Барокко декоративно прикладное искусство: Барокко в прикладном, декоративном искусстве – современная утонченность, или классика?

Барокко в прикладном, декоративном искусстве – современная утонченность, или классика?

Главная » Статьи » Барокко в прикладном, декоративном искусстве – современная утонченность, или классика?

07 ноября 2013 года

Барокко – это исторический стиль, возникший в 16 веке. Родиной стиля считается Рим, а самыми яркими образцы стиля рождены в Италии и Испании. Для стиля Барокко свойственно создание величественных ансамблей, в которых каждая деталь отмечена роскошью, пышностью и изяществом форм и линий.

Барокко в России отличается от Итальянского жизнерадостностью и отсутствием религиозного направления. Началом эпохи стиля стало строительство небольшой церкви в Риме, начатое в 1568 г.

В области декоративно-прикладного искусства «барокко», наиболее занимательной является мебель, отличающаяся массивностью форм и шикарными орнаментами. Кресла и стулья на резных ножках с высокими спинками, с тисненым орнаментом, который в основном дополняла роспись золотом, обитые окрашенной кожей, массивные двустворчатые шкафы на ножках в форме шаров с резными карнизами и др.

Также известными в декоративно-прикладном искусстве стали изделия из богемского хрусталя. Материал для стекла добывали из золы некоторых видов деревьев. Изготовленное стекло было толстостенным и прозрачным.  Его огранкой занимались ювелиры, и получали сияющие алмазными гранями изделия. Благодаря необыкновенному блеску изделия назвали хрусталем. Из богемского хрусталя изготавливали люстры, резные зеркала, а также бокалы и кубки, которые переливались на свету всеми цветами радуги.

Стены комнат и залов, в эпоху барокко, вуалировали глазетом – тканью с вплетенными в орнамент серебряными и золотыми нитями, обоями с пышной бахромой и кистями. Их оригинальность содержалась в объединении композиций с обилием образов людей и животных, декоративных драпировок и пышных букетов, изображений фруктов.

Также стоит напомнить о мозаике. Творением которой мы обязаны стараниям великого ученого и химика Михаила Ломоносова.  Вследствие бесчисленных экспериментов над стеклом, он получил  смальт поражающий красотой цвета. И это в 18 веке.

Хотелось бы отметить и «Янтарную комнату», сделанную под впечатлением стиля «Барокко». Это произведение искусства, выполненное в технике аппликации из камня янтарь. Комната ошеломляет своей красотой, янтарь дает различное восприятие оттенка желтого цвета, под различными углами освещения. Возникает ощущения постоянного движения на стенах.

Как мы видим барокко – это настоящая классика. В нынешнем времени изделия в таком стиле будут отличаться высокой ценой и трудоемкостью работы.

 

ВЕЧЕРНИЙ ЛЕКТОРИЙ «ИСКУСНО ПОКУПАТЬ ИСКУССТВО»

Всероссийский музей декоративно-прикладного и народного искусства совместно с Институтом Арт Бизнеса и Антиквариата

представляют

Вечерний лекторий

Искусно покупать искусство

1 семестр

7 ноября 2013 — 16 января 2014  

 

Основы атрибуции в залах Всероссийского музея декоративно-прикладного и народного искусства

 Шедевры декоративно-прикладного искусства в усадьбе Остермана-Толстого

Интенсивное обучение основам атрибуции в залах Всероссийского музея декоративно-прикладного и народного искусства.

  Уникальная программа от ведущих экспертов музея. Занятия вечернего лектория пройдут в атмосфере старинной усадьбы Остермана-Толстого в самом центре Москвы. Вы получите базовые знания по определению подлинности, авторства, места и времени создания  произведений.  А также – по их стилистическим и технологическим особенностям на примере предметов из экспозиции ВМДПНИ и богатых фондов музея, куда смогут попасть только слушатели лектория.  

Занятия пройдут во Всероссийском музее декоративно-прикладного и народного искусства по адресу: Москва, ул. Делегатская, д. 3.

http://www.vmdpni.ru/

 

По вопросам приобретения  абонемента обращаться в

Институт арт бизнеса и антиквариата

 

Тел.: +7 495 613 2276, +7 926 895 6699, e-mail: [email protected], 

 http://www.artinstitut.ru

Программа вечернего лектория

7 ноября 2013 — 16 января 2014

 

Дата	Программа 1 семестра
07. 11.13	Серебро, бронза, сплавы. На примере коллекций ВМДПНИ вы изучите виды русского художественного металла. Увидеть произведения мастеров различных эпох вы сможете в залах музея «Традиционное народное искусство России», «Век Просвещения», «В комнатах», «Частные коллекции».
14.11.13	Стили в декоративно-прикладном искусстве: барокко и рококо. Вы узнаете об общих деталях и мотивах, по которым можно увидеть сходство между изобразительным искусством и произведениями декоративно-прикладного искусства одного времени и стилистического направления.
21.11.13	Произведения из художественного металла: интерьерная бронза.  Клейма и особенности кабенетной бронзы конца XVIII — начала XX вв.  Вам представится возможность познакомиться с лучшими экземплярами из коллекций ВМДПНИ: собранием художественного металла  Г.А.Кубрякова; роскошными уральскими подносами начала XIX века, реставрированными во ВХНРЦ им.И.Э. Грабаря и т.д.
28.11.13	Стили в декоративно-прикладном искусстве.  Вы рассмотрите примеры стиля классицизм в декоративно-прикладном искусстве — стиля, который обращался к образам и формам античного искусства как идеальному эстетическому эталону. Интерьерный комплекс Екатерининского классицизма, произведения Императорского фарфорового завода и Петергофской гранильной фабрики середины-конца XVIII столетия.
05.12.13	Западноевропейское серебро и бронза: бренды и клейма. Интерьерные детали: люстра, канделябр, зеркало и т.п. Лектор проиллюстрирует свой рассказ уникальными предметами из коллекции ВМДПНИ.
12.12.13	История интерьера и стили мебели. Мебельное искусство России  концаXVIII – середины  XIX веков. Лекция посвящена проблемам атрибуции русской мебели указанного периода. Музей располагает превосходной коллекцией мебели русского классицизма, стилей Жакоб, ампир, второго рококо, эклектики. На примере образцов мебели, экспонирующихся в постоянной экспозиции музея и хранящихся в фондах, будет рассказано о методике атрибуции предметов, сложностях и проблемах, возникающих  в этой работе. Будут проанализированы и сопоставлены произведения русского ампира первой трети XIX века и их реплики, выполненные в эпоху неоклассики, отдельно рассмотрены предметы компиляционные и имеющие более поздние переделки и доделки. Подобные предметы нередко встречаются на современном антикварном рынке. Будет рассказано об открытиях и находках, новых атрибуциях, сделанных в ходе изучения музейной коллекции.
19.12.13	Коллекционирование и выставочная деятельность. Хранение предметов декоративно-прикладного искусства на примере музея. Типы экспозиции, их цели и задачи. Условия экспонирования произведений. Выставочный проект: от замысла к воплощению. Экспозиция и выставка как информационный источник.
26.12.13	История интерьера и стили мебели. Русский стиль в мебели конца XIX – начала XX веков. Музейная коллекция мебели этого направления — самая полная и представительная в стране. Она включает целый ряд первоклассных, хрестоматийно известных произведений мебельного искусства, выполненных по проектам Е.Д. Поленовой, С.В. Малютина, А.П. Зиновьева, В.М. и А.М. Васнецовых, А.Н. Дурново и многих других авторов. В ходе лекции будет рассказана история формирования и развития таких знаменитых художественных центров, как Абрамцево, Талашкино, мастерских Московского Кустарного музея и Сергиева Посада.
09.01.14	Чудеса Палеха, Холуя и Мстеры. На занятии вы узнаете об истории русской лаковой миниатюрной живописи и коллекционировании, о взаимовлиянии восточных, западноевропейских и русских лаков. ВМДПНИ хранит уникальное по своей полноте собрание художественных лаков Петербурга, Федоскина, Палеха, Хoлуя и Мстеры. Вы рассмотрите основные технологии производства лаковой миниатюры. Узнаете о главных мануфактурах и основных именах в истории русских художественных лаков — Коробовской мануфактуре, Лукутинском деле, мастерских Вишняковых – а также об их роли в создании новых центров лаковой миниатюрной живописи в послереволюционное время.
16.01.14	Занятие в реставрационной мастерской по мебели. Вы сможете сравнить подлинные произведения, выполненные в Абрамцевской мастерской под руководством Е.Д. Поленовой и их реплики, сделанные в начале XX столетия в мелких, зачастую неизвестных столярных мастерских, наглядно почувствовать разницу в исполнении одного и того же проекта. Будет проанализировано нынешнее состояние антикварного рынка, изобилующего копиями и подделками мебели русского стиля.

(В программе возможны изменения и дополнения)

2.21 Скульптура и декоративно-прикладное искусство барокко

Скульптура и декоративно-прикладное искусство барокко

Русское барокко вызвало подъем всех видов декоративно-прикладного искусства. Барочный интерьер – это некий единый декоративный поток, необычайное богатство декора в его барочно-рокайльных тенденциях, с капризным изяществом рисунка, прихотливостью общей композиции и нарядностью решения, сказавшихся буквально во всех видах и техниках: в мебели, в только что родившемся отечественном фарфоре, в тканях.

Знакомство с западноевропейской скульптурой осуществлялось и благодаря закупкам за границей произведений позднего барокко, скульптур мастеров круга Бернини, а иногда даже и античных. Так, в Риме была куплена знаменитая Венера, получившая позже название Таврической.

К восприятию скульптуры светского характера русские люди были уже подготовлены сочной барочной резьбой иконостасов церквей, пластикой церкви Знамения в Дубровицах, Меншиковой башни, рельефами Петровских ворот Петропавловской крепости, исполненными Оснером Старшим. Декоративные панно дубового кабинета Петра в Петергофском дворце работы Н.Пино, рельефы А.Шлютера на фасадах Летнего дворца в Летнем саду были несомненно определенным этапом в изучении западноевропейских приемов пластического искусства.

Ещё посмотрите лекцию «24 Культурно-образовательная деятельность Ярослава Мудрого» по этой теме.

Рождение же светской круглой скульптуры, монумента, конного монумента на русской почве связано прежде всего с именем Б. -К. Растрелли, Растрелли-отца, или Растрелли Старшего, как его называют историки искусства.

Бартоломео Карло Растрелли (1675–1744), флорентиец по происхождению, работавший в Риме и Париже, воспитанный в традициях берниниевского барокко, вместе со своим сыном приехал в Россию в 1716 г. и обрел здесь вторую родину. Его первая работа в России – бюст А. Д. Меншикова, несколько театральный, внешне эффектный, величественный образ. Однако Растрелли был приглашен в Россию для создания памятника Петру. в процессе работы над монументом родился портретный бюст Петра (1723, ГЭ; повторение в чугуне –1810, ГРМ). Как и изображение Меншикова, бюст императора представляет типичное произведение барокко: это динамическая композиция с подчеркнутой пространственностью и непременным акцентом на множественности фактур, со светотеневыми контрастами пластических масс, их живописностью. Это скорее образ целой эпохи, чем конкретного индивидуума, и эта обобщенность придает бюсту черты монументальности.

Расцвет монументальной русской скульптуры начинается с первого русского монумента, исполненного также Растрелли, – статуи Анны Иоанновны с арапчонком, одного из ярчайших памятников по цельности художественного образа и пластической выразительности.

1.     Данилов А.А., Косулина Л.Г. История России. – М.: Просвещение, 2004.

 

 

Народное и декоративно-прикладное искусство

Народное и декоративно-прикладное искусство как результат деятельности многих мастеров. Роль ДПИ в жизни человека, его исторические корни. Единство эстетического и функционального начал при формировании предметной среды, окружающей человека.

Влияние традиций, образа жизни на развитие художественных ремесел. Различие между художественной промышленностью и народными художественными промыслами.

Статус народного мастера, преемственность мастерства.

Понятие «декоративно-прикладное искусство». Классификация изделий по функциональному назначению, по применяемым материалам, технике изготовления. Органичное смысловое единство формы и ее назначения. Природный материал, достижение выразительности с учетом свойств материала. Стили в ДПИ.

Законы, средства организации, гармонизации и выразительности в декоративно-прикладном искусстве. Виды композиции: фронтальная, объемная и объемно-пространственная. Законы, средства организации, гармонизации и выразительности композиции. Стилизация, трансформация как творческие процессы, их особенности и значение в формообразовании плоскостной и объемно-пространственной композиции. Возникновение художественного образа.

История развития декоративно-прикладного искусства. Декоративно-прикладное искусство Древнего мира, Средневековья, Нового и Новейшего времени (декоративно-прикладное искусство и орнамент Древнего Египта, Месопотамии, Эгейского мира, Древней Греции, Рима, Византии, европейского Средневековья, барокко, рококо, классицизма, ампира, модерна, арт-деко, постмодернизма).

Народные промыслы. Народное творчество. Композиция в народном декоративно-прикладном искусстве. Взаимовлияние народного и профессионального декоративно-прикладного искусства.

Технологические приемы выполнения произведений декоративно-прикладного искусства в различных материалах.

Классификация изделий по способу их изготовления. Материалы, используемые в декоративно-прикладном искусстве.

Художественный металл. Художественный текстиль. Роспись тканей. Вышивка. Ковроткачество. Кружева. Лоскутная техника.

Художественная обработка дерева, основные виды и направления. Роспись по дереву.

Стекло в изделиях декоративно-прикладного и народного искусства. Технологические приемы выполнения произведений. Основные термины, понятия.

Художественная обработка рога, кости, кожи, меха, камня.

Музейный абонемент «Нескучные беседы об искусстве. Школа начинающего искусствоведа» для взрослой аудитории

Занятия I курса начинаем со 2 февраля 2021 г. для тех, кому интересна история европейского и русского искусства, стилистические особенности различных эпох и национальных школ.

Цикл занятий I курса состоит из пяти блоков: Архитектура, Скульптура, Графика, Живопись, Декоративно-прикладное искусство.

 

Темы лекций II курса посвящены истории искусства ХХ столетия, начало занятий – с сентября 2021 года.

 

I курс

1) Архитектура:

— Архитектурные стили. 2 февраля;

— Архитектура России. Национальные истоки. 9 февраля;

— Особенности архитектуры Москвы, Санкт-Петербурга и Екатеринбурга. 16 февраля.

2) Скульптура как вид изобразительного искусства:

— Античная скульптура. Готическое искусство и скульптура. Великие скульпторы Возрождения. 2 марта;

— Скульптурные шедевры европейского искусства XVII-XIX столетий. Барокко, рококо, классицизм. 16 марта;

— Пути развития русской скульптуры конца XIX — начала XX в. 23 марта.

 

3) Графика как вид изобразительного искусства:

— Введение. Выразительные средства графики (линия, штрих, пятно, точка). Оригинальная графика и печатная графика; Материалы и технические средства. Техники и виды печатной графики. 30 марта;

— История европейской гравюры XV – XX веков. История возникновения гравировальных техник (ксилография, резцовая гравюра, офорт, меццо-тинто, литография). Знаковые имена. 6 апреля;

— История гравюры и литографии в России. Искусство книжной иллюстрации. 13 апреля.

 

4) Живопись как вид изобразительного искусства:

— Введение. История живописи. Шедевры русской иконы. 20 апреля;

— Историческая картина и эпоха. Мифологические и библейские сюжеты в живописи. 27 апреля;

— Портретный жанр живописи. Великие портретисты в европейском и русском искусстве. 4 мая;

— Пейзаж в мировой живописи. Национальное своеобразие европейских и русских пейзажей. 11 мая;

— Развитие бытового жанра как отражение эпохи. Интерьер в живописи. Натюрморт. История и периоды расцвета. 18 мая.

 

5) Декоративно-прикладное искусство

— Культовые и обрядовые украшения древнего мира (Древний Восток, Древний Рим) и Древней Руси.25 мая;

— Классификация ДПИ. Стилистические особенности в разные эпохи: мебель, фаянс, фарфор, стекло, текстиль. 25 мая.

 

II курс

1)      Модернизм как идея «другого искусства». От модернистских тенденций импрессионизма, постимпрессионизма, символизма и модерна к истокам авангарда: фовизму, кубизму. 1900-е — 1915 гг.

2)      Стилевые направления и течения в русском искусстве начала XX столетия. 1900-е -1917 гг.

3)      Европейские авангардные течения 1910-х — 1920-х гг.

4)      Удивительные миры Марка Шагала, Василия Кандинского, Казимира Малевича, Павла Филонова.

5)      Такое разное новое искусство: русский неоклассицизм Зинаиды Серебряковой, древнерусские традиции в живописи Кузьмы Петрова-Водкина и конструктивизм Татлина. Пути развития графического искусства в России 1920-х — 1930-х гг. Основы дизайна и рекламы: Лисицкий, Родченко, Степанова, Попова.

6)      Архитектура XX века. Мировые практики. 

7)      Искусство середины XX столетия. 1930-е — 1950-е гг.

8)      Искусство «оттепели» и «суровый стиль» в советском искусстве 1950-х — 1960-х.

9)      Постмодернизм в искусстве второй половины XX века.

10)    «Неофициальное» искусство в СССР.  Нонкомформисты и концептуалисты в живописи, графике и скульптуре 1970-х гг. Свердловский андеграунд и Экспериментальная художественная выставка «Сурикова, 31» 1987 года.

11)    Новый период советского графического искусства 1960-х — начала 1980-х гг. Книжная иллюстрация и сценическое искусство. Графичность и монументальность в творчестве уральских художников этого периода: В. М.  Воловича, Г. С. Мосина. М. Ш. Брусиловского, Г. С. Метелева и др.

12)    Тенденции развития искусства скульптуры XX века.

13)    Contemporary art рубежа XX – XXI вв. Вспоминая дадаизм и сюрреализм 1920-х – 1930-х гг.

 

По входному билету

Занятия проводятся по вторникам в 18:30

Запись на курсы по тел.: +7-922-613-46-42

Вероника Калинина, заведующая научно-просветительским отделом.

музей русского декора и интерьера • Интерьер+Дизайн

Всероссийскому музею декоративно-прикладного и народного искусства исполняется 35 лет. В честь юбилея обновлена постоянная экспозиция «Декоративно-прикладное искусство России XVIII – первой трети XIX века».

Все выставленные предметы объединены в блоки: тематические, стилистические (от петровского барокко до бидермайера) и типологические. Каждый предмет погружен в контекст времени, стиля, развития декоративно-прикладного искусства и не утрачивает своей особой характеристики.

Центральные темы новой экспозиции: «Эпоха перемен: рубеж XVII–XVIII веков», «примитивы XVIII века», «классика русского XVIII века», представляющая эпоху от Петра до Павла в высоких образцах придворного искусства. Темы «русский ампир» и «в комнатах» демонстрируют две грани культуры первой трети XIX века – парадный имперский стиль и становление культуры частной жизни. В то же время произведения можно посмотреть и в привычном ряду – по видам искусства, выделяя мебель, художественный металл, стекло, фарфор, керамику, камнерезное искусство, кость и бисер.

Кружка. Заводы Демидовых. Урал. 1761 г. Латунь, медь, выколотка, чеканка, лужение. Сундук-скрыня и сундучок-теремок двухярусный. Конец XVIII в. Русский Север. Холмогоры. Дерево, железо, цветная бумага, слюда, просечка, ковка.

Нельзя пропустить уникальные церковные предметы: Крест-мощевик и Панагию (XVII в.), выполненные в дорогостоящей на тот момент технике эмали по скани. В числе наиболее ранних экспонатов – сундуки с металлической оковкой, чернильницы. Прекрасный образец парадной металлической посуды для сервировки стола — латунные кружки уральского завода Демидовых. Среди хитов —  два стеклянных, темно-синих кубка с вензелями «EML» и «WGS» Императорского стеклянного завода, редкий пример расписных изделий XVII–начала XIX веков. Латинские вензели на кубках принадлежат шведскому посланнику Вернеру Готтлобу фон Швениру. 

Кубок с крышкой и с вензелем EML. Из парных кубков с вензелями EML и WGS. С.-Петербург. Императорский стеклянный завод. Стекло темно-синее (кобальтовое) прозрачное, выдувание, шлифование, роспись золотом, цировка. 1790-1800-е гг.

Среди уникальных предметов русской дворцовой мебели XVIII-XIX веков особый интерес представляют шахматный и ломберный столики в технике маркетри. Среди экспонатов первой половины XIX века обращают внимание две редких по качеству горки в стиле «жакоб». Тому же времени принадлежат и кресла по проекту Осипа Бове, каминные часы «Минин и Пожарский» парижского бронзовщика Пьера-Филиппа Томира.

Часы каминные «Минин и Пожарский». Скульптурная композиция выполнена по модели памятника «Гражданину Минину и князю Пожарскому от благодарной России» И. Мартоса. 1820-1830-е гг. С.-Петербург. Бронза, литье, чеканка, золочение, красный мрамор. Бове И.О. Кресло. Первая четверть XIX в. Пара кресел Бове происходит из интерьерного ансамбля парадной гостиной дома князя Гагарина на Новинском бульваре.

Главное новшество: экспозиция оснащена табличками с QR кодами, которые позволят всем  посетителям узнать еще больше  исторических, технологических и эстетических подробностей.

Тарелка из сервиза ордена Св. Апостола Андрея Первозванного (Андреевский сервиз). 1778–1780 гг. Автор эскиза росписи Г. Козлов. Завод Ф. Гарднера. Фарфор, роспись надглазурная, позолота. Поднос «Спасение Петром I тонущих рыбаков на Ладожском озере». 1820–1830-е гг. Лакирная мастерская Я. Морозова в г. Нижний Тагил (Урал). Железо, масло, лак, роспись, трафарет, серебряный припорох, ковка, просечка. «Похищение Елены. Парис ведет Елену на корабль». Декоративная интерьерная пластина. Железо, лакировка, печать. XIX в.

Барокко в Речи Посполитой — это… Что такое Барокко в Речи Посполитой?

Серебряный реликварий Св. Войцеха, Снежное, Польша.

Барокко в Речи Посполитой — этап развития культуры, который охватывал период с конца XVI века до середины XVIII.

Культурные связи с Италией

В Польше сложились давние, тесные культурные и религиозные связи с Италией. В XVI веке началось распространение идей гуманизма, поддержанное в Польше сначала Королевским двором в Кракове. В результате изначально Возрождение в Польше получило аристократические черты. Королевская приверженность итальянских мастеров, приглашенных Сигизмундом Старым, распространилась и на магнатов, шляхту и богачей в городах. Среди лучших ренессансных сооружений эпохи — перестройка 1502—1536 готического замка Вавель в ренессансный дворец итальянцем Франческо Фьорентино (Francesco Fiorentino). Как и в Италии, культурный фундамент барокко в Польше составляли:

• культура позднего Возрождения
• депрессивный маньеризм.

Мрачный маньеризм имел что-то общее с экзальтацией поздней готики, позиции которой долго сохраняли мощь в культуре Польши в XVI веке.

Так, костёл Святого Андрея бернардинского монастыря во Львове 1600—1630 архитектор Павел Римлянин создал в формах Возрождения. Однако ему не удалось довести до конца строительство — он умер в 1618 году. По преданию, польскому королю Сигизмунду III, который осматривал строительство, первоначальный план Павла Римлянина показался чересчур скромным. В результате ученик и преемник Павла Римлянина, швейцарец Амброзий Благосклонный, провёл достройку здания в ином ключе. Ему принадлежит щит-фронтон усложненной и причудливой формы. Саму постройку Амброзий Благосклонный строил в стиле немецко-голландского маньеризма. Образцом виртуозности и изобретательности маньеризма стала и перестройка (1631—1644) замка Крыжтопор, Опольское воеводство. В пятиугольный двор крепости был вписан необычный план дворца с двумя внутренними дворами — овальным и в виде трапеции. Это было очень необычное сооружение для Речи Посполитой.

В это время на землях Польши уже активно работает первая генерация итальянских архитекторов-иезуитов в стиле раннего барокко (Джакомо Бриано, Джованни де Росси, Джованни Мария Бернардони и т. д.).

Время не отличалась спокойствием, а было насыщено борьбой политических партий, покушениями на короля, военными победами, кризисом в экономике, остановками в строительстве и новыми периодами оживления в архитектуре, фортификации, гравюре.

• «Покушение на короля Сигизмунда III Вазу», 1620 г.

• «Апофеоз короля Сигизмунда III Вазы», офорт, 1629 г.

Раннее барокко эпохи династии Ваза

В конце XVI — начале XVII веков Польша увеличила собственные территории в ходе завоевательных войн. Возросла мощь магнатов и шляхты. Формы польского Возрождения со значительными примесями маньеризма уступают стилю барокко. В польском барокко преобладает смесь итальянских, фламандских, позднее, французских влияний. Серди первых барочных построек в Речи Посполитой — Костёл Тела Господня, построенный в резиденции Радзивиллов — городе Несвиж — архитектором-иезуитом Джованни Мария Бернардони (1584—1593) по заказу Николая Радзивилла. Вторая ранняя постройка барокко — костёл Св. Петра и Павла в Кракове (бригада архитекторов-иезуитов: Джузеппе Брицио, Джованни Мария Бернардони, Джованни Баттиста Тревано). За образец берут главный храм иезуитов — церковь Иль-Джезу в Риме, творчески перерабатывая её фасад.

Барочные черты получают и первые светские по назначению сооружения (дворец краковских епископов, Кельце, 1637—1644, архитектор Томаш Пончино) с внутренним двором, открытой лоджией садового фасада, двумя боковыми башнями по углам сооружения, барочными крышами.

• Костёл Тела Господня, Несвиж. Западный фасад.

• Дворец краковских епископов, Кельце, 1637-1644

Итальянские художники в Польше

Арх. Л. Демерето. Koстел Св. Иосифа в Климонтове, 1643—1650 гг.

Среди архитекторов, работавших на территории страны, преобладали итальянские художники и представители итальянской Швейцарии:

• Санти Гуччи (Santi Gucci 1530—1600)
• Джузеппе или Джозеф Брицио (Giuseppe Brizio)
• Джакомо Бриано (Giacomo Briano 1586—1649)
• Джованни Мария Бернардони (Giovanni Maria Bernardoni 1541—1605)
• Джованни де Росси (Giovanni de Rossi)
• Джованни Баттиста Тревано (Giovanni Battistа Trevano? — 1644)
• Джованни Баттиста Джизлени (Giovanni Battista Gisleni 1600—1672)
• Ян Катеначи (J. Catenaci)
• Маттео Кастелли (Matteo Castelli 1560—1632)
• Джакомо Родондо (Giacomo Rodondo)
• Паоло дел Корте (Paolo del Corte)
• Андреа дель Аква (Andrea del Aqua 1584—1656)
• Бенедетто Молли (Benedetto Molli)
• Томаш Пончино (Tommaso Poncino 1590—1659)
• Лоренцо Сенес, или Демерето (Demereto первая половина 17 в.)
• П. Феррари (P. Ferrari)
• Бернардино Каноббио де Джанотис (Сarlo Romanus)
• Якуб Мадлайн (Giacomo Madlaina, первая половина 17 в.)
• Якуб Фонтана (Giacomo Fontana, Jakub Fontana 1710—1773)
• Августо Лоцци (Augustyn Wincenty Locci 1640—1732)
• Джоанне Спаццо (Gиоvanni Spazzio? — 1726)
• Ю. Белотто (J. Belotti)
• Паоло Фонтана (Paolo Antonio Domenico Fontana 1696—1765)
• Юзеф Фонтана (Giuseppe Fontana)
• Гаэтано Кьявери (Gaetano Chiaveri 1689—1770)
• Доминико Мерлини (Dominik Merlini 1730—1797)
• Я. Х. Фалькони (J. Ch. Falconi) (cкульптор)
• Б. Фонтана (B. Fontana) (cкульптора)
• Томмазо Долабелла (Tommaso Dolabella 1570—1650, художник)
• Микеланджело Паллони (Michelangelo Palloni 1637—1712, художник)

Развитое барокко эпохи Яна III Собеского

Династические войны между представителями рода Ваза на годы приостановили развитие архитектуры в середине XVII в. Лишь в последней трети XVII века (в период правления Яна III Собеского) пришла некоторая политическая стабильность, и в искусстве Речи Посполитой окрепли позиции развитого барокко. Барочная культура сохраняет предварительный характер и влияние итальянских, голландских, немецких образцов — в стране плодотворно работают немецкий скульптор и архитектор Андреас Шлютер, гравер из Голландии Вильям Гондиус, архитектор Тильман Гамерский и ряд итальянских художников. Но растёт мощь Франции, влияние которой уже ощущало тогдашнее польское искусство (архитектура, сад барокко, портретный жанр). Воспитан и ряд национальных кадров — Б. Вонсовский, Войцех Ленартович и др. Древние замки или строят, или добавляют важные части, коренным образом меняют их структуру (Подгорецкий замок, Замковый сад (Жовква) в Жовковском замке, Китайский дворец в Золочевском замке).

С 1678 года Жолковский замок стал королевской резиденцией Яна III Собеского. В конце XVII века была построена новая королевская резиденция — Вилянувский дворец с боковыми башнями, галереями, величественным курдонёром, садом барокко (архитекторы — Августин Лоцци, Джованни Спаццо).

От королевских резиденций мало чем отличаются дворцы или резиденции магнатов — дворец Оссолинских, дворец Красинских, дворец Браницких. Но в провинциях сохранялись позднеренессансные формы. Дома горожан имеют щипцовые завершения с волютами, порталы и фасады украшены лепным декором или скульптурами, межоконные промежутки заполнены гирляндами и виньетками. Застройка бедных районов имеет много общего с сельской архитектурой (деревянные мансардные этажи, небольшие открытые галереи первого этажа). Черты барокко в усадьбах бедной шляхты имеют слишком сдержанный или упрощенный характер.

• Костел в Глогове, Гостынь

• Церковь Матери Божьей Неустанной Помощи, Познань.

• Костёл Св. Казимира, Варшава

• Базилика Пресвятой Девы Марии, Święta Lipka

Портретный жанр

Худ. Томмазо Долабелла. Портрет Станислава Течинского, Вавель.

Среди светских жанров живописи эпохи барокко в Речи Посполитой главное место занял портретный жанр. Создавали как парадные портреты королевских особ, так и портреты для семейных галерей. Парадные портреты короля Казимира ІІІ Вазы были заказаны и выполнены в мастерской Рубенса. Конный портрет короля наследовал образец реперезентативного конного портрета короля Англии Карла I. Постепенно провинциальные художники отходят от плоского изображения к более объемному и менее статическому. Получили распространение портреты магнатов и зажиточной шляхты в полный рост, в роскошных одеждах, с изображением парадного оружия, гербов, надписей. Окончательно плоскостность и статичность были преодолены только в творчестве художников XVIII века, когда к созданию парадных портретов привлекли ряд иностранных мастеров с высоким образованием и значительным художественным дарованием (Марчелло Бачиарелли, Иоганн Лампи Старший и другие.)

Особая отрасль польского портрета — гробовые портреты. При захоронении гроб ставили на высокий подиум, и изображение умершего выше груди размещали на торце гроба.

Скульптура и барочное надгробие

Фарный костёл в Познани, фасад.

Не исчезает тип надгробия с фигурой, лежащей на гробу, который утвердился с эпохи Возрождения . Но на традиционный тип оказывают существенное воздействие образцы художественных надгробий Италии, Фландрии, немецких княжеств. Получают распространение архитектурно разработанные надгробия с колоннами и пилястрами, фронтонами и тяжелыми волютами, с нишами для аллегорических скульптур, с фигурами ангелов, гирляндами, флагами и военной арматурой (надгробие П. Опалинского, 1641—1642 гг, костел в Серакове). Художественную выразительность барочных надгробий усиливают контрастным сочетанием чёрного и белого мраморов, алебастром, гербами благородных семей и т. д. Умершего подают якобы во сне или во время молитвы. Уникальными на территории Польши были металлические надгробия, созданные в Бережанском замке (скульптор Пфистер Ян) и уникальные надгробия Андреаса Шлютера.

Среди других скульпторов Речи Посполитой, которые работали в провинциях — С. Сала, Я. Фалькони, Б. Фотнана, А. Фрончкевич, П. Корнецкий, Я. Мональди.

• Надгробие епископа Андрея Требницкого, Краков

• Надгробие Анны Сенявской

Барочные фрески

Стенопись имела место в искусстве Речи Посполитой и раньше. Декоративные фризы были созданы в дворцовых залах замка Вавель ещё в начале XVI в. (дворцовые праздники, парады воинов). Но стенописи сохраняли плоский линейных характер.

В следующую эпоху развитию декоративного искусства способствовал Ян III Собеский. Следуя примеру французского короля Людовика XIV, он способствовал созданию Королевской мастерской живописи (которая позже будет превращена в польскую Академию живописи). В Королевскую мастерскую живописи, в числе прочих, входили Клод Калло и Микеланджело Паллони.

Историческая и батальная живопись

Историческая живопись в польском искусстве XVI века была представлена в основном гравюрами. В начале XVII века в искусстве Речи Посполитой получает развитие историческая батальная картина европейского образца. Известно, что придворных художников имели как король, так и магнаты. На Ежи Мнишека работал художник Шимон Богушович. Именно Богушович создал портреты Лжедмирия I и его жены Марины Мнишек, которые ныне хранятся в Историческом музее в Москве. Богушович был и автором батальных картин, среди которых — «Битва при Клушине» (по заказу гетмана Станислава Жолкевского), которая состоялась 24 июня 1610 (Клушино — деревня под Смоленском, которую оккупировали воины Речи Посполитой).

События оккупации Москвы, венчания на русское царство Марины Мнишек воспроизвел итальянский художник Томмазо Долабелла. Среди его работ — картины «Представление пленного царя Василия Шуйского Сенату и Сигизмунду III». Картина имела несколько копий.

«Хотинская битва» — картина, которую создал в 1674 г. гданьский художник Андрей Стех. В батальном жанре работал и Мартино Альтомонте, автор картин «Битва под Парканами» и «Битва под Веной», которые прославили победы короля Яна III Собеского.

Регулярные сады

В XVII веке часть крепостных укреплений была перестроена в модный дворец в крепости («palazzo in fortezza»). Прилегающая к замку территория используется для создания регулярных садов.

Примером подобной перестройки стал Подгорецкий замок, а земельный участок с севера использован для создания сада итальянского образца. По преданию, сад распланировал садовник из Рима и использовал (как и в Италии) террасы земельного участка на севере. Наименьшая из террас возле замка включала партер с растительным узором. Ступени на вторую террасу поддерживала аркада, которая создавала галерею и служила гротом. В центре стоял фонтан. Несколько партеров украшала мраморная скульптура мастеров Италии.

Третью террасу украшал зелёный массив с просеками, что использовались для прогулок. Рядом заложили виноградник. Сад, созданный по приказу гетмана Станислава Конецпольского, отличался целостным художественным замыслом и в значительной художественной ценностью.

Декоративно-прикладное искусство

Гобелен с гербом Дмитрия Чалецкого

Построение новых храмов и дворцов стимулировало дальнейшее развитие ремесел, часть из которых принимала национальные формы, часть переходила на заимствованные формы в стиле барокко или, позже, рококо.

Образец резьбы по слоновой кости — бокал со сценами победы польских воинов над турками-османами под Хотином. Бокал венчает миниатюрная фигурка короля Яна III Собеского.

В городе Гданьск (тогда Данциг) было налажено производство мебели. Популярностью пользовались «гданьские» шкафы с цоколем, пилястрами, карнизами, резными деталями.

Особенностью ремесел Речи Посполитой были тканые золотые пояса, так называемые «персидские» из золотых и серебряных нитей. «Пшеворские пояса» украшали медными или серебряными деталями с использованием техники филиграни, чеканки, гравировки. Было налажено производство ковров и гобеленов.

Спросом пользовались изделия из серебра. Известными центрами ювелирного дела в XVII — XVIII веках были города Данциг и Торунь. Особая отрасль декоративно-прикладного искусства — изделия из серебра мастерских Варшавы.

• Три серебряных бокала с портретами польских королей, «Владислав III»

• «Ян ІІ Казимир»

• Мастер А. Макензен старший. Бокал «Владислав II Ягайло»

Интересные образцы резных церковных амвонов создавал Я. Плерш в стиле рококо. Среди произведений искусства той эпохи — миниатюрный конный монумент Августа Сильного из кости и дерева, который создал С. Трогер (1732 г.)

Позднее барокко и саксонское влияние, рококо

После устранения от власти потомков Яна III Собеского, престол Речи Посполитой занял саксонский курфюрст Август Фридрих II. Август II стремился реализовать личную унию и создать унитарное саксонско-польско-литовское государственное объединение, которое поставило бы представителя династии Веттинов в один ряд с ведущими монаршими дворами. Для этого он искал поддержки соседних государств. Пытался присоединить к наследственным саксонским владениям Лифляндию (ныне северная часть Латвии и южная часть Эстонии) и Эстляндию (ныне северная часть Эстонии), а также Трансильванию (ныне в составе Румынии) и Молдавию. В период второго срока его правления польско-литовское государство попало под влияние России. После Полтавской битвы 1709 года и победы Петра I над Карлом XII, Август II восстановил власть над Речью Посполитой. Но постепенное сближение в 20-30-х годах XVIII века интересов окрепшей Российской империи, Австрийской империи и Пруссии относительно Польши готовило делёж польских земель между этими государствами. В последнее десятилетие правления Августа II государством фактически руководила группировка представителей магнатского рода Чарторыйских и его сторонников — так называемая «Фамилия». При их помощи после смерти Августа II польская корона была передана его сыну Фредерику Августу III Саксонскому. На время в официальной культуре Польши стало преобладать саксонское влияние.

В Варшаве и в провинциях работает ряд саксонских художников или немцев по происхождению —

Источники

• Краткая художественная энциклопедия. Искусство стран и народов мира, т 1, М, 1962, с. 212—216
• Polski Słownik Biograficzny, Locci Augustyn Wincenty, t. XVII s.508 — 510
• Łoza Stanisław, Architekci i budowniczowie w Polsce, Warszawa, 1954, s.177
• Biblioteka PAU i PAN w Krakowie, Akta rodziny Loccich, rkps 686, 687

Бернини и шедевры римского барокко из Палаццо Киджи в Аричча

Эта выставка, предоставленная во временное пользование из коллекции княжеской семьи Киджи, посвящена творчеству Джан Лоренцо Бернини (1598-1680) и великолепию периода римского барокко (ок. 1600-1700). Работая на пап и принцев, Бернини был одним из самых ярких светил в истории искусства, создавая театральную скульптуру, живопись, декоративное искусство и архитектуру. Его удивительная универсальность и дальновидность помогли преобразить Рим в начале 1600-х годов, а его художественный дух вдохновил десятки художников при его жизни.На выставке представлены работы не только самого Бернини, воплощающие барочные идеалы интенсивной драматургии, смелого воображения, эмоциональной вовлеченности и активизации зрительского пространства, но и десятков его коллег-художников. Эта выставка, на которой представлены более 40 великолепных полотен Пьетро да Кортона, Маттиа Прети, Жака Стеллы, Сальваторе Розы и Джованни Баттиста Гаулли, освещает влияние Бернини на протяжении всего периода барокко. Бернини и римское барокко отмечает великие традиции исторической живописи, а также портретной живописи, пейзажей и религиозных работ.Эти редкие картины, гравюры и декоративно-прикладное искусство олицетворяют конечную цель того периода — возвысить ум и душу зрителя и полностью погрузить его в само искусство.

Бернини и римское барокко — это редко встречающиеся частные шедевры семьи Киджи. Римский княжеский клан сиенского происхождения, они собрали впечатляющую коллекцию произведений искусства в своем дворце в Аричча, к северу от Рима. Чрезвычайно богатые банкиры, получившие аристократические титулы и земли, среди них были кардиналы и папа.Известность чигитов подпитывала их культурные амбиции; они заказывали и собирали картины, скульптуры и здания лучших художников того времени, которые в конечном итоге стали одними из основных покровителей искусства в Риме в течение 1600-х годов.

Отражая художественную энергию, которая пульсировала по всей Европе и вдохновляла архитекторов, художников и градостроителей по всему миру, Бернини и римское барокко воплощают в себе великолепие и новаторство, которые на века превратили Рим в столицу мира искусства.

Для поддержки выставки и присоединения к ДРУЗЬЯМ БЕРНИНИ, звоните (727) 896-2667 доб. 231 или щелкните: AMICI DEL BERNINI

ГЛАЗ ДЛЯ ДИЗАЙНА: МОДА И ДЕКОРАТИВНОЕ ИСКУССТВО 18-19 ВЕКА

18 декабря 2003 г. — 5 декабря 2004 г.

Галерея Хигби | Энн Биссоннетт, куратор

Стили восемнадцатого века (1700-1799)

Мода и декоративное искусство издавна подвергались одинаковому влиянию дизайна. Хотя эти эстетические связи не всегда очевидны, они часто являются частью более широкой художественной схемы, которая применяется к другим изобразительным видам искусства, таким как текстильный дизайн, живопись и архитектура.

Восемнадцатый век был отмечен по крайней мере тремя отличительными стилями: барокко, рококо и неоклассицизм. Стиль барокко был наиболее сильным во время правления Людовика XIV (1643-1715), и формы отражали силу этого абсолютного монарха: стиль стремился выглядеть грандиозно, впечатляюще и массивно. Стиль рококо, также называемый стилем Людовика XV, очень отличался и представлял период правления этого французского короля (1715-74), хотя был наиболее популярен до 1750 года. Он характеризовался наличием кривых прокрутки и контр- изгибы, которые создавали сильное ощущение движения, любовь к светлым тонам и ощущение утонченности.Открытие Геркуланума (1738 г.) и Помпеи (1748 г.) подогрело любовь к стилям Древней Греции и Рима, которые должны были сформировать основу неоклассицизма, стиля, популярного в начале девятнадцатого века.

Помимо этих отличительных европейских стилей, многие иностранные элементы вошли в дизайнерский словарь художников. Открытия новых культур, эстетики и костюмов разожгли любовь к экзотическим стилям, которая имела серьезные последствия в девятнадцатом веке.

Стили девятнадцатого века (1800-1899)

В начале девятнадцатого века неоклассицизм конкурировал с множеством дизайнерских влияний.Оглядывание на предыдущие стили стало сильной стороной на протяжении всего этого периода, и иногда многие стили сосуществовали и создавали эпоху, отмеченную эклектизмом.

Историзм был одной из важнейших характеристик дизайна XIX века. Самый ранний появившийся исторический стиль последовал за движением под названием романтизм, которое снова философски противостояло своему предшественнику, неоклассицизму. Романтизм прославлял экзотику и черпал вдохновение из более ранних стилей, особенно средневековья.Как это часто бывает, литературные и философские течения зажгли новые тенденции в различных сферах искусства. Девятнадцатый век стал свидетелем возрождения множества исторических стилей от неоготики до барокко и возрождения рококо. Эти стили должны были одинаково повлиять на моду и декоративное искусство.

Еще одним важным событием, повлиявшим на дизайн в Европе и Америке, было восстановление международной торговли Японии в 1854 году. Японская эстетика начала просачиваться внутрь, и термин «японизм» использовался для описания этого явления.К концу 1870-х годов это слово широко использовалось во Франции и было широко известно в западном мире. Экспозиции японских предметов на нескольких международных выставках, начиная с одной, проведенной в Лондоне в 1862 году, позволили людям среднего и высшего классов познакомиться с японской эстетикой. Это влияние оказало значительное влияние на дизайн конца девятнадцатого и двадцатого веков.

Дамы в стиле барокко

Женщины-художницы XVI и XVII веков
В XVI и XVII веках женщины-художницы в Венеции, Риме, Неаполе и Болонье, несомненно, разделяли общую почву, которая принесла им свое место в эстетике барокко.Эти женщины предпочли посвятить себя живописи и, следовательно, соревноваться с опытными художниками-мужчинами и их мастерскими.

Это были дочери, сестры или жены известных художников, а в некоторых случаях — монахини. Их работы демонстрируют концептуальную и формальную согласованность, которая резко контрастирует с разнообразием стилей того периода. Используя смелые приемы и блестящие графические приемы, они обошли — деликатно, когда это было необходимо, и решительно, если возможно, — правила и практики, навязанные Контрреформацией, движением, выступающим за духовное обновление в Католической церкви.

Артемизия: борьба с властью
Артемизия Джентилески (1593–1652) занимает видное место в архивных документах и ​​литературе. Как и ее отец Орацио Джентилески, Артемизия была сторонницей драматического реализма Караваджо. Ее работа поставила ее в прямую конкуренцию со своими сверстниками-мужчинами, и она добилась значительного успеха.

Артемизия постепенно поднялась над своим положением и стала символом борьбы против художественного авторитета: сначала против авторитета отца, а позже, решительно, против несвободы для женщин.

Переосмысление чемпиона женщин-художников
Чтобы лучше понять работу Артемизии, мы должны воздерживаться от чрезмерной интерпретации некоторых событий ее жизни, таких как изнасилование молодой женщиной. В прошлом ее уникальное художественное положение порой слишком легко связывали с этими историями. Выставка MSK попытается квалифицировать это восприятие, исследуя условия, в которых жили и работали художницы эпохи позднего Возрождения и барокко. Артемизия была далеко не единственной женщиной, которая защищала интересы женщин-художников.

От Софонисбы Ангиссолы до Элизабетты Сирани
Софонисба Ангиссола (1532-1625), Феде Галиция (1578-1630), Джованна Гарсони (1600-1670), а также Орсола Маддалена Качча (1596-1676), Лавиния Фонтана (1552) -1614), Вирджиния да Веццо (1601-1638) и Элизабетта Сирани (1638-1665): согласно нравам того времени все эти женщины должны были довольствоваться портретной живописью и аллегорическими картинами с изображением фруктов и цветов. Однако они поспешили пренебречь этими ограничениями, используя навязываемые им темы в качестве мощных инструментов: они продемонстрировали замечательную свободу перед лицом строгих гендерных правил.

Бесспорные портреты и автопортреты их аллегорических, мифологических и религиозных деятелей проникнуты удивительной натуралистичностью. Тот же натурализм можно найти в их цветочных и фруктовых композициях. Эти женщины превратили традиционные символы быстротечности объектов и плодородия в мощные инструменты неповиновения и сопротивления.

«Дамы барокко» показывает, как эти художники изобретательно справились с ограничениями своего времени.С этой целью MSK собрал исключительный выбор работ из престижных музеев, таких как Galleria degli Uffizi (Firenze), Gemäldegalerie (Берлин) и Galleria Borghese (Рим), а также находки из важных частных коллекций. Многие из этих работ выставлялись на всеобщее обозрение лишь от случая к случаю или представлены сейчас впервые.

Французское барокко — HiSoUR — Hi So You Are

🔊 Аудиочтение

Французское искусство 17-го века обычно называют барокко, но с середины до конца 17-го века стиль французского искусства демонстрирует классическую приверженность определенным правилам пропорции и умеренность, нехарактерную для барокко, которое практиковалось в южных и восточных странах. Европа в тот же период.

Название Grand Siècle (Великий век) обозначает во Франции семнадцатый век, который является одним из самых богатых периодов в истории этой страны. Впервые использовавшийся для описания правления Людовика XIV (1661-1715 гг.), Историография теперь применяет его к более длительному периоду, который охватывает весь семнадцатый век и начинается со времен правления Генриха IV, который видит восстановление королевской власти и конец религиозные войны — до смерти Людовика XIV, то есть с 1589 по 1715 год.В этот период, отмеченный монархическим абсолютизмом, королевство Франция доминирует или, в противном случае, надолго отмечает Европу благодаря своей военной экспансии и постоянно растущему культурному влиянию. Во второй половине века европейские дворы в поисках радиации, королевской или королевской, берут за образец «Короля-Солнца» и его атрибуты. Язык, искусство, мода и французская литература распространились по Европе. Очень влиятельное французское влияние, которое также будет отмечать весь восемнадцатый век.

Стиль Людовика XIII
В начале 17 века тенденции позднего маньеризма и раннего барокко продолжали процветать при дворе Марии Медичи и Людовика XIII. Искусство этого периода демонстрирует влияние как севера Европы (голландская и фламандская школы), так и римских художников контрреформации. Художники во Франции часто обсуждали достоинства Питера Пауля Рубенса (фламандское барокко, чувственные линии и цвета) и Николя Пуссена (рациональный контроль, пропорции, римский классицизм).

Была также сильная школа Караваджо, представленная в то время картинами Жоржа де Ла Тура при свечах. Бедные и бедные изображены на картинах трех братьев Ленен почти по-голландски. На картинах Филиппа де Шампень есть как пропагандистские портреты министра Людовика XIII, кардинала Ришелье, так и другие, более созерцательные портреты людей из секты янсенистов.

Жилая архитектура
Однако при Людовике XIV барокко в том виде, в каком оно практиковалось в Италии, не было во французском вкусе (знаменитое предложение Бернини о перепланировке Лувра было отклонено Людовиком XIV.) Посредством пропаганды, войн и великих архитектурных работ Людовик XIV запустил обширную программу, предназначенную для прославления Франции и его имени. Версальский дворец, первоначально представлявший собой крошечный охотничий домик, построенный его отцом, был преобразован Людовиком XIV в чудесный дворец для праздников и вечеринок. Архитектор Луи Ле Вау, художник и дизайнер Шарль Лебрен и ландшафтный архитектор Андре Ленотр творили чудеса: танцевали фонтаны; странствующие гуляки обнаружили в садах скрытые гроты.

Первоначальный импульс для этого преобразования Версаля обычно связан с частным замком Во-ле-Виконт, построенным для министра финансов Людовика XIV Николя Фуке. Предложив королю пышный праздник в недавно построенной резиденции в 1661 году (Ле Брен, Ле Вау, Ленотр, поэт Лафонтен, драматург Мольер находились под покровительством Фуке), министр был обвинен в растрате средств и был признан виновным. приговорен к пожизненному заключению. Все архитекторы и художники под его покровительством работали над Версалем.

Двор Людовика XIV
В этот период министр Людовика Жан-Батист Кольбер установил королевский контроль над кустарным производством во Франции; отныне Франция больше не будет покупать предметы роскоши из-за границы, но сама будет устанавливать стандарты качества. Этот контроль был также замечен в создании академии живописи и скульптуры, которая поддерживала иерархию жанров в живописи («самый благородный», по словам Андре Фелибиена в 1667 году, был исторической живописью), сильное использование живописной риторики и строгое чувство приличия в предмете.

Мебель и интерьер этого периода относятся к стилю Людовика XIV; для стиля характерны массивная парча красного и золотого цветов, густая золоченая лепнина, большие скульптурные серванты и тяжелый мрамор.

В 1682 году Версаль был преобразован в официальную резиденцию короля; со временем был построен Зеркальный зал; другие замки поменьше, такие как Большой Трианон, были построены на этой территории, и был проложен огромный канал с гондолами и гондольерами из Венеции.

Благодаря своим войнам и славе Версаля Людовик стал до некоторой степени арбитром вкуса и власти в Европе, а его замок и этикет в Версале были скопированы другими европейскими дворами. Однако тяжелые войны в конце его долгого правления и религиозные проблемы, возникшие в результате отмены Нантского эдикта, сделали его последние годы мрачными.

Искусство
Именно в этот период искусство процветало во Франции во всех областях, в контексте мира, достигнутого после религиозных войн конца шестнадцатого века и утверждения абсолютной власти короля.Если итальянское барокко повлияет на французских художников, то в семнадцатом веке родится французский художественный словарь, заимствованный из классицизма и отсылок к античному стилю, который постепенно будет иметь влияние в европейском масштабе. Со второй половины семнадцатого века Париж заменил Рим в качестве художественной столицы Европы, роль которого он не оставит до двадцатого века. Французские модели распространились по всей Северной Европе в конце века, например, особняк между двором и садом, который действительно развивался из Парижа на протяжении века, французские сады, установленные Андре Ленотром, мебель в стиле Людовика XIV или великолепные королевские резиденции европейских дворов, построенные по образцу Версальского дворца.

Дом Инвалидов в Париже, образец классической французской архитектуры.
На протяжении столетия искусство Франции воплощали великие деятели во всех областях искусства. Политический контекст благоприятствует этому подражанию: художественный контроль жив, будь то королевский, церковный или частный. Коллекция произведений искусства, ранее не разработанная, распространяется в аристократических кругах, королевские коллекции значительно обогащаются, особенно при Людовике XIV. Суверены проводят крупные кампании по городскому планированию, особенно в Париже, который должен иметь возможность конкурировать с Римом и другими крупными европейскими столицами, такими как Мадрид и Лондон.Строятся дворцы, создаются большие королевские площади, строятся мосты и больницы. Лувр и Тюильри значительно расширились при Генрихе IV, Людовике XIII и Людовике XIV.

Контрреформация Трезубца и последующее возрождение благочестия после разделов Религиозных войн привели к строительству или реконструкции церквей в стиле барокко или классицизма. Их наборы — неиссякаемый источник работы для художников и скульпторов. В семнадцатом веке они часто будут формироваться в Риме, который в то время был художественной столицей Европы, прежде чем вернуться во Францию, где они импортируют последние стилистические новинки.Это случай Симона Вуэ, чье возвращение в Рим в 1627 году является важной датой для развития живописи во Франции. Французская школа Караваджа зародилась в Риме в 1610-х годах, вместе с Вуэ, выдающимся деятелем Валентина де Булонь. Два величайших художника века, Николя Пуссен и Клод Лоррен, проводят почти всю свою карьеру в Риме, но в течение своей жизни они оказали значительное влияние на французскую живопись.

Во Франции Париж становится художественной столицей, привлекая художников со всей страны, но несколько провинциальных центров отличаются своей живостью, например, Тулуза, Лион и Лотарингия, где Жорж де Ла Тур, один из самых оригинальных представителей Караваджо.В Париже работают такие разные художники, как братья Ленен, Филипп де Шампень, Юсташ Ле Сюер, Шарль Лебрен, великий декоратор дворцов Людовика XIV, Пьер Миньяр и Гиацинт Риго, самый востребованный портретист в конце концов, работают . века.

Стиль Людовика XIII
В начале 17 века конец маньеризма и начало барокко при дворе Марии де Медичи и Луиса XIII совпали. В искусстве этого периода проявилось влияние северной Европы как голландской и фламандской школ, так и римских художников контрреформации.Среди художников шла дискуссия между сторонниками Рубенса (цвет, свобода, непосредственность, барокко) и сторонниками Николя Пуссена (рисунок, рациональный контроль, пропорции, римский классицизм). В начале века также выделялся караважизм, живописная тенденция, на которую оказал влияние Караваджо и которая нашла свое наибольшее выражение во Франции с Жоржем де Ла Туром с его картинами, зажженными свечами.

Подобно тому, как тенебризм имел успех в провинциальной Франции, классицизм пустил корни при дворе и в Париже, между аудиторией аристократов и высшей буржуазией.Во французском классицизме времен Людовика XIII доминировали фигуры двух художников, работавших в Риме: Николя Пуссена и Клаудио Лорена, которые, в свою очередь, находились под заметным влиянием классицизма Аннибале Карраччи и его последователей. Из последних особенно выделяются пейзажи, повлиявшие на романтизм. И Пуссен, и Лорена удовлетворили все вкусы французских коллекционеров, особенно Ришелье и Мазарино, которые приобрели их произведения.

Еще одним художником, который также развивал свою карьеру в Риме, но чьи работы были приобретены во Франции, был Гаспар Дюге.В Париже работали Лоран де Ла Хир и Жак Стелла.

При французском дворе портрет также культивировался, особенно в этот момент работы Филиппа де Шампень, который культивировал как простой, интимный портрет с большой психологической проницательностью, так и придворный, в котором они представлялись королям и великим фигурам. во всем своем великолепии. Вырезанный портрет обычно стоит, с такими аксессуарами, как колонны или шторы. На картинах Ф. де Шампеня есть два портрета Людовика XIII, тройной портрет кардинала Ришелье и портреты членов янсенистов, группы, к которой он принадлежал с 1645 года.

Аттизм
В середине века основным направлением был аттисизм, стиль, отличающийся своеобразной утонченностью. Представляют эту тенденцию Эсташ Ле Сюер, Себастьян Бурдон, Николя Шаперон и Николя Луар.

Это течение, возникшее в основном в Париже. Раньше они рисовали от имени покровителей церкви и мирян.

Атицисты предпочитали изображать темы классической античности, обращаясь с ними драгоценно. Композиции просты, но в них включены сложные коды и символы, которые изысканные комиссары умели расшифровать.

Персонажи выглядят спокойными, расслабленными, статичными. Они были одеты элегантно, с классической складчатой ​​и волнистой одеждой. Жесты были деликатными, а выражения — холодными.

Преобладает рисунок в цвете, будучи одним из мягких тонов, таких как серый или розовый. Единственный цвет с определенной интенсивностью — синий.

Рисовали на клееной ткани прямо на французской доске.

Двор Людовика XIV
Николя Пуссен, как и его предшественник, стал придворным живописцем.Большую часть своей жизни он провел в Риме. Кардинал Ришелье приказал ему вернуться во Францию, где он занимал этот пост около года, умер в 1665 году. Пуссен является автором трактата «Выражение страстей».

Во время правления Людовика XIV классицизм отождествлялся с «большим вкусом», наиболее влиятельной фигурой был Шарль Ле Брун, аттист в молодости, который обозначал официальный стиль того времени. Хотя инициатором считается Симон Вуэ, бывший тенебрист, несомненно, Ле Брюн является академической фигурой по преимуществу и лучше всех умел защищать художественный идеал Короля-Солнца.Он был назначен первым художником короля в 1664 году и руководил работами Версаля.

Создание в 1648 году Королевской академии изящных искусств под эгидой кардинала Мазарини сыграло важную роль в создании официальных художественных линий на службе монархии.

Благодаря Академии и заказам короля Людовика XIV для украшения Версальского дворца классицизм сделает это направление официальным движением Франции и окажет большое влияние на поколение французских художников и остальную Европу.

Пьер Миньяр, преемник Le Brun, последовал той же тенденции, но с большей щедростью.

Академия установила иерархию жанров в живописи, заняв последнее место пейзаж и являясь самым благородным из жанров исторической живописи. Здесь использовалась очень яркая изобразительная риторика и строгое понимание того, что считалось приличным.

В 1672 году Ле Брен выступает за линию (Пуссен) в ущерб цвету (Рубенс). Таким образом, он придает характер и нормализует классический стиль, творчество Пуссена символизирует добродетели ясности, логики и порядка, принципы академизма.

На портрете двора выделены Гиацинт Риго и Николя де Ларжильер. Этот и Жан Жувене олицетворяют последние мгновения этого течения.

Стиль
Как и в других дисциплинах, классицизм в живописи стремится к идеалу совершенства и красоты, вдохновленному тем, что тогда считалось добродетелями античности.

Составлены фресковые композиции, специально для украшения куполов, и масло на холсте меньше обычного размера барочной живописи.

Картина выбирает благородные темы и предпочтительно вдохновлена ​​античностью или греко-римской мифологией. Тем не менее, религиозные картины также были часты. Портрет также культивируется, начиная с портретов короля, в роскошных аранжировках, и следуя портретам знати и буржуа, которые хотели быть изображенными.

Наконец, большое значение приобретает пейзаж, обработанный в «итальянском стиле», то есть виды со зданиями в перспективе и большое значение придается свету. Художники записывали природный пейзаж, но затем воссоздали эти пейзажи в своих исследованиях, используя их в качестве декора для мифологических сцен.

Композиция и рисунок должны иметь приоритет перед цветом и концепцией соблазнения чувств. Композиции замкнутые, по схеме пирамиды, с центрированными фигурами; он не представлен реалистично, а скорее идеализированы персонажи. Они позируют спокойно, избегая навязчивых или преувеличенных поз, столь типичных для барокко.

В скульптуре фигуры Жака Саразена, Франсуа Анжье появляются в первой половине века. При Людовике XIV выдаются Пьер Пюже, который также является художником и архитектором, и Франсуа Жирардон и Антуан Койсевокс, которые работают на великие заказы короля в Версале и Париже вместе с Мартином Дежарденом, голландцем по происхождению.В архитектуре Саломон де Брос, Жак Лемерсье и Франсуа Мансар развивают словарный запас классической французской архитектуры, найденной в замках и особняках, которые они строят для короля и аристократии. При Людовике XIV любимыми архитекторами короля были Жюль Ардуэн-Мансар и Луи Ле Вау.

Французское влияние проявляется и в других искусствах: дизайнер садов Андре Ленотр создает каноническую формулу французского сада, которая быстро распространяется по всей Европе.Французская мебель становится образцом благодаря творениям краснодеревщика Андре-Шарля Буля. Известные граверы, такие как Жак Калло и Авраам Боссе, а также известные ювелиры со всей Европы, создали Grande Argenterie Людовика XIV, к сожалению, всего через несколько лет после его создания, чтобы покрыть военные расходы. короля.

Искусство гобелена снова процветало во Франции в семнадцатом веке благодаря созданию Королевской мануфактуры гобеленов. Королевская академия живописи и скульптуры была основана в 1648 году и позволила централизовать художественное творчество в королевстве, санкционировав эволюцию статуса художников и скульпторов, воспринимаемых больше не как простых мастеров, а как истинных практиков свободных искусств, как людей письма или ученые.Во второй половине века Париж заменил Рим в качестве центра европейских художественных дебатов, и в архитектуре модели Версальского дворца и французского частного особняка, особенно внутреннего декора, имеют прочное влияние в Европе.

Одними из самых известных архитектурных достижений Великого Сикля являются Версальский дворец, замок Во-ле-Виконт, комплекс инвалидов, Площадь Вогезов, Вандомская площадь, квадратный двор и колоннада Лувра, а также а также Пон-Нёф в Париже.Военная архитектура воплощена в новаторских решениях Вобана, который укрепляет побережье и границы страны за счет сети цитаделей и фортов, рационально спроектированных с использованием клетчатого узора.

Декоративно-прикладное искусство

Стиль Людовика XIII
Стиль Людовика XIII отражает многочисленные испанские, фламандские и итальянские влияния, ему не хватает «национального» характера, который позже утверждал «Луис XIV», или французского goût («французский вкус»), характерного для прошлого века («Renacimento» стиль).

Для него характерны прямые линии, которые придают ему строгий вид, иногда смягченный декоративным богатством. Ноги обычно имеют форму колонны, они возвышаются над квадратным шасси à boules, хотя большинство сохранившихся примеров имеют фронтон в балюстрадах или à décor tourné с антретуазом («распоркой») в форме H, с передними ножками, соединенными сверху декоративной армирующей перекладиной. Среди другой мебели выделяются шкафы из черного дерева с простыми линиями, квадратной и массивной структурой.Украшение из выгравированных листьев и цветов сопровождает сцены религиозной или мифологической тематики с небольшим рельефом. Изобилие декора свидетельствует о происхождении фламенко, которое воспроизводят местные ремесленники. Импорт итальянских продуктов кардиналом Маццарино привел к соревнованию за роскошь среди придворной знати, которое привлекло иностранных мастеров. В Лувре работали знаменитый голландский краснодеревщик Пьер Голле и итальянцы Доменико Куччи и Филипп Каффьери. Француз Жан Масе де Блуа, обучавшийся в Нидерландах, работал на Crown и создал французскую школу маркетри, в которой позже выделился Андре Шарль Буль.

Стиль Людовика XIV
Стиль Людовика XIV характеризовался все более роскошной мебелью, но, в отличие от предыдущих стилей, не был вдохновлен архитектурой. Различают два типа мебели: д’аппарат («прибор»), богато украшенный гипсом и инкрустации из цельного позолоченного дерева и буржуазные («буржуазные») из массива дерева, симметрия была абсолютной, а размеры показные. Источниками мотивов были итальянские и старинные (Rome victorieuse, gracieuse, Jules César и др.Панно имел характерный стиль: они могли быть отлиты в четырех углах, в двух верхних и cintrés или даже cintrés à ressauts. ноги делались в балясинах или консолях. Entretoises перешли от формы в H к форме в X. Маркетри получил важное развитие с маркетери Буль (Андре-Шарль Буль).

Сочетая в себе барокко (торжествующее и величественное) и эстетику классицизма (торжественную и героическую), стиль Людовика XIV считался особенно подходящим для выражения абсолютизма Бурбона.Она достигла своей зрелости между 1685 и 1690 годами под руководством Шарля Ле Бруна, который руководил украшением galerie des glaces («галереи зеркал») Версаля, и Кольбера, который в 1662 году купил для короны мануфактуру des Gobelins, где под названием Manufacture Royale des Meubles de la Couronne организует производство мебели для королевских резиденций, являющейся прекрасным образцом настоящего «кольбертистского» производства.

Работа Буля свидетельствует о совершенстве мастерства и краснодеревщика того времени.Приняв идеальный стиль Ле Брена, с классическим репертуаром, он создал мебель, которая выражала задуманное величие («величие»). Его техника, названная его именем, обозначает тип маркетри, состоящий из écaille de Tortue («черепашья чешуя») из латуни, эмали и слоновой кости. Вибрация света на поверхностях характерна, наряду с большим разнообразием декоративных элементов мебели и богатством материалов.

На рубеже веков композиции Буля были проникнуты стилем великого декоратора Жана Береня, который вместе с Пьером Лепотром привнес новую яркость в декоративное искусство, освободив его от торжественного классицизма, которого требовал и развивался Лебрен. в сторону стиля Регентства (сейчас в эпоху рококо).

Наиболее характерной мебелью стиля Людовика XIV был fauteuil («кресло»), а также кровати, консоли (с двумя или тремя рядами ящиков, модель 1690-х гг.), Столы, зеркала, геридоны (круглые доски). со штативами) из тонко лепного и позолоченного дерева, также называемого факелами) и большие шкафы (прямоугольный план, выступ и сложная лепка). Бюро — это эволюция кабинета, одним из лучших примеров которого является бюро Mazarin.

Садоводство и озеленение
Французский сад или «à la française» (jardin à la française), 18 из которых сады Версаля, Во-ле-Виконта и Шантийи (все работы Андре Ленотра) являются яркими примерами садоводства. модель, напротив английского сада.

Шантильи
Большой успех имел трактат «Антуан Жозеф Дезалье д’Аргенвиль», «Теория и практика садовника», посвященный искусству сада, апелляционному сообществу «Жардин де Пропрет» (издания 1709, 1713 и 1732 годов).

Музыка
Не следует путать с музыкальным классицизмом, хронология которого более поздняя (конец восемнадцатого — начало девятнадцатого).

Литература и философия
Французская литература в семнадцатом веке была исключительно живой.В частности, театр, который в эпоху Возрождения был неразвит, полным ходом идут трагедии Пьера Корнеля и Жана Расина, комедии Мольера и создание Французской комедии. Поэзия особенно процветала в первой половине века с Агриппой д’Обинье, Теофилем де Вио и Франсуа де Мальерб. Роман пользуется большим успехом у мадам де Ла Файетт «Принцесса де Клев», а также у комиксов Оноре д’Урфе «Л’Астре» и Поля Скаррона. Правление Людовика XIV отмечено авторами, самые известные произведения которых с тех пор считались, каждый в своем жанре, классикой французского языка и литературы: Ла Фонтен и его басни, Босуэ и его похоронные речи, Николя Буало и его поэтическое искусство, которое определяет классический идеал века, Расин, который доводит классическую трагедию до высшей степени совершенства, Мольер для комедии и Шарль Перро с его рассказами, фиксирующими французскую устную традицию.Среди мемориалистов, создавших портрет того времени, — кардинал де Рец, мадам де Севинь и Сен-Симон. Самыми известными моралистами являются Лабрюйер с его персонажами и Ла Рошфуко с его максимами. Французская философия занимает видное место в Европе благодаря возрождению картезианской мысли. Помимо Декарта, это время Паскаля, Мерсенна, Гассенди и Пьера Байля.

Версаль, модель для Европы
Во второй половине века Людовик XIV установил двор за пределами Парижа в районе, созданном его отцом недалеко от столицы Версаля.Он постепенно увеличивал первоначальный замок и создавал огромные сады с нуля, чтобы создать самый большой королевский дворец в Европе, символ монархического абсолютизма и французской власти. Влияние версальской модели заметно с конца семнадцатого века и далее и на протяжении восемнадцатого века: тип большого дворца, погруженного в парк на окраине столицы, воспроизводится всеми европейскими правителями: дворец Казерта для короля Неаполя, Сан-Суси в Потсдаме для короля Пруссии, Петергоф для царя России и т. Д.Влияние не только на архитектуру: также имитируются стиль жизни и французский лейбл.

Если французское культурное влияние имеет решающее значение в Европе в восемнадцатом веке во всех областях, подкрепленное духом Просвещения и непрерывной жизнеспособностью искусства, Франция постепенно конкурирует на политическом и военном уровне, так что термин Grand Siècle перестанет использоваться. применил к нему. Семнадцатый век и правление Людовика XIV были возведены по образцу времен Людовика XV и считались золотым веком, временем, когда Франция заявляла о себе добровольно на всех уровнях, как в культурном, так и в политическом и военном отношении.

Источник из Википедии

ИСКУССТВО ИСТОРИЯ СТИЛЬНЫХ ПЕРИОДОВ

АРТ ИСТОРИЧЕСКИЕ ПЕРИОДЫ СТИЛЯ

ПЕРИОД СТИЛЯ ОПИСАНИЕ

доисторический (до написания) (15000 г. до н.э.) Пещера картины животных, небрежно выполненные, с большой живостью и подвижностью. Маленькая переносная скульптура.

Древний Ближний Восток ((от 3500 до 500 До н.э.) Маленькие статуи, Зиккураты, резные рельефы.Некоторые жестокие, некоторые спокойные и скромные. Повествование.

Египетские (3500 — 500 гг. До н.э.) Великие памятники (Пирамида гробницы) расписные гробницы, огромные статуи и небольшие изящные произведения. Условные обозначения скованного тела (скрученный торс). Очень упорядоченно и строго, много символизма.

Греческая (V век до н.э.) Красота, Гармония, Порядок. В Идеализированный взгляд на человека. Храмы богам, города, театры и т.д. начало «Западной культуры.«Искусство ради искусства».

Римский (II век до н.э. — IV век до н.э.) век н.э.) Подобно греческому но более реалистично показывает людей такими, как они выглядят на самом деле. Очень рассказ. Новаторы в архитектуре.

Христианские (Запад) (Начало: 3 век нашей эры) Библейские темы. Немного обнаженных. Обучение искусству. Отойдите от реализма к символической форме.

Византийский (Восток) (с 6 по 15 века) Сохраняет Греческая гармония.Темы из Библии. Мозаики. Не очень реалистично.

Исламское (начало: 7 век) Декоративное искусство, во многом основанное на каллиграфия, слово Божие. Немногочисленные цифры. Сказочная архитектура.

Средневековый (романский) (12 века) Ранние средневековье — тяжелая архитектура, жесткие и часто кривые фигуры, нервные, возбужденные стиль.

Средневековый (готический) (13-14 века) великие соборы (Нотр-Дам) французского стиля, который распространился по всей Европе.Двигайтесь к реализму как в фигурах, так и в украшение.

Итальянский ренессанс (14-16 век) Возвращение к идеалам Греческий и римский период. (Возрождение Греко-римский стиль). Человек как благородный, идеальное существо в сочетании с библейскими сюжетами. В основном религиозное искусство.

Северное Возрождение (14-16 века) Голландский, фламандский и немецкий Ренессанс. Двигаться к большему реализм и больше эмоций.

Барокко (17 век) занимает реализм из эпохи Возрождения и добавляет больше движения, драматизма, энергии, света, страсти.

Рококо (18 век) Очень декоративный, оживленный, беззаботный, богатый.

Романтизм (19 век) Высоко эмоциональные, иногда ужасающие или возвышенные образы. Образы разума или психики — часто литературные связь.

Неоклассицизм (19 век) Сурово линейный стиль — четкая линия.Круто, спокойно, классический.

Реализм (XIX век) Новая тематика: текущие события и современный мир. Пейзажи, натюрморты, жанровые сцены.

Импрессионизм (XIX век) Эффект запечатления света на поверхностях, особенно в пейзажных мотивах. Кисти более рыхлые, живописные эффекты создание ощущения или «впечатления» от изображения.

Постимпрессионизм (XIX век) Иногда называют неоимпрессионизмом.Два крыла: одно больше интересовалось формой и структурой, другое — больше в эмоциях и символизме. 1. Сезанн, Сёра. 2. Гаугейн, Ван Гог.

Модерн (XIX век) Декоративный, цветочные, нежные узоры — чувственные ритмы и арабески.

Экспрессионизм (1905)

Французский фовизм форма экспрессионизма, насыщенный цвет. Сглаженное пространство, прямая перспектива практически отсутствует.Лидер: Матисс.

Немецкий экспрессионизм — цвет бордовый, более терпкий по настроению, наполненные тревогой эмоции. Умереть Брюке и Дер Группы Блауэ Райтера. Киршнер, Нольде, Кандинский, Марк, Бекманн, Кольвиц

Кубизм (1907) Граненый, ломаные формы, показывающие сразу много сторон. Некоторые африканские и океанические влияния. Лидер: Пикассо.

Международный архитектурный Стиль (1920-е 1970-е) Чистый, гладкая, архитектура без декора.

Дадаизм (1916) Антихудожественный, антирационализм. Искусство, сосредоточенное на идеях и утверждениях. Лидеры: Тристан Цара и Марсель Дюшан.

Сюрреализм (1924) Фокус о подсознании и мире снов и видений. Используется элементы случайности и случайности. Под влиянием современной психологии: Фрейда и Юнга. Лидеры: Андре Бретон, Дали, Миро.

Абстрактный экспрессионизм (1940-50-е годы)

Экшн Картина Очень личные, выразительные образы и манера письма.Обычно полностью абстрактный (без узнаваемых форм). Искусство, ориентированное на процесс. Также под влиянием современной психологии — хотя больше Юнга, чем Фрейда.

Горького, де Кунинг, Поллок.

Цветовое поле Живопись Насыщенная краска наносится либо ровно, либо в технике окрашивания. Ротко, Франкенталер.

Поп-арт (1960-е) Использование элементов коммерческого искусства в качестве прекрасного Изобразительное искусство. Уорхол, Джонс, Ольденбург.

Op Art (1960-е) Абстрактное искусство с упором на оптические эффекты.

Минимализм (действительно начался с Абсолютно абстрактного … очень мало форм. Иногда ассоциируется с Гештальт-психология.

Русский авангард около 1910 года, но

— этот стилистический термин используется в 1960-х годах.)

Всего абстрактные … очень мало форм. Иногда ассоциируется с гештальт-психологией.

Искусство перформанса (1970-е годы по настоящее время) Искусство через действия.Бойс, Андерсон.

Земляные работы (1970-е годы по настоящее время) Крупные проекты, часто связанные с большие пространственные области реального пейзажа и много людей. Кристо, Смитсон, Холт.

Концептуальное искусство (1970-е годы по настоящее время) Ориентированный на идеи Изобразительное искусство. Кошут.

Искусство восприятия (1970-е годы по настоящее время) Искусство, которое меняет ваш образ «видеть» пространство или форму. Ирвин, Туррелл.

Постмодернизм (1970-е годы по настоящее время) Эклектичное использование прошлых стилей.

Живопись и скульптура

Во французском искусстве восемнадцатого века преобладали рококо и неоклассицизм. Во Франции смерть Людовика XIV привела к периоду распущенной свободы, обычно называемому Régence, когда живопись обратилась к «fêtes galantes», театральным декорациям и обнаженным женщинам.

Рококо, также называемое поздним барокко, — это художественное направление и стиль восемнадцатого века, возникшие в Париже как реакция на величие, симметрию и строгие правила барокко, особенно Версальского дворца.Таким образом, художники рококо выбрали более шутливый, витиеватый и изящный подход к искусству и архитектуре барокко. Рококо был богато украшен и сильно использовал кремовые, пастельные цвета, асимметричный дизайн, кривые и золото. В отличие от более политически ориентированного барокко, рококо имело более игривые и часто остроумные художественные темы.

Хотя рококо зародилось в декоративном искусстве, этот стиль отчетливо проявился в живописи. Художники в стиле рококо использовали нежные цвета и изогнутые формы, игриво украшая свои полотна херувимами и мифами о любви.Портретная живопись была также популярна среди художников рококо. Некоторые работы демонстрируют своего рода озорство или нечистоплотность в поведении испытуемых, показывая историческую тенденцию отхода от церковной и государственной ориентации барокко. Пейзажи были пасторальными и часто изображали неторопливые прогулки аристократических пар. Другие портреты в стиле рококо включали членов французской королевской семьи в Версале.

Мария-Антуанетта

Элизабет Виже-Лебрен, Мария-Антуанетта а-ля Роза, 1783 год.

Паломничество на остров Кифера

Антуан Ватто, «Паломничество на остров Кифера» (1717, Лувр) отражает легкомыслие и чувственность живописи в стиле рококо.

Скульптура была еще одной областью, где рококо получил широкое распространение. В целом этот стиль лучше всего выразился через изящную фарфоровую скульптуру, а не через внушительные мраморные статуи. Как и в живописи, в скульптуре нашли отражение темы любви и веселья (часто символизируемые херувимами), а также элементы природы, изогнутые линии и асимметрия.

Рококо Амур

Амур делает свой лук из дубины Геркулеса, Эдме Бушардон, 1747–1750: Рококо в сюжете и обработке

В середине восемнадцатого века во Франции произошел поворот к неоклассицизму, то есть к сознательному использованию греческих и римских форм и иконографии в отличие от легкой пастели стиля рококо. В живописи величайшим представителем этого стиля является Жак Луи Давид, который, отражая профили греческих ваз, подчеркивал использование профиля; его предмет часто связан с классической историей.Французский неоклассический стиль внесет большой вклад в монументализм Французской революции, что отражено в структурах церкви Мадлен, которая имеет форму греческого храма, и гигантского Пантеона (1764-1812), созданного по образцу древнеримского Пантеона.

Рационализм и простота классической архитектуры воспринимались современниками эпохи Просвещения как противоположность отсталому готическому эстетическому стилю. Во время Французской революции греческие и римские сюжеты также часто выбирались для продвижения ценностей республиканизма над легкомысленным искусством дворянства рококо.Следовательно, есть много картин, прославляющих героев и мучеников Французской революции, таких как культовая картина Давида об убийстве Жан-Поля Марата, вдохновленная классическими эстетическими формами.

Жизнь и искусство дворцов Рима в стиле барокко: Ambiente Barocco.

Страница / Ссылка:

URL страницы: HTML-ссылка: