, лист быстро сохнет, сильно коробится от воды и собирает на поверхности лужи, которые совсем не нужны во время работы.

Акварельная бумага бывает:

1. Хлопковой.
2. Целлюлозной.
3. Целлюлозной с добавлением хлопка — 25, 50 или 75%.

Мне больше нравится хлопковая бумага. Она отлично держит воду, краску, долго сохнет, на ней получаются красивые заливки и разводы краски. Минус хлопка в том, что он приглушает яркость красок. То есть действует как ткань — хорошо впитывает краску и оставляет ее внутри листа.

На целлюлозе слой остается ярким, потому что она вообще не впитывает воду с краской и оставляет ее на поверхности. Целлюлозная бумага с хлопком ведет себя как целлюлозная, но, по моим ощущениям, высыхает чуть медленнее.

Для пробы пера можно взять самую простую целлюлозную бумагу, но приятнее рисовать на бумаге из стопроцентного хлопка.

Так вымывается краска с бумаги разного состава. Это целлюлоза 100% Целлюлоза с добавлением хлопка 25% Хлопок 100% среднезернистой фактуры Хлопок 100% фактуры сатин — гладкая. С целлюлозы, даже в которой есть хлопок, можно полностью смыть краску, потому что весь пигмент остается на поверхности. С хлопка — нет: часть пигмента попадает внутрь листа и там остается

У акварельной бумаги различают несколько фактур:

1. Крупное зерно, или торшон. На такой бумаге мазки кажутся резкими, кисть не может закрасить всю поверхность листа, остаются красивые пробелы. Это интересный эффект, если правильно его использовать.
2. Среднее зерно — это универсальный вариант. На такой бумаге можно нарисовать и цветы, и шторм на море. Если не знаете, что выбрать, то берите такую.
3. Мелкое зерно — самая мелкая фактура, краска ложится ровнее, чем на двух предыдущих.
4. Сатин — это гладкая бумага, которая хороша для ботанической иллюстрации. Мне она кажется немного капризной: заливки могут получаться с пятнами, и нужен опыт, чтобы с ней справиться. Но если приспособиться, отличный вариант.

Чем плотнее бумага, тем меньше она деформируется от воды. Плотность бывает от 175 г/м² до 850 г/м². Тонкую бумагу обычно натягивают на подрамник — это специальная деревянная рама.

Я пробовала рисовать только на бумаге плотностью 200 и 300 г/м². Мне нравится бумага 300 г/м², и новичкам рекомендую брать такую. Она незначительно деформируется в процессе и собирает меньше луж — при условии, что ее правильно закрепили на планшете.

Обычно я выбираю для своих рисунков среднезернистую бумагу плотностью 300 г/м² А здесь гладкая бумага — сатин

Хорошая бумага дорого стоит: лист хлопковой бумаги А1 обойдется в 500—900 Р. У бумаги разных производителей разные свойства: например, форма зерна, оттенок — ярко-белый или чуть с желтизной, — растекание краски в заливках. Ассортимент форматов тоже большой — от А5 до А1.

Акварельную бумагу продают отдельными листами разного размера, в альбомах или склейках — это когда несколько листов соединяют клеем с торцов. Порисовал — оторвал законченную картинку, творишь на следующем.

Чтобы вышло дешевле, берите не склейки и альбомы, а листы А1. Например, склейка хлопковой бумаги из 20 листов размером 23 × 30,5 см и плотностью 300 г/см² стоит 3835 Р, общая площадь всех листов в этой склейке — 14 030 см². При этом один лист такой же бумаги 56 × 76 см обойдется в 564 Р, то есть цена такой же площади, как у склейки, будет около 1900 Р — в два раза меньше.

Варианты бумаги для рисования акварелью

Тип бумаги	Формат	Особенности	Недостатки	Цена
Хлопок 100%, среднее зерно, плотность 300 г/м²	≈А1	Долго сохнет, поэтому идеально подходит для сырых и многослойных техник	Цвет тускнеет после высыхания красок	564 Р
Хлопок 50%, целлюлоза 50%, плотность 300 г/м²	≈А1	Яркий красочный слой. Свойства близки к целлюлозе, но бумага коробится при смачивании сильнее, чем хлопок 100%	Быстро сохнет — не подходит для многослойных техник	317 Р
Хлопок 25%, целлюлоза 75%, плотность 300 г/м²	Альбом 240 × 320 мм, 12 листов	Яркий красочный слой. Свойства близки к целлюлозе, но бумага коробится при смачивании сильнее, чем хлопок 100%	Быстро сохнет — не подходит для многослойных техник	954 Р
Целлюлоза 100%, плотность 280 г/м²	Склейка ≈А3, 15 листов	Яркий красочный слой	Быстро сохнет — не подходит для многослойных техник	668 Р
Папки с бумагой А4, 5 листов, плотность 200 г/м²	Папка с листами А4	Подходит для черновиков и быстрых зарисовок	Сложно рисовать — появляются катышки	36 Р

Хлопок 100%, среднее зерно, плотность 300 г/м²

Особенности

Долго сохнет, поэтому идеально подходит для сырых и многослойных техник

Недостатки

Цвет тускнеет после высыхания красок

Хлопок 50%, целлюлоза 50%, плотность 300 г/м²

Особенности

Яркий красочный слой. Свойства близки к целлюлозе, но бумага коробится при смачивании сильнее, чем хлопок 100%

Недостатки

Быстро сохнет — не подходит для многослойных техник

Хлопок 25%, целлюлоза 75%, плотность 300 г/м²

Формат

Альбом 240 × 320 мм, 12 листов

Особенности

Яркий красочный слой. Свойства близки к целлюлозе, но бумага коробится при смачивании сильнее, чем хлопок 100%

Недостатки

Быстро сохнет — не подходит для многослойных техник

Целлюлоза 100%, плотность 280 г/м²

Формат

Склейка ≈А3, 15 листов

Особенности

Яркий красочный слой

Недостатки

Быстро сохнет — не подходит для многослойных техник

Папки с бумагой А4, 5 листов, плотность 200 г/м²

Формат

Папка с листами А4

Особенности

Подходит для черновиков и быстрых зарисовок

Недостатки

Сложно рисовать — появляются катышки

Какие кисти понадобятся

Для акварели подойдут кисти как из натурального ворса, так и из синтетики. Но они по-разному себя ведут.

Из натуральных распространены:

• белка — очень мягкая, хорошо набирает и держит воду, прекрасно подходит для заливок;
• коза — тоже достаточно мягкая, мне напоминает белку;
• колонок — упругая и быстро возвращает себе форму, идеальный, но дорогой вариант. Такой можно сделать заливку и прописать детали;
• соболь — похожа на колонка.

Синтетические кисти отличаются упругостью, они быстро возвращают себе форму и более долговечны, плохо держат воду, но отлично набирают пигмент. Эти кисточки хорошо использовать для детализации.

Технологии производства синтетических кистей быстро развиваются. Если раньше художники выбирали между жесткой и нежесткой синтетикой, то сейчас в продаже есть синтетический ворс, имитирующий белку или колонка. Такие кисточки похожи на белку и упругие, как синтетика. Кисти «Имитация белки» от фирмы «Альбатрос» стоят от 100 до 261 Р.

Еще есть кисти из двух видов ворса — натурального и синтетики. Они называются «белка-микс», «колонок-микс». Отличаются от натуральных тем, что лучше держат форму при рисовании. Я пользуюсь такими миксами вместо белки. Считаю, что они удобнее. Белка-микс среднего диаметра № 6 от Roubloff стоит 512 Р. А вообще, цена колеблется от 107 до 1324 Р — она зависит от размера кисти.

Еще кисти различаются по форме. Существуют следующие типы:

1. Круглые.
2. Плоские — со скошенным краем, с овальным краем, формы «кошачий язык» с острым кончиком, в форме лепестка.
3. Веерные — таких у меня пока нет.
4. Лайнеры — с длинным ворсом.
5. Для каллиграфии — очень удобны и для акварели.
6. Флейцы — это большие плоские кисти, чтобы смачивать лист водой, чаще всего из козы.

Размер кисти определяют в миллиметрах по размеру ворса в том месте, где он выходит из крепления. У круглых кистей размер равен диаметру волоса в месте крепления, а у плоских — ширине волоса там же. Номер кисти — это и есть ее размер. Например, у плоской кисти № 6 ширина волоса в месте крепления — 6 миллиметров.

Как ориентироваться в размерах кистей Roubloff

Для начала достаточно купить две упругие синтетические кисти 5 мм и 3 мм и две из белки или имитации белки 6 мм и 4 мм. Но можно обойтись одной синтетикой и одной белкой. Стоимость синтетических кистей — 75 Р и 86 Р, из белки — 126 Р и 246 Р.

Производством кистей в России занимается много компаний. У меня есть кисточки от Roubloff, Pinax, Vista-Artista и «Альбатроса». Они производят натуральные и синтетические кисти. Все, что я у них покупала, мне нравится.

Что еще понадобится для рисования акварелью

Планшет нужен для фиксации листа, чтобы он не ерзал по столу и меньше коробился от воды. Лист крепят к планшету малярным скотчем по краям. После того как рисунок высохнет, его можно легко отклеить от планшета.

Планшеты бывают:

1. Из оргалита — это самый дешевый вариант, легкий, но не любит воду.
2. Из фанеры — тоже легкий и, по моим ощущениям, более прочный, подойдет и для пленэров, и для рисования дома.
3. Из оргстекла — гладкий, прочный, красивый, но, на мой взгляд, тяжеловат.

Новичку подойдет любой планшет — лишь бы выполнял свою главную задачу. Выбирайте комфортный по цене вариант.

Материал и цены планшетов

Материал	Стоимость	Особенности
Оргалит	30 × 40 см — 238 Р, 40 × 50 см — 472 Р	Легкий, но плохо переносит влажность и перепады температуры
Фанера	30 × 40 см — 540 Р, 40 × 50 см — 676 Р	Более влагостойкий, чем из оргалита
Оргстекло	30 × 40 см — 659 Р, 40 × 50 см — 990 Р	Прочный, долговечный, гладкая поверхность

Особенности

Легкий, но плохо переносит влажность и перепады температуры

Особенности

Более влагостойкий, чем из оргалита

Особенности

Прочный, долговечный, гладкая поверхность

Малярный скотч — это клейкая лента, которой бумагу крепят к планшету. Такой скотч не сильно повреждает бумагу в месте крепления и легко снимается после окончания работы. Им удобно крепить небольшие форматы, он хорошо удерживает бумагу до полного высыхания, но иногда отходит в месте сильного намокания — такие моменты придется отслеживать.

Малярный скотч стоит от 93 Р.

Коробки нужны для хранения красок. Они бывают:

1. Пластиковыми — большими и маленькими. Такие коробки легкие, они удобны для домашнего использования, у них на крышке можно смешивать краски, как на палитре. Небольшую коробку удобно брать с собой в поездку. Коробка на 12 ячеек 10 × 10,5 см стоит от 170 Р.
2. Металлическими. Они небольшие, их удобно носить с собой, но у них узкая крышка — в качестве палитры не подойдут. Коробки на 6 ячеек 7 × 12,3 см стоят от 565 Р.

Вместо коробки также подойдет герметичная палитра. Ячейки наполняют краской из тюбиков, а благодаря прорезиненной прокладке по контуру крышки краски не выливаются. Такая коробка 10 × 21 см стоит от 704 Р.

Где покупать материалы

В Москве есть несколько крупных маркетов, в которые можно прийти и сразу взять что нужно: «Красный карандаш», «Арт-квартал» и «Передвижник». У каждого из них есть интернет-магазин с доставкой по стране. Еще мне нравится интернет-магазин Etudesite — у него нет офлайн-магазина, но можно забрать заказ из пункта самовывоза.

В британском магазине Jackson’s Art можно заказать редкие штучки, которые к нам не привозят, например пигменты, чтобы самостоятельно готовить краски, красивые кисточки европейских производителей, все виды красок. Иногда я захожу туда просто посмотреть: это целый музей, фото очень красивые. Мои знакомые художники иногда делают большой общий заказ в этом магазине, чтобы получить хорошую скидку.

Еще есть известный магазин товаров для хобби — «Леонардо». В нем не такой большой выбор акварели, но всегда можно собрать минимальный набор. В отличие от остальных магазинов, «Леонардо» есть во многих городах России.

Сколько стоит рисовать акварелью — 2418—75 918 Р

Обучение	0—73 500 Р
Краски — кюветы, 6 шт.	576 Р
Бумага — хлопок 100%	564 Р
Кисти, 4 шт.	533 Р
Планшет из фанеры	499 Р
Пластиковая коробка для хранения красок	153 Р
Малярный скотч	93 Р
Палитра-тарелка	0 Р

Обучение

0—73 500 Р

Краски — кюветы, 6 шт.

576 Р

Бумага — хлопок 100%

564 Р

Кисти, 4 шт.

533 Р

Планшет из фанеры

499 Р

Пластиковая коробка для хранения красок

153 Р

Малярный скотч

93 Р

Палитра-тарелка

0 Р

Вот что я рекомендую, если хотите рисовать акварелью

1. Двигайтесь от простого к сложному. Начинайте с базовых упражнений и только потом переходите к просмотру и выполнению заданий из сложных видеоуроков.
2. Рисуйте каждый день. Не надо фанатизма. Берите с собой блокнот и карандаш и делайте простые зарисовки с натуры — так, как видите их. Это развивает насмотренность, глазомер и ставит руку.
3. Рисуйте свои сюжеты и впечатления. Повторить движения за преподавателем несложно, но важно уметь применять полученные знания на практике.
4. Не ждите от себя шедевров. Рисование — это навык, который развивается постепенно при систематическом подходе.
5. Не скупайте все подряд. Чтобы оборудовать себе место, достаточно базовых предметов, о которых я рассказала в статье.

Академический рисунок. | Рисуем вместе

Опубликовано 07 Фев 2013 в рубрике «Уроки рисования»

Друзья, сегодня у меня 2 новости. Начну, традиционно, с не самой приятной. Ну, не для всех, но, возможно, для тех, кто ждет курс по акварели. Проведение тренинга немного откладывается.

Не знаю, что назвать в качестве причины. Почему-то курс в данный момент, что называется, «не идет». То отснятый материал не сохраняется, то в готовом ролике бесследно пропадает звук, то ломается камера…

В общем, мне показалось, что стоит ненадолго поставить работу на паузу…

А пока курс по акварели отлеживается, я решила переключиться на что-нибудь не менее интересное. Что именно? Мне, например, очень интересен академический рисунок.

Вы, может быть, помните, в опросе, который я недавно предлагала пройти, был вопрос о том, какие темы курсов или тренингов вам интересны. И среди прочего был вариант ответа «Академический рисунок». Если честно, я не думала, что кто-то выберет этот вариант, включила его только ради любопытства.

И — совершенно неожиданно для меня! — 53 человека из 121 ответили, что им интересен академический рисунок.

Почему это удивляет. За то время, что я работаю над сайтом, у меня сложилось впечатление, что большая часть людей, ищущих в интернете уроки рисования, не хотят учиться всерьез, в смысле, профессионально. А чего хотят? Не знаю… Может быть, просто занять себя или убить время? (Предвижу бурю негодования.. Нет, я не лично вас имею в виду, я знаю, что мои давние читатели учатся очень серьезно).

Академический рисунок же — это профессиональная система обучения. И я очень рада, что среди моих читателей оказалось немало таких, кому это интересно.

Но все же, вдруг мы понимаем под этим термином несколько разные вещи?

Давайте я расскажу о некоторых заблуждениях, связанных с академическим рисунком, или мифах. А потом об основных принципах академического рисунка.

Миф 1.

Академический рисунок — работа по заданию, в институте или в художественном училище. В отличие от рисунка на вольную тему.

На самом деле, академический рисунок — это система реалистичного изображения предметов, исходя из их конструктивных особенностей.

И, в принципе, не важно, что и где вы рисуете. По рисунку почти всегда можно угадать, учился ли его автор академическому рисунку. Особенно это заметно на популярных в последнее время портретах по фото. Потому что не имея такого навыка, человек просто копирует тональные пятна, и форма может «поплыть». Если же художник учился рисовать профессионально, он начинает прежде всего строить портрет, и пятна располагает в соответствии с построением. Возможно, они у него будут несколько другими, чем на исходной фотографии, но форма будет выглядеть  правильной и убедительной.

Миф 2.

Академическому рисунку научиться очень трудно.

В принципе, понятно, отчего складывается такое впечатление. Я тоже видела объемные учебники по рисунку, рекомендованные для изучения в художественных вузах. Но понимаете, рисунок — это движение. То, что можно показать очень легко, объяснить словами намного труднее. Попробуйте описать, например, «танец маленьких утят» так, чтобы человек, который никогда его не видел, сумел бы станцевать, руководствуясь вашим описанием. Думаю, вам придется использовать «многабукаф», как говорят подростки)

Образование в Советском Союзе было действительно массовым и общедоступным. И система академического обучения рисунку строилась таким образом, чтобы научить рисовать можно было любого человека. Там нет громоздкой теории, требующей зубрежки. Вся теория, необходимая для построения натюрморта, например, — это знание, что параллельные прямые пересекаются на линии горизонта, а круги в перспективе выглядят как эллипсы. Есть еще несколько правил, но они также просты и доступны для понимания.

Миф 3.

Академическому рисунку нужно учиться очень много лет.

Еще раз повторюсь, это практическая дисциплина. Такая же, как танцы или вождение автомобиля. Можно освоить основные принципы и движения всего за несколько занятий. А годы практики оттачивают мастерство. Понятно, что тот, кто водит машину 10 лет, делает это несколько лучше, чем тот, что только получил права. А так — да, учиться можно всю жизнь.

Миф 4.

Академический рисунок — очень скучное занятие.

Тут спорить трудно. Поначалу, пока не очень получается, может быть, действительно не весело. Потому что начинают обучение с примитивов — рисуют куб, шар, призмы. А хочется, например, портрет.

Но, это как гаммы в музыке. «Полет шмеля» играть гораздо интереснее, но если пальцы не приобрели беглость в результате проигрывания «скучных» гамм, «Полет шмеля» будет тоже не быстрым.

Вам все еще интересно?) Тогда читайте дальше.

Основные принципы академического рисунка.

1. Первоочередное значение имеет конструкция предмета. При этом конструктивное построение неотделимо от светотеневой моделировки. То есть, светотень распределяется по предмету в строгом соответствии с его строением и формой.
2. Каждый предмет можно представить как совокупность основных геометрических форм: шара, параллелепипеда, цилиндра. Если вам известно, как распределяется свет по поверхности этих простых форм, вы сможете нарисовать любую достаточно сложную форму. Собственно, поэтому студенты и рисуют гипсовые примитивы.
3. Художник рисует плоскостями. То есть, все полутона занимают свой участок плоскости. Где границы этих плоскостей, вы находите исходя из конструкции предмета. Не знаю, как понятней объяснить, это как раз тот случай, когда показать намного проще, чем рассказать…
4. Светотень и конструкция прорабатываются одновременно, на всей плоскости листа. То есть, не остается «белых пятен», как в случае, когда рисуете сначала один кусочек, потом другой. Рисунок на любой стадии можно считать законченным.
5. Работа ведется от общего к частному. Сначала большие формы и плоскости, потом детали. То есть, если рисуете портрет, например, начинаете не с глазок а с общей формы головы. А мелочи типа ресничек или родинок вообще намечаете уже в самом конце, когда рисунок готов.

Ну вот, пожалуй, вся информация, необходимая для понимания того, что скрывается за определением «Академический рисунок».

 

С чего начать? Рисовать, чтобы зарабатывать деньги

Итак, прежде чем начать, продолжаем спрашивать себя «зачем?». В качестве примера отвечаем на вопрос «зачем учиться рисовать?». Начало здесь: http://balovin.livejournal.com/365315.html

Вариант ответа 2: «Хочу научиться рисовать, чтобы зарабатывать деньги.»

Вы уверены? Пока не начали учиться, лучше еще раз перечислите варианты других видов деятельности, которыми вы так же могли бы заняться для зарабатывания денег. Человек выпекающий хлеб, всегда будет обеспечен хлебом, рыбак — рыбой, у строителя будут водиться стройматериалы. Помню, когда-то родители занимались продажей обоев, и дом был завален обоями. На четырех стенах одной комнаты мы умудрялись комбинировать по 8-10 паттернов. С тех пор, как я решил заняться живописью,дом завален живописью. Картинками, но не деньгами. Хотите зарабатывать деньги — занимайтесь деньгами. Для этого не нужно учиться рисовать. Учитесь делать деньги.

Если же предпринимательская или другая деятельность связанная с деньгами вам не интересна, и вы упрямо хотите зарабатывать на жизнь искусством, постараюсь обрисовать в общих чертах, что вас ждет.

а) Возможно, вы живете в 19 веке. Даже если вы родились в 21-м. Поверьте, таких людей немало и, вполне вероятно, вы — один из них. Плохо это или хорошо — я не знаю. Но я знаю, что это результат воспитания и образования. Я тоже долгое время жил в девятнадцатом веке. Нас учили любоваться Рембрандтом и Вермеером, а пытаться писать, как Репин, как Серов, как Левитан. В какой-то момент мне стало казаться, что это как-то несовременно. Я думал, что современно — это как Клод Моне. Потом решил, что современно — это как Анри Матисс. Хотя и тот давно почил. Мне было 17 лет, и я неуверенно переступал порог двадцатого века, постигая один за другим различные новые измы после реализма девятнадцатого столетия.

До века двадцать первого было еще далеко. Я шел медленно, но упрямо. Мне хотелось попасть в будущее, так я постепенно приближался к настоящему.

Иллюзорный девятнадцатый век по своему прекрасен. Кому-то хочется жить в этой иллюзии. Многим это даже удается. Достаточно верить. Тем более, иллюзия поддерживается системой образования, прививающей соответствующие взгляды. Правда, система, судя по всему, все же постепенно накрывается — но об этом в другой раз.

Проблема в том, что живя в 19 веке, вы не будете услышаны теми, кто живет в 21-м. Ваши работы, в лучшем случае, будут ценить за красоту и мастерство. Но по актуальности содержания и эффектности они будут проигрывать другим носителям информации, будь то произведение современного искусства или телевизор.

Ваш пейзаж купят для украшения стены на кухне, а натюрморт — для подарка любимой теще. Продаваться будете в сувенирной лавке с золотым курсивом над пластиковой дверью: «галерея живописи» или на асфальте очередного «арбата». Рядом с вашими холстами будут стоять матрешки и шкатулки. Если окажетесь порасторопней, то начнете повторять одни и те же мотивы, использовать одни и те же фишки, на которые лучше спрос. Однажды, в зале союза художников откроется ваша персональная выставка «Цветы весны. Живопись, графика». Народ назовет вас настоящим творцом, интеллигенты промолчат. Появится заметка в местной «Комсомолке». От искусства это будет примерно так же далеко, как далека музыка группы «Ласковый май» от второго концерта Рахманинова. Вашими конкурентами будут принты из Икеи и матрешки со шкатулками.

Зарабатывать получится примерно так, чтобы ежедневно заливать свое счастье чем-нибудь покрепче.

Впрочем, есть выход: вы можете забыть о «высоком искусстве» и найти прикладное применение своим навыкам (подробнее ниже, в пункте г).

б) Вы живете в 20-м веке, принимаете авангард, вам интересен постмодерн. Вы читаете Фрейда и Бодрийяра, готовы не только создать нечто в духе Энди Уорхола или Марка Ротко, но и рассказать об этом не менее скучно и запутанно, чем Арсений Жиляев или Надим Самман.

Вы сможете попадать на фестивали и выставки современного искусства, будете скитаться по арт-резиденциям в сытых странах. Раз в год какой-нибудь чудак приобретет у вас что-нибудь за пару тысяч долларов, которые вы благополучно спустите, решив, что теперь покупать будут всегда. В итоге будете сосать лапу до появления следующего чудака. Если окажетесь порасторопней, то вместо лапы будете сосать шампанское на вернисажах коллег по цеху. Там в поисках новых меценатов надо улыбаться незнакомым людям и заводить умные беседы, заканчивающиеся обменом визитками.

Большую часть времени вы будете посвящать не творчеству, а канцелярии: анкетам-письмам-заявкам на гранты-резиденции-фестивали, резюме-CV–творческим биографиям то на 500, то на 3000 знаков текста. Если повезет, вас подцепит какой-нибудь галерист и станет время от времени вас продавать. Начнете повторять одни и те же мотивы, использовать одни и те же фишки, которые оценят любители современного искусства. Однажды в галерее с модным названием, бетонным полом и белыми стенами откроется ваша персональная выставка «Регенерация нормы. Графические объекты». Народ покрутит пальцем у виска, интеллигенция назовет вас интересным художником. Но едва ли что-то купят, потому что почти все гости на вернисаже — это те же художники, не знающие, кому впарить свои опусы. Зарабатывать будете примерно столько, сколько необходимо на лоукост из Москвы до Гетеборга или Брюсселя, где на пару месяцев удалось пробить студию в резиденции, финансируемой фондом поддержки беспризорных артистов. В конце концов поймете, что разбогатеть вам не получится. Но к тому моменту вы уже не сможете заставить себя заниматься чем-то другим.

в) Вы живете в 21-м веке. В таком случае вы прекрасно понимаете, что одним умением рисовать, вы не сможете заработать денег в сфере искусства. В списке необходимых навыков современного художника умение рисовать можно смело поместить в самый конец. Возьмите несколько фамилий из топа самых дорогих художников нашего времени и вы поймете, что никто из них не умеет рисовать. Точнее так: никому из них не требуется уметь рисовать. Даже если и умеют, то не рисуют. За них это делают другие — скажем, ассистенты. А иногда и целые фабрики.

Не хотелось бы, чтобы в моем тексте вы нашли обвинительные интонации. Я ни в коем случае никого не виню и считаю, что все упомянутые явления — вполне естественные процессы, являющиеся следствием эволюции общества. Радуют они или нет — это уже другой вопрос. Но сожалеть всю жизнь о том, что родился не в свое время, на мой взлгяд, как минимум, непродуктивно.

Если вы живете в 21 веке, то понимаете, что искусство сегодня — это рынок. И если вы хотите заработать своим искусством деньги, вы должны быть, прежде всего, хорошим предпринимателем. Хотите что-то заработать — придется что-то вложить. Чем больше вложите, тем больше заработаете. Инвестировать надо не только в «производство», но и в рекламу. Вложиться стоит даже в приобретение собственных произведений, как это однажды сделал Дэмьен Херст, ныне самый богатый художник современности.

г) Думаю единственное, зачем стоит учиться рисовать, если хочется зарабатывать этим на жизнь — чтобы в работать в сфере анимации. Компьютерные игры и мультфильмы. Среди моих знакомых немало крепких академистов, нашедших себе применение в этой индустрии. Но имейте ввиду: это очень много работы. Это надо искренне любить. Этим надо болеть. Иначе никакого удовольствия. Иначе просто ничего не получится.

Повторюсь: я не претендую на роль наставника. Лишь делюсь своими соображениями, основанными на жизненных наблюдениях. Свою жизнь я связал с изобразительным искусством с раннего детства. О том, что из этого получилось я и пишу в блоге.

Продолжение следует…

Можно ли научиться рисовать самому, или смысл формального образования для художника

Книга о продвижении для художников готова, я уже получила несколько замечательных отзывов и очень этому рада. 😀  Пока я решаю вопросы относительно возможности ее приобретения, поговорим на чуть отвлеченную, но не менее актуальную тему 🙂

Периодически меня спрашивают (как правило, новички) о том, обязательно ли заканчивать художественную школу или вуз, чтобы научиться рисовать. Скажу сразу, у меня нет однозначного ответа на этот вопрос, но, думаю, кому-то этот пост может помочь расставить всё по своим местам.

Кроме того, я рассуждаю на тему рисования с фундаментом в традиционной манере, реализме и академизме. Поэтому данная статья вряд ли поможет тем, кто изначально планирует рисовать путем художественного разбрызгивания краски из ведра 😀 Каждому свое.У меня из формального художественного образования — только школа академического профиля, которую я окончила в 14 лет (а в 15 бросила рисовать на довольно долгий срок, выбрав другой вектор будущего профессионального развития). Поэтому я могу делать какие-то выводы, исходя из своего и, частично, чужого опыта, т.к. знаю людей, которые заканчивали училища и вузы художественного профиля (и, наоборот, ничего не заканчивали, но тем не менее, очень даже умеют рисовать).Когда я, будучи уже в возрасте «немного за 20», вернулась к рисованию (хотелось попробовать себя на тех же стоках), меня мучили назойливые мысли, что без достаточного специального образования я вроде как недостаточно хороша, и чувствовала себя как-то ущербно, второсортно и неуверенно.

Вместе с тем, я уже успела «повариться» в традиционной системе образования, и возвращаться туда со стремлением учиться на художника или дизайнера особого желания не было. Я, как и многие, кто теперь пишет с вопросом «можно ли научиться рисовать без школы», гуглила разные статьи и форумы, пытаясь понять, что мне с этим комплексом делать и как развиваться.

С тех пор прошло уже около шести лет, и недавно я невольно поймала себя на том, что в мою голову уже очень давно не забредали трусливые неадекватно-самокритичные мысли о том, что я могу быть недостаточно хороша по сравнению с теми, кто «что-то закончил», а люди, которые меряют способности, реальную ценность и навыки других, только исходя из данных «какое образование и цвет корочки», мне откровенно смешны и в чем-то противны, как неприятная любая узколобость и глупость.Мне больше не нужно никому ничего доказывать и выпрашивать одобрение, признание, хотя я прекрасно отдаю себе отчет, как много мне еще нужно узнать, натренировать и развить.Так что же изменилось? Об этом мы и поговорим уже очень скоро.

Эффективность «просто» школ и других учебных заведений зачастую значительно переоценивают. Я неоднократно видела, как молодые люди выезжают исключительно на своих природных данных, большом количестве труда и (или) возможности спросить совета у кого-то, кто может научить (и кому не все равно).

В большинстве школ формальной системы у педагогов нет мотивации НАучить, но есть мотивация просто учить, потому что они сами художники по образованию и еще потому, что им за это платят зарплату. В меру сил и желания; так, чтобы их самих это не напрягало. Иной раз проще подрисовывать что-то за ученика, чем объяснить, как улучшить работу. И, пожалуй, таких педагогов тоже можно понять.

Конечно, я не хочу сказать, что везде и всегда всё делается спустя рукава. Возможно, у Вас другой опыт. Однако, мы сейчас говорим об общей картине и моем опыте и наблюдениях.В среднестатистической школе или студии учитель может в двух словах сказать что-то про построение, штриховку, работу с цветом, но в общем и целом процесс обучения будет строиться на просто рисовании одного натюрморта за другим, как ученик может и видит. Да, периодически к нему будут подходить, говорить что-то подправить или переделать, а если будет за что, то и похвалят.Несколько важных выводов.1. Вы со своим желанием учиться рисовать нужны только сами себе. Если что-то не получается, Вам об этом, скорее всего, скажут, и дадут совет, но по большому счету, всем пофиг. Никто не будет прыгать перед Вами и вкладывать в Вас душу просто так, по доброте душевной. Пожалуй, самая веская причина – если Вы попали к своему Учителю, занимаетесь с достаточным индивидуальным подходом и зацепили его своим незаурядным трудолюбием. Ну и нужная какая-то материальная отдача, потом как едва ли кто-то будет заниматься Вашим образованием в ущерб себе.2. Несомненный плюс посещения школы в том, что там Вы будете рисовать с натуры (не фото) простые с виду вещи, которые закладывают базу навыка. Здесь проверяется желание учиться рисовать, ведь многие поступают на учебу в надежде, что раз-два и они будут изображать всякие крутые картинки из головы и станут великими художниками, чтобы всем нравиться. А когда сталкиваются с необходимостью раз за разом рисовать гипсы и горшки, энтузиазм как-то утихает.3. За свою мотивацию учиться ответственен тоже ученик. Все эти с виду скучные штуковины нужно рисовать не просто так, а для того, чтобы позже хорошо изображать то, что хочется. К сожалению, особенно в детстве, этот момент остается не совсем в фокусе внимания, и молодой человек работает «на отвали» там, где ему было бы очень выгодно полностью вложиться.4. Посещение школы или другого учебного заведения организовывает. Вы рисуете в одно и то же время и достаточно регулярно, если есть домашние задания, то выполняете еще и их. Надо сделать 50 набросков до завтра? В лепешку расшибитесь, но сделайте. Так навык растет быстрее, чем когда все идет от личного желания-нежелания. К тому же, в стенах заведения есть все необходимое: гипсы, разные объекты для постановок, натурщики для длительного рисунка и т.п. Конечно, многое из полезных для рисования вещей можно организовать и самостоятельно, также можно «устроить» и живую натуру, но потребуются дополнительные усилия.5. Если Вам нравится атмосфера общения и взаимодействия, то посещение школы, студии и т.п. вполне может оказаться Вам по душе. Некоторые из моих знакомых принципиально ходят куда-то, чтобы рисовать, потому что дома их все отвлекает 🙂 Я же, наоборот, несколько тягощусь публичным рисованием, и все лучшие свои рисунки сделала дома.Когда я вспоминаю годы, обучения в художественной школе, то, к своему сожалению, не могу припомнить что-то конкретное, что на меня сильно повиляло в лучшую сторону или чему-то научило. Зато помню очень много труда дома, в каждую свободную минуту. Дома я рисовала намного больше, чем в школе, и большинство советов по технике исходило как раз не от «формальных» учителей.А если уж говорить про рисование тушью, которое меня захватило лет в 13, то это целиком и полностью самодеятельность, постоянный труд, эксперименты и просмотр работ мастеров. И свой диплом с отличием художественной школы я получила за то, что последние полтора года обучения инвестировала максимум усилий в свою уникальность (преданность черно-белой графике), стараясь при этом работать над всем остальным.Некоторые воспоминания связаны с тем, что из меня так и не получилось нормального акварелиста: краска меня абсолютно не слушалась и «творила» на листе бумаги что ей заблагорассудилось 😀 Иногда получалось что-то сносное, но не так часто, как мне бы этого хотелось. В голове закрепился ярлык «у меня не получается, не дано, это сложно». Видимо, не хватило мне тогда понимания, как подружиться с этой техникой, и нужно будет еще уделить ей внимание, потому что взрослая версия меня не верит во всякую чушь вроде «не дано».Порой приходилось подстраиваться под учителей, с чьими мнениями я была категорически не согласна, а когда дело доходит до личных рисунков, это особенно неприятно. Так же не доставляло никакого логического удовольствия доказывать педагогу, что нет смысла перемещать светотень на данном натюрморте, т.к. солнце садится и через полчаса расположение теней снова изменится. А потом свет включим – и что, опять все стирать и начинать заново? Постановка же на многочасовую рисовку рассчитана.Я частенько слышала от знакомых и знакомых их знакомых о том, как они отучились где-то и бросили рисовать, рано или поздно. Причин много – непонятно, как это свое умение монетизировать, пропало желание, нет идей, захотелось чего-то другого, внезапно осознали, что желание рисовать было не искренним и т.д.В принципе, так часто бывает, причем после любых учебных заведений и с любыми специальностями. Ничего особенного.Кто-то пугает страшилками, что в результате обучения человека «сломали» и его работы потеряли индивидуальность, стиль унифицировался под академичную строгость или предпочтения конкретного учителя. Насколько это правда и какова вероятность, что это может произойти, не знаю.Я, в определенной степени, тоже бросила рисование под влиянием факторов, которые мне не нравились. Наблюдая своими глазами, как тяжело художнику, который не умеет и не хочет продвигать себя, я не хотела похожего для себя. Тринадцать лет назад нынешние знания о возможностях заработка и позиционирования себя были чем-то диковинным, так же, как и Интернет. Просто рисовать и терпеливо ждать, что кому-то, может, понравится и он захочет купить? Бр-р-р…Да и необходимость ломать голову, придумывая сюжеты на неинтересные и бессмысленные с моей точки зрения темы просто убивала. Некоторым людям очень сложно подчиняться, смиряться и откладывать собственные идеи подальше. И «запас прочности» тут у каждого свой.Что можно сказать о возможности самообучения?Во-первых, это возможно. Некоторые мои любимые художники сами себя научили рисовать, и начинали много лет назад, когда возможности поиска информации и обучения были значительно уже. К их мнению я охотно прислушиваюсь.Но тут мы снова возвращаемся к выводам из списка выше. Дело в том, что многие новички, успокоенные тем, что «всё возможно», продолжают заниматься какой-то ерундой время от времени, думая, что их становление художником – вопрос решенный.Они не думают, каких конкретно результатов хотят и не рассуждают, как этих результатов достичь, фиксируя свои идеи в планах на неделю, месяц, год. Без понимания четкой конечной цели непонятно, какую информацию искать и как практиковаться.

Многие вообще заменяют практику просмотрами обучающих видео и стримов, где рисует кто-то другой. Мечты, мечты… А навык-то сам по себе не растет, при всей полезности хороших статей, книг и видео.

За месяц делается пара небольших набросков…

Пожалуй, если человек понимает, что сам себя организовать не может, то стоит задуматься, а зачем ему рисовать?Если это – просто хобби, ради удовольствия и радости от процесса взаимодействия с бумагой, карандашами и красками, способ побыть с собой и своими мыслями и эмоциями, то вопрос о какой-то серьезной учебе не стоит.

Я думаю, что творчество – это очень хорошо, и творчество открыто для всех. Если Вам нравится просто рисовать для себя и радости – это же отлично! Но стоит разграничивать уровни технического мастерства и осознавать, что за значительное продвижение и «звание» мастера нужно заплатить высокую цену.

Художник – это пот, слезы и кровавые мозоли, нравится это кому-то или нет. Недавно в Фейсбуке среди моих «друзей» прокатился импровизированный флешмоб, когда художники выкладывали фото своей «рабочей» руки с характерной выступающей мозолью на среднем пальце, возникающей вследствие постоянного рисования.

Чтобы виртуозно показывать эмоции и транслировать некий смысл в рисунке или картине, тоже нужно выбраться на достойный технический уровень – для этого и нужна долгая практика, начиная с азов.

Когда гордо говорят о невероятных эмоциях и «душе», якобы проступающей на рисунке уровня человека, только что впервые взявшего в руки художественный инструмент, и требуют честной оценки, непонятно, смеяться или плакать. Слишком уж двусмысленное положение у того, от кого требуется ответ…Именно поэтому новичкам стоит сохранять адекватность относительно своих притязаний и нынешнего уровня, т.к. каждый, кто был новичком, понимает, как важно не растоптать стремление и поддержать того, кто к нему обращается за советом и критикой. Когда кто-то говорит, что хочет получить критику, чаще всего это завуалированное подсознательное желание одобрения и похвалы.

Что это значит для того, кто действительно хочет учиться рисовать и не пугается трудностей, потому что движим высшей целью, а не просто желанием получить абстрактное или конкретное одобрение?

Во-первых, четко определите, какого результата Вы хотите и что готовы для этого сделать. Ради чего Вы вообще хотите рисовать?

Если есть возможность попасть на обучение к кому-то из художников, которыми Вы восхищаетесь и полагаете, что могли бы многому научиться, непременно сделайте это. Только учтите, что не всегда тот, кто превосходно рисует, может так же складно выражать свои мысли и обладает значительным терпением. Если Вы найдете Учителя, с которым у Вас получится резонанс, это поможет Вам двигаться гораздо быстрее, чем самим по себе.

Во-вторых, настройтесь на то, что начинать нужно будет с самого простого и «скучного», с натуры, рисуя и перерисовывая эти объекты по многу раз. Рисуйте много, как можно больше, постоянно, не давайте себе поддаваться сопротивлению и прокрастинации. Запаситесь терпением, на любой прорыв нужно время. Порой кажется, что стоишь на месте, и тогда особенно важно продолжать работать.

Кстати, именно на этом этапе начинает становление Вашего творческого вИдения. Есть огромная разница между рисованием механическим («как вижу, так и рисую, это же просто горшки, фрукты и драпировка») и творческим («интересно, а какая история у этих объектов? Какие отношения, что они могли бы думать и чувствовать?). Вы уже создаете что-то неповторимое и удивительное.

В-третьих, найдите себе группу профессиональной поддержки – особенно если чувствуете, что она Вам нужна. Это может быть сообщество художников онлайн или офлайн, важно, чтобы внутреннее чутье говорило, что Вам там достаточно комфортно. Не бойтесь показывать работы, ведь у автора «глаз замыливается», а со стороны часто виднее. Будьте готовы к конструктивной критике.

В-четвертых, будьте открыты окружающему миру. Развивайте наблюдательность, заведите умственную «копилку» подмеченных интересностей. Все лучшие идеи берутся из реальной жизни. Развивайтесь в общем и целом, как личность, ведь художник – это не только техника, но и эмоции, и жизненный опыт.

В-пятых, примите на себя ответственность за свое обучение. В сети очень много полезных материалов. И обязательно учите английский – без него Вы очень многого себя лишаете.

Что касается посещения студий и формального образования «потому что так надо», замечу еще кое-что. Я много наблюдала за людьми и динамикой развития их эмоциональных отношений с местом учебы. Многие поступают, приходят учиться с радостным предвкушением, что будут с удовольствием ходить на занятия, учителя будут к ним внимательны и терпеливы, знаний будут давать много и превосходного качества, и конечно – всё у них будет получаться просто замечательно! Вот уже они освоили специальность, вокруг все их любят, восхищаются, что-то предлагают, ставят в пример, и они сами себя уважают и всячески себе симпатизируют…

Это предвкушение чудесного жизненного путешествия. Стремление к приятным эмоциям: радости, самоуважению, ощущению собственной избранности и достойности, переживанию совершающихся позитивных трансформаций. Желание быть одобренным. Надежда на хорошие перспективы.

А еще – ожидание, что можно будет играть. Играть с материалами, экспериментировать, пробовать что-то новое, незнакомое, исследовать, ощущать свежесть отношений со своим делом. Быть немножко не тем, кто ты есть прямо сейчас. Чувствовать себя творцом. Вечным учеником, захваченным процессом познания и самопознания, свободным от уколов и укусов чужих суждений и оценок.

Но, на минутку, разве обязательно идти куда-то учиться, чтобы обеспечить себе разные прекрасные эмоции? Это вопрос мышления. Если человек не может полноценно испытывать радость, самоуважение, полет мечты, проявлять целеустремленность и дисциплину и т.д. в реальной жизни, как она есть сейчас, то что заставляет его думать, что потом все магически изменится, с поступлением или началом/концом какого-то обучения?Неудивительно, что «магия» не срабатывает. Оказывается, что вставать по утрам и тащиться на учебу не так уж и радостно, учителя недостаточно подробно объясняют, а иногда даже могут сказать что-то неприятное, успехи появляются не так быстро, как думалось… и вот уже появляется привычная мыслишка, сделать всё как-нибудь, левой ногой, просто чтоб сдать и забыть. И дотащиться, дотерпеть до конца, чтобы получить этот дурацкий диплом. Мда, нехорошо вышло…Почему так навязчиво стремятся в стены учебных заведений, даже если «задним умом» понимают, что формальное образование не решит всех вопросов и может не оправдать ожиданий?В обществе все еще силен стереотип, что «без бумажки ты какашка букашка». Нет времени объяснять – иди учись, и учись хорошо! А там посмотрим.Люди – животные социальные. Нам надо, чтобы кто-то другой сказал, что мы чего-то да стоим. И весьма желательно, чтобы это были не два с половиной человека из тех друзей и родственников, которые скажут что угодно, лишь бы нас не обидеть.Нужна валидация (признание того, что наши навыки и компетенция на высоком уровне). И едва ли возможно это признание самому себя обеспечить. Кто-то, кто очень уверен в себе, может демонстрировать непробиваемую веру в свою крутость, особенно если это подкрепляется финансовой отдачей. Но чаще всего, до такого состояния уверенности надо дойти.Как это сделать?

На самом деле, всё довольно просто и, опять же, упирается в важность коммуникации с другими людьми. В наш век, как правило, не составит труда обратиться к кому-то из тех современных художников, чье мнение для Вас – авторитет. Может быть, не до всех из них Вы сможете достучаться, но кто-то обязательно ответит.

От Вас нужно отличное портфолио, над которым Вы очень много работали и продолжаете совершенствоваться, и немного смелости. Разве не прекрасно лично пообщаться с тем, кто Вас вдохновляет и восхищает своим примером?Если Вы хороши и «кладете» Ваши работы на видное место, чтобы их можно было найти, то рано или поздно Ваши усилия окупятся. Вас заметят, высоко оценят, что-то предложат, захотят общаться, взаимодействовать и перенимать опыт. Работа никогда не бывает впустую.Если Вы всё делаете правильно, у Вас не будет ни времени, ни ресурса внимания, чтобы отвлекаться на разный бред вроде самоуничижения из-за отсутствия формального образования или суждений людей, которые только наблюдают со стороны и покорно слушаются тараканов у себя в головах.Я искренне верю, что можно научиться рисовать самостоятельно, используя те ресурсы, которые сегодня есть у каждого. Но вера может стать просто надеждой и абстрактными мечтаниями, а может зажечь Вашу страсть и подпитывать ежедневные действия. В конечном счете, только действие определяет результат.

Друзья, а что вы думаете на эту тему? Сталкивались ли Вы с сомнениями относительно своего образования и компетентности?

Можете ли вы научиться рисовать в художественном колледже? — Витрувианская художественная студия

То, что следует в этом посте, основано на моем собственном опыте в художественном колледже — как в качестве студента, так и в качестве преподавателя — а также из нескольких лет ретроспективного анализа. Хотя описываемое здесь положение вещей сохраняется во многих художественных школах и по сей день, я понимаю, что оно не универсально. В частности, младшие читатели, возможно, имели совершенно другой опыт в своих колледжах по мере изменения ландшафта художественного образования.Надеюсь, эта тенденция сохранится.

---

Можно ли научиться рисовать в художественном училище?

Для непосвященных это может показаться глупым вопросом. Из всех вариантов обучения рисованию правильный художественный колледж кажется беспроигрышным вариантом.

Но не все так просто.

Когда я был зачислен на очную четырехлетнюю программу бакалавриата в законном художественном колледже, я изо всех сил пытался найти качественные инструкции по рисованию и живописи с помощью наблюдений.К моему удивлению, большинство преподавателей не могли хорошо рисовать. Несколько способных учителей, которых я нашел, были так же разочарованы, как и я, потому что власть имущие — люди, руководившие отделом рисования и живописи, — просто не заботились о изобразительном искусстве. И они должны выбрать учебную программу.

К сожалению, мой опыт не единичный. Я потерял счет тому, сколько других художников-представительниц я разговаривал об этом за эти годы. И почти все они рассказали о подобных переживаниях с таким же несчастным выражением лиц.

«Я думаю, что это было бы лучше из четырех частей», — сказал он. Затем он дважды разорвал картину пополам, прежде чем вернуть ее ей.

Я был в ужасе.

Вот насколько это может быть плохо: я хорошо помню, как один из моих одноклассников расплакался после унылого обмена мнениями с преподавателем, работающим полный рабочий день в нашей школе. Моя одноклассница обратилась к нему за советом относительно акварельного пейзажа, который она нарисовала, что, возможно, было ошибочным с ее стороны.Этот учитель заведомо враждебно относился к репрезентативной работе, но даже в этом случае его ответ был жестоким.

«Я думаю, это было бы лучше из четырех частей», — сказал он. Затем он дважды разорвал картину пополам, прежде чем вернуть ее ей.

Я был ошеломлен.

Как такое могло случиться? В этом посте я попытаюсь объяснить современное состояние преподавания изобразительного рисования в большинстве художественных колледжей. Затем я объясню, почему это может измениться и как все это может повлиять на вас.

«Искусство» — большое слово

Прежде всего, как преподаватель рисования, я должен сказать, что с пониманием отношусь к тяжелому положению сегодняшних художественных колледжей, потому что на них лежит огромная ответственность: преподавать «искусство».

В 21 веке слово «искусство» имеет так много определений и включает в себя так много дисциплин, что попытаться объединить их все в одно учреждение — титаническая задача. По мере того, как мир искусства расширяется и включает новые захватывающие средства массовой информации, такие как 3D-видео и виртуальная реальность, я полагаю, неудивительно, что что-то столь же пыльное и «олдскульное», как рисование, отошло на второй план.В конце концов, большинство школ, даже самых дорогих, работают с ограниченными ресурсами, что заставляет их расставлять приоритеты в том, чему они учат.

Но это еще не все.

По сравнению с современным фотооборудованием или компьютерными лабораториями, студия рисования или живописи обходится довольно дешево в обслуживании. Так что дело не только в ограниченных ресурсах.

Чтобы полностью понять современное состояние преподавания рисунка и живописи на уровне колледжа, важно вернуться к истории.

Расцвет модернизма

Изобразительное искусство не всегда подвергалось такому пренебрежению, как в последние десятилетия. Фактически, он играл центральную роль в западном обществе на протяжении тысячелетий.

Начиная с Древнего Египта (и намного дальше, если рассматривать доисторические наскальные рисунки), большая часть изобразительного искусства носила религиозный или церемониальный характер. Его цель состояла в том, чтобы проиллюстрировать истории из мифов или писаний.

Любые иллюстрации были отвергнуты как причудливые и банальные — это ностальгический возврат к более простым временам.

Однако во второй половине XIX века в мире искусства произошел радикальный сдвиг. Благодаря индустриализации общество изменилось быстрыми темпами, которые временами были захватывающими, а также глубоко пугающими. Эти изменения были настолько глубокими, что многие художники почувствовали, что им нужен совершенно новый способ творчества и мышления об искусстве. Как следствие родился «модернизм».

Модернизм отверг репрезентацию в искусстве. Любые иллюстрации отвергались как причудливые и банальные — ностальгический возврат к более простым временам.К 1960-м годам абстракция стала стандартным способом рисования.

Но абстрактное искусство было труднее понять и усвоить мирянам, чем традиционное изобразительное искусство. Чтобы оценить этот вид искусства, действительно необходимы знания теории искусства и критики. В противном случае трудно найти смысл и контекст. Такое положение вещей сохраняется и сегодня, когда многие «постмодернистские» или «современные» произведения искусства непостижимы для всех, кроме относительно небольшого круга информированных инсайдеров.

Художественные школы не остались в стороне от этой смены.

По мере того, как модернизм набирал обороты, художественные школы университетского уровня почувствовали растущее давление, чтобы отказаться от традиционных идей и методов, чтобы оставаться актуальными. В конце концов, почти все они сделали.

В последние несколько десятилетий высшие художественные школы принижали важность обучения учащихся рисованию и раскрашиванию того, что они видят. В результате большую часть преподавателей художественных колледжей (по крайней мере, когда я был зачислен) никогда не учили хорошо рисовать и они не могли научить этому своих учеников, даже если бы хотели.С годами это привело к порочному кругу, в котором все меньше и меньше людей учили или учились рисовать.

Расцвет «креденциализма»

Когда модернизм захватил власть и начал разрушать связанные с университетами художественные школы, те, кто не был связан с университетом, вскоре начали ощущать давление иного рода.

Видите ли, многие художественные колледжи раньше считались «профессиональными училищами», которые не предлагали ученых степеней. Они сосредоточились на тренировках. От художников и иллюстраторов не ожидалось, что они выйдут из школы с отличием.F.A. Вместо этого цель этих профессиональных школ заключалась в том, чтобы обеспечить прочное обучение, которое помогло бы учащимся развить набор навыков и прочное портфолио работ.

Однако после Второй мировой войны в Соединенных Штатах произошел широкий социальный сдвиг, который был инициирован бумом молодежи, стремящейся получить высшее образование. Возникшее в результате перенасыщение рабочими с университетским образованием коренным образом изменило рынок труда. К 1970-м годам из-за конкуренции со стороны образованных соискателей профессии, которые когда-то предлагали хорошие перспективы тем, у кого не было степени, почти требовали ее.В связи с одновременным сокращением рабочих мест на производстве, доступные возможности карьерного роста для тех, кто не имеет высшего образования, значительно сократились.

Спрос на еще большее количество квалификаций привел к любопытному явлению, известному как «аттестация» или «завышение дипломов», когда работодатели ищут все более высокие квалификации для тех же рабочих мест.

Все это вместе сделало дипломы более ценными. К тому времени, когда я был подростком, поступление в университет стало стандартным ожиданием почти для всех выпускников средней школы.

Сегодня многие склонны не доверять любому профессионалу, не имеющему хотя бы степени бакалавра. На самом деле степени бакалавра может быть недостаточно. Спрос на еще большее количество квалификаций привел к любопытному явлению, известному как «аттестация» или «завышение дипломов», когда работодатели ищут все более высокие квалификации для тех же рабочих мест.

К 1990-м годам независимые художественные школы почувствовали себя непросто. Если бы они хотели привлечь качественных соискателей (и взимать с них соответствующую плату), им тоже пришлось бы начать предлагать степени.В результате большинство крупных художественных колледжей уже перешли исключительно на четырехлетние программы бакалавриата и даже магистратуры.

Художественное обучение не входит в число приоритетов программ академической степени

Этот переход к программам на получение степени привел к глубоким изменениям в учебной программе художественных школ. Многие органы аккредитации — организации, которые решают, какие школы могут присуждать степени — требуют, чтобы программы бакалавриата строились на основе основной учебной программы, которая обычно составляет академических .Другими словами, старой модели «профессиональной школы», ориентированной на обучение практическим навыкам, уже недостаточно. Чтобы соответствовать этим требованиям, художественные колледжи предъявляют к своим ученикам значительные академические требования.

Не поймите меня неправильно. Это не обязательно плохо. Существуют основные требования, чтобы обеспечить учащимся обширную базу знаний, которая помогает им стать вдумчивыми, четко формулировать свои мысли. Я сам изучал политику и историю в университете, поэтому считаю, что гуманитарные науки важны.

Но для учащихся, желающих развить свои навыки рисования и рисования, такая школьная работа на самом деле не помогает им в достижении их целей. Время, затрачиваемое на написание статей, значительно сокращает время, которое можно провести в студии.

Если наблюдательные навыки рисования и рисования в любом случае не важны, как предполагают основные принципы модернизма, тогда студийное обучение не потеряно.

И все же художественные школы рады подчиняться.Теория искусства и критика сейчас играют центральную роль в мире искусства. Студенты, желающие участвовать в этом диалоге, должны уделять много времени чтению и учиться говорить о своей работе в современном критическом контексте. Если наблюдательные навыки рисования и рисования в любом случае не важны, как предполагают основные принципы модернизма, тогда студийное обучение не потеряно.

Итак, вот где мы находимся. Многие художественные колледжи, похоже, не обучают традиционным навыкам рисования и рисования, потому что:

• Такие навыки не ценятся в этих учебных заведениях и не ценились десятилетиями
• Программы получения дипломов делают упор на ученых, часто в ущерб практическим занятиям

Дела улучшаются

Так что же делать потенциальному художнику-представителю? Для оптимизма есть масса причин:

Креденциализм, возможно, достиг пика

Последние тенденции приема на работу показывают, что получение ученой степени — не священная корова, как раньше.Крупные технологические компании, такие как Apple и Google, недавно изменили свою политику приема на работу, чтобы принимать кандидатов без высшего образования. Они определили, что лучшие таланты больше не всегда приходят из колледжей и университетов. Всего несколько лет назад это было немыслимо.

Хотя я не гадалка, я ожидаю, что эта тенденция сохранится и распространится на другие области по мере того, как стоимость послесреднего образования взлетает до абсурдных высот (по крайней мере, в Соединенных Штатах).Несомненно, это отразится на художественных школах. В конце концов, это B.F.A. действительно стоит пожизненных сокрушительных долгов, которые могут прийти с этим?

В ближайшем будущем, я думаю, частый ответ будет «нет».

Есть хорошие возможности за пределами художественного колледжа

Художественный колледж

— не единственный (и даже лучший) вариант для тех, кто хочет учиться изобразительному искусству. Частные художественные студии и «ателье» процветали за последние 20 лет, потому что они дают тысячам голодных студентов то, чего нет в художественных колледжах: основательные практические занятия по изобразительному рисунку и живописи.

На самом деле, некоторые из самых уважаемых сегодня художников-реалистов вообще не изучали свое ремесло в колледже, а под руководством конкретного художника-единомышленника или группы художников.

Многие частные школы-студии предлагают программы обучения, которые настолько строгие и требовательные, насколько многие ожидают от колледжа, а некоторые даже требуют четырехлетних занятий на полный рабочий день. Однако эти школы не обременены требованиями аккредитационных органов и могут свободно обучать своих учеников тому, что они считают важным.Эта модель больше похожа на старые профессиональные училища.

Хотя учащиеся таких школ не получают ученой степени, они все же приобретают сильный набор навыков изобразительного рисунка и живописи, а это именно то, что они искали в первую очередь.

Этот вид художественного заведения завоевывает все большую популярность. В конце концов, если требования к ученой степени продолжают ослабевать, отсутствие ученой степени может перестать быть обязательством, как это было раньше.

Художественные колледжи приближаются к

В последние годы репрезентативная работа несколько вернулась.Такие художники, как Дженни Сэвилл, Эрик Фишл и Кехинде Вили, покорили верхние эшелоны рынка современного искусства своими откровенно образными картинами. В результате художественные школы, которые отстаивают фигуративную работу, такие как Нью-Йоркская академия искусств, наслаждаются временем, проведенным на солнце, в то время как те, которые насмехались над репрезентацией на протяжении десятилетий, начинают пересматривать свои взгляды.

Еще один фактор, который способствует такому изменению мнения, — это новые преподаватели художественных колледжей.В наши дни, в немалой степени из-за недавней популярности частных школ-студий, больший процент вновь нанятых преподавателей имеет более сильный опыт в традиционных методах по сравнению с их предшественниками. Таким образом, эти учителя могут больше предложить студентам, ищущим такое обучение в колледже.

Это повод для надежды для студентов, желающих получить как преподавание изобразительного искусства , так и четырехлетний опыт работы в художественном колледже.

К вам

Я хотел бы услышать твои мысли.Вы когда-нибудь учились в художественном колледже? Если да, то каков был ваш опыт? Поделитесь в комментариях ниже.

Делает ли вас рисунок каждый день лучшим художником?

Этот пост может содержать партнерские ссылки

Все мы знаем клише о том, что практика приводит к совершенству и что отработка навыка каждый божий день была бы замечательной в идеальном, свободном от стресса, незапланированном мире. На самом деле это сложно сделать. Когда дело доходит до рисования и искусства, насколько невротично вы должны выделять время каждый день для занятий? Очень невротик.Несмотря на то, что это сложно, ежедневная практика рисования сделает вас лучшим художником.

Рисование каждый день сделает вас лучше в кратчайшие сроки, отточив ваши навыки и ускорив развитие моторной памяти. Вы также станете более эффективными, уменьшив усилия, необходимые для рисования и завершения работы.

Есть много веских причин, чтобы каждый день делать перерыв и вытаскивать альбом для рисования и карандаши.Давайте углубимся в причины, по которым ежедневная практика рисования сделает вас лучше.

Что происходит, когда вы рисуете каждый день?

Когда вы рисуете каждый день, вы занимаетесь так называемым «моторным обучением». Это тот тип обучения, который необходим вашему мозгу, чтобы овладеть новым навыком и развить его. Обучение моторики происходит в 3 этапа (источник):

1) Требуется много внимания, полагаться на много отзывов и совершать много ошибок. Что касается рисования, это когда вы смотрите обучающие материалы на YouTube или следуете пошаговым инструкциям из книги.

2) Требуется меньше инструкций, навык выполняется быстрее и делается меньше ошибок. Что касается рисования, это когда вы рисовали что-то несколько раз и начинаете понимать, как это успешно воссоздать.

3) Инструкции больше не нужны, выполнение задачи почти автоматическое, и почти не допускаются ошибки. В рисовании это когда вы рисуете одно и то же снова и снова до такой степени, что можете успешно нарисовать это без особых раздумий.Подумайте о том, чтобы поставить свою подпись. Сначала это было сложно, но после долгой практики это стало автоматическим.

Вот еще один практический пример моторного обучения в действии:

Помните, как вы впервые водили машину? Поначалу это, наверное, было действительно неловко, и вам нужно было обдумать каждую мелочь. Со временем ты к этому привык, и вождение стало легче. Вы начали понимать левый поворот, ощущения от вашей машины при торможении и то, куда вам нужно было ехать. В конце концов, у вас были дни, когда вы ехали на работу и не могли вспомнить, как туда попали.Вождение настолько укоренилось в вашей мышечной памяти, что вы могли делать это автоматически. Вот как работает моторное обучение.

Чем быстрее вы проработаете этапы моторного обучения, тем быстрее вы сможете улучшить навык.

Рисуя каждый день, вы ускоряете моторику и быстрее овладеваете навыками рисования. Ваши штрихи станут более плавными, вы поймете, как без ошибок создавать нужные фигуры, а время, необходимое для завершения работы, уменьшится.Ваш мозг «осваивает» «моторные» навыки, необходимые для того, чтобы стать прекрасным художником.

Рисование каждый день поможет рисовать быстрее

Если вы похожи на меня, вас расстраивает, сколько времени уходит на то, чтобы закончить рисунок. Стирание линий снова и снова и кропотливая работа над исправлением мельчайших мелочей. Не весело. Однако это не будет происходить вечно, и рисование каждый день может помочь ускорить процесс. Вспомните, когда вы впервые написали свое имя. На формирование каждой буквы ушла целая вечность, верно? Бьюсь об заклад, вы можете написать свое имя с закрытыми глазами.

По мере того, как вы работаете над навыком и улучшаете свое моторное обучение, ваш мозг фактически начинает работать быстрее. Вашему мозгу не нужно так усердно работать, чтобы воссоздать навык, который он приближается к овладению, как он делает навык, который он сначала изучает. По сути, ваш мозг становится более эффективным. (источник).

Когда ты рисуешь каждый день, это не только кажется легче, но и легче. Вы заметите, что для воссоздания форм и фигур, над которыми вы работали, требуется меньше умственных усилий и энергии, что может сократить время, необходимое для их завершения.Это, вероятно, также вызовет приятный побочный эффект, помогая вам больше получать удовольствие от своего искусства. Когда вы меньше напрягаетесь мысленно во время ежедневной практики рисования, это может быть веселее.

Рисование каждый день научит видеть иначе

Помимо моторного обучения, рисование каждый день также заставит вас по-новому взглянуть на мир. Без глаза художника автомобиль остается автомобилем. Для художника автомобиль — это 4 круга, прикрепленных к набору квадратов. Что проще нарисовать, машину или набор кругов и квадратов?

Когда вы будете практиковаться в рисовании каждый день, вы начнете замечать, что ваши рисунки представляют собой просто совокупность линий, форм и теней.Это не оскорбительно; это хорошо. Исследования показывают, что улучшение навыков рисования связано с пониманием формы объектов, того, как линии разделяют свет и темноту и где находятся разные объекты по отношению друг к другу (источник). Это об основах. И видеть основы того, что они из себя представляют, когда вы рисуете.

Сколько часов в день нужно заниматься рисованием? Миф о 10 000 часов

Малькольм Гладуэлл популяризировал правило 10 000 часов в своей книге «Выбросы».Это правило гласит, что требуется 10 000 часов практики, чтобы развить навык и достичь мастерства.

Конечно, если вы потратите 10 000 часов на практику рисования, вы, вероятно, станете лучше в этом. Но в правилах 10 000 не учтен важный фактор. Допустим, вы тратите 10 000 часов на рисование цветка без лепестков. Каждый раз вы рисуете стебель, головку и листья, но полностью забываете о лепестках. Спустя 10 000 часов вы задаетесь вопросом, почему вам не удается нарисовать идеальный цветок. Вы тренировались 10 000 часов, верно?

С тех пор, как Гладуэлл опубликовал свою теорию 10 000 часов, исследования продолжили ее развитие, заявив, что практика, выполняемая в течение этих 10 000 часов, должна быть высококачественной и продуманной.

Каждый раз, когда вы рисуете цветок, вы учитесь на своих ошибках и сознательно пытаетесь их исправить. Возможно, вы нарисуете цветок без лепестков, но в следующий раз вы нарисуете несколько лепестков. Возможно, они не идеальны, но это улучшение. В следующий раз вы продолжите учиться на своих ошибках и нарисуете более изысканные лепестки. Если вы будете вдумчиво относиться к тому, что вам нужно улучшить, эти 10 000 часов практики будут окупаться и фактически улучшат ваши навыки рисования цветов (источник).

На самом деле, если вы не заботитесь об улучшении своих навыков во время практики, вы можете усвоить некоторые вредные привычки, от которых трудно избавиться.Предположим, я слишком сильно нажимаю на карандаш, когда рисую стебель цветка, и это создает вмятину на бумаге. Если я не собираюсь решать эту проблему, я приобрету привычку слишком сильно нажимать на свою бумагу и буду изо всех сил пытаться ее исправить.

По сути, чем больше у меня часов «плохой практики», тем больше часов «хорошей практики» мне понадобится, чтобы восполнить это и заново освоить навыки правильным образом.

Отойдите от рисования

Как мы видели, рисование каждый день может ускорить развитие моторики и помочь вам быстрее улучшить свои навыки рисования.

Тем не менее, важно сохранять равновесие.

Посчитайте, сколько времени у вас есть на ежедневную практику рисования, но не переусердствуйте. Помните, что практика бесполезна, если она не является качественной и преднамеренной. Практика в течение двух часов в ухабистой поездке на автобусе — не лучший источник качественной практики. Если у вас есть только 5 минут в день на практику, но эти 5 минут — это высокое качество, это будет лучше, чем 2 часа неровной езды на автобусе низкого качества.

Также важно время от времени полностью отстраняться.Представьте себе спортсмена, который отдыхает после большой игры или гонки. Рисовать каждый день — это здорово, но у вас должно быть свое «межсезонье». Исследования показывают, что отказ от практики может уменьшить количество «не относящихся к задаче сил», которые вступают в игру (источник). «Силы, не относящиеся к задаче» — это любые движения, которые не способствуют успеху задачи, над которой вы работаете.

Слишком долгая практика без перерыва может привести к выгоранию, которое может привести к ошибкам, оплошностям и «силам, не имеющим отношения к задаче».«Делайте необходимые перерывы, чтобы предотвратить выгорание и убедитесь, что ваша практика всегда высокого качества. Может быть, это означает, что вы не рисуете каждый понедельник или что у вас есть выходной каждый месяц на целую неделю.

Последовательная практика рисования поможет вам только в том случае, если вы сможете избежать выгорания и продолжать рисовать долгое время. Какой смысл быть великим художником, если вы перегорели и потеряете к нему страсть?

Рисование — это навык, который можно изучить и улучшить со временем. Придерживайтесь ежедневного графика рисования с перерывами, чтобы избежать выгорания, и вы увидите, что ваши навыки улучшатся.

Рисование приобретенных навыков или природных талантов? | Майра Найто

«Рисование — приобретенное умение или природный талант?» — спросил один из моих первых профессоров искусства. «Я здесь, чтобы сказать вам, что рисование — это приобретенный навык», — сказал он. Действительно? Признаюсь, что я немного усомнился, когда услышал это, но я немного оживился, сделал еще глоток кофе и действительно обратил внимание. Понимаете, я не сомневался в себе. У меня был «дар». Я всегда умел рисовать, не имея формального образования.У меня был то, что можно было бы назвать природным талантом. Но мне было любопытно. Я видел некоторые из первых попыток моих одноклассников и задавался вопросом, как он намеревался доказать это. Конечно, это был класс рисования начального уровня. Но знаете, как некоторые люди говорят, что не могут даже нарисовать фигурку? Ну вот и большинство из этого класса!

Этот класс был обязателен для студентов, специализирующихся на искусстве, но один из курсов General Ed доступен для всех, независимо от специальности. Так что там было множество студентов, разного происхождения, дюжины разных специальностей.Многие любили искусство, но не могли рисовать, чтобы спасти свою жизнь. Некоторые девушки плакали (буквально), просто зная, что они не умеют рисовать, и этот факультатив собирался потратить их средний балл на ветер. Признаюсь, я никогда не думал об этом. Его вопрос, я имею в виду… «Рисование приобретенных навыков или природного таланта» было для меня новой концепцией. Я думал, ты можешь или не можешь. Мне было непонятно, как он намеревался научить их этому «умению». Но, как я уже сказал, мое любопытство было возбуждено.

Отбросьте на мгновение свой скептицизм

Вам не нужно говорить это вслух.Понятно, что вы думаете… «Я не могу рисовать, чтобы спасти свою жизнь. У меня просто нет таланта! » Мой профессор сказал бы, что это просто отговорка. Если бы вы действительно захотели и приложили все свои усилия и ум к обучению, вы могли бы развить этот навык. Да, некоторые люди кажутся рожденными с талантом. Им это дается намного проще. Что в них такого, что дает им этот, казалось бы, врожденный дар? «Способность ВИДЕТЬ», — сказал он. «У них есть способность видеть то, что перед ними, и интерпретировать это на каком-то холсте.Вы, мои птенцы, должны научиться видеть. Так началось тихое роптание замешательства к общему мнению: «О чем этот парень говорит? Конечно, я вижу! »

«О, я знаю, что ты можешь« видеть »», — сказал он, повышая голос, перекрывая грохот класса и произнося цитату из мизинца. «Вы можете видеть, но на самом деле вы не видите …» И поэтому он продолжил, чтобы положить конец спорам, с которыми, я уверен, он встречался в начале каждого семестра, когда задавал вопрос. Рисование — приобретенные навыки или природный талант? Он начал с разбивки того, что видит художник, и, что более важно, , как они видят.Например, художник начинает писать портрет, глядя на живую модель. Они не просто видят лицо; они видят сеть форм, плоскостей и углов. Очень сложная природа человеческого лица разбита на самые простые структуры. Это основные строительные блоки.

Основные формы и плоскости человеческого лица

С этого момента художник начинает работать с меньшими формами и продолжает работу по форме за формой, пока не дойдет до мельчайших из них (деталей). Проблема с нехудожниками в том, что они пытаются начать с деталей.Это все равно, что строить дом и пытаться заделать крышу и окна, не заложив предварительно фундамент и каркас. Взгляните на это видео, на котором художник Юэхуа Хэ рисует портрет президента Обамы. Он не начинает с того, чтобы правильно подправить глаза и нос. На самом деле, начальная стадия лишь смутно выглядит как человеческая! Он начинает с основы, самой базовой структуры или формы. Убедитесь сами…

http://youtu.be/VUKVkXkc0h5

Я не уверен на сто процентов (в конце концов, это было почти 30 лет назад!), Но насколько я помню, способность рисовать в этом классе значительно улучшилась.Большинство из них оказалось не хуже тех из нас, «прирожденных талантов». Поэтому я пришел к выводу, что рисование — это приобретенный навык, очень похожий на математику, музыку или спорт. Хотя у некоторых может быть естественная склонность к этим вещам, других можно научить навыкам, необходимым для их выполнения, по крайней мере, с некоторой компетентностью. Остальное зависит от человека и от того, сколько он тренируется и работает над совершенствованием своего дела. В некоторых случаях новым художникам было лучше учиться с нуля. Были некоторые из нас, которые рисовали целую вечность, и им пришлось избавиться от некоторых вредных привычек.

Мой последний ответ

В конце семестра я должен был прийти к выводу, что да, рисование — это приобретенный навык для одних и естественный талант для других. Лишь несколько лет спустя я прошла курс развития детей, в котором говорилось, что все очень маленькие дети любят рисовать и рисовать. Только когда они достигнут 8–12 лет, они начинают уклоняться от этого по нескольким причинам.

Во-первых, дети начинают понимать, что то, что они рисуют, не совсем похоже на то, что они видят.Во-вторых, усиливается давление со стороны сверстников, и они начинают бояться критики. Сочетание этих двух вещей положит конец творчеству ребенка (по крайней мере, на публике). Итак, навыки, которым они учились в детстве (в плане искусства), сломались в раннем возрасте. Вот почему, взрослые, вы слышите, как люди говорят, что рисуют, как дети. Хорошо обязательно! Вот где вы перестали учиться. Я получаю это сейчас!

Если вы хотите быть хорошим математиком, то изучайте математику. Хороший музыкант должен изучать музыку или тот инструмент, который ему интересен.Если вы хотите стать спортсменом, тренируйтесь, тренируйтесь, тренируйтесь! А если хочешь быть художником, то будь художником. Изучите основы. Есть любое количество курсов, которые вы можете пройти в школе для взрослых или младших классов колледжа, или бесчисленное количество онлайн-курсов. Это то, что я проверял, и мне он нравится. Стэн Прокопенко бесплатно рассказывает об основах с помощью юмористических видеороликов на YouTube, а также предлагает более подробные уроки для платных премиум-участников (пожизненное членство по очень низкой цене). У него также есть пакетные уроки, доступные на его веб-сайте.

Существуют также такие книги, как Рисование правой стороны мозга или Как рисовать то, что вы видите . (Наука, лежащая в основе Рисование правой стороны мозга была давно опровергнута, но упражнения довольно хороши.) Изучайте, развивайте базовые навыки и развивайте их, практикуясь и продолжая учиться. Рисование (практика) каждый день имеет важное значение для прогресса. Даже те, кто, казалось бы, рождены с этим даром, если они хотят расти как артисты, они должны продолжать оттачивать свои навыки.Короче говоря, отвечая на вопрос моего профессора… «Приобретено ли рисование?» Абсолютно!

Тайна того, почему одни люди умеют рисовать, а другие не раскрываются

Искусство дела: Тайна того, почему одни люди хорошо рисуют, а другие не раскрываются окончательно

Тед Торнхилл

Опубликовано: 11:26 GMT, 25 апреля 2012 г. | Обновлено: 00:40 GMT, 26 апреля 2012 г.

Рисование часто считается подарком, который у вас либо есть, либо — как подтвердят многие разочарованные художники — нет.

На самом деле, говорят ученые, хотя некоторые от рождения обладают природным талантом, любой может научиться хорошо рисовать.

Единственная загвоздка в том, что «как и все сложные навыки, вероятно, нужно 10 000 часов практики, чтобы стать действительно профессиональным».

Не волнуйтесь, если вы не можете сравниться с Микеланджело — практика ведет к совершенству, говорят исследователи.

Исследователи из Университетского колледжа Лондона считают, что те, кто не умеет рисовать, не видят мир таким, какой он есть на самом деле — и им просто нужно поработать над своим зрением. навыки и умения.

Они говорят, что наши предубеждения часто омрачают наше восприятие объектов, заставляя нас искажать их, когда мы прикладываем карандаш к бумаге.

Хорошие ящики позволяют более тонко воспринимать объекты и размещать их на странице.

Ребекка Чемберлен, психолог, руководившая исследованием, сказала: «Большинство людей, вероятно, не становятся опытными, потому что они недостаточно практикуются, а также их отталкивает ранняя неудача». ”. ‘

Мисс Чемберлен и ее коллеги проводили эксперименты, исследуя роль зрительной памяти в рисовании.

Они считают, что умение частично является результатом способности запоминать простые отношения в объекте, такие как угол между двумя линиями.

Хорошая зрительная память — ключ к созданию шедевра, как эта картина Бенджамина Уильямса Лидера, выставленная в Бирмингемском музее и художественной галерее

Они также обнаружили, что люди, которые могли игнорировать окружение объекта и сосредоточиться на деталях, могли рисовать больше точно.

И те, кто был в состоянии игнорировать свои предубеждения и рассматривать объекты свежим взглядом, также создавали лучшие зарисовки.

Мисс Чемберлен сказала: «Удивительно, но может быть труднее нарисовать что-то очень знакомое, например, лицо, чем что-то очень новое, о чем у людей нет предубеждений».

Те, кто принимал участие в эксперименте, обнаружили, что их навыки улучшились с помощью время.

Результаты были представлены на конференции в США в документе, написанном мисс Чемберлен и ее коллегой Крисом Макманусом.

Нужно ли мне уметь рисовать, чтобы стать аниматором?

Обновлено 04.05.2020

Путь к карьере 3D-аниматора может сильно отличаться от его 2D-аналога.Фактически, вам даже не нужно знать, как рисовать, чтобы создавать 3D-анимацию. Большая часть вашей работы будет заключаться в использовании компьютера для манипулирования персонажами и управления ими так же, как вы перемещаете марионетку. Рисование — это лишь один из немногих способов «оживить» или «оживить» объект или персонажа.

Нужно ли мне уметь рисовать, чтобы стать аниматором?

Нужно ли аниматорам уметь рисовать? Это вопрос, который вы, возможно, слышали много раз раньше, и если вы новичок в анимации, вы, вероятно, задавали его коллегам несколько раз.Рисование всегда было тесно связано с анимацией.

На заре анимации все было 2D, поэтому все нужно было рисовать от руки. Времена изменились, и теперь большинство анимационных фильмов создается с использованием 3D-анимации. Однако вопросы: «Нужно ли мне уметь рисовать, чтобы стать аниматором?» и «Требуются ли для 3D-анимации навыки рисования?» все еще вырисовывается.

Давайте подробнее рассмотрим эти вопросы с разных сторон, чтобы лучше понять важность или отсутствие таковых навыков рисования в карьере аниматора.Затем вы можете решить для себя, нужно ли вам тратить время на то, чтобы научиться быть великим художником.

Если вы профессиональный аниматор или изучаете его на курсах или на наших курсах, вы, вероятно, слышали такой ответ несколько раз, когда говорите своим друзьям или семье, что вы аниматор: «Ух ты, должно быть, ты действительно хорош. рисовать мультфильмы и прочее? » Вместо того, чтобы вдаваться в подробности 3D- и 2D-анимации, вы можете просто кивнуть и согласиться. Как вы уже знаете, если вы анимируете в 3D, вы на самом деле совсем не рисуете.Вместо этого вы позируете марионетку во многом так же, как и покадровую анимацию.

Требуются ли для 3D-анимации навыки рисования?

Если вы хотите заняться 3D-анимацией, ответ очень прост: вам не нужно быть великим художником, чтобы стать отличным аниматором. Как упоминалось выше, в 3D-анимации вы позируете марионетку. Если вы хорошо разбираетесь в 12 принципах анимации, ваша анимация будет превосходной, независимо от того, умеете ли вы рисовать или нет.

Почему нет?

Это одна из замечательных особенностей 3D-анимации; хотя вы, возможно, и не лучший традиционный художник, вы все равно можете создавать отличные анимации. Есть много профессиональных 3D-аниматоров, которые могут создавать потрясающие анимации без рисования. Многие аниматоры-пионеры считали, что анимация всегда на первом месте, а умение быть хорошим рисовальщиком — на втором месте.

Хороший готовый продукт — это не то, приятен ли рисунок для глаз, а то, насколько он правдоподобен и интересен.Анимация всегда была связана с движением, а не рисованием. Из потрясающих художников не всегда получается отличных аниматоров, и наоборот.

Итак, если вы хотите изучить 2D-анимацию, то да, знание того, как рисовать, будет жизненно важным, но даже в этом случае вам необходимо хорошо понимать основы анимации. У вас может быть отличная анимация, сделанная с помощью простых фигурок, и она по-прежнему будет хорошо выглядеть, независимо от того, тратили ли вы часы на каждый рисунок или нет.Для получения дополнительной информации загрузите наш удобный PDF-файл о 12 принципах анимации.

Как рисование может быть полезным

Хотя умение рисовать не является жизненно важным для хорошего 3D-аниматора, оно может оказаться полезным навыком. Знание того, как рисовать и создавать четкие силуэты, может воплотиться в вашей 3D-анимации и помочь вам лучше позировать для ваших персонажей. Занятия уроки рисования в дополнение к изучению 3D-анимации могут быть полезны для понимания веса и анатомии. Это также может быть очень полезно на этапах планирования и работы над анимацией на раннем этапе.Возможность экспериментировать с разными позами на бумаге всегда быстрее, чем пытаться изобразить своего персонажа в 3D-приложении.

Если вы готовы потратить некоторое время на развитие своих традиционных художественных навыков, то нет причин, по которым вам не следует этого делать. По мере обучения ищите способы применить эти навыки в 3D-анимации. Наблюдая за живыми объектами, обратите внимание на то, как меняется их тело при движении. Например, танцор использует определенные группы мышц и положения тела для создания изящных движений.Понимание этих деталей может помочь вам создать правдоподобное движение в 3D-анимации.

Опыт рисования также может пригодиться при понимании композиции. У вас будет возможность попрактиковаться и узнать о лучших ракурсах для просмотра объекта. Вы также научитесь понимать, где разместить объект в кадре и как привлекательно использовать пустое пространство.

Самое приятное, однако, то, что для приобретения вышеупомянутых навыков не требуется, чтобы у вас действительно был какой-либо талант рисования.Так что, если вам нравится идея стать аниматором, не позволяйте рисованию мешать вам.

Вероятно, одно из самых больших преимуществ того, чтобы быть великим традиционным художником, заключается в том, что это может открыть для вас больше возможностей. Есть еще много студий, которые анимируют в 2D, поэтому демонстрация того, что у вас есть возможность анимировать в обеих средах, может сделать вас более привлекательным для рекрутеров.

Какие еще навыки мне помогут?

Теперь, когда мы ответили на вопрос «Требуется ли рисование для 3D-анимации?», Давайте рассмотрим несколько других навыков, которые могут быть полезны.

Для начала, 3D-аниматоры должны уделять пристальное внимание деталям. Воплощение предмета в жизнь правдоподобным и понятным образом — непростой процесс. Он также может варьироваться от проекта к проекту, потому что у каждого персонажа разные черты характера.

Также будет полезно, если вы терпеливы, трудолюбивы и не боитесь ошибаться. Трехмерная анимация требует времени и усилий, и часто вы отбрасываете сотни попыток, прежде чем останетесь довольны.

Хорошие коммуникативные навыки необходимы, потому что вы будете работать с несколькими членами команды над созданием конечного продукта.Вам нужно будет обсудить идеи и координировать свои действия с директорами и членами групп по спецэффектам и освещению, и это лишь некоторые из них.

Наконец, вам также нужно будет приобрести определенные компьютерные навыки, включая программирование и кодирование. Вам нужно будет ознакомиться с процессами и программным обеспечением, используемым для манипулирования объектами, и научиться вносить творческие изменения, когда это необходимо. Фактически, навыки работы с компьютером могут быть самой важной частью 3D-анимации.

Что мне делать?

Короче говоря, если вы не лучший художник, не нужно думать, что вы не можете быть отличным аниматором, потому что это совсем не так.Анимация сводится к умению создавать правдоподобные и привлекательные движения, оживляя персонажей. Умение рисовать не окажет прямого влияния на 3D-анимацию.

Если вы готовы узнать, как стать 3D-аниматором, начните с записи в класс, охватывающий многие фундаментальные аспекты. Получите широкое представление о процессах и навыках, задействованных в этом типе анимации, и углубитесь в них по мере того, как набираетесь опыта. Научитесь использовать программное обеспечение для анимации и познакомьтесь с процессом и принципами работы программ.Программа получения диплома о высшем образовании — отличный способ начать, но есть также сертификаты, доступные, если вы выберете другой путь.

Продолжайте учиться и ищите возможности получить реальный опыт, создавая портфолио из своей работы и развивая свои навыки. Также может быть полезно изучить специальный навык, такой как анимация боевых сцен или движений животных. Вначале беритесь за любую работу, которую можете получить, а не ждать, пока к вам придет компания вашей мечты.Вы сможете получить ценный опыт, который сделает вас более желанным в будущем и поможет вам получить работу своей мечты, когда придет время.

Если вы хотите улучшить свои навыки анимации, обязательно ознакомьтесь с подробными учебными пособиями по анимации в библиотеке Digital-Tutors.

Ты умеешь рисовать? — Личная история о навыках рисования

Всю жизнь хотел научиться рисовать. Какие бы навыки я не приобрел за эти годы, всегда было одно желание: , чтобы научиться рисовать .Иногда мне казалось, что я, наконец, овладеваю навыком, только чтобы осознать его снова: нет, еще нет.

Но теперь, когда большая часть этой агонии прошла, я хочу поделиться своей историей и спросить вас: что это значит, когда вы говорите, что можете или не можете рисовать? Часто говорят: «Я даже фигурку не могу нарисовать!» Это, вероятно, означает, что они отказываются даже пытаться.

Фигурки из карандашей

Самый унизительный момент, связанный с рисованием, был для меня, когда мне было около 8 лет, и нам приходилось рисовать деревья в школе.«Не создавай беспорядка», — сказала учительница. Но , нет, , я наделал беспорядок, и мне пришлось смотреть, как мой учитель показывает мне, как рисовать дерево. Дерево, которое она нарисовала, совсем не походило на дерево. Это была едва ли ветка, почти просто палка. По крайней мере, это было не живое дерево. Я слышал, как она вздыхала и говорила, что она тоже не умеет рисовать!

Рисование реалистичных изображений

Я продолжал тренироваться. В результате я понял, что те, кто рисовал фигурки из палочек, на самом деле не смотрели на объект.Когда им дали три листа, они нарисовали три символа листьев. Поэтому я подумал, что если я буду рассматривать объекты, как будто они вовсе не листья, я смогу нарисовать их более реалистично.

А вот три листа, которые я принес домой в кармане, красивые, натуральные, живые. Когда я смотрю на них, я чувствую их присутствие, и они вызывают мысли. Это не просто плоские объекты. Если бы я нарисовал, как мои глаза обводят листья, как бы это выглядело?

Вот чему я научился в подростковом возрасте: я мог использовать несколько линий для рисования, начиная с тонких и светлых линий и заканчивая сильными темными линиями.Результат был бы совсем неплохим, даже если бы я ошибся вначале. Тогда я впервые решил, что умею рисовать. По крайней мере, я мог создавать реалистично выглядящие картинки.

Чертеж без моделей

Но вскоре у меня возникли сомнения. Каждую неделю просматривая книги по искусству в местной библиотеке маленького городка, я видел много выдающихся шедевров. Чем глубже я погружался в историю искусства, тем больше думал о разнице между копированием и рисованием по памяти. Я предполагал, что у большинства великих художников была способность понимать пропорции и структуры, чтобы они могли рисовать что угодно, не имея модели или фотографии.

Так что я отказался от моделей, зеркал и прочих изображений. Моей целью было нарисовать все, что приходило мне в голову. Объем нарисованных мной рисунков оставил след в моей памяти. После некоторой практики я смог рисовать обычные объекты, например, листья. Но, опять же, меня это не удовлетворило. Я обнаружил новый фактор: линию. Линия — это не просто линия. Это своего рода подпись. Это может быть быстро и без усилий или медленно и скучно. А мой был больше вторым.

Я открыл для себя художников, которые действительно умеют рисовать.Как финская художница Мийна Эккийрккя. Я завидовал этим плавным линиям. Между тем я получил диплом промышленного дизайнера. Мне снова вернуться в школу? И если да, то где? Решил учиться сам.

Здесь я должен сказать вам, что сам изучил много ремесел, и это не всегда было очень эффективным. Когда я научился квилтингу, я отказался гладить, даже если об этом говорилось в каждой книге по квилтингу. Мне потребовалось десять лет, чтобы овладеть этим навыком, а это означает: использовать железо и признать, что оно действительно имеет значение.Когда я решил научиться рисованию, я боялся, что снова упущу что-то важное, стремясь к цели. Так что я подошел очень медленно. Я понял, что если я начну с базовой формы и сделаю достаточно повторений, я научусь рисовать. Я выбрал свою любимую форму, круг, и начал рисовать.

Стили рисования

Обучаясь рисовать круг выразительной линией, я понял, что могу отличать свои круги от кругов, созданных другими. Итак, я добавил новый фактор к определению рисунка: стиль .Я хотел иметь свой стиль, свою линию. По вечерам после дневной работы я рисовал круги, исследуя свои мысли и взгляд на мир. Я узнал, что простой круг может иметь очень сложную форму. И даже больше: в сочетании с другими кругами это почти слишком сложно. Вы можете рисовать маленькие круги, большие круги, замкнутые круги, открытые круги, овалы … добавлять круги внутри другого круга, строить башню из кругов … Круги меня очаровали. Это было похоже на вязание: небольшое движение за другим, и через несколько недель у вас будет что-то грандиозное!

Шли месяцы и месяцы, у меня росло предчувствие, что я нашел свой стиль.Я убедился, что если я достаточно храбр, чтобы позволить этому кругу изменить свою форму, я смогу рисовать своим собственным голосом. Как только я начал это делать, я испытал огромную радость. Было восхитительно смотреть на формы, вытекающие из моего пера. Могу я наконец назвать этот рисунок?

Потом я вспомнил то, что всегда любил: имитация . Радость обретения собственного стиля сменилась стремлением научиться подражать разным стилям. Было бы так здорово рисовать, как многие мастера, которыми я восхищался с тех пор, как просматривал книги по искусству в публичной библиотеке!

Я хотел рисовать не только романтично, но также хотел рисовать остро и по-мужски.

Я хотел упростить, не лишая рисунок жизни.

Я хотел изучить разные исторические стили, например, модерн.

Рисунок из воображения

И еще я хотел научиться использовать воображение и играть с темой. Разве не было бы мило, если бы муравьи могли использовать падающие листья как самолеты? Тогда у них обязательно была бы своя взлетно-посадочная полоса и авиадиспетчерская служба!

Определение рисунка

Однажды я понял, что для меня обучение рисованию — это не рисование.Это больше для того, чтобы заставить вас рисовать. Я думаю, что обучение рисованию — это мое последнее определение способности рисовать. Вот почему в настоящее время я пишу книгу о том, как научиться рисовать увлекательным способом, который сильно отличается от учебных пособий, которые вы видели в Интернете и книжных магазинах.

Позвольте мне быть вашим учителем рисования: подпишитесь на мои еженедельные электронные письма!

3 причины, по которым вам следует научиться рисовать

Вы заинтересованы в рисовании, но не уверены, стоит ли потратить на это время или усилия? Нет пота! Если вы просто хотите попробовать это или хотите сделать в нем карьеру, у обучения рисованию есть много преимуществ.

Учиться рисовать — это отличное развлечение

Само собой разумеется, что искусство — отличный способ уменьшить стресс и выразить свои внутренние мысли и чувства в форме картинок. Независимо от того, проводите ли вы большую часть времени дома или работаете на полную ставку, рисование дает огромные психологические преимущества. Согласно статье об искусстве, «искусство можно использовать по-разному для лечения эмоциональных травм, улучшения понимания себя и других, развития способности к саморефлексии, уменьшения симптомов и изменения поведения и стереотипов мышления.”

Обучение рисованию может открыть новые возможности для карьерного роста

Хотя искусство существовало веками, его влияние на промышленность сегодня так же важно, как и в прошлом. В Айдахо много работ, требующих навыков рисования.

Есть множество профессий, в которых используется искусство рисования: арт-директор, графический дизайнер, художник мультимедиа, художник комиксов и другие, которые явно находятся в этом месте. Есть даже такие должности, как Промышленный дизайн и Художники по криминальным эскизам, которые также подходят.

Быстрый поиск в системах информации о карьере, таких как Indeed.com, Neuvoo.com и Департамент человеческих ресурсов Айдахо, у всех есть вакансии. Вы также можете просмотреть веб-сайт «Словарь профессиональных титулов», чтобы найти несколько различных должностей, которые относятся к этому навыку.

Посещение уроков рисования дает возможность пообщаться

Никто никогда не говорил, что, чтобы научиться рисовать, нужно побыть одному. Превращение этого занятия в групповое занятие дает массу преимуществ.Рисование похоже на рыбалку. Хотя только один человек может ловить рыбу удочкой — или, в данном случае, карандашом — одновременно, этот человек может получить гораздо больше, чем рыба или изображение, если привлечь больше людей.

С одной стороны, чем больше людей, тем больше у них есть чему поучиться. Если у вас есть друзья, у которых уже есть некоторый опыт, вы можете поделиться друг с другом советами и идеями. Таким образом, у вас будет больше шансов улучшить свои навыки.

Наличие большего количества людей также позволяет вам общаться. Если вы похожи на меня и любите время от времени хвастаться, то нахождение в группе с другими заинтересованными людьми — отличный способ сделать это.Вы можете поделиться своими любимыми впечатлениями и проблемами, связанными с рисованием картинки, или даже тем, что вдохновило вас на ее создание.

У меня много друзей, которые также используют социальный аспект рисования для обмена своими навыками.