Конспект урока изобразительное искусство барокко: Конспект урока по МХК на тему «Изобразительное искусство барокко»(11 класс) — Независимое театральное объединение "Зрительские симпатии"

Содержание

Урок по ИЗО | План-конспект урока по изобразительному искусству (ИЗО) по теме:

Тема: Архитектура барокко.

Цели: Ознакомить учащихся с основными чертами стиля барокко, знаменитыми мастерами этого стиля. Сформировать понимания единства конструкции и декора архитектурных сооружений.

Материалы: соленое тесто, стеки.

Зрительный ряд: Зимний дворец, Царскосельский дворец.

Музыкальное сопровождение: Жан Батист Люлли (XVII век), «Дивертисменты»

1. Орнамент.

2.Сообщение новых знаний.

— По сравнению с искусством Возрождения искусство XVII – XVIII века сложнее.

— В конце XVI века в Италии появился новый художественный стиль – барокко (в переводе с итальянского «причудливый»). Если в эпоху Возрождения главной темой искусства был человек, теперь художники показывали все многообразие мира, окружающего человека.

Стиль барокко сохранил некоторые черты эпохи Возрождения, например радостный интерес к жизни и к людям. Но художники эпохи Возрождения создавали спокойные, благородные образы. А в искусстве барокко все как будто взорвалось от внутреннего напряжения, смешалось в бурном водовороте красок и движений.

Дворцы и храмы в стиле барокко поражали пышным великолепием. Все части зданий «двигались» подобно растениям. Прямые линии «разрывались», стены «дробились» колоннами и карнизами. Внутри зданий было настоящее пиршество красок.

— На отделку стен, дорогую мебель, изысканные вещи тратились огромные деньги. Все было направленно на возвеличивание короля. Потолки расписывались фресками с изображением декоративных пейзажей, ангелов, фантастических сказочных райских садов. Росписи потолков как бы раздвигали пространство вверху.

Стены украшались зеркалами, гобеленами – ткаными коврами, тяжелыми коврами, тяжелыми затейливыми канделябрами. Застывшие в воздухе великолепные хрустальные люстры отражались в зеркале паркетных полов с причудливыми орнаментами. В интерьере было много позолоты и лепнины. Все это создавало впечатление особой торжественности и необычайной декоративности.

В эпоху барокко засверкали своей красотой дворцово-парковые ансамбли. От дворцов расходились прямые аллеи, дорожки, каналы. В парках барокко любили разные веселые «диковины»: фонтаны-шутихи, лабиринты, деревья в виде сказочных чудищ, спрятанные в ветвях разноцветные фонарики…

Словарь.

Фреска — картина написанная водяными красками по свежей, сырой штукатурке.

Канделябр — подсвечник для нескольких свечей.

— Наиболее видными мастерами стиля барокко XVII века были итальянские мастера Л. Бернини и Ф. Боррамини. В России – Растрелли

(В.В. Растрелли 1700-1771 гг.)

«Зимний дворец» в Санкт – Петербурге «Царскосельский дворец». Излюбленная форма барокко – овал, дающий некоторую неопределенность общей форме пространственного объема.

— Давайте посмотрим фрагмент «Зимний дворец».

(После просмотра) Показ костюмов в стиле барокко.

— Ну а теперь сделаем вывод:

— Какой девиз вы бы дали стилю барокко.

(«Монументальность, величие, богатство и красочность»).

3. Задание: Лепка декоративных элементов убранства дворцов барокко

(гирлянды цветов).

— Украсить полосу цветами, листочками, бутонами, завитками из тоненьких полосок теста.

Каждый из вас создает свой цветок, два ученика раскатывают жгуты (для завитков), делают листья.

В конце занятия создается единая композиция из цветов, листьев, завитков, бутонов. (Выбирается ответственный).

4. Самостоятельная работа учащихся.

Вовремя работы звучит музыкальное сопровождение.

5. Подведение итогов

6. Уборка рабочего места.

«Стиль барокко на примере архитектуры Екатерининского дворца»

Министерство образования Российской Федерации

Нижнетагильская Государственная Социально-Педогогическая Академия

План конспект урока беседы по изобразительному

искусству на тему: «Стиль барокко на примере

архитектуры Екатерининского дворца»

Выполнил: Ивкина А. А.

Проверил: Кошурникова К.С.

г. Нижний Тагил

2010 г.

Урок ИЗО. 8 класс.

Тема урока: «Стиль барокко на примере архитектуры

Екатерининского дворца»

Цель урока:

Ознакомление учащихся с архитектурным стилем «Барокко»;
Формирование знаний, умений и навыков для анализа архитектуры стиля барокко.

Задачи:

Обучающие:

формирование умений применять полученные знания при анализе изучаемого материала;
применение знаний при решении практических творческих заданий.

Развивающие:

развитие чувства прекрасного, вкуса, творческого мышления, воображения;

развитие пытливости, трудолюбия, настойчивости в исследовании предлагаемого материала.

Воспитательные:

воспитывать чувство патриотизма, любви к историческому прошлому своей страны;
воспитание толерантности, коммуникативности у студентов;
воспитание любви к родному краю.

Оборудование урока: компьютер, проектор, презентация.

Методы: рассказ, беседа, видеопоказ, наглядно-иллюстративный тест.

Ход урока:

1. Организационный момент

Определение темы урока
Целевая установка
Мотивация изучения

2.Сообщение учебного материала преподавателем

Вступительная беседа:

-Здравствуйте класс, сегодня мы с вами поговорим о таком стиле архитектуры как барокко.

— Ребята, скажите, какие архитектурные стили вам уже знакомы?

Дети дают определения архитектурным стилям.

Готика — архитектурный стиль в эпоху Средневековья, характеризуется устремленностью ввысь всех вертикальных деталей.

Классицизм — художественное направление в искусстве, архитектуре, отличающееся соразмерностью и гармонией всех составляющих художественного образа.

Модерн — архитектурный стиль, возникший в конце 20 века. Характерен использованием современных материалов (стекло, пластик, металл).

-Молодцы, правильно. А теперь я расскажу вам о таком стиле, как барокко. Прошу обратить ваше внимание на проектор.

Работа с ПК учителем и проектором:

Барокко искусство (Baroque art.), стиль европейского искусства и архитектуры 17-18 веков.

Барокко — архитектурный стиль, отличающийся большим количеством декоративных деталей и богатством декора фасадов.

Архитектура Барокко (1650 — 1770 гг.)

Преобладающие и модные цвета	Приглушенные пастельные тона; красный, розовый, белый, голубой с желтым акцентом
Линии	Причудливый выпукло — вогнутый асимметричный рисунок; в формах полуокружность, прямоугольник, овал; вертикальные линии колонн; выраженное горизонтальное членение
Форма	Сводчатая, куполообразная и прямоугольная; башни, балконы, эркеры
Характерные элементы интерьера	Стремление к величию и пышности; массивные парадные лестницы; колонны, пилястры, скульптуры, лепнина и роспись, резной орнамент; взаимосвязь элементов оформления
Конструкции	Контрастные, напряженные, динамичные; вычурные по фасаду и вместе с тем массивные и устойчивые
Окна	Полуциркульные и прямоугольные; с растительным декором по периметру
Двери	Арочные проемы с колоннами; растительный декор

Стиль

барокко (итал.

barocco, букв. — причудливый, странный) рождается в Италии и распространяется в большинстве европейских стран, приобретая в каждой свои особые национальные черты. Произведения барокко отличаются несоблюдением правил ренессансной гармонии ради более эмоционального взаимодействия со зрителем.

Характерные черты барокко

Барокко воплощает новые представления о вечной изменчивости мира. Отличается грандиозностью, пышностью и динамикой, пристрастием к эффектным зрелищам, сильным контрастам масштабов и ритмов, материалов и фактур, света и тени, совмещением иллюзорного и реального.

Благодаря причудливой пластике фасадов, сложным криволинейным планам и очертаниям дворцы и церкви барокко приобретают живописность и динамичность. Они как бы вливаются в окружающее пространство.

Интерьеры барокко украшаются многоцветной скульптурой, лепкой, резьбой; зеркала и росписи иллюзорно расширяют пространство, а живопись плафонов создает иллюзию разверзшихся сводов.

Типы сооружений барокко

Для барокко характерны усложненность планов, пышность интерьеров с неожиданными пространственными и световыми эффектами, обилие кривых, пластично изгибающихся линий и поверхностей; ясности классических форм противопоставляется изощренность в формообразовании. В архитектуре широко используются живопись, скульптура, окрашенные поверхности стен.

Екатерининский (Большой) дворец — один из архитектурных шедевров русского барокко середины XVIII века, красивейшая загородная резиденция русских монархов. Дворец строился и перестраивался с 1717 по 1756 год на протяжении почти 40 лет. В его строительстве принимали участие самые знаменитые архитекторы того времени. Его внешний и внутренний облик украшен прекрасной резьбой и позолотой, мрамор и живопись показывают неповторимость русского барокко. Французский дипломат, современник императрицы Елизаветы, назвал Екатерининский дворец драгоценностью, которой не хватает только футляра.

И в самом деле, это величественное здание, выполненное в стиле русского барокко, поражает своей блистательной пышностью. В дворцово-парковом ансамбле Пушкина оно выделяется своей масштабностью, нарядным сочетанием цветов — белого, небесно-голубого и золотого — и прихотливостью архитектурных решений.

Уже при входе ты попадаешь словно в сказку, окунаешься в атмосферу 18 века. Главные («Золотые») ворота расположены по оси дворца, в разрыве между корпусами циркумференций. Они выполнены на Сестрорецком заводе по рисунку Растрелли мастером Кордони. Ограда между пилонами главных ворот и циркумференциями исполнена мастером Волоковым. Как пример применения кованого металла в русской архитектуре ворота Екатерининского дворца не имеют равных. Накладные позолоченные детали из прочеканенного железа превращают узор ворот в легкое черное кружево, сквозь которое просматривается лицевой фасад дворца. Из-за обилия золоченых деталей ворота названы «золотыми». В 1756 году только на позолоту ворот, ваз, статуй, лестниц, фасадов, интерьеров дворца ушло около ста килограммов золота.

В дворец входят: большой зал, малиновая и зеленая столбовые, янтарная комната, малая белая столовая, зеленая столовая, живописный кабинет, картинный зал.

История строительства

В постройке Екатерининского дворца принимали участие такие архитекторы, как И. Браунштейн в период с 1717 по 1724 год, в 1742-начале 1743 годов проектом перестройки дворца занимался архитектор М. Земцов, а после его смерти — А. Квасов, Дж. Трезини, С. Чевакинский. К 1751 году трудами этих архитекторов скромные «каменные палаты о 16 светлицах» превратились в обширный дворец с церковью и полукруглыми служебными корпусами (циркумференциями), которые обрамляли Парадный двор.

Окончательно свой блестящий облик, с некоторыми изменениями сохранившийся до наших дней, Екатерининский дворец обрел благодаря обер-архитектору двора Б.-Ф. Растрелли.
Дворцовые интерьеры претерпели изменения и в 19 веке. В 1817 году архитектором В.

Стасовым для Александра I был создан строгий и холодноватый Парадный кабинет. А в 1863 году в стиле «второго рококо» по проекту И. Монигетти построили Парадную лестницу.

Большой зал

Большой зал, или Светлая галерея, как его называли в XVIII веке, — парадный апартамент в стиле русского барокко, созданный по проекту архитектора Ф.-Б. Растрелли в 1752 — 1756 годах. Летом зал пронизан солнечным светом, играющим на позолоте в течение всего дня, а вечером зажигаются 696 свечей, расположенные по сторонам от зеркал.

Все элементы богатого декора создают иллюзию безграничного пространства: чередование больших окон с зеркалами в простенках зрительно расширяет границы галереи, живопись плафона, изображающая по периметру колоннаду, над которой парят фигуры, раскрывает пространство в высоту.

Скульптурная и орнаментальная золоченая резьба зала, сплошным узором покрывающая плоскости стен, была выполнена по эскизам Ф.-Б. Растрелли и моделям скульптора-декоратора И. Дункера ста тридцатью русскими резчиками. Особенно пышно были обработаны торцовые стены, украшенные многофигурными композициями.

Малиновая и Зеленая столбовые

В 1750-х годах, перестраивая Екатерининский дворец, архитектор Ф.-Б. Растрелли стремился разнообразить архитектурно-декоративное оформление его интерьеров. Так, при отделке двух помещений дворцовой анфилады, расположенных друг за другом, Растрелли применил оригинальные для того времени материалы: затянутые белым штофом стены столбовых декорированы прозрачными стеклянными пилястрами («столбами»), под которые подложена малиновая и зеленая фольга. Отсюда и происходит название этих небольших дворцовых гостиных.

Янтарная комната

В июле 1755 года императрица Елизавета Петровна приказала Ф.- Б. Растрелли перенести Янтарную комнату в Большой дворец Царского Села. Для оформления интерьера в царскосельском дворце янтарных деталей опять не хватает, и поэтому части стен были затянуты холстом и расписаны «под янтарь» художником И. Бельским, а также введены зеркальные пилястры и деревянный резной декор. Для установки янтарных панно вновь приглашается А. Мартелли.

Малая белая столовая.

Столовая выполнена по проекту архитектора Ф.-Б. Растрелли в 1752-1756 годах и выдержана в стиле интерьеров Парадной анфилады Екатерининского дворца. Стены столовой были затянуты белым штофом в резных золоченых рамах, двери украшены резными золочеными десюдепортами в виде композиции, состоящей из картуша, охотничьих труб, колчана, орла с распростертыми крыльями, орнамента из стилизованных листьев аканта, раковин и гирлянд с цветами, выполненных по моделям скульптора И. Дункера.

После пожара в 1820 году интерьер был восстановлен по проекту архитектора В. П. Стасова, в 1850-х годах по проекту архитектора А. И. Штакеншнейдера выполнена композиция лепного и живописного плафонов.

Зеленая столовая

Архитектурно-художественное убранство зала в 1779 году выполнил Ч. Камерон. В это время покои занимала вторая супруга будущего императора Павла I — Мария Федоровна.

Нежно-зеленые стены столовой покрыты белым лепным орнаментом, который в объемной форме возродил росписи античных вилл. Среди фрагментов классической архитектуры, греческих ваз и виноградных лоз выделяются стройные фигуры юношей и девушек в античных одеяниях. Скульптурное убранство дополняют медальоны с танцующими амурами и многофигурные барельефы на мифологические сюжеты, рельеф которых выделен розоватым полем картин. Двери расписаны гротесками.

Наиболее эффектно решена северная стена комнаты, в центре которой установлен белый мраморный камин с кронштейнами в виде львиных лап. Весь лепной декор Зеленой столовой выполнен знаменитым русским скульптором И. Мартосом.

Живописный кабинет

В 1781-1783-х годах «Уборная ее высочества» ( Натальи Алексеевны — первой супруги будущего императора Павла I ), созданная архитектором В. Нееловым, была перегорожена вдоль архитектором Ч. Камероном деревянной перегородкой. Золотисто-желтая окраска Живописного кабинета, тонкая золоченая лепка, обрамляющая простенки, фриз и карниз, обработка дверей сохранились c конца XVIII в. Ч. Камероном. Крестовый свод, люнеты и фриз были заново расписаны по проектам В. Стасова академиком живописи Д. Антонелли в ходе восстановления комнаты после пожара 1820 года.

Периоды и движения в искусстве — ранчо Ridge Light Ranch

«Что такое период искусства и движение в искусстве?» Каковы основные периоды и движения в искусстве? Как я могу распознать произведения искусства в каждом из них? Кто известные художники каждого периода и направления?»

Я так рада, что вы спросили! Я отвечаю на все эти вопросы для вас здесь!

Здесь вы можете найти список моих планов уроков рисования, исторически отсортированных по художественным периодам или направлениям.

Если вы преподаете искусство, вас также может заинтересовать моя книга, Любой может научить Ar t, который поможет вам разложить все, что вы хотите знать и рассказать о мире искусства!

Период искусства : более длительный период времени, охватывающий множество различных художников и их произведения изобразительного искусства, музыки, театра и литературы. Период искусства обычно включает в себя несколько художественных движений с общей направленностью или целью. Художники и их произведения искусства обычно группируются историками искусства в период искусства после того, как период пришел и ушел.

Художественное направление: собрание художников и их произведений искусства с общей философией или целью, техникой, стилем или периодом времени. Многие движения сформировали клуб с манифестом, представителем и эксклюзивным арт-шоу.

Древнее искусство, как правило, классифицируется по географическому признаку, поскольку различные культуры оставались относительно изолированными, в результате чего искусство каждой культуры обычно имело особый вид и цель. Этот период обычно включает в себя все, что предшествовало подъему Греции около 800 г. до н.э. Однако в некоторых более уединенных регионах оно включает и более позднее искусство. Месопотамское, кельтское, египетское, африканское, азиатское и доколумбовое (из Америки) искусство включены в этот период искусства.

Классическое искусство греческой и римской империй было сосредоточено на красоте, добродетели и гармонии. Большая часть искусства была сосредоточена вокруг религиозных тем или человеческих форм и включала идеальные пропорции золотого сечения. Греческое и римское искусство включает в себя картины, мозаики, вазы, скульптуры и архитектуру.

Средневековое искусство включает картины, мозаики, архитектуру, гобелены и иллюминированные рукописи. Религиозное и мифологическое искусство создавалось в основном для церквей, поскольку католическая церковь была центром большей части власти и финансирования. Средневековое искусство обычно разбивается на несколько этапов:

Ранние христиане (100-500)

Художники использовали римские средства и стиль, придавая новое христианское значение языческим символам.

Миграция (300-900)

Германские племена оседают в рухнувшей Римской империи и приносят свой стиль декоративного оружия, инструментов и украшений

Византия (313-1453)

видно в их искусстве.

Insular (600-900)

Кельтское средневековое искусство с Британских островов называется Insular Art и известно своими стилизованными фигурами и абстрактными геометрическими узорами.

Романский (963-1120)

Благополучное время привело к появлению оптимистичного, стилизованного, религиозного искусства, рассказывающего людям библейские истории.

Готика (1120-1400)

Византийские, романские и исламские корни привели к сложному искусству с более прямыми линиями, но естественными, классическими пропорциями, пытаясь перенести небо на землю.

Художники эпохи Возрождения использовали реалистичную линейную перспективу и классические идеалы для реалистичного изображения природы и красоты. Эпоха Возрождения разбита на несколько движений:

Раннее Возрождение (1401-1490)

В отличие от Средневековья, Искусство Раннего Возрождения было гораздо более реалистичным и более индивидуалистичным. Художники знали широкий круг предметов и рисовали самые разные предметы, а не только религиозные сцены с недавно объясненной линейной перспективой.

Известные художники: Джотто, Мазаччо, Донателло, Фра Анджелико, Боттичелли

Высокое Возрождение (1490–1527)

Постоянное знание самых разных предметов, включая науку, помогло художникам изображать людей в точном ракурсе с эмоциями и выражением. Художники, ориентированные на идеалы красоты и достижение идеальной композиции

Известные художники: Микеланджело, Леонардо да Винчи и Рафаэль

Северное Возрождение (1430-1580)

Это искусство, испытавшее влияние протестантских идей, было более скромным, чем другое искусство Возрождения, но все же очень реалистичным. Популярными стали жанровые картины, изображающие быт, гравюры.

Известные художники: Ян ван Эйк, Альбрехт Дюрер, Питер Брейгель Старший

Венецианская школа (1470-1580)

Это искусство было похоже на искусство Высокого Возрождения, но более красочное и радостное.

Известные художники: Тициан

Маньеризм / Поздний Ренессанс: (1530-е – начало 1600-х)

Это было направление конца эпохи Возрождения, когда художники представляли свои эмоции и воображение с помощью визуального диссонанса и нестабильности. Это искусство обычно включало искаженные и скрученные фигуры, а также использовались неестественные цвета и источники света.

Известные художники: Эль Греко, Понтромо, Россо

Период искусства с богато украшенными изображениями важных событий, включая королевские или религиозные истории. Художники сосредоточились на использовании глубоких цветов, большого количества деталей, асимметрии, движения, драматизма, символов и высокой контрастности света и тьмы. Этот период часто ассоциируется с католической Контрреформацией, поскольку она противостояла простоте протестантского искусства.

Известные художники: Караваджо, Бернини, Ван Дейк, Рембрандт, Вермеер, Гейнсборо, Веласкес

Рококо/позднее барокко (1702-1780)

Это направление в искусстве периода барокко было еще более экстравагантным, чем обычное барокко. Художники использовали театральный уровень драматизма с проработанными деталями и сосредоточились на образе жизни аристократов.

Известные художники: Ватто, Буше, Фрагонар

Возврат к греческим и римским идеям логики и разума

Известные художники: Дэвид, Энгр, Копли, Стурат

Романтизм: период искусства, когда художники чтили природу, индивидуализм, интуицию и эмоции. Это движение было идиллической и драматической реакцией на неприязнь художников к неоклассическому движению, промышленной революции и эпохе Просвещения.

Известные художники: Черч, Коул

Реализм: период искусства, когда художники старались правдиво и точно изображать свои предметы. Движение было реакцией на романтизм и промышленную революцию и сосредоточилось на повседневной жизни, даже на неприятных сторонах жизни.

Движение искусств и ремесел (1860-1920)

Это антииндустриальное движение, заимствовавшее элементы средневекового и романтического периодов, выступало за социальные реформы, полагая, что искусство может влиять на общество. Он был сосредоточен на полезности и качестве дизайна и в основном использовался в мебели и архитектуре.

Известные художники:

Народное искусство (без конкретных дат)

Стиль искусства, относящийся к культуре, утилитарный (что означает, что помимо красоты он имеет и полезное значение), обычно создаваемый художником без формального художественного образования. Народное искусство не связано с движениями изобразительного искусства.

Известные художники: Бабушка Мозес

Американский регионализм (1930–1940-е годы)

Художественное движение в рамках реалистического периода (или его продолжения), когда художники изображали сельский Средний Запад и Глубокий Юг Америки с консервативными, скромными, знакомыми (и несколько идиллическими) сценами из жизни. Созданный во время Великой депрессии, он изображал большие городские районы как источник проблем Америки эпохи депрессии. Это также было реакцией на нынешний подъем современного искусства и понравилось большинству американцев, которые ничего не понимали в современном искусстве 9. 0005

Известные художники: Грант Вуд, Томас Харт Бентон, Норман Роквелл

Модернизм – период искусства, основанный на вере в прогресс и идеализме. Он предполагал, что принципы могут быть использованы для объяснения реальности. Художники-модернисты сосредотачиваются на методах и процессах, а не на ограниченной группе предметов. В отличие от предыдущих периодов искусства, которые имели в основном объединяющие характеристики, этот период искусства включает в себя множество различных художественных направлений.

Импрессионизм: (1872-1892)

Импрессионизм — направление в искусстве и стиль живописи, направленный на запечатление чувств или переживаний обычного предмета на месте (не позже в художественной студии). Искусство включало смелые цвета, чтобы изобразить легкие, видимые мазки кисти и, если смотреть вблизи, внешний вид не в фокусе.

Известные художники: Клод Моне, Пьер-Огюст Ренуар, Берта Моризо, Эдгар Дега, Мэри Кассат, Джон Сингер Сарджент

Постимпрессионизм (1886-1905)

Постимпрессионизм — это художественное движение, противодействующее импрессионизму и стремлению импрессионистов изображать свет и цвет естественно. Художники-постимпрессионисты исследовали абстракционизм и сосредоточились на создании искусства, которое было окном в разум и душу художника (где традиционно искусство было окном в мир). Они использовали множество узоров и делали акцент на символизме. В рамках постимпрессионизма было большое разнообразие искусства. Геометрический конец спектра привел к кубизму, а экспрессивный конец привел к абстрактному экспрессионизму.

Известные художники: Поль Сезанн, Жорж Сера, Винсент Ван Гог, Анри Руссо

Символизм (1886-1910)

Символизм был художественным движением, в котором художники сосредоточились на субъективном и индивидуалистическом представлении идей и эмоций (а не мира природы) в своем искусстве. Произведения искусства сильно различались по тому, как они выглядели, но содержание, как правило, было мистическим, страстным, эротическим, основанным на страхе или болезненным.

Известные художники: Эдвард Мунк, Поль Гоген

Стиль модерн (1890-1910)

Стиль модерн был направлением в искусстве, на которое оказали влияние японское искусство и декоративно-прикладное искусство. Он был очень богато украшен и часто украшен экзотическими растениями. В США это называлось стилем Тиффани.

Известные художники: Густав Климт ( Поцелуй ), Tiffany Studios (лампы)

Экспрессионизм: (1905-1933)

Экспрессионизм был художественным движением с центром в Германии, где художник искажает реальность, чтобы выразить эмоции. Они были вдохновлены постимпрессионистами и художниками-символистами.

Известные художники: Василий Кандинский

Фовизм (1904-1910)

Фовизм был художественным направлением под названием Les Fauves, что в переводе с французского означает «дикие звери» из-за их чрезвычайно искаженных фигур и неестественно ярких цветов. Фовисты очень интересовались научной теорией цвета и контекстом цвета. Их искусство иногда было абстрактным

Известные художники: Анри Матисс, Андре Дерен

Кубизм: (1907-1922)

Кубизм был художественным движением, которое рассматривало предмет с разных точек зрения и изображало его с помощью геометрических фигур, что привело к абстрактному искусству.

Известные художники: Пальбо Пикассо ( Авиньонские девицы )

Дадаизм (1916-1924)

Дадаизм был художественным движением, в котором художники сосредоточились на создании сатирических или неприятных произведений искусства, чтобы шокировать самодовольный средний класс и заставить его задавать себе трудные вопросы о материализме, войне и обществе. Во многом это было реакцией на ужасы Первой мировой войны и ассоциировалось с антикапитализмом и крайне левыми.

Известные художники: Рауль Хаусманн ( Искусствовед ) Марсель Дюшан ( LHOOQ )

Сюрреализм (1924-1966)

Сюрреализм был художественным движением, выросшим из движения Дада, когда художники под влиянием Зигмунда Фрейда и Карла Маркса стремились направить свое бессознательное на раскрытие чистого воображения без ограничений разума, морали , или эстетика. Искусство этого движения часто бывает странным и нелогичным, но включает в себя точно нарисованные предметы быта.

Известные художники: Сальвадор Дали

Абстрактный экспрессионизм (1943-1965)

Абстрактный экспрессионизм — это направление в искусстве, в котором художники восприняли сюрреалистическую идею о том, что искусство должно исходить из бессознательного. Начиная с Нью-Йорка, на него повлияла левая политика, и он соответствовал американскому настроению тревоги и бедствия.

Искусство и художники этого движения делятся на две категории. Художники действия использовали большие жесты для спонтанного создания очень больших абстрактных картин. Группа Color Field Painting использовала жирные области одного цвета для исследования религии и мифов.

С появлением абстрактного экспрессионизма Нью-Йорк стал мировым центром искусства, где раньше был Париж во Франции.

Известные художники: Джексон Поллок, Моррис Луис

Современный период все еще раскрывает себя. Пока у нас не будет перспективы истории, мы не сможем полностью узнать, какие атрибуты и идеалы лучше всего характеризуют искусство нашего времени. Кроме того, историки искусства продолжают определять такие термины, как «современный» и «постмодернистский», в мире искусства существуют некоторые разногласия по поводу того, что именно входит в каждый из них. Искусство и художники этих периодов времени также продолжают классифицироваться. Несмотря на все это, есть еще несколько названий художественных направлений, которые попадают в эти временные рамки, которые мы можем изучить.

Постмодернизм (1960-е – настоящее время)

Постмодернизм – это художественный период или движение, являющееся реакцией на утопические идеалы прогресса, ясности и простоты Нового времени. Ему свойственны цинизм и неприятие идеи всеобщей истины и объективной реальности. Охватывая противоречивые смысловые слои, художники верят, что индивидуальный опыт более верен, чем абстрактная идея. Искусство того периода обычно имеет антиавторитарные, мятежные темы и полно иронии, поскольку оно направлено на то, чтобы сломать классы или подорвать подлинность. Это движение включает в себя несколько других направлений, включая поп-арт и концептуальное искусство.

Поп-арт: (1955–1979)

Поп-арт — это направление в искусстве, в котором знаковые или повседневные предметы прославлялись, делая их центром внимания.

Известные художники: Энди Уорхол, Рой Лихтенштейн

Оп-арт (1960-е)

Оп-арт был движением, в котором использовались линии, пространство, повторение, а иногда и цвет для создания иллюзии глубины и движения.

Известные художники: Виктор Вазарели, Бриджит Райли

Концептуальное искусство (1960-е)

Концептуальное искусство — это направление в искусстве, которое считает, что идея произведения искусства важнее, чем создание произведения искусства, поэтому искусство не обязательно должно быть физически создано, чтобы быть ценным. Теория также утверждает, что эстетика, выразительность, мастерство и товарность произведения искусства не имеют значения.

Известные художники: Марсель Дюшан

Минимализм

Tate. org
Wikipedia.org
Arthistory.net
Art.com/artwiki
TheArtStory.org

Если вы преподаете искусство, вас также может заинтересовать моя книга Любой может научить Ar t, которая поможет вам разложить все, что вы захотите узнать и рассказать о мире искусства!

План урока для эссе класса визуальных искусств

Выдержка из эссе:

¶ … Студенты смогут анализировать и критиковать живопись в стиле барокко, глядя на пять мастеров стиля барокко. Они изучат различные методы живописи в стиле барокко — использование импасто (густая краска), спреццато (быстрые мазки), светотени (использование света и тени) и динамизм (чувство движения). Эта информация позволит учащимся лучше понять, как сформировалась манера барокко, а также подчеркнет значение этих методов и то, как они отличали художников от стиля живописи эпохи Возрождения.

По окончании трех планов уроков учащиеся смогут определить и развить приемы художника эпохи барокко. Это поддержит способность учащихся создавать, представлять и реагировать на изобразительное искусство, обучая их инструментам художника. Таким образом, вы сможете распознавать стили мазка и то, как такие эпохи, как барокко, включили эти мазки в ремесло. Это знание будет тем более прочным, если учесть реальную практику применения этих приемов в собственных картинах, основанных на манере и методе барокко. Они также смогут рассказать классу, какой тип стиля/штриха они применили для какого эффекта и как это влияет на общую тему создаваемого ими изобразительного искусства. Таким образом, они научатся интерпретировать искусство, то есть смогут определить, как создаются ключевые темы, формы и жанры с помощью стильного эффекта и критического использования штриха. Они также будут иметь исторические знания о предыстории эпохи барокко (поддержка католической церкви перед лицом протестантской Реформации) и смогут показать, как искусство связано с социальным, политическим и экономическим развитием общества.

1с.

На первом уроке учащиеся будут анализировать и критиковать произведения искусства в стиле барокко. Второй план урока основывается на первом плане урока, изучая понимание процесса от концепции до исполнения реальной картины в стиле барокко, начиная свою собственную. На третьем уроке учащиеся продолжат рисовать, начатые на предыдущем уроке, до завершения.

Создавая произведения искусства в стиле барокко, учащиеся смогут понять, что означало создание значимых произведений искусства эпохи барокко. Они получат непосредственный опыт этого ремесла, что углубит их оценку работ, которые они изучили, а также навыков и труда, затраченных на их создание. Учащимся также будет предоставлен выбор для исследования художника и работы той эпохи, чтобы лучше понять эпоху и стиль, и это даст им возможность поместить произведение искусства в контекст для себя и объединиться с предметом посредством контекста. критика.

Подсказка 2а.

В художественном классе 12-го класса учатся разные ученики с разным уровнем обучения, например, два ученика ELL, три ученика с особыми потребностями и два одаренных ученика. Их знания минимальны в искусстве барокко, однако основное внимание уделяется фактическим методам рисования, используемым в живописи барокко. Все учащиеся смогут достичь степени понимания, которая позволит им творчески выразить себя, чтобы создать произведение искусства, имитирующее стиль барокко.

2б.

Повседневный опыт моих учеников, их культура и их языковой опыт, практика и интересы в некоторой степени подготовили их к этому классу. Например, все они смотрят телевизор, а телевизионные шоу основаны на драме. Искусство барокко использует этот смысл драмы, чтобы придать смысл своим картинам, потому что оно отражало драматизм…

…

Если бы не то, что случилось в Европе, то и мы здесь не были бы такими, какие мы есть. Таким образом, их использование языка и слов и даже их социальная культура напрямую связаны с этими произведениями искусства через исторические цепи событий.

2с.

У учащихся хорошие моторные навыки, и даже учащиеся с особыми потребностями могут изучать этот предмет, даже если их концентрация внимания может быть затруднена при концентрации внимания на концепциях. Действия по рисованию и использованию штрихов/стилей должны способствовать их вовлечению, особенно использование техники спреццато. Студенты проявили некоторый интерес к рисованию и опробованию техники, хотя у них нет никаких оснований полагать, что они смогут делать это так же хорошо, как мастера эпохи барокко, но я заверил их, что дело не в том, чтобы пытаться создать работу, не уступающую их собственной, а скорее развить чувство стиля и то, как разные техники производят разные эффекты. Таким образом я укрепляю веру в собственную способность к утверждению своих основных врожденных качеств. Чтобы помочь учащимся с особыми потребностями с дефицитом внимания, мы фокусируемся на нескольких идеях, чтобы они могли переходить от одной к другой и видеть, как все они применимы вместе. Например, художники не будут использовать только один стиль, навык или метод рисования, а воплотят их все в одном произведении искусства. Признание этого дает учащимся больше возможностей для осознания и обдумывания, чтобы им не приходилось сосредотачиваться только на одном методе или стиле за раз, а можно было видеть все в целом, немного рассредоточиваться и не чувствовать себя таким ограниченным.

Поддержка обучения студентов изобразительному искусству. 3a

Мое понимание предшествующего академического образования, личных, культурных и общественных ценностей и физического развития/условий моих учеников определяло мой выбор в адаптации учебных заданий и материалов в том смысле, что я видел пользу от иллюстрации того, как ряд методов одновременно использовались для того, чтобы произвести общий эффект на произведения искусства. Я также определил различные аспекты культуры эпохи барокко и соотнес их с нашей собственной культурной эпохой, подчеркнув как различия, так и сходства. Например, в эпоху барокко велась ожесточенная борьба за связь между церковью и государством, и сегодня такая же борьба наблюдается на социальном и политическом уровне. Это показывает, что те же вопросы и темы, которые были важны для людей 400 лет назад, по-прежнему важны для людей сегодня. Поэтому я спрашиваю студентов, почему это так, и предлагаю им заняться темой изобразительного искусства на интеллектуальном уровне, чтобы лучше погрузиться в предмет и его фоновое значение. Затем мы применяем наше изучение техник, чтобы увидеть, как путем активного участия мы можем создавать эффекты в живописи, которые заставляют нас испытывать различные чувства, которые затем могут быть связаны с предметом картины, а предмет может быть связан с социальными проблемами жизни. общество. Таким образом, мы ориентируемся как на микро-, так и на макропрезентацию.

3б.

Эти учебные стратегии и запланированная поддержка подходят для всего класса, отдельных лиц и групп учащихся с особыми потребностями в обучении следующим образом: весь класс получает пользу от четкого понимания того, насколько целостны искусство и общество, как одно отражает другой и как другой производит один. Они видят, как проблемы связаны с искусством, и они видят, как художник использует новые техники для выражения новых идей. Учащиеся с синдромом дефицита внимания выигрывают от связности этого подхода, реагируя на интеллектуально стимулирующий характер взаимодействия субъекта со стилем, формой искусства, жанром, социальными проблемами и тем, как эти проблемы охватывают века, чтобы оставаться актуальными сегодня и почему это так. Отдельный учащийся выигрывает от этого подхода, потому что перед ним или ей стоит задача отождествить себя с конкретной работой или художником и стремиться лучше понять эту работу или художника, чтобы углубить свое собственное ощущение эпохи, стиля и визуальной среды.

3с.

Распространенные ошибки или недопонимания в рамках моего основного внимания заключаются в том, что учащимся нужно все разделить на части, чтобы одновременно рассматривалась одна область, но это влияет на то, как они понимают целое и взаимосвязь частей. Поэтому я планирую обратиться к этому вопросу, постоянно возвращаясь к целому — кто, что, где, почему и как — изобразительного искусства. Это означает, что я покажу, как стили практиковались и разделялись художниками, совершенствовались, развивались и обновлялись на протяжении многих лет, и как их развитие совпадало с социальными проблемами и как эти проблемы влияли на искусство, и я подниму вопросы о том, что такое искусство. сегодня, и что он представляет, и почему он такой другой, и что это означает и говорит о нашем мире и обществе сегодня.