Барокко история: Барокко. История искусств #11 | by Dana Markova | Dana Markova

ОФОРМЛЕНИЕ КОМНАТ В СТИЛЕ БАРОККО

И вот, слегка окунувшись в историю и, приняв решение, что квартира в стиле барокко – это Ваш вариант, остается узнать, как правильно ее оформить.

Гостиная в стиле барокко

Прежде всего стоит обратить внимание на цветовую гамму, форму, а также мебель. Что касается цвета, то здесь лучше использовать следующие оттенки:

• старинный розовый;
• бежевый;
• белый;
• изумрудный;
• бирюзовый;
• бордо;
• черный;
• сапфировый;
• слоновой кости;
• экрю.

Если рассматривать именно форму, то здесь можно смело утверждать, что стилю барокко присущи просторные залы в основном овальной формы, в которых преобладают изогнутые, плавные линии в отделке и мебели.

Пол в гостиной – также немаловажная часть дизайна, выполняют его в контрастном к общему оформлению цвете.

Мебель в стиле барокко 

Наиболее гармоничной для этого стиля является та мебель, которая оформлена в яркую шикарную обивку, а также тканью с наличием бахромы.

Что касается декора, то здесь преобладают резные, изогнутые элементы, к примеру, ножки и спинки мебели. Также, лак и золото являются неотъемлемой его частью. В гостиной устанавливается роскошная шикарная мебель, элегантные стулья и стойки различного типа. Все это поможет в точности передать стиль.

Спальня в стиле барокко

Главным и самым оптимальным вариантом здесь, конечно же, является кровать, стоящая по центру комнаты так, что к ней можно подойти со всех сторон.

В большинстве случаев украшена шикарным балдахином из бархата или плюша. Как и в гостиной, мебель для спальни украшена резьбой на ножках и позолотой.

Подводя некие итоги, можно сказать что данный стиль поможет Вам окунуться в эпоху возрождения, а также придаст вашей квартире исключительную роскошь и красоту.

Генри Пёрселл и английское барокко. История барокко и первые композиторы

❓ Мы не знаем доподлинно, когда родился Генри Пёрселл. Судя по надписи на его надгробии в Вестминстерском аббатстве, когда он «покинул этот мир и ушел в то блаженное место — единственное, где его гармония может быть превзойдена», ему шел 37-й год. Пёрселл умер в 1695 году, так что его годом рождения обычно считается 1659 — последний год междуцарствия (как называют республиканский период английские историки).

👶 Если версия верна, то Пёрселлу было полтора года, когда на трон взошел Карл II и началась эпоха Реставрации. Отец мальчика, Генри Пёрселл-старший, пел на коронации нового монарха, музыкой занимался и его дядя, Томас. Пёрселлу было шесть лет, когда эпидемия чумы 1665 года унесла 100 000 жизней в Лондоне, и семь — когда прославленный лондонский пожар 1666 года уничтожил тысячи зданий, оставив десятки тысяч людей без крова.

⛪️ Дом Пёрселлов находился в шаговой доступности от Вестминстерского аббатства. Дядя мальчика, Томас, занимавшийся его воспитанием после смерти отца, состоял в королевской капелле. Он учил Генри и его младшего брата (также ставшего композитором) игре на лютне и органе, возможно, был первым наставником Пёрселла в композиции. Важное влияние также оказал Мэтью Локк — английский композитор поколением старше, друг семьи, которого Пёрселл сменил на посту придворного композитора через 15 лет.

→ Послушаем элегию, которую Пёрселл написал на смерть Локка.

⚡️ Аудио-пример: https://yadi.sk/i/VEyQ3MC_WRZS-g
⏱ Время прослушивания: 3 минуты.

🗣 Пёрселл пел в хоре придворной капеллы, пока голос его не сломался; к тому моменту он уже сочинял музыку. Недолго проработав в качестве копииста и хранителя органа, в 20 лет он принял пост органиста Вестминстерского аббатства из рук другого своего наставника — Джона Блоу, который сейчас считается автором первой в истории Англии оперы.

→ Послушаем фрагмент из нее — хор «Come, mourn for thy servant» из 3 акта.

⚡️ Аудио-пример: https://yadi.sk/i/7lYfv4lNF9JKwQ
⏱ Время прослушивания: 3 минуты.

📖 К этому моменту влиятельное лондонское издательство, основанное еще в пуританские времена Джоном Плейфордом, начало печатать вокальную музыку Пёрселла. Он писал музыку к театральным пьесам и стремительно обзаводился композиторской репутацией.

✍️ В начале 1680-х Пёрселл получает работу при дворе, становясь одним из королевских композиторов и сочетая новую должность с обязанностями органиста в аббатстве. Придворный пост подразумевал сочинение колоссального количества музыки для праздников и повседневных нужд Карла II — любителя увеселений и искусств. Пёрселл женился на Фрэнсис Питерс, католичке из уважаемой семьи с фламандскими корнями; примерно в это время, вероятно, была написана опера «Дидона и Эней».

→ Послушаем один из главных номеров оттуда — арию «Ah, Belinda!» из 1 акта.

⚡️ Аудио-пример: https://yadi.sk/i/nlcArIj6820IFA
⏱ Время прослушивания: 5 минут.

🎵 Пёрселл сохранил свой пост при Якове II, пришедшем к власти в 1685, когда композитору было около 26 лет. И при Вильгельме III Оранском, правившем совместно с женой, королевой Марией; протестанткой, дочкой изгнанного короля-католика Якова II Стюарта. Именно в ее честь написаны известнейшие работы Пёрселла: чудесные поздравительные оды «Arise, my muse» и «Come, ye sons of art», а позже — погребальная музыка на скоропостижную смерть королевы.

→ Послушаем дуэт «Sound the trumpet», хитовую 3-ю часть оды «Come, ye sons of art».

⚡️ Аудио-пример: https://yadi.sk/i/1hF4dbjZmD7I0Q
⏱ Время прослушивания: 3 минуты.

🎭 Начало 1690-х — время театральных вершин Пёрселла: одна за другой появляются его восхитительные «семи-оперы» (спектакли, украшенные музыкальными номерами) «Король Артур», «Королева фей» и «Королева индейцев».

⌛️ Мы не знаем, что оборвало жизнь Пёрселлаю Ему было 35 или 36 — возраст, невольно вызывающий ассоциацию с печальной, преждевременной кончиной Моцарта. Одной из причин его смерти называли туберкулез; в завещании, составленном перед смертью, он указывает что «опасно болен». Никогда прежде ни один британский композитор не мог состязаться с Пёрселлом в бесспорной, единогласно признанной гениальности. После его смерти все оставалось так же — по крайней мере в течение двухсот лет.

Мебель в стиле барокко

Направление барокко, как и почти все, относящиеся к классическому сегодня искусству, зародилось в Италии в XVII веке.

В те времена это был настоящий бунт, неприятие естественных форм и неброских цветов. Можно сказать, что стиль барокко стал для 16 века тем же, чем модерн для начала 20 — переосмыслением целой концепции бытия и места человека в природе.

Для этого направления характерны вычурность, буйство красок, роскошь и даже некоторая избыточность: лаконичность и скромность — это не про барокко. Наоборот, если отделка — то позолота, если декор — то чтобы ни одной прямой линии, все на изгибах и «струящихся» формах.

Архитектурное барокко было призвано создать иллюзию роскоши и богатства при фактическом их отсутствии, мебель же в этом плане немного «честнее» — она действительно изготавливается из драгоценных материалов, барокко из дешевого пластика или бюджетной древесины смотрится нелепо и смехотворно.

Барокко сегодня

Помпезный и торжественный стиль ассоциируется в первую очередь со дворцом, поэтому стиль барокко — это выбор тех, кто многого добился в жизни, знает цену деньгам и не обделен художественным вкусом. Такие интерьеры позволяют «убить» даже не двух, а сразу трех зайцев одним ударом:

• Дорогая и эксклюзивная мебель — это выгодное капиталовложение, ведь со временем она переходит в категорию произведений искусства и только растет в цене.
• Барочные формы эффективно заполняют пространство, хватит нескольких предметов меблировки, чтобы помещение выглядело уютным, обжитым, гостеприимным и «теплым».
• Приверженность стилю, корни которого уходят на полтысячи лет назад — верный признак хорошего образования и тонкого эстетического восприятия владельцев дома.

Применение в интерьере

Нет ни одного помещения, которое нельзя было бы органично оформить в стиле барокко.

На сайте mebel-barokko.ru можно найти десятки и сотни примеров, как старинные формы могут быть функциональны и удобны в современных условиях.

Например, кровати с балдахином. То, что теперь с утра вокруг великолепного ложа не толпятся придворные, готовые приступить к церемонии одевания монарха, вовсе не значит, что тяжелые портьеры нефункциональны. Они создают спящему человеку оптимальные условия для отдыха — в парчовый «шатер» не проникают ни солнечные лучи, ни посторонние шумы. Кроме того, полог балдахина всегда можно подвязать. Есть и «открытые» модели, и даже совсем скромные — в рамках барокко, разумеется — кровати. Все они очень удобны и обеспечивают человеку крепкий здоровый сон.

В резных лакированных барах прекрасно можно хранить современные алкогольные напитки, хотя и выдержанные старые вина тоже будут там более, чем уместны. Глубокие кожаные кресла превосходно дополняют интерьер рабочего кабинета, низкие банкетки созданы для будуаров роскошных дам, а роскошные зеркала в массивных рамах украсят собой любую комнату.

Несмотря на то, что время дворцовых интриг, дуэлей и накрахмаленных париков прошло, барокко сумело пережить все изменения моды и «остаться на плаву» даже в наш нервный и неровный век. Другое дело, что найти настоящие изделия в этом стиле сложно — чаще встречаются конвейерные имитации и стилизации. Но тем больше ценится настоящая мебель в стиле барокко ручной работы.

Ликбез: история барокко

Стиль барокко возник на закате поздней эпохи Возрождения и развивался со свойственным ему контрастом и динамикой, меняя действительность — от архитектуры до музыки. Торжество роскоши, антропоцентризм и инструментальная музыка — лишь часть того, чем знаменит этот период. Собрали основные тезисы для желающих разобраться в неординарной эпохе.

Кризис идей Ренессанса XVI века послужил толчком обращения к искусству, на фоне чего возник новый стиль — барокко. Одной из ключевых его идей был антропоцентризм (от греч. άνθροπος — человек и лат. centrum — центр). То есть в эпоху барокко человек воспринимался, прежде всего, как разносторонняя личность со сложным внутренним миром.

Период характеризовался контрастом, экспрессией и объединением уже известных течений. Весомый вклад в создание и развитие стиля внесли итальянские города: Рим, Венеция и Флоренция — культурные центры европейского общества того времени.

Барокко стал абсолютной противоположностью классицизму и рационализму, где основой познания и действия являлся разум. Тем самым эпоха изменила многие из ранее принятых в обществе учений и тезисов.

Photo by Marius Badstuber on Unsplash

В живописи новый стиль отличала динамичность и оригинальность сюжета. Если в позднем Ренессансе итальянский живописец Тинторетто изображал глубокое раздумье и просветленную печаль в «Тайной вечере» (1592—1594), используя ключевые цвета: белый, красный, синий и золотой; то выдающийся представитель барокко Питер Пауль Рубенс на своём полотне «Тайная вечеря» (1631—1632) использует оттенки коричневого для пола, стен, колонн, одеяний апостолов, разбавляя их тремя цветными пятнами: белой скатертью, красной накидкой Христа, иссиня-чёрной рубахой Иуды. Подобный контраст присущ и знаменитому Караваджо. В своих картинах художник делает акцент на цветовых пятнах, а посредством игры света и теней тонко подчеркивает эмоциональное состояние своих героев.

Слева «Тайная вечеря» Тинторетто, справа «Тайная вечеря» Питера Пауля Рубенса

Изменения в архитектуре отличались масштабностью и новыми формами. Стилю барокко свойственна показная роскошь, размах дизайнерских решений, но, в то же время, сохранение симметрии в композиции. Скульптуры, размещаемые на фасадах и в интерьерах, отлично подчеркивали оформление и эстетику зданий, создавая при этом монументальный вид. Наиболее значимым памятником архитектуры эпохи барокко принято считать Версальский дворец. Огромным зданием, построенным Людовиком XIV в 1672 году, Франция гордится по сей день.

Стоит отметить, что архитектура барокко распространилась во многих странах Европы, в числе которых и Российская Империя, частично заимствовавшая идеи стиля под влиянием Петра I («Петровское барокко»).

Photo by Nikolay Maslov on Unsplash

Нововведения сказались и на музыке. От многоголосых и хоровых сцен эпохи Возрождения, композиторы перешли к развитию музыкальных жанров. В барокко композиторам было свойственно противопоставлять хоровое и сольное пение, что породило инструментальные жанры. Бах и Вивальди — наиболее известные представители музыки барокко.

#искусство #культура #образование #барокко #художник #Рубенс #Караваджо #Вивальди #ликбез

История стиля барокко — Архитектура

История Рима: эпоха барокко

Религиозный феномен Контрреформации XVII в. был художественно выражен драматическим стилем барокко. Рим должен его современный аспект барокко папам XVII века Урбану VIII , Иннокентий X и Александр VII, ставшие покровителями величайших представителей этого стиля, такие как Джанлоренцо Бернини и Франческо Борромини.
Работа двух архитекторов эпохи барокко должна была внести большой вклад облику города, заметно украшенному драгоценными фонтанами, дворцы, виллы, парки и другие важные постройки.Особенно, Бернини спроектировал множество элегантных фонтанов, самый изысканный из которых находится на площади Пьяцца Навона. Борромини построил двор Палаццо делла Сапиенца, Сан-Карло алле кватро Фонтане, церковь и купол Сант-Иво, Сант-Аньезе-ин-Агоне и Филиппинской оратории.
Яркая лестница под Тринита-деи-Монти, испанский Ступени и знаменитый Фонтана ди Треви относятся к 18 веку, характеризуется Гранд-туром богатых молодых людей из Великобритании, которые приехали в Рим, чтобы завершить свое образование, восхищаясь классическими произведениями Романа. останки.Хотя в нем проживало всего 150 000 жителей, в то время Рим стал центром европейской культуры.
В 19 веке Рим пережил период больших перемен. В 1798 г. французы вошли в город, захватили папу Пия VI и провозгласили республика. В 1809 году Наполеон аннексировал церковные государства, уже уменьшилась, во Французскую империю. В 1810 году Сенат Франции провозгласил Рим в качестве второй столицы, а в 1811 году Наполеон присвоил титул Царь Рима своему новорожденному сыну.
Вторжение Наполеона в 1797 г., заметно повредил многим городам Италии не только политически, но и с художественной точки зрения, потому что он привык присваивать многие искусства сокровища и привезти их во Францию. Даже Рим был художественно разграблен Наполеоном и потерял много произведений искусства. Во время правления Наполеона, папы потеряли свою политическую власть, спасли снова только После Венского конгресса в 1815 г.

Исторический словарь искусства и архитектуры барокко, второе издание

Издательство Роуман и Литтлфилд

Страниц: 692 • Обрезка: 6 х 9

978-1-5381-1128-4 • Твердый переплет • Март 2018 г. • 152,00 $ • (117,00 £)

978-1-5381-1129-1 • электронная книга • март 2018 г. • 144,00 долл. США • (111,00 фунтов стерлингов)

Лилиан Х.Зирполо является основателем Zephyrus Scholarly Publications LLC, редактором журнала Notes on Early Modern Art Journal, президентом организации WAPACC и редактором серии текстов и исследований WAPACC. Она является автором нескольких книг, а также опубликовала ряд статей, в основном о меценатстве и коллекционировании.

Предисловие редактора
Предисловие
Акронимы и сокращения ХронологияВведениеСЛОВАРЬБиблиографияОб авторе

Мы всегда рядом с тем, где были

В то время как протестанты жестко критиковали культ образов, католическая церковь горячо восприняла религиозную силу искусства.

Доктор Эсперанса Камара
Адъюнкт-профессор истории искусств
Университет Святого Франциска

Рим: от «Вавилонской блудницы» к Блистательной Невесте Христа

Когда Мартин Лютер приколол свои 95 тезисов к дверям Виттенбергского собора в 1517 году, протестуя против коррупции католической церкви, он положил начало движению, которое изменило религиозный, политический и художественный ландшафт Европы. В следующем столетии Европа будет в смятении, поскольку будут определяться новые политические и религиозные границы, часто в результате кровавых военных конфликтов. Лишь в 1648 г., с подписанием Вестфальского мира, конфликты между протестантами и католиками в континентальной Европе утихли.

Мартин Лютер сосредоточил свою критику на том, что он считал жадностью церкви и злоупотреблением властью. Он называл Рим, резиденцию папской власти, «вавилонской блудницей», украшенной дорогими произведениями искусства, грандиозной архитектурой и роскошными банкетами.Церковь отреагировала на кризис двумя способами: внутренним решением проблем коррупции и защитой доктрин, отвергнутых протестантами. Таким образом, в то время как первые два десятилетия 16-го века были периодом щедрых расходов папства, средние десятилетия были периодом строгой экономии. Как заметил один посетитель Рима в 1560-х годах, весь город превратился в монастырь. Благочестие и аскетизм правили днем.

Распятие св. Петр

К концу XVI века католическая церковь снова была настроена оптимистично, даже торжествующе. Она вышла из кризиса с новой силой и ясностью цели. Центральное место занимало пастырство верующих — обучение их католическим учениям и воодушевление на добродетельное поведение. Стремясь восстановить репутацию Рима как святого города, папство приступило к обширным кампаниям по строительству и украшению, направленным на то, чтобы подчеркнуть его древнее происхождение, его верования и его божественно санкционированную власть.В глазах верных католиков Рим был не неверной блудницей, а чистой невестой, прекрасно украшенной для союза со своим божественным супругом.

Искусство убеждения: наставлять, восхищать, двигаться

В то время как протестанты жестко критиковали культ образов, католическая церковь горячо восприняла религиозную силу искусства. Церковь утверждала, что изобразительное искусство играет ключевую роль в руководстве верующих. Они, безусловно, были так же важны, как письменное и устное слово, и, возможно, даже более важны, поскольку были доступны как ученым, так и неученым.Чтобы быть эффективным в своей пастырской роли, религиозное искусство должно было быть ясным, убедительным и мощным. Он должен был не только учить, но и вдохновлять. Это должно было побудить верующих ощутить реальность жертвы Христовой, страдания мучеников, видения святых.

Акцент Церкви на пастырской роли искусства побудил художников экспериментировать с новыми и более прямыми средствами воздействия на зрителя.Такие художники, как Караваджо, обратились к мощному и драматическому реализму, подчеркнутому смелыми контрастами света и тьмы и резко обрезанными композициями, которые усиливают физическую и эмоциональную непосредственность изображаемого повествования.

Другие художники, такие как Аннибале Карраччи (который также экспериментировал с реализмом), в конечном итоге остановились на более классическом визуальном языке, вдохновленном яркой палитрой, идеализированными формами и сбалансированными композициями Высокого Возрождения (см. изображение выше).Третьи, такие как Джованни Баттиста Гаулли, обратились к смелым подвигам иллюзионизма, которые стирали не только границы между живописью, скульптурой и архитектурой, но и между реальным и изображаемым мирами. При этом божественное стало физически присутствовать и осязаемо. Будь то шокирующий реализм, динамичное движение или буйный орнамент, искусство семнадцатого века должно впечатлять. Он направлен на то, чтобы убедить зрителя в истинности своего сообщения, воздействуя на чувства, пробуждая эмоции и активируя, даже разделяя пространство зрителя.

Католические монархи и их территории

Монархи Испании, Португалии и Франции также использовали более богато украшенные элементы искусства семнадцатого века, чтобы прославлять католицизм. В Испании и ее колониях правители вкладывали огромные средства в сложные церковные фасады, потрясающие, покрытые золотом часовни и скинии, а также поразительно реалистичные полихромные скульптуры.

В испанских Нидерландах, где священное искусство ужасно пострадало в результате протестантского иконоборчества (уничтожения искусства), гражданские и религиозные лидеры отдавали приоритет украшению церквей по мере того, как регион восстанавливал свою католическую идентичность.Ремонт алтарей церквей Антверпена на протяжении многих лет занимал мастерскую Питера Пауля Рубенса. Европейские монархи также использовали этот художественный словарь, чтобы заявить о своей власти и статусе. Людовик XIV, например, заказал великолепные здания и сады Версаля как визуальное выражение своего божественного права на власть.

Протестантский Север

В протестантских странах, и особенно в новой независимой Голландской республике (современная Голландия), после Реформации резко изменился художественный климат.Два самых богатых источника покровительства — монархия и церковь — исчезли. На их месте возник все более процветающий средний класс, стремящийся выразить свой статус и свое новое чувство национальной гордости посредством покупки произведений искусства.

К середине XVII века возник новый рынок, отвечающий художественным вкусам этого класса. Теперь спрос был на картины меньшего размера, подходящие для демонстрации в частных домах. Эти картины включали религиозные сюжеты для личного созерцания, как это видно на пронзительных картинах Рембрандта и гравюрах с библейскими повествованиями, а также портреты, документирующие индивидуальные сходства.

Но самым большим изменением на рынке стал резкий рост популярности пейзажей, натюрмортов и сцен из повседневной жизни (известных как жанровая живопись). Действительно, распространение этих сюжетов как самостоятельных художественных жанров было одним из самых значительных вкладов XVII века в историю западного искусства.

Во всех этих жанрах художники проявляли живой интерес к воспроизведению наблюдаемой реальности — будь то свет в голландском пейзаже, мгновенное выражение лица или разнообразные текстуры и материалы предметов, которые голландцы собирали, собирая урожай. преимущества своей расширяющейся торговой империи. Эти произведения демонстрировали такую ​​же художественную виртуозность и физическую непосредственность, как и величественные украшения дворцов и церквей католической Европы.

В контексте европейской истории период с ок.1585 г. по ок. 1700/1730 часто называют эпохой барокко. Слово «барокко» происходит от португальского и испанского слов, обозначающих большую жемчужину неправильной формы («barroco» и «barrueco» соответственно). Критики восемнадцатого века были первыми, кто применил этот термин к искусству 17 века. Это не было выражением похвалы. В глазах этих критиков, предпочитавших сдержанность и порядок неоклассицизма, произведения Бернини, Борромини и Пьетро да Кортона казались причудливыми, абсурдными, даже болезненными, другими словами, уродливыми, как несовершенная жемчужина.

«Барокко» – Слово, Стиль, Эпоха

К середине 19-го века это слово утратило свой уничижительный смысл и использовалось для описания богато украшенных и сложных качеств, присутствующих во многих образцах искусства, музыки и литературы 17-го века. Со временем этот термин стал обозначать исторический период в целом.

В контексте картины, например, строгий реализм запрестольных образов Сурбарана, спокойная интимность домашних интерьеров Вермеера и сдержанный классицизм пейзажей Пуссена — все это «барокко» (теперь с большой буквы «Б» для обозначения исторического периода). ), независимо от отсутствия стилистических признаков, изначально связанных с термином.

Ученые продолжают спорить о законности этого ярлыка, признавая полезность ярлыка для этого отдельного исторического периода, а также признавая его ограниченность в характеристике разнообразия художественных стилей, существовавших в 17 веке.

Первоначально опубликовано Smarthistory 06.09.2015 под лицензией Creative Commons Attribution-NonCommercial-ShareAlike 4.0 International.

Нравится:

Нравится Загрузка…

Комментарии

Комментарии

Продолжить чтение

История периода барокко

Период барокко относится ко времени, которое началось около 1600 и закончилось около 1750 года, и включало таких писателей, как Бах, Вивальди и Гендель, которые возглавили недавние причуды, такие как концерт и соната. В период барокко произошел взрыв новых мелодических стилей с представлением концерта, сонаты и драмы.

О периоде барокко

Происходящее от португальского barroco, или «жемчужина странной формы», выражение «рококо» широко используется с девятнадцатого века для обозначения периода западноевропейского музыкального мастерства примерно с 1600 по 1750 год. , Глядя на некоторые из самых известных шоу-пробок в истории музыки на деформированную жемчужину, может показаться нам сегодня странным, но для ученых мужей 19-го века, которые применяли этот термин, музыка времен Баха и Генделя звучала чрезмерно украшено и преувеличено.Давно избавившееся от своего клеветнического подтекста, «рококо» в настоящее время по существу является выгодной приманкой — для одного из самых экстравагантных и самых разных периодов в истории музыки.

Наряду с доставкой самой ранней европейской музыки, узнаваемой большей частью из нас, включая «Канон» Пахельбеля и «Времена года» Вивальди, эпоха барокко также невероятно расширила наши взгляды. Признание гипотезы Коперника 16-го века о том, что планеты не вращаются вокруг Земли, сделало Вселенную намного больше, а работа Галилея помогла нам лучше узнать Вселенную.Достижения в области инноваций, такие как создание телескопа, сделали то, что считалось ограниченным, безграничным. Выдающиеся ученые, такие как Декарт, Гоббс, Спиноза и Локк, занимались центральными вопросами присутствия. Такие вундеркинды, как Рубенс, Рембрандт и Шекспир, своим ремеслом предлагали новые точки зрения. Европейские страны все больше занимались незнакомым обменом и колонизацией, что привело нас к прямому контакту с ранее новыми частями земного шара. Кроме того, развитие другого рабочего класса возродило творческую культуру, долгое время зависевшую от импульсов церкви и двора.

Кем были выдающиеся писатели эпохи барокко и откуда они?

Многие выдающиеся персонажи начального периода барокко родом из Италии, в том числе Монтеверди, Корелли и Вивальди. (К середине 18-го века наш центр движется к Баху и Генделю немецкого композитора. ) Многие структуры, связанные с музыкой барокко, зародились в Италии, включая кантату, концерт, сонату, ораторию и драму. Хотя Италия сыграла неотъемлемую роль в продвижении этих видов, новые идеи о том, что она намеревалась сделать страной, расширили основу «общественного стиля».«Различия между странами часто заметны в музыке того периода, в манере ее создания, но, кроме того, в показах исполнения; особенно четкой была дифференциация между Италией и Францией. Как бы то ни было, в нашем сегодняшнем опыте музыки барокко каждая страна принимала участие.По мере того, как артисты и аранжировщики путешествовали по всей Европе и слышали музыку друг друга, новые шоу, которые они переживали, устанавливали с ними незаметную связь.Вероятно, самые популярные аранжировщики того периода включают следующее:

Италия: Монтеверди, Фрескобальди, Корелли, Вивальди, Доменико и Алессандро Скарлатти.

Франция: Куперен, Люлли, Шарпантье и Рамо

Германия: Преториус, Шайн, Шейдт, Шютц, Телеман, Гендель и Бах

Англия: Purcell

Какова философия музыки барокко?

Хотя одна философия не может описать 150 лет музыки со всей Европы, несколько идей имеют большое значение в период барокко.

Вера в музыку как мощное средство коммуникации

Одно из основных философских течений в музыке барокко исходит из эпохи Возрождения, интересующейся мыслями древней Греции и Рима. Греки и римляне признавали, что музыка была удивительным достоянием переписки и могла пробудить в слушателях любые чувства. Из-за восстановления этих мыслей аранжировщики стали постепенно осознавать ожидаемую силу музыки и пришли к убеждению, что их произведения могут иметь сравнительное влияние, если они точно имитируют старую музыку.Как французский исследователь-гуманист, Артус Тома изобразил представление в конце 16-го века,

Я часто слышал, как это говорили о сьере Клодине Ле Жене (который, не желая никого пренебрегать, намного превзошел музыкантов прошлых веков в своем понимании об этих вещах), что он спел арию (которую он сочинил по частям)… и что когда эта арьера была репетирована на частном концерте, это заставило тамошнего джентльмена взяться за оружие и начать громко ругаться, так что казалось, невозможно было помешать ему напасть на кого-нибудь: после чего Клодин начал петь другую арию… что сделало джентльмена таким же спокойным, как и прежде. Это было подтверждено мне с тех пор несколькими, кто был там. Такова власть и сила мелодии, ритма и гармонии над умом.

В 1605 году итальянский композитор Клаудио Монтеверди охарактеризовал «первую» и «вторую» практику: в первичной конгруэнтность и контраст затмевали текст; во втором случае потребность передать значение слов превзошла некоторые другие заботы. В витиеватости именно душа последующей работы — с использованием силы музыки для передачи — стала управлять периодом.

Реальность покровительства

Любая беседа о творческом образе мышления автора в стиле барокко должна быть несколько смягчена правдой их жизни. В наше время ремесленники часто зарабатывают деньги, создавая именно то мастерство, к которому они стремятся. Учитывая потребности, мы часто думаем о ремесленнике и уровне его творческой мотивации как о начальном этапе для шоу-стоппера. На протяжении значительной части времени барокко, как бы то ни было, аранжировщики, возможно, зарабатывали деньги, сочиняя музыку, если им достаточно повезло, что они финансировались политическим или строгим фондом. Соответственно, мелодические потребности этого заведения направляли музыку, созданную аранжировщиком. Например, Бах сочинил то количество кантат, которое он написал, не потому, что он нашел структуру воодушевляющей, а из-за церемониальных запросов лейпцигской церкви, которая использовала его. В таком свете барочная музыка может дать интересное окно в историю.

Каковы качества музыки барокко?

Новый интерес к сенсационным и описательным потенциальным результатам музыки привел к обилию новых твердых убеждений в период барокко.

Контраст как драматический элемент

Дифференциация – важный акцент в показе барочной аранжировки. Контраст между бурным и деликатным, соло и костюмом (как в концерте), различными инструментами и тонами играет важную роль в многочисленных аранжировках в стиле барокко. Авторы также стали более точными в отношении инструментовки, регулярно определяя инструменты, на которых следует играть произведение, а не разрешая артисту выбирать. Великолепные инструменты, такие как труба и скрипка, также дополняли повсеместность.

Монодия и появление бассо континуо

В прошлые мелодические периоды музыкальное произведение, как правило, состояло из одиночной мелодии, возможно, с импровизированной резервной копией, или нескольких мелодий, играемых все время. Только в эпоху барокко идеи «настройки» и «конгруэнтности» действительно начали объясняться. Как особенность работы по отражению устаревшей музыки, авторы стали меньше сосредотачиваться на запутанной полифонии, которая захлестывала пятнадцатую и шестнадцатую сотни лет, и ошибались в одиночном голосе с улучшенным дублированием или монодией.В случае, если музыка была своего рода способом говорить, как показывают сочинения греков и римлян, великолепный оратор необходим — и кто предпочел бы для работы вокалисту-солисту? Новое объединение между заявлением о чувстве и независимым художником ярко и ясно проявляется во введении Монтеверди к Combattimento di Tancredi e Clorinda из его Восьмой книги мадригалов (1638 г. ), в которой он выражает: «Мне показалось, что основных интересов или теплых жестов нашей души три, а именно негодование, уравновешенность и скромность.Лучшие мыслители соглашаются, и фактическая идея нашего голоса, с его высокими, низкими и средними частотами, продемонстрировала бы так много». Самые пунктуальные оперы являются превосходным описанием этой новой эстетики. Песня и басовая партия сменились бассо континуо, стратегией мелодической документации, при которой мелодия и басовая партия прорабатываются, а согласная наполнитель показывается в своего рода стенографии. наконец был найден истинный стиль выражения слов, а именно путем воспроизведения их смысла наилучшим возможным образом, что лучше всего удается одним голосом (или не более чем несколькими), как в современных ариях разными способными людьми, и так как в Риме постоянная практика концертной музыки, я говорю, что нет необходимости делать партитуру … Достаточно баса с его знаками для гармоний.Но если бы кто-нибудь сказал мне, что для исполнения старых произведений, полных фуги и контрапунктов, одного баса недостаточно, я бы ответил, что вокальные произведения такого рода больше не употребляются.

Поскольку basso continuo, или интенсивный бас, оставался стандартной практикой до окончания периода барокко, время иногда называют «эпохой исчерпывающего баса».

Различные инструментальные звуки

Музыка в стиле барокко, долгое время игнорировавшаяся, за пятьдесят лет стала широко известна.Из-за этого нового интереса исследователи и художники потратили бесчисленные часы, пытаясь понять, как музыка могла звучать для публики 17-го и 18-го веков. Хотя у нас никогда не будет возможности точно воспроизвести презентацию, их работа выявила несколько существенных контрастов между стилем барокко и современностью:

высота тона примечание A с частотой 440 циклов в секунду), которое заменило ранее более низкий тон (a’= 435 Гц), принятый в 1859 году.Тем не менее до 1859 года стандарта высоты тона не существовало. Таким образом, нота, на которую настраивались барочные труппы, обычно колебалась в различных случаях и в лучших местах. Впоследствии музыка, задокументированная в партитуре, могла звучать на полтона ниже, чем то, как ее обычно исполняют сегодня. С конечной целью принять во внимание это несоответствие многочисленные витиеватые труппы меняют свою настройку в соответствии с исполняемым сборником: а’= 415 Гц для музыки позднего рококо, а’= 392 Гц для французской музыки, а’= 440 Гц для ранней итальянской музыки и a’=430 Гц для традиционной коллекции.

тембр : В то время как большая часть инструментов в сложной группе натуральные, есть несколько безошибочных личностей, которые на данный момент не так выделяются в нынешних труппах. Клавесин был основным консольным инструментом (и важной фигурой в непрерывном собрании), а инструменты, известные в 16-м и 17-м веках, такие как лютневая виолончель, продолжали использоваться. Разновидности инструментов, которые все еще популярны сегодня, дополнительно придавали витиеватому костюму альтернативное звучание.В струнных инструментах, таких как скрипка, альт и виолончель, использовались струны для желудка вместо струн, заключенных в металл, на которых они подвешены сегодня, например, что придавало им более мягкий и лучший тон.

техника исполнения : Партитура в стиле барокко содержит мало (если вообще содержит) данных о таких компонентах, как вербализация, орнаментация или элементы, поэтому нынешним труппам необходимо принимать собственные обоснованные решения перед каждым представлением. Механические контрасты между витиеватыми и современными инструментами также предполагают, что более опытные инструменты звучали бы неожиданно, поэтому такие группы, как «Музыка барокко», часто меняют свою стратегию, чтобы учесть это.Так как сложные и современные смычки принципиально уникальны, например, струнники, использующие современные отступления от более мягкого нападения на струну и крещендо и диминуэндо на более длинных нотах. исполнительские композиции семнадцатого и восемнадцатого веков также предполагают, что пальцевое вибрато (процедура, при которой струнник трясет кончиком пальца по струне для улучшения тона) использовалось экономно для выразительных минут, в то время как смычковое вибрато (волнообразное развитие лук) обычно предпочитали.

Какие мелодические структуры характеризовали период барокко?

В то время как структуры из предыдущих периодов продолжали использоваться, такие как мотет или определенные движения, интерес к музыке как способу разговора положил начало развитию новых видов, особенно в области вокальной музыки. Большое количество структур, относящихся к витиеватому периоду, непосредственно исходят из этого нового сенсационного драйва, особенно драмы, оратории и кантаты. В области инструментальной музыки идея дифференциации и стремление создавать структуры огромного масштаба привели к появлению концерта, сонаты и сюиты.

Список вокальной музыки:

Опера : Инсценировка, которая в основном поется, сопровождается инструментами и представлена ​​перед публикой. Драмы обычно переключаются между речитативными, подобными дискурсу мелодиями, которые продвигают сюжет, и ариями, мелодиями, в которых персонажи выражают чувства в определенных фокусах действия. Также часто включаются мелодии и движения. Появление класса на рубеже семнадцатого века часто связано с действиями собрания писателей, художников и исследователей во Флоренции, именуемого ныне Флорентийской камерой.Главным продолжительным спектаклем была « Дафна» Якопо Пери на стихи Оттавио Ринуччини, разыгранная во Флоренции в 1598 году; Самая ранняя драма, поставленная сегодня, — « Орфей» Клаудио Монтеверди (1607 г.). Сюжеты основных драм полностью взяты из греческой фантастики, отражая близкие сговоры класса с попытками воспроизвести музыку и зрелища устаревших обществ, и разыгрывались исключительно в благородных кругах для желанных посетителей.

Когда в 1637 году в Венеции открылись основные общественные выставочные залы, класс был изменен в соответствии с наклонностями толпы.Сольные вокалисты приобрели своего рода VIP-статус, поэтому на арии был сделан более заметный акцент. Речитатив стал менее значимым, а мелодии и движения практически исчезли из итальянских шоу. Сказывались и денежные реальные факторы организации непрекращающихся драматических спектаклей. Удивительные сценические воздействия, связанные с драмой в суде, были значительно сведены к минимуму, а тексты песен были построены с использованием стандартных живописных устройств. К середине 18 века (особенно в Неаполе) обозначились два поджанра драмы: сериал-шоу, в котором упор делался на подлинную тему и арию да капо, и шоу-буффа, имевшее более легкий, даже комический тон и некоторую в то время использовались двухчастные гармонии, тройки и большие группы.Итальянский обычай показывать шаг за шагом правил большинством европейских народов. Тем не менее во Франции в конце 17-го века Жан-Батист Люлли и либреттист Филипп Кино создали исключительно французский вариант драмы, известный как лирическая трагедия.

Оратория : Протяжное мелодичное шоу с зависимой от текста строгой темой, запланированное для исполнения без пейзажа, наряда или активности. Первоначально оратория подразумевала коридор молений, строение, расположенное рядом с конгрегацией, которое планировалось как место для строгих встреч, безошибочно узнаваемых по ритуалу. Хотя в сборнике мотетов и мадригалов есть ориентиры для оратории конца 16 века, оратория как безошибочный мелодический класс возникла среди феноменальной акустики этих пространств в середине 1600-х годов. К середине 17 века оратории разыгрывались в замках и публичных театрах и постепенно становились похожими на зрелища, хотя тематика, деление на две части (вместо трех показов) и непосещение организованного действия отодвигали ее на второй план. Часть аранжировщиков, связанных с классом в Италии, включает Джокомо Кариссими, Алессандро Скарлатти и Антонио Вивальди.Оратория получила известность и в разных частях Европы. В протестантской Германии сенсационная музыка, созданная для использования в лютеранской церкви, постоянно смешивалась с компонентами оратории, особенно при рассмотрении небиблейских текстов. Энергия оратории, как ее стали называть, завершилась в невероятных произведениях И. С. Баха. Другие известные модели за пределами Италии включают английские оратории Джорджа Фридриха Генделя, который продвигал класс в Лондоне из-за английской версии итальянской драмы. Такие произведения, как «Мессия», «Израиль в Египте» и «Иуда Маккавей», до сих пор остаются популярными.

Кантата : продолжительное произведение, состоящее из последовательности речитативов и стандартных частей, таких как арии, двухголосные гармонии и мелодии. Начиная с середины 17 века в Италии, кантата начиналась как мейнстримное произведение, сформированное для сольного голоса и бассо континуо, по всей вероятности, запланированное для исполнения на частных вечеринках. Эти произведения были распространены в большом количестве, предполагая, что их исполняют как опытные художники, так и новички.К середине века кантаты распространялись как можно реже, что свидетельствовало о том, что выставки постепенно заканчивались экспертами. До конца семнадцатого века кантаты начали присоединяться к арии да капо и часто имели инструментальные резервные копии. Значительные писатели в итальянской классификации кантат включают Луиджи Росси, Антонио Чести, Алессандро Страделла, а в основной половине 18 века Алессандро Скарлатти, Гендель, Бенедетто Марчелло и Иоганн Адольф Хассе. За пределами Италии растущий тип лютеранского мотета начал присоединяться к многочисленным компонентам итальянской кантаты, в частности к стратегиям сенсационной артикуляции, таким как речитатив и ария. Многочисленные кантаты Баха демонстрируют широкое влияние их итальянских партнеров.

Список инструментальной музыки

Соната : Используется для изображения нескольких видов произведений в витиеватый период, термин соната чаще всего обозначает произведение в нескольких разработках по крайней мере для одного инструмента (в большинстве случаев время от времени скрипки) и бассо континуо; соната для двух скрипок или других инструментов высокого тона помимо баса обычно называлась триплетной сонатой.К 1650-м годам сонаты часто аранжировались либо как сонаты да Кьеза («церковные сонаты»), обычно включавшие четыре развития, меняющиеся между медленными и быстрыми битами и действовавшие в часовне, либо как сонаты да камеры («камерная соната»). который состоял из последовательности ходов, подобных сюите. Примеры обоих видов можно найти в работах Корелли конца XVII века. В восемнадцатом веке Телеман, Бах и Гендель сочинили различные сонаты, продемонстрированные на сонатах Корелли да Кьеза.Восхождение к заметному качеству сольных сонат для консольных инструментов начинается в конце эпохи рококо, в том числе для органа (Бах) и клавесина (Гендель, Доменико Скарлатти). Другие популярные экземпляры сольных сонат включают произведения Баха для скрипки и виолончели без аккомпанемента.

Концерт : Позаимствованный из итальянского концерта (объединить, соединить вместе), концерт принял несколько структур в течение времени разработки. До середины восемнадцатого века концерт был, по сути, аранжировкой, которая объединяла разные группы голосов, инструментов или того и другого.Священные произведения для голосов и инструментов регулярно назывались концертами, в то время как сравнительные обычные произведения в целом назывались ариями (ариями), кантатами или музыкальными произведениями. В то время как в творчестве Клаудио Монтеверди можно найти грандиозные духовные концерты, более частные синтезы для одного-четырех голосов, континуо и дополнительные инструменты для исполнения были, несомненно, более нормальными. В Германии можно найти превосходные примеры освященного концерта Иоганна Германа Шейна , Михаэля Преториуса , Самуэля Шейдта и Генриха Шютца (особенно его Kleine geistliche Concerte , или «Маленькие священные концерты» 1636–1639 гг.).

Позже, в 17 веке, концерт стал ожидать своего расширенного определения: многочастное произведение для инструментальных солистов (или группы солистов) и ансамбля. Вслед за канцонами и сонатами конца 16-го и 17-го сотен лет, в которых для невероятного воздействия использовалось различное сочетание инструментов, концерт-гроссо заменяет небольшое собрание солистов более крупной труппой. Создано Корелли, особенно его соч. 6 ассортимент, дайте, пожалуй, самые популярные экземпляры Concerto Grosso конца 17-го века.В то время как произведения Корелли копировались в восемнадцатом веке, наиболее заметно в сочинении Генделя. 6, многочисленные экземпляры Concerto Grosso 18-го века показывают растущее влияние независимого концерта (например, Бранденбургские концерты И. С. Баха).

Наиболее преобладающим видом концерта в 18 веке был независимый концерт, который интересно подчеркивал один инструмент, с собиранием. Самым продуктивным автором независимого концерта был Антонио Вивальди, который сочинил около 350 и установил стандартную структуру концерта с тремя частями (два быстрых внешних развития, одно центральное развитие в более медленном такте).В то время как большинство сольных концертов были написаны для скрипки, концерты для трубы были также хорошо известны, а также концерты для виолончели, гобоя, деревянных духовых и фагота. В течение 1730-х Гендель сочинил 16 концертов для органа, и примерно в то же время Бах создал несколько концертов для клавесина (большинство из них являются продолжением предыдущих произведений).

Сюита : Основанная на традиционном сочетании танцев эпохи Возрождения, эта сюита стала первым произведением, в котором использовались несколько инструментов. Сюита представляла собой последовательность ходов в аналогичной тональности, большинство или каждое из которых имело структуру из двух частей. Примерно в середине семнадцатого века в Германии последовательность аллеманды, куранты, сарабанды и жиги оказалась умеренно стандартной, хотя другие танцевальные направления, такие как дополнительные аллеманды или куранты, бурре, гавоты и минуты, регулярно включались. Большинство сюит также начинались с раннего развития, такого как предисловие, увертюра или каприччио. Для многочисленных тщательно продуманных аранжировщиков различные движения были типичными явными персонажами.В своем Der Velkommen Capellmeister (Полный музыкальный руководитель) 1739 года немецкий ученый Иоганн Маттесон дал краткое описание личности каждого танца: менуэт был «умеренным весельем», гавот — «блаженной эйфорией», бурре — «удовлетворением», куранте. доверие», сарабанда «желание» и жигу могли означать различные чувства, от возмущения до непривычности. Сюиты в стиле рококо писались для сольных инструментов так же, как и ансамблевые; те, которые сочинены для пары инструментов и континуо, иногда называют сонатой да камеры. Французские сюиты для консоли здесь и там называются ordres (поскольку Франсуа Куперен внедрил многочисленные нетанцевальные разработки, в том числе наводящие на размышления лица, представляющие придворный факультет.

Каково было посетить концерт в эпоху барокко?

В наше время поход на концерт — это событие: мы слышим объявление по радио или видим объявление в газете, покупаем билеты, идем в концертный зал и сидим тихо, пока не наступит время аплодировать.В эпоху барокко такого рода публичные концерты были редкостью. Большое количество самых известных витиеватых организаций действовало в часовнях для помощи или как часть частного представления или праздника в доме богатого благотворителя. Во времена рококо, как бы то ни было, публичные выставки оказались более нормальными, особенно в классе драмы и оратории, и наш передовой выставочный обычай стал сливаться с многочисленными европейскими городскими пространствами. Как Роджер Норт изобразил выставку в одной из самых пунктуальных серий шоу, организованных в Лондоне в 1670-х годах:

Первая попытка была низкой: проект старого Джона Бэнистера, который был хорошим скрипачом и театральным композитором. Он открыл малоизвестную комнату в трактире в Белых монахах; заполнил его столами и сиденьями, а для музыки сделал боковой ящик со шторками. Иногда консорт, соло, скрипка, флажолет, бас-виолончель, лютня и песни, все итальянские, и подобные разновидности отвлекали компанию, которая платила при входе. господа .

Появление публичных концертов сделало растущий средний класс важным источником дохода для музыкантов.К концу барокко это социальное подмножество стало музыкальным покровителем почти таким же могущественным, как церковь или двор.

Что было после эпохи барокко?

К середине 18-го века рококо воспринимает музыку как способ общения, терпя натиск. У музыки была очень сильная способность передавать даже самые неприятные идеи — но только в своей в целом «регулярной» структуре, которую запутал витиеватый период. Как сказал Иоганн Адольф Шайбе о J.С. Бах в 1737 г.,

Этот невероятный человек пользовался бы глубоким уважением у целых стран, если бы он добился большего удобства, если бы не убрал нормальный компонент в своих произведениях, придав им раздутый и сбивающий с толку стиль, и если бы он не затемнил их превосходство обилие мастерства. Поскольку он решал своими пальцами, его пьесы невероятно трудно играть; ибо он требует, чтобы вокалисты и инструменталисты имели возможность делать своими горлами и инструментами все, что он может сыграть на клавесине, но это непостижимо … Напыщенность привела [его] от обычного к поддельному и от грандиозного к серьезный; и… ценишь тяжкий труд и феноменальные усилия, которые, во всяком случае, используются бессмысленно, так как они борются с Природой.

Акцент Шайбе на ясность и простоту исполнения указывает на существенное изменение мелодического стиля: во всей его критике последним посредником вкуса являются не Платон или Аристотель, в конце концов зрители и сами артисты. Этот новый акцент на прямой мелодической артикуляции и четком мелодическом оформлении указывает путь к старым временным рамкам, временам Моцарта и Гайдна.

Эпоха барокко в современности

Хотя эпоха барокко закончилась более 250 лет назад, отголоски того времени можно услышать повсюду. Наверное, самые мощные и любимые синтезы рутинно разыгрываются в выставочных коридорах, а обилие аккаунтов делает рококо доступным по запросу. Значительное количество мелодических классификаций, используемых до сих пор, таких как оратория, концерт и драма, возникли в этот период. Писатели 20-го века, например, Ральф Вон Уильямс, Игорь Стравинский и Бенджамин Бриттен, уделяли должное внимание тщательности своих произведений. Его воздействие можно услышать даже за пределами музыкального мастерства: свободное развитие между соло и сбором в джазе кое-где контрастирует с экстравагантной музыкой, а обрывки Баха и Вивальди большую часть времени проявляются в выступлениях тяжелых металлических гитаристов. .Кроме того, душа декоративного — непоколебимая вера в силу музыки, способную воздействовать на жизни людей, — навсегда изменила историю музыки.

Искусство барокко | Искусство и история искусства

Весна 2022 г.

Искусство барокко

Внесен в список: Архитектурные исследования, как ARCH-269  | Искусство и история искусства, как ARHA-269  | Европейские исследования, как EUST-269

Ранее значился как: FIAR-42  | FIAR-56

Сайт Moodle: курс (требуется логин)

Факультет

Никола М. Courtright (Секция 01)

Описание

(Предлагается как ARHA 269, ARCH 269, EUST 269) В начале семнадцатого века религиозные и социальные потрясения в Европе привели к новому распространению захватывающего, новаторского искусства. В этот век необычайно разнообразного художественного творчества парадоксов было предостаточно. Художники добивались иллюзии реальности, подражая неулучшенной, даже низменной или чудовищной природе, внимательно наблюдая за человеческим телом, пейзажем и обычными, скромными предметами повседневного обихода.Они наполняли искусство, призванное вдохновлять религиозную преданность, безграничным эротизмом или кровавыми подробностями мучительных страданий и ужасной смерти. Художники и архитекторы сделали мечтателей реальными и чувственными. Они обожали прошлое, но переделывали его в современных терминах. Другие продолжали искать совершенства, возвращаясь к высоким принципам, заложенным в древних художественных канонах идеальности. Больше, чем когда-либо прежде, художники пытались выразить страсть через драматические повествования и откровенные портреты. Они изображали доминирующих политических лидеров несовершенными смертными — даже высмеивали их с помощью нового искусства карикатуры — в то же время они разработали мощный и убедительный словарь в искусстве, архитектуре и садах для выражения абсолютистской политической власти правителей.

На этом занятии будут подробно изучены вопросы искусства барокко с помощью избранных произведений живописи, скульптуры и архитектуры, созданных художниками в католических странах семнадцатого века, например. Караваджо, Бернини, Пуссен, Веласкес и Рубенс в Италии, Франции, Испании, испанских Нидерландах и некоторых частях Америки.Он также задействует культурную, социальную и интеллектуальную основу для их достижений.

Средний уровень, еще один курс по истории искусства желателен, но не обязателен. без крышки.

Весенний семестр. Профессор Кортрайт.

Учащиеся, записавшиеся на этот курс, скорее всего, столкнутся со следующими интеллектуальными навыками, способами обучения и оценивания и должны будут использовать их: Интеллектуальные навыки и способы обучения: • Студент достигает навыка пристального взгляда, чтобы получить визуальное понимание; • рассматривает, как переплетаются искусство и его культура; • развивает критические навыки для анализа точек зрения из другого исторического периода, отличного от нашего собственного; • учится совместно с одноклассниками; • развивает собственные идеи в промежуточной, короткой статье и итоговом проекте. Оценка на основе: — неклассифицированные, 1-абзацные конспекты прочитанного • обсуждение • промежуточный 3-страничный документ • окончательный проект в форме строительных лесов под руководством регулярных встреч с профессором Студенты с документально подтвержденными ограничениями, которым потребуются приспособления в рамках этого курса, должны проконсультироваться со Службой доступности и как можно скорее связаться с преподавателем, чтобы убедиться, что приспособления могут быть сделано своевременно.

Ключевые слова

Ниже приведены учебники, используемые в этом курсе, а также информация о ценах и наличии в местных книжных магазинах.Показанный ценовой диапазон основан на запросах к нескольким книжным интернет-магазинам; нажмите на поле цены, чтобы увидеть подробную информацию о ценах.

Я не полностью понял, как расистская история искусства может быть, пока я не увидел эту картину в стиле барокко

Прежде чем я углублюсь в проблемные рассказы о танцах в выпускном классе средней школы, мне, вероятно, следует ответить на несколько ваших животрепещущих вопросов. Что такое барокко и почему меня это должно волновать?

Барокко — стиль искусства, музыки, архитектуры и танца, получивший огромную популярность в 17 веке в Европе.Он возник в Италии и характеризуется богатыми цветами, величием и замысловатыми деталями. Как и другие стили искусства, барокко имеет колониальную историю, в которой не учитываются разнообразные изображения чернокожих, живших в ту эпоху. По большей части это выбеленный стиль искусства, однако в прошлом веке он обрел новую жизнь.

Сегодня термин «африканское барокко» относится к красочным украшениям, одежде и украшениям, изготовленным из традиционных африканских тканей. Он сочетает в себе красочное величие искусства барокко с мастерством и дизайнерским выбором африканского искусства.

[Описание изображения: Мужчина смотрит на Национальный музей искусства Каталонии, Парк Монжуик, Барселона, Испания. Пример архитектуры барокко.] через Unsplash Тем не менее, все еще сомнительно пытаться связать африканскую идентичность с искусством барокко, и мой школьный танец был прекрасным примером. Еще в 2014 году темой моего выпускного танца в старшей школе было «Африканское барокко». Имейте в виду, что это событие обычно является веселым и праздничным моментом в жизни большинства студентов, и было бы достаточно беззаботной «сказочной» темы.В то время я понятия не имел, что такое барокко, как и никто из моих сверстников. Тема не подходила никому из нас, но последнее слово было за учителями, и нам просто пришлось смириться с этим.

В ночь танцев декор стола состоял из предметов декора в стиле барокко, африканских текстильных принтов, цветов, некоторых других украшений в «африканском стиле» и афрогребней. Да, вы правильно прочитали. У нас были афро-расчески для украшения стола, и организаторы почему-то сочли это хорошей идеей.Для контекста я ходил в богатую частную школу в северном пригороде Йоханнесбурга, Южная Африка. Оглядываясь назад, я считаю, что все это мероприятие было отчаянной попыткой продвигать разнообразие и черную культуру в преимущественно белой школе, и оно не достигло цели. Решение объединить африканские темы с искусством барокко было, возможно, расистским решением. И я здесь, чтобы рассказать вам, почему.

В прошлом изображения африканцев в искусстве барокко были немногочисленны и редки. Мне понадобилась целая вечность, чтобы найти в Интернете картину в стиле барокко, на которой чернокожий изображен в центре внимания.В свете этого утомительного исследовательского опыта я не собираюсь делать вид, что добавление слова «африканец» перед словом «барокко» имеет какое-то существенное значение. Это по-прежнему глубоко колониальная форма искусства.

[Описание изображения: Картина Аннибале Карраччи в стиле барокко. На нем изображена африканская рабыня в красном коралловом ожерелье, жемчужных серьгах и черном платье с длинными рукавами и белым кружевным воротником. около 1585 года работы итальянского художника Аннибале Карраччи.Он считается одним из основоположников стиля барокко в искусстве и одним из самых плодовитых художников своего поколения. На его картине изображена элегантно одетая африканская рабыня в красном коралловом ожерелье, жемчужных серьгах и черном платье с длинными рукавами и белым кружевным воротником. Личность женщины еще предстоит выяснить, но ее одежда показывает, что она продукт современности и колониальной Европы.

[Описание изображения: «Портрет африканца», картина Яна Мостарта (около 1525-1530).На мужчине свободная одежда с длинными рукавами эпохи раннего Возрождения. через Wikimedia CommonsАналогично картина голландского художника Яна Янса Мостарта Портрет африканца ( около 1525-1530 ) иллюстрирует присутствие черных тел в европейской жизни и на художественной сцене барокко. Это настоящая редкость, так как это один из немногих известных портретов чернокожего человека того периода, который не был рабом. Искусствоведы полагают, что из-за одежды мужчины на картине изображен темнокожий дворянин , работавший в здании суда.Мостарт уделял внимание деталям и стремился создать детализированные, реалистичные черты лица, изображая джентльмена в почетном положении, а не в роли слуги.

Создание портрета было исключительной практикой, обычно предназначенной для богатой белой знати или религиозных лидеров. Это означает, что само существование этой картины является новаторским, поскольку на ней изображен темнокожий мужчина из высшего сословия той эпохи.

К сожалению, не все изображения чернокожих африканцев в стиле барокко обладают такой же энергией, как у Мостарта.На барочной картине Бенедетто Дженнари 1688 года печально известная распутница Гортензия Манчини (герцогиня де Мазарини) изображена в образе Дианы-охотницы.

Что еще хуже, существует множество других картин эпохи Возрождения, в которых используется тот же тон, что затрудняет ссылку на эту часть работы, не признавая ее темные истины.

Учитывая проблематичную и расистскую историю движения в стиле барокко, понятие «африканское барокко» выглядит довольно иронично. Это определенно не подходит для танцевальной темы средней школы, даже если она была адаптирована для включения современного африканского искусства.

В конечном счете, мы не можем игнорировать весь исторический контекст любых форм искусства, воздавая им должное в 21 ^-м -м веке.Давай лучше.

Получите The Tempest на свой почтовый ящик. Узнайте больше подобных эксклюзивов в нашем еженедельном информационном бюллетене!

• Луале Монзе

  Луале Монзе — опытный журналист, копирайтер и специалист по стратегии в социальных сетях из Йоханнесбурга, Южная Африка. Луале не будет уклоняться от запуска новых проектов, сотрудничества с коллегами-творцами и обучения на ходу. Обладая степенью бакалавра в области журналистики и медиаисследований и желанием рассказывать содержательные истории, она готова покорить мир.

https://thetempest.co/?p=162310

Ужасы в стиле барокко

Ужасы в стиле барокко превращают текущий культурный и политический разговор от знакомых повествовательных моделей и самооправдательных аллегорий отвращения к диалогу об истории наших современных страхов и их чудовищных порождений.Когда жизнь и смерть отделены от природы и истории, «реальность» и «подлинность» могут восприниматься как зрелищные виды спорта и постановочные аттракционы, как в «настоящих жизнях», запечатленных реалити-шоу, и в «подлинных трупах», демонстрируемых по всему миру в выставки «Миры тела». Вместо того, чтобы думать о виртуальной реальности и постановочной аутентичности как о недавних событиях эпохи постмодерна, Кастильо оглядывается на период испанского барокко в поисках корней коммодификации природы и сопровождающего ее ужаса vacui . Ориентированная на специалистов, студентов и читателей литературы и культуры раннего Нового времени в испанской и англоязычной традициях, а также на всех, кто интересуется фэнтези-хоррорами, «Ужасы в стиле барокко» предлагает новые способы переосмысления широких вопросов интеллектуальной и политической истории и соотнесения их с современностью. .

«Дэвид Кастильо приглашает нас в путешествие по некоторым ужасным материалам, которые редко рассматривались вместе. Он проливает фантастический новый свет на барокко».
— Энтони Дж. Каскарди, Калифорнийский университет в Беркли

» Ужасы барокко — это текстовая мечта археолога, извлеченная из малоизвестных хроник, руководств, второстепенных историй и менее известных произведений крупных художников.Кастильо находит рассказы об увечьях, мутациях, чудовищах, убийствах и погромах и передает их нам с неподражаемым чутьем на сенсацию, который, тем не менее, отвергает сенсационность, потому что остается основанным на исторических фактах».