Жанры барокко: Музыкальные жанры эпохи барокко

Музыкальные жанры эпохи барокко

Музыкальные жанры эпохи барокко. Композиторы эпохи барокко работали в различных музыкальных жанрах.

Опера, появившаяся в период позднего ренессанса, стала одной из главных барочных музыкальных форм. Можно вспомнить произведения таких мастеров жанра, как Алессандро Скарлатти (1660—1725), Генделя, Клаудио Монтеверди и других.

Жанр оратории достиг пика своего развития в работах И. С. Баха и Генделя; оперы и оратории часто использовали схожие музыкальные формы. Например, имевшую широкое распространение арию da capo— малая музыкальная форма, характерная, преимущественно, для итальянской оперной школы. Такая ария исполнялась солистом под аккомпанемент инструментов (обычно небольшим оркестром).

Такие формы духовной музыки, как месса и мотет, (фр. motet от mot — слово) — вокальное многоголосное произведение полифонического склада стали менее популярны, но форме кантаты уделили внимание множество протестантских композиторов, в том числе Иоганн Бах.

Развились такие виртуозные формы сочинения, как токкаты и фуги. Инструментальные сонаты и сюиты были написаны как для отдельных инструментов, так и для камерных оркестров.

Появился жанр концерта в обеих своих формах: для одного инструмента с оркестром и как кончерто гроссо, в котором небольшая группа солирующих инструментов контрастирует с полным ансамблем. Концерт (итал. concerto, лат.  concertus) — музыкальное сочинение, написанное для одного или нескольких инструментов, с аккомпанементом оркестра, с целью дать возможность солистам выказать виртуозность исполнения.

Пышности и великолепия многим королевским дворам добавили и произведения в форме французской увертюры, с их контрастными быстрыми и медленными частями.

Произведения для клавишных довольно часто писались композиторами для собственного развлечения или в качестве обучающего материала. Такими работами являются зрелые сочинения И. С. Баха, общепризнанные интеллектуальными шедеврами эры барокко: «Хорошо темперированный клавир», «Вариации Голдберга» и «Искусство фуги».

О́пера (итал. opera «дело, труд, работа; опера», из лат. 

opera «труд, изделие, произведение») — жанр театральных представлений, в котором речь, соединённая с музыкой (пение и аккомпанемент), и сценическое действие имеют преобладающее значение. Крупное музыкальное произведение, в котором объединены различные виды искусства.

Орато́рия (лат. oratorium, итал. oratorio) — крупное музыкальное произведение для хора, солистов и оркестра. В прошлом оратории писались только на сюжеты из Священного Писания. Отличается от оперы отсутствием сценического действия, а от кантаты — бо́льшими размерами и разветвлённостью сюжета.

Кантата (итал. Сantata

, от лат. саntare — петь) — название вокального произведения. В первой половине XVII ст. вокальное сочинение для одного голоса (мадригал) называлось кантатой в отличие от инструментального сочинения, называвшегося сонатой. С развитием оперы в Италии развилась и форма кантаты, которая стала заключать в себе не один сольный вокальный номер, а несколько. В состав кантаты вошли: хоры, речитативы, арии, позднее дуэты с оркестровым сопровождением.

Фуга (от лат. fuga — «бегство», «погоня») — музыкальная форма, являющаяся наивысшим достижением полифонической музыки. В фуге присутствует несколько голосов, каждый из которых в соответствии со строгими правилами повторяет, в основном или изменённом виде, тему — короткую мелодию, проходящую через всю фугу.

Сюита с фр. Suite — «ряд», «последовательность») — циклическая музыкальная форма, состоящая из нескольких самостоятельных контрастирующих частей, объединённых общим замыслом.

Соната — До конца XVII века сонатой называлось собрание инструментальных пьес, а также вокальный мотет, переложенный на инструменты.

Токката (итал. toccata от toccare — трогать, толкать) — первоначально всякое произв.для клавишных инст-ов, в современном смысле — инстр-ная пьеса быстрого, чёткого движения равными короткими длительностями.

Увертю́ра (от фр. ouverture, вступление) в музыке — инструментальная (как правило, оркестровая) пьеса, исполняемая перед началом какого-либо представления — оперы, балета, кинофильма и т. п., либо одночастное оркестровое произведение, часто принадлежащее к программной музыке.

Прелюдия (от {lang-la prae…} — перед и {lang-la ludus} — игра) — короткое музыкальное произведение, не имеющее строгой формы. В период зарождения прелюдии всегда предшествовали более длинному, сложному и строго оформленному произведению (отсюда название), но впоследствии композиторы стали писать прелюдии и как самостоятельные произведения

Менуэ́т (фр. menuet, от menu — маленький) — старинный народный французский грациозный танец, названный так вследствие своих мелких па.

Контрапу́нкт (лат. punctum contra punctum — нота против ноты, или буквально — точка против точки) — в музыке одновременное сочетание двух или более самостоятельных мелодических голосов.

Симфония — музыкальное сочинение для оркестра, обычно в трех или четырех частях, иногда с включением голосов.

Инструментальные жанры в эпоху барокко получают большое распространение Аллеманда –нем.танец ср. темпа Куранта Сарабанда – стар. испанск. нар. танец Жига – стар. танец кельтского происх. Гавот Менуэт – стар. нар. фр. грац. танец

Вокальные жанры Опера Сарсуэла Опера-сериа Опера-буфф Опера-балет Театр масок Оратория Страсти Кантата (итал. cantata, от лат. саntare — петь) — название вокального произведения. Ария да капо Месса Ме́сса (итал. messa, от лат. missa) — основная литургическая служба в латинском обряде Католической Церкви Гимн – торж. песня, восхвал. кого-либо Монодия Хорал Музыка́льная фо́рма (лат. forma — вид, облик) — композиционная схема, принцип построения и следования музыкального материала Унисо́н (итал. unisono, от лат.  unus — один и sonus — звук) — единозвучие, одновременное звучание двух или нескольких звуков одинаковой высоты Моно́дия (греч. μονῳδία) в музыке — пение или исполнение музыки на инструменте в унисон или октаву, а также одноголосное пение Хорал (от греч. χορός; называется также лат. cantus firmus, итал. corale или canto fermo, фр. plain-chant) — церковная мелодия с текстом, которая поется в медленном темпе всеми присутствующими в католической и лютеранской церквах.

5.

Из перечисленных жанров отметь жанры, которым дала жизнь Эпоха Барокко             (9 пунктов)
мотет
опера
соната
оратория
духовный концерт

сюита
кантата
программная оркестровая
музыка
григорианский хорал
concerto grosso

токката
фуга
сольный концерт
электронная музыка
баллата
6. Вернись к
вопросу №5. Впиши духовные жанры эпохи Барокко. 
                                                  (3 пункта)

……………………………………………………………………………………………………………………………………………………..
7. Вернись к
вопросу №5. Впиши вокальные жанры, формировавшиеся в эпоху Барокко                (2 пункта)

…………………………………………………………………………………………………………………………………………………….

 8. Название
организации, поставившей своей целью возродить античную трагедию                         (1пункт)

 

() Кампромата                () Камерата   
                  () Катастрофа  

 9. Роль
музыки в ранней
опере………………………………………………………………………                                   (1пункт)
10. Историческая
роль Клаудио Монтеверди в развитии оперы                                                            (1пункт)

() первый выдающийся оперный
композитор

() крупнейший дирижер своего

времени

() знаменитый оперный певец,
исполнявший сложнейшие арии

() первый оформитель-
декоратор сценического действия

11. Назови
известные тебе виды опер эпохи Барокко.                                                                           (2 пункта)

………………………………………………………………………………………………………………………………….
12. Объясни
значение названий видов опер.                                                                            
                (2пункта)

……………. …………………………………………………………………………………………………………

………………………………………………………………………………………………………………………13.
Объясни:  bel canto —
……………………………………………………………………………..                                     (1 пункт)

 14.  Перечисли не менее 3-х композиторов, внесших
вклад в развитие оперы в других странах Западной Европы. Укажи их вклад.                                                                                                                      (6 пунктов)

…………………………………………………………………………………………………………………………………………………..

……………………………………………………………………………………………………………… …………………………………..

…………………………………………………………………………………………………………………………………………………..

 

15. Роль
Антонио Вивальди в развитии музыкальной культуры. Отметь главное.                             (1 пункт)

() первый скрипач – виртуоз

() создатель первого сольного
инструментального концерта

() первый рыжеволосый
композитор

() композитор, имеющий сан
аббата

 16.
Историческое значение творчества Иоганна Себастьяна Баха. Отметь подходящее
высказывание.                

                                                                                                                                                                   (3
пункта)  

() Создатель полифонического
стиля

() дополнил полифонию
многообразием новых красок

() расширил возможности
использования тональностей

() обострил гармонию смелыми
диссонирующими созвучиями

() вырастил много сыновей,
продолживших музыкальное дело

17. Сколько
опер написал И.-С. Бах?                                                                                                       (1 пункт)

() 4                              ()10                             ()0                               ()2

  18. Какое оркестровое
произведение является самым значительным в творчестве И.-С. Баха

() Хорошо темперированный
клавир                                                                           
                            (1 пункт)

() «Бранденбургские концерты»

() Токката и фуга ре- минор

() Месса  си-минор

() пассиона «Страсти по
Матфею»
19.Что такое
месса? Отметь более точное определение.                                                                        (1 пункт)

() Цикл песнопений,
исполняющихся в католической церкви во время службы.

() Крупномасштабное
музыкальное произведение.

 

20. Что
такое пассиона? Отметь более точное определение.                                                                 (1 пункт)

()Крупномасштабное
музыкальное произведение для хора, солистов и оркестра.

() Особый вид оратории,
повествующий о страданиях, выпавших на долю Христа.
21.
Композитор. Основатель немецкой оратории.                                                                                  (1
пункт)

() Г.-Ф. Гендель    () Г. Щютц     () И.-С. Бах

22. Назови
любую ораторию Георга Фридриха Генделя…………………………………………………               (1 пункт)
23. Назови выдающееся произведение Антонио Вивальди.
Не забудь указать и жанр и название.                                                   
                                                      ………………………………………………………………………………………………………………………………………………….(1
пункт)

Музыка барокко — HiSoUR История культуры

Музыка барокко — это стиль западной музыкальной музыки, составленный примерно с 1600 по 1750 год. Эта эпоха следовала эпохе эпохи Возрождения, и в свою очередь, она была классической эпохой. Барочная музыка составляет основную часть канона «классической музыки», и в настоящее время она широко изучается, исполняется и выслушивается. Ключевыми композиторами эпохи барокко являются Иоганн Себастьян Бах, Антонио Вивальди, Джордж Фридрих Гендель, Клаудио Монтеверди, Доменико Скарлатти, Алессандро Скарлатти, Генри Перселл, Георг Филипп Телеманн, Жан-Батист Люлли, Жан-Филипп Рамо, Марк-Антуан Шарпантье, Арканджело Корелли, Томасо Альбинони, Франсуа Куперин, Джузеппе Тартини, Генриха Шютца, Джованни Баттиста Перголези, Дитериха Букстехуде и Иоганна Пачелбеля.

В эпоху барокко возникла тональность, подход к написанию музыки, в котором песня или фрагмент написаны в определенном ключе; этот вид договоренности по-прежнему использовался почти во всей западной популярной музыке. В эпоху барокко, профессиональные музыканты, как ожидается, будут выполнены импровизаторы как соло мелодических линий, так и частей аккомпанемента. Концерты в стиле барокко, как правило, сопровождались группой басо континуо (включая аккордеонистов, таких как клавесинисты и лютнисты, импровизирующие аккорды с фигурной басовой партии), в то время как группа басовых инструментов — скрипка, виолончель, контрабас — играла на бас-гитаре. Характерной формой барокко была танцевальная сюита. В то время как части танцевальной сюиты были вдохновлены настоящей танцевальной музыкой, танцевальные сюиты были предназначены исключительно для прослушивания, а не для сопровождающих танцоров.

В течение этого периода композиторы и исполнители использовали более сложные (необходимые разъяснения) музыкальные орнаменты (обычно импровизированные исполнителями), вносили изменения в музыкальную нотацию (развитие фигурного баса как быстрый способ обозначить аккордовую прогрессию песни или пьесы), и разработали новые инструментальные игры. Музыка барокко расширила размер, диапазон и сложность инструментального исполнения, а также установила смешанные вокальные / инструментальные формы оперы, кантаты и оратории и инструментальные формы сольного концерта и сонаты в качестве музыкальных жанров. Многие музыкальные термины и концепции этой эпохи, такие как toccata, fugue и concerto grosso, все еще используются в 2010-м. Плотная сложная полифоническая музыка, в которой одновременно выполнялись несколько независимых линий мелодии (популярным примером этого является фуга), была важной частью многих хоровых и инструментальных произведений барокко.

Термин «барокко» происходит от португальского слова barroco, что означает «misshapen pearl». Отрицательные коннотации термина впервые произошли в 1734 году, в критике оперы Жана-Филиппа Рамо, а позже (1750) в описании Шарля де Бросса из богато украшенной и сильно украшенной архитектуры дворца Памфили в Риме. Хотя этот термин по-прежнему применялся к архитектуре и художественной критике в течение 19-го века, только в XX веке термин «барокко» был принят из словаря истории искусства Генриха Вёльфлина, чтобы обозначить исторический период в музыке.

Этимология
Термин «барокко» обычно используется историками музыки для описания широкого спектра стилей из широкого географического региона, в основном в Европе, составленного в течение примерно 150 лет. Хотя долгое время считалось, что слово как критический термин впервые было применено к архитектуре, на самом деле оно появилось ранее в отношении музыки, в анонимном сатирическом обзоре премьеры в октябре 1733 года «Ипполит и ариси» Рамо, напечатанном в «Меркуре» де Франс в мае 1734 года. Критик предположил, что новинка в этой опере была «du barocque», жалуясь на то, что музыка не имела согласованной мелодии, была наполнена неудержимыми диссонансами, постоянно меняла ключ и метр и быстро пробегала по каждому композиционному устройству.

Систематическое применение историками термина «барокко» к музыке этого периода — относительно недавнее развитие. В 1919 году Курт Сакс первым применил пять характеристик теории барокко Генриха Вёльфлина к систематической музыке. Критики поспешили подвергнуть сомнению попытку перенести категории Wölfflin в музыку, однако во второй четверти 20-го века независимые попытки были предприняты Манфредом Букофзером (в Германии и после его иммиграции в Америке) и Сюзанной Клерк-Лежен (в Бельгии) использовать автономный технический анализ, а не сравнительные абстракции, чтобы избежать адаптации теорий, основанных на искусстве и литературе к музыке. Все эти усилия привели к заметному расхождению в отношении временных границ периода, особенно в том, что касается его начала. В английском языке термин приобрел валюту только в 1940-х годах, в трудах Букофцера и Пола Генри Ланга.

Еще в 1960 году в академических кругах, особенно во Франции и Британии, все еще был большой спор, было ли целесообразно объединять музыку, столь же разнообразную, как и Якопо Пери, Доменико Скарлатти и Иоганна Себастьяна Баха под одной рубрикой. Тем не менее, этот термин стал широко использоваться и принят для этого широкого спектра музыки. Может быть полезно отличить барокко от предыдущих (Ренессанс) и последующих (классических) периодов музыкальной истории.

история
Период барокко делится на три основные фазы: ранний, средний и поздний. Хотя они перекрываются во времени, они обычно датируются 1580-1630 годами с 1630 по 1680 год и с 1680 по 1730 год.

Ранняя барочная музыка (1580-1630)
Флорентийская камерата была группой гуманистов, музыкантов, поэтов и интеллектуалов в эпоху Возрождения Флоренции, которые собрались под патронажем графа Джованни де Барди, чтобы обсудить и направлять тенденции в искусстве, особенно музыку и драму. В отношении музыки они основывали свои идеалы на восприятии классической (особенно древнегреческой) музыкальной драмы, которая ценила дискурс и орацию. Таким образом, они отвергли использование их полифонией (множественные, независимые мелодические линии) и инструментальную музыку и обсудили такие древнегреческие музыкальные устройства, как монология, состоящая из сольного пения, сопровождаемого китарой (древний струнный инструмент). Ранние реализации этих идей, в том числе Дафна Якопо Пери и Л’Эвридики, ознаменовали начало оперы, которая стала катализатором барочной музыки.

Что касается теории музыки, то более широкое использование фигурного баса (также известного как тщательный бас) представляет собой развивающееся значение гармонии как линейных основ полифонии. Гармония — это конечный результат контрапункта, а фигурный бас — это визуальное представление тех гармоний, которые обычно используются в музыкальном исполнении. С фигурными басами цифры, случайности или символы были помещены над басовой линией, которую читали игроки с инструментами клавиш, например, игроки клавесина или органисты труб (или лютнисты). Номера, случайности или символы, обозначенные для клавишника, какие интервалы она должна играть над каждой нотой баса. Клавиатурный проигрыватель будет импровизировать аккорды для каждой басовой ноты. Композиторы начали относиться к ним с гармоническими прогрессиями, а также использовали тритон, воспринимаемый как неустойчивый интервал, для создания диссонанса (он использовался в доминирующей седьмой аккорде и уменьшенном аккорде. Интерес к гармонии также существовал среди некоторых композиторов эпохи Возрождения , особенно Карло Гезуальдо, однако использование гармонии, направленной на тональность (акцент на музыкальный ключ, который становится «домашней записью» пьесы), а не модальность, означает переход от эпохи Возрождения к барочному периоду. к идее, что некоторые последовательности аккордов, а не только заметки, могут обеспечить ощущение закрытия в конце фрагмента — одной из фундаментальных идей, которые стали известны как тональность.

Включив эти новые аспекты композиции, Клаудио Монтеверди продвинул переход от музыкального стиля Ренессанса к эпохе барокко. Он разработал два отдельных стиля композиции — наследие эпохи Возрождения (prima pratica) и новую технику басо континуо в стиле барокко (seconda pratica). С бассо континуо небольшая группа музыкантов сыграла бы бас-гитару и аккорды, которые составляли аккомпанемент мелодии. Группа бассо континуо обычно использует один или несколько клавишных и лютников, которые будут играть на бас-гитаре и импровизировать аккорды и несколько басовых инструментов (например, бас-гитара, виолончель, контрабас), которые будут играть на басовой линии. С написанием опер L’Orfeo и L’inconazione di Poppea среди других, Монтеверди привлек значительное внимание к этому новому жанру.

Средняя барочная музыка (1630-1680)
Возникновение централизованного суда является одной из экономических и политических особенностей того, что часто называют эпохой Абсолютизма, олицетворяемой Людовиком XIV из Франции. Модель дворца и придворная система нравов и искусств, которую он воспитывал, стали образцом для остальной Европы. Реальность восходящего церковного и государственного патронажа создавала спрос на организованную общественную музыку, поскольку растущая доступность инструментов создавала спрос на камерную музыку, которая является музыкой для небольшого ансамбля инструменталистов.

Средневековый период в Италии определяется появлением вокальных стилей кантаты, оратории и оперы в 1630-х годах и новой концепцией мелодии и гармонии, которая повысила статус музыки до уровня равенства со словами, которые ранее считался выдающимся. Флоридная, колоратурная монография раннего барокко уступила место более простому, более отполированному мелодическому стилю. Эти мелодии были построены из коротких, каденционно ограниченных идей, часто основанных на стилизованных танцевальных рисунках, сделанных из сарабанды или курча. Гарнионы тоже могли бы быть проще (необходимы разъяснения), чем в раннем барочном монологе, а сопровождающие басовые линии были более интегрированы с мелодией, создавая контрапунктическую эквивалентность частей, которые позже привели к устройству начального баса мелодия арии. Это гармоническое упрощение также привело к новому формальному устройству дифференциации речитатива (более устной части оперы) и арии (часть оперы, которая использовала певчие мелодии). Наиболее важными новаторами этого стиля были римляне Луиджи Росси и Джакомо Кариссими, которые были в основном композиторами кантат и ораторий соответственно, и венецианцем Франческо Кавалли, который был главным оперным композитором. Позже важными практиками этого стиля являются Антонио Чести, Джованни Легенци и Алессандро Страделла.

Среднее барокко не имело никакого отношения к теоретической работе Иоганна Фюкса, который систематизировал строгий контрапункт, характерный для более ранних эпох в его Градус-ад-Парнасуме (1725). [Необходимость разъяснения]

Одним из выдающихся примеров композитора в стиле придворного является Жан-Батист Люлли. Он купил патенты из монархии, чтобы быть единственным композитором опер для французского короля и не дать другим оперным спектаклям. Он завершил 15 лирических трагедий и оставил незавершенным Achille et Polyxène. Лулли был ранним примером дирижера; он будет бить время с большим персоналом, чтобы объединить свои ансамбли.

В музыкальном плане он не установил норму с нормой для оркестров, которая была унаследована от итальянской оперы, а характерное французское пятичастное расположение (скрипки, альты — в жанрах hautes-contre, tailles и quintes — и бас-скрипки) был использован в балете со времен Людовика XIII. Он, однако, представил этот ансамбль в лирический театр, верхние части которого часто удваивались рекордерами, флейтами и гобоями, а бас — фаготами. Часто для героических сцен часто добавлялись трубы и литавры.

Арканджело Корелли вспоминается как влиятельный для его достижений с другой стороны музыкальной техники — как скрипач, который организовывал технику и педагогику скрипки — и в чисто инструментальной музыке, особенно в его пропаганде и развитии концертного гросса. В то время как Люлли устроился в суде, Корелли был одним из первых композиторов, который публиковал широко, и его музыка исполнялась по всей Европе. Как с стилизацией Лулли и организацией оперы, концертный гросс строится на сильных контрастных секциях, чередующихся между играми полного оркестра и играми небольшой группы. Динамика была «террасирована», то есть с резким переходом от громкого к мягкому и обратно. Быстрые секции и медленные секции были сопоставлены друг с другом. В числе его учеников — Антонио Вивальди, который позже составил сотни произведений, основанных на принципах трио-сонат Корелли и концертов.

В отличие от этих композиторов, Дитерих Букстехуде не был существом двора, а вместо этого был церковным музыкантом, держащим посты органиста и Веркмейстера в Мариенкирхе в Любеке. Его обязанности в качестве Веркмейстера заключались в том, чтобы выступать секретарем, казначеем и бизнес-менеджером церкви, а его должность органиста включала в себя участие во всех основных службах, иногда в сотрудничестве с другими инструменталистами или вокалистами, которые также оплачивались церковью. Полностью за пределами своих официальных церковных обязанностей он организовывал и руководил серией концертов, известной под названием «Абендмусикен», которая включала выступления священных драматических произведений, рассматриваемых его современниками как эквивалент опер.

Поздняя барочная музыка (1680-1730)
Работа Джорджа Фридриха Генделя, Иоганна Себастьяна Баха и их современников, в том числе Доменико Скарлатти, Антонио Вивальди, Жан-Филиппа Рамо, Георгия Филиппа Телемана и других, продвинула эпоху барокко к ее кульминации. Благодаря работе Иоганна Фьюза стиль эпохи Возрождения полифонии стал основой для изучения композиции для будущих музыкальных эпох. Композиторы позднего барокко установили свои подвиги перед сочинениями Иоганна Фюкса.

Постоянный работник, Гендель, заимствованный у других композиторов и часто «перерабатывающий» свой собственный материал. Он также известен переработкой таких произведений, как знаменитый Мессия, премьера которого состоялась в 1742 году для доступных певцов и музыкантов.

Стили и формы

Танцевальный зал
Характерной формой барокко была танцевальная сюита. Некоторые танцевальные сюиты Баха называются партитас, хотя этот термин также используется для других коллекций предметов. В то время как части танцевальной сюиты были вдохновлены настоящей танцевальной музыкой, танцевальные сюиты были предназначены для прослушивания, а не для сопровождающих танцоров. Композиторы использовали различные танцевальные движения в своих танцевальных костюмах. Танцевальная сюита часто состоит из следующих движений:

Увертюра. Барочная сюита часто начиналась с французской увертюры («Увертюра» на французском языке), медленного движения, за которым последовала последовательность танцев разных типов, в основном следующие четыре:
Allemande — Часто первый танец инструментальной сюиты, allemande был очень популярным танцем, возникшим в эпоху немецкого Возрождения. Аллеманду играли в умеренном темпе и могли начинать с любого удара бара.
Куранте — второй танец — это курант, живой, французский танец в три метра. Итальянская версия называется corrente.
Сарабанде — сарабанд, испанский танец, является третьим из четырех основных танцев и является одним из самых медленных танцев в стиле барокко. Он также находится в тройном метре и может начинаться с любого удара бара, хотя есть ударение на втором ударе, создающее характерную «остановку» или ямбический ритм сарабанды.
Gigue — Gigue — это приподнятый и оживленный барочный танец в составном метре, как правило, заключительное движение инструментальной сюиты и четвертый из его основных видов танца. Гига может начинаться на любом ударе бара и легко распознается его ритмичным ощущением. Гига возникла на Британских островах. Его коллегой в народной музыке является джиг.
Эти четыре типа танца (allemande, courante, sarabande и gigue) составляют большинство люксов 17-го века; более поздние сюиты интерполируют один или несколько дополнительных танцев между сарабандом и звездой:

Гавот — Гавот может быть идентифицирован с помощью множества особенностей; он находится в 4
4 раза и всегда начинается с третьего бита бара, хотя в некоторых случаях это может звучать как первый удар, так как первый и третий удары являются сильными ударами в четыре раза. Гавот играет в умеренном темпе, хотя в некоторых случаях его можно играть быстрее.
Bourrée — Bourrée похож на гавот, так как он находится в 2
2 раза, хотя он начинается во второй половине последнего удара бара, создавая другое ощущение танца. Бури обычно играют в умеренном темпе, хотя для некоторых композиторов, таких как Гендель, его можно использовать с гораздо более быстрым темпом.
Менуэт — Менуэт, пожалуй, самый известный из барочных танцев в трехместном метре. Он может начинаться с любого удара бара. В некоторых сюитах может быть Minuet I и II, играемый последовательно, с повторением Minuet I.
Passepied — Passepied — это быстрый танец в двоичной форме и тройной метр, который возник в качестве придворного танца в Бретани. Примеры можно найти в более поздних номерах, таких как Bach и Handel.
Ригоудон — ригаудон — это живой французский танец в двумерном метре, похожий на бурье, но ритмично проще. Он возник как семья тесно связанных южно-французских народных танцев, традиционно связанных с провинциями Ваварайс, Лангедок, Дофине и Прованс.

Другие особенности
Прелюдия — сюита может быть запущена прелюдией, медленной пьесой, написанной в импровизационном стиле. Некоторые прелюдии барокко не были полностью выписаны; вместо этого была указана последовательность аккордов, и ожидается, что инструменталист сможет импровизировать мелодичную часть, используя указанную гармоническую структуру. Прелюдия не была основана на типе танца.
Entrée — Иногда entrée состоит из набора; но там это чисто инструментальная музыка, и никакой танец не исполняется. Это введение, маршевая пьеса, играемая во время входа в танцевальную группу, или игра перед балетом. Обычно в 4
4 раза. Это связано с итальянской «intrada».
Basso continuo — своего рода непрерывное сопровождение, обозначенное новой системой нотной записи, фигурным басом, как правило, для одного или нескольких поддерживающих басовых инструментов (например, виолончели) и одного или нескольких инструментов для аккордов (например, клавишных инструментов, таких как клавесин, орган или лютня)
Концерт (сольная пьеса с оркестровым аккомпанементом) и концертное гроссо
Монодия — отросток песни
Гомофония — музыка с одним мелодичным голосом и ритмично подобным (и подчиненным) аккордом аккомпанемента (это и монография контрастируют с типичной текстурой ренессанса, полифонией)
Драматические музыкальные формы, такие как опера, драма на музыку
Комбинированные инструментально-вокальные формы, такие как оратория и кантата, в которых использовались певцы и оркестр
Новые инструментальные техники, такие как тремоло и пиццикато
Даа-капо-ария «пользовалась уверенностью».
Ritornello aria — повторил короткие инструментальные перерывы вокальных проходов.
Стиль концерта — контрастность звука между группами инструментов.
Обширный орнамент, который обычно импровизировали певцы и инструменталисты (например, трели, морды и т. Д.),

Поделиться ссылкой:

• Нажмите, чтобы поделиться на Twitter (Открывается в новом окне)
• Нажмите здесь, чтобы поделиться контентом на Facebook. (Открывается в новом окне)
• Нажмите, чтобы поделиться записями на Pinterest (Открывается в новом окне)
• Нажмите, чтобы поделиться записями на Tumblr (Открывается в новом окне)
• Нажмите, чтобы поделиться на LinkedIn (Открывается в новом окне)
• Нажмите, чтобы поделиться в WhatsApp (Открывается в новом окне)
• Нажмите, чтобы поделиться в Skype (Открывается в новом окне)
• Нажмите, чтобы поделиться в Telegram (Открывается в новом окне)
• Нажмите, чтобы поделиться на Reddit (Открывается в новом окне)
• Нажмите, чтобы поделиться записями на Pocket (Открывается в новом окне)

Related

Юхнёва Е.В. Особенности танцевальной музыки эпохи барокко

Библиографическая ссылка на статью:
// Гуманитарные научные исследования. 2012. № 10 [Электронный ресурс]. URL: https://human.snauka.ru/2012/10/1819 (дата обращения: 21.11.2021).

Говоря откровенно, я ищу

Лишь изящество, грацию, красоту,

Мягкость, вежливость и весёлость –

Словом, всё то, чем дышит чувственность

Или игривость…

    Нирон

Мир барокко – мир, в котором нет покоя.

И.А. Бунин

Эпоха барокко… Волшебная, пафосная, изысканная… Как много ассоциаций возникает при произнесении этого слова: и цветущая сила полотен Рубенса, и изобилие натюрмортов Снейдерса, и живописная текучесть Давида Бернини, и обилие украшений в архитектуре, и витиеватые  костюмы, и сложные причёски знати, и манерные танцы, и, конечно, придворная музыка.

Само слово «барокко» пришло из португальского языка и переводится как жемчужина причудливой формы (perola barroca). Есть и другие предположения, например, что слово это происходит от латинского baroco (мнемоническое обозначение одного из видов силлогизма в схоластической логике), или от итальянского barocco (распущенный, причудливый, странный).[1] Полагаю, что для дальнейшего повествования будет удобнее подразумевать именно перевод с португальского.

Естественность для барокко является воплощением некой дикости, невежества. Так, например, в костюмах этой эпохи эта мысль отразилось сполна. Женщины должны были быть неестественно бледными, с вычурными пудреными причёсками, затянутыми в тончайший корсет и в широких юбках с фижмами или кринолинами. А мужчины, в свою очередь, стали  чем-то напоминать женщину: в париках, с выбритыми лицами, напудренные, надушенные, в костюмах, убранных лентами и кружевами…

В музыке контроль католической церкви, начавшийся ещё в эпоху Возрождения, лишь продолжал ослабляться, что помогло процветанию нерелигиозной музыки. И это стало благодатной почвой для того, чтобы появилось множество новых стилей и технологий.

Ведущие жанры эпохи:

• Оперный театр

— итальянская «драма на музыке» (opera seria)

— французская «трагедия на музыке» (лирическая трагедия)

• Инструментальная музыка

— concerto grosso

— сюита

— трио-соната

— хоральные вариации

• Вокально-инструментальная музыка

— оратория

— контанта

И поскольку главным институтом, заказывающим  музыку, являлся двор светского правителя, то музыка становится частью репрезентации власти. Ещё в начале становления барокко в моду входит опера, основой для которой служат сюжеты древнеримской и древнегреческой мифологии. В этот период основной задачей оперы было воздействие на эмоциональное состояние слушателя. Также популярны спектакли, в которых роль актёров отведена придворным во главе с королём, в них заключён явный политический подтекст.

Но разве можно представить себе развлечения аристократов без балов? Конечно, нет. Величественные куранты, изящные менуэты, весёлые бурре и игривые форланы – эти и другие придворные танцы присутствовали на каждом балу.

В данной статье освещается танцевальная жизнь: где, как и при каких обстоятельствах танцевали в эпоху барокко. Здесь стоит отметить, что часто музыка писалась исключительно для концертного исполнения, со своеобразным темпом, с капризными тактовыми украшениями (например, рисунок 8-тактной мазурки Шопена перебивался 12-тактной фразой). Среди подлинных курант есть немало написанных в темпе более живом, чем следует исполнять танец. Но об этом позже…[2]

По своему характеру барочный танец – сценический, вернее, барочный стиль танца тяготеет к сцене. Поэтому самыми первыми барочными танцами стали показательные танцы перед королём. Для этих танцев характерны: во-первых, сложность (фигуры практически не повторялись в течение одного танца), во-вторых, симметрия, появляется зеркальность движений (в предыдущую эпоху Ренессанса  зеркальной могла быть лишь схема танца, но никак не движения, т.к. танцоры идут с одной ноги), в-третьих, различия в исполнении мужской и женской партии (в определённом месте танца мужчина может поменять ногу).[3]

С середины XVII века появляются придворные балеты, в которых, как уже упоминалось, любил участвовать и король (Людовик XIV особо славился этой страстью). Придворные балеты имели аллегорический характер (например, король олицетворял собой солнце, а придворные – звёзды, поклоняющиеся солнцу).

В столь популярной опере также присутствовали танцевальные отрывки. Танцевальные сцены использовались аналогично античному хору (хору была предназначена определённая роль, например, облака, а в барочной опере танцовщицы представляли собой, например, тени умерших). Несмотря на то, что сюжет оперы был античным, характер исполнения стал барочным, то есть в центре внимания стояло не действие, а чувства героев (любовь, страдание).[4]

Для того, чтобы лучше понимать технику исполнения танца в эпоху барокко, необходимо обратиться к архитектуре, скульптуре и гравюре этого периода. «Для скульптуры (Д.Л. Бернини) и живописи (П. П. Рубенс, А. Ван Дейк во Фландрии) характерны эффектные декоративные композиции, парадные портреты. Гравюра в эпоху барокко представляла собой офорт (от франц. eau-forte – азотная кислота). Рисунок процарапывался гравировальной иглой в слое кислотоупорного лака, покрывающего металлическую пластину, затем процарапанные места протравливались кислотой, а, полученное углубленное изображение заполнялось краской и оттискивалось на бумагу. Таким образом, результат было сложно предсказать, т. к. химическую реакцию контролировала природа, а не человек».[5] Человек, ставя эксперименты, проводя опыты, постоянно вступал в отношения с природой, с природными стихиями, неконтролируемыми явлениями. Благодаря этим контактам, он понимал, что слишком многое в этом мире зависит не от него. Стихийность, которая так характерна для эпохи барокко, особо чётко прослеживается в барочной музыке. Ведь барокко отличает, с одной стороны, стремление к глубокому отображению внутреннего мира человека, к драматизму и синтезу искусств (опера, оратория, кантата, пассион), а с другой – к освобождению от союза со словом (примером служит активное развитие инструментальных жанров).

Танец постоянно перекликается с архитектурой, которую отличает текучесть сложных, криволинейных форм, пространственный размах и слитность. Пространство организовывается таким образом, чтобы с помощью зеркал и росписи создать у зрителя иллюзию расширения пространства. Точные и изящные движения весьма «архитектурны», танец создает впечатление осязаемого, пышного, нарядного здания. И здесь мы ещё раз убеждаемся в том, что искусство барокко – это нечто целое, неделимое, воспринимать которое необходимо в комплексе.

Существует определённый набор движений, с помощью которого выражаются все чувства и тонкости сюжета. Правда, в разных странах барочный танец имеет несколько различающуюся манеру исполнения. При попадании барочного танца в какую-либо страну, он или доминирует, или вбирает себя характерные танцевальные движения народа, живущего в этой стране. Примером может послужить Англия. В отличие от Франции, где манера исполнения танца достаточно мягкая, в Англии движения рук более упругие, динамичные и открытые, что, возможно, связано с более строгим воспитанием. Другой пример – алеманда. Изначально германский танец, по строению своему довольно прост, а во что он превратился в период барокко! Еще одним примером является жига – старинный танец кельтского происхождения. Барочная жига имеет мало общего с более древним исполнением танца.

Так же интересно проследить как меняются танцы других стран, попадая во время барокко во Францию. Например, возьмем композиционные танцы – контрдансы. Изначально появились в Англии, но уже к концу XVII века в них стали попадать барочные движения. Во Франции буквально случился “бум” на контрдансы, и т. к. они были несложны по композиции в сравнении с показательными барочными танцами, то они стали очень распространены, их с удовольствием танцевали и сотнями сочиняли с использованием различных игровых приемов галантного характера. Композиционные приемы контрданса попали в другие барочные танцы (менуэт, гавот и др.).[6]

Танцы эпохи барокко

Павана (музыкальный размер 2/4, очень медленно)

Павана – один из старейших известных нам исторических танцев. Впервые общественный танец приобретает определённые формы, характер и стиль исполнения. Павана позволяла показать обществу величавость танцующих и богатство их костюмов. Движения паваны напоминают ход красующейся павы. В паване есть закономерность: фигуры танца начинаются вместе с музыкальной фразой в отличие, например, от бранля, где только темп объединял танцующих.

В паване было всего три фигуры, одновременно танцевали только одна или две пары – не более. Строгий порядок в чередовании пар зависел от происхождения и общественного положения исполнителей танца. Открывался бал исполнением паваны королём или королевой, потом танцевал дофин, вслед за ним другие знатные особы и т.д.[7]

Куранта (музыкальный размер ¾, медленно)

В первой половине ХVII века куранта, наравне с паваной была самым любимым салонным танцем. Рамо характеризует куранту как «медленный важный танец, более других танцев внушающий чувство благородства». Несмотря на некоторое сходство с паваной (обеим свойственна торжественность), куранта имеет своеобразный характер, заключающийся в «вечном течении вперёд», что означает само слово «куранта».

Куранту перестали танцевать в конце ХVII века, так как ее вытеснили менее торжественные и более подвижные танцы. Танец идёт по овалу и всё время как бы «течёт» вперёд, так же в танце имеется некое подобие прыжков.

У Оскара Би в его книге «Танец» указано несколько интересных деталей, относящихся к куранте: «Французам был известен прекрасный закон параллелизма и противопоставления рук и ног. При движении с левой ноги выносится правая рука или правое плечо и наоборот. Рука движется не только в локте или в плече, но даже и в кисти. Руки, сопровождающие па, акцентируют ритм, их движение создаёт то орнаментальное окружение о котором Рамо сказал, что руки для танцующего тела являются тем же, чем рама является для картины».[8]

Гальярда (музыкальный размер ¾, темп умеренный )

От итал. gagliardo – весёлый, смелый. Гильярда – староитальянский весёлый танец: первоначально его танцевали в умеренном темпе и исполняли, обычно, вслед за паваной. Гильярда относится к числу тех бальных танцев, в прыжках и резких движениях которых сохранились черты народных плясок. В ХVI – ХVII веках это был один из самых распространённых танцев в Италии, Испании, Франции, Германии и Англии.[9]

Алеманда (музыкальный размер 2/4 –> 4/4)

Алеманда – старинный танец в умеренном темпе и четном размере (чаще всего 4/4), с плавной, закругленной мелодикой. Принадлежит к парным массовым (хороводным), «низким» (беспрыжковым) танцам.

Как бытовой и придворный танец появилась в Англии, Франции и Нидерландах в XVI веке; к этому времени относятся и самые ранние сохранившиеся записи и издания. Преобразовываясь и совершенствуясь,   просуществовала вместе с менуэтом весь 18 век. В ней впервые появляется свобода рук – положение рук наверху, до этого руки во время танцев держали вдоль тела.

«В XVII веке вошла в сольную (лютневую, клавирную) и оркестровую сюиту в качестве обязательной 1-й части. Утратив песенно-танцевальные черты, она стала торжественной вступительной пьесой в медленном темпе, часто с затактом и полифонизированным складом. В 30-е годы XVIII века вышла из употребления».[10]

Менуэт (музыкальный размер ¾ )

Скромные жители французского местечка Пуату, находящегося в Бретани, были бы, наверное, весьма удивлены, если бы им сказали, какая блестящая будущность предстоит их любимому танцу, состоявшему из «маленьких шагов» (pas menus). Мотивы этого народного танца, бесхитростного и простого, пришлись по вкусу буржуазной аристократии и придворным кругам не одной Франции, а всего мира, бравшего пример с французских законодателей мод

Ни один из предшествующих танцев не пользовался такой популярностью, как менуэт, являвшийся общепризнанным образцом старинного танцевального искусства. На протяжении нескольких веков менуэт то поднимался на вершину танцевальной славы, то подвергался временному забвению, но никогда окончательно не вытеснялся другими танцами. Все выдающиеся композиторы пользовались менуэтом как темой для своего творчества; на сцене он продолжает жить и в то время, как целый ряд других церемониальных танцев прошлого (павана, куранта) почти полностью забыты.

Первые дошедшие до нас конкретные описания менуэта относятся к 60 – 70-м годам XVII века. Как бальный танец, менуэт известен еще с XVII века, для XVIII века характерна уже его разновидность – “balance-menuet”. Для него характерна чрезвычайная плавность, изящество и кокетливость.

Менуэт – «танец королей и король танцев» – так говорили в один голос историки этого танца. «Кто хорошо танцует менуэт, то всё делает хорошо» – так говаривали современники.

Основной чертой исполнения менуэта является чрезвычайная церемонность, чопорность и торжественность. Шаг менуэта очень плавный, каждое движение вытекает из предыдущего без всякого перерыва. Достичь этого не так просто, поэтому танцевальному искусству учились долго; один поклон менуэта мог разучиваться месяцами.

«Менуэт короля», «Менуэт королевы», «Менуэт дофина», «Менуэт двора» – серия менуэтов, господствующая к концу XVII века. Сочинялись новые па, новые положения, и танцующим предоставлялось право комбинировать эти па по своему усмотрению: чем изысканнее была танцующая пара, тем свободнее она импровизировала обязательные фигуры менуэта, сохраняя при этом «начертание» на паркете танцевального зала неизменной буквы Z. Основное движение менуэта – па менуэта – комбинация из шагов, занимающих два полных музыкальных такта по ¾.[11]

Жига (музыкальный размер 6/8)

Этот салонный танец конца XVII и начала XVIII века целиком заимствован из народных шотландских жиг. Исполнялся под аккомпанемент старинной скрипки, которую за необычайно выпуклую форму прозвали «жига» – окорок. Если снять в этом танце классическую закономерность танцевальных движений и исполнять их тяжелее и больше на полу, чем в воздухе, то сразу же во французской жиге обнаружатся характерные черты популярного народного шотландского танца.

Салонная жига, кроме классических танцевальных форм, отличается от шотландских  народных жиг ещё и музыкальными темпами. Шотландские жиги – очень быстрые танцы, а французские жиги имеют музыкальный размер 6/8, в них нет характерного акцентирования сильных и слабых долей такта, свойственных шотландской жиге.

Жига была своего рода этапом в развитии салонных танцевальных форм. На фоне торжественных менуэтов и величественных паван жига, благодаря своему сравнительно скорому музыкальному темпу, позволяла находить новые танцевальные положения, выгодно отличавшиеся от размеренных и замедленных торжественных танцев.

Жигу танцевали одна, самое большое две пары, причём в течение всего танца исполнители не соединяли рук.[12]

«Различные типы жиг сосуществовали даже в творчестве одного композитора (например, у Баха), на рубеже XVII—XVIII веков общеевропейское значение приобретает итальянская жига (большинство жиг Генделя относится к итальянскому типу). Именно она вошла в качестве заключительной части в предклассическкие сонаты и сюиты А. Корелли, А. Вивальди, Ж. Ф. Рамо (Вивальди Соната для скрипки Ля-мажор). У Баха помимо жиг обоих типов встречаются образцы, с трудом поддающиеся классификации».[13]

Полонез

Полонез – «польский» (отсюда французское его название) вошёл в классическую музыку и литературу. Упоминание о нем мы находи ещё в XVII веке, но широкое распространение он получает в XVIII веке. Исполнялся, как правило, в начале балов, подчёркивая торжественный, возвышенный характер праздника. В полонезе танцующие пары двигаются по установленным правилами геометрическим фигурам.[14]

«Этим танцем хозяин дома открывал всякий бал… Он должен был провести всю вереницу гостей тысячью прихотливых извивов, через все апартаменты… Зато возвращение их в главную залу встречалось усиленными фанфарами. Длинной змеей с отливающими всеми цветами кольцами весёлая толпа, скользя по паркету, то вытягивалась во всю длину, то свёртывалась, играя в своих извивах. Кавалер, становившийся во главе колонны, старался превзойти своего предшественника небывалыми комбинациями и фигурами, которые он заставлял проделывать; в границах одного зала они могли рисовать изящные арабески и даже вензеля, никоим образом не разрешалось вяло волочиться по паркету. Поступь требовалась ритмичная, мерная, плавная, она должна была придавать всему корпусу гармоничное равновесие. Нельзя было двигаться торопливо, внезапно менять место, казаться утомленным» – так описывает полонез Ф. Лист.[15]

Сарабанда

«Поначалу это был народный танец живого, озорного, темпераментного характера, аккомпанементом которому служили кастаньеты, гитара, удары барабана. Его исполняли только женщины под песни, считавшиеся неприличными. «Танец-песня sarabanda, писали о нем современники, — неприличен по словам и отвратителен по движениям».[16]

Балетмейстер Карло Блазис в одном из своих трудов так описывает сарабанду: «В этом танце каждый выбирает себе даму, к которой он неравнодушен. Музыка дает сигнал, и двое влюбленных исполняют танец, благородный, мерный, впрочем, важность этого танца нисколько не мешает удовольствию, а скромность придает ему еще больше грациозности; взоры всех с удовольствием следят за танцующими, которые исполняют различные фигуры, выражают своим движением все фазисы любви».[17]

«С середины XVII века становится постоянной частью инструментальной танцевальной сюиты (в которой она занимает место перед заключительной жигой) и номером в опере и балете (Люлли «Триумф любви» и др.). Это способствовало кристаллизации ее жанровых признаков — медленный танец-шествие торжественно-сосредоточенного, скорбного характера, 3-дольный метр (3/4 или 3/2), акцент на второй доле такта».[18]

Гавот

«Отличительные черты гавота – умеренный темп движения, четный размер 4/4 или 2/2, начало с затакта в две доли, фразы объемом в 4 такта и четкая ритмическая пульсация. Длительности менее «восьмой» в гавоте обычно не встречаются. Форма – нередко трехчастная; 2-я часть более простого строения, иногда ее образует мюзет пасторального характера (часто основана на характерном волыночном басу). Музыка гавота светлая, изящная, порой с наивно-пасторальным, иногда и с торжественным оттенком».[19]

Став придворным танцем Франции, гавот существенно изменил первоначальный, весьма унылый характер. Теперь это галантный, вычурный и манерный танец — стиль рококо в хореографии. Усложняется и  танцевальный язык: легкие скользящие движения сочетались с изысканными реверансами, изящными вычурными позами, движений рук отличались большей танцевальностью. Современники отмечали, что гавот походит на маленький балетный спектакль для двух исполнителей. Все это способствовало распространению его и в других европейских странах.

Живопись, поэзия, скульптура, стремясь передать дух «галантного» XVIII века, часто обращались к изображению этого характерного для эпохи танца.

В XVIII веке гавот входит в инструментальные сочинения крупной формы, становится постоянной составной частью танцевальной инструментальной сюиты, где обычно следует за сарабандой, изредка предваряет ее (сюиты Баха, Генделя и др.). Широко представлен он в балетах и операх Люлли, Рамо, Глюка.[20]

Позже точные движения и изящные жесты, характерные для барочных танцев стали основой классического балета.

Ещё раз сегодня мы могли убедиться, что барокко – это скорее состояние, что-то целое, нераздельное. Музыка плавно перетекает в витиеватый танец, танец в изысканный костюм, костюм, в свою очередь, в великолепные интерьеры, а они – в богато украшенные дворцы. И всё вокруг, даже воздух, наполняется духом изысканности, динамичности, грандиозности и роскоши.

Как раз в этот момент и понимаешь, что вот же она, жемчужина причудливой формы, оставившая свой прекрасный перламутровый след на всём, что попадалось на её пути…

---

[2] Ивановский Н.П. Бальный танец ХVI – ХIХ веков. / Худ. С Горячев. Оформл. С. Плаксина. – Калининград: Янтарный сказ, 2004, с.16.

[7] Ивановский Н.П., с.30-35.

[8] Ивановский Н.П., с.37-40.

[9] Ивановский Н.П., с.41-42.

[11] Ивановский Н.П., с.54-67.

[12] Ивановский Н.П., с.92-94.

[14] Ивановский Н.П., с.127-130.

[15] Лист Ф.Ф. Шопен. М., 1936, с.45-46.

---

Количество просмотров публикации: Please wait

Все статьи автора «Liza»

Барокко — СтудИзба

БАРОККО. Слово»барокко» происходит от итальянского «barocco», означающего»причудливый, странный»,  хотя, возможно, «пышный, изобильный» будет лучшим вариантом перевода, более точно отражающим смысл. Использование этого термина началось в 1860-х годах для описания богато украшенных религиозных и общественных зданий в Италии, Германии и Австрии, построенных в XVII-XVIII веках. Позднее, в начале 1900-х годов термин «барокко» стал применяться к музыке XVII-го и начала XVIII-го века, и сегодня термин «барокко» указывает на четко определенные типы и жанры музыки, возникшие около 1600 г. и развивавшиеся примерно до 1750 г.

       Эпоха барокко отвергает естественность, считая её невежеством и дикостью. Не случайно, в то время женщина, чтобы соответствовать критериям красоты, должна была быть неестественно бледной, в вычурной прическе, в тугом корсете и в огромной юбке, а мужчина в парике, без усов и бороды, напудрен и надушен духами.

       Типичными специфическими чертами эпохи можно считать:

    ·Усиление религиозной тематики.

    ·Повышенная эмоциональность. Как известно, в эпоху барокко мировоззрение человека не просто было расколото, но окончательно потеряло цельность и гармоничность. Мировоззрение, мироощущение человека постигло глубину, внутреннюю противоречивость бытия, человеческой жизни, мироздания.

    ·Большое значение иррациональных эффектов, элементов.

    ·Яркая контрастность и эмоциональность образов.

    ·Динамизм.

    ·Тяготение к обобщающим и связывающим формам – создание циклических форм (соната, концерт), многочастных произведений(опера).

Рекомендуемые файлы

 

 Музыка эпохи барокко часто противоречива, но, тем не менее, эти антиномии умудрялись сосуществовать между собой:

 1) жанрово-танцевальное начало, вплоть до звукоизобразительной программности («Времена года» Вивальди) и духовное, обращенное к религиозным идеям (кантаты Баха и другие его произведения, кантаты Букстехуде).

 2) мажор и минор (заслуга барокко в выделении этих двух противоположных ладов).

 3) гигантские композиции («Страсти», Мессы, оратории…) и лаконичные номера.

Вам также может быть полезна лекция «1. Организационная структура».

 4) чередование разнохарактерных частей (в сюитах, концертах, операх).

 5) двойственность отношения к художественному пространству, ясность, рациональность и одновременно иррациональность, размытость. Пространство барокко в музыке имеет вертикальные ориентиры; главные виды движения в нем — подъем к небу или спуск в ад. В теории музыкальной риторики это выражается фигурами подъема и спуска. Например, a-moll прелюдия из II тома ХТК символизирует блуждание по лабиринтам пространства, по искривленным лабиринтам нечистой совести грешников. Фуга — как приговор, как грозный жест Верховного Судии на Страшном Суде, указывающий вниз, после чего начинается стремительное падение, крушение. Следовательно, мир физический оказывается внутри человека. Человек и мир предстает как одно целое.

 6) время, отражающее непостоянство, изменчивость мира. Характерная деталь музыки барокко — отсчет мгновений, неизменно пульсирующий ритм, который часто сочетается с извилистым ритмическим рисунком. Музыка барокко создала и особый тип контраста: время текущее, изменяющееся (время человеческой жизни) и время застывшее (время вечности): контраст темпов в многочастных произведениях; жанры вариаций на неизменный бас, хоральные прелюдии…

 7) хаос — порядок. Из пестрого разнообразия барочных жанров заметно выделяется жанр прелюдии (фантазии, токкаты) и фуги. Он не вышел за пределы эпохи, в то время как остальные жанры жили и изменялись еще несколько столетий. Суть цикла в противопоставлении двух принципов мышления: импровизация, непостоянство мира и человека в 1 части и размеренность, упорядоченность, регулярность, монотонность во второй.

 

 

Барокко

Тема этого урока — эпоха Барокко. Одним из значений этого слова является «жемчужина неправильной формы». Этот эпитет очень хорошо отражает суть самой эпохи. Дословно «Барокко» означает что-то неправильное, искаженное, вычурное, вульгарное. Сейчас мы, с удовольствием рассматривая памятники архитектуры, скульптуры, слушая музыку той эпохи, можем только удивляться, что это считалось вычурным или вульгарным. Для современного человека искусство Барокко — это нечто великолепное. Так, например, одним из известнейших памятников архитектуры эпохи Барокко в России — это Зимний дворец в Санкт-Петербурге (Эрмитаж), построенный В.В. Растрелли в 1754 — 1762 гг.

Как в свое время верно подметил Ньютон, ничто не возникает из ниоткуда и не исчезает в никуда. Так и Барокко возникло не на пустом месте. Барокко господствовало в искусстве на протяжении 17 и части 18 столетия, охватив всю Европу.

Прочь, Меланхолия! Исчезни,
Дочь Цербера и Тьмы! Вернись скорей
На Стикс, в страну теней
И призраков, стенящих в адской бездне.
Дай место здесь иной богине —
Ясноокой Ефросине.
К нам, о радость, как зовем
Мы на языке земном,
Тебя дочь Вакха и Венеры!
Джон Мильтон (Отрывок из поэмы «L’allegro»)

Любой человек может подумать, что это античные стихи. Но нет! Джон Мильтон это английский поэт представитель Барокко в литературе. Европа потушила свои костры инквизиции и зажгла новый — Возрождения Античности. Любование внешней красотой человеческого тела, обращение к античной философии — все это стало популярно в 17 веке. Возможно, это была реакция на жестокость средневековья. Но приглушив голос церкви, человек не смог заглушить голос Христианской морали в своей душе.

Так появилось Барокко. Основная идея стиля — используя всевозможные художественные средства и все жанры искусства прийти к Богу и вере.

Можно ли осуждать человека той эпохи, начавшего искать истину в искусстве, тем самым ступая на опасный и путанный путь, а не в религии? Наверное, нет, это было вполне закономерно. Можно ли осуждать церковь за многочисленные убийства? Наверное, нет. В ходе истории не мало таких примеров расправ с «несогласными». Почему такие меры принимаются? Конечно, это не от Бога, от Бога заповедь «Не убий». Но прежде, чем осудить одних или других, нужно ответить на вопрос «Почему каждый человек совершает плохие поступки?»

Еще одним событием, изменившим сознание людей, и соответственно ход истории, было издание в 1632 г. трудов Галилея по теории движения планет. А в 1687 г. вниманию просвященной публики был предложен закон всемироного тяготения и опубликованы «Математические начала», которые считаются отправной точкой современной физики.

Но сколько бы красивые названия эпох не объединяли художников, поэтов, музыкантов, архитекторов по напрвлениям и стилям, все равно любое искусство — это всегда отдельные личности со своими собственными именами.

Первым именем, которое мне хотелось бы назвать, это Джулио Каччини (1545 — 1618). Именно Каччини считается одним из основателей сольного пения, благодаря которому многоголосное пение, полифоническая музыка отошла на второй план, перестала играть главенствующую роль в музыкальном искусстве. Каччили принадлежал кружку «Флорентийская камерета», в котором было шесть человек: четыре музыканта и два поэта. Вот их имена: Галилеи, Пери, Кавальери, Каччини, Ринуччини, Барди.

Именно в этом кружке возникла и воплотилась идея оперы. Опера как жанр до той поры не существовала. Драма с музыкай, так тогда назвали первую оперу «Дафна», исполненную в 1597 году. Конечно, был выбран античный сюжет. Ноты к сожалению не сохранились. Этот год счтается годом рождения оперы. В 1997 отмечалось 400 лет со дня рождения оперы.

Деятельность кружка была плодотворной и вскоре вышел сборник ОДНОГОЛОСНЫХ мадригалов, канцон и арий «Новая музыка». Сборник был — своеобразной реформой вокального искусства, так как все произведения были для сольного пения. Сольное пение быстро стало популярным, и в эпоху Барокко сформировася стиль пения «Бельканто». Дословно это «красивое пение», так сказать, ангельский голос, вот что определяло стиль. Стиль бельканто подразумевает красивое и виртуозное пение, широкий диапозон голоса, инструментальное звучание. Силе звука не придавалось большое внимание.

Следующее имя, которое хотелось бы назвать, это Антонио Вивальди (1678 — 1741). Вивальди знаменит своим сочинением «Времена года». Его называли «рыжий священник», за характерный цвет волос, редко встречающийся в Венеции, где он жил и работал. Еще в юности он был пострижен в монахи. Он преподавал так же в консерватории игру на скрипке, дирижировал там оркестром и писал музыку для многочисленных концертов консерватории. Нужно сказать, что консерватория была приютом для сирот и бедных детей, а не высшим учебным музыкальным заведением. Вивальди является автором 40 опер.

Композиторы Фридрих Гендель, Генри Перселл, Иоганн Себастьян Бах — так же представляют нам музыкальное искусство эпохи барокко.

Эпоха барокко: краткая характеристика периода

Барокко — один из значимых стилей в культурной жизни Европы. Наибольшей популярности он достиг в таких странах, как Германия, Испания, Россия, Франция. Родиной его считается Италия. Эпоха барокко охватывает около двух столетий — с конца 16 до середины 18 века.

К отличительным чертам данного стиля относятся напыщенность, торжественность и парадность. Причем барокко охватывает не только художественное творчество, литературу и живопись, но и образ мышления человека, его существования, а также в какой-то мере и науку.

Произведения данного времени экспрессивны и выразительны, им присуща изощренность форм, создание иллюзорного пространства, а также причудливая игра тени и света.

Эпоха барокко дала жизнь науке. Именно в это время начинают свое развитие биология, анатомия, физика и химия, другие дисциплины. Ранее их изучение жестоко каралось служителями церкви.

Войны, эпидемии различных болезней, таких как чума и оспа, различные религиозные конфликты привели к тому, что человек чувствовал себя незащищенным и растерянным. Его будущее было неопределенным. Все больше и больше умы охватывали различные суеверия и страхи. В это же время церковь раскалывается на два религиозных лагеря — протестантов и католиков, что также порождает немало склок и баталий.

Все это приводит к новому пониманию Господа как Творца мироздания. Бог рассматривался лишь как создатель насущного, человек же управлял живым и неживым.

Эпоха барокко также характеризуется активной колонизацией — образовываются английские поселения в Старом и Новом Свете.

Архитектура того времени богата колоннадами, изобилием различных украшений на фасадах и в интерьере. Также преобладают многоярусные купола сложной, многоуровневой структуры. К наиболее известным архитекторам того времени относятся Микеланджело Буонарроти, Карло Мадерна, Николай Султанов.

В живописи этой эпохи преобладают религиозные и мифологические мотивы, а также парадные портреты. Довольно часто на картинах изображалась Мадонна, окруженная ангелами. Наиболее знаменитые художники эпохи барокко — Микеланджело Меризи, Иасенто Риго, Диего Веласкес, Питер Пауль Рубенс.

Именно в это время зарождаются такие музыкальные жанры, как опера, фуга. Музыка становится более экспрессивной. Композиторы эпохи барокко — Иоганн Себастьян Бах, Антонио Вивальди, Джованни Габриели. Как видно, много выдающихся личностей творило в то время.

Эпоха барокко – одна из наиболее значимых в истории развития человечества. Именно в это время зарождаются новые стили и направления в искусстве: литературе, музыке, живописи, архитектуре. Формируются новые взгляды на религию и человека. Возникают новые направления в науке. Несмотря на некую напыщенность, этот период подарил мировой культуре множество памятников культуры, кои высоко ценятся и в наше время. Имена мастеров и деятелей искусства эпохи барокко до сих пор гремят на весь мир.

Закономерным продолжение этого стиля стал рококо, сформировавшийся в первой половине 18 века. Ему удалось сохранить свои позиции вплоть до конца 18 столетия.

Музыка барокко — Энциклопедия Нового Света

Музыка барокко описывает эпоху и набор стилей европейской классической музыки, которые широко использовались примерно между 1600 и 1750 годами для обсуждения проблем, присущих определению начальной и конечной точек) . Считается, что эта эпоха началась в музыке после эпохи Возрождения, а за ней последовала эпоха классической музыки. Поскольку слушатели эпохи барокко больше не хотели «старомодной» музыки эпохи Возрождения, композиторы и музыканты осознали важность музыки как основного источника развлечения и, таким образом, создали произведения искусства, которые внесли значительный вклад в их общество.Они осознавали основную цель жизни — научиться служить своим собратьям.

Композиторы и философы эпохи барокко (в отличие от древних в Китае и Греции) придерживались идеи, что музыка, математика и наука находятся в космических отношениях. Открытие Пифагором серии обертонов с их математическими свойствами было, пожалуй, самым влиятельным открытием в определении теоретических аспектов западной музыки. Идея божественно упорядоченной небесной гармонии восходит к греческой философии и трудам ранних христианских философов, в первую очередь Северния Боэция.Считалось, что эти космические принципы исходят от Бога и, как таковые, имеют глубокий религиозный и духовный подтекст. Иоганн Себастьян Бах утверждал: «Единственной и конечной целью фигурного баса должно быть не что иное, как слава Бога и воссоздание разума. Там, где этот объект не находится в поле зрения, не может быть настоящей музыки, а могут быть только адские скрежеты и вопли. . »

Композиторы эпохи барокко также все больше интересовались человеческими эмоциями (страстями и привязанностями) и создавали музыку, чтобы «имитировать» эти эмоции посредством тональной организации.Обращаясь к работам Декарта и Совера, которые в своем исследовании психологического уклада человека начали «объективировать» определенные эмоции, композиторы эпохи барокко инициировали практику выражения определенных эмоций с помощью музыкальных средств.

Первоначальное значение слова «барокко» — «неправильная жемчужина», поразительно подходящая характеристика архитектуры и дизайна этого периода; позже это название стало применяться и к его музыке. Музыка барокко составляет основную часть канона классической музыки.Его широко исполняют, изучают и слушают. Это связано с композиторами и их произведениями, такими как И.С. Фуги Баха, Хор «Аллилуйя» Джорджа Фридриха Генделя, «Времена года» Антонио Вивальди и Вечерня Клаудио Монтеверди 1610 года, а также выдающийся трактат Иоганна Иоахима Кванца по технике флейты 1752 года.

В этот период развивались теория музыки, диатоническая тональность и имитационный контрапункт. Появились более сложные музыкальные орнаменты, а также изменения в нотной записи и усовершенствования в способах игры на инструментах.Музыка барокко увидит расширение размера, диапазона и сложности исполнения, а также установление оперы как типа музыкального исполнения. Многие музыкальные термины и концепции той эпохи используются до сих пор. Имеет общие характеристики, единство эмоций, орнаментации, контрастный ритм с импровизацией. Его мелодии обычно имели непрерывное движение линий, динамику террасы и расширения (либо добавление к музыке, либо вычитание).

Обзор

Стиль и тенденции

Музыка, условно называемая барокко, включает в себя широкий спектр стилей из обширного географического региона, в основном в Европе, созданный в течение примерно 150 лет.Термин «барокко» применительно к этому периоду в музыке появился сравнительно недавно, впервые он был использован Куртом Саксом в 1919 году и приобрел валюту на английском языке только в 1940-х годах. Действительно, еще в 1960 году в академических кругах все еще велись серьезные споры о том, имеет ли смысл объединять музыку столь же разнообразную, как музыка Якопо Пери, Доменико Скарлатти и Дж. Бах с одним термином; тем не менее, этот термин стал широко использоваться и принят для этого широкого диапазона музыки. Может быть полезно отличить его как от предшествующего (Возрождение), так и от последующих (Классический) периодов музыкальной истории.Небольшое количество музыковедов утверждают, что его следует разделить на периоды барокко и маньеризма, чтобы соответствовать разделам, которые иногда применяются в изобразительном искусстве.

Барокко и ренессанс

[[Изображение: Baschenis — Musical Instruments.jpg | thumb | 260px | Инструменты в стиле барокко, включая шарманку, клавесин, бас-виолу, лютню, скрипку в стиле барокко и гитару в стиле барокко. Музыка барокко разделяет с музыкой Возрождения интенсивное использование полифонии и контрапункта. Однако использование этих техник отличается от музыки эпохи Возрождения.В эпоху Возрождения гармония в большей степени является результатом созвучий, присущих плавному течению полифонии, тогда как в эпоху раннего барокко порядок этих созвучий становится важным, поскольку они начинают ощущаться как аккорды в иерархической функциональной тональной схеме. Примерно в 1600 году это определение сильно размывается: например, можно увидеть по существу тональные прогрессии вокруг каденциальных точек в мадригалах, в то время как в ранней монодии ощущение тональности все еще довольно незначительно. Еще одно различие между практиками Ренессанса и Барокко в гармонии — это частота движения основного тона аккорда на треть в более ранний период, тогда как движение четвертых или пятых преобладает позже (что частично определяет функциональную тональность).Кроме того, в музыке барокко используются более длинные строки и более сильные ритмы: начальная линия расширяется либо сама по себе, либо в сопровождении только бассо континуо, пока тема снова не появится в другом голосе. В этом более позднем подходе к контрапункту гармония чаще определялась либо бассо континуо, либо неявно нотами самой темы.

Эти стилистические различия отмечают переход от ричеркаров, фантазий, и канцон эпохи Возрождения к фуге, определяющей форме барокко.Монтеверди назвал этот более новый, более свободный стиль seconda pratica, противопоставляя его prima pratica , который характеризовал мотеты и другие священные хоровые произведения таких мастеров высокого Возрождения, как Джованни Пьерлуиджи да Палестрина. Сам Монтеверди использовал оба стиля; он написал свою Мессу In illo tempore в старом, палестинском стиле, и Вечерню 1610 года в новом стиле.

Есть и другие, более общие различия между стилями барокко и ренессанс.Музыка барокко часто стремится к большему уровню эмоциональной напряженности, чем музыка эпохи Возрождения, а пьеса в стиле барокко часто единообразно изображает одну конкретную эмоцию (ликование, горе, благочестие и т. Д.; См. Доктрину привязанностей). Музыка барокко чаще писалась для виртуозных певцов и инструменталистов, и, как правило, ее труднее исполнять, чем музыку эпохи Возрождения, хотя идиоматическое инструментальное письмо было одним из самых важных нововведений того периода. В музыке барокко много орнаментов, которые исполнитель часто импровизировал.Выразительные методы исполнения, такие как ноты inégales, были обычным явлением, и ожидалось, что они будут применяться исполнителями, часто со значительной свободой. Инструменты стали играть большую роль в музыке барокко, а вокальная музыка а капелла потеряла свое значение.

Барокко и классический стиль

В классическую эпоху, которая последовала за барокко, роль контрапункта была уменьшена (хотя неоднократно открывалась заново и вновь вводилась; см. Фуга) и заменялась гомофонической текстурой.Роль орнамента уменьшилась. Произведения имели тенденцию к более четкой внутренней структуре, особенно написанные в форме сонаты. Модуляция (смена клавиш) стала структурным и драматическим элементом, так что произведение можно было услышать как своего рода драматическое путешествие через последовательность музыкальных клавиш наружу и назад от тоники. Музыка барокко также часто модулируется, но модуляция имеет меньшее структурное значение. Работы в классическом стиле часто изображают самые разные эмоции в рамках одного движения, тогда как работы в стиле барокко имеют тенденцию к одному, ярко изображенному чувству.Наконец, классические произведения обычно достигают своего рода драматической кульминации, а затем разрешают ее; Работы в стиле барокко сохраняют довольно постоянный уровень драматической энергии до самой последней ноты. Многие формы барокко послужили отправной точкой для создания формы сонаты, создав «план этажа» для размещения важных каденций.

Прочие особенности

• бассо континуо — вид непрерывного аккомпанемента с нотами новой системы нотной записи, фигурный бас, обычно для поддерживающего басового инструмента и клавишного инструмента
• монодия — музыка для одного мелодического голоса с аккомпанементом, характерная для начала семнадцатого века, особенно в Италии
• гомофония — музыка с одним мелодичным голосом и ритмически подобным аккомпанементом (это и монодия контрастируют с типичной ренессансной фактурой, полифонией)
• текст поверх музыки — внятный текст с инструментальным сопровождением, не заглушающим голос
• вокалистов-солистов (‘бельканто’)
• драматическое музыкальное выражение
• драматических музыкальных форм, таких как опера, драматических форм за музыку
• комбинированные инструментально-вокальные формы, такие как оратория и кантата
• новых инструментальных техник, таких как тремоло и пиццикато
• четкая и линейная мелодия
• notes inégales, техника применения точечных ритмов к равномерно написанным нотам
• ария
• ritornello ария (многократные короткие инструментальные перерывы вокальных пассажей)
• стиль концертато (контраст звука между оркестром и сольными инструментами или небольшими группами инструментов)
• точная инструментальная партитура (в эпоху Возрождения точная инструментальная система для ансамблевой игры указывалась редко)
• идиоматическое инструментальное письмо: лучшее использование уникальных свойств каждого типа музыкального инструмента
• виртуозное инструментальное и вокальное письмо, с признанием за виртуозность как таковую
• орнамент
• Развитие современной западной тональности (мажор и минор)
• Каденция — расширенная виртуозная секция для солиста, как правило, ближе к концу части концерта.

Жанры

Композиторы эпохи барокко писали в разных музыкальных жанрах. Опера, изобретенная в конце Возрождения, стала важной музыкальной формой в эпоху барокко с операми Алессандро Скарлатти (1660–1725), Генделя и других. Своего пика оратория достигла в творчестве Баха и Генделя; опера и оратория часто использовали очень похожие музыкальные формы, такие как широкое использование арии да капо.

В другой религиозной музыке значение мессы и мотета несколько снизилось, но кантата процветала в творчестве Баха и других протестантских композиторов.Также процветала виртуозная органная музыка с токкатами, фугами и другими произведениями.

Инструментальные сонаты и танцевальные сюиты написаны для отдельных инструментов, для камерных групп и для (малого) оркестра. Концерт возник как в форме для одного солиста с оркестром, так и в виде концертного гроссо, в котором небольшая группа солистов противопоставляется ансамблю в целом. Французская увертюра с ее контрастирующими медленными и быстрыми частями добавила великолепия многим кортам, на которых она исполнялась.

Клавишные произведения иногда писались в основном для удовольствия и обучения исполнителя. Они включали серию произведений зрелого Баха, которые широко считаются интеллектуальной кульминацией эпохи барокко: «Хорошо темперированный клавир», «Вариации Гольдберга» и «Искусство фуги».

Краткая история музыки барокко

Музыка раннего барокко (1600–1654)

Традиционная граница между барокко и эпохой Возрождения начинается в Италии, когда композитор Клаудио Монтеверди (1567–1643) создал речитатив и возникла форма музыкальной драмы под названием опера.Это было частью застенчивого изменения стиля, которое коснулось всего искусства, особенно архитектуры и живописи.

В музыкальном плане использование фигурного баса представляет собой большие изменения в музыкальном мышлении — а именно, гармония, то есть «объединение всех частей вместе», была так же важна, как и линейная часть полифонии. Все более полифония и гармония будут рассматриваться как две стороны одной и той же идеи, с гармоническими прогрессиями, входящими в понятие композиции, а также с использованием тритона в качестве диссонанса.Гармоническое мышление существовало у отдельных композиторов в предыдущую эпоху, особенно у Джезуальдо, однако ренессанс уступает место барокко в той точке, где оно становится общим лексиконом. Некоторые историки музыки указывают на введение септаккорда без подготовки как на ключевой разрыв с прошлым. Это создало идею о том, что аккорды, а не ноты создают ощущение завершения, что является одной из фундаментальных идей того, что позже будет называться тональностью.

Италия стала одним из краеугольных камней нового стиля, поскольку папство, осажденное Реформацией, но с богатой казной, подпитываемой огромными доходами, поступавшими от завоевания Габсбургов, искало художественные средства для распространения веры в Римско-католической церкви. Одним из важнейших музыкальных центров была Венеция, которая в то время имела как светское, так и священное покровительство.

Одна из важных фигур переходного периода возникла из стремления возродить католицизм против растущего доктринального, художественного и социального вызова протестантизма: Джованни Габриэли.Его работы во многом считаются выполненными в стиле «Высокого Возрождения». Однако его нововведения стали считаться основополагающими для нового стиля. Среди них — приборы (маркировка инструментов специально для конкретных задач) и использование динамики.

Требования религии также заключались в том, чтобы сделать текст священных произведений более ясным, и, следовательно, было давление, чтобы отойти от густо многослойной полифонии Возрождения к линиям, которые помещали слова вперед и в центр или имели более ограниченный диапазон имитация.Это создало бы потребность в более сложном переплетении вокальной линии на фоне или омофонии.

Монтеверди стал самым заметным из поколения композиторов, которые чувствовали, что в этом «современном» подходе к гармонии и тексту есть светские средства, и в 1607 году его опера «Орфей» станет ориентиром, продемонстрировавшим беспорядок эффектов и техник, которые были связаны с этой новой школой, называемой seconda pratica, , чтобы отличить ее от старого стиля или prima pratica. Монтеверди был мастером и того, и другого, создав точно стилизованные мотеты, которые расширили формы Маренцио и Джасеса де Верта. Но именно его работы в новом стиле должны были стать наиболее заметными изменениями в стиле барокко. Сюда входили черты, узнаваемые даже до конца периода барокко, в том числе использование идиоматического письма, виртуозные расцветки и то, что Стэнли Сэди называет «всесторонним» использованием новых техник.

Этот музыкальный язык окажется интернациональным, поскольку Генрих Шютц (1585–1672), немецкий композитор, который учился в Венеции при Габриэли, а затем и Монтеверди, использовал его для литургических нужд курфюрста Саксонии и служил хормейстер в Дрездене.

Музыка среднего барокко (1654–1707)

Возникновение централизованного двора — одна из экономических и политических особенностей того, что часто называют эпохой абсолютизма, олицетворяемой Людовиком XIV из Франции. Стиль дворца и придворная система нравов и искусств, которую он воспитал, стали образцом для остальной Европы. Реалии растущего церковного и государственного патронажа создали спрос на организованную общественную музыку, поскольку растущая доступность инструментов создала спрос на камерную музыку.Это включало наличие клавишных инструментов.

Среднее барокко отделено от раннего барокко приходом систематического мышления к новому стилю и постепенной институционализацией форм и норм, особенно в опере. Как и в случае с литературой, печатный станок и торговля создали более широкую международную аудиторию произведений и увеличили перекрестное взаимодействие между национальными центрами музыкальной деятельности.

Среднее барокко в теории музыки определяется все более гармоничной направленностью музыкальной практики и созданием формальных систем обучения.Музыка была искусством, и она стала рассматриваться как искусство, которому нужно учить упорядоченно. Кульминацией этого стала более поздняя работа Фукса по систематизации контрапункта.

Ярким примером композитора придворного стиля является Жан-Батист Люлли (1632–1687). Его карьера резко выросла, когда он сотрудничал с Мольером в серии комедий-балетов, то есть пьес с танцами. Он использовал этот успех, чтобы стать единственным композитором опер для короля, используя не только новаторские музыкальные идеи, такие как лирика трагедии, но и патенты короля, которые не позволяли другим ставить оперы.Инстинкт Люлли предоставить материал, который желал его монарх, был отмечен почти всеми биографами, включая его стремительный переход к церковной музыке, когда настроение при дворе стало более благочестивым. Его 13 завершенных лирических трагедий основаны на либретти, в которых основное внимание уделяется конфликтам между общественной и частной жизнью монарха.

В музыкальном плане он исследовал контраст между величественными и полностью оркестрованными частями и простыми речитативами и ариями. В немалой степени именно его умение собирать и практиковать музыкантов в оркестре было важным для его успеха и влияния.Наблюдатели отметили точность и интонацию, это было в эпоху, когда не существовало стандарта настройки инструментов. Одним из важных элементов было повышенное внимание к внутренним голосам гармонии и отношениям с солистом. Он также установил для оркестров норму преобладания струнных инструментов.

Арканджело Корелли (1653–1713) запомнился как влиятельный благодаря своим достижениям по другую сторону музыкальной техники — в качестве скрипача, который организовал скрипичную технику и педагогику, — и в чисто инструментальной музыке, в частности, за его пропаганду и развитие концертного гроссо. .В то время как Люлли устроился при дворе, Корелли был одним из первых композиторов, которые широко публиковались и исполняли свою музыку по всей Европе. Как и в случае стилизации и организации оперы Люлли, Concerto Grosso построен на сильных контрастах; Разделы чередуются между играми в полном оркестре и небольшими группами. Динамика была «террасированной», то есть с резким переходом от громкого к тихому и обратно. Быстрые и медленные участки накладывались друг на друга.Среди его учеников значится Антонио Вивальди, который позже сочинил сотни произведений, основанных на принципах трио-сонат и концертов Корелли.

В Англии в стиле среднего барокко появился гений-комет в лице Генри Перселла (1659–1695), который, несмотря на смерть в возрасте 36 лет, создал множество музыки и получил широкое признание при жизни. Он был знаком с нововведениями Корелли и других композиторов итальянского стиля; однако его покровители были другими, и его музыкальное творчество было потрясающим.Вместо того, чтобы быть кропотливым мастером, Перселл был гибким композитором, который смог перейти от простых гимнов и полезной музыки, такой как марши, к великолепно оформленной вокальной музыке и музыке для сцены. Его каталог насчитывает более 800 работ. Он также был одним из первых великих композиторов, играющих на клавишных инструментах, чьи работы до сих пор имеют влияние и присутствие.

В отличие от этих композиторов, Дитерих Букстехуде (1637–1707) не был придворным, а был органистом и предприимчивым представителем музыки.Вместо того, чтобы публиковаться, он полагался на исполнение для своего дохода и, а не на королевское покровительство, он курсировал между вокальными установками для духовной музыки и органной музыкой, которую он сам исполнял. Его творчество не столь великолепно или разнообразно именно потому, что его не постоянно призывали к музыке по какому-либо случаю. Букстехуде использовал контраст между свободными, часто импровизационными частями и более строгими частями, разработанными контрапунктом. Эта процедура окажет большое влияние на более поздних композиторов, таких как Бах, которые доведут контраст между свободным и строгим до больших ограничений.

Музыка позднего барокко (1680–1750)

Граница между средним и поздним барокко вызывает споры. Даты начала стиля «позднего» барокко колеблются от 1680 до 1720 года. В немалой степени это связано с тем, что не было ни одного синхронизированного перехода; разные национальные стили претерпевали изменения с разной скоростью и в разное время. Италия обычно считается первой страной, перешедшей в стиль позднего барокко, а композиторы, такие как немец Карл Генрих Граун, сочиняют в итальянском стиле.Важной разделительной чертой в большинстве историй музыки барокко является полное поглощение тональности как структурного принципа музыки. Это было особенно очевидно после теоретической работы Рамо, который заменил Люлли в качестве важного французского оперного композитора. В то же время, благодаря работам Фукса, стиль полифонии эпохи Возрождения стал основой для изучения контрапункта. Комбинация модального контрапункта с тональной логикой каденции создала ощущение, что существует два стиля композиции — гомофонический с преобладанием вертикальных соображений и полифонический с преобладанием имитации и контрапункта.

Формы, которые начали формироваться в предыдущую эпоху, процветали и получали все более и более широкий диапазон разнообразия; Концерт, сюита, ​​соната, концерт гроссо, оратория, опера и балет — все они стали свидетелями распространения национальных стилей и структур. Общая форма пьес была, как правило, простой, с повторяющимися бинарными формами (AABB), простыми трехчастными формами (ABC) и формами рондо. Эти схемы, в свою очередь, повлияли на более поздних композиторов.

Антонио Вивальди (1678–1741) — фигура, которая на протяжении большей части XIX века была забыта в создании концертной музыки, но возродилась только в двадцатом веке.Родился в Венеции в 1678 году, он начал как рукоположенный священник католической церкви, но перестал служить мессу к 1703 году. Примерно в то же время он был назначен маэстро скрипки в венецианском приюте для девочек, с которым у него были профессиональные отношения. почти до конца его жизни. Репутация Вивальди основывалась не на оркестре или назначении в суд, а на его опубликованных произведениях, включая трио-сонаты, скрипичные сонаты и концерты. Они были опубликованы в Амстердаме и широко распространились по Европе.Именно в этих инструментальных жанрах барочной сонаты и барочного концерта, которые все еще развивались, был сделан наиболее важный вклад Вивальди. Он остановился на определенных схемах, таких как план из трех частей быстро-медленно-быстро для произведений и использование ритнелло в быстрых частях, и исследовал возможности в сотнях произведений — только 550 концертов. Он также использовал программные названия для своих работ, таких как его знаменитые «Времена года». Карьера Вивальди отражает растущую возможность композитора поддерживать себя своими публикациями, гастролями для продвижения своих произведений и вести независимую жизнь.

Доменико Скарлатти (1685–1757) был одним из ведущих виртуозов клавишных своего времени, который стал придворным музыкантом при королевском дворе, сначала в Португалии, а затем, начиная с 1733 года в Мадриде, Испания, где он был провести остаток своей жизни. Его отец, Алессандро Скарлатти, был членом Неаполитанской оперной школы и считается одним из самых опытных ее членов. Доменико также должен был писать оперы и церковную музыку, но именно публикация его клавишных сочинений, получивших более широкое распространение после его смерти, обеспечила ему прочную репутацию.Многие из этих произведений были написаны для его собственной игры, другие — для его королевских покровителей. Как и в случае с его отцом, его состояние было тесно связано с его способностью обеспечить и сохранить королевскую благосклонность.

Пьетро Филиппо Скарлатти, брат Доменико Скарлатти и сын Алессандро Скарлатти, был итальянским композитором, органистом и хормейстером, выдающимся представителем эпохи позднего итальянского барокко. Его способность противопоставлять гармонии и звучность вокальной музыке сделала его очень популярным среди оперной публики.

Но, пожалуй, самым известным композитором, связанным с операми в стиле барокко и королевским покровительством, был Джордж Фридрих Гендель (1685–1759), который родился в Германии, три года учился в Италии, но в 1711 году поехал в Лондон и использовал он служил основой для долгой и прибыльной карьеры, которая включала в себя самостоятельно поставленные оперы и заказы для знати. Он постоянно искал успешные коммерческие формулы в опере, а затем и в ораториях на английском языке. Постоянный рабочий, Гендель заимствовал у других и постоянно перерабатывал собственный материал.Он также был известен переработкой таких произведений, как знаменитый «Мессия», премьера которого состоялась в 1741 году, для доступных певцов и музыкантов. Несмотря на то, что его экономические условия росли и падали вместе с его постановками, его репутация, основанная на опубликованных клавишных произведениях, церемониальной музыке, постоянных постановках опер и ораторий и Concerto Grossi, росла в геометрической прогрессии. К моменту его смерти он считался ведущим композитором Европы и изучался более поздними музыкантами классической эпохи. Гендель, из-за своих очень публичных амбиций, основывал большую часть своей работы на мелодическом ресурсе в сочетании с богатой исполнительской традицией импровизации и контрапункта.Практика орнаментации в стиле барокко под его руководством находилась на очень высоком уровне развития. Он путешествовал по всей Европе, чтобы привлечь певцов и изучить музыку других композиторов, и, таким образом, у него было самое широкое знакомство с другими стилями любого композитора.

J.S. Со временем Бах стал рассматриваться как выдающаяся фигура музыки барокко, которую Бела Барток охарактеризовал как «религию», окружающую его. В то время он был более известен как учитель, администратор и исполнитель, чем композитор, и был менее известен, чем Гендель или Телеман.Он родился в Айзенахе в 1685 году в семье музыкантов, получил хорошее образование в раннем детстве и обладал прекрасным мальчишеским сопрано. Он занимал различные должности в качестве органиста, быстро завоевав известность благодаря своей виртуозности и способностям. В 1723 году он поселился на должности, с которой должен был работать практически всю оставшуюся жизнь: Кантор и музыкальный директор Лейпцига. Его разнообразный опыт к этому моменту означал, что он стал лидером музыки, как светской, так и духовной, для города, учителем его музыкантов и ведущей фигурой.Музыкальные нововведения Баха проникли в глубины и внешние границы барочных гомофонических и полифонических форм. Он был виртуальным каталогом всех возможных противозачаточных средств и всех приемлемых средств создания паутины гармонии с хоралом. В результате его произведения в форме фуги в сочетании с прелюдиями и токаттами для органа, а также концертные формы в стиле барокко стали основополагающими как в исполнительской, так и в теоретической технике. Практически все инструменты и ансамбли того времени — за исключением театральных жанров — обильно представлены в его произведениях.Учение Баха расцвело в классическую и романтическую эпохи, когда композиторы заново открыли для себя гармонические и мелодические тонкости его произведений.

Георг Филипп Телеман (1681–1767) был самым известным инструментальным композитором своего времени и чрезвычайно плодовитым — даже по стандартам эпохи, когда композиторам приходилось сочинять большие объемы музыки. Две его самые важные должности — музыкальный директор во Франкфурте в 1712 году и в 1721 году музыкальный директор Йоханнеума в Гамбурге — требовали от него сочинения вокальной и инструментальной музыки для светского и духовного контекстов.Он составил два полных цикла кантат для воскресных служб, а также священные оратории. Телеман также основал периодическое издание, которое публиковало новую музыку, в основном самого Телемана. Это распространение музыки сделало его композитором с международной аудиторией, о чем свидетельствует его успешная поездка в Париж в 1731 году. Некоторые из его лучших произведений относятся к 1750-м и даже 1760-м годам, когда стиль барокко заменялся более простыми стилями, но были популярны в то время и впоследствии. Среди этих поздних работ — «Der Tod Jesu» («Смерть Иисуса») 1755 г., «Die Donner-Ode» («Ода грома») 1756 г., «Die Auferstehung und Himmelfahrt Jesu» («Воскресение и вознесение Иисус «) 1760 г. и» Der Tag des Gerichts «(» Судный день «) 1762 г.

Другие влиятельные композиторы

Влияние барокко на более позднюю музыку

Переход к классической эпохе (1740–1780)

Фаза между поздним барокко и ранней классикой, с ее широким сочетанием конкурирующих идей и попыток объединить различные требования вкуса, экономики и «мировоззрения», носит множество названий. Иногда его называют «Галант», «Рококо» или «доклассический», а иногда и «ранний классический». Это период, когда композиторы, все еще работающие в стиле барокко, по-прежнему успешны, хотя их иногда считают скорее ушедшими в прошлое, чем настоящим — Бах, Гендель и Телеман сочиняют далеко за пределами той точки, в которой гомофонический стиль явно находится в центре внимания. по восходящей.Музыкальная культура оказалась на распутье: мастера старого стиля владели техникой, а публика жаждала нового. Это одна из причин, по которой C.P.E. Бах пользовался таким большим уважением: он довольно хорошо понимал старые формы и знал, как представить их в новом облачении с увеличенным разнообразием форм; он далеко зашел в пересмотре старых форм барокко.

Практика эпохи барокко была нормой, по которой оценивалась новая композиция, и возникло разделение между священными произведениями, которые больше соответствовали стилю барокко, от светских или «светских» произведений, которые были в новый стиль.

Особенно в католических странах Центральной Европы стиль барокко продолжал быть представлен в духовной музыке до конца восемнадцатого века, во многом так же, как стиль stile antico эпохи Возрождения продолжал жить в духовной музыке начало 17 века. Мессы и оратории Гайдна и Моцарта, будучи классическими в их оркестровке и орнаменте, имеют много черт барокко в их основной контрапунктной и гармонической структуре. Упадок барокко привел к различным попыткам смешать старые и новые методы, и многие композиторы продолжали использовать старые формы вплоть до 1780-х годов.Многие города Германии продолжали придерживаться исполнительской практики от барокко до 1790-х годов, включая Лейпциг, где И.С. Бах работал до конца жизни.

В Англии непреходящая популярность Генделя обеспечила успех Ависону, Бойсу и Арне — среди других опытных подражателей — вплоть до 1780-х годов, которые соревновались вместе с Моцартом и Бахом. В континентальной Европе, однако, это считалось старомодным способом письма и было обязательным условием для окончания растущего числа музыкальных консерваторий, а в остальном предназначалось только для использования в священных произведениях.

Влияние композиции и практики барокко после 1760 года

Поскольку музыка барокко была основой педагогики, она сохранила стилистическое влияние даже после того, как перестала быть доминирующим стилем сочинения или создания музыки. Даже когда практика барокко, например, барабан, вышла из употребления, она продолжала оставаться частью нотной записи. В начале 19 века партитуры мастеров эпохи барокко были напечатаны полным тиражом, что привело к возобновлению интереса к «строгому стилю» контрапункта, как его тогда называли.С возрождением хоровой музыки Баха Феликсом Мендельсоном стиль барокко стал влиятельным в XIX веке как образец академической и формальной чистоты. На протяжении XIX века фуга в стиле Баха оказывала огромное влияние на композиторов как эталон, к которому нужно стремиться, и как форма, которую можно было включить в серьезные инструментальные произведения.

Двадцатый век назвал барокко периодом и начал изучать его музыку. Форма и практика барокко повлияли на таких разных композиторов, как Арнольд Шенберг, Макс Регер, Игорь Стравинский и Бела Барток.В начале 20-го века также возродятся композиторы среднего барокко, такие как Перселл и Корелли.

Есть несколько случаев, когда современные произведения публикуются как «заново открытые» шедевры барокко. Некоторые примеры этого включают концерт для альта, написанный Анри Казадезю, но приписываемый Генделю, а также несколько пьес, приписываемых Фрицем Крейслером менее известным фигурам барокко, таким как Пуньяни и Падре Мартини. Сегодня существует очень активное ядро ​​композиторов, пишущих произведения исключительно в стиле барокко, примером чего является Джорджо Пачиони.

Различные работы были названы «необарокко» из-за акцента на имитационной полифонии, в том числе работы Джачинто Счелси, Пола Хиндемита, Пола Крестона и Мартину, хотя они и не относятся к собственно стилю барокко. Музыковеды пытались завершить различные произведения из эпохи барокко, в первую очередь «Искусство фуги» Баха. Поскольку стиль барокко является признанной точкой отсчета, подразумевающей не только музыку, но и определенный период и социальную манеру, произведения в стиле барокко иногда создаются для средств массовой информации, таких как кино и телевидение.Композитор Питер Шикеле пародирует классику и стили барокко под псевдонимом PDQ Bach.

Практика исполнения в стиле барокко вновь оказала влияние с появлением «аутентичного» или исторически обоснованного исполнения в конце 20 века. Тексты Кванца и Леопольда Моцарта, среди прочих, легли в основу перформансов, которые пытались восстановить некоторые аспекты звукового мира барокко, в том числе частичное исполнение произведений Баха, использование струн, а не металла, реконструированные клавесины, использование старых игровых техник и стилей.Некоторые популярные ансамбли воспользуются некоторыми или всеми этими методами, в том числе Anonymous 4, Академия древней музыки, Бостонское общество Генделя и Гайдна, Академия Святого Мартина в полях, Les Arts Florissants Уильяма Кристи и другие. Затем это движение попытается применить некоторые из тех же методов к исполнению классической и даже ранней романтической эпохи.

Джаз

Музыкальный стиль барокко имеет много общего с джазом. В дополнение к маленьким ансамблям, для которых предназначалось большинство произведений в стиле барокко (в то время не было возможности создать оркестр из 100 человек), как и в джазовом квартете, большинство произведений в стиле барокко использовали различные импровизации со стороны исполнителя.Для понимания фигурного баса — метода записи, используемого клавишниками для заполнения и украшения басовой партии, — требовалась очень солидная теоретическая база. В большинстве произведений в стиле барокко использовался фигурный бас, и, следовательно, никакие два исполнения одного и того же произведения в стиле барокко не были абсолютно одинаковыми. В отличие от музыки, написанной в классический и романтический периоды, которая обычно была довольно сложной и эпической (учитывая рождение симфонии в классический период), музыка барокко обычно была очень простой и в некоторой степени предсказуемой. ^[1]

Самым похожим аспектом музыки барокко и джаза является импровизация ведущего инструмента. Например, в большинстве сольных произведений в стиле барокко используются два куплета. Пьеса проигрывается / исполняется один раз, сразу, а затем проигрывается второй раз, когда вокалист импровизирует орнаменты, изящные ноты и негармонические тона. Однако, в отличие от джаза, ни исходный ритм, ни исходные ноты / мелодия не изменяются. Вместо этого они добавляются импровизацией, а не изменяются импровизацией.К сожалению, искусство импровизации было утрачено во время классической, романтической эпохи музыкального искусства 20-го века, однако оно было «заново открыто» (как и церковные стили) ^[2] в джазовой музыке, особенно Луи Армстронг, ^[3] , которого некоторые называют «дедушкой джаза».

Список жанров барокко

Вокал

• Опера
  • Сарсуэла
  • Опера серии
  • Комическая опера
  • Опера-балет
• Маска
• Оратория
• Passion (музыка)
• Кантата
• Месса (музыка)
• Гимн
• Моноди
• Хорал

Инструментальный

• Концерт Гроссо
• Фуга
• Люкс
  • Allemande
  • Courante
  • Сарабанда
  • Gigue
  • Гавот
  • Менуэт
• Соната
  • Соната для камеры
  • Соната да кьеза
  • Трио-соната
• Партита
• Канцона
• Sinfonia
• Фантазия (музыка)
• Ricercar
• Токката
• Прелюдия
• Чакона
• Пассакалия
• Хоральная прелюдия

Ноты

Список литературы

• Блюм, Фридрих. Музыка эпохи Возрождения и барокко: всесторонний обзор. NY: W.W. Нортон, 1967. OCLC 325605
• Бюлоу, Джордж Дж., История музыки барокко. Блумингтон, IN: Indiana University Press, 2004. ISBN 0253343658
• Гейнс, Джеймс Р. Вечер во Дворце разума. Нью-Йорк: Харпер / Коллинз, 2005. ISBN 0007156588
• Палиска, Клод В. Музыка барокко. Englewood Cliffs, NJ: Prentice-Hall, 1968. OCLC 437181
• Шуленберг, Дэвид. Музыка барокко. Нью-Йорк: Oxford UP, 2001. ISBN 0195122321
• Тарускин, Рихард и Пьеро Вайс. Музыка в западном мире: история в документах. Белмонт, Калифорния: Wasdworth Group, 1984. ISNB 053458599X

Внешние ссылки

Все ссылки получены 12 мая 2016 г.

Кредиты

Энциклопедия Нового Света писателей и редакторов переписали и завершили статью Википедия в соответствии со стандартами New World Encyclopedia .Эта статья соответствует условиям лицензии Creative Commons CC-by-sa 3.0 (CC-by-sa), которая может использоваться и распространяться с указанием авторства. Кредит предоставляется в соответствии с условиями этой лицензии, которая может ссылаться как на участников Энциклопедии Нового Света, участников, так и на самоотверженных добровольцев Фонда Викимедиа. Чтобы процитировать эту статью, щелкните здесь, чтобы просмотреть список допустимых форматов цитирования. История более ранних публикаций википедистов доступна исследователям здесь:

История этой статьи с момента ее импорта в Энциклопедия Нового Света :

Примечание. Некоторые ограничения могут применяться к использованию отдельных изображений, на которые распространяется отдельная лицензия.

История музыки: эпоха барокко

Фон

Когда мы говорим о музыке барокко, мы обычно думаем о таких композиторах, как Бах и Гендель. Эти композиторы — и эта музыкальная эпоха в целом — сыграли жизненно важную роль в формировании музыки в том виде, в каком мы ее знаем сегодня. Начиная примерно с 1600 года, эпоха барокко сыграла важную роль (каламбур определенно предназначалась) для нормализации тональности (гармонии, как мы ее знаем — мажорная и минорная клавиши и т. Д.), Подъема инструментальных соло и ансамблей, а также тенденции музыкальной импровизации.

Ожидается, что в это время профессиональные музыканты смогут импровизировать аккомпанементы и мелодии. Музыкальные концерты обычно сопровождались клавесином или лютней, импровизирующими аккорды из фигурной басовой партии (нотная запись, в которой числа и символы обозначают определенные аккорды и интервалы, которые должны быть сыграны с данной нотой). В эпоху барокко также увеличились размеры, диапазон и сложность инструментального исполнения, и было создано много новых музыкальных жанров, которые мы используем до сих пор.

* Интересный факт: слово Baroque происходит от португальского слова, означающего «деформированная жемчужина». Первоначально (еще в 1734 году) этот термин использовался негативно для критики некоторых новых произведений. В 1750 году этот термин использовался для описания новой богато украшенной архитектуры в Риме. С тех пор термин Baroque использовался для описания (и критики) искусства и архитектуры той эпохи (из-за ее богато украшенного орнамента и дизайна), и в конечном итоге этот термин закрепился в качестве общего описания эпохи.

Эпоху барокко можно условно разделить на три периода: ранний, средний и поздний.

Музыка эпохи раннего барокко

Эпоха раннего барокко, переход от ренессанса, пришлась на 1580–1630-е годы. Композиторы в то время исследовали идеи древнегреческой музыки и в результате отвернулись от полифонии эпохи Возрождения и обратились к древнегреческой идее монодии: сольный певческий голос в сопровождении другого инструмента. Эта идея положила начало опере, которая впоследствии стала определяющим жанром эпохи барокко.

Дафне композитора Якопо Пери — самое раннее известное произведение, которое считается оперой. Хотя большая часть музыки утеряна, мы знаем, что премьера состоялась в 1598 году и была записана только для клавесина, лютни, виолончели (отец виолончели), архлюты (басовой лютни) и тройной флейты. И Пери установила речитатив как оперную норму: своего рода мелодическую речь, положенную на музыку, которая позволяет повествовать в опере. Этот прием до сих пор используется в операх. Вы можете прочитать здесь для получения дополнительной информации о Dafne .

Самая старая из сохранившихся опер также была написана Пери; он называется Euridice . Посмотрите это видео, чтобы узнать о музыке:

Вы можете узнать больше о Peri и Euridice здесь.

Музыка раннего барокко установила важность тональных гармоний с помощью метода, называемого фигурным басом. Фигурный бас, система символов, позволяющая исполнителю определять гармонии, которые будут воспроизводиться под мелодией, положил начало движению, которое привело к последовательности аккордов (подобно тому, что мы используем сегодня).Определенные гармонические интервалы были определены как нестабильные (например, тритон) и использовались для создания диссонанса и напряжения, а другие интервалы использовались для обозначения освобождения и закрытия; это помогло инициировать ключевые центры вместо режимов (используемых в музыке Средневековья и Возрождения). Функциональная гармония — клавиши и аккорды, движущиеся для создания напряжения и расслабления — официально ознаменовала конец Возрождения и начало новой эры.

Итальянский композитор Клаудио Монтеверди сыграл ключевую роль в создании музыкального стиля эпохи барокко.Также будучи оперным человеком, Монтеверди создал технику барокко, известную как bassocontino : воплощение фигурного баса, где аккорды импровизируются поверх нотной басовой линии. Посмотрите это видео отрывка из его оперы L’Orfeo :

Музыка эпохи среднего барокко

В 1643 году король Людовик XIV, также известный как Король-Солнце и Людовик Великий, начал свое правление как король Франции. Почему это важно для развития музыки барокко? Что ж, Людовик XIV представляет то, что историки называют «Абсолютным монархом» — правителем, обладающим высшей властью.А в случае Людовика XIV это означает культуру, экстравагантность и рост централизованного королевского двора. Он способствовал развитию искусства и, таким образом, создал для многих музыкантов возможность сочинять и исполнять музыку. Королевские суды во всем мире следовали образцу Франции; Затем были наняты музыканты, которые работали специально для королевской семьи.

Из-за возросшей потребности в музыкантах (благодаря королю и его двору, которые наслаждались прекрасными вещами в жизни) музыка продолжала развиваться. Эпоха среднего барокко длилась с 1630 по 1680 год, и в это время развивались новые вокальные жанры (например, кантата и оратория).Мелодии стали более простыми и отточенными, основанными на коротких и простых последовательностях аккордов. Контрапункт (форма полифонии; гармонично зависимые линии с различным ритмом и формой) начал развиваться, поскольку фигурная басовая линия стала более интегрированной с мелодией, и опера достигла новой популярности.

* Примечание: композиторы часто были прекрасными исполнителями, и когда им приходилось исполнять новые произведения, их работодатели часто ожидали, что они будут импровизировать (чтобы им не было скучно).В результате одной из характерных черт музыки барокко является интенсивное музыкальное оформление — трели, соседние тона, проходящие тона и многое другое. Композиторы отмечали некоторые украшения, которые будут использоваться, но часто исполнители добавляли свои собственные украшения во время выступления. Щелкните здесь, чтобы увидеть таблицу с наиболее часто используемыми украшениями.

Один конкретный придворный композитор, которого следует знать, — это Жан-Батист Люлли. Он постоянно сочинял для Короля-Солнца и считается воплощением французской музыки барокко.(Он также был одним из первых дирижеров!) Люлли расширил оперу, включив в нее несколько инструментов (включая струнную секцию), и его музыка известна своей живостью, силой и глубокими эмоциями. Он произвел революцию в придворных танцах, введя новые (например, менуэт), и утвердил французскую увертюру как новый стиль. Узнайте больше о Люлли здесь, а некоторые из его музыки — ниже.

* Примечание: французская увертюра — это музыкальная форма, разделенная на две противоположные половины.Первая половина заканчивается аккордами, предполагающими неполноту — или вопросом, ответ на который будет дан в конце первой половины. Второй раздел часто заканчивается материалами, использованными в начале. (Это было очень важно для развития музыки в классическую эпоху — но об этом позже!)

Важным развитием жанра в это время стал концерт Concerto Grosso . Это музыкальное произведение, в котором небольшое количество солистов помещено напротив оркестра, где музыкальное содержание передается между двумя группами, и крайности резко противопоставляются.

Видео выше представляет собой пример концертного гроссо, составленного Арканджело Корелли (он был тем, кто популяризировал жанр). Об этом подробнее здесь.

Музыка эпохи позднего барокко

В этот период, с 1680 по 1750 год, жили и писали все известные композиторы. Бах, Гендель, Вивальди, Рамо и многие другие оставили свой след в истории музыки; и мы продолжаем играть их музыку сегодня. К этому моменту тональная гармония была абсолютно , чем следовало бы, если бы вы были композитором.Counterpoint был разработан, чтобы полностью охватить новую систему клавиш, что здорово, потому что они объединили идею полифонии эпохи Возрождения (две или более независимо движущихся линий) и объединили ее с аккордами и гармониями для создания напряжения и разрешения. И фуги! Фуга — это сложная форма контрапункта, в которой один предмет развивается через несколько голосов. Кроме того, в это время стандартизовалась музыкальная форма (композиторы обычно использовали двоичную форму — AABB — или троичную форму — ABA).

В эти годы опера продолжала развиваться, оратория (огромное произведение для оркестра и хора) достигла своего расцвета, а инструментальные соло стали столь же культурно важными, как и вокальные произведения.Популярной стала танцевальная сюита — это произведение с серией движений в стиле танцев эпохи Возрождения или барокко (таких как аллеманда, сарабанда, менуэт, жига). Подробнее о танцевальной сюите и ее различных движениях читайте здесь.

Среди выдающихся композиторов этого времени:

Иоганн Себастьян Бах

Ниже приведен пример концертного гроссо, написанного Бахом, с участием девяти струнных инструментов соло на бассо континуо (послушайте, как клавесин заполняет аккорды и гармонии в аккомпанементе) (подробнее здесь):

А это отрывок из французской сюиты Баха No.5 соль мажор для клавиатуры:

Георгий Фридрих Гендель

Несмотря на то, что эта опера была своего рода провалом, эта пьеса пережила годы благодаря своей красоте и изяществу (подробнее здесь):

Доменико Скарлатти

Этот парень написал поразительное количество музыки для клавесина. Проверьте это:

Антонио Вивальди

Вивальди — это не только Four Seasons .Слушайте этот солнечный концерт для скрипки:

К сожалению, мы не можем охватить все в одном посте, но вот оно — музыкальная эпоха барокко в двух словах. Музыка, созданная в то время, оказала (и продолжает оказывать!) Влияние на музыкантов и композиторов. Однако одним из самых важных достижений этого времени является тональная гармония. Ключевые подписи, последовательности аккордов и гармоническая поддержка стали стандартом в эпоху барокко.

И напоследок слова прощания от нашего друга Когсворта:

СохранитьСохранить

Понравился этот пост? Делитесь музыкой:

Связанные

9 Знаменитые произведения в стиле барокко, которые стоит послушать

Период барокко — это, в основном, момент, когда родился оркестр, началась опера, а концерт позволил солистам достойно выставить напоказ.Здесь были созданы одни из величайших когда-либо сочиненных шедевров.

Возникшая из эпохи Возрождения, музыка барокко была написана во многих формах многими композиторами, такими как Бах, Вивальди и Гендель, в течение 150 лет, с начала периода в начале 1600-х годов до того момента, когда стиль классического периода начал преобладать в середина 1700-х, собирая все формы музыки и идей.

Со временем популярные идеи музыки барокко подбираются и излагаются, затем изучаются и расширяются.В этой статье мы хотим поделиться с вами некоторыми из самых известных произведений в стиле барокко, написанными известными композиторами периода барокко, чтобы вы прониклись настроением барокко.

Знаменитые произведения эпохи барокко

1. Бах — Сюиты для виолончели

Шесть сольных сюит Баха для виолончели для виолончели без аккомпанемента — одни из самых эмоционально классических музыкальных произведений в репертуаре барокко.

Знаменитый композитор эпохи барокко Иоганн Себастьян Бах (1685-1750) написал эти пьесы для виолончели без аккомпанемента между 1717–1723 годами на основе шести танцевальных движений.

Интересно, что Бах интересовался виолончелью, хотя, как известно, он не играл !!

Однако самая известная часть, «Прелюдия» из Сюиты № 1 солью, является прекрасным примером гения Баха и одной из лучших музыкальных произведений барокко.

Плейлист Relate: Bach Relax

Йо-Йо Ма — Бах: Сюита для виолончели № 1 соль мажор, Прелюдия (Официальное видео)

Йо-Йо Ма — Бах: Сюита для виолончели № 1 соль мажор, Прелюдия (Официальное видео)

2.Вивальди — Четыре сезона

«Времена года», написанные в 1723 году, являются одним из самых известных сочинений для скрипки Антонио Вивальди (1678-1741) в стиле барокко. Это сборник скрипичных концертов; на самом деле это стихотворение первого тона музыки, то есть музыка с повествовательной или иллюстративной основой. Каждый концерт его «Времен года» соответствует разному времени года.

Читайте также: Самые известные произведения Вивальди, НЕ относящиеся к четырем временам года

Вивальди Четыре сезона: Зима, в сборе; Синтия Фрейвогель, Музыкальные голоса RV 297 (L’Inverno) 4K

Вивальди Четыре сезона: Зима, полная; Синтия Фрейвогель, Голоса музыки RV 297 (L’Inverno) 4K

Узнайте больше о классической музыке эпохи барокко в плейлисте из 50 лучших композиций в стиле барокко, от сюиты для виолончели Баха до Miserere Аллегри.

3. Канон ре мажор — Иоганн Пахельбель

Первоначально канон был написан для трех скрипок и бассо континуо. Его сочинил один из лучших композиторов эпохи барокко Иоганн Пахельбель (1653–1706).

Он стал очень популярным в 1970-х годах, когда французский дирижер Жан-Франсуа Пайяр сделал запись. С тех пор эта музыка эпохи барокко записывалась сотни раз.

Скачать ноты для фортепиано canon in d

Канон Пахельбеля ре мажор — оригинальная и лучшая версия.

Канон Пахельбеля ре мажор — оригинальная и лучшая версия.

4. Гендель — Мессия

Это произведение «Мессия оратория» было написано всего за 24 дня одним из величайших композиторов эпохи барокко Георгием Фридрихом Генделем (1685–1759). Его друг Чарльз Дженненс написал либретто из Библии, основанное на жизни Иисуса Христа, и дал его Генделю для написания нового произведения «Мессия». Самая известная часть этого произведения — Хор «Аллилуйя».

Хор «Аллилуйя» из «Мессии — мормонский табернакальный хор» Генделя

Припев «Аллилуйя» из «Мессии — мормонов» Генделя

5. Генри Перселл — Королева фей

Полуоперация «Королева фей» представляет собой пьесу с существенной случайной музыкой, написанную английским композитором Генри Перселлом (1659–1695). Либретто представляет собой анонимную адаптацию комедии Уильяма Шекспира «Сон в летнюю ночь».Это ближе к современному мюзиклу, чем к чему-либо условно оперному.

Генри Перселл: Королева фей, Z.629 — Бремер Барокорчестер, Франсуа Фернандес

Генри Перселл: Королева фей, Z.629 — Бремер Барокорчестер, Франсуа Фернандес

6. Скарлатти — (Сонаты для клавесина)

Итальянский композитор Доменико Скарлатти выпустил более 500 известных сонат для клавесина. Эти континуальные сонаты документируют захватывающий уголок творчества мастера барокко и одновременно открывают начало зарождающегося классического стиля.Они оказали влияние на многих композиторов классического периода после него, таких как Гайдн, Клементи и Бетховен.

Скарлатти был одним из многих известных итальянских художников, композиторов, певцов и т. Д., Получивших известность и богатство при испанских и португальских королевских дворах.

Скарлатти — K.141 — Жан Рондо

Скарлатти — K.141 — Жан Рондо

7. Corelli- 12 Concerti Grossi, Op.6

Хотя Арканджело Корелли не считался композитором высшего уровня вместе с Бахом и Генделем.Этот сборник — одна из жемчужин инструментальной музыки барокко.

Эти 12 концертов драматически повлияли на стиль барочного концерта для следующего поколения композиторов, который Бах и Вивальди изучали до того, как стали делать большую часть своей струнной музыки.

Корелли был первым композитором, который написал музыку в стиле Concerto Grosso периода барокко (форма музыки, напоминающая музыкальный диалог между большим оркестром и небольшой группой солистов).

Корелли: 12 Гроссовских концертов, соч. 6, № 8; Рождественский концерт — Musica Amphion — Классическая музыка HD

Корелли: 12 Concerti Grossi, Op. 6, № 8; Рождественский концерт — Musica Amphion — Классическая музыка HD

8. Бах — Бранденбургские концерты

Это произведение представляет собой сборник из шести концертов, которые считаются одними из лучших оркестровых произведений эпохи барокко. Они основаны на итальянском стиле Concerto Grosso.Их веселый и жизнерадостный характер легко вдохновляет и волнует слушателей всех национальностей.

Бах: Бранденбургский концерт № 3 соль мажор, BWV 1048: Complete 4K UHD; Музыкальные голоса

Бах: Бранденбургский концерт № 3 соль мажор, BWV 1048: Complete 4K UHD; Голоса музыки

9. Бах — Токката и фуга ре минор

Прекрасным примером музыки барокко является «Токката и фуга ре минор», BWV 565, написанная Иоганном Себастьяном Бахом 300 лет назад.Это двухчастное музыкальное произведение для органа, написанное согласно древнейшим дошедшим до нас источникам. Узнайте больше об этой токкате и фуге ре минор здесь.

J.S. Бах — Токката и фуга ре минор BWV 565

J.S. Бах — Токката и фуга ре минор BWV 565

Вот и все. Мы надеемся, что этот список помог вам выбрать одни из самых известных произведений в стиле барокко. Возможно, вы также захотите посмотреть наш плейлист из 50 треков в стиле барокко.

Если вам понравилась эта статья, то поделитесь ею с друзьями !!

---

Похожие сообщения

Бесплатные музыкальные инструменты

Изучить музыку

Введение в период классической музыки в стиле барокко — Art Sphere Inc.

Классическая западная музыка разделена на несколько периодов, в которых звук эволюционировал с течением времени в связи с историческими событиями и известными композиторами того времени. Давайте посмотрим на период барокко, который длился с 1600 по 1750 год! Для краткого ознакомления посмотрите это короткое видео.

Возможно, вы слышали о таких композиторах, как Бах, Вивальди и Гендель. Все они написали свои работы в период барокко! Период барокко был так важен, потому что он представлял собой исследование инструментальной музыки вне религиозного контекста.В это время Церковь теряла свое политическое влияние и контроль в Европе, что позволяло артистам создавать и исследовать музыку вне религии.

Многие музыкальные идеи возникли из эпохи барокко, включая концерт, сонату и оперу. Концерт выделяет отдельную часть или инструмент, а остальной оркестр играет на заднем плане, а композиторы Вивальди и Корелли хорошо известны своими концертами. Сонаты похожи на концерты тем, что в центре внимания находится солист или конкретная часть.Однако они примечательны тем, что имеют несколько уникальных перемещений, которые по-прежнему похожи, поскольку сохраняется одна и та же подпись ключа. Сонаты эпохи барокко обычно состояли из трех частей, и Вивальди также был известен этими композициями. Опера позволила композиторам раскрыть и передать больше настроений и выражений в своей музыке, что повлияло на эмоции слушателя. Хотя эта эпоха позволила увеличить экспрессию и творчество в музыке, она все еще была относительно структурированной и упорядоченной.

Композиторы эпохи барокко также разработали важный аспект современной музыки — гармонии. Вместо того, чтобы просто слышать одну высоту и звук, композиторы эпохи барокко создавали произведения, в которых одновременно использовалось несколько звуков и высот. Гармонии — это то, что мы все еще используем сегодня, и на самом деле редко можно услышать музыку без гармонии!

Период барокко также положил начало возникновению современного оркестра. Музыкальные инструменты были сгруппированы определенным образом, почти как современные оркестры.В состав барочных ансамблей входил еще один инструмент, который мы сегодня не часто слышим: клавесин. Клавесин похож на пианино, но звучит как струнный инструмент.

Вот простое упражнение, чтобы познакомить вас с клавесином и музыкой в ​​стиле барокко. Послушайте концерт для клавесина Баха здесь! Послушайте резкие звуки — это клавесин! Вы слышите, как клавесин является основным инструментом? Какие чувства вызывает музыка? Как вы думаете, почему это так?

Если хотите еще раз послушать, посмотрите «Времена года» известного композитора эпохи барокко Антонио Вивальди.Вы слышите мелодию и гармонию? Вы чувствуете разные эмоции в разных движениях? Какие звуки используются, чтобы вызвать настроение сезона?

Вот и все, краткое введение в музыку барокко! Если вам интересно узнать больше, поищите некоторых из упомянутых здесь композиторов и их сочинения!

4.2: Музыка в период барокко

4.4.1 Обзор сравнения музыки

Музыка эпохи Возрождения Музыка барокко	Музыка барокко
Много музыки с ритмами, обозначенными нотной записью Преимущественно полифония (в большей степени имитационная полифония) Растущее использование третей и трезвучий Музыка — текстовые отношения становятся все более важными при рисовании слов Изобретение музыкального издательства Растущий класс торговцев все больше приобретает музыкальные навыки	Метр важнее, чем раньше Продолжается использование полифонии Возвышение омофонии.Расцвет инструментальной музыки, в том числе скрипичной семьи Новые жанры, такие как опера, оратория, концерт, кантата и фуга. Появление программной музыки Первые обозначения динамики и использование террасной динамики Продолжение музыки в церкви и при дворе Продолжающийся рост музыки среди торговых классов

4.4.2 Общие направления музыки барокко

Характеристики, выделенные в таблице выше, придают музыке барокко уникальное звучание и проявляются в музыке Монтеверди, Пахельбеля, Баха и других. Для уточнения:

1. Определенные и регулярные ритмы в форме метра и «двигательного ритма» (постоянное деление доли) встречаются в большинстве музыкальных произведений. Штриховые линии становятся более заметными.
2. Использование полифонии продолжается более сложными техниками имитационной полифонии, используемыми в музыке Генделя и Баха.
3. Появляются гомофонические (мелодия плюс аккомпанемент) текстуры, включая использование бассо континуо (непрерывная басовая линия, над которой были построены аккорды, используемые для сопровождения мелодической линии)
4. Гомофонические текстуры приводят к более широкому использованию мажорных и минорных клавиш и последовательностей аккордов (см. Главу 1)
5. Аккомпанемент мелодических линий в гомофонических текстурах обеспечивается секцией континуо: своего рода импровизированной «ритм-секцией», в которой представлены лютни, виола да гамба, виолончели и клавесины.Секции Continuo представляют собой бассо континуо (непрерывную басовую линию) и используются в барочной опере, концертах и ​​камерной музыке.
6. Появляется и становится все более заметной инструментальная музыка, изображающая семью скрипачей — такие как сюиты, сонаты и концерты.
7. Эти композиции более длинные, часто с несколькими движениями, в которых используются определенные формы, состоящие из нескольких частей, такие как форма риторнелло и бинарная форма.
8. Композиторы начинают записывать динамику и часто записывают резкие изменения между громкостью и приглушением, что называется террасной динамикой.

4.4.3 Жанры эпохи барокко

Много прекрасной музыки было написано в период барокко, и многие из самых известных композиторов того времени были чрезвычайно плодовитыми. Чтобы приблизиться к этой музыке, мы разделим историческую эпоху на ранний период (первые семьдесят пять лет или около того) и поздний период (примерно с 1675 по 1750 год). Оба периода содержат вокальную и инструментальную музыку.

Основные жанры вокальной музыки раннего барокко: мадригал, мотет, опера.Основные жанры инструментальной музыки раннего барокко — канцона (также известная как соната) и сюита. Основные жанры инструментальной музыки позднего барокко — концерт, фуга и сюита. Основными жанрами вокальной музыки позднего барокко являются: итальянская опера seria, оратория и церковная кантата (корни которой лежат в лютеранском хорале, который уже обсуждался в третьей главе). Многие из этих жанров будут рассмотрены позже в этой главе.

Сольная музыка эпохи барокко была написана для всех типов инструментов, но с упором на скрипку и клавишные.Обычный термин для сольного инструментального произведения — соната. Обратите внимание, что сольный инструмент без клавишных обычно сопровождается клавишными, такими как орган, клавесин или клавикорд.

Малые ансамбли в основном называются по количеству исполнителей в каждом (трио = три исполнителя и т. Д.). Самым распространенным и популярным малым ансамблем в период барокко была трио-соната. Эти трио включают два мелодических инструмента (обычно скрипки) в сопровождении бассо континуо (считается третьим синглом трио).

Жанр больших ансамблей можно разделить на две подкатегории: оркестровые и вокальные. Концерт был ведущей формой оркестровой музыки большого ансамбля. Концерт состоял из двух голосов: оркестра и сольного инструмента или небольшого ансамбля. На протяжении всей пьесы два голоса играли вместе и независимо друг от друга, в разговоре, подражании и в контрасте друг с другом. Концерт, в котором оркестр сочетается с небольшим ансамблем, называется Concerto Grosso , а концерт, в котором оркестр сочетается с сольным инструментом, называется сольным концертом .

Двумя крупными вокально-хоровыми жанрами периода барокко были священных произведения и опера . Две формы священных хоровых произведений включают ораторию и мессу . Оратория — это опера без всякой игры. Оратории рассказывают историю с использованием персонажей, которые произносят отрывки, и могут включать речитатива, (говорящее пение) и арии, (спетые соло). Спектакль проводится для публики без взаимодействия исполнителей.Месса служила ядром католической религиозной службы и знаменует Тайную вечерю. Opera синтезирует театральное представление и музыку. Актеры оперы действуют и взаимодействуют друг с другом. Типы вокальных отборов, используемых в опере, включают речитатив и арию. В оперных постановках используются ансамбли меньшего размера (дуэты, трио и т. Д.) И хоры.

Оратория	Opera Seria	Кантата
Подобно опере, за исключением: Без костюмов и постановки. Много хоровых номеров Обычно на библейские темы Некоторые примеры библейских ораторий Ганделя: Савл , Соломон и Иуда Маккавей Некоторые примеры небиблейских ораторий Генделя: Геркулес , Ацис и Галатея и Триумф времени и истины Вокальный солист выступает перед инструментами, используемыми для аккомпанемента	Серьезная опера Исторические или мифологические сюжеты Роскошные костюмы Эффектные наборы Представлены известные сольные исполнители Все спеты; без повествования Действовал и выступал на сцене Примеры оперы в стиле барокко: L’Orfeo, L’Arianna, The Fairy Queen (на основе произведения Шекспира «Сон в летнюю ночь» ) , и Ottone in Villa	Произведение для голосов и инструментов Священный, напоминающий короткую ораторию, или светский, как лирическая драма, положенная на музыку. Священные кантаты часто включают церковные хоры и не разыгрываются. Может использовать повествование Пример — знаменитая Реформация Баха Cantata BWV 80: Ein feste Burg ist unser Got (Могущественная крепость — наш Бог)

Ода барокко и другим музыкальным жанрам

Джордж Кристофер
Ада, Мичиган, США

Лютнист. Караваджо. 1596. Коллекция Вильденштейна. Через Викимедиа.

Представьте себе музыкальный стиль, вызывающий эмоциональные воспоминания, но в то же время высоко организованный, придающий эмоциям структуру; это дает художественное выражение слияния эмоций и разума; который имитирует биологию на клеточном и экологическом уровнях благодаря своей организованной сложности; это приносит единство из разнообразия множества одновременных мелодических линий; который объединяет свои движущиеся части в единое целое, которое больше, чем сумма его частей.

Музыка в стиле барокко была написана примерно с 1600 по 1750 год, но ее притягательность неподвластна времени; он выходит за рамки исторического и культурного контекста. Композиции в стиле барокко сегодня часто исполняются в разнообразных аранжировках, которые варьируются от оригинального периода до современных акустических и электронных инструментов, и звучат так же свежо, как и 300 лет назад.

Музыка барокко — искусство контрастов. Композиции сопоставляют искрящиеся быстрые движения с медленными движениями глубокой интроспективной глубины.При всей своей структуре композиция в стиле барокко стимулирует инновации. Композиторы ожидали от солистов импровизационных вариаций на вступительные темы. Мотивы повторяются между сольными инструментами и оркестром с вариациями контрастного тембра, высоты тона, динамики и ритмов, создавая то, что можно описать как отношения, беседу или танец, вовлекающий сольные и оркестровые голоса. В этой связи исследование биологического происхождения и медицинской пользы барокко и других музыкальных жанров может быть воодушевляющим.

Запрограммированы ли мы наслаждаться повторяющимися музыкальными фразами?

Модель эволюции пребиотиков предполагает, что из-за ограниченной доступности матриц нуклеиновых кислот первые кодирующие последовательности были повторами ограниченного числа основных олигомеров, расположенных с различной периодичностью. По мере развития эволюции повторяющиеся элементы становились менее заметными и более разнообразными. Композиции в стиле барокко, которые можно рассматривать как повторение эволюции, содержат мотивы, которые повторяются с вариациями.По мере того, как музыка менялась от барокко к классическому и романтическому стилям, повторяющиеся элементы становились более разнообразными и менее очевидными. Повторяющиеся мотивы барочной композиции могут быть аналогичны кодонам в генетических последовательностях, предполагая, что их привлекательность коренится в нашем биологическом и даже пребиотическом происхождении. ¹

Происхождение мелодии может быть связано со звуками, издаваемыми насекомыми и позвоночными для общения во время выбора партнера, ухода за потомством и передачи сигналов коалиции; в то время как размер, ритм, темп и мелодические интервалы могли быть сформированы сердцебиением, циклами дыхания и двуногим движением. ² Savage и др. Предположили, что усиление социальных связей является всеобъемлющей адаптивной функцией музыки, которая включает в себя вышеупомянутые роли, и что музыкальность позволяет создавать социальные связи более эффективно, чем груминг и другие примордиальные формы поведения. ³ В качестве альтернативы, Перловский и др. Предположили, что биологическая пригодность музыки связана с познанием; музыкальность повышает устойчивость к когнитивному диссонансу во время обучения и решения проблем и тем самым способствует накоплению знаний и развитию культуры. ⁴

Тональная музыка характеризуется непрерывным потоком напряжения и решимости, паттерн, который является ключевым посредником эмоций, вызываемых музыкой. ^5,6 Художественно выраженные модели напряжения и решимости, которые обращаются к неопределенности в контексте предсказуемости, резюмируют процессы, которые необходимы для выживания ⁵ и которые оправдывают обнадеживающие ожидания, такие как утоление жажды, утоление голода, охота и собирательство, побег хищники, ищущие товарищества и развивающие отношения.Следовательно, неудивительно, что исследования функциональной магнитно-резонансной томографии демонстрируют, что тональная музыка активирует цепи, которые связывают филогенетически древний лимбический путь вознаграждения с недавно сформировавшейся лобно-височной и префронтальной корой. ^5-7 Напротив, диссонирующая музыка активирует лимбические и корковые структуры, связанные с отрицательными эмоциями и защитным поведением. ⁷

Помимо своего воздействия на систему вознаграждения, музыка модулирует вегетативную нервную систему, нейроэндокринную ось, нейроиммунную сеть и нейронные сети в зависимости от социальной принадлежности, что повышает перспективу музыкальной терапии в качестве дополнительного вмешательства во многих клинических условиях. дисциплины.

Музыкальная терапия

Клинические испытания, изучающие влияние музыкальной нейростимуляции на познание и клинические исходы, дали смешанные результаты и могут быть сбиты с толку множеством переменных, включая изучаемую когнитивную область, временную связь между музыкой и задачей и слушателем -зависимые переменные, такие как возраст, пол и музыкальные предпочтения. ⁸ Уровни доказательности могут быть ограничены использованием субъективных результатов и невозможностью двойного ослепления в большинстве проектов исследований музыкальной медицины. ⁹ Тем не менее, все больше литературы поддерживает использование музыкальной терапии в качестве дополнительного лечения во всем диапазоне клинических условий, от амбулаторных клиник до отделений интенсивной терапии.

Подводя итог доисторической и современной роли музыки в воспитании детей, музыкальная терапия применялась в отделениях интенсивной терапии новорожденных. Исследования с помощью нейровизуализации показали, что структурная зрелость мозга у недоношенных новорожденных была ниже по сравнению с доношенными новорожденными, в то время как у недоношенных детей, подвергшихся музыкальной терапии, значительно улучшилось созревание в слуховых, когнитивных и социально-эмоциональных путях обработки, чем у недоношенных детей, получавших стандартную медицинскую помощь. , что предполагает эффект созревания во время решающей фазы развития мозга. ^10,11 Музыкальная терапия также уменьшила восприятие боли и частоту сердечных сокращений и улучшила сатурацию кислорода у новорожденных, подвергающихся процедурам. ¹² Кроме того, музыкальная терапия с участием родителей может усилить заботу о семье и способствовать установлению связи между родителями и младенцами. ¹³

Музыка барокко улучшила когнитивные способности у здоровых людей, ¹⁴ пожилых людей, ^{15, 16} и пациентов с болезнью Альцгеймера ¹⁶ слушающих Вивальди. Улучшенное познание также ассоциируется с классическим стилем постбарокко, особенно с музыкой Моцарта и, в частности, с его Сонатой для двух фортепиано ре мажор, K 448; Отсюда и возник термин «эффект Моцарта.Записи ЭЭГ показали увеличение альфа-диапазона и индекса средней частоты фоновой активности альфа-ритма (связанной с памятью, познанием и непредвзятым решением проблем) после прослушивания K 448 Моцарта, но никаких изменений после прослушивания фортепианной сонаты Бетховена Für Elise. ¹⁷ Особо следует отметить многочисленные исследования, демонстрирующие эффективность Моцарта К 448 в уменьшении межприступных электрических разрядов и частоты эпилептических припадков. ¹⁸

Было показано, что музыкальная терапия значительно снижает тревожность во время стоматологической операции; ¹⁹ боль, беспокойство и потребность в анальгетиках у пациентов с кесаревым сечением; ²⁰ беспокойство, пульс, частота дыхания и артериальное давление у пациентов, находящихся на гемодиализе ²¹ и амбулаторных курсах лечения рака головы и шеи; ²² боль, беспокойство, систолическое артериальное давление, частота дыхания, потребность в анальгетиках и прием седативных средств у пациентов отделения интенсивной терапии; ^{23, 24} для повышения уровня сознания у пациентов, выздоравливающих после травм головы; ²⁵ и для снижения стресса и эмоционального истощения персонала хирургической операционной. ²⁶

Жанры, охватывающие барокко, ^{14–16, 23, 24} классика, ^{12, 26, 29} романтик, ^{12, 26} мягкий рок, ^{21, 26} турецкий, ^{19, 20} тунисский , ²⁶ восточная, ²⁶ нью-эйдж, ¹² и специально составленная музыка ¹¹ дали положительные результаты. Исследования, сравнивающие эффективность разных жанров, показали смешанные результаты, хотя композиции барокко, классики и романтики обычно дают лучшие результаты, чем стили рок, хэви-метал или техно, которые могут иметь нейтральный или отрицательный эффект. ^{19, 24, 27, 28} Эффективность может быть связана с частотами приблизительно от шестидесяти до семидесяти ударов в минуту, простыми и прямыми ритмами с использованием шести циклов в минуту, периодичностью и повторениями, повторяющимися изменениями частоты и гармоническим спектром; ^{21, 22, 24, 29} и могут варьироваться в зависимости от клинических показаний. ²⁴ Например, низкая амплитуда, медленный темп, длинные фразы легато и неизменная динамика полезны для модуляции вегетативного тонуса сердечно-сосудистой системы, ²⁴ , в то время как сравнительное исследование композиций Моцарта и Гайдна показало, что противосудорожное действие Моцарта K 448 может относиться к его высокочастотным сегментам, установленным в постепенно убывающем темпе. ²⁹

Finale

Музыкальная нейростимуляция представляет собой плодородную область для будущих исследований и клинических применений. Выходя за рамки медицинской пользы, наиболее важным аспектом музыки может быть не то, откуда она пришла (ее эволюционное и нервное происхождение), а то, куда она может привести нас в своем изображении исполнения обнадеживающих ожиданий, в ее выражении всего спектра эмоций. в объявлении порядка во Вселенной, в способности вызывать чувство удивления ее красотой, укреплять узы любви между слушателями и фокусировать наши мысли на цели, направлении и значении, как это выражено Дж.С. Бах, во славу Бога и успокоение душ.

Список литературы

1. Оно С. Повторение как сущность жизни на этой земле: музыка и гены. Переливание крови Haematol. 1987; 31: 511-518.
2. Никольский А. Пасторальное происхождение семиотически функциональной тональной организации музыки. Фронт Психол . 2020 23 июля; 11: 1358.
3. Savage PE, Loui P, Tarr B, Schachner A, Glowacki L, Mithen S, Fitch WT. Музыка как сложившаяся система социальных связей. Behav Brain Sci. 2020 20 августа: 1-42.
4. Perlovsky L, Cabanac A, Bonniot-Cabanac MC, Cabanac M. Эффект Моцарта, когнитивный диссонанс и удовольствие от музыки. Behav Brain Res. 2013 1 мая; 244: 9-14.
5. Rodriguez Zivic PH, Shifres F, Cecchi GA. Перцептивная основа развивающихся западных музыкальных стилей. Proc Natl Acad Sci U S A . 2013; 110: 10034-10038.
6. Lehne M, Rohrmeier M, Koelsch S. Связанная с напряжением активность в орбитофронтальной коре и миндалине: исследование фМРТ с музыкой. Soc Cognitffective Neurosci . 2013; 9: 1515–1523.
7. Koelsch S, Fritz T, V Cramon DY, Müller K, Friederici AD. Изучение эмоций с помощью музыки: исследование фМРТ. Карта мозга человека . 2006; 27: 239-250.
8. Сильва С, Белим Ф, Кастро С.Л. Эффект Моцарта на эпизодическую память здоровых взрослых нулевой, но пожилые люди с низким уровнем функционирования могут быть исключением. Фронт Психол . 2020 3 ноября; 11: 538194.
9. Брадт Дж., Дилео К. Музыкальные вмешательства для пациентов с искусственной вентиляцией легких. Кокрановская база данных Syst Rev . 2014; 2014 (12): CD006902.
10. Haslbeck FB, Jakab A, Held U, Bassler D, Bucher HU, Hagmann C. Креативная музыкальная терапия для улучшения функции мозга и структуры мозга у недоношенных детей: рандомизированное контролируемое пилотное исследование. Клиника Neuroimage . 2020; 25: 102171.
11. Са де Алмейда Дж., Лордье Л., Золлингер Б. и др. Музыка способствует структурному созреванию нервных путей обработки эмоций у очень недоношенных детей. Нейроизображение .2020; 207: 116391.
12. Росси А., Молинаро А., Сави Е. и др. Музыка снижает восприятие боли у здоровых новорожденных: сравнение различных музыкальных треков и записанное сердцебиение. Ранний Хум Дев . 2018; 124: 7-10.
13. Яннер С., Гаден Т.С., Накстад Б., Солевог АЛ. Проведение музыкальной терапии в норвежском отделении интенсивной терапии новорожденных. Медсестры для детей и подростков . 2021 15 февраля. Doi: 10.7748 / ncyp.2021.e1331.
14. Рибей LM. Весенние радости. Сравнительное исследование Exp Psycho л.2013; 60 (2): 71-79.
15. Mammarella N, Fairfield B, Cornoldi C. Улучшает ли музыка когнитивные способности у здоровых пожилых людей? Эффект Вивальди. Старение Clin Exp Res . 2007 Октябрь; 19 (5): 394-399.
16. Томпсон Р.Г., Мулен С.Дж., Хейр С., Джонс Р.В. Музыка повышает беглость речи у здоровых пожилых людей и пациентов с болезнью Альцгеймера. Exp Aging Res . 2005; 31: 91-99.
17. Verrusio W, Ettorre E, Vicenzini E, Vanacore N, Cacciafesta M, Mecarelli O. Эффект Моцарта: количественное исследование ЭЭГ. Conscious Cog n. 2015; 35: 150-155.
18. Sesso G, Sicca F. В целости и сохранности: метаанализ эффекта Моцарта на эпилепсию. Клин Нейрофизиол . 2020 июл; 131 (7): 1610-1620.
19. Гульнахар Ю., Купели И. Влияние различных видов музыки на тревожность во время операции по имплантации в Турции: рандомизированное контролируемое исследование. Int J Oral Maxillofac Implants . 2020; 35: 762-766.
20. Toker E, Demirel G, Doganer A, Karakucuk S. Влияние турецкой классической музыки на послеродовую боль и тревогу при кесаревом сечении: рандомизированное контролируемое исследование. Альтернативная медицина здравоохранения . 2020 27 ноября: AT6516.
21. Melo GAA, Rodrigues AB, Firmeza MA, Grangeiro ASM, Oliveira PP, Caetano JÁ. Музыкальное вмешательство на тревожность и жизненно важные параметры хронических почечных пациентов: рандомизированное клиническое исследование. Rev Lat Am Enfermagem . 2018 8 марта; 26: e2978.
22. Фирмеза М.А., Родригес А.Б., Мело Г.А. и др. Контроль тревоги с помощью музыки в амбулаторной клинике головы и шеи: рандомизированное клиническое испытание. Ред. Esc Enferm USP .2017; 51: e03201.
23. Froutan R, Eghbali M, Hoseini SH, Mazloom SR, Yekaninejad MS, Boostani R. Влияние музыкальной терапии на физиологические параметры пациентов с черепно-мозговой травмой: тройное слепое рандомизированное контролируемое клиническое исследование. Дополнение Ther Clin Pract. август 2020 г .; 40: 101216.
24. Трапп HJ. Роль музыки в реанимации. Int J Crit Illn Inj Sci . 2012: 27-31.
25. Екефаллах Л., Намдар П., Азимиан Дж., Дост Мохаммади С., Мафи М.Влияние музыкальной стимуляции на уровень сознания у пациентов с травмой головы, госпитализированных в отделения интенсивной терапии: рандомизированное контрольное исследование. Дополнение Ther Clin Pract . 2021 Февраль; 42: 101258.
26. Kacem I, Kahloul M, El Arem S и др. Влияние музыкальной терапии на профессиональный стресс и риск выгорания персонала операционной. Ливийский J Med . 2020 Декабрь; 15 (1): 1768024.
27. Gruhlke LC, Patrício MC, Moreira DM. Моцарт, но не Битлз, снижает систолическое артериальное давление у пациентов с инфарктом миокарда. Акта Кардиол . 2015; 70: 703-706.
28. Трапп Х. Дж., Войт Г. Сердечно-сосудистые эффекты музыкальных жанров. Dtsch Arztebl Int . 2016; 113 (20): 347-352.
29. Štillová K, Kiska T, Koriáková E, Strýček O, Mekyska J, Chrastina J, Rektor I. Эффект Моцарта при эпилепсии: чем Моцарт лучше Гайдна? Анализ стереоэлектроэнцефалографии на основе акустических качеств. евро J Neurol . 2021 1 февраля. Doi: 10.1111 / ene.14758.

---

ДЖОРДЖ У.КРИСТОФЕР , доктор медицины, врач на пенсии, который любит слушать музыку в стиле барокко.

Весна 2021 | Разделы | Музыкальная шкатулка

О музыке — Филармония, барочный оркестр и хорал

Историческая справка

Наше внимание уделяется исторически обоснованному исполнению, что означает, что мы представляем историческую музыку в манере, соответствующей времени и месту, в которых она была написана. В наших выступлениях используются исторические инструменты, играемые по стилистическим стандартам более ранних эпох.

Такую музыку приятно слышать. Также приятно видеть исторически обоснованное исполнение. Ключевой аспект нашей миссии — постановка живых выступлений.

Как следует из нашего названия, Филармония Барочный оркестр и хорал привержены музыке эпохи барокко в Европе (определяемой как период с 1600 по 1750 год). Однако наше программирование охватывает более широкие временные рамки. Мы исследуем эпоху барокко (особенно ее вторую половину), полный классический период (определяемый как период с 1750 по 1820 годы) и первые годы романтического периода (обычно описываемый как начало примерно с 1820 года).

Период барокко

Музыка барокко служит основой всего того, что принято называть «классической» музыкой. Музыканты периода барокко расширили разнообразие и сложность музыки. Многие музыкальные термины и понятия, используемые сегодня, были установлены в то время. Оркестровые инструменты приобрели формы и функции, которые мы до сих пор узнаем. Прижились важные музыкальные жанры, такие как опера. Крупные композиторы эпохи барокко, такие как Иоганн Себастьян Бах, Антонио Вивальди и Джордж Фридрих Гендель, по-прежнему широко известны.

Эпоха барокко восхищает богатством деталей. В его музыке подчеркивается полифония, что означает одновременное воспроизведение нескольких независимых мелодических голосов. В результате получается многослойная или многотекстурная композиция, часто дополненная сложным музыкальным орнаментом. Сложная красота музыки барокко по-прежнему очень привлекательна.

Классический период

Эпоха барокко переросла в период классической музыки, примерно с середины 18 до начала 19 веков.Классический период ценил порядок и ясность в искусстве. В музыке акцент сместился с полифонии на более доминирующий одиночный мелодический голос. Композиторы стремились создать и выразить формальные структуры в своей музыке. Часть удовольствия слушатель получает от того, что слышит и идентифицирует структурные элементы в композиции. Среди любимых композиторов-классиков — Вольфганг Амадей Моцарт и Франц Йозеф Гайдн.

Период раннего романтизма

Классический период перерос в романтический период, начавшийся в начале 19 века.В романтическую эпоху большое внимание уделялось индивидуальному самовыражению. Композиторы стремились передать эмоциональную мощь и интенсивность — и поставить свою музыку сугубо личностной печатью.

Многие люди считают Людвига ван Бетховена образцом «романтика» из-за его страстной, легко узнаваемой музыки. На самом деле жизнь композитора охватывает классический и романтический периоды, и ученые продолжают спорить о том, как лучше всего позиционировать его карьеру в рамках истории музыки. Музыка быстро развивалась в конце 18-го и начале 19-го веков, и Бетховен входит в число композиторов, действующих в то время, творчество которых отражает этот переход.

Композитор, который более прочно относится к раннему романтическому периоду, — это Феликс Мендельсон, который, что интересно, был защитником музыки эпохи барокко! Мендельсон много сделал для возрождения интереса, например, к И. С. Баху и Генделю — и даже сегодня Мендельсон остается источником вдохновения для тех, кто дорожит исторически обоснованным исполнением.

К современной эпохе

По мере развития XIX века оркестровое исполнение неуклонно приближалось к своей современной форме.Развивались стили и техники. Оркестры и их концертные залы стали больше. Инструменты были стандартизированы по конструкции и материалам, а значит, и по звукам, которые они производили. Появились совершенно новые инструменты. Некоторые старые инструменты практически исчезли с концертной площадки.

Барочные, классические и ранние романтические композиции остались в репертуаре, но исполнялись они полноценным современным оркестром. Соответственно изменились ожидания аудитории.

Современный оркестр — прекрасное творение.Это дает захватывающие возможности услышать музыку многих эпох. Но по самой своей природе он адаптирует — или «модернизирует» — музыку, написанную для более ранних инструментов, техник и настроек.

No related posts.