Барокко живописцы: суть барокко, история развития, особенности в живописи. Картины знаменитых художников-живописцев эпохи барокко

Почему искусство барокко до сих пор удивляет нас иллюзией достоверности и как отличить его от Возрождения по пяти нарушенным правилам

Когда выяснилось, что Земля вращается вокруг Солнца, за океаном лежит неизвестный континент, а Италия пришла в упадок, человек эпохи Возрождения стал терять былое величие. Искусство Ренессанса сменилось стилем барокко. Новые мастера писали не статичную гармонию, а движение и текучесть, не идеализированное тело, а земное и дышащее, не «как есть», а «как кажется».

Диего Веласкес, «Венера с зеркалом». Источник

Новое поколение художников во многом спорило с предшественниками, предлагая принципиально иной взгляд на мир и, соответственно, иной способ его изображения.

Иногда современники отзывались о барочной живописи как о вычурной и напыщенной, «испорченной» по сравнению с живописью Возрождения. В то время как другие охотно платили за работы, которые нарушали канон.

Барокко получило признание как отдельный стиль только в конце XIX — начале XX века, когда уже сошло с авансцены. Основы его изучения заложил швейцарский искусствовед Генрих Вёльфлин. Он изобразил развитие художественной мысли в XVII веке как антитезу Возрождению, противостояние с прошлым, и подчеркивал, что нельзя думать, будто один стиль лучше, совершеннее, правильнее другого — это «кардинально различные способы видеть».

Пользуясь изобретенным Вёльфлином методом формального анализа, постараемся понять, что нового открыло искусство барокко, в чём его очарование и как оно повлияло на последующие эпохи.

Линия vs пятно

Художники Возрождения считали рисунок основой изображения, линию — «водительницей глаза». Зритель, рассматривая полотно, двигается взглядом по контурам предметов, как бы ощупывая их. Живописцы, чтобы усилить этот эффект, прорисовывали границы фигур, отделяя их от фона. При таком графическом способе изображения персонажи и предметы выглядят самоценными, замкнутыми в себе, неподвижными.

Напротив, художники барокко растушевывали контуры, чтобы фигуры выглядели цветными пятнами, «выплывающими» из фона. Лишенные линий-границ, предметы утрачивают неподвижность, сливаются и взаимодействуют, они больше не изолированы друг от друга.

Глаз зрителя, вместо того чтобы двигаться по начертанным контурам, обращается в первую очередь к самым светлым и ярким участкам полотна, где и происходят основные «события» картины.

Благодаря этому возникает эффект жизнеподобия, реалистичности изображения. Ведь в естественных условиях человеческий глаз не видит предметы во всех деталях, как они есть, а выхватывает основное: самое яркое, самое освещенное, то, что движется или интересует нас в данный момент, — остальное мы домысливаем.

Например, на портретах Рубенса детали — элементы одежды, украшения, кружева — кажутся тонко прорисованными. Но если приглядеться, это совокупность красочных мазков, пятен цвета.

Питер Пауль Рубенс, «Портрет Елены Фоурмен». Источник

Избавляясь от контуров, с помощью света и тени живописцы барокко достигают эмоциональности и драматизма, несвойственных «классикам». Художник, как сценограф, управляет нашим вниманием, выделяет главное и скрывает второстепенное в полумраке.

Плоскость vs глубина

Плоскостное изображение, свойственное Ренессансу, конечно, не означает отсутствия перспективы и объемности.

На картине присутствуют передний, средний и задний планы как параллельные «слои», которые зритель созерцает фронтально и последовательно. Барочное изображение заставляет смотреть вглубь, «перескакивая» первый слой, переходя сразу к главному.

Скажем, у Вермеера на переднем плане изображена занавеска или стол, а персонажи находятся в глубине картины, на расстоянии от зрителя.

Иоганн Вермеер, «Девушка, читающая письмо». Источник

При этом фигуры располагаются не на одной линии, а диагонально или группами, которые композиционно связывают ближний и дальний планы. Это усиливает впечатление глубины пространства, возникает напряжение и динамика. Освещение, перспектива, элементы пейзажа — всё работает на этот эффект. Изображение оживает, и зритель чувствует себя уже не отрешенным созерцателем, а свидетелем, возможно, невольным, сцены из чужой жизни.

Замкнутая форма vs открытая форма

Замкнутость произведения искусства предполагает, что оно представляет собой единое целое, ограничено самим собою и само себя объясняет. Открытая форма, наоборот, противится ограничению, «выводит глаз за пределы картины», по выражению Вёльфлина.

Иногда кажется, что барочное полотно обрезали не там, где нужно, например, не уместилась нога персонажа: целостность больше не является самоцелью.

Композиция эпохи Возрождения — гармоничная и уравновешенная, части сбалансированы относительно средней оси. Композиция барокко избегает строгого равновесия: справа расположено больше фигур, чем слева, или только одна часть полотна освещена.

Художникам XVII века классическая форма, основанная на геометрии, казалась скучной, придуманной, лишенной жизни. «Расшатывая» композицию, отказываясь от системы осей, они добивались напряжения и подвижности. Чтобы картина выглядела не как картина, а как мгновенный снимок действительности.

В основе тектонического стиля Ренессанса — упорядоченность, пропорциональность и неподвижность. Атектоничность барокко — это раскрытие замкнутой формы, изменчивость, нарушение правил (или их маскировка).

Джан Лоренцо Бернини, «Аполлон и Дафна». Источник

Особенно хорошо это заметно в скульптуре Бернини: каменные фигуры как бы вырываются из плена материи и парят в воздухе, сопротивляясь не только правилам искусства, но и законам природы.

Множественность vs единство

На возрожденческой картине отчетливо изображено всё: фигуры, предметы и детали интерьера или пейзажа. Каждый из объектов самостоятелен, его можно «изъять» из картины и рассмотреть отдельно. Художник не жертвует частностями ради целого. Множественность, характерная для Ренессанса, подчиняется строгим правилам гармонии, поэтому композиция выглядит целостной.

Принципиально иначе устроено барочное полотно. Зрителю сразу ясно, куда смотреть, взгляд не блуждает, поскольку художник не дает ему выбора — смысловые акценты уже расставлены. Основное на картине выделяется светом, всё второстепенное уходит в тень, прописано менее тщательно, не обладает самостоятельностью.

Это соответствует, опять же, естественному оптическому восприятию, когда в фокусе зрения оказывается только самое важное, остальное «оживает» в голове смотрящего.

Чтобы композиция не «разваливалась» в отсутствие формальных законов гармонии, живописцы барокко подчиняют элементы одному мотиву, направлению движения, используют светотень, темный фон, связывающий фигуры. Например, даже самые многолюдные полотна Рембрандта оставляют впечатление единства и собранности, изображенные на них группы неразрывно слиты.

Рембрандт, «Ночной дозор». Источник

Ясность vs неясность

Картины времен Ренессанса будто залиты равномерным светом. Этот свет выявляет контуры предметов, позволяет ясно видеть даже мелкие детали, которых мы не заметили бы в естественных условиях. Совершенная форма, изображенная художником, предстает перед зрителем во всём великолепии и дает тщательно рассмотреть себя.

В барокко ясность не самоцель. Задача художника — показать предмет не таким, какой он есть, а таким, каким он кажется. От этого он выглядит более настоящим, почти осязаемым.

Зрительный опыт позволяет нам достраивать фрагменты, на которые живописец только намекает. На религиозных картинах Франсиско де Сурбарана фигуры святых теряются в окружающем мраке, их одежды сливаются с фоном, лица скрыты капюшонами. Однако это не мешает восприятию, напротив, усиливает эмоциональное напряжение.

Франсиско де Сурбаран, «Святой Франциск». Источник

Любовь искусства барокко к оптическому обману, размытию границ, изображению полумрака и тумана предполагает непостижимость мира: как видимого, так и невидимого. Красота, по крайней мере доступная человеку, — в тайне, в ускользании, в постоянной изменчивости.

Историки искусства считают, что рождение барокко — результат мировоззренческого надлома на переходе от Средневековья к Новому времени.

Великие географические открытия, идеи Коперника и Галилея буквально перевернули представление о мире. Ренессансного человека, с его идеалами абсолютной гармонии и ясности, выбросили из центра вселенной на милость загадочной природы. Реформация и Контрреформация, вражда католиков и протестантов порождали чувство богооставленности.

С одной стороны, живопись барокко обратилась к мистическим сюжетам, видениям святых, экстазам и страстям; с другой — к образу простого, приземленного человека. Одни и те же художники писали картины на религиозные и античные сюжеты, портреты монархов, шутов и посетителей трактиров.

Хусепе Рибера, «Портрет Магдалены Вентура». Источник

Художественные приемы, разработанные в эпоху барокко, способы изображать свет и движение позже использовали импрессионисты.

С изобретением фотографии и видеосъемки барочные находки пересадили на новую почву, где они быстро прижились — благодаря способности управлять вниманием и создавать эмоциональные образы. Законы зрительного восприятия, которые виртуозно использовали художники XVII века, остались теми же, что и четыреста лет назад, так что картины Рембрандта и Караваджо по-прежнему восхищают и заставляют спрашивать: как же это сделано?

Барокко в живописи — это… Что такое Барокко в живописи?

Живопись барокко или барочная живопись — живописные произведения периода барокко в культуре XVI—XVII веков, тогда как в политическом плане исторический период разделяется на Абсолютизм и Контрреформацию. Живопись барокко характеризуется динамизмом, «плоскостью» и пышностью форм, самые характерные черты барокко — броская цветистость и динамичность; яркий пример — Рубенс, Караваджо.

В Италии

Микеланджело Меризи, которого по месту рождения близ Милана прозвали Караваджо, считают самым значительным мастером среди итальянских художников, создавших в конце XVI в. новый стиль в живописи ^[1]. Его картины, написанные на религиозные сюжеты, напоминают реалистичные сцены современной автору жизни, создавая контраст времен поздней античности и Нового времени. Герои изображены в полумраке, из которого лучи света выхватывают выразительные жесты персонажей, контрастно выписывая их характерность. Последователи и подражатели Караваджо, которых поначалу называли караваджистами, а само течение караваджизмом

[2], переняли буйство чувств и характерность манеры Караваджо, так же как и его натурализм в изображении людей и событий. Болонский академизм, противопоставляемый караваджизму, представляли Аннибале Карраччи и Гвидо Рени.

В итальянской живописи эпохи барокко развивались разные жанры, но в основном это были аллегории, мифологический жанр. В этом направлении преуспели Пьетро да Кортона, Андреа дель Поццо, Джованни Баттиста Тьеполо, братья Карраччи. Прославилась венецианская школа, где большую популярность получил жанр ведуты, или городского пейзажа. Самый прославленный автор таких работ — Д. А. Каналетто. Не менее известны Франческо Гварди и Бернардо Беллотто. Каналетто и Гварди писали виды Венеции, тогда как Беллотто (ученик Каналетто) работал в Германии. Ему принадлежат многие виды Дрездена и других мест. Сальватор Роза (неаполитанская школа) и Алессандро Маньяско писали фантастические пейзажи. Последнему принадлежат архитектурные виды, и к нему очень близок французский художник Юбер Робер, работавший в то время, когда вспыхнул интерес к античности, к римским развалинам. В их работах представлены руины, арки, колоннады, древние храмы, но в несколько фантастическом виде, с преувеличениями. Героические полотна писал Доменикино, и живописные притчи — Доменико Фетти.

Во Франции

Во Франции барочные черты присущи парадным портретам Иасента Риго. Самая известная его работа — портрет Людовика XIV. Творчество Симона Вуэ и Шарля Лебрена, придворных художников, работавших в жанре парадного портрета, характеризуют как «барочный классицизм». Настоящее превращение барокко в классицизм наблюдается в полотнах Никола Пуссена.

В Испании

Более жесткое, строгое воплощение получил стиль барокко в Испании, воплотившись в работах таких мастеров как Веласкес, Рибера и Сурбаран. Они придерживались принципов реализма. К тому времени Испания переживала свой «Золотой век» в искусстве, находясь при этом в экономическом и политическом упадке.

Для искусства Испании характерна декоративность, капризность, изощренность форм, дуализм идеального и реального, телесного и аскетичного, нагромождения и скупости, возвышенного и смешного. Среди представителей:

Доменико Теотокопули (Эль Греко) — художник рубежа XVI—XVII вв. Он был глубоко религиозен, поэтому в его искусстве представлены многочисленные варианты религиозных сюжетов и празднеств: «Святое семейство», «Апостолы Петр и Павел», «Сошествие святого духа», «Христос на Масличной горе».

Эль Греко был великолепным портретистом. Всегда изображаемое он трактовал как ирреальное, фантастическое, воображаемое. Отсюда деформация фигур (элементы готики), предельные колористические контрасты с преобладанием темных цветов, игра светотени, ощущение движения…

• «Портрет поэта Эрсильи-и-Суньиги»,
• «Портрет кардинала Тавера»,
• «Портрет неизвестного».

Но не его картины украшали пышный испанский двор. Среди художников, работавших при дворе Филиппа II, были

1. Франсиско Сурбаран (1598—1664) — «Отрочество Богоматери», «Младенец Христос». Главное в его картинах — ощущение святости, чистоты; простое композиционное решение, плавность линий, плотное цветовое решение, материальность, вещественность, богатство колорита, величавость, сдержанность, реальность жизни, соединенные с мистичностью веры, высокой духовностью, эмоциональной напряженностью.
2. Хусепе Рибера (1591—1652). Основные сюжеты его картин — мученичество святых, портреты людей, проживших долгую жизнь. Но его работы не сентиментальны. Он более всего не хотел, чтобы его модели вызывали жалость. В них — истинно испанская народная гордость. Например, «Хромоножка», «Святая Агнесса», «Апостол Яков-старший».

Казалось, что испанская живопись никогда не выйдет из «стен» храмов. Но это сделал Диего Веласкес (1599—1660) — великолепный мастер психологического портрета, живописец характеров. Его картины отличаются многофигурной сложностью композиций, многокадровостью, предельной детализацией, прекрасным владением цветом. Веласкес — великий полифонист живописи. «Завтрак», «Портрет Оливареса», «Шут», «Сдача Бреды» («Копья»), «Пряхи».

Художником, завершившим «золотой век» испанской живописи, был Бартоломе Эстебан Мурильо. Он, отчасти, продолжил бытовую линию, намеченную Веласкесом. «Девочка с фруктами», «Мальчик с собакой».

Но в зрелые годы творчества все чаще обращался исключительно к библейским сюжетам: «Святое семейство», «Бегство в Египет». В этих работах он выступает как блестящий колорист, мастер композиции. Но как далеко ушла эта живопись от глубоко человеческих страстей лучших испанских полотен.

Фламандская живопись

Период расцвета фламандского барокко приходится на 1 пол. XVII века и представлен творчеством Рубенса, Ван Дейка, Йорданса, Снейдерса. Законодателем в новом стиле стал Питер Пауль Рубенс. В ранний период барочная стилистика воспринимается Рубенсом через призму живописи Караваджо — «Воздвижение креста», «Снятие с креста», «Похищение дочерей Левкиппа». Переходом к зрелой фазе творчества художника стал большой заказ цикла картин «Жизнь Марии Медичи». Картины театральны, аллегоричны, манера письма выразительна. Рубенс демонстрирует невероятную жизнеутверждающую силу барокко, его портреты, особенно женские, открывают этот неиссякаемый для него источник радости. В последний период творчества Рубенс продолжает тему вакханалий — «Вакх» — откровенно телесное восприятие жизни.

В Голландии сложилось несколько школ живописи, объединявших крупных мастеров и их последователей: Франца Халса — в Харлеме, Рембрандта — в Амстердаме, Вермеера — в Делфте. В живописи этой страны барокко носило своеобразный характер, ориентируясь не на эмоции зрителей, а на их спокойное, рациональное отношение к жизни. Рембрандт это подчёркивал в следующих словах: «Небо, земля, море, животные, люди, — всё это служит для нашего упражнения».

Значение

Художники барокко открыли искусству новые приемы пространственной интерпретации формы в ее вечно изменчивой жизненной динамике, активизировали жизненную позицию. Единство жизни в чувственно-телесной радости бытия, в трагических конфликтах составляет основу прекрасного в искусстве барокко.

Примечания

1. ↑ Х.В.Янсон, Э.Ф.Янсон. Основы истории искусств. Санкт-Петербург, Россия, 1996 г. Ч.3, с.286-324.
2. ↑ A Guide to Art. S.Sproccati ed. Little, Brown and Company (UK) Ltd. 1992. P.87-97.

См. также

Живопись барокко — это… Что такое Живопись барокко?

Живопись барокко или барочная живопись — живописные произведения периода барокко в культуре XVI—XVII веков, тогда как в политическом плане исторический период разделяется на Абсолютизм и Контрреформацию. Живопись барокко характеризуется динамизмом, «плоскостью» и пышностью форм, самые характерные черты барокко — броская цветистость и динамичность; яркий пример — Рубенс, Караваджо.

В Италии

Микеланджело Меризи, которого по месту рождения близ Милана прозвали Караваджо, считают самым значительным мастером среди итальянских художников, создавших в конце XVI в. новый стиль в живописи ^[1]. Его картины, написанные на религиозные сюжеты, напоминают реалистичные сцены современной автору жизни, создавая контраст времен поздней античности и Нового времени. Герои изображены в полумраке, из которого лучи света выхватывают выразительные жесты персонажей, контрастно выписывая их характерность. Последователи и подражатели Караваджо, которых поначалу называли караваджистами, а само течение караваджизмом^[2], такие как Аннибале Каррачи или Гвидо Рени, переняли буйство чувств и характерность манеры Караваджо, так же как и его натурализм в изображении людей и событий.

В итальянской живописи эпохи барокко развивались разные жанры, но в основном это были аллегории, мифологический жанр. В этом направлении преуспели Пьетро да Кортона, Андреа дель Поццо, Джованни Баттиста Тьеполо, братья Карраччи. Прославилась венецианская школа, где большую популярность получил жанр ведуты, или городского пейзажа. Самый прославленный автор таких работ — Д. А. Каналетто. Не менее известны Франческо Гварди и Бернардо Беллотто. Каналетто и Гварди писали виды Венеции, тогда как Беллотто (ученик Каналетто) работал в Германии. Ему принадлежат многие виды Дрездена и других мест. Сальватор Роза (неаполитанская школа) и Алессандро Маньяско писали фантастические пейзажи. Последнему принадлежат архитектурные виды, и к нему очень близок французский художник Юбер Робер, работавший в то время, когда вспыхнул интерес к античности, к римским развалинам. В их работах представлены руины, арки, колоннады, древние храмы, но в несколько фантастическом виде, с преувеличениями. Героические полотна писал Доменикино, и живописные притчи — Доменико Фетти.

Во Франции

Во Франции барочные черты присущи парадным портретам Иасента Риго. Самая известная его работа — портрет Людовика XIV. Творчество Симона Вуэ и Шарля Лебрена, придворных художников, работавших в жанре парадного портрета, характеризуют как «барочный классицизм». Настоящее превращение барокко в классицизм набллюдается в полотнах Никола Пуссена.

В Испании

Более жесткое, строгое воплощение получил стиль барокко в Испании, воплотившись в работах таких мастеров как Веласкес, Рибера и Сурбаран. Они придерживались принципов реализма. К тому времени Испания переживала свой «Золотой век» в искусстве, находясь при этом в экономическом и политическом упадке.

Для искусства Испании характерна декоративность, капризность, изощренность форм, дуализм идеального и реального, телесного и аскетичного, нагромождения и скупости, возвышенного и смешного. Среди представителей:

Доменико Теотокопули (Эль Греко) — художник рубежа XVI—XVII вв. Он был глубоко религиозен, поэтому в его искусстве представлены многочисленные варианты религиозных сюжетов и празднеств: «Святое семейство», «Апостолы Петр и Павел», «Сошествие святого духа», «Христос на масленичной горе».

Эль Греко был великолепным портретистом. Всегда изображаемое он трактовал как ирреальное, фантастическое, воображаемое. Отсюда деформация фигур (элементы готики), предельные колористические контрасты с преобладанием темных цветов, игра светотени, ощущение движения…

• «Портрет поэта Эрсильи-и-Суньиги»,
• «Портрет кардинала Тавера»,
• «Портрет неизвестного».

Но не его картины украшали пышный испанский двор. Среди художников, работавших при дворе Филиппа II, были

1. Франсиско Сурбаран (1598—1664) — «Отрочество Богоматери», «Младенец Христос». Главное в его картинах — ощущение святости, чистоты; простое композиционное решение, плавность линий, плотное цветовое решение, материальность, вещественность, богатство колорита, величавость, сдержанность, реальность жизни, соединенные с мистичностью веры, высокой духовностью, эмоциональной напряженностью.
2. Хусепе Рибера (1591—1652). Основные сюжеты его картин — мученичество святых, портреты людей, проживших долгую жизнь. Но его работы не сентиментальны. Он более всего не хотел, чтобы его модели вызывали жалость. В них — истинно испанская народная гордость. Например, «Хромоножка», «Святая Инесса», «Апостол Яков-старший».

Казалось, что испанская живопись никогда не выйдет из «стен» храмов. Но это сделал Диего Веласкес (1599—1660) — великолепный мастер психологического портрета, живописец характеров. Его картины отличаются многофигурной сложностью композиций, многокадровостью, предельной детализацией, прекрасным владением цветом. Веласкес — великий полифонист живописи. «Завтрак», «Портрет Оливареса», «Шут», «Сдача Бреды» («Колья»), «Пряхи».

Художником, завершившим «золотой век» испанской живописи, был Бартоломе Эстебан Мурильо. Он, отчасти, продолжил бытовую линию, намеченную Веласкесом. «Девочка с фруктами», «Мальчик с собакой».

Но в зрелые годы творчества все чаще обращался исключительно к библейским сюжетам: «Святое семейство», «Бегство в Египет». В этих работах он выступает как блестящий колорист, мастер композиции. Но как далеко ушла эта живопись от глубоко человеческих страстей лучших испанских полотен.

Фламандская живопись

Период расцвета фламандского барокко приходится на 1 пол. XVII века и представлен творчеством Рубенса, Ван Дейка, Йорданса, Снейдерса. Законодателем в новом стиле стал Питер Пауль Рубенс. В ранний период барочная стилистика воспринимается Рубенсом через призму живописи Караваджо — «Воздвижение креста», «Снятие с креста», «Похищение дочерей Левкиппа». Переходом к зрелой фазе творчества художника стал большой заказ цикла картин «Жизнь Марии Медичи». Картины театральны, аллегоричны, манера письма выразительна. Рубенс демонстрирует невероятную жизнеутверждающую силу барокко, его портреты, особенно женские, открывают этот неиссякаемый для него источник радости. В последний период творчества Рубенс продолжает тему вакханалий — «Вакх» — откровенно телесное восприятие жизни.

В Голландии сложилось несколько школ живописи, объединявших крупных мастеров и их последователей: Франца Халса — в Харлеме, Рембранта — в Амстердаме, Вермеера — в Делфте. В живописи этой страны барокко носило своеобразный характер, ориентируясь не на эмоции зрителей, а на их спокойное, рациональное отношение к жизни. Рембрант это подчёркивал в следующих словах: «Небо, земля, море, животные, люди, — всё это служит для нашего упражнения».

Значение

Художники барокко открыли искусству новые приемы пространственной интерпретации формы в ее вечно изменчивой жизненной динамике, активизировали жизненную позицию. Единство жизни в чувственно-телесной радости бытия, в трагических конфликтах составляет основу прекрасного в искусстве барокко.

Примечания

1. ↑ Х.В.Янсон, Э.Ф.Янсон. Основы истории искусств. Санкт-Петербург, Россия, 1996 г. Ч.3, с.286-324.
2. ↑ A Guide to Art. S.Sproccati ed. Little, Brown and Company (UK) Ltd. 1992. P.87-97.

См. также

Wikimedia Foundation. 2010.

Стиль барокко в живописи, его основные отличия

Для украшения жилых помещений истинные почитатели и ценители прекрасного во все времена использовали произведения живописи. Хорошо подобранные, они в полной мере могут продемонстрировать изысканный вкус владельца дома, его неординарное восприятие и утонченное понимание прекрасного. Мастерски написанные картины — наиболее эффектный метод украшения жилища.

Закономерно возникает вопрос о том, какой стиль в живописи в наибольшей степени подходит для украшения интерьера? Знатоки утверждают, что наиболее подходящим вариантом окажется стиль барокко. В живописи он известен как наиболее популярный из стилей, царивших в Европе на протяжении почти двух веков (с конца 16 столетия и до средины 18-го). Родина барокко — солнечная Италия.

Интересно само название стиля — барокко, которое имеет португальское происхождение. Именно так португальцы называли бесценные дары моря — жемчужины, имевшие неправильную форму, а именно — причудливую. Стиль барокко в живописи изначально был обозначен несколько насмешливо, и его название ассоциировалось именно со словом «причудливый». Но это не стало преградой для быстрого роста его популярности во всей Европе.

Чем отличается барокко в живописи?

К главным особенностям стиля следует отнести его торжественность, величественность, способность выразить наслаждение жизнью и ее полноту. Отличается барокко в живописи и своей выразительностью, контрастностью, необычайной фантазийностью. Для барокко характерна выраженная игра света и тени, цвета и оттенка.

Чем же еще отличается эта прекрасная, яркая живопись? Художники, пишущие в стиле барокко, стремились к созданию произведений монументальных. Их творения полны динамизма, а богатство тщательно выписанных декораций поражает воображение даже посвященных ценителей живописи.

Барокко в живописи имеет чаще всего тематику мифологическую или религиозную. Но часто можно встретить портреты представителей аристократии, удивительно красивые и пышные.

Почитаемый за одного из основателей стиля барокко в живописи, знаменитый итальянский художник Караваджо предпочитал создавать картины, имеющие цельный характер, наполненные мрачным спокойствием и глубиной. Но его последователи отдали предпочтение созданию произведений более ярких, наполненных цветом и светом. Со временем также стало прослеживаться некоторое отдаление от религиозной тематики.

Не менее знаменитые художники — нидерландец Рембрандт и проживающий во Фландрии Рубенс — привнесли в стиль барокко в живописи нотку национального колорита своих стран. Они смогли создать произведения, обогащенные культурой и традициями своих народов.

Изучая работы художников, пишущих в стиле барокко, можно также заметить, что на развитие стиля оказывало влияние религиозное окружение. Более помпезный характер и выраженный торжественный стиль присущи художникам из католических стран (Италии и Испании). Работы сторонников протестантской церкви отличаются большей сдержанностью чувств, скромностью и строгостью.

Барокко искусство картины художников эпохи barocco

Барокко (итальянское barocco, буквально – причудливый, странный), один из главенствующих стилей в архитектуре и изобразительном искусстве Европы и Латинской Америки конца шестнадцатого – середины восемнадцатого века. Барокко воплотило новые представления о единстве, безграничности и многообразии мира, о его драматической сложности и вечной изменчивости; его эстетика строилась на коллизии человека и мира, идеальных и чувственных начал, разума и иррационализма.

Искусству барокко свойственны грандиозность, пышность и динамика, патетическая приподнятость, интенсивность чувств, пристрастие к эффектной зрелищности, совмещению иллюзорного и реального, сильным контрастам масштабов и ритмов, материалов и фактур, света и тени. Всеобъемлющий характер приобрел в эпоху барокко синтез искусств: городские ансамбли, дворцы и церкви благодаря причудливой пластике фасадов, беспокойной игре светотени, сложным криволинейным планам и абрисам приобрели живописность и динамичность, как бы вливались в окружающее пространство.

Интерьеры зданий украшались многоцветной скульптурой, лепкой, резьбой, зеркала и росписи иллюзорно расширяли пространство, а живопись плафонов создавала эффект разверзшихся сводов. В изобразительном искусстве барокко идеализация образов сочетается с неожиданными композиционными и оптическими эффектами, реальность – с фантазией, религиозная аффектация – с подчеркнутой чувственностью. В живописи большое значение приобрели эмоциональное, ритмическое и колористическое единство целого, непринужденная свобода мазка, в скульптуре – живописная текучесть формы, ощущение изменчивости образа.

На родине барокко, в Италии, наиболее яркое и законченное воплощение этот стиль нашел в полных религиозной и чувственной аффектации произведениях архитектора и скульптора Лоренцо Бернини, архитектора Франческо Борромини, живописца Пьетро да Кортона; позднее он эволюционировал к фантастичности построек Гварини Гварино, бравурности живописи Сальваторе Роза и Алессандро Маньяско, головокружительной легкости росписей Джованни Батиста Тьеполо.

Реальный формат этого HD Video на ютубе 1280x720px ►

Во Фландрии в живописи таких художников, как Ян Сиберехтс, Питер Пауль Рубенс, Антонис ван Дейк, Якоб Йорданс, Франс Франкен Младший и Давид Тенирс, а в Голландии в полотнах Рембрандта ван Рейна, Герарда Терборха, Яна Вермеера, Геррита ван Хонтхорста, Хендрика Аверкампа, Франса Халса, Якоба Рейсдала, Питера де Хоох эмоциональность и экспрессия барокко слились с мощным жизнеутверждающим началом. В Испании в 17 столетии некоторые черты этого бравурного стиля проступали в аскетичной архитектуре Хуан Баутиста де Эрреры, в живописи Диего Веласкеса, Хусепе де Риберы и Франсиско Сурбарана, скульптуре Хуана Мартинеса Монтаньеса; необычайной сложности и декоративной изощренности они достигли в 18 веке в постройках Хосе Бенито Чурригера.

Своеобразное истолкование барокко получило в Австрии (архитекторы Иоганн Бернхард Фишер фон Эрлах и Иоганн Лукас фон Хильдебрандт, живописец Франц Антон Маульберч) и государствах Германии (архитекторы и скульпторы Бальтазар Нёйман, Андреас Шлютер, Маттеус Даниель Пёппельман, братья Азам, семья архитекторов Динценхоферов, работавших также в Чехии), а также в Польше, Словакии, Венгрии, Литве, России и других странах Европы. В первой половине 18 столетия барокко эволюционирует к грациозной легкости стиля рококо, сосуществует и переплетается с ним, а с 1770-х годов повсеместно вытесняется классицизмом.

что это такое, стиль картин, эпоха раннего в живописи и искусстве, примеры скульптуры, элементы художников, хаус

В переводе с итальянского языка, barocco – «странный, удивительный, причудливый». Стиль барокко зародился в период становления монархического строя правления в Италии. Он получил широкое применение в области изобразительного искусства, скульптуры, музыки и архитектуры. Его призванием стало прославление могущества церкви и аристократического общества того времени. Барокко смог выразить новое представление о безграничности и многообразии окружающего мира, его единстве и драматичной изменчивости, пробудил интерес к стихиям природы.

История возникновения барокко – новая эпоха в Европе на смену Возрождению

Именно в Италии на смену Высокого Возрождения возник барочный стиль (16-й век). Не смотря на тяжелое политическое положение страны, где господствовали иностранцы (испанцы и французы), Италия продолжает оставаться культурным центром Европы. В этот период итальянцы не могли позволить себе выстраивать новые шикарные замки (романские или готические, как он назывался ранее, по стилю) .

Появление барокко позволило создавать иллюзию богатства, обходясь без дорогостоящих материалов.

Активное развитие культуры началось по причине недостатка средств. Возведение шикарных палаццо было не по карману знати и представителям церковной власти, но они все же нуждались в подтверждении собственной состоятельности и мощи. Высшие сословия обратились за помощью к искусству – появившееся направление их возвышало и за счет этого набирало все большую популярность.

Витиеватость узоров и массивность дерева в стиле барокко

Черты и особенности стиля

Для направления барокко присущи контрастность образов и их динамичность, совмещение иллюзорных форм и реальности, великолепие композиций. В интерьерах и экстерьерах построек применяются скульптурные элементы, рустованные колонны, волюты и раскреповки, а также пилястры. Нередко можно было встретить развернутые колоннады значительных масштабов. Стиль барокко от маньеризма унаследовал тенденцию поражать воображение. Это можно наблюдать в сложных купольных формах, выполненных в виде многоярусных конструкций. К отличительным чертам также относится использование кариатид, атлантов и маскарон.

Тенденции вычурности и напыщенного богатства также можно проследить еще в стиле Викторианской эпохи.

Кариатиды, атланты и маскароны

Интерьер

В моду барочного интерьера широко входят необычные композиции ассиметричных рисунков декора, изображения вогнутых и выпуклых форм. Четко выражены вертикальные линии колон и членений горизонтального типа, что присуще еще и колониальному стилю.

Стиль барокко идеально сочетается с интерьером помещений значительного размера – многообразные украшения и мебельные гарнитуры занимают невероятно большое пространство комнаты.

На фото представлен один из ярчайших примеров интерьера в направлении барокко.

Интерьер в стиле барокко

Мебель

Мебель в стиле барокко – уникальное произведение искусства, поэтому она использовалась чаще всего для создания интерьерной композиции помещения. Мягкие гарнитуры (диваны, кресла с деревянными ножками, стулья) обивались дорогостоящими материалами насыщенных оттенков. Гигантские шкафы из дерева украшались резными гравировками и однотонными рисунками. Очень популярны были громадные кровати с нарядными навесами, с которых струились вниз красочные покрывала. Гостиным помещениям во времена барокко уделялось особое внимание – в шикарных залах принимали гостей и устраивали балы.

Мебель в стиле барокко

Оформление стен

В интерьере барокко использовалась настенная роспись. Высокие мраморные стены были покрыты крупными многоцветными изображениями, дополненными обильной позолотой и фресками на потолках. А картины невероятных размеров и обрамленные богатыми рамами (с позолотой или лепниной), довершали общую композицию невероятного великолепия.

Изображения на стенах в стиле барокко описывали сцены из мифологических сказаний.

Классическое представление барокко в современном интерьере

Оформление полов

Мраморный пол служил гармоничным контрастом общему интерьеру гигантских залов. Он оформлялся в виде плиток, расположенных в шахматном порядке. Цветовая палитра не отличалась особенным разнообразием – использовались однотонные цвета. На фото выше можно и просмотреть, как оформлялись полы в стиле барокко.

Живопись

К характерным особенностям становления живописи в барочный период относятся:

• Броская цветовая палитра.
• Динамичность композиции.
• Пышность «плоских» форм.

Яркие примеры картин эпохи барокко можно наблюдать в творчестве Рубенса («Распятие», «Страшный суд», «Битва греков с амазонками») и Караваджо («Больной Вакх», «Отдых на пути в Египет», «Призвание апостола Матфея»).

“Страшный суд”, Рубенс

Архитектура и ее представители

Отличительными чертами архитектуры барокко стали текучесть криволинейных и сложных форм, а также невероятный размах стилистического пространства. Изобилие скульптурных творений декорируют фасады здания церквей и соборов.

Во многих странах стиль барокко в архитектуре получает огромную популярность. Только во Франции он был не настолько выражен – к барочным памятникам даже употребляется термин «классицизм».

Классицизм – это направление в искусстве (17-19 вв). Характеризуется возвращением к античному искусству и культуре, которая считалась идеальным образцом.

Неоценимый вклад в области архитектуры внесли:

• Донато Браманте – основоположник барочного зодчества.
• Джакомо Делла Порта, Карло Мадерна и Доменико Фонтана – архитекторы раннего периода барокко.
• Франческо Брромини – представитель радикального зодчества.
• Сантино Солари – создал первый барочный собор в Зальцбурге.

Архитектура барокко

Скульптура

Лоренцо Бернини

Органически присущей частью искусства барокко являлась скульптура. Самым знаменитым скульптором 17-го столетия был признан Лоренцо Бернини. Его наиболее популярные работы на мифологическую тематику:

• Плутон (бог подземного царства), похищающий Прозерпину.
• «Экстаз святой Терезы» – алтарная группа, расположенная в одном из храмов Рима.
• Аполлон (бог света), преследующий нимфу Дафну, которая чудесным образом превращается в дерево.

На фото изображена скульптура в стиле барокко, выполненная из дерева. Именно этот материал преобладал при создании скульптур, а для большей реалистичности с хрустальной срезкой и стеклянными глазами.

Мода

Эпоха барокко развивается во времена правления Людовика XIV (2-я половина 17-го века), когда при дворе царил безукоризненный этикет. Законодателем модных тенденций в Европе была Франция, и другие страны строго следовали французским направлениям в моде.

Для европейских нарядов характерна невероятная пышность, дополненная многочисленными украшениями.

Модные веяния барокко

Платья прекрасных дам видоизменились – в отличие от эпохи Раннего Ренессанса они были на китовом усе. Наряд книзу юбки плавно расширялся, а сзади платья прикреплялся шлейф. Глубокий вырез декольте открывал плечи, а вошедшие в моду высокие прически покрывались косынками и чепчиками из тонкой ткани.

Мужчины носили длинные кафтаны, украшенные кружевами и красочными бантами. Высокие ботфорты носили исключительно во время военных походов или в полях. В гражданской же обстановке представители сильного пола носили туфли. Обувь украшалась аграфами (пряжки), но со временем более популярными стали банты.

Головы кавалеров покрываются элегантными париками, распускающимися кудрявыми локонами по плечам и торчащими вверх. Как женщины, так и их кавалеры стали использовать косметику в непомерном количестве. Лица и парики тщательно напудривались. Кроме того, появились мушки – они придавали яркий контраст невероятной белизне кожи.

Пример нарядов времени барокко можно наблюдать на фото.

 

Искусство: художественные картины в барочном стиле

И.С. Бах

В самом конце эпохи ренессанса появляется музыка барокко, которая становится предшественником культуры классицизма. Наблюдается противопоставление инструментов и голосов, солистов и хора, а также сочетание форм значительных масштабов. Возникают инструментальные жанры, а ведущее положение занимают опера, жанры кантаты и оратории.

Известные музыканты и композиторы:

• Ч. Бернелли, Г. Рейтер, И.И. Фукс, Д. Фантини, У.Г. Руэ, И.Г. Вюлькен – знаменитые трубачи.
• И.С. Бах, Ф. Джеминиани, Жан-Батист, А. Вивальли, С. Шейд – известные композиторы.

Человек

Люди эпохи барокко считали естественным поведением проявление бесцеремонности, дикого невежества и даже самодурства. Женщины придерживаются безукоризненной белизны кожи и очень дорожат ею. Они украшают свои головы замысловатыми прическами и появляются в высшем обществе в элегантных туфельках на невысоких каблучках.

Олицетворением мужского идеала становится “джентельмен” – образ спокойной, мягкого, уравновешенного мужчины. Усы и бороды теперь сбривают, напудривают парики, пользуются парфюмом. Споры между представителями сильного пола проявляются в дуэлях.

Именно во время барокко начинают появляться элегантные салфетки и вилки, что относится к изысканности столового этикета.

Бог представляется людям не как спаситель человеческих душ, а как Величайший Архитектор, сотворивший мир подобно часовому механизму.

В столицах европейских государств открываются научные сообщества и многочисленные Академии наук. Исаак Ньютон в 1689 году создает труд под названием “Математические начала натуральной философии”, а также открывает “Закон всемирного тяготения”. Карл Линнец публикует в 1735-м году известную работу по систематизации биологии “Система природы”. Галилей доказывает предположение о том, что Земля вращается вокруг Солнца. Начинается период открытия новых земель и парусники невероятных размеров путешествуют по просторам мировых океанов.

Символы литературы: искатели удивительных приключений и предприимчивые путешественники (Барон Мюнхаузен, Робинзон Крузо, Гулливер). Нормой в художественной лексике считаются иносказания.

Иллюстрация “Путешествия Гулливера”

Виды обоев для стен: как их правильно подобрать и как правильно поклеить.

Какими бывают современные серванты для гостиной читайте в этой статье.

Состав ламината: https://trendsdesign.ru/materialy/napolnye-pokrytiya/laminat/laminat-sostav-osnovnye-osobennosti-pokrytiya.html

Краткий видео-обзор на стиль Барокко

Выводы

Век барокко возник в 16-м столетии и приобрел широчайшую популярность на территории Западной и Восточной Европы. Этот период развития культуры и искусства принято считать предвестником победоносного шествия «цивилизации Запада». Производной стиля барокко считается рококо – более спокойный и утонченный стиль в интерьере на фоне своего предшественника. Так же читайте об архитектуре Ампир.

Рекомендуем также прочитать что это неоклассика.

ЭВОЛЮЦИЯ ПОРТРЕТА. Часть 5. Эпоха Барокко.

«Взгляни на этот лик; искусством он
Небрежно на холсте изображен,
Как отголосок мысли неземной,
Не вовсе мертвый, не совсем живой…»
М.Ю. Лермонтов. «Портрет».
Новый стиль, утвердившийся к концу XVI века в искусстве Европы, и названный Барокко (итальянский barocco — странный, причудливый), характеризуется парадностью, грандиозностью, доходящей до помпезности, обилием внешних эффектов и деталей, декоративностью и «пышностью» форм. Это сказывалось уже в творчестве упоминавшегося мною ранее (в части «Позднее Возрождение») Микела́нджело Меризи да Карава́джо (1571-1610), которого искусствоведы часто причисляют к разным стилям, в том числе и к барокко, как крупнейшего его представителя, основателя реализма в живописи.

Считается, что именно он впервые применил в своем творчестве прием, использовавшийся в цветной ксилографии — «кьяроскуро» (итал.— светотень) прием «распределения различных по яркости цветов или оттенков одного цвета, позволяющий воспринимать изображаемый предмет объемным». В искусствоведческом языке существует даже термин «караваджизм» — стиль эпохи барокко, для которого характерны прием «кьяроскуро» и подчеркнутый реализм.

Особенности стиля барокко, как пропагандистского, активно захватывающего зрителя, принято связывать с укреплением абсолютистских монархий, с Контрреформацией, и поэтому он имеет свои выраженные национальные особенности в разных странах Европы. В Голландии, например, где распространен протестантизм и итальянское влияние было не так сильно, барокко имеет более скромное выражение, в нем больше камерности и меньше парадности (если портреты не сделаны по заказу высокопоставленных вельмож), но очень сильно жизнеутверждающее начало. Вершиной развития искусства 17 века в Голландии безусловно является творчество Рембрандта ван Рейна (1606-1669), живописца, мастера рисунка и офорта, непревзойденного портретиста.

Если в групповых портретах, которые широко распространились в Голландии, и в заказных портретах вельмож художник тщательно передавал черты лица, одежду, драгоценности, то в автопортретах и портретах близких ему людей Рембрандт отступал от художественных канонов и экспериментировал в поисках психологической выразительности, использовал свободную манеру живописи, красочную гамму и игру светотени.

О его отношениях с еврейской общиной Амстердама и многочисленных портретах еврейских мудрецов, стариков и детей я писала уже раньше (http://vanatik05.livejournal.com/2015/02/19/), здесь приведу один из тех портретов, который является жемчужиной мировой живописи.

Рембрандта привлекают образы простых людей, стариков, женщин и детей, все чаще он сосредоточивает внимание на лице и руках, выхваченных из темноты мягким рассеянным светом, горячая красно-коричневая палитра усиливает эмоциональную выразительность, согревая их теплым человеческим чувством.

Влияние творчества Рембрандт не только на голландское, но и на мировое искусство огромно. Его непревзойденное мастерство, гуманизм и демократизм, интерес к человеку, его переживаниям и внутреннему миру оказали воздействие на развитие впоследствии всего реалистического искусства.
Ученик и последователь Рембрандта, проживший короткую жизнь, но успевший оставить свой след в искусстве, Карел Фабрициус (1622-1654)

глубоко усвоил творческий метод великого учителя, но сохранил свою свободную манеру письма, более холодную цветовую гамму и оригинальный прием выделения темных фигур первого плана на полном воздуха светлом фоне. Можно сказать, что Фабрициус был самым блестящим из учеников Рембрандта, однако он изменил манере учителя писать светлое на темном фоне и вместо этого писал темные предметы на светлом. Он трагически погиб при взрыве порохового склада в Делфте во время работы над одним из своих портретов.
Теперь уже в свою очередь творческая манера Фабрициуса оказала влияние на Яна Вермеера Делфтского (1632–1675).
«Жемчужина, вспышка, драма и квинтэссенция «золотого голландского века». Недолго живший, мало написавший, поздно открытый…» (Лосева.http://www.aif.ru/culture/person/1012671)

Большинство его работ скорее можно назвать жанровыми сценами, но суть их — обобщенные жанровые портреты, в которых особое внимание уделяется душевному состоянию персонажей, общему лирическому настрою всей сцены, тщательному выписыванию деталей, использованию естественного освещения, живой выразительности всей композиции.

Множество его работ изображают женщин за разными домашними занятиями, у него была возможность наблюдать свою собственную жену, постоянно занятую по дому и воспитывающую их многочисленных детей (она родила 15 детей, из которых четверо умерли). Обычно действие на его жанровых портретах происходит у окна, образы женщин полны обаяния и умиротворения, а игра оттенков и красочность бликов одухотворяют мир людей и сообщают им внутреннюю значительность.

Творчество Вермеера не было по достоинству оценено при жизни и было почти забыто вплоть до второй половины 19 века.
Еще одним выдающимся голландским художником, работавшим в Харлеме (Амстердам) и прославившимся во второй половине своей жизни как гениальный портретист был Франс Халс (Хальс, между 1581 и 1583 -1666). Он «радикально реформировал групповой портрет, порвав с условными системами композиции, вводя в произведения элементы жизненных ситуаций, обеспечивающие непосредственную связь картины и зрителя» (Седова Т.А. «Франс Халс» . Большая советская энциклопедия)

В творчестве Халса можно увидеть почти всех представителей общества — от богатых горожан и высшего офицерства до социальных низов, изображаемых художником обычными живыми людьми, воплощающими неистощимую жизненную энергию народа.

Часто его портреты производят впечатление выхваченного и моментально зафиксированного жизненного момента, настолько они воспроизводят живую естественность и неповторимую индивидуальность своих моделей, иногда даже неожиданно напоминая манеру импрессионистов.

Эта картина скорее всего не портрет в собственном смысле слова, а аллегория, говорящая о неизбежности смерти и скоротечности жизни, но она настолько живая, так передает движение благодаря жесту протянутой руки, что создает полное впечатление портрета конкретного юноши. Хальс прославился благодаря своему энергичному стилю письма, использующему быструю работу кистью , чтобы запечатлеть мимолетные, мгновенные жесты и выражения лица. Поздние произведения Халса выполнены в скупой цветовой гамме, построенной на контрастах чёрных и белых тонов. Ван Гог говорил, что у Халса «27 оттенков черного»[.
Пару слов о еще одном жизнерадостном и остроумном голландском живописце, писавшем в основном жанровые сценки, многие из которых вполне можно считать и жанровыми портретами. Ян Стен (около 1626—1679) изображал сцены из жизни среднего класса, описывая их с грубоватым народным юмором, иногда даже доходящим до сатиры, но всегда добродушные и мастерски выполненные.

Период расцвета фламандского барокко приходится на 1 пол. XVII века, его выдающимся представителем является великий Питер Пауль Рубенс (1577-1640), живописец, график, архитектор-декоратор, оформитель театральных зрелищ, талантливый дипломат, владевший несколькими языками, ученый-гуманист. Он рано посвятил себя живописи, побывал в юности в Италии и воспринял во многом манеру Караваджо, но сохранил любовь к национальным художественным традициям.

Рубенсом было написано большое количество парадных портретов по заказам европейской аристократии, в том числе и королевских особ, но и в них с исключительным мастерством и чувственной убедительностью он воссоздавал физический облик и особенности характера модели. Но особенно виртуозны, лиричны, написанные с большой любовью и задушевностью интимные портреты близких ему людей.

Интересны работы, в которых видны поиски художника, стремление передать разные позы, эмоции, выражения лица, достичь исключительного мастерства в передаче тончайших градаций света и цвета, в богатстве красочных оттенков, выдержанных в эмоционально насыщенной коричневой гамме.

Творчество Рубенса оказало огромное воздействие на развитие европейской живописи, особенно фламандской, и прежде всего на его
учеников, образовавших целую школу последователей, из которых самым талантливым был безусловно его помощник Антонис ван Дейк (1599–1641).

Восприняв «сочную»живописную манеру Рубенса, он уже в юности обратился к портрету, придавая героям своих картин более утонченный, более изящный, более одухотворенный и благородный облик. Вместе с тем он писал много парадных портретов, в том числе и конных, в которых уделял большое внимание позе, осанке, жестам, ему удалось объединить в парадном портрете «торжественную представительность образа с индивидуальной психологической характеристикой».

Последние 10 лет своей жизни Ван Дейк провел в Англии при дворе короля КарлаI среди аристократов, придворных и членов их семейств. Интересно наблюдать за тем, как меняется палитра художника, становясь вместо теплой и живой красновато-коричневой все более холодной голубовато-серебристой.

Творчество Ван Дейка, разработанные и доведенные им до совершенства типы аристократического интеллектуального портрета оказали в дальнейшем большое влияние на развитие английской портретной живописи.
Еще один выдающийся художник фламандской школы Якоб Йорданс (1593-1678) отразил в своем творчестве характерные черты именно фламандского барокко — свежее, яркое, чувственное восприятие жизни, радостный оптимизм, тела его моделей дышат здоровьем, движенья их порывистые, фигуры мощные, вообще мощь и внутреняя энергия для художника важнее красоты и грации.

Йорданс очень быстро писал, его наследие велико, хотя и меньше, чем у Рубенса — около 700 картин почти во всех музеях мира. Он любил большие картины, и даже портреты предпочитал делать в соответствии с ростом человека, с большим реализмом, не скрывая недостатки лиц и фигур.

И хотя он и не добился значительного признания как портретист, однако хорошо умел отображать характеры, был наблюдательным художником и оставил нам многочисленные свидетельства своей эпохи, целую галерею характерных народных типов.
«Золотым веком» испанской живописи является XVII век, расцвет живописи не совпал с периодом наивысшего экономического и политического могущества Испании и наступил несколько позднее. Реакционная внутренняя и внешняя политика испанских королей, разорительные войны, постоянные религиозные преследования, слабость буржуазии привели Испанию к потере своего могущества уже к концу XVI в. Для испанского искусства было характерно преобладание традиций не классических, а средневековых, готических, а также большое влияние мавританского искусства в связи с многовековым господством арабов в Испании. Самым известным художником испанского барокко был Диего Родригес де Сильва Веласкес (1599—1660).

Интересно, что у Веласкеса, типичнейшего испанца, родившегося в семье португальских евреев, принявших христианство, почти отсутствуют произведения на религиозные сюжеты, а те, которые он избирает, трактуются им как жанровые сцены. На его портретную живопись оказала огромное влияние жизнь при королевском дворе, она научила его раскрывать глубины человеческого характера, прячущиеся под маской холодного этикета, богатством одежд, великолепием поз, одежд, коней и пейзажа.

С большой теплотой, симпатией и непредвзятостью написана художником целая серия портретов придворных шутов и карликов, здесь с наибольшей полнотой сказались особенности его творческого метода — глубокое постижение жизни во всем богатстве и противоречивости ее проявлений.

Одна из последних работ Веласкеса — «Менины» — по сути является групповым портретом. Стоя у мольберта, сам художник (и это единственный достоверный автопортрет Веласкеса) пишет короля и королеву, отражение которых зрители видят в зеркале. На переднем плане изображена инфанта Маргарита, в дверях покоя художник поместил фигуру канцлера. В картине все пронизано воздухом, моделировано тысячью разных цветовых оттенков, мазками разного направления, плотности, величины и формы.

Влияние Веласкеса на все последующее испанское и мировое искусство огромно, он вдохновлял поколения художников, от романтиков до Сезанна и Матисса.
Еще один художник, оставивший свой след в искусстве эпохи испанского барокко, — Франсиско Сурбаран (1598-ок. 1664), выходец из крестьянской семьи с глубокими религиозными устоями. Потому и творчество его в большей своей части основано на религиозных сюжетах, среди его работ множество изображений святых, пророков, монахов и священников, он много пишет для храмов и монастырей. Иногда в религиозных сюжетах он в образе святых или библейских героев изображает своих друзей, знакомых или даже себя.

В середине 17 века в испанской живописи барокко происходят изменения, которым стареющий Сурбаран уже не мог соответствовать, он начал терять свою популярность и умер фактически в нищете.
Изменения в испанской живописи, о которых сказано выше, происходят в результате влияния творчества Бартоломе Эстебан Мурильо (1618—1682), одного из величайших живописцев религиозной тематики, в картинах которого канонические сюжеты представляют собой как бы повседневные сцены из жизни самых обыкновенных людей. Художник создал целую серию картин, с добродушным юмором, проникнутых лиризмом и добротой, изображающих жизнь севильских детей трущоб.

После смерти Мурильо испанская школа живописи практически перестала существовать, и хотя время от времени появлялись выдающиеся мастера (о которых мы еще поговорим в следующей части), но об испанской школе как о явлении в искусстве можно говорить лишь применительно к XVII столетию.
Упомяну еще одного итальянского художника — Гвидо Рени (1575-1642), изучавшего в Риме живопись Рафаэля и Караваджо и ставшего в зрелые годы фактическим главой римской школы барокко. Большинство его работ посвящены религиозным сюжетам, а в портретах присутствует некая нарочитая изнеженность, претенциозная грация поз, утонченная красота, как будто его герои — персонажи барочной мелодрамы.

И еще один в этой плеяде творцов эпохи Барокко — французский художник Матье Леннен (1607 — 1677), младший из трех братьев-художников. Многие работы приписывают разным братьям, иногда невозможно с достоверностью установить авторство. Но постепенно фамилия Ленненов стала связываться лишь с творчеством младшего из них, Матье, который принадлежал по существу уже другому поколению и в своих жанровых и портретных работах зависел от новых вкусов.

Заканчивая тему «портретная живопись эпохи барокко», главенствующем стиле в Европе конца 16-начала 18 века, приведу слова Сомерсета Моэма: «Барокко — трагичный, массивный, мистический стиль. Оно стихийно. Оно требует глубины и прозрения…». От себя посмею только сказать, что барокко — не мой любимый стиль, он меня утомляет…
В следующей части поговорим о Рококо. Продолжение следует.

И, как всегда, видеоролик в сопровождении музыки барокко.

Ссылки: http://smallbay.ru/baroc.html
http://crossmoda.narod.ru/CONTENT/art/XVII/art_barocco.html
https://gallerix.ru/
http://www.artap.ru/cult/portrait.htm
https://en.wikipedia.org/wiki/Portrait_painting

Искусство немецкого барокко

Дворец в стиле барокко Архитектура Рост абсолютизма дал новое значение к гражданской архитектуре и важность дворцов равнялась важности священного постройки эпохи барокко. Правитель «по божественному праву» был не просто почитаемый как высший представитель государства, он олицетворял штат. Абсолютный монарх видел свою империю как мирской образ небесная империя; иерархия двора и аристократии была аналогично иерархии Церкви.Гражданские конструкции, следовательно, стали равняться и даже превосходить священные строения по великолепию и размеру. В конце концов, церковь была лишь связующим звеном между небом и землей, тогда как дворец, резиденция высшей мирской власти, должен был быть достоин помазанный монарх. Чем сильнее монарх, тем больше великолепный его дворец. Абсолютизм в стиле барокко завершился в лице короля Людовик XIV Франции и его Дворец Версаль представлял собой высшее совершенство гражданской архитектуры в стиле барокко.Образ жизни Короля-Солнца копировали все европейские принцы и монархи. от Мадрида до Санкт-Петербурга, а их резиденции были построены по образцу дворец в Версале. Но тогда как во Франции абсолютная власть была сосредоточена в одном человеке и поэтому сила нации вложена в одного структура, 350 крупных и младших немецких князей производили неограниченное разнообразие дворцов, но ни один из них не приближается к размерам Версаля. Одним из них был Великий курфюрст Бранденбурга.Статуя этого важного фигура была построена Андреасом Шлютер — активный архитектор, а также скульптор, который также спроектировал большую часть дворца в Берлине. Перед двором Людовика XIV переехал до Версаля в 1682 году на окраинах начали строить немецкие дворцы. столиц Германии, таких как Херренхаузен близ Ганновера, Нимфенбург под Мюнхеном и Шёнбрунн под Веной. дворцов в стиле барокко по образцу Версаля легко отличить по фасаду от дворцов эпохи Возрождения, который продолжал строиться в тот период.В то время как итальянский палаццо отличался четко выраженным фронтом, который открывался в сторону скромный внутренний двор, французский дворец имел форму подковы который окружал широкий двор, cour d’honneur [двор чести]. Этот Cour d’honneur предоставил место для приема гостей. и в то же время создавала дистанцию ​​между обычными гражданами и общество суда.Главный фасад дворца больше не выходил на улицу, он выходил на парк позади, где король и его Суд мог свободно передвигаться, не беспокоясь о взглядах любопытных. Prince Bishop’s Дворец в Вюрцбурге Вид с улицы Князя Епископа Дворец в Вюрцбурге, построенный между 1719 и 1744 годами г. Бальтазаром. Neumann , кажется почти скромным. Суд чести формируется два крыла, равные центральному участку по размеру и орнаменту; в портики, увенчанные балконами, создают обманчиво интимную и простое впечатление.При входе, однако, все великолепие этого Выявлена ​​внушительная структура. Нойман планировал построить два одинаковых лестницы, из которых достроена только одна, но ее великолепия достаточно придать вестибюлю праздничную атмосферу, которая продолжается повсюду здание. Огромная пространственная последовательность течет через различные вестибюли. и завершается великолепием парадного зала, потолок которого фрески венецианца Джованни Баттиста Тьеполо, который также украшал лестница, еще больше подчеркивающая веселое опьянение этой архитектуры.Для получения дополнительной информации см .: Вюрцбург Резиденция Фрески «Аллегория планет и континентов» (1750-53) Тьеполо, которому помогал его коллега Джероламо Менгоцци Колонна. Что касается внешнего вида, то Настоящий характер дворца проявляется в его садовом фасаде, который дает архитектурные выражение идеи абсолютизма. Как коронованная голова, центральная секция, обогащенная пилястрами, карнизами, задействованными колоннами и творчески изогнутые фронтоны, торжественно возвышаются над длинными крыльями, которые скупо украшены изящными фронтонами над окнами главный этаж.Дворец в Вюрцбурге — один из самых прекрасных примеров дворца в стиле барокко в Германии. Дворец Цвингер, Дрезден Показный король Саксонии и Польши, Август Сильный был одним из тех, кто хотел подражать Королю-Солнцу, но его стремление превратить Дрезден в самую великолепную столицу Европы никогда не было реализовано. Только один из его многих проектов был завершен в течение при его жизни, Цвингер, объединенная оранжерея и трибуна для турниров и конкурсы, которые должны были стать частью дворца, простирающегося через река Эльба.Квадратный план земли простирается на две противоположные стороны. качающимися галереями, где большие окна выходят на изящный барочный сад. Два павильона, расположенные в вершине этих галерей, отображают богатство скульптурного орнамента; кариатиды, видимо забывая они несут бремя, оживленно болтают друг с другом, пока богаты фантастические дизайны гербов, фруктов, ваз и абстрактных узоров связать порталы и окна. Это декоративное веселье продолжается внутри беседки; нижний этаж представляет собой живую смесь впадин, миниатюрные балюстрады и винтовые лестницы, ведущие к столь же богато украшенная небольшая парадная комната на верхнем этаже.Планировка и орнамент этой безответственной схемы очаровательно выражают игривый дух рококо. Дворец Нимфенбург Дворец Нимфенбург, который сейчас находится в пределах города Мюнхен, был начат в 1663 году. Итальянский Барелли спроектировал его как кубическую структуру и смоделировал его великолепно простой фасад на дворце итальянского Возрождения palazzi . Четко очерченный центральный В секции находятся парадные залы, в которые может попасть внешний близнец. лестнице, а жилое и спальное помещения расположены либо на сторона.Чтобы придать этой довольно похожей на особняк структуру, характер дворца в стиле барокко во французском стиле, два фланговых павильона были добавлен в 1702 г .; несколько позже они были связаны с первоначальной структурой аркадами. В дальнейшем подражание духу Версаля ряд небольших пристроек в парке: Пагоденбург 1716 г., Баденбург в 1718 г. и, наконец, Амалиенбург, спроектированный Кувилли в чистом стиле рококо.Большие гидротехнические сооружения и фонтаны способствуют очаровательной живостью планировки, основанной на счастливой гармонии между архитектурой и окружением, тщательно спланированными садами. Сан-Суси Дворец Дворец Сан-Суси в Потсдаме был завершено всего через пятьдесят лет после Версаля, но никоим образом не представляет памятник абсолютной власти. Сам Фридрих Великий предоставил свои архитектор Георг Венцеслаус фон Кнобельсдорф с эскизами этого сооружения; то, что он хотел, не было впечатляющей обстановкой для торжественной придворной жизни в стиле Людовика XIV, но в скромной резиденции, где он мог наслаждаться неторопливая жизнь частного лица.В отличие от самовозвеличивающего отношения абсолютных королей, Фридрих видел себя первым слугой государства и считал свое королевское положение тяжелым долгом. Сан-Суси — это одноэтажное здание, отличается от дворцов высокого барокко центральной частью тем, что корпус небольшой круглый купольный зал, обращенный к двум нижним и открытым павильонам которые, как продолжение крыльев, стоят независимо от основной конструкции.Этот принцип характерен для монархов эпохи Просвещения, которые меньше подчинялись духу абсолютизма, чем идее индивидуальная свобода. Не только скромный размер Сан-Суси, но и весь планировка его интерьера иллюстрирует этот отказ от внешнего проявления безграничной силы. Для широкой публики никаких положений не предусмотрено аудитории или для большого придворного общества. Дворец был предназначен для размещения только несколько избранных политических советников, друзей, художников, философов и ученые, которых хотел принять король.Фредерик сказал о Сан-Суси что «он приглашает нас наслаждаться нашей свободой». Барочные князья вряд ли признали, кроме себя, что свобода была чем-то наслаждался. О преемнике рококо см .: Неоклассика. Архитектура. немецких архитекторов также были привлечены при проектировании ряда построек петровской эпохи Искусство (1686-1725) в России. Андреас Шлютер спроектировал фасад Летнего дворца, а Готфрид Шадель (1680-1752) построил Дворец Ораниенбаум под Санкт-Петербургом и колокольня Печерский монастырь в Киеве. Стиль рококо декоративного искусства в Германии Дух рококо искусство выражалось в пасторальных идиллиях и романах, а также в умелое преобразование природных ландшафтов в спланированные сады и в предпочтении меньших, более интимных структур. Имена эти: Mon repos , Solitude , Eremitage и Sanssouci , продемонстрировать, что их владельцы ощущают необходимость отказаться от официального обращения в суд жизни, чтобы наслаждаться в уединении своими тщательно спланированными садами.Лукас фон Хильдебрандт спроектировал небольшой садовый дворец для принца Евгения в Вене Бельведер, построенный между 1714 и 1723 годами, до завершения Шёнбрунна, летней резиденции австрийского император на окраине Вены. Хотя Бельведер не показывает та же мера пресечения, что и Сан-Суси, отсутствие суда чести тем не менее указывает на отход от французской концепции. Приятно ощущение движения достигается за счет слияния нескольких различных элементов: одноэтажный остроконечный портик ведет в центральную часть, которая с обеих сторон окружен внушительными широкими крыльями, которые производят впечатление уверенного в себе авторитета, но при этом никоим образом не самонадеянно, и два одноэтажных корпуса разной ширины ведут к четырем башенным павильоны, которые своей монументальностью придают строению характер укрепленного замка.Ряд идей чудесным образом сочетается в образуют очаровательную единицу, в которой проявляется дух рококо. через живую группировку противоречивых форм. Рококо не создавал архитектуры свой собственный, но выражался в основном в меньшем масштабе структур и украшение их интерьеров. Несмотря на раскачивающееся движение Орнамент барокко был упорядочен и упорядочен. Он послужил обогащению и акцентирование архитектурных частей и было слито с архитектурным каркас, следовательно, он всегда был симметричным.Рококо декоративный искусство, с другой стороны, было творческим продуктом бурного настроение; художники рококо разработали новые формы которые были основаны на асимметричной форме корпуса и, следовательно, называется rocaille . Это привело к выражению «рококо» как к описанию. стиля, который простым звуком выражает легкомысленную легкость ту эпоху. Музыкальный зал дворца Сан-Суси в Потсдаме является основным примером формирующей силы рококо.Основа Концепция строения проста и сурова, без архитектурных изысков. Потолки и стены — всего лишь носители декора, которые своей изобретательностью придает комнате цветущий шарм и удается скрыть ее непритязательный персонаж. Орнаменты потолка нависают над стенами и соединяются с ними. окружающие зеркала; они автономно распространяются по всей комнате, обведите секции стен и дверные коробки, обмотайте картины и зеркала, включить мебель и настенные кронштейны, а затем замолчать в забавных изгибах чтобы снова начать игру в каком-нибудь неожиданном месте. The Residenztheater в Мюнхене, один из Несколько оставшихся в Германии театров рококо построил Франсуа Кювилли. Свое праздничное веселье он достигает только в украшениях; торжественный балюстрады боксов в партере сохраняют определенное достоинство, но это впечатление меняется в бельевом круге, где буйно неопрятно, резные деревянные занавески нависают над балюстрадами, а гермы, несущие вес второго этажа, кажется, восхищает зрелищем вокруг них.Эта пародийная игра заканчивается стильным, нежным орнаментом верхний круг, достигнув кульминации в театральном декоре сцены ложа в бельэтаже, превращенная в театр в театр, где королевские зрители превращаются в актеров. Точно так же грандиозны лестницы в стиле рококо. декорации, на которых члены суда разыгрывали свою жизнь. Бальтазар Лестница Ноймана в замке Августусбург в Брюле наполнена очаровательно анимированные фигуры, которые, хотя и размещены под потолком лестницы и потолок, похоже, больше относится к реальной жизни на лестнице, чем к неодушевленная конструкция.Путем сопоставления колонн и кариатид архитектурные и фигурные опоры, Нойман задумал создать тесную связь между строением и придворными, чьи красочные костюмы добавили великолепия этой великолепной лестнице. Интерьер библиотеки при монастыре Кремсмюнстера представляет собой восхитительное сочетание функциональных деталей и дурацкие архитектурные орнаменты. Целеустремленное достоинство преобладает простые высокие книжные полки вдоль стен, но ближе к верху эти завершаются игривой ажурной резьбой, а богатая лепнина красочно обрамляет расписной потолок, который, кажется, разрывает комнату, как будто несвежий ученый воздух нужно было выпустить.Началось время издевательства над собой, жизнь состояла игр и танцев, невзгоды были предметом насмешек, развлечений стала целью жизни. Эта веселая мечта продолжалась до тех пор, пока французы Революция III 1789 года разрушила его в одночасье. Немецкое барокко Живопись В области барокко Живопись Германии сыграла очень второстепенную роль. Один из немногих художников получивший признание в международной художественной элите был Адам Эльшаймер (1578-1610).Хотя его добыча была небольшой, его нефть живопись оказалась очень влиятельной: такие художники, как Рембрандт, Рубенс и, в частности, Клод Лоррен были ему в значительной степени обязаны. К сожалению его творчество оставалось совершенно неизвестным в Германии, и у него не было там последователей; это было связано с тем, что в возрасте двадцати лет он уехал из Франкфурта, его родной город, чтобы путешествовать через Мюнхен и Венецию в Рим, где он умер в ранний возраст тридцати двух лет. Его ограниченная производительность и его предпочтение малый формат — еще одна причина отсутствия всеобщего признания. Бегство в Египет устанавливается в широкий, открытый пейзаж, мало чем отличающийся от средневековых немецких библейских представлений, но в картине Эльшаймера новое поэтическое настроение связывает пейзаж и фигуры. Ночь служит защитным плащом для беглецов, для которых руководство в темноте обеспечивается различными источниками света. Даже угрожающий темнота деревьев теряет свою опасность и вместо этого предлагает убежище, защиту и безопасность.Фон и передний план плавно сливаются и отсутствие любое подробное описание, а также связующее звено света дают высокая степень единства этой ночной сцены. Кроме Эльсхаймера, Германия не производила многие художники не только регионального значения в семнадцатом и восемнадцатого века, за исключением некоторых художников в католической юг. Такие художники, как Роттмайер, Трогер и Маульбертш, были важны. представители религиозного барокко и успешно конкурировали с итальянцы. Художники протестантского севера были под сильным влиянием соседних голландцев Искусство барокко, особенно мелкое голландское Реалистическая жанровая живопись и часто развитые черты среднего класса. В картине Иоганна Филиппа Хаккерта « Прибрежный пейзаж » объектов и фигур изображены с недраматической прозаичностью, которая эффективно контрастирует с мягко, изящно нарисованным фоном. Хакерт, как его современники черпали вдохновение из множества различных источников.Он много лет проработал при дворе короля Неаполя и в результате познакомился с итальянскими мастерами, но в его картинах тоже прослеживается должное к нидерландским картинам и пейзажам Клода Лоррен. Тем временем Антон Рафаэль Менгс, которого немецкий ученый Иоганн Иоахима Винкельмана называют « величайшим художником своего периода ». и, возможно, следующий период », был одинаково восприимчив к внешним влияниям. Менгс отвергал чувственные образы барокко и пытался подражать великих мастеров Возрождения, став тем самым предшественником неоклассическая живопись. немецких барочных скульптур, картин и декоративное искусство можно увидеть во многих из лучших художественные музеи мира, включая коллекции в Германии, такие как Gemaldegalerie Alte Meister Dresden, Музей Вальрафа-Рихарца в Кельне, Gemaldegalerie СМПК Берлин, Музей Пинакотеки в Мюнхене и Художественно-историческое Музей в Вене. ССЫЛКИ Мы с благодарностью отмечаем использование материалов всестороннего исследования. под названием Deutsche Kunst (German Art) — опубликовано Георгом Вестерманом Verlag, Brunswick, Германия, и переведено Pall Mall Press Ltd — a работу, которую мы настоятельно рекомендуем всем серьезным изучающим искусство барокко в Германия в период 1550-1750 гг.

.

Искусство испанского барокко

ЭВОЛЮЦИЯ ВИЗУАЛЬНОГО ИСКУССТВА Подробнее о движениях и стилях искусства см .: История искусства. Для хронологического справочника по ключевым событиям в развитии изобразительного искусства во всем мире см .: History of Art Timeline. САМЫЙ ВЕЛИКИЙ В МИРЕ ART Список 10 лучших художников / скульпторов: Best Artists of All Время. Для лучших масел / акварелей, см .: Величайшие картины всех времен.

Нравится фламандских и голландских художников Испанский Художники эпохи барокко — особенно Ribera — также испытали сильное влияние благодаря использованию света Караваджо, и использовал обильный тенебризм и светотени , хотя не ради театрального эстетизма, а для создания более острое чувство драмы. В их ряды вошли несколько мастеров. жанровой живописи, портрета, религиозных сцен, например Мурильо , и среди них были такие выдающиеся толкователи аскетизма и духовность испанской культуры как Zurbaran .И конечно там был несравненный Velazquez . По предмету, библейский искусство продолжало преобладать, но католическое покровительство Габсбургов также финансировал многочисленные королевские портреты, а также картины исторических события и жанровые сцены. Основные школы барокко живописи в Испании были картины Мадрида и Севильи, бывшей пользуется покровительством суда. Другие школы действовали в Валенсии и Толедо . Ранний испанский Барокко Ранний представитель нового испанского реализм был важным каталонским тенеброзо и караваггистом Франсиско Рибальта (1555-1628), действовавший в Мадриде и Валенсии. Принято к сведению за его смелую, свободную манеру письма, тенебризм и светотень он подчеркивал скульптурное моделирование его форм контрастированием света и тени. Сурбаран был среди художников, на которых он оказал влияние. Рибера Базируется в далеком Неаполе, Джузепе Рибера (1591-1652) был первым крупным испанским художником, усыновившим новый натуралистический стиль религиозного искусства отстаивает Караваджо. Он стал известен религиозным картины, характеризующиеся высокой реалистичностью моделирования, особенно телесные оттенки его святых, а также сильное предпочтение драматических темы, как показано в его Св. Андрея (1630-32, Прадо, Мадрид), и его мученичество св.Варфоломея (1630, Прадо). Его стиль прогрессировал от раннего акцента на каравагизме, через период экспериментов с серебристым светом, до зрелой стадии, отмеченной теплыми, золотистыми тонами. Одна из его самых красивых картин — Святой Семья со Святой Екатериной (1648, Метрополитен-музей, Нью-Йорк). Примечание: В начале 17 века, Испанский город Неаполь был вторым по величине мегаполисом после Париж, с населением около 450 000 человек, что намного больше, чем в Риме. Милан или Флоренция.Имея более 3000 церквей и монастырей, он был важным центром религиозного искусства. Неаполитанский Школа живописи была основана (и в значительной степени контролировалась) Риберой. и его приспешники. Для получения дополнительной информации см .: Живопись в Неаполе (1600-1700). О долге Риберы перед Караваджизмом см .: Караваджо. в Неаполе (1607, 1609-1610). Эль Греко В Севилье живопись стремительно развивалась из Классицизм Возрождения к натурализму барокко на примере в работах Франсиско Пачеко (1564-1644), Хуан де лас Роэлас (1560-1625) и Франсиско де Эррера Старший (1595-1656).В Толедо, на рубеже веков, преобладающее влияние было Эль Греко (1541-1614). Его ближайшим последователем был выдающийся художник. Луис Тристан (1585-1624), который подчеркивал тенебристские аспекты Работа Эль Греко. Среди других художников Толедана Педро Орренте (1570-1645), последователь Рибальты, Фрай Хуан Баутиста Майно (1578-1649), который стал мастером рисования Филиппа IV, и Фрай Хуан Санчес-Котан (1560-1627). Веласкес Вершина барочной живописи в Испании был достигнут в лице Диего Веласкес (1599-1660). Для Веласкеса манеры Караваджо была только отправной точкой. В его картинах свет манипулирует, чтобы реконструировать «оптический реализм» за счет эффектов разной тональности: другими словами, воспроизведение реальности, не верное волосы бороды или текстура ткани в манере, которую художников эпохи Возрождения, но то, что на самом деле видит глаз, впечатление, которое мы получаем, когда на что-то смотрим.В картинах Веласкеса свет используется так, как художники двумя веками ранее использовали перспективу, сделать пространство осязаемым. Области света и тени чередуются для создания иллюзия места, где фигуры не нарисованы, а на самом деле ‘являются’. Эти фигуры нарисованы широкими плавными мазками кисти. четко очертить их, не вдаваясь в реалистичные детали. это было тот же метод, который использовался в девятнадцатом веке Французские импрессионисты — сходство не случайно: Веласкес тоже казался безразличным к содержанию того, что он писал, к великие религиозные темы, например, которые имели такое значение для его современники.Вместо этого все его внимание было сосредоточено на живописи, на своем ремесле. Известен рисованием с натуры, даже его самые ранние произведения характеризуются плотной импастой, сдержанный цвет, обычно охры и коричневые, и их простой натуральный состав. Его первый великий шедевр выполнен в этом стиле г. Торговец водой Севильи (1618-22, Апсли-Хаус, Лондон), а другие включают жареных яиц для пожилых женщин (1618, Национальная галерея Шотландия, Эдинбург), Христос в доме Марии и Марфы (1620, Национальная галерея, Лондон) и Ужин в Эммаусе (1620, Метрополитен). Museum of Art, Нью-Йорк), все относятся к его раннему периоду, как и ряд портретов, в основном выполненных в ограниченной тенебристской манере, не уступая преувеличенное значение контрастов между темным и светлым. В 1623 году Веласкес стал официальным портретистом. Филиппу IV и высшему дворянству. Между 1623 и 1629 годами он завершил ряд работ с серым фоном, раскрывающих его освобождение от формула Тенебриста. Триумф Вакха (Лос-Боррахос, Topers) (1629, Прадо) датируется этим периодом. В 1632 году он произвел Христа. Распятый (Христос на кресте) (1632, Прадо) особенное произведение безмятежность и простота. По мере того, как его искусство улучшалось еще больше, он раскрыл повышенная точность контуров и еще более тонкое смешивание тонов и цвета. Один из его лучших Картины в стиле барокко в это время составляет г. Сдача Бреды (Лас-Лансас) (1634-35, Прадо) для зала королей во дворце Буэн-Ретиро, Мадрид. В течение следующих нескольких лет Веласкес сосредоточился в основном на портрете искусство — см. его Филипп IV на коне (1634-35, Прадо) и Принц Бальтасар Карлос на коне (1635-36, Прадо) — и тематические картины например Карлик Франсиско Лескано («Эль-Ниньо де Вальекас») (1643-45, Прадо).Он также выполнил несколько религиозных работ, в том числе великолепный Коронация Богородицы (1645, Прадо). В поездке в Италия, в 1649 году написал свой шедевр Портрет Иннокентия X (1650, Galleria Doria-Pamphilj, Рим), в то время как в его последний период (1651-1660), он нарисовал Венеру на ее зеркало (The Rokeby Venus) (1649-51, Национальная галерея, Лондон) и Las Менины или Семья Филиппа IV (1656-57, Прадо). Если вкратце сравним Velazquez ‘ Rokeby Венера с похожими картинами Высокого Возрождения, мы видим, насколько художественное восприятие действительности изменилось в течение столетия. В «Рокби Венере» Красавица небрежно отворачивается от наблюдателя, а Купидон держит поставил перед ней зеркало. Зеркало было уже знакомой уловкой, часто Используется в виллах и дворцах в стиле римского барокко, чтобы создать впечатление простора.Его неоднозначное освещение и преломление усиливают живописный эффект. устройства. Вместо мраморного спокойствия (скажем) классики Джорджоне Спящая Венера (ок. 1510), или Тициана Венера из Урбино (1538), Rokeby Venus представляет нам очаровательную, но полностью человечную и небожественное, изучение обнаженной натуры. В этом смысле Веласкес был ребенком его периода, барокко Неудивительно, что Веласкес оказался трудным действовать, чтобы следовать.Помимо таких последователей, как Хуан де Пареха (1610-70), Франсиско де Паласиос (1617-76) и Хуан Баутиста Мартинес дель Мазо (1615-67), художники мадридской школы выбрали легче Рубенса в стиле барокко. Сурбаран Франциско де Сурбаран (1598-1664), смесь эстремадурского аскетизма и андалузской элегантности, использующей натурализм и крайнюю светотень. что сделало его самым сдержанным и чистым из художников испанского Барокко.В свои 20-30 лет он написал серию композиций для несколько монашеских орденов, таких как мерседарианцы и иеронимиты, на примере Дом Назарета (1630, Художественный музей, Кливленд). В процессе он стал мастером рисования одиночных фигур, в том числе святые с поднятыми к небу глазами. Несомненно, его искусство принесло пользу в значительной степени из-за его личного благочестия и религиозной преданности, возможно, проиллюстрировано Святой Лука как художник перед Христом на кресте (1660, Прадо), для которого, возможно, он сам был образцом. Мурильо В Севильской школе, Бартоломе Эстебан Мурильо (1618-1682) олицетворяет вершину элегантности и деликатность и, надо сказать, величайшая капитуляция перед народными чувствами. Первоначально находился под сильным влиянием старых мастеров такие как Рибера и Сурбаран, он позже позаимствовал у Ван Дейка, Рубенса и Рафаэль. Он разработал свой собственный легкий и пленочный стиль — estiloaporiso . — с мягкими контурами, нежными тонами и оттенком золотистого с серебристым вуаль света: стиль, вдохновивший множество подражателей и последователей.Помимо религиозных произведений, он специализировался на жанровой живописи. уличных мальчишек и нищих, на примере The Young Beggar (1645, Лувр, Париж) и Мальчики, едящие виноград и дыню (1645-46, Старая пинакотека, Мюнхен). Еще одна важная ранняя работа — Ангелов. Кухня (1646, Лувр, Париж). С 1660 года, когда он стал соучредителем Севильи Академии изящных искусств, он вел активную педагогическую деятельность. Пример его позднего работа Непорочное зачатие (1678, Прадо). Хуан де Вальдес Leal После смерти Мурильо передовой Художником в Севилье был Хуан де Вальдес Леаль (1622–1690). Хотя, как и Мурильо, он был в основном религиозным художником, Вальдес Леаль был более драматический, более театральный, более мрачный и более возбудимый: его работы показать яркое чувство движения и яркую окраску. Во многом он был предшественником романтизма. Его самые известные произведения — две аллегории смерти в больнице де ла Каридад в Севилье — Мерцание Ока (1671) и Конец мирской славы (1672).Другой основные работы включают Успение Богородицы (1659, Национальная галерея искусств, Вашингтон) и Христос, несущий крест (1660, латиноамериканский Общество, Нью-Йорк). В свои последние годы Вальдес Леаль завершил множество циклы картин для церквей, монастырей и благотворительных организаций — в том числе серию сцен из жизни св. Игнатия (1674-1676), для иезуитов. В 17 веке испанское барокко в Мадриде управлял Веласкес и разносторонний скульптор, художник и архитектор Алонсо Кано (1601-67) — по прозвищу «Испанский Микеланджело».(Смотрите также скульптор Хуан Martines Montanes (1568-1649)) Другие интересные образцы идиома барокко в Мадриде: монументалист Фрай Хуан Риччи (1600-1681), сын художника из Болоньи школа, приехавшая в Испанию для работы над украшением Эскориала, и Антонио Переда (1608–1678), создатель нескольких элегантных религиозных картины и аллегорические композиции. Более качественная работа портретиста Хуан Каррено де Миранда (1614-1685), чиновник художник Карла II, сменившего Филиппа IV.Его ученик Матео Сересо (1626-1666), был особенно талантливым колористом, как и Хосе Антолинес (1635-1675). Работы испанского барокко можно увидеть в некоторых из лучших художественных музеев Мир. Для получения подробной информации о европейских коллекциях, содержащих значительные фонды испанской живописи 17 века см .: Искусство Музеи Европы. Для коллекций современного и современного испанского искусство, см. Reina Sofia Madrid.

.