Что нужно художнику: Минимальный набор художника — { Творческая мастерская Лё } — ЖЖ

Минимальный набор художника — { Творческая мастерская Лё } — ЖЖ

Есть у меня один товарищ — скептик, который довольно часто (и без приглашения) наведывается в гости. Его интересует многое, но советы и рекомендации — особенно. 🙂 Он настойчивый парень, что ни предложи — все предлагает проверить. «Почему бы и нет?» — соглашаюсь я, весьма заманчивое условие. Тем более таким образом я могу подтвердить или опровергнуть каждый совет или рекомендацию. 😉


Наиболее настороженно скептик относится ко всякого рода творческим подсказкам. Еще задолго до начала рисования, я стала интересоваться материалами. Мне абсолютно не верилось, что можно начать с набора цветных карандашей в 6 цветов или красок в 3 (желтый, красный, синий). Зачем смешивать цвета, если можно сразу купить огромную палитру?! 🙂 Как я могу начать зарисовку/набросок/работу не имея под рукой того, этого и еще вооооон этого? 🙂

И только перепробовав множество материалов, потратив немало (!) денег, я пришла к выводу, что таки да, можно и даже нужно! Сейчас я уже составила свой минимальный набор художника (к ним я отношу всех людей, связанных с рисованием).

Кстати, да, мои советы практически не отличаются от тех, которые читала когда-то я сама. Я хочу поделиться своим списком и подтвердить личным примером (и опытом), что нужно следовать (или хотя бы прислушиваться) советам, пусть иногда и некоторым, но нужно. 😉

Материалы написаны в той последовательности, в которой приобретала бы их я. Но от смены слагаемых сумма ведь не меняется?! 🙂

Итак,

0. Бумага
Это не должна быть самая лучшая и самая дорогая, хотя вполне можно купить один-два листочка такой (или блокнот/склейку), если финансы позволяют. Практически всегда можно сразу понять, подходит бумага или нет. Конечно, она должна соответствовать материалу, тоесть акварели — акварельная, пастели — пастельная, маслу — холст. 😉 И чем больше разной вы попробуете, тем четче и яснее будет представление о том, почему она такая разная бывает и какая для каких целей лучше подойдет.

1. Графитный карандаш
Я очень долго мучилась вопросом, какой же твердости/мягкости мне нужны карандаши. Покупала и упаковку на 12 шт. (ниже на фото), и поштучно. В итоге, практически всегда пользуюсь одним-двумя. Лучше всего, попробовать карандаши на твердость/мягкость в магазине перед покупкой. Если и так сложно определиться, можно приобрести упаковку, однако практичнее будет купить два-три и попробовать дома ними порисовать. Вы быстро поймете нужны ли вам другие или вы используете только один. Себе я купила также механический карандаш HB, так как иногда нужна тонкая линия. Также его не нужно затачивать, что очень удобно в дороге.

2. Клячка* (резинка)
Я не могу без резинки. 🙂 У меня их лежит с запасом на пару десятков лет, хотя пользуюсь я двумя. Одна из них — наконечник для карандаша Faber-Castell (ниже на фото), вторая — клячка. Могу со 100%-ной уверенностью сказать, что одной клячки хватит для удовлетворения всех стирательных нужд. 😉 А самое главное ее преимущество — отсутствие любых «скатышей» (так их называют?) и остатков после стирания. Но я часто рисую карандашом с резинкой-наконечником и по привычке быстренько подправляю линии последним.

* специально очищенная резинка, которую можно легко мять (как пластилин) и придавать ей любую форму. Стандартный цвет — серый, хотя некоторые производители красят их в другие цвета, что никак не отражается на качестве.

3. Точилка
Не то, чтобы незаменимый предмет, но все же хорошо иметь под рукой. Не обязательно покупать большую или дорогую, во многих случаях хватает и самой маленькой. Сначала я сама пользовалась обычной школьной, но потом купила немного побольше (слева), а увидев серенькую (справа) не удержалась и прикупила еще и ее. 🙂 В принципе, ней теперь только и пользуюсь. Так что вполне имеет смысл купить одну, но хорошую, тем более эта еще и надежна в поездках — мусор спрятан и не рассыпается.

Следующие пункты зависят от ваших предпочтений, хотя могу предположить что все же большинство из них захочется попробовать, чтобы определится со своим материалом или даже материалами. 😉 Если честно, мой скептик именно по этим пунктам прошелся с наибольшим недоверием и придирством.

Могу точно заверить, что для того, чтобы понять твой это материал или нет, достаточно всего 2-3 цветов. Поняв и приняв это, вы сможете прилично сэкономить деньги и место на полках. 😉 Если бы я свое время прислушалась к этим рекомендациям, то сейчас бы у меня не лежали некоторые материалы без дела. 🙂 Но пойдем по порядку.

На выбор (№4-8):

4. Цветные карандаши
Собственно их я купила сразу две упаковки на 24 цвета каждую. 🙂 А чего мелочиться, подумала тогда я. 🙂 И именно они лежат дальше всего в ящике. Не могу я ними совсем рисовать, вот беру в руки и совсем ничего не получается… Было бы намного разумнее купить 2-3-5 штук и попробовать. Когда не знаешь с какой стороны к ним подступиться, наличие огромной палитры только усугубляет дело. 😉

5. Маркеры
Та же ситуация, что и с карандашами. Я пока не покупала себе вообще никаких маркеров, но планирую в скором времени. А так как профессиональные маркеры стоят целое состояние :), то подходить к их выбору стоит очень ответственно.

6. Гуашь
Это те краски, с которых начинала учиться рисовать я, и мой первый набор был самый дешевый из школьных. 🙂 Зато я сразу поняла — не мое и даже обрадовалась, что могу их без сожаления выбросить. С дорогими было бы явно жалко расставаться, что также является огромным плюсом в пользу дешевых. Мне очень нравится бархатистость гуаши и со временем я купила себе маленький набор профессиональной. До гуашевых работ пока дело не дошло, но с акварелью иногда использую. 😉

7. Акрил (масло)
Я не поклонник масла, поэтому напишу только об акриле. С акрилом, конечно, немного сложнее, чем с гуашью. Он стоит в разы дороже и продается, в основном, поштучно. С одной стороны это хорошо, ведь можно купить только необходимые цвета, с другой же, это очень усложняет покупку. Я бы посоветовала купить базовые цвета (желтый, красный, синий), а также белый и еще парочку по желанию (например, фиолетовый и коричневый). Мне акрил ужасно нравится, поэтому у меня была единственная проблема — краску какой фирмы выбрать.

🙂

8. Акварель
Это была любовь с первого раза! 🙂 Честно говоря, акварель я купила ради интереса. Как-то после школьной «акварели» воспоминания остались самые преужасные, поэтому и от профессиональной я ничего не ожидала. Однако попробовав всего один раз, я полюбила ее всей душой. Изначально я купила самую дешевую из профессиональных — нижняя на фото. Для экспериментов и изучения разных техник — отличный выбор! Потом я купила краски посерьезнее 🙂 и подороже (в 4 раза!), но они того стоят. Когда я стала рисовать на улице с натуры, встал вопрос о меньшем наборе, так как два имеющих ни в одну нормальную сумку не влазят, да и плечо достаточно хорошо оттягивают. 🙂 Так появился еще один набор. 🙂 А на самом деле я использую не больше 5-7 цветов и сейчас практически ни одного чистого. Иными словами, палитра в 5-7 цветов более чем достаточна, но чтобы удовлетворить свои желания можно подобрать цветов так 12. 🙂 В принципе, можно купить уже готовую, а по мере заканчивания докупать нужные цвета.

Если выбраны краски (№9-12):

9. Кисточки
С ними было очень сложно, ведь совсем не известно какие хочется купить, а какие в итоге понадобятся. У меня кисточек как у дурачка фантиков очень много, а пользуюсь я каждый день максимум тремя. Из 25-30 (а может и больше) штук, я использую всего 3! Самое печальное в этой ситуации, кисточки стоят прилично. Поэтому я посоветовала бы для любой из красок купить одну большую (для заливок или больших поверхностей), среднюю и маленькую. Наверное, не облегчила я выбор, но так оно и есть. 🙂 Большие я использую настолько редко, что одной и вправду хватит. Средняя — сама популярная. Их у меня несколько, есть даже одинаковые, что также удобно, но по большому счету — достаточно 1-2 шт., можно, например, немного большего и меньшего размера. Маленькой также достаточно одной, так как она нужна в основном только для мелких деталей и контуров. Опять же, если вы рисуете в основном огромные работы — вам нужны и кисточки соответственные, для детальных прорисовок — несколько размеров маленьких/тоненьких.

Copyright: Asha by flickr
10. Палитра
Да, их у меня тоже штук 6-7 много, но они настолько бесполезные, что прямо жаль выкинутые деньги. Действительно жаль. 🙁 Покупала я их не просто для коллекции, а разыскивая свою, единственную. И нашла в начале месяца — фарфоровую! Чем меня не устраивали все предыдущие (пластмассовые, деревянные, железные)? Отмыть краску на 100 процентов не возможно! А я терпеть не могу грязную палитру. 🙂 Естественно, деревянную я купила всего одну и для акрила (но она сразу же не прижилась), железную — в надежде, что все же краска будет отмываться полностью. Отмывается, но не акварель. Она все же понемногу въедается и въедается. А вот с фарфоровой — то, что доктор прописал! 🙂 При чем неважно, смываю я краску сразу или через день — отмывается абсолютно полностью. Такая палитра, конечно, стоит как золотая, но если посчитать сколько я уже потратила на все остальные вместе взятые, то лучше б две фарфоровые купила. 🙂 Одно НО, смешанную краску нужно постоянно перемешивать, ибо пигменты разделяются и оседают, и тогда вместо зеленого (при смешивании желтого и синего) получаются желтый и синий. Не знав об этом, я чуть было не испортила работу.

11. Стаканчик (баночка)
Естественно, без этого атрибута не обойтись, если вы рисуете красками. Но найти баночку, стакан, чашечку можно на любой кухне, так что с этим пунктом все достаточно легко. Единственное, что могу посоветовать, так это приобрести вот такой складной стаканчик, ибо в дороге он практически не занимает места и очень практичен.

12. Бумажные полотенца (тряпочка)
Это один их самых важных составляющих прекрасной работы. При работе с красками бумажные полотенца (салфетки) или тряпочка просто необходимы. Промыв кисточку от краски ее практически всегда нужно просушить и именно бумажное полотенце будет как нельзя кстати. Тряпочка тоже хороший вариант, но мне не удобно постоянно ее сушить после рисования, особенно в дороге. Поэтому я перешла на бумажные полотенца или, в крайнем случае, салфетки. Забыв взять их с собой, например, я не могу толком работать, так как кисточку не возможно просушить об пальцы или помахав в воздухе, слишком уж опасно заляпать прохожих себя и работу. 🙂

13. Прочие материалы
Сюда можно отнести все, что не вошло в предыдущие пункты — линеры, акварельные карандаши, тушь, водные кисточки, мочалки, зубные щетки… И здесь тоже важно придерживать аппетит (да-да, я знаю как это сложно сделать в художественном магазине) и покупать новые материалы поштучно. И только убедившись, что они ваши, стоит расширять палитру или разнообразие материалов.

Вроде бы ничего не забыла.. 🙂 Если у вас есть, что добавить, буду очень рада!

А еще поделитесь, какой у вас минимальный набор для рисования? Есть ли своя минимальная палитра? Какие цвета считаете must have, а без каких смогли бы легко обойтись?

Инвентарь начинающего художника

Бывает так, что в душе просыпается муза и хочется творить, а именно рисовать, да еще и попробовать сделать это в необычной для себя технике. Считаю, что многие любят выплескивать свои эмоции на холст, но не все делают это определенно масляными красками. А зря. Масляные краски имеют ряд своих преимуществ, и любой новичок, подключив свою фантазию, сможет нарисовать замечательную картину.

Предлагаю сегодня рассмотреть, какой инвентарь нужен для рисования маслом. Набор, в принципе, стандартный, как и для многих техник. Но везде есть свои нюансы.

1. Краски

Масляные краски бывают стандартными, работают с ними разбавителем, а бывают водорастворимыми. Они отличаются лишь тем, что во вторые добавлена специальная жидкость, которая позволяет взаимодействовать воде и маслу. Для многих художников такой тип масляных красок – дикость. Но на самом деле это очень хорошая альтернатива для тех, кто не хочет иметь дела с разбавителями.

Важно знать  из чего же делают масляные краски. Обычно это пигмент, масло и скипидар. Пигменты бывают натуральными и синтетическими, конечно же, в зависимости от вида варьируется как цена, так и насыщенность цвета. Масло также имеет свои разновидности – ореховое, льняное, конопляное, софлоровое и маковое.

Новичкам лучше всего выбрать синтетические, чтобы опробовать себя в этой технике и понять, пойдет ли дело дальше.

2.

Кисти

Этот пункт является одним из самых важных. Это идеальное орудие для идеального выражения задумки автора и текстуры картины. Именно от кисти зависит, будет ли ложиться краска так, как нужно, сможете ли вы выделить мелкие детали и сделать картину более глубокой, живой.

Из какого материала бывают кисти:

– из синтетического волокна;

– из натурального волокна (грубой свиной щетины, а также из пушных животных, таких как соболь).

Натуральные кисти относительно дорогие. Но их качество говорит само за себя – кисточка сохраняет форму с набранной краской и принимает точно такую же после мазков.

Какой формы бывают кисте:

– плоские кисти – длина больше ширины, имеют прямоугольную форму. Если смотреть сбоку – выглядят плоскими. Являются самыми практичными: можно сделать широкий, треугольный при скручивании мазок и узкую линию. Также это основная кисть для смешивания красок.

– полукруглые плоские – кисточки, которые первоначально были сделаны круглыми, а потом стали расплющенными. Позволяют контролировать точность контура, если его форма необычная и неправильная.

– ретушные – плоская кисть с подрезанным под углом кончиком. Обычно делаются из синтетического волокна. Используются для цветных планов, эскизов, так как делают четкие острые углы. Отлично справляются с цветовыми переходами, делая их менее грубыми.

– веерные – также плоские, имеют не очень густой пучок похожий на веер. Необходимы для создания тонких цветовых растяжек, можно использовать для снижения контраста между контурами и фактурой.

– «кошачий язык» – плоская кисть купольной или овальной формы. Можно писать как обычной плоской кистью, а в перпендикулярном положении к поверхности – как круглой. Лидер среди кистей в переходах от одного цвета к другому.

– трафаретные – кончик носа такой кисти тупой и плоский, а мазки нужно наносить на холст вертикальными ударами.

– линейные – вариация круглых кистей с тонким и длинным волосом. Идеально подходят для тонких линий, длинных мазков и для нанесения надписей.

3. Палитра

Палитра – важная вещь для художника, в ней смешивают краски и получают новые нужные цвета. Её можно держать в руке или положить рядом на стол, как удобно. В продаже есть в трех вариациях – стекло, плексиглас (оргстекло) или дерево.

Нужно помнить о том, что уход за палитрой зависит именно от материала, из которого она сделана. Деревянную палитру перед использованием обязательно нужно протереть льняным маслом и вытереть насухо. Сразу после использования промыть, натереть маслом и опять же вытереть.

Стекло более легко в использовании – не обязательно удалять остатки красок сразу же после рисования, так как с него они счищаются даже в засохшем виде.

Палитру из плексигласа также желательно сразу очистить, несоблюдение этого правила приведет к тому, что вы можете поцарапать материал, пытаясь отделить от него засохшую краску.

4. Разбавитель

Эта жидкость нужна для того, чтобы сделать краски менее густыми для комфортного процесса.

Используют обычно один из трех – льняное масло, петролеум или же тройник. Петролеум станет незаменим для аллергиков, а также тех, кто попросту не переносит резких запахов, так как эта жидкость его не имеет.

5. Холст

Собственно материал, на котором художник пишет картину. В наше время имеется огромное разнообразие холстов, которые могут озадачить и смутить любого новичка. Но не стоит пугаться. На самом деле все просто – обычно они изготавливаются из льна либо хлопка. Именно свойство материала придает им зернистость, бывают мелкозернистые, среднезернистые, крупнозернистые.

Если нужно четко прорисовывать каждую деталь – лучше приобрести мелкозернистый холст, этот вид также позволяет делать плавные переходы от одного цвета к другому. Если же вы решили рисовать большими мазками и просто прорисовывать контуры объектов – подойдут крупнозернистые и среднезернистые холсты.

Также холсты продаются на картоне или сразу в подрамнике, что очень упрощает процесс превращения обычной картины в картину, крепящуюся к стене.

6. Средство для снятия краски с кисточек

Нужно помнить о том, что после процесса рисования необходимо тщательно очищать не только палитру, но и кисти. Своевременная забота об этом важном орудии обеспечит вам комфорт при следующем занятии живописью.

Для этого можно купить растворитель уайт-спирит для масляных красок, либо делать это тем растворителем, которым вы разбавляли краски. Кроме того, на этикетке тюбика краски может быть указано, чем именно её нужно растворять.

7. Посудина для мытья кистей

Можно либо купить в лавке художника специальное маленькое ведерко для этого дела, либо взять то, что есть под рукой: маленькую баночку, либо старую ненужную чашку.

8. Прекрасное настроение

Картины, которые рисует художник – всегда идут из души. Этот процесс таинственный и прекрасный. Заниматься живописью означает принадлежать самому себе и всему миру одновременно. Поэтому обязательно подходите к этому замечательному занятию с хорошим настроением, расслабленными, одухотворенными. И тогда вы получите результат, который покорит любое воображение.

Творите и будьте счастливы!

Превью: Depositphotos

Читайте также

Основы рисунка: Рисуем с натуры женское тело

Как начать рисовать чернилами

Осваиваем новые инструменты: как перейти от карандаша к гуаши

Сколько стоят материалы для художника на первом курсе

Даже если учиться на художника на бюджете, траты на материалы никто не отменял.

Юлия Иванова

учится на художника

Профиль автора

Я с детства любила рисовать. В старших классах училась в художественной школе, но потом поступила на ветеринара. А через четыре года поняла, что живопись мне все-таки ближе, и решила поступать в Свердловское художественное училище в Екатеринбурге.

С первой попытки я на бюджет не прошла. В 2018 году платила за учебу 10 000 Р в месяц. К тому же нужны были деньги на бумагу, карандаши, краски и холсты. В общем, через пять месяцев я бросила учебу, нашла работу помощником повара и стала готовиться к бесплатному поступлению.

Моя мечта исполнилась: сейчас я учусь на бюджете. В 2020 году окончила первый курс отделения «Станковая живопись». Это живопись на станках — так раньше назывались мольберты.

Теперь я экономлю на платном обучении, но приходится покупать материалы. Если вы или ваш ребенок мечтаете стать художником, эта статья для вас. Я расскажу, что нужно художнику-первокурснику и сколько все это стоит. А еще посоветую, как и на чем сэкономить.

Мой последний просмотр на платном отделении

Какие предметы я изучаю

В художественное училище поступают после девятого или одиннадцатого класса. Специальные дисциплины там преподают для всех, они напрямую относятся к профессии художника. Но у тех, кто поступил после девятого класса, есть еще общеобразовательные предметы: русский язык, литература, математика и другие.

Я окончила 11 классов и посещаю только физкультуру и специальные дисциплины. На моем отделении это рисунок, живопись, композиция, цветоведение, технология живописи, скульптура и черчение.

На рисунке мы работаем графическими материалами: карандашами и углем. На живописи — пишем акварельными и масляными красками. А на композиции — темперными. Эти предметы взаимосвязаны. Чтобы написать натюрморт на живописи, нужно построить предметы карандашом, как на парах рисунка. И гармонично разместить их на холсте, как на парах композиции.

На цветоведении мы учимся работать с цветом, а на технологии живописи — писать масляными красками и готовить холсты. Со скульптурой и черчением все ясно из названия.

Как грамотно потратить и сэкономить

Рассказываем в нашей рассылке дважды в неделю. Подпишитесь, чтобы совладать с бюджетом

Какие материалы нужны на первом курсе

Я покупаю материалы только для трех предметов: рисунка, живописи и композиции. И кое-что для домашних работ. Для цветоведения и технологии живописи нужно только немного темперных и масляных красок, бумаги и картона. Отдельно я их не покупаю. Для черчения подходит бумага, которой пользуемся на рисунке. А пластилин и инструменты для скульптуры нам дают в мастерской.

Я перечислю то, что мне понадобилось на первом курсе. Для тех, кто не ходил в художественную школу, некоторые названия будут незнакомыми. Но дальше я подробно обо всем расскажу.

Для занятий по рисунку:

1. Деревянный планшет 60 × 80 см.
2. Бумага для графики форматов А2 и А4.
3. Графитные карандаши и пенал.
4. Непрессованный рисовальный уголь.
5. Резак.
6. Растушевки.
7. Держатель для карандаша.
8. Ластик.
9. Клячка.
10. Формопласт.

Для живописи:

1. Деревянный планшет 60 × 80 см.
2. Деревянная палитра.
3. Этюдник.
4. Бумага для акварели.
5. Холсты на подрамнике.
6. Холсты на картоне и грунтованный картон.
7. Акварельные краски в кюветах и коробка для них.
8. Масляные краски и двойная масленка с пластиковыми крышками.
9. Разбавитель для масляных красок.
10. Кисти из щетины, синтетики, «белки» и пенал для кистей.
11. Малярный скотч.
12. Мастихин.

Для занятий по композиции:

1. Два деревянных планшета 40 × 50 см.
2. Бумага для графики форматов А1 и А4 и папка для бумаги А2.
3. Темперные краски.
4. Кисти из синтетики.

Домашние работы по композиции — это маленькие эскизы на заданную тему. А по рисунку и живописи — натюрморты. Для натюрмортов нужны посуда, овощи, фрукты и драпировки. Из посуды я использую чугунки, корзины, пиалы, кружки, бутылки, вазы и чайники. Овощи и фрукты беру любые, лишь бы смотрелись гармонично.

Драпировки создают фон, для них подходит любая ткань. У меня в запасе теплые и холодные, темные и светлые ткани — чтобы создавать гармоничную цветовую гамму.

Натюрморт в училище. Я смотрела на такие, чтобы научиться ставить свои

Где я покупаю материалы

Товары для художников продаются в магазинах для творчества и в книжных. «Салон „Художник“», «А-салон», «Маэстрия», «Рукоделкино», «Дом книги» работают только в Екатеринбурге. «Лавка художника» есть еще в Новосибирске, Омске, Красноярске и Барнауле. А «Леонардо» и «Читай-город» — по всей России.

Я хожу в «Салон „Художник“» и «Лавку художника»: там самые низкие цены и они дают скидку 5% студентам-художникам. Если в этих магазинах чего-то нет, иду в «Леонардо» или «Читай-город». Там не обязательно дороже.

В перечисленных магазинах нет только ткани двунитки и мебельного степлера — они нужны, чтобы подготовить холст. Двунитка продается в магазине тканей, а степлер есть в строительных магазинах.

Двунитка прочная, как лен, и недорогая, как хлопок Мебельным степлером я закрепляю двунитку на подрамнике, чтобы сделать холст

Также из мелочевки в Екатеринбурге невозможно найти формопласт — специальный ластик для работы с графическими материалами. Его я заказываю в интернет-магазине «Передвижник». А еще мне пришлось купить этюдник в магазине «Подольские товары для художников». Это такой переносной ящик для занятий живописью.

На предметы для натюрмортов я не трачусь: прошу у бабушки самовары, крынки и корзинки из кладовки. Когда нет ничего интересного, собираю постановки из подручных материалов: ищу прекрасное в обыденном. А драпировки можно покупать в магазинах тканей, но я просто подбираю дома полотенца и простыни нужного цвета.

Формопласт — специальный ластик, который равномерно убирает тон карандаша и не нарушает структуру бумаги. Источник: «Передвижник» Мой натюрморт из подручных материалов А этот я собрала из бабушкиных вещей

Сколько стоили мои материалы

Поначалу я покупала самые дешевые материалы, но они часто оказывались некачественными. Я поняла, что на первом курсе стоит брать самое лучшее: неопытному художнику тяжело работать с плохими материалами. Например, с плохой бумаги акварель стекает и не задерживается на ней с первого раза. Приходится по сто раз мазать по одному и тому же месту и вытирать капли. В итоге на бумаге появляются катышки, а несколько слоев краски превращаются в грязь.

У непрофессиональной акварели еще неестественные цвета. Это потому, что вместо натуральных пигментов в ней синтетические. Такие краски не подходят для профессиональных художников.

А если писать дешевой кистью, она будет терять волоски. И есть еще нюанс: когда беличью кисть обмакиваешь в воду, кончик должен заостриться. Если кисть осталась круглой — она плохая. Ею не получится писать детали.

Еще студенты-художники часто экономят на разбавителе для масляных красок. Используют самый дешевый вариант — обесцвеченное подсолнечное масло. Но с ним масляные краски долго сохнут, и работа может смазаться от случайного прикосновения. К тому же нельзя будет наложить второй слой: он смешается с первым. Чтобы краска сохла быстрее, нужно добавлять к маслу испаряющийся разбавитель.

В общем, я поняла, что лучше сразу покупать хорошие материалы. Расскажу, какие фирмы что производят и сколько это стоит.

Так акварель ложится на разную бумагу. Слева, на плохой бумаге, краска стекла вниз После окунания в воду кончики хороших кистей заострились

Материалы для рисования

Карандаши, уголь и принадлежности

Карандаши. Самые качественные карандаши из черного графита — фирмы Koh-i-Noor: у них не ломаются стержни. Лучше сразу купить набор из 10—12 штук разного индекса мягкости. Индекс В на карандаше означает, что он мягкий, а Н — что твердый. 5В — очень мягкий карандаш: линия яркая при малейшем нажатии. А 5Н — очень твердый, он оставляет едва заметную линию.

Художник использует карандаши разной мягкости, чтобы придать рисунку нужный тон. Темные предметы штрихует мягкими карандашами, светлые — твердыми. Если темный предмет штриховать твердым карандашом, придется сильно на него давить или делать много слоев штриховки. Это отнимает много сил и времени, а многослойная штриховка портит рисунок.

Для занятий по рисунку я купила набор из 12 карандашей 5Н—5В за 425 Р в «Лавке художника». А в течение года докупала те, что чаще расходуются: пять карандашей 2В, пять — НВ и четыре — В. Каждый стоил 28,5 Р. Вместе с карандашами из набора за год я потратила 26 карандашей на сумму 824 Р.

824 Р

я потратила на карандаши за год

По моему опыту, не стоит покупать карандаши брендов «Конструктор», Attomex, Brauberg, Erich Krause, Bic Evolution. У них ломаются стержни и непонятная мягкость: индекс часто не соответствует привычному индексу хороших карандашей.

Как рисуют карандаши разного индекса мягкости. Слева — очень твердый карандаш 2Н, дальше — Н, НВ и В, а последний — 2В, самый мягкий Мои карандаши: из 12 сейчас у меня только 6 — надо докупить

Принадлежности для карандашей. Для карандашей нужны канцелярский нож, держатель и пенал. Нож еще называют резаком, им затачивают карандаши. У него очень острое лезвие, чтобы стержень карандаша получался тонкий. Тогда им можно сделать красивую аккуратную штриховку. Если стержень будет толстым, вместо штриха получится сплошное раскрашивание. Мой нож в «Салоне „Художник“» стоил 184 Р.

Держатель используют, когда карандаш стал коротким. Таким карандашом трудно нормально штриховать, но выбрасывать его жалко. Поэтому его вставляют в держатель. Я покупала китайский держатель с деревянной ручкой в «Салоне „Художник“» за 52 Р.

Пенал нужен, чтобы не растерять и не повредить карандаши. Я покупала свой в «Лавке художника» за 290 Р.

Канцелярским ножом я очень тонко затачиваю карандаши Держатель помогает использовать карандаш до конца А пенал защищает карандаши от повреждений

Рисовальный уголь — это обожженные деревянные палочки. Он бывает прессованным и непрессованным. Прессованный уголь твердый, почти не крошится и оставляет менее яркий след на бумаге. Мы рисуем непрессованным: он мягкий, легко крошится и даже при легком нажатии оставляет яркий след. А еще он легко растушевывается мягкой тряпочкой или растушевкой.

Я покупала уголь в «Лавке художника». Бренд для угля не важен — можно брать любой. Набор из 10 палочек диаметром 3—6 мм стоил 73 Р. Его хватило на год.

73 Р

я заплатила за набор из 10 палочек угля

Угольные работы я фиксирую лаком для волос, чтобы рисунок не стирался от прикосновений. Одного флакона за 150 Р мне тоже хватило на весь год.

Растушевки — это палочки с заостренными кончиками из множества слоев свернутой бумаги. Они нужны, чтобы растушевывать карандашную и угольную штриховку, например, когда делаешь тень. А в случае с углем растушевывать можно все предметы на рисунке. Я покупала одну растушевку № 5 за 25 Р и две № 8 за 40 Р. Всего за год потратила на них 105 Р в «Салоне „Художник“».

Палочки угля часто продаются уже сломанными, но это не сказывается на качестве работы Работы углем я фиксирую обычным лаком для волос Чем больше номер на растушевке, тем она толще

Материалы для рисования

Ластики

Для работы карандашом и углем нужны еще ластики. Они бывают обычные, ластики-клячки и формопласты. На все я потратила за год 367 Р.

Обычным ластиком не только стирают линии, но и рисуют. Если его разрезать по диагонали на две части, можно убирать лишнюю карандашную штриховку и имитировать бесцветный штрих.

Ластик должен быть мягким: жесткий, «резиновый», оставляет следы на бумаге. При покупке мягкость не определить — нужно заранее знать хороший бренд. Преподаватель советовал нам только ластик «Кох-и-нур»: он точно мягкий и не портит бумагу. За год я потратила 3 ластика за 82,5 Р — покупала их в «Салоне „Художник“».

«Рисунок» ластиком, где имитирую бесцветный штрих

Клячка нужна, чтобы ослаблять тон штриховки в каком-то месте, но оставлять сам штрих. Клячкой не трут по бумаге, а прокатывают ею по поверхности рисунка.

Обычная клячка сделана из мнущейся очищающей резины — она быстро меняет форму и недолговечна. Но за год я потратила всего одну клячку за 29,5 Р, покупала ее в «Передвижнике».

Формопласт, или формопластовая клячка, лучше держит форму и дольше служит. Мы заказывали формопласты в «Передвижнике» всей группой: доставка там была от 1000 Р. На бренд не смотрели: по качеству они одинаковые. Одного формопласта за 90 Р мне хватило на весь год.

Клячка собирает частички графического материала, но не повреждает бумагу и не размазывает рисунок. Источник: «Лавка художника» Слева — ластик, разрезанный на две части. Справа — формопласт

Материалы для рисования

Краски и принадлежности

На занятиях по живописи мы рисуем акварельными и масляными красками, а на композиции — темперными. Для масляных еще используем разбавитель, масленку и мастихин.

Акварельные краски продаются в тюбиках и кюветах — маленьких пластиковых емкостях. Кюветы удобнее: краска в них высушенная и при разбавлении водой ровно ложится на бумагу. А еще кюветы хорошо складывать в пластиковый пенал.

Лучше брать светостойкие и высокопигментированные краски. Светостойкость указывает, как долго краска не будет выцветать на свету. На упаковке она обозначается звездочками:

* — малая светостойкость, 10—25 лет,

** — средняя светостойкость, 25—100 лет,

*** — высокая светостойкость, от 100 лет.

Лучше брать краски с тремя звездочками.

Высокопигментированные краски — те, в которых высокая концентрация цветовых пигментов. Если сильно разбавить такие краски водой, они не потеряют насыщенность. Но количество пигмента не пишут на упаковках красок, о ней нужно читать на сайтах производителей.

Я покупаю акварель «Белые ночи» и «Ленинград». У них максимальная светостойкость и высокая концентрация пигмента. Никогда не покупаю краски «Сонет»: вместо натуральных пигментов в них синтетические аналоги, из-за этого цвета получаются неестественными.

Я покупаю краски в кюветах по 2,5 мл. Мой набор из 24 цветов стоил в «Лавке художника» 1302 Р. Когда какие-то цвета заканчивались, я докупала отдельные кюветы в «Салоне „Художник“». Быстрее всего уходили желтые, коричневые и синие. Но производители называют их не так, а по типу пигмента — он определяет оттенок каждой краски. Например, «охра желтая» — это коричнево-желтый пигмент, «марс коричневый» — темно-коричневый, а «ультрамарин» — синий. Чаще всего я докупала «желтый» и «лимонный кадмий», «желтую охру», коричневую «умбру» и «марс коричневый», синий «ультрамарин» и «кобальт синий». За год купила десять дополнительных кювет по 73 Р и две — по 71,5 Р. Потратила на них 873 Р. А всего на акварель за год ушло 2175 Р: это один набор из 24 цветов плюс 10 кювет.

Для акварельных кювет у меня есть пенал. Купила его в «Салоне „Художник“» за 350 Р.

Акварель продается в кюветах и в тюбиках, но на занятиях мы используем кюветы. Источник: «Лавка художника» Кюветы я храню в пластиковом пенале. Четыре кюветы сверху еще не распаковала

Темперные краски еще называют темперой. По консистенции она напоминает гуашь, но после высыхания почти не меняет цвет. А в отличие от масла и акварели, темпера очень быстро сохнет: второй слой краски никогда не смешивается с первым. И темперой удобно перекрывать цвет: не нужно соскабливать краску с холста, если что-то не получилось, как в масляной живописи. Все это позволяет быстро работать над картиной.

Темпера продается в тюбиках по 46 мл. Я пользуюсь темперными красками «Мастер-класс»: у них высокая степень пигментации и светостойкость. Других брендов не встречала. В «Салоне „Художник“» я купила один набор из десяти цветов за 1556 Р и два дополнительных тюбика титановых белил за 302 Р. То есть всего потратила на темперу 2160 Р. Этого хватило на год, и даже еще осталось.

В моем наборе темперных красок всего 10 цветов. Для студента-художника этого достаточно

Масляные краски — это смесь пигментов и наполнителей в растительных маслах или олифах. У них очень вязкая, густая консистенция, как у зубной пасты. В отличие от других красок, масляные не смываются водой. Если запачкаться, стереть краску можно тряпочкой с растворителем.

Масляные краски тоже продаются в тюбиках по 46 мл. И здесь я предпочитаю марку «Мастер-класс», а на втором месте — «Ладогу». Ту и другую производит «Невская палитра», и они хорошо смешиваются между собой. Не рекомендую краски «Сонет»: вместо натуральных связующих компонентов там синтетика, а вместо дорогих пигментов — дешевые аналоги. Из-за этого цвета не соответствуют классическим оттенкам, а светостойкость на тюбике неверная.

Преподаватель по живописи дала нам список из 20 цветов. Их используют чаще всего, и из них можно намешать другие оттенки. Вот этот список:

1. «Белила титановые» — белый.
2. «Кадмий желтый светлый» или «средний» — желтый.
3. «Кадмий лимонный» — лимонно-желтый.
4. «Охра светлая» — желто-коричневый.
5. «Кадмий красный светлый» — светло-красный.
6. «Кадмий красный темный» — темно-красный.
7. «Краплак красный» — темно-красный с розоватым оттенком.
8. «Кость жженая» — черный.
9. «Марс коричневый» — коричневый.
10. «Умбра натуральная ленинградская» — табачно-коричневый с зеленоватым оттенком.
11. «Церулеум» — голубой в зеленоватую сторону.
12. «Голубая ФЦ (фталоцианиновая)» — голубой на основе фталоцианинов.
13. «Кобальт синий спектральный» — синий в фиолетовую сторону.
14. «Кадмий оранжевый» или «марс оранжевый» — оранжевый.
15. «Зеленая прозрачная глауконит» — синевато-зеленый.
16. «Араратская зеленая» — зеленый в оливковую сторону.
17. «Сиена жженая» — красновато-коричневый.
18. «Травяная зеленая» — цвет травы.
19. «Охра красная» либо «английская красная» — красно-кирпичный.
20. «Изумрудная» — сине-зеленый.

Тюбики стоят 155—383 Р в зависимости от цвета. Самый дешевый — «марс коричневый», а самый дорогой — «кобальт синий». В «Лавке художника» я потратила на этот набор 3338 Р.

Быстрее всего расходуется белая краска — белила. Они бывают титановые и цинковые, но я покупаю первые: они непрозрачные и хорошо перекрывают темные оттенки. А цинковые белила прозрачные и перекрывают цвет хуже. Один тюбик стоит 185 Р, и за год я купила вдобавок к первоначальному набору два тюбика. Вместе с дополнительными белилами я потратила на масляные краски 3708 Р.

Мастихин — обязательная вещь при работе маслом. Он выглядит как металлическая лопатка на деревянной ручке. Нужен, чтобы соскабливать масляные краски с холста, если что-то пошло не так. Им же чистят палитру, а иногда даже пишут картины — накладывают краску ровным слоем или рельефными мазками. Я покупала маленький мастихин фирмы «Малевич» за 106 Р в «Салоне „Художник“». Можно выбирать и другие бренды.

Остатки моего набора масляных красок Мастихин для масляной живописи

Разбавитель для масляных красок необходим, чтобы ими было удобно писать. У всех разбавителей одна функция — сделать краску более жидкой. Можно разбавлять одним только маслом, но тогда картина будет долго сохнуть. Поэтому для учебных работ обычно рекомендуют «тройник» — смесь масла, лака и скипидара. Скипидар позволяет краске быстро сохнуть, лак делает ее прочной, а рисунок — блестящим. Минусов у тройника два: он сильно и неприятно пахнет и дорого обходится. 220 мл в «Салоне „Художник“» стоят 284 Р — этого хватает всего на 2—3 недели.

Чтобы экономить, по рекомендации преподавателя я делаю разбавитель сама. Беру 0,5 л рафинированного подсолнечного масла и 0,5 л уайт-спирита Tikkurila — это бензин-растворитель для обезжиривания красок. Бутылку с маслом ставлю на подоконник, открываю крышку и закрываю горлышко марлей. Оставляю на 5—6 месяцев на свету, под прямыми солнечными лучами, пока масло не станет полностью прозрачным. Пока бутылка стоит, она не доставляет хлопот: рафинированное масло не пахнет. Потом добавляю в масло уайт-спирит. Получается 1 л разбавителя.

С самодельным растворителем так же удобно работать, как и с тройником. Уайт-спирит испаряется и подсушивает краску, как скипидар в тройнике. И благодаря ему растворитель не так сильно пахнет. В самодельном растворителе нет только лака, но для учебных работ он не обязателен.

В прошлый раз я купила 1 л масла в супермаркете по акции за 48 Р и 1 л уайт-спирита в «Леруа Мерлене» за 463 Р. То есть литр моего растворителя обошелся в 255 Р. На первом курсе масляная живопись длилась всего четыре месяца, и мне этого хватило. А если бы покупала тройник, потребовалось бы почти пять бутылочек за 1291 Р. То есть я сэкономила 1036 Р.

Из уайт-спирита «Тиккурила» и обесцвеченного подсолнечного масла я сама делаю разбавитель

Масленка. Я разбавляю масляные краски с помощью масленки. Лучше покупать двойную — с двумя чашками и пластиковыми крышками. Это удобно, когда одна кисть нужна под два разных цвета и ее приходится мыть во время работы. Я покупала масленку за 153 Р в «Салоне „Художник“».

Я наливаю разбавитель в обе чашечки масленки. Выдавливаю нужные краски на палитру, обмакиваю кисть в масленку и потом в краску. В результате краска становится более жидкой. Чем сильнее я обмакну кисть в разбавитель, тем более жидкой получится краска. Вторая чашечка масленки служит для мытья кистей во время работы.

У меня масленка с двумя чашечками и крышками. Она удобнее одинарной

Материалы для рисования

Кисти и пенал

Для живописи маслом, акварелью и темперой нужны разные кисти. Я пользуюсь кистями из щетины, синтетики, меха белки и колонка — зверька вроде куницы.

3294 Р

я отдала за кисти

Для масляной живописи я покупаю «щетину» марки Pinax и «синтетику» Vista Arista. Если вовремя очищать эти кисти от краски, из них не выпадают волоски. А если оставить краску на кистях и она высохнет, волоски начнут обламываться.

Щетина и синтетика выполняют разные функции. Щетина дешевле, но жестче, поэтому царапает холст. Я использую ее для подмалевка — это первый этап работы, когда я наношу композицию, раскладываю основные пятна цвета и грубо прорабатываю объем и форму. А для живописи на картоне вообще не пользуюсь щетиной: картон слишком гладкий для жестких волосков. На нем работаю только мягкими кистями — синтетикой или колонком.

Больше всего мне нравятся ощущения от письма щетиной: она грубая, хорошо захватывает краску и уверенно кладет ее на холст. При этом слышен звук царапания холста. Работа щетиной делается свободными, размашистыми движениями. А мягкими кистями я делаю более тонкую и детальную работу.

Вот такой стартовый набор кистей для масляной живописи советует мой преподаватель:

1. «Щетина» круглая № 2 — 57 Р.
2. «Щетина» плоско-овальная № 2 — 62 Р.
3. «Щетина» плоско-овальная № 4 — 71 Р.
4. «Щетина» плоско-овальная № 8 — 128 Р.
5. «Щетина» плоско-овальная № 12 — 204 Р.
6. «Колонок» плоский № 8 — 202 Р.
7. «Синтетика» плоская «Виста-ариста» № 24 — 318 Р.

На этот набор я потратила 1031,5 Р. Синтетику и колонок покупала в «Леонардо», щетину — в «Лавке художника».

Номера обозначают толщину кистей. А по форме кисти бывают четырех видов: плоские, овальные, плоско-овальные и круглые. Плоскими кистями я укладываю на холст густую краску, которая как паста. Ими можно писать крупные области широкими мазками, а можно торцом кисти проводить тонкие линии. Еще уголком кисти можно прописывать мелкие детали. В общем, мазок такой кисти может быть самых интересных форм.

У круглых кистей острый кончик, ими хорошо писать тонкие линии. А боковой стороной — делать широкие мазки разной формы. Овальные кисти — что-то среднее между плоскими и круглыми. А плоско-овальные — между плоскими и овальными. Большой разницы между плоскими и плоско-овальными кистями нет. Мне больше нравятся плоско-овальные, они лучше удерживают форму: касаясь холста, волоски меньше расплющиваются в разные стороны.

Чтобы кисти долго служили, я тщательно смываю с них масляные краски сразу после работы. Иначе они посыпятся, как волосы от недостатка витаминов. Сначала убираю излишки краски тканью. Потом наливаю разбавитель, который делаю сама, в чашечку масленки и прополаскиваю их там. А после этого мою теплой водой с мылом. Процесс может показаться рутинным и долгим, но я уже привыкла и делаю это на автомате.

Для темперных красок, которые нужны на уроках композиции, я покупаю плоскую синтетику Roubloff. Темпера по консистенции мягче масляных красок, поэтому синтетика идеально подходит для нее благодаря своей мягкости. Мне нравится работать в темпере плоскими кистями. В «Салоне „Художник“» я купила кисти № 4, 6, 10, 12, 18 за 570,5 Р. Номера — это толщина кистей: чем больше номер, тем толще кисть.

Стартовый набор кистей для масляной живописи. Первые две сверху и самая нижняя — из синтетики, третья сверху — из колонка, четвертая, пятая и шестая — из щетины Кисти «Пинакс» из щетины на витрине «Салона „Художник“». Слева — круглые, посередине — плоские, справа — плоско-овальные Мои кисти для темперы. Снизу вверх номера кистей в порядке убывания

Для акварели на занятиях по живописи я использую только беличьи кисти — они самые мягкие и податливые. Боковой поверхностью можно делать широкие мазки, а острым кончиком — тонкие. Я купила маленькую кисть № 5 и большую № 10 марки «Невская палитра». Отдала за них в «Леонардо» 1672 Р. Пользуюсь уже три года.

7741 Р

я потратила на краски на первом курсе

Пенал. Кисти для темперы и акварели я храню в пенале. Он кожаный, на замочке — стоил в «Читай-городе» 220 Р. А кисти для масла ставлю ручкой книзу в высокий стакан: они длинные и не входят в пенал.

Мои кисти для акварели Пенал для кистей на замке — он удобнее

Материалы для рисования

Бумага и папка

Для карандашных работ на занятиях по рисунку я беру ватман «Гознак» — это специальная бумага для черчения, прочная и с гладкой текстурой. Она подходит для карандаша, потому что графит хорошо на нее ложится. Покупаю ее папками по 24 листа. Формат А2 использую для аудиторных работ, а А4 — для домашних. Две папки А2 в «Салоне „Художник“» обошлись в 796 Р, четыре папки А4 — в 418 Р. Все вместе стоило 1214 Р.

Для работ углем на рисунке я покупаю в «Салоне „Художник“» бумагу для пастели. У нее шероховатая текстура, и на ней хорошо рисовать углем. Беру не белую, а тонированную, то есть серую или бежевую: на ней работы углем выглядят эффектнее. За год ушел один лист формата А2 за 81 Р и десять листов формата А4 за 260 Р. На все я потратила 341 Р.

Для работ темперными красками на композиции тоже подходят ватманы «Гознак», но формата А1. Такой большой формат нужен, чтобы натянуть бумагу на планшет. За год я потратила восемь таких ватманов по 21 Р — всего ушло 168 Р.

Для акварели нужна специальная акварельная бумага. Она плотная и шероховатая, не скатывается комочками, как ватман, и с нее не стекает краска. Чем плотнее бумага, тем удобнее писать: краска лучше всего задерживается. Плотность определяется количеством хлопка на 1 м² и выражается в граммах. Я покупаю 280—300-граммовую: акварель на нее хорошо ложится. А для форэскизов — маленьких предварительных эскизов — использую 200-граммовую.

Бумагу для аудиторных работ по акварельной живописи студенты обычно натягивают на планшеты. Это нужно, чтобы бумага не съежилась от воды и лист не погнулся. Для этого подходит лист формата А1. Но я стремилась сэкономить и покупала листы А2, которые в два раза дешевле А1. И крепила их к планшету малярным скотчем из «Фикс-прайса» за 55 Р. Это было не так надежно, но большой разницы в результате я не заметила. За год ушло 8 листов за 380 Р, покупала их в «Лавке художника».

На домашние работы потратила 20 листов А3 за 480 Р там же. А для форэскизов купила папку из 20 листов А4 за 196 Р в «Салоне „Художник“». Всего на акварельную бумагу потратила 1056 Р. Еще 385 Р ушло на 7 рулонов скотча.

Папку формата А2 я купила, чтобы носить бумагу. В нее иногда входят даже холсты и планшеты. А еще у нее есть удобный ремешок, который накидывается на плечо: так легче носить тяжелые принадлежности. Моя папка стоила в «Читай-городе» 1250 Р.

Бумага для акварели. На этикетке указан формат — А3, плотность — 280 граммов и тон — слоновая кость Разные типы бумаги. Слева направо: ватман «Гознак», тонированная бумага для пастели и бумага для акварели У моей папки две ручки: чтобы носить через плечо или в руках

Материалы для рисования

Холсты и картон

Кроме бумаги для учебы нужны холсты, грунтованный картон и холсты на картоне.

Холсты используют для масляной живописи. Полотно должно быть прочным, потому что перед началом работы его проклеивают и грунтуют, а потом натягивают на подрамник. Непрочный натянутый холст может порваться.

2061 Р

я потратила на самодельные холсты

Холсты бывают льняные и хлопковые. Первые — самые прочные и дорогие, вторые — похуже, но для учебы подойдут. Некоторые студенты покупают только льняные холсты, но большинство не чувствуют разницы и покупают те, что подешевле.

В магазинах есть и готовые холсты, но я готовила их сама. Лен — дорогой материал, поэтому вместо него я использовала ткань двунитку. По прочности она напоминает лен, а по цене — хлопок.

Чтобы изготовить четыре холста, мне потребовалось:

1. Два подрамника 45 × 50 см — 428 Р.
2. Два подрамника 55 × 60 см — 522 Р.
3. Двунитка, 4 м — 400 Р.
4. Мебельный степлер со скобами в наборе — 300 Р.
5. Четыре пакетика пищевого желатина по 10 г — 72 Р.
6. Белый акриловый грунт, 0,5 л — 309 Р.
7. Широкая флейцевая кисть, то есть плоская и из щетины — 30 Р.

Всего на четыре холста я потратила 2061 Р.

Чтобы сделать один холст, я брала метр двунитки, натягивала ее на подрамник и крепила степлером. Потом проклеивала холст пищевым желатином — хватало пакетика 10 г. Затем разводила грунт водой в соотношении 10:1 и грунтовала. Полулитровой банки грунта хватило на все четыре холста.

Проклейку и грунт я наносила широкой флейцевой кистью по два слоя. Весь процесс занимал два дня: проклейка и грунт должны были хорошо просохнуть. Делать это было нетрудно, но приходилось ждать полного высыхания каждого слоя.

По цене самодельный холст из двунитки получался дороже, чем готовый хлопковый, но дешевле, чем льняной. Готовый хлопковый холст на подрамнике 45 × 50 см стоит 335 Р, а льняной — 714 Р. Мой самодельный такого же формата обошелся в 407 Р: 214 Р — подрамник, 100 Р — двунитка, 18 Р — пакетик желатина, 75 Р — 125 мл грунта.

Мои материалы для изготовления холста: подрамник, желатин, грунт, флейцевая кисть, двунитка и мебельный степлер

Грунтованный картон нужен для домашних работ по масляной живописи. Грунт не дает картону впитать масляные краски. Картон продается и готовый, но для надежности его все равно перегрунтовывают. Причем расходы на грунт выходят одинаковые. Поэтому я покупала обычный и грунтовала сама с нуля.

Мне нужны были листы размером 20 × 30 см и 30 × 40 см. Грунтованные стоили 37 Р и 68 Р соответственно. Я готовила их из листов специального картона — такие есть в любом магазине для художников. Покупала листы размером 70 × 100 см в «Салоне „Художник“» по 78 Р. Из них получалось восемь картонок 20 × 30 см и пять — 30 × 40 см. Я грунтовала их два раза с рабочей стороны и один раз — с обратной, чтобы они не погнулись после просушки. Когда лист высыхал, я разрезала его на маленькие картонки.

За год я загрунтовала четыре больших листа и потратила на них 312 Р. А на готовые грунтованные картонки ушло бы 1272 Р: я бы купила шестнадцать листов 20 × 30 см и десять — 30 × 40 см. То есть я сэкономила 960 Р. А на грунтовку бы в любом случае ушло 500 мл грунта за 309 Р.

Грунтованные холсты, наклеенные на картон, тоже нужны для домашних работ по масляной живописи. Обычно я пишу на грунтованном картоне, потому что он дешевле. Но больше люблю работать на холсте: у него зернистая структура. И на него приятно накладывать краску: она меньше растекается. Покупаю холсты фирмы Kingdom of Artland, но можно брать и любые другие. Четыре штуки формата 30 × 40 см из «Салона „Художник“» обошлись в 444 Р.

Грунтованный картон 20 × 30 см Грунтованный холст на картоне для домашних работ

Материалы для рисования

Этюдник и планшеты

Этюдник — это переносной ящик для занятий живописью. Он стоит на треноге и раскрывается, как чемодан. На верхнюю, вертикальную, часть крепят холст, а на нижнюю, горизонтальную, кладут кисти и тюбики с красками.

Мне нужен был этюдник размером 40 × 30 см. Преподаватели подсказали, что хорошая марка — «Подольский этюдник». У изделий этой фирмы легкие ножки из алюминия, которые складываются к задней стенке, поэтому этюдники легче носить. А еще у ножек заостренные концы и регулируется высота — они устойчивы на любой поверхности. Это очень важно при работе на открытом воздухе — на пленэрах. Я не знаю других марок этюдников, но не советую брать изделия на деревянных ножках: они не такие прочные.

Нужные этюдники продавались в интернет-магазине «Подольские товары для художников». Мы с одногруппниками заказали партию вместе, чтобы получить максимальную скидку. В итоге вместо 5000 Р заплатили по 3900 Р. В комплекте была деревянная палитра, поэтому покупать ее отдельно не пришлось. Сэкономила около 250 Р.

3900 Р

я заплатила за этюдник

Мой этюдник с палитрой

Планшеты делают из гипсокартона на деревянных подрамниках. На них крепят бумагу большого формата и ставят на мольберт. Бумага для рисунка крепится малярным скотчем, а для живописи и композиции — мебельным степлером, потому что натягивается на планшет. Все это нужно, чтобы при работе красками бумага не съежилась от влаги. А когда я работаю карандашом, крепить бумагу не нужно.

811 Р

я потратила на планшеты

Для рисунка и живописи я купила два планшета размером 60 × 80 см, чтобы вошел лист А2. На бренд не смотрела — здесь он не важен. Отдала за них в «Салоне „Художник“» 494 Р. А для композиции там же взяла два планшета за 317 Р. Все вместе обошлось в 811 Р.

Планшеты бывают уже с готовыми зажимами, но я такими не пользуюсь

За год я потратила на материалы для учебы 26 408 Р

Этюдник	3900 Р
Масляные краски	3708 Р
Кисти с пеналом	3514 Р
Бумага	2779 Р
Акварельные краски с пеналом	2525 Р
Темперные краски	2160 Р
Самодельные холсты, включая стоимость мебельного степлера	2061 Р
Папка для фиксации бумаги	1250 Р
Карандаши	824 Р
Планшеты	811 Р
Грунтованный картон и холсты на картоне	756 Р
Нож, фиксатор и пенал для карандашей	526 Р
Мастихин, растворитель и масленка для масляных красок	514 Р
Малярный скотч	385 Р
Ластики	367 Р
Уголь и лак	223 Р
Растушевки	105 Р

Масляные краски

3708 Р

Кисти с пеналом

3514 Р

Акварельные краски с пеналом

2525 Р

Темперные краски

2160 Р

Самодельные холсты, включая стоимость мебельного степлера

2061 Р

Папка для фиксации бумаги

1250 Р

Карандаши

824 Р

Грунтованный картон и холсты на картоне

756 Р

Нож, фиксатор и пенал для карандашей

526 Р

Мастихин, растворитель и масленка для масляных красок

514 Р

Малярный скотч

385 Р

Уголь и лак

223 Р

Растушевки

105 Р

Что нужно для рисования маслом?

Живопись маслом — это самая популярная и любимая техника многих всемирно известных художников, как прошлых столетий, так и нашего времени. Благодаря своей пластичной структуре, масляные краски долго сохнут, что дает возможность исправить рисунок на протяжении долгого времени. Живопись, выполненная маслом, всегда смотрится изящно и изыскано. Научиться рисовать маслом – задача хоть и трудная, но приносит море удовольствия художнику. Если Вы еще не освоили эту технику – начинайте прямо сейчас: кто знает, может, у Вас скрыт будущий Айвазовский или Васнецов? Что же нужно иметь начинающему художнику для рисования маслом?

Перечень необходимых предметов для рисования маслом

1. Масляные краски.
2. Кисти: можно использовать кисти из натуральной щетины и из синтетики (выбор кисти зависит от того, какой суммой Вы располагаете и какого результата хотите добиться).
3. Деревянная палитра.
4. Масленка для разбавителя.
5. Разбавитель (используется для того, чтоб краски не были слишком густые).
6. Холсты (одинаково хороши и холст на подрамнике, и холст на картоне, и грунтованный картон).
7. Специальная жидкость для мытья кистей.
8. Кистемойка.

Масляные краски – краски, созданные из масла, пигмента и скипидара. Для масляных красок используется льняное, конопляное, маковое, ореховое или сафлоровое масло. Пигменты влияют на цвет краски и могут быть синтетическими и натуральными. Картины, написаны маслом, долгие века остаются в замечательном состоянии: высыхая, масляные краски сохраняют свой цвет, они не боятся света и мороза. Благодаря пастообразной структуре, масляные краски обладают замечательными кроющими способностями.

Кисти: масляные краски лучше всего наносить натуральными кистями из щетины или синтетическими кистями. У каждого художника должны быть кисти разной жесткости и разной формы – это поможет отобразить желаемую структуру картины и сделать четкими даже маленькие детали.

Деревянная палитра – это незаменимая вещь в арсенале художника, любящего рисовать маслеными красками. Для удобства у Вас должно быть две палитры: одна большая — для рисования в студии, вторая – маленькая выездная. Обратите внимание на то, что пластиковая палитра для рисования маслеными красками не подходит.

Масленка – специальная посуда для разбавителя, которая с помощью специального зажима крепится к палитре.

Разбавитель используется для того, чтобы краски были менее густыми. Для масленых красок в качестве разбавителя чаще всего используют петролеум, тройник или льняное масло. Кстати, людям, которые негативно реагируют на запахи и аллергикам, лучше использовать именно петролеум, поскольку он не имеет никакого запаха.

Холст – это материал, на котором пишут картины. Разновидность холстов в наше время могут смутить художника-новичка. В любом магазине художественных принадлежностей можно ознакомиться с большим выбором холстов на подрамнике или на картоне и холстов, смотанных в рулон. Холсты изготавливаются из льна или хлопка, что делает разнообразной их структуру – от мелкозернистой до крупнозернистой. Чаще всего художниками используются среднезернистые холсты.

Жидкость для мытья кистей – это специальное средство для очистки кистей от остатков краски. Такой жидкостью отмыть кисть гораздо легче, чем другими разбавителями, да и при правильном уходе кисть прослужит гораздо дольше.

Кистемойка – небольшая посудина, зачастую имеющая форму небольшого ведерка, с вмонтированной сверху спиралью, для закрепления кисти. С помощью кистемойки, в жидкости для мытья находиться только нужная часть кости, что позволяет сохранить рукоять кисти от повреждений.

Купить, качественные масляные краски, а также все необходимые принадлежности для масляной живописи Вы можете в нашем магазине. Будем рады помочь Вам!

Сколько времени на создание картины нужно художнику?

Сегодня поговорим о том, как устроена «кухня» художников вместе с Марией Горбуновой, куратором галереи SMART и профессиональным художником. Мария активно выставляется в Мадриде, постоянно исследует различные художественные техники и поддерживает общение с большим количеством художников, поэтому узнаем из первых рук, какой объем работы скрывается за красивой картиной на стене на самом деле.

Из чего состоит процесс написания картины?

Создание картины – это процесс, который состоит из нескольких этапов:

• идея и ее разработка,
• создание коллажей или сбор фотоматериалов,
• эскизы (наброски) или этюды,
• подготовка (трафареты, грунт, специальные фактуры и т.п.),
• воплощение.

Количество этих этапов у каждого художника может варьироваться, кто-то работает без эскизов на чистой интуиции, полностью отдавая себя эмоциям, кто-то не использует коллажи и быстро переходит к воплощению, а кто-то кропотливо собирает свой художественный «паззл» из заметок, фотографий и впечатлений. У каждого мастера свой подход, который требует разного количества времени. Также имеет место и процесс наработки определенной авторской методики, узнаваемого стиля художника.

Рассмотрим сначала некоторые конкретные примеры техник, а затем поговорим об авторском методе.

В мастерской у Марии Горбуновой

Сколько нужно времени на картину в технике многослойной живописи?

Техника многослойной живописи предполагает большой объем работы, в отличие от однослойной живописи.

Пример 1. Допустим, художник работает в многослойной манере, а это в современной живописи встречается часто. Авторы используют трафареты для создания послойной работы, которая потом дописывается и доделывается, наполняясь деталями.

Например, у художницы Дарии Афанасьевой, которая работает при помощи трафаретов и фактур, накладывающихся друг на друга слоями, процесс подготовки трафаретов занимает несколько недель. А уже сам процесс создания работы идет куда более экспрессивно и ускоренно, так как все компоненты заранее подготовлены.

Афанасьева Дария, «Blue River Rift»

У меня лично также есть опыт создания работ при помощи трафаретов, и я могу сказать точно, что пока ты создаешь композицию, придумываешь какой взять прототип для трафарета и затем режешь все элементы, может уйти пара недель, а то и более, если трафарет крупный.

Пример 2. Автор работает послойно и активно использует «лессировки» – это такая техника, при которой художник накладывает прозрачные слои цветов, словно прозрачные кальки-пленки для создания более сложного колорита, оттенка. Такого рода процесс может занимать месяцы, потому как каждый слой обязательно должен быть просушен.

Ярким примером такого исполнения могут служить работы современного художника Сергея Брюханова. Он настоящий мастер цвета. Над некоторыми своим работами автор трудится годами, накладывая все новые и новые слои, усовершенствуя цветовые переходы и оттенки в собственной неповторимой манере. Кстати, в качестве предварительной работы Сергей активно использует фотографии, сделанные в различных поездках, которые он распечатывает и в дальнейшем превращает в абстрактные коллажи. Получившиеся фактуры и цветовые сочетания используются уже в работе над живописными холстами. Кроме этого, к большим работам художник выполняет эскизы в мини форматах, умещающихся на ладони. Весь этот процесс весьма трудоемкий!

Сергей Брюханов, «Спектр 7»

Коллажи в мастерской Сергея Брюханова

В голландской и фламандской живописной традиции также использовалась техника лессировки. Художники работали на темных грунтах – «имприматурах». Сегодня темные грунты могут быть масляными, а могут быть уже готовыми фабричными грунтами. При этом художникам все также необходимо продумывать технологию процесса и работать пошагово, имея ввиду, что необходимо время на периоды полного высыхания каждого слоя. Суть работы на темных грунтах в пошаговом процессе: свет пишется белилами густо, формируя объем, а тени тонко и прозрачно. Затем наносится цвет. Это очень трудоемкая техника.

Виктор Пономаренко, «13». Пример имприматуры

Пример 3. Есть художники, которые работают «пастозно», вымешивают цвет на палитре и уже в готовом качестве его наносят на холст и пишут фактурно, объемно, «вкусно». Используют густой цвет и придают мазку фактуру при помощи мастихина. В такой ситуации сама масляная поверхность сохнет достаточно долго, от недели и до месяца.

Конечно, есть специальные химические растворы, так называемые сиккативы, которые могут ускорить процесс высыхания масляной краски, но не все авторы-художники работают с этими компонентами.

Сколько времени нужно художнику на разработку авторского метода?

Помимо техники и технологии, которая стоит за любым материалом, в основе картины также лежит авторский метод, на изобретение которого уходят года.

Например, художнику для того, чтобы осознать, что он минималист и создает вполне «чистые по форме» полотна, возможно, придется потратить не год и не два на поиск своего пластического языка, идей, форм и композиции.

Если мы посмотрим на ранние работы Марка Ротко или Джексона Поллока, мы обнаружим фигуративные работы, геометрическую абстракцию и даже сюрреализм, потому что пока художник ищет, он также может позволить себе пробовать разные стилистики и пытаться создавать сплавы.  

Художник Зигмар Польке всю свою жизнь ставил эксперименты с разнообразными химическими составами, и свойствами различных материалов, которые он наносил на поверхность холста, наблюдая за тем, какой визуальный эффект получится в финале –  это очень интересно!  Работа «Котел алхимика» принесла художнику в 1986 году Золотого Льва на Венецианской Биеннале. Картина впечатлила жюри тем, что ее краски менялись в зависимости от освещения, температуры воздуха в помещении и времени суток.

Зигмар Польке, «Untitled (Square 2)», 2003

Зигмар Польке – пример современного мультидисциплинарного художника с широким взглядом. Каждое десятилетие такие художники осваивают новый технологический процесс, новый метод. Они работают с разными медиа и как живописцы, и как фотографы и как графики и т.д.

Для того, чтобы составить свой «визуальный словарь», многие художники ведут сбор материалов. Они фотографируют стены домов, обнаруживая необходимые поверхности и фактуры, снимают какие-то заинтересовавшие их детали на телефон или полароид, как, например, Марлен Дюма, которая использовала в качестве прототипа для своих знаменитых скандальных портретов серии «Rejects» палароидные размытые фотоснимки.

Марлен Дюма, серия «Rejects»

Художники, работающие в технике коллажа, до начала работы собирают необходимые материалы. Это могут быть газеты, ткани, растения, небольшие предметы — в принципе, что угодно, если оно отвечает идее и задумке художника.

Я собираю газетные вырезки из различных иностранных изданий, а также приобретаю странные ткани и старинные печатные литтеры на барахолках, чтобы, к примеру, напечатать пару фраз в картине.

При создании этой картины, я использовала старую французскую газету со схемами радиоприемников.

Мария Горбунова, «Cold Media.Radio». Картина с использованием техники коллажа с газетой.

Современные художники зачастую используют самые разнообразные фактуры. Константин Инал-Ипа, к примеру, работает с коллажами и собирает грубые ткани различной фактуры для того, чтобы потом приклеить их на холст.

Константин Инал-Ипа, «Белая ночь». Картина с использованием техники коллажа с тканью

Теперь вы имеете представление о процессе создания картин и можете себе представить более конкретно, сколько художнику нужно времени на написание живописного полотна. Мы рассмотрели наиболее трудоемкие техники, и постарались предоставить информацию о возможных этапах на пути к завершенному произведению искусства.

Работы в экспрессивной манере, без коллажей и эскизов могут быть написаны за пару недель, многослойная живопись уже требует гораздо большего количества времени с технической точки зрения. Вынашивать идею художник может год, а на формирование авторского метода у него может уйти от 5 до 20 лет, а то и вся жизнь.

Чтобы узнавать больше полезной информации, подписывайтесь на нашу рассылку!

Как начать сотрудничество с галереями

Вы достигли той стадии в творчестве, когда у вас много работ. Всерьез думаете, чтобы их продавать, и следующий шаг видите в выставке. С чего начать, если хочется быть представленным в галерее? Важно знать, что подразумевает собой работа с галереями и как к ним подступиться. Как только вы поймете суть процесса, проблем не возникнет.

Оригинал статьи опубликован на сайте  www. thoughtco.com. Перевод: Liza Pchelinceva

Комментарии, отмеченные курсивом, даны представителями российских галерей.

Как галереи работают с художниками?

Прежде чем связаться с галереей, поймите, как они работают. Разумеется, организации будут немного отличаться друг от друга и у многих собственная внутренняя политика, но в целом они работают одинаково.

“Сотрудничество с галереей, как и любое другое сотрудничество, начинается с идеи. Если есть интересная идея выставки, можно начинать переговоры. Мы открыты для переговоров об организации выставки как с художниками, так и с кураторами.

Для нашей галереи важна актуальность проекта и четкое представление о идее, которую мы совместно с куратором и художником хотим донести до зрителя. И конечно, бюджет проекта” (Регина Дрозд, куратор галереи “Формограмма”)

“Работы отбирает, как правило, искусствовед или куратор галереи. Иногда, при организации большой сборной, например, молодежной или республиканской выставки, конкурса собирается выставком или жюри с участием именитых мастеров.

Художник должен показать свои работы, биографию (когда начал рисовать, какое учебное заведение закончил, есть ли образование по специальности или нет… хотя образование решающего значения не имеет), список участия в выставках, награды (если есть)” (Ирина Зиновьева, искусствовед Центра современного искусства «Облака»)

“Художников мы выбираем сами на молодежных выставках, либо рассмотрев представляемые художником работы. Рекомендации не имеют для нас значения. По знакомству мы никого не принимаем. В наших проектах участвуют и известные художники, со многими мы сотрудничаем с момента основания галереи” (Ирина Филатова, галерист, куратор современного искусства, галерея “Файн Арт”)

Комиссионные или прямая продажа?

Есть два способа продавать работы через галерею — либо на основе комиссии, либо галерея выкупает работу авансом.  Большинство договоров между галереей и художником бывают на основе комиссии.

Это значит, что ваша работа находится в галерее определенное время. Ни вы, ни галерея не получаете деньги, пока работу не купят. Затем вы разделите полученное в соответствии с договором.

Средняя комиссия с продажи?

Обычно галереи берут 30-40 процентов. Где-то больше, где-то меньше, зависит от галереи и состояния местного арт-рынка.

Художникам бывает сложно принять тот факт, что галереям тоже нужно зарабатывать. Больно видеть, как 40 процентов уходят кому-то еще, но нужно помнить, что ваши партнеры тоже несут издержки. Галереям надо оплачивать коммунальные услуги, аренду, сотрудников, а также налоги и маркетинг. Они занимаются маркетингом в ваших интересах, чтобы вашу работу увидели. И если сделают его хорошо, вы получите выгоду.

Кто определяет цену?

Опять же, в каждой галерее по-разному, но в общем галеристы работают с художниками, стремясь достичь цены, которая устраивала бы всех. Вы можете сказать, сколько хотели бы получить после комиссии, аони поделятся мнением, чего стоит работа на арт-рынке.

Назначение цены редко бывает сильной стороной художника и может быть одним из самых щекотливых разговоров (почитайте статью в помощь).

Не стоит забывать, что владельцы галерей знают состояние местного арт-рынка, благодаря годам опыта.

“Если художник ранее не имел продаж, то цены на его работы устанавливает галерея. Если же художник уже был представлен на рынке, стоимость мы устанавливаем совместно. С каждым из наших художников мы заключаем индивидуальное соглашение” (Александр Шаров, основатель 11.12 GALLERY)

“Стоимость определяет художник, галерея берет комиссию с продажи. Конечно, начинающим художникам мы можем оказать помощь в формировании стоимости работы” (Регина Дрозд, куратор галереи “Формограмма”)

“Цена согласовывается с художником, учитываются все нюансы. Обязательно составляется договор и акт о приеме работ с указанием цен.

Желательно, чтобы художник объективно оценивал себя и свое творчество. С такими людьми легче работать и общаться” (Ирина Зиновьева, искусствовед Центра современного искусства “Облака”)

“Галерея занимается продажей работ, цена зависит от творческой биографии художника и устанавливается совместно с автором. Продажа работ в первую очередь зависит от ситуации в стране, от известности художника, от того где находятся его работы, от активности, частоты выставок и т.д.” (Ирина Филатова, галерист, куратор современного искусства, галерея “Файн Арт”)

Есть много прекрасных галеристов и не очень прекрасных тоже. Ваша работа — отсеять плохих и ненадежных. Оставайтесь бдительны, не соглашайтесь на что-либо, если чувствуете, что нужен совет со стороны.

Продадут ли мои работы?

Никогда нет гарантии, что работы продадут. Многое зависит от того, каких покупателей галерея привлекает, от маркетинга и от того, скольким людям понравятся ваши работы так сильно, что они захотят забрать их домой.

“Предсказать продажи не в наших силах. Думаю, что это зависит от эффективной совместной работы галереи и куратора выставки” (Регина Дрозд, куратор галереи “Формограмма”)

“Предугадать, насколько быстро продастся, непросто. Это зависит и от вкуса потенциального покупателя, и от цели приобретения им работы. Кто-то покупает картину для себя, кто-то для подарка, есть коллекционеры, но это особая категория покупателя” (Ирина Зиновьева, искусствовед Центра современного искусства «Облака»)

Одни художники хорошо продаются в галереях. Они тщательно выбирали галереи, соответствующие стилю их работ, назначили подходящие цены и предлагают конечную презентацию работы, обрамление, которое нравится покупателям.

Другие не имеют большого успеха в галереях и находят, что личное взаимодействие, например, на арт-ярмарках, для них лучше (почитать статью о ярмарках искусства)

Сколько нужно работ?

В некоторых галереях есть ограничения, и они требуют определенное количество работ за определенный период. В других галереях более свободные условия и вас попросят работы в зависимости от имеющегося пространства или каких-либо еще факторов.

Лучше всего иметь разнообразную подборку работ, когда вы связываетесь с галереей. Это позволит им выбрать наиболее подходящие для своей базы покупателей, а вам даст больше возможностей продать. Одной-двух работ — если только они не внушительного формата — будет недостаточно.

“Как правило, художник присылает нам портфолио, которое содержит все, что он наработал за много лет, как в магазин. Или же, наоборот, всего одну-две работы. И в том и в другом варианте в подборке нет системности, а потому она заведомо проигрышная” (Александр Шаров, основатель 11.12 GALLERY)

“По моему мнению, для начинающих свой путь художников, не обязательно сразу делать «Solo Exhibition». Лучше принять участие в совместных выставках с другими художниками разного уровня известности. Это сразу придает статус работам, а художнику дает неоценимый опыт для движения вперед” (Регина Дрозд, куратор галереи “Формограмма”)

Как мне связаться с галереей?

Когда вы готовы работать с галереей, есть несколько способов это организовать. Вам может быть неловко просить принять ваши работы, но не стесняйтесь. Галеристы ищут новых художников и новые работы для экспозиции. Худшее, что может случиться: вам скажут «нет», но, как говорится, пока не спросите, не узнаете.

Два наиболее распространенных способа — прийти лично с фотографиями работ или написать / позвонить заранее и назначить встречу.

Если пишете, к письму прикрепите несколько фотографий ваших работ или добавьте ссылку на свой сайт (хотя, чтобы получатель просмотрел сайт, письмо должно быть достаточно заманчивым).

“С нашей галереей для начала лучше связаться по электронной почте или через сообщения в соц.сетях. Обязательных требований у нас нет. Все индивидуально. Нужно прислать краткую информацию о себе, описание идеи проекта и фотографии экспонатов” (Регина Дрозд, куратор галереи “Формограмма”)

“Связываться с галереей лучше в наше рабочее время (11.12 GALLERY работает со вторника по воскресенье с 12 до 20. 00). Лучше всего писать нам на электронную почту. Художнику следует сделать интернет-рассылку своего портфолио. Так же большую роль играют рекомендации. Художник должен предоставить СV, BIO и фото своих работ. По сути это и есть его портфолио” (Александр Шаров, основатель 11.12 GALLERY)

“Как правило, художник звонит, заходит в галерею или присылает на электронную почту письмо и фотографии своих работ – это первоначальный контакт. Мы учитываем рекомендации и рассматриваем работы художника, и, если они соответствуют нашему формату, принимаем их. Часто ищем таланты сами. Если художник обращается к нам со стороны, обязательно общаемся с ним, смотрим работы и принимаем, если они выполнены на хорошем профессиональном уровне. Бывают случаи, когда принимаем работы, не вполне отвечающие профессиональному уровню, но в которых есть самобытность, «изюминка», просматривается будущее художника” (Ирина Зиновьева, искусствовед Центра современного искусства «Облака»)

“Художник может всегда связаться с галереей – либо по электронной почте, либо лично. Он должен представить свои работы в электронной форме, описать свои проекты (желательно), представить биографию. Обязательные требования – яркая художественная индивидуальность, интересные идеи, принадлежность к современному искусству” (Ирина Филатова, галерист, куратор современного искусства, галерея “Файн Арт”)

Многие художники находят «старомодный» способ — просто прийти в галерею — лучшим методом. Так вы познакомитесь с владельцем галереи или менеджером и получите шанс расположить их к себе и своим работам.

Если у вас оригинальные, хорошо исполненные работы, скорее всего, они уделят вам время.

— Не появляйтесь на выходных или вечером. Выберете не такое занятое время, например, в будни днем.

— Не приносите с собой оригиналы работ. Может, неплохо оставить пару небольших картин в машине, но будет выглядеть не очень, если вы появитесь в дверях с холстами. Лучше принесите портфолио или несколько копий работ.

— Внешний вид и первое впечатление играют большую роль в мире искусства, и вы продаете себя в той же степени, что свое искусство. Одевайтесь опрятно, но не бойтесь быть эксцентричным.

— С крупными галереями разумнее созвониться и договориться о встрече загодя. Иначе тот, кто должен вас принять, может оказаться занятым. Лучше не полагаться на то, что у них будет время поговорить.

Также неплохо было бы разведать обстановку заранее. Просто прийти в галерею и посмотреть представленные работы. Еще лучше — перекинуться парой слов с галеристами и посетителями. Это даст вам понимание общей клиентуры и совпадают ли представленные работы с тем, что вы делаете (пейзаж не подойдет для галереи, которая сосредоточена на абстрактном искусстве).

Что стоит знать о контрактах с галереями

Галереи подписывают соглашения с художниками, чтобы защитить обе стороны и чтобы все знали, что от них ожидается. В больших галереях обычно очень официальные контракты, а в маленьких, по типу сувенирных лавок, могут быть более простые. В любом случае важно, чтобы вы поняли все в соглашении, прежде чем подписывать его.

Несколько вопросов, на которые у вас должны быть ответы:

— Сколько времени работа будет представлена в галерее?

— Когда нужно будет забрать работы?

— Ваша работа будет находиться в постоянной или временной экспозиции?

— Кто ответственен за повреждения, пока работа в экспозиции?

— Сколько составляет комиссия?

— Сколько займет времени получить деньги после продажи?

— Что будет с непроданными работами?

— Предоставляет ли галерея скидки и как это отразится на вашем проценте?

— Можете ли вы выставляться одновременно в других галереях или ваш контракт эксклюзивен?

— Что, если покупатель захочет заказать картину у вас лично?

— Как галерея будет продвигать вас?

— Что вы должны сделать для маркетинга?

— Получите ли вы отчет с описью работ? (не покидайте галерею без списка работ, которые вы там оставили и цен продажи/суммы после комиссии).

Если контракт кажется слишком сложным, проконсультируйтесь с юристом. Прочитайте все очень внимательно, так как условия, написанные мелким шрифтом, могут сильно подпортить впечатление от работы с галереями.

“Самое важное, что надо знать художнику, это то, что следует соблюдать условия договора с галереей. Следует продавать работы через галерею, согласовывать свою деятельность с галереей. Не следует сбивать ценовую политику галереи, продавая свои работы самостоятельно по заниженным ценам”(Ирина Филатова, галерист, куратор современного искусства, галерея “Файн Арт”)

Отслеживайте, что происходит с вашими работами

Что будет, если галерея закроется? Как вы об этом узнаете и что будет с вашими работами? Арт-бизнес довольно нестабилен и даже самые надежные галереи могут внезапно выйти из игры.

К сожалению, иногда они просто оставят ваши картины на произвол судьбы. Сомнительная практика, но такое случается. Каждому художнику важно знать, где их работы и поддерживать контакт с галереями на всякий случай.

“Галерейный мир связан. Думаю, что художнику порекомендуют куда обратиться, и помогут если будет такая возможность у галереи. Ведь всех нас объединяет любовь к искусству” (Регина Дрозд, куратор галереи “Формограмма”)

“Мы очень доброжелательно и уважительно относимся к другим галереям и, конечно же, к художникам. Если по каким-то причинам работы нам не подходят, и мы не можем их принять, то обязательно рекомендуем художнику, в какую галерею ему можно обратиться” (Ирина Зиновьева, искусствовед Центра современного искусства «Облака»)

Почитать еще:

— «12 шагов к тому, чтобы ваши работы заметили в галереях»:  https://goo.gl/ynmuzz

— «Как добиться ПЕРВОЙ ВЫСТАВКИ в галерее:  http://bit.ly/gallery3post

— «Как галереи выбирают художников» (одна из великих тайн арт-бизнеса): https://goo. gl/NacfX6 

Продажа своих работ в галереях: все, что необходимо знать

Оригинал: jennamartinphotoblog.com. Перевод: Александра Архипчук

Необходимо узнать многое, если вы надеетесь продавать свои работы в галереях. Как установить контакт с галереей, и в случае, когда вы уже добились собеседования, что говорить? Что они ищут? И если спросят портфолио, как оно должно выглядеть? Кто должен назначать цену за работу? Вы или галерея? Какой размер комиссии допустим? И так далее, и так далее…

Где мне взять всю эту информацию?

За свою карьеру я выставлялась в нескольких галереях, но большую часть полезной информации я почерпнула на биеннале «Фотофест». Попытаюсь ответить на подобные вопросы и не только. Все в одной статье. Пожелайте мне удачи.

Ищите правильные галереи

Если вы попадете в галерею, но она не подходит вам, вы потеряете время и деньги. Приведу несколько вещей, которые нужно сделать прежде, чем начинать переговоры с галереей по поводу выставки:

Проверьте их сайт. Обновляется ли он? Есть ли у них фото и описания текущих выставок/художников?

Любая галерея, с которой вы собираетесь сотрудничать, должна иметь сильное присутствие в интернете. Это означает, что у них должен быть календарь мероприятий, обновленная биография артистов и их портфолио, фотографии нынешнего интерьера, а также добавлены кнопки социальных сетей и подписка на рассылку.

Вы должны видеть, что с ними легко связаться. Чем меньше шагов вынужден сделать покупатель, чтобы купить произведение искусства, тем лучше.

Также посмотрите, как выглядит галерея. Она светлая или темная и тусклая? Чистая и просторная или выглядит загроможденной и неряшливой? Заставлены ли их столы и столешницы миллионами безделушек, задрапированы ли какие-нибудь работы (боже, только не это)? Есть ли свободное пространство между объектами?

Вам необходимо, чтобы посетители меньше отвлекались. Люди приходят, чтобы увидеть ваши работы, а не копаться среди дешевых вещей, как на блошином рынке.

Продают ли они что-то еще, кроме предметов искусства? (вот примеры: кофейня, мебельный магазин, ресторан)

Значит, их основной бизнес – не продажа предметов искусства, а продажа чего-то другого. Если ваши работы выставлены, например, в мебельном магазине/мебельной галерее, вы понимаете, что большая часть людей приходит сюда, чтобы купить диван и комод, не картину. Ничего плохого в том, чтобы выставлять работы в таких комбинированных галереях/в других видах бизнеса, но это так же может влиять на размер комиссии, которую с вас будут брать после каждой продажи (к этой теме вернемся чуть позже).

Посетите галерею лично. Как персонал встретит вас?

Если вы вошли в галерею и владелец, сидя где-то вдалеке, между разговором со своим другом махнул вам рукой, а после, вы, очертив полный круг по галерее, на выходе слышите дежурное: “Спасибо, что зашли”, – это не то место, где вы захотите представлять свои работы.

Наверняка вы хотите, чтобы кто-то встретил вас, спросил, как прошел ваш день и предложил помощь. А представьте, вы просматриваете чью-то экспозицию, и вам говорят: “Правда, у него невероятные работы? Вы должны увидеть его следующую выставку “Уровни памяти”, она будет открыта в следующем месяце 21-го числа. У него есть несколько образцов на его сайте (вам вежливо протягивают визитку с адресом сайта). Я был бы рад показать вам что-то еще, если вам интересно”.

Важно знать, как они будут работать, когда ваши картины висят в галерее. Вы действительно хотите выставляться в пространстве, где кто-то просто сидит в уголке и треплется со своими приятелями? Нет. Вы хотите работать с теми, кто общается с каждым посетителем, который зашел в эти двери, как с потенциальным покупателем, потому что каждый посетитель — потенциальный покупатель.

Какие именно работы они продают?

Если вы специализируетесь, скажем, в сюрреалистическом портрете, то галерею, выставляющую исключительно фотографии цветов, не заинтересует ваше портфолио. Даже не пытайтесь уговаривать их. Они знают, что им нравится, и это не вы.

Какая у них ценовая категория?

Если стоимость работ, выставленных в галерее, превышает 30.000 долларов, а вы до этого ничего не продавали, поищите еще. Эти работы продаются по такой цене, потому что они созданы известными художниками. А вы определенно неизвестный художник… или зачем тогда вы читаете эту статью?. Найдите галерею, которая продает произведения искусства по близкой вам цене.

Переговоры с галереей

Они кажутся чем-то страшным, но на деле… страшны лишь настолько, насколько вы воображаете..

Владельцы галерей такие же люди, и они охотнее возьмут инициативного воодушевленного художника, чем неуверенного в себе, который понятия не имеет, чем они занимаются.

Так что соберитесь и сделайте следующее:

Личный подход

Если надеетесь назначить встречу с владельцем галереи, идите лично. Все что вам необходимо сделать – спросить проводят ли они собеседования с художниками или портфолио-ревю. Не приносите портфолио в галерею. По сути это говорит: «Я так невероятно талантлив, что захочется бросить все дела и взглянуть». Высокомерно и самонадеянно. Возьмите визитку в заднем кармане, а портфолио оставьте в машине.

Вам ответят что-то из этого:

1. Нет, в настоящее время мы не ищем новых художников.

2. Нет, мы не назначаем личных встреч, но можно подать заявку онлайн.

3. Да, мы проводим портфолио-ревю, которые стоят столько-то и пройдут в такой-то день и время.

Если вы спрашиваете о портфолио-ревю, знайте, что необходимо будет заплатить за него. Их время так же ценно, как и ваше, и они не делают обзоры в благотворительных целях. Портфолио-ревю – отличный способ показать свои работы. Вам либо дадут полезные советы либо, если им понравится, заведут речь о будущей выставке.

Онлайн-заявка

Вероятнее всего, вас попросят выслать заявку онлайн. Обычно она расположена на сайте галереи и имеет особые требования к заполнению.Выполняйте инструкции. Они не случайно здесь, и есть вероятность, что если вы не будете точно им следовать, ваша заявка будет отклонена. Нет времени валять дурака.

Обычно просят предоставить резюме, ваш список работ (названия, материал [тип бумаги для фотографий], размер, тираж, цена), контактную информацию, ссылки на ваши работы и, возможно, несколько работ для примера в небольшом разрешении.

Ваше художественное резюме, по сути, не будет отличаться от любого другого резюме. Разместите в нем контактную информацию, сайт, короткую биографию и описание вашей деятельности. Затем добавьте все, что уместно: образование, связанное с искусством/фотографией; награды; публикации, в которых вы участвовали; опыт преподавания; ваши последние выставки. Поищите «резюме художника» в интернете, и вы увидите большое количество примеров.

Размер, тираж и цена

Размер

Каждый вид искусства тяготеет к определенным размерам, но есть одно общее правило. Каждый владелец галереи говорил мне: делать работы не более чем в трех размерах. Причина проста: это позволит избежать ненужных хлопот с другими галереями.

Давайте представим гипотетическую ситуацию. Скажем, вы используете квадратный формат для фотографий, который представлен в 5 размерах: 10 x 10, 20 x 20, 30 x 30, 40 x 40 и 50 x 50 (в дюймах). Отлично.

Предположим, вы подаете заявку в 20 разных галерей, двум из них вы нравитесь, и они хотят сотрудничать с вами. Одна хочет экспонировать ваши работы в январе-марте, вторая – в апреле-июне. Первая галерея предпочитает размер 30 x 30, вторая – 20 x 20. Это означает, вы должны заплатить за печать, оформление и доставку всех работ (что может стоить больше, чем 3.000 долларов). Ограничение в размерах не приведет к тому, что галерея откажется работать с вами. Если вы понравились второй галерее, но можете предложить только работы 30 x 30 вместо 20 x 20, они возьмут, что есть. Это поможет сэкономить вам целое состояние на подготовке двух разных выставок в двух разных размерах.

Размеры должны быть разнообразны. Это может быть один маленький размер (10 x 10), который удобно держать в руках. «Маленькая жемчужина» – объяснили мне кураторы.

Затем у вас может быть основной размер (30 x 30). Он достаточно большой, чтобы выигрышно смотреться в любом доме. Его же вы можете предоставлять в галереи. Большой размер (50 x 50) специально предназначен для коллекционеров и сдачи работ в аренду. Обычно это наибольший размер, который вы можете распечатать без потери качества. Возможно, ваши работы в большом размере будут выглядеть несколько комично, но в этом и суть – броский необычный вариант.

Ограниченный тираж

Вам не обязательно тиражировать свои произведения, но, стоит сказать, я еще ни разу не встречала кого-то, кто был бы против. А ограниченный тираж увеличивает стоимость ваших работ: покупатели платят не только за произведение искусства, но и за эксклюзивность. Тираж может варьироваться от 3 до 500 экземпляров, зависит от вида искусства, в котором вы работаете. Например, фотограф, печатающийся в одном размере, может делать 25 копий. Это означает, что он может продать только 25 экземпляров одной фотографии, на этом все. После того, как тираж закончится, больше нельзя продавать отпечатки этой фотографии (правда, возможно переиздание тиража, например, если вы невероятно знамениты или…. если вы умерли).

Звучит сложно? Возможно, да.

На самом деле, вы не всегда будете распродавать свои тиражи, но они создают ощущение эксклюзивности и побуждают к покупке. Тираж так же должен уменьшаться при увеличении размера, что придает больший вес вашим работам.

Для своих работ я использую следующую схему:

Размер (в дюймах):

• 10 x 10, тираж: 15 экземпляров

• 30 x 30, тираж: 7 экземпляров

• 50 x 50, тираж: 3 экземпляра

Цена

Ценообразование может быть сложным вопросом. В качестве отправной точки пригодится формула: затраты на чужой труд + затраты на производство + расходы на печать и доставку + прибыль = цена.

Важно также исследовать местный рынок, чтобы понять, за сколько продают похожие работы. Пусть можно продать что угодно по любой цене, я считаю, разумно знать, что делают конкуренты.

Например, рынок искусства в Монтане [штат на границе с Канадой] очень отличается от Нью-Йорка. Если бы я продавала свои работы в Монтане по ценам Нью-Йорка, ко мне едва ли бы относились серьезно.

Я так же принимаю во внимание мнение галереи по поводу стоимости. Они знают рынок лучше, чем кто-либо, и знают, какую сумму готовы потратить постоянные клиенты.

Галереям необходимо, чтобы ваши цены были достаточно высокими, чтобы показать значимость работ, но и достаточно низкими, чтобы они были сопоставимы с картинами других художников, которые выставлялись ранее.

Если вы оцениваете себя так же, как знаменитый художник, чьи работы были показаны в этой галерее недавно, но у вас нет и близко такого послужного списка, это затруднит продажу. Галереи должны защищать свой авторитет и репутацию. Продавать работы, исходя только из их возможного потенциала, они не могут, поэтому оценивайте стоимость соответственно.

Издержки и комиссия

Издержки

Как правило, художник оплачивает все расходы на организацию выставки. Сюда относится печать, транспортировка и оформление.

Поскольку вы продаете свои фотографии как произведение искусства, они должны быть напечатаны на сертифицированной архивной бумаге. Обычно галереи сами развешивают работы. Важно участвовать в этом процессе.

Для своих работ я, как правило, использую паспарту, багет и они могут быть закреплены на стене или подвешены. Так, часть моих подводных фотографий была закреплена, а часть подвешена на леске, и их легкое покачивание и колебание имитировало течение воды.

Комиссия

У каждой галереи комиссия отличается. Иногда комиссия 40% и очень редко бывает больше 50%.

Некоторые галереи устанавливают маленький процент взамен ежемесячного платежа. Скажем, вы платите 300 долларов в месяц за размещение в выставочном зале и в случае продажи всего 30%. Если у вас есть возможность, не стоит связываться с таким типом галерей.

Лучше выставляться в галерее, которая зарабатывает деньги только при продаже ваших работ. А начисление ежемесячной платы, по сути, покрывает все расходы выставочного зала. Галерея не обеспокоена продажей произведений искусства, у них отсутствует стимул для продвижения ваших работ. Если вы ничего не продаете, их это не сильно волнует, они уже покрыли все свои издержки с помощью ежемесячного платежа, понимаете?

Рассмотрим идею комбинированных галерей – пространств, где есть совершенно другой отдельный бизнес, и при этом там демонстрируют предметы искусства для продажи.

Такие места должны взимать не более 30% комиссии. Вот почему: комиссия галереи – это плата за все, что они делают. Сюда входит привлечение новых покупателей, контакты постоянных клиентов, которые могут быть заинтересованы вашей работой, мероприятия и другое. Вся рекламная кампания направлена на продажу ваших работ, и это стоит 50% комиссии.

У магазинов, которые выставляют предметы искусства, на привлечение потенциальных покупателей может отводиться лишь небольшая часть бюджета. Например, если это кофейня, то их маркетинг и промоушен ориентирован на то, чтобы стимулировать людей покупать кофе. Если кто-то случайно придет и купит арт-объект – классно, но они не преследуют эту цель. Поскольку только 20% их дохода идет на продвижение предметов искусств в их магазине, то они и должны получать только 20% комиссии.

Контракты (могут быть довольно сложными)

Существует много моментов, которые стоит обсудить с юристом. По крайней мере, обратите внимание на следующие вещи:

• Сколько вы должны будете платить и когда. Обычно это процент комиссии и дата, когда эту комиссию необходимо заплатить, как правило, конец месяца.

• Срок действия контракта. Часто контракты заключают на 3 месяца. Если контракт можно пролонгировать, то большинство галерей в этом случае требуют новые работы для экспозиции в новом периоде.

• Какое количество работ будет показано. Идеально, если будет экспонироваться вся ваша серия целиком или хотя бы половина. Некоторые галереи показывают только часть серии, но затем меняют работы на протяжении всего периода действия контракта. В этом случае вам нужно знать, какое количество ваших работ будет одновременно показываться в выставочном зале.

• Как быстро вас известят о продаже. Меня необходимо уведомлять в течение 24 часов после продажи. Это чрезвычайно важно, чтобы вы не продали больше, чем это возможно, и чтобы клиент получил то, что ему пообещали.

• Кто отвечает за ущерб, пока работы в галерее. Если в галерее произойдет пожар и ваши работы будут уничтожены, галерея должна покрыть ваши убытки. Некоторые выставочные залы требуют, чтобы у вас была собственная страховка, способная покрыть все риски, пока ваши работы находятся на экспозиции. Но, честно говоря, сложно подавать страховое требование на произведения искусства, которые вы не видели 2 месяца. Если они находятся в галерее – это ответственность галереи.

• Как расторгнуть договор. На случай если произойдет что-то непредвиденное, необходимо знать, какой будет штраф за расторжение контракта с обеих сторон. Вы можете быть привлечены к ответственности, если заберете свои работы до окончания контракта, так же как и галерея, если она не демонстрирует ваши работы весь контрактный период.

• Кто может продать ваши произведения. Разрешено ли еще кому-то продавать ваши произведения искусства, включая вас самих? Например, если это персональная выставка, вам могут запретить публиковать какие-либо изображения в интернете или выставлять свои работы где-то еще. Если вы продадите свои картины самостоятельно, без договоренностей с галереей, они могут прекратить с вами сотрудничество… что будет справедливо.

Подумайте о том, что они тратят свои силы на раздачу визиток, отправляют потенциальных покупателей на ваш сайт, а затем покупатель связывается с вами, и вы проводите продажу вне галереи. Получается все, что они сделали со своей стороны, было напрасно.
На этот случай стоит иметь дополнительное соглашение. Если покупатели приходят к вам после того, как познакомились с вашими работами в галерее, вам следует вернуть их обратно, чтобы галерея могла получить свою комиссию. Это может показаться сложным (особенно, когда ваша прибыль от продажи сокращается вдвое), но это правильное решение, простое и честное. Чем лояльнее вы относитесь к галерее, тем лучше галерея будет работать над вашим продвижением, они будут знать, что вам можно доверять и отправлять к вам потенциальных покупателей.

Спросите отзывы у художников. Я выставлялась в галерее, чьи принципы противоречили моим (не хочу называть имен или что-то еще). Если бы я поговорила с предыдущими художниками о том, как там ведут бизнес, вероятно, я бы не выставляла там свои работы. Урок был усвоен.

Продажа работ на открытии

Один из самых стрессовых моментов для любого художника – продажа работ на открытии. Предстоит убедить большое количество людей купить ваши произведения, в противном случае у вас будет хороший шанс стать к концу месяца бездомным.

Для тех, кто боится даже допустить мысль о том, что придется говорить о себе целых 4 часа с абсолютно незнакомыми людьми, вот небольшой сценарий:

• Шаг 1: Представитесь, благодарите всех за то, что они пришли, скажите, что вы готовы ответить на любые вопросы.

• Шаг 2: Ответьте на любой вопрос, который вам зададут, развернуто и подробно.

• Шаг 3: Приводите в качестве примера свои работы.

• Шаг 4: Ответьте на следующий вопрос, который вам зададут, развернуто и подробно.

Это все. Серьезно.

Вам стоит отвечать на каждый вопрос подробно, потому что чем больше знают посетители о ваших работах, тем больше они хотят купить их. Они не хотят вещь, которую можно просто повесить в прихожей, они хотят вещь, которую можно показать гостям и рассказать, насколько она необычна.

Ваш диалог с клиентом может выглядеть примерно так:

Я: «Здравствуйте! Спасибо, что нашли время и пришли сегодня. Если у вас возникнут какие-либо вопросы, не стесняйтесь спрашивать, я с удовольствием отвечу!»

Клиент: «Большое спасибо! Вы тоже художник?»

Я: «Да! Эта картина моя, она называется «Бессонница».

Клиент: «О, я вижу! Я смотрел здесь на корни деревьев, выглядит очень интересно!»

Я: «Спасибо! На самом деле мне пришлось взять их из другой фотографии. На то, чтобы добиться такого эффекта, ушло около 100 часов на редактирование».

Клиент: «Ого, это не укладывается в голове. Эй, дорогая, ты знаешь, что это заняло более 100 часов работы?»

Супруга клиента: «Да ты шутишь!».

Я: «Серьезно! А эта работа, она называется «Хранитель весны», заняла около 80 часов. Это комбинация из 46 отдельных фотографий».

Клиент: «С ума сойти! Как вы это делаете?»

Я: «Сначала я устанавливаю штатив и делаю первую фотографию, затем…»

Видите? Вместо того, чтобы просто смотреть на интересную работу, посетители думают обо всех элементах, которые входят в нее. Они чувствуют волнение и хотят, чтобы кто-то еще почувствовал его, когда они перескажут вашу историю.

Заключение

Работа с галеристами пугает, но важно сделать первый шаг и понять, что они тоже люди. Они попали в этот бизнес, потому что любят искусство, и в любом случае хотят помочь вам.

Не будьте напористы, думая, что это будет преимуществом. Пусть ваши работы говорят сами за себя. Я получила первую выставку, просто придя в галерею и показав фотографии на мобильном телефоне. Это реальная история.

Если вы знаете кого-то, кому мог бы пригодиться этот пост, не стесняйтесь поделиться им! 

кисти, тушь, акварель и масляные краски

Продукция лакокрасочной промышленности находит широкое применение. Она успешно применяется в строительстве, автомобилестроении, кораблестроении, самолетостроении. Всего не перечислить. Без антисептиков не обходятся деревянные строения и конструкции. А еще эти сооружения нужно обработать огнезащитными составами, которые также производят предприятия лакокрасочной промышленности. В быту без лакокрасочных материалов так же не обойтись.

Хочется затронуть еще одно направление, где широко применяются лакокрасочные материалы. Это выполнение различных оформительских работ, художественно-оформительское направление.

Давайте попробуем разобраться, что же нужно начинающему оформителю. Для начала, рабочая поверхность, которая удобна и может трансформироваться. Понадобится и набор чертежных инструментов и карандашей. Конечно, основа, на которой будем создавать роспись.

Инструменты художника

Кисть для художника

Главным инструментом художника являются кисти. Как их выбрать и какие приобретать.

Выбор кисти зависит от краски, которой вы будете работать. Если используем масляную, гуашевую или темперную краску, то лучше взять щетинную кисть. Такой кисточкой так же удобно наносить шрифт на ткань.

При работе возможны деформации кисти, некоторые волоски могут топорщится в сторону. Для устранения такого недостатка достаточно обработать столярным клеем, высушить и удалить выбивающиеся волоски – кисть вновь станет компактной. Перед работой ее нужно поместить в горячую воду, чтобы удалить клей.

Наносить фон вашей будущей работы или производить работу большого масштаба лучше всего флецем. Это такая плоская кисточка, которая обычно используется при производстве покрасочных работ. Она состоит из широкой плоской основы, на ней закрепляется щетина из природного сырья. Чаще всего для этих целей используется конский волос. В настоящее время эта кисть пользуется спросом среди маляров. Интересный факт – начали использовать такую кисточку именно художники, потому что с ее помощью получаются своеобразные пластичные линии.

В арсенале обязательно нужно иметь набор тонких колонковых кистей, у которых длина волоса превышает толщину в восемь – десять раз. Таким инструментом, у которого название – шлиппер, удобно выписывать шрифт на различных поверхностях, используя масляные краски.

Нужно немного остановиться на том, как обрабатывать кисточки после использования. Если работали с акварельными красками или гуашевыми, то достаточно хорошо промыть кисти обыкновенной водой. При использовании в работе темперных красок, кисточки по окончании промывают в тёплой воде с добавлением мыла. После применения масляной краски, кисточку лучше промыть в керосине, а высушивать путем подвешивания. Это делается для того, чтобы волоски не загибались о дно сосуда.

Важное замечание – очень тщательно нужно промывать место соприкосновения волосков с металлическим держателем, в противном случае волоски начнут распушаться, и кисточку придется выбросить.

Бывают ситуации, когда мягкая кисточка в течение длительного времени не была в работе и форма ее изменилась. Что предпринять в этом случае. Такую кисть достаточно смочить клеем растительного происхождения, придать необходимую форму и высушить. Спустя сутки промыть в тёплой воде. Легко можно восстановить форму плоских кисточек. Для этого их нужно увлажнить и тщательно завернуть в бумагу – и проблема решена.

Для того чтобы ваш инструмент долго сохранялся в рабочем состоянии, нужно соблюдать одно простое правило – кисточки не нужно оставлять в емкости с водой, после споласкивания обязательно извлекать, иначе волоски начнут сгибаться, привести к первоначальной форме будет сложно.

Краски для художников

Тушь для художника

Для производства оформительских работ можно использовать различные краски. Начнем с туши. В торговле можно найти чёрную и цветную тушь. Фактически это готовая краска в жидкой форме. Как правило, цветную тушь редко применяют в оформительских работах. Она прозрачная, нанести ее ровным слоем не представляется возможным. Обычно она ложится затёками, поэтому художники практически не используют цветную тушь.

Чёрную тушь, как правило, применяют, когда нужно нанести текст. Символы получаются ровные, чёткие, слой не прозрачный. Высыхает тушь очень быстро, поэтому кисточку нужно сразу же промывать, иначе на воздухе она быстро засохнет и станет непригодной.

Акварель для художника

Оформители для некоторых видов работ используют акварельные краски. Они являются смесью особых веществ, которые называются пигментами и спецраствора, который называется гуммиарабик. Пигменты помолоты, высокой степени дисперсности. Добавление гуммиарабика дает возможность разбавлять краски водой, с целью получения тонких прозрачных цветных слоёв, которые не стекают с основы.

Обычно в акварель при изготовлении вводят глицерин, который улучшает растворимость краски, и вещества, увлажняющие состав, к примеру, желчь.

Нужно учитывать, что краски разных производителей различаются между собой. Использование различных видов и соотношений исходных веществ влияют на конечный результат. Если взять краски одного тона от различных товаропроизводителей, то можно найти много отличий – густота, насыщенность цвета, срок службы будут разные. Поэтому опытным путем нужно найти наиболее оптимальную марку и изготовителя. Форма выпуска акварели различна. В продаже имеются сухие спрессованные кубики, которых есть свое название – кюветы.

Обычно в коробке с помощью специальных разделителей краски удерживаются на месте. В качестве палитры можно использовать крышку. Такую форму красок удобно использовать на натурных работах. Преимуществом кюветной формы является сравнительно низкая цена и длительный срок использования. К недостаткам можно отнести то, что сложно набрать большое количество краски на кисть и то, что при смене цвета, если плохо промыли кисточку, можно испачкать краски.

Можно приобретать акварельные краски в тюбиках различного объема. Они удобны для использования в мастерской. Находящаяся в тюбиках масса обладает большей текучестью по сравнению с кюветами, ее легко можно смешать в больших количествах. Недостатком является дополнительный расход красящего материала, потому что при выдавливании сложно получить необходимый объем. Если не аккуратно обращаетесь с тюбиком, не плотно его закрыли, то краска может испортиться.

Далеко не все еще знакомы с такой формой акварельной краски, как акварельные карандаши. Но те, кто уже познакомился с ними, отмечают ряд их преимуществ. Так что это такое? Они очень похожи на обычные карандаши. Необычным является их грифель. В нем содержится особенный пигмент, который распадается в воде. То есть, если провести таким карандашом по бумаге, а затем провести влажной кисточкой по рисунку, изображение начинает размываться, и мы получаем акварельное изображение. Такие карандаши хорошо использовать, когда нужно прорисовать множество небольших деталей. Но есть и недостаток – для них требуется специальная основа – водостойкая бумага.

Гуашь

Особой популярностью у художников-оформителей пользуются гуашевые краски. И это не удивительно. С этой краской можно работать различными инструментами. По своей сути гуашь является непрозрачной формой акварельных красок. Творческие люди считают гуашевые краски универсальным средством, с помощью которого можно освоить различные стили художественного изображения.

Комфортность работы с гуашью известна многим – отсутствует неприятный запах, не нужно использовать растворители, можно легко поправить рисунок. Различают несколько видов гуаши: художественная, плакатная, для детского творчества. Гуашь представляет собой краску на водной основе, в состав которой входят тонко растертые пигменты, связующая составляющая, обычно это гуммиарабик, белила. Гуашевые краски хорошо наносятся на основу, обладают эффектом матовости, бархатистости.

В последнее время в торговле можно найти акриловую гуашь. Такой краской можно расписывать различные поверхности. Преимущество в том, что после того, как слой высохнет, его нельзя смыть водой.

Темперные

Темперная краска представляет собой красящий состав, в который входят эмульсионное связующее и пигмент. В состав связующей основы темперной краски входит вода, различные виды клея, масло. Эмульсирующими веществами служат казеин, яйца, гуммиарабик и мыло. Темперные краски хорошо разводятся как водой, так и маслом. Основное преимущество такой краски в том, что она быстро сохнет. Это позволяет ускорить работу. К тому же, произведения, выполненные темперными красками, очень стойкие, их сочность сохраняется в течение долгих лет. Форма выпуска таких красок обычно тюбики.

Хочется отметить, что темперные краски начали использоваться очень давно. Сейчас мы можем видеть хорошо сохранившиеся картины, которые были созданы много веков назад.

Масляные краски для художников

Масляные краски очень широко используются в изобразительном творчестве. С их помощью можно достойно отобразить все, что находится вокруг нас. Масляная краска представляет собой густую пасту, которая приготовлена следующим образом. Пигмент мелко растирают, смешивают со связывающим составом, в качестве которого чаще всего используют масло. Причем, это не простое механическое смешивание, в результате получается сложная коллоидная система.

Качество входящих в состав краски компонентов оказывает влияние на устойчивость к воздействию внешней среды полученных изображений. Можно привести массу преимуществ этих красок. Благодаря наличию густой и чистой цветовой гаммы, легкости смешения можно добиться любого требуемого цвета или оттенка. Так как масляные краски высыхают не быстро, смешивать можно и на самой основе. Возможно нанесение нескольких последовательных слоёв краски. Такую краску можно легко удалить с изображения, используя различные инструменты.

Что нужно художникам?

Поскольку mnartists.org работает над перестройкой нашего веб-сайта в наступающем году, мы также находимся в удобном положении, чтобы переориентировать и переоценить то, как мы, как организация, можем лучше всего служить артистам. Когда мой коллега Скотт Стулен и я сели, чтобы пересмотреть нашу миссию, мы согласились, что помощь артистам всегда будет центральным элементом нашей миссии. По мере того, как мы продвигаемся вперед с планированием нового сайта (не говоря уже о новых навороченных особенностях), художники из Миннесоты и их потребности останутся ключевыми для нашей миссии и нашего внимания как организации.Задача непростая, поскольку потребности артистов различаются в зависимости от стадии, на которой они находятся в своей карьере, от их местоположения и различных потребностей, связанных с их дисциплиной.

Так что же нужно всем художникам?

Могу порассуждать; Я тоже художник. Разрешите представиться: меня зовут Джера Патрик, и я работаю координатором проектов на mnartists.org. Я делаю все, от ответов на вопросы службы поддержки до планирования, продвижения и управления нашими автономными программами, такими как Drawing Club , CSA: Community Supported Art, MN Made и mnartists.markerplace ; Я также помогаю в управлении стипендией McKnight Photo Fellowship для фотографов и работаю над тем, чтобы направлять художников и энтузиастов искусства к нужным им ресурсам — онлайн и другим. Я также визуальный художник. Я художник, который любит поддерживать других художников. Размышляя о том, что нужно художникам, я могу рассуждать и как художник, и как человек, поддерживающий художников и регулярно взаимодействующий с ними. Вот что у меня есть, но звоните:

Требуется художников:

• Экспозиция Художникам нужно, чтобы их работы видели; им нужна аудитория, им нужен охват и обратная связь

• Сообщество Будь то дух товарищества с другими артистами, поддержка их местного сообщества или сеть последователей

• Ресурсы Пространство для производства, материалы или расходы, которые делают вашу работу реальностью, и время для ее выполнения

• Профессиональное развитие Художникам нужен план, бизнес-стратегия, чтобы продвигать себя как профессионалов; им нужны инструменты для удовлетворения их амбиций

Все эти «потребности» различаются — и могут означать разные вещи — в зависимости от стадии карьеры художника. Форма, которую принимает каждая из этих потребностей, также зависит от дисциплины внимания художника и еще одного момента: Чего хотят художники. То, что хотят художники, зависит от их собственных целей, которые также меняются в зависимости от того, на каком этапе карьеры они находятся.

Еще в 1999 году Фонд Макнайта провел опрос для оценки потребностей художников, на основе которого был разработан mnartists.org. Так как же mnartists.org продолжает оценивать потребности художников? В течение следующего года я буду продолжать работу с тематическими сообщениями в блогах, чтобы оценивать различные потребности художников из Миннесоты и публиковать сообщения, чтобы удовлетворить эти потребности.Хотя будут проводиться и другие официальные опросы, мы также приветствуем откровенные отзывы и призываем вас ответить! Ждем вашего ответа!

Что нужно художникам? Что вам нужно как художнику? Что вам нужно для продолжения работы? Зарабатывать на жизнь? Чтобы вывести свою работу на «следующий этап»?

Кроме того, как различаются потребности художников в зависимости от того, что у вас и ? Что вам уже доступно? Чего не хватает?

Получите Walker Reader в свой почтовый ящик. Подпишитесь, чтобы получать первое слово о наших оригинальных видео, заказных эссе, кураторских перспективах и интервью с художниками.

11 инструментов, которые нужны каждому художнику

Кому не нравится играть с цветами? Иногда маленькие волшебные инструменты, такие как кисти, могут увести нас в другой мир и оживить наши мечты.

Принадлежности для рисования — это средство выразить наши чувства на бумаге. Эти материалы могут иногда быть акварелью, иногда холстом, но приоритетом является достижение наилучшего из этих материалов.Если качество ваших работ важно, то вам нужен Роллс-Ройс для рисования.

Хотя в первую очередь художник должен обладать талантом, качество и цена материалов также важны. Здесь мы собрали и перечислили товары, которые может купить каждый художник.

1. Набор карандашей AmazonBasics Sketch and Drawing Art — набор из 17 предметов

Конечно, невозможно представить художника без рисования карандашами. Кроме того, полезно знать, что слишком тонкие или слишком толстые и скользкие карандаши вредны, так как затрудняют работу с ними.Благодаря этому комплекту у вас есть несколько вариантов. В него входят различные карандаши, карандаши для рисования и угля, ластики и точилки.

Источник: AmazonBasics / Amazon

2. MILO | Предварительно натянутый холст художника 12 x 12 дюймов

Есть место, где можно нарисовать все, что вас вдохновляет. Хорошо подходит для масляной живописи, акрила, акварели, гуаши и темперных красок. Вы также можете добавить новый декор в свой дом с помощью картин, которые вы рисуете на этом холсте.

Источник: milo / Amazon

3.Набор кистей для рисования Mont Marte Art

Если вы хотите создавать уникальные произведения искусства, несколько из самых важных вещей, которые вам понадобятся, — это кисти разных размеров. Используя правильную кисть, вы сделаете рисунки совершенно разными. В этот набор входят кисти любого размера и нужной мягкости, поэтому вы можете приступить к рисованию того рисунка, который захотите.

Источник: Mont Marte / Amazon

4. Стартовый набор масляных красок Winsor & Newton Winton

Набор для рисования маслом — очень практичный вариант для начинающих художников.Высокий уровень пигментации обеспечивает хорошую укрывистость и стойкость колеровки. Вы можете начать с этих картин маслом и, возможно, в будущем создать прекрасные работы, такие как работы эпохи Возрождения.

Источник: Winsor & Newton / Amazon

5. Книга эскизов ARTEZA 9X12 «

Хочешь рисовать где хочешь? Это может быть парк, школа или, может быть, ваш дом. Тогда все, что вам нужно, это блокнот для рисования. Кроме того, его бумаги подходят для акварели, масляных красок и цветных карандашей, так что вы можете использовать все, что захотите.

Источник: ARTEZA / Amazon

6. Artlicious — негабаритная деревянная палитра овальной формы

Если вы хороший художник, ваша палитра должна быть смешанной. Вы можете играть с цветами и создавать новые цветовые оттенки. Может быть, в будущем ты сможешь стать художником, как Боб Росс, благодаря своей палитре Artlicious. Он также имеет форму для использования правой или левой рукой.

Источник: Artlicious / Amazon

7. Июньские золотые резиновые ластики (6 штук)

Если вы художник, конечно, вы можете ошибаться в своих работах, но не волнуйтесь! Вы можете стереть свои маленькие ошибки с помощью этих резиновых ластиков.Кроме того, они предназначены не только для мелких ошибок, но и для создания более резких линий. Это помогает смешать, сгладить, исправить и сделать ваши наброски ярче. Это лучший вариант по хорошей цене.

Источник: June Gold / Amazon

8. T-SIGN 66-дюймовая усиленная подставка для мольберта художника

Конечно, каждому художнику нужно место, где можно поставить свои шедевры. Тогда ваши мечты будут жить там, пока не станут произведением искусства. Если вы считаете цену и качество, вам стоит присмотреться к подставке для мольберта T-SIGN. Кроме того, вы можете принести его куда угодно, а затем нарисовать свои картины.

Источник: T-SIGN / Amazon

9. Холщовый фартук с карманами для художников

Кто не портит одежду во время рисования? Однако, чтобы стать хорошим художником, вы также должны поддерживать чистоту и порядок, поэтому вам понадобится фартук. У него 10 карманов, чтобы вы могли класть вещи в карманы во время рисования и поддерживать свою одежду в чистоте. Также он впитывает воду и краску.

Источник: Binen / Amazon

10.Набор акриловых красок 24 цвета для художников

Независимо от того, являетесь ли вы профессиональным художником или художником-любителем, вам понравится этот набор акриловых красок, потому что он имеет атласную поверхность и является одним из обязательных принадлежностей для каждого художника. Яркие цвета позволяют создавать уникальные картины. Также подходит для любых поверхностей, таких как дерево, пластик, холст, бумага, стекло и т. Д.

Источник: Monarch Creations / Amazon

11. Creative Mark Professional Mahl Stick

Каждому художнику во время рисования нужен помощник.Эта маленькая мелкая палочка будет поддерживать вашу руку во время рисования за мольбертом. Это недорого, просто и очень полезно. Кроме того, это помогает вам дать отдых рукам во время рисования в течение долгих часов. Утешайте руки и наслаждайтесь рисованием!

Источник: Creative Mark / Amazon

«Well Done Stuff является участником партнерской программы Amazon Services LLC и различных других партнерских программ, поэтому в этой статье могут быть партнерские ссылки на продукты. Нажимая ссылки и совершая покупки на партнерских сайтах , вы не только получаете необходимые материалы, но и поддерживаете наш сайт.»

5 человек, которые нужны художникам в жизни

Искусство, как и жизнь, не соло

Есть много аспектов в управлении карьерой в искусстве, помимо простого выполнения работы. Стресс, связанный со всем в одиночку, может сказаться на качестве вашего искусства и вашем благополучии.

Кроме того, чтобы стать профессиональным художником, часто требуется высокая степень уединения.

Важно инвестировать в группу людей, которые будут поддерживать, подпитывать, стимулировать, наставлять и направлять вас, чтобы помочь вам продвигаться вперед.

В команде вашей мечты есть несколько драгоценных игроков, которые могут изменить мир к лучшему в вашем искусстве. С ними вы можете быть уверены в удовлетворении работой, избежать выгорания и продолжить успешную карьеру и личную жизнь.

Создайте себе команду художников и убедитесь, что у вас есть эти игроки в команде:

Мотивационный

В мире искусства легко повторяться в своей работе, а страх быть отвергнутым и неустойчивой работой может деморализовать.В такие моменты важно окружать себя людьми, которые вдохновляют вас и верят в вашу работу.

Художественный фотограф Дженна Мартин пишет о первоначальных сомнениях матери по поводу ее работы. Однако, разобравшись в нюансах работы дочери, она стала одной из ее самых горячих сторонниц.

Мы можем обратиться к некоторым близким друзьям или родственникам за поддержкой, потому что даже самому изолированному артисту иногда нужно, чтобы их команда сплотилась вокруг них, когда фишки упали.

Тот, Кто был там раньше

Кто может лучше поддержать вас, чем тот, кто сам пошел по тому же пути?

Изобретать колесо каждый раз может быть излишне утомительным. Обратитесь к артистам в вашей области, чтобы они чувствовали себя комфортно, делясь своими методами, советами по оборудованию и неприятностями, и выбирайте их мозги в отношении того, как они работают.

Существуют арт-бизнес-тренеры, которые помогут вам улучшить ваш опыт как художника и дадут вам бесценные советы по развитию вашего бизнеса.Тренер по арт-бизнесу Элисон Стэнфилд не только проводит семинары, но и преподает онлайн-классы, и несколько художников подтверждают советы, которые она дает.

Деловой специалист

Вероятно, вы не занялись творчеством, чтобы стать владельцем бизнеса, но, сюрприз! — когда ваши произведения искусства стали популярными, вы оказались в положении, когда вам нужно было понять, как вести бизнес.

Не волнуйтесь, вам не нужно возвращаться в школу и получать степень MBA.Однако вам следует добавить несколько бизнес-консультантов в свой круг поддержки художников.

Интернет-форумы, такие как Artists Helping Artists и The Artist Entrepreneur Network, стремятся облегчить вашу бизнес-нагрузку и помочь художникам расти и расширять свои бизнес-знания.

Службы

, которые предоставляют простые в использовании инструменты управления бизнесом, такие как Artwork Archive, могут существенно облегчить вам задачу, чтобы вы могли сосредоточиться на других задачах.

Объективный

Иногда необходимо узнать правду.

Друзья и семья имеют тенденцию быть предвзятыми, и их взгляды могут быть связаны из-за нежелания обидеть ваши чувства или просто непонимания значения или сложности ваших работ.

Необходимо наставничество, здоровую критику и толчок в правильном направлении.

Такие заведения, как Arts Business Institute, предоставляют практические ноу-хау посредством коротких семинаров и курсов и могут помочь вам сделать правильный выбор.

Поиск подходящего наставника, которому нечего ни выиграть, ни потерять, давая вам честные отзывы, имеет решающее значение и может во многом определить будущий успех или разочарование в вашей работе.

Холодный один (или два)

Как и в любой профессии, если на работе вы наткнетесь на землю, вы не будете ни продуктивны, ни счастливы. Важно проводить время с людьми, которые помогают нам забыть о напряжениях и заботах, связанных с работой. Это люди, с которыми вы можете расслабиться и зарядиться энергией, и они косвенно побуждают нас делать все возможное в нашей работе.

Перефразируя слова Тима Ганна, чтобы они соответствовали профессии художника, искусство, как и жизнь, не является сольным действием.

Жизнь художника — это огромное сотрудничество, и нам нужно собрать вокруг себя команду, наполненную людьми, которые болеют за нас в периоды триумфа и поддерживают нас во времена борьбы.

Готовы снять с плеч деловой груз? Попробуйте Artwork Archive, чтобы увидеть, как управление арт-бизнесом из одного места избавляет от стресса вашей художественной карьеры.

11 классных принадлежностей для рисования, о которых вы никогда не слышали, но должны попробовать

Фото: Stock Photos from Halfpoint / Shutterstock
Этот пост может содержать партнерские ссылки.Если вы совершите покупку, My Modern Met может получать партнерскую комиссию. Пожалуйста, прочтите наше раскрытие для получения дополнительной информации.

Если вы творческий человек, нет ничего лучше, чем пробовать новые художественные принадлежности. Всегда приятно получить свежий тюбик акриловой краски или набор карандашей для рисования, но знаете ли вы, что есть инструменты и материалы, которые не попадают в поле зрения? Они новаторские и обязательно помогут в вашем искусстве и дизайне, но, как правило, у них есть культ.

Мы выбрали одни из лучших художественных принадлежностей, о которых вы никогда не слышали.Часто в них есть что-то необычное, и инструменты могут помочь решить проблемы, с которыми вы сталкиваетесь в своей практике. Например, вы любите акварельные краски, но хотели бы ими рисовать? Вы можете сделать это акварельными мелками. Ваша рука устает от кропотливого вырезания из бумаги? Нож с указательным пальцем может помочь. А если вы заметили, что вам нужно уменьшить (или увеличить) масштаб своего рисования, есть аналоговый инструмент, который поможет вам в этом — математика не требуется.

Ознакомьтесь с нашей подборкой ниже.

Хотите попробовать новые инструменты? Вот 11 классных принадлежностей для рисования, о существовании которых вы даже не подозревали.

Набор акварельных блесток

Пауль Рубенс | 49,99 долл. США

Эти блестящие акварельные краски Пауля Рубенса предварительно смешаны с переливающейся средой, что создает особый эффект мерцания. Используйте этот портативный 24-цветный набор, чтобы добавить немного блеска в свои проекты рисования.

Пустая книга комиксов

B Берн | 5 долларов.99

Вы всегда хотели попробовать нарисовать комикс, но не знали, с чего начать? Что ж, этот пустой комикс сделал за вас тяжелую работу. Внутри журнала 120 страниц семипанельных шаблонов макетов. Выберите один, чтобы, наконец, начать набрасывать свою историю!

Мелки акварельные

Caran d’Ache | 21,64 $ за набор из 15 шт.

Акварельные мелки — это красочный пигмент, сжатый в карандаш для рисования, который дает вам лучшее из обоих миров.Чтобы использовать их, нарисуйте на бумаге, как цветным карандашом или пастелью. Затем с помощью кисти добавьте воды, чтобы активировать краску и растушевать цвет.

Краски Pebeo

Pebeo | 28,34 $ за набор из 12 шт.

Краски

Pebeo не похожи ни на один пигмент, который вы использовали ранее. Их уникальные формулы на масляной основе меняют цвет и текстуру прямо на ваших глазах! Набор Discovery включает в себя множество их красок, но Fantasy Prisme и Moon — два из наших фаворитов. При заливке и сочетании с двумя или более цветами эффекты соты и мраморность.Благодаря этому они отлично подходят для декоративной или абстрактной живописи.

Пуансоны для бумаги

Fiskars | 6,49 долл. США +

Если вы энтузиаст скрапбукинга или создаете коллаж, удары руками помогут быстро получить однородную форму бумаги. Эти инструменты варьируются от простых до сложных форм и могут использоваться так же, как и обычный дырокол.

Uni-posca Маркер для рисования

Uni-Posca | 25 долларов.17 для набора из 8

Как акварельные мелки, маркеры Uni-posca позволяют создавать эффекты, похожие на краску, без беспорядка. Непрозрачные маркеры могут работать на самых разных поверхностях (например, на стекле, пластике, металле и дереве) и не растекаются по странице, когда вы рисуете на бумаге.

Мастихин для спецэффектов

Wonderfulwu | $ 19,99

Если вы любите рисовать мастихином или использовать его для вырезания из глины, вот небольшая хитрость.Этот набор из девяти специальных эффектов палитры ножей бывает разной формы, что позволяет вам манипулировать своим носителем для создания узоров и захватывающих текстур.

Ручки для водяных кистей

Принадлежности MozArt | 8,99 долл. США

Заполните этот набор кистей водой, чтобы использовать его в акварельной живописи. Каждая посуда имеет различную форму и размер нейлонового наконечника, что дает вам массу возможностей для творчества. Некоторые из них отлично подходят для надписей от руки, в то время как другие сделают раскрашивание больших участков цветом простым.

Дозатор Acurit

Джерри Артарама | $ 49,69

Вы когда-нибудь работали над чертежом, и вам нужно было увеличить его или уменьшить? Это сложнее, чем может показаться. Acruit Proportioner — это аналоговый инструмент, который позволяет вам измерить исходный рисунок и затем перенести его в правильной пропорции на новый рисунок — никаких математических вычислений!

Указательный нож

лезвия Excel | 5 долларов.33

Традиционные ножи X-Acto плохо держатся в руке; если держать их слишком долго, вы утомляете всю руку. Этот обновленный дизайн имеет овальное отверстие в ручке, которое «обнимает» указательный палец во время использования. Это удобно, но также дает вам контроль при нарезке бумажного коллажа.

Кисть для стола Hedgehog

РЕДЕКЕР | $ 18,99

После успешного занятия декоративно-прикладным искусством вам понадобится напарник по уборке, который поможет привести в порядок ваш стол.Кисть для стола Hedgehog от REDECKER аккуратно удалит с вашего рабочего места стружку от ластика, пыль и другой мусор.

Статьи по теме:

Карл Лагерфельд создал элегантный сундук с художественными принадлежностями, чтобы отпраздновать любовь к рисованию

8 лучших наборов художественных маркеров для любителей раскраски и профессиональных креативщиков

13 лучших наборов акварельных красок, которые понравятся как начинающим, так и профессиональным художникам

Художнику нужны настойчивость и вдохновение, которое одинаково во все времена и во всех странах

Художник Чжан Чжимин Фото: предоставлено Чжан Чжиминь

Произведения современного искусства вступают в новый век с углублением и освобождением мыслей. Традиционные концепции меняются в связи с потребностями модернизации, так же как коммерческие предприятия делают все, чтобы их продукция удовлетворяла эстетические потребности людей.

Однако искусство отличается от коммерческой продукции. Он больше ориентирован на духовное наслаждение, чем на материальное использование. Искусство не должно производиться серийно; он должен быть уникальным.

Искусство тоже не должно плыть по течению и становиться пошлым. Только так искусство может стать более ценным и затронуть больше людей. Изысканные произведения искусства обычно бесценны и могут всегда иметь доброе имя.

Чжун Хуа Тай Шань (Гора Тайшань), 800 см x 300 см, 2016 г.

В современной художественной среде художники иногда сбиты с толку. Они должны сначала подумать о долгосрочном вопросе, который составляет суть искусства и жизни. Затем они могут использовать кисть и лист бумаги, чтобы выразить свои мысли через искусство и показать их другим художникам.

Живопись — интересная карьера. У художника глубокие мысли мыслителя и талант художника. Эти два аспекта идеально сочетаются, чтобы помочь художнику добиться успеха.Если у художника нет глубоких мыслей, то, что он рисует, — это только бессмысленные подписи, а не суть цивилизации.

Чтобы добиться успеха, художники должны руководствоваться тенденциями своего времени и делать некоторые инновации, основанные на традиционной культуре.

Чжун Хуа Тай Шань на выставке в Большом зале народа Фото: любезно предоставлено Чжан Чжиминь

С установлением рыночной экономики мысли людей меняются. Искусство тесно связано с политикой и экономикой, и оно очень важно для серьезных мыслей и жизненных перспектив.

Искусство — проводник осознания людей. Горы, реки, мосты и ручьи, нарисованные художником, передают его или ее индивидуальные чувства и, таким образом, вызывают резонанс с другими. Итак, искусство может отражать потребности времени.

Если художник теряет себя, он или она становятся жесткими, им не хватает новаторства и чувств. Искусство иногда бывает достаточно серьезным, чтобы передать человеческую боль и беспокойство.

Искусство также может быть расслабляющим и отражать чувства художника к красивым вещам.Сегодня можно увидеть множество видов искусства, когда ценности и мнения расходятся.

Каждое произведение искусства может подарить людям счастье. Но послевкусие обязательно должно быть в хорошем произведении. Ни одно великое искусство не передается из поколения в поколение без грусти или счастья.

Чжан Чжиминь рисует Чжун Хуа Тай Шань . Фото: любезно предоставлено Чжаном Чжимином.

В теории рисования Запад фокусируется на конкретных вещах, а Восток — на духе, который может представлять рисунок.Хотя искусство на Востоке и на Западе отличается по материалу и форме, одно не изменилось, и это стремление к сути рисунка, которая является характеристиками времени, переданными в произведении.

Начиная с 20 века, общение между Востоком и Западом привело к тому, что Китай принял западные навыки рисования, а Запад воспринял китайскую концепцию искусства. На самом базовом уровне художник с обеих сторон может найти лучший способ передать тему произведения искусства. В результате современные художники должны спокойно думать о жизни и быть эмоциональными.

Художественное творчество — дело приятное, и самое ценное в нем — натуральность. Преднамеренная и искусственная работа только усложняет искусство. Тем не менее, хорошие мысли и хорошие навыки могут помочь художнику получить удовольствие от своей работы и легко ее закончить.

Чжан рисует облака на горе Тайшань. Фото: любезно предоставлено Чжаном Чжимином.

Художник должен заниматься искусством, основанным на повседневной жизни. Если художник сидит в студии, не переживая жизни, то он или она отрывает себя от масс и реальности.Их линии, цвета, структуры и изображения, возможно, будут не такими яркими. Жизнь — корень искусства. Когда мы гуляем на природе, мы чувствуем красоту каждого камня, дерева, травы и росы. Мартовские цветы, майские рисовые поля, августовские облака и декабрьский снег могут быть прекрасны, как стихотворение.

Искусство должно исходить от жизни и быть выше жизни. Бездорневое и слепое творение сбивает с толку зрителей. Некоторые ученые создают, основываясь только на своем воображении, что тоже неправильно. Быстро развивающаяся современная жизнь и стремление к коммерческой выгоде сделали работы некоторых художников искусственными, поскольку они стремятся только заработать деньги.

Ключ — ум художника. Некоторые художники непостоянны, лицемерны и ищут только быстрого успеха и мгновенной выгоды. Несмотря на то, что у них нет настоящих чувств к жизни и солидных художественных навыков, они называют себя художниками и производят работы большими партиями. Их произведениям недостает чувства, потому что они претендуют на глубину.

Художественная форма очень важна. Люди говорят, что искусство важнее духа, и это имеет смысл. Раньше художники думали, что форма искусства и содержание кажутся антагонистическими по отношению друг к другу.Казалось, что эта форма искусства была оболочкой для содержания. Итак, некоторые художники ошиблись в создании произведений искусства, преследуя только грандиозные и глубокие произведения искусства и пренебрегая их духом.

На самом деле, иногда имеет значение не то, что рисует художник, а то, как художник рисует. Традиционные китайские рисунки тушью имеют богатое содержание и являются признаком образования, художественного вкуса и уровня художника. Каждая работа может показать стиль художника, его любовь к красоте, а также то, что он любит и ненавидит.

В художественном творчестве самое важное — это открытия и инновации. Открывать для себя красоту жизни и представлять ее в новых формах важно. Рисовать можно в ногу со временем.

Если художники путешествуют по горам и долинам, они могут понять философию, такую ​​как древнекитайская теория о том, что человек является неотъемлемой частью природы, а человек должен соответствовать природе. Художникам важно создавать произведения искусства в соответствии с природой и ее духом.

Чтобы открыть для себя красоту жизни и природы, нам не нужно углубляться в лес или в отдаленные места, а только наблюдать за зелеными листьями на улице, ручьем в пригороде, ярким солнцем и плывущими облаками в небо, и даже процветающий рынок или многолюдные толпы на улице. Красота повсюду, только если можно открыть ее в жизни и внедрить новшества.

Художникам нужно много работать и искать вдохновение. Таковы все мастера искусства в Китае и за рубежом. Нет никакого ярлыка, и они не могут придерживаться соглашения.

Искусство требует, чтобы художники были искренними, добросердечными и милыми, а не играли с глубокими мыслителями. Только если художники будут внимательно следить за тенденциями времени, они смогут создавать безупречные работы, основанные на жизни.

Чжан завершает работу над Чжун Хуа Тай Шань .Фото: предоставлено Чжан Чжиминь

Художник Чжан Чжимин Фото: предоставлено Чжан Чжиминем

Знакомство с художником:

Чжан Чжимин родился в 1956 году в округе Янсинь провинции Шаньдун. В 1983 году он окончил Шаньдунский университет искусств и там же стал преподавателем. год. В 1985 году он продолжил учебу в Китайской академии искусств.

Чжан — бывший глава Шаньдунского университета искусств. Он также был профессором и научным руководителем аспирантуры в университете.Чжан — член Китайской ассоциации художников, заместитель главы Китайской ассоциации живописи и исследователь Китайской национальной академии живописи. Его работы были отобраны для Национальной выставки изящных искусств и неоднократно награждались. Его работы также хранятся в Национальном художественном музее Китая и Национальном музее Китая.

Единый магазин произведений искусства, необходимый каждому художнику

Совет: для творчества не нужно много. Вернитесь к основам с основными принадлежностями для рисования, которые нужны каждому художнику.

Я знаю много художников, и, независимо от уровня их навыков, всех нас объединяет одно: мы запасаемся товарами для искусства.

Посетить магазин товаров для искусства (или сайт электронной коммерции) — все равно что быть ребенком в кондитерской. Вкусная краска, яркие цветные карандаши, жирные мелки, чернила всех цветов радуги, самые мягкие кисти, всевозможные альбомы для рисования и ручки, о, как много ручек — мы хотим всего .

Но какие художественные принадлежности вам действительно нужны?

В эти запутанные и страшные времена, когда я живу в изоляции, то, что мне действительно нужно, стало яснее.Лично я рассчитываю на то, что у меня есть надежная крыша над головой, теплый дом и отличный сосед по комнате (мой муж!).

По мере того, как я заполняю страницу за страницей рисунками, которые сохраняют рассудок и отвлекают меня от мыслей хотя бы на время, я понимаю, что есть за что быть благодарным. И пока я прокладываю путь по квартире, я творчески бросаю себе вызов, собирая художественные материалы, которые у меня были целую вечность, но которыми я почти никогда не пользуюсь. Но даже если у вас не так много принадлежностей для рисования, вы все равно можете заниматься творчеством.

Во время нашего семинара «Перьевые ручки» кто-то спросил: «Что бы вы выбрали, если бы вам разрешили принести только свой альбом для рисования и один инструмент?»

Ручка. Любая ручка!

Это действительно все, что вам нужно для начала и продолжения работы. Твой альбом для рисования и ручка.

Дело в том, что искусство создает не инструмент, а вы.

Рисуйте селфи (или полку) каждый день, и результат каждый раз будет разным.Несколько лет назад я заполнил целый альбом автопортретов, и он стал одним из самых разнообразных альбомов, которые у меня есть.

Если вы используете одно и то же перо каждый день, это может показаться скучным, но подумайте — это не обязательно. Вы действительно можете создавать удивительные вещи. Никаких отвлекающих факторов или откладывания на потом, потому что вы не можете выбрать, какой художественный материал использовать — вы можете сразу же погрузиться в него.

Андреа Джозеф начала рисовать с помощью простых шариковых ручек. Она рисовала только дома, сама по себе, и у нее было самое удивительное искусство.Заполняла альбом за альбомом, и она стала известна своим искусством шариковой ручки.

Искусство Андреа Джозеф

И посмотрите на ее искусство сейчас: Андреа превратилась в такого выразительного художника, который использует любой инструмент для рисования и заводит друзей (в Интернете и в реале) по всему миру с тех пор, как « выступая как художник »(как она это называет).

Дэнни в настоящее время обходится очень немногими принадлежностями для рисования, но все еще создает вещи. Когда несколько недель назад он уезжал в короткую поездку в Калифорнию, он не думал, что ему понадобится гораздо больше, чем альбом для рисования и перьевая ручка.Благодаря коронавирусу короткую поездку продлили на несколько недель. Но он находит в доме вещи, которые может добавить к своему творческому арсеналу. Sharpies, маркеры-маркеры и несколько цветных карандашей.

Пока у вас есть чем рисовать и чем рисовать, вы можете сохранять творческую привычку.

Иногда ему нужно быть более изобретательным, но разве не в этом вся суть творчества? Просто возьмите ручку и нарисуйте. Не пользуйтесь карандашом и уж точно не ластиком.

«Рисунок — это просто линия, идущая на прогулку». — Пауль Клее

Искусство Коосье Коэне

Или, как сказала Вероника Лоулор: «Когда вы идете, вы не говорите:« Подождите, этот шаг был не совсем правильный, давайте сделаем шаг назад и сделаем это снова ». Так зачем вам это делать? своей строкой, стирая ее, потому что «это не совсем правильно?» »

Возьми эту ручку. Это действительно все, что вам нужно, чтобы стать художником.

Если вы хотите вернуться к основам, посетите новый курс Art Bootcamp.Изучите или восстановите свои основы рисования, акварели, теории цвета и многого другого.

инструментов, которые нужны каждому художнику — HIBERNIAN Arts Blog

Когда дело доходит до рисования и создания красивых произведений искусства, одним из самых важных инструментов, которые вам понадобятся, является кисть. Вы можете подумать, что это очевидно, но на самом деле это одна из первых вещей, о которой люди думают, когда видят вашу работу. Причина, по которой это такая важная часть ваших художественных принадлежностей, заключается просто в том, что это средство нанесения краски на поддерживающий слой вашего холста.Опорный слой — это то, что скрепляет все вместе, поэтому без этого жизненно важного элемента ваши работы просто развалятся. Однако есть ряд других инструментов, которые вам понадобятся в вашей студии, которые не только улучшат вашу работу, но и помогут добиться лучших результатов.

Набор кистей, валиков, палитр и даже точилок

Инструменты, которые требуются художникам, начинающим или опытным художникам, — это набор кистей, валиков, палитр и даже точилки.Эти инструменты нужны каждому художнику для начала и по мере его продвижения по карьерной лестнице. Вы можете пойти в местный магазин товаров для искусства и найти необходимые инструменты или зайти в Интернет и поискать необходимые инструменты в Интернете.

Смеситель для краски

Одна вещь, которая есть у всех художников, — это смеситель для краски. Это необходимость для тех художников, которые предпочитают работать с красками нескольких цветов одновременно. Это даст им возможность правильно смешивать краски и контролировать их, не беспокоясь о том, что краска закончится.Еще им понадобится палитра с красками разных цветов. Они смогут выбрать, какие цвета им нравятся в большинстве цветовых палитр, работая в пространстве для рисования, а затем выбрать, какие цвета им нравятся в новой палитре для своих картин.

Различные типы щеток и валиков

Другие инструменты, которые нужны каждому художнику, — это различные типы кистей и валиков. Разные художники предпочтут одну марку или тип кисти другому, поэтому всегда полезно проверить в Интернете некоторые художественные принадлежности, чтобы решить, что вам больше всего нравится.Существуют также различные типы роликовой бумаги, которая необходима для кистей. Принадлежности для рисования, в том числе трафареты, очень полезны при создании великолепного изображения.

Малярные инструменты так же важны для художников, как и для любой другой профессии. Эти инструменты помогут вам вдохновиться рисованием. Кисти, валики и смесители для рисования необходимы художникам, потому что эти инструменты помогут им создавать удивительные картины. Еще один инструмент, который очень помогает художникам, — это подрамник для холста.Они могут приобрести их в Интернете или, в некоторых случаях, в местном магазине товаров для искусства. Подрамник используется для поддержки холста во время работы художника.

Основные инструменты, необходимые художникам, включают кисти, валики, палитры и трафареты. Если вы посмотрите в Интернете, вы сможете увидеть фотографии кистей и другого оборудования, которое используют эти художники. Базовые инструменты необходимы каждому, кто хочет исключительно хорошо работать в своем ремесле. Вы будете поражены тем, что эти профессионалы делают с помощью простых инструментов.

Холст

Для людей, работающих с холстом, очень важно иметь качественные инструменты. Когда вы чистите холст кистью, важно иметь очень мягкую кисть, которая не повредит ваши руки.