Что такое импрессионизм в скульптуре: Impressionism in sculpture | Arthive

Разное 

Содержание

Импрессионизм в скульптуре — презентация онлайн

Импрессионизм в
скульптуре.
Франсуа́ Огю́ст
Рене́ Роде́н
(12 ноября 1840 — 17
ноября 1917).
Подготовила: Лябахова Юлия Андреевна,
преподаватель истории искусств
Франсуа Огюст Рене Роден —
знаменитый французский
скульптор, один из
основоположников
импрессионизма в скульптуре.
Огюст Роден родился в Париже. Учился в
парижской
Школе
рисования
и
математики,
поступив
туда
вопреки
желанию отца, и у Антуана Бари в Музее
естественной истории. В 1864 первая
работа Родена — «Человек со сломанным
носом» — была отклонена на парижском
Салоне,
так
как
бросила
вызов
академическим канонам красоты. Роден
также не был принят в Школу изящных
искусств, и с 1864 по 1870 годы работал в
мастерской
А.Карье-Беллёза
при
Севрской
мануфактуре,
зарабатывая
созданием декоративной скульптуры.
«Иоанн Креститель» 1878
Первым признанием таланта
Родена
стала
покупка
государством двух его статуй —
«Иоанн Креститель» (1878) и
«Шагающий» (1877). Ему было
поручено
создание
скульптурного портала. Работе
над «Вратами ада» (начата в
1888)
Роден
посвятил
всю
оставшуюся
жизнь,
черпая
вдохновение в «Божественной
комедии» Данте.
«Шагающий» 1878
В
этих
работах
появляется
идея
«воплощения движения в
камне».
Натурщиком
для них стал безвестный
итальянский крестьянин,
который
предложил
скульптору свои услуги
после
возвращения
последнего из Италии.
«Бронзовый век»,1876
Первая значительная работа. Задачей
скульптора была не пропорциональность
и красота, а изображение движения.
Поза юноши находится в переходном
состоянии, это почти случайное мгновение
в жизни.
Когда весной 1877 года работа была
показана в парижском Салоне, на
официальной регулярной художественной
выставке, она вызвала настоящий скандал.
Современники Родена, приверженцы
академизма, были настолько поражены
реалистичностью скульптуры, что обвиняли
художника в мошенничестве, говорили, что
он сделал слепки с живого натурщика
(тем более что статуя была выполнена в
человеческий рост, а в качестве
материала был использован гипс).
«Врата ада»
Врата ада Сейчас речь пойдет о самой
известной и значимой композиции
Огюста Родена. Этому шедевру он
посвятил всю жизнь. «Врата ада»
впоследствии вылились в основную
массу статуй, автором которых является
Роден. Скульптуры с названиями
«Поцелуй», «Мыслитель» и многие
другие когда-то были лишь зарисовками
в процессе создания шедевра
«Врата ада» Фрагменты
Композиция была заказана как оформление для
входных дверей парижского музея декоративных
искусств.
Семиметровые «Врата» вмещают 186 фигур,
изначально их должны были обрамлять статуи
первых грешников – Адама и Евы, но чуть позже
Роден отказался от этой идеи. Впрочем, фигура
Адама стала основой для композиции, которая
венчает портал – «Трех теней». А под ней –
бездонная пропасть, поглощающая души
грешников…
«Три тени ада»
«Мыслитель» 1880-82
По первоначальному замыслу автора
скульптура называлась «Поэт». Следуя
традициям классической скульптуры
Микеланджело, Роден наделил своего
героя физической мощью, однако
исполнил
его
подчёркнуто
аллегоричным,
не
имеющим
реальных прототипов.
Впервые «Мыслитель» был публично
выставлен в 1888 году в Копенгагене. В
1902 году была отлита в бронзе
увеличенная до 181 см скульптура,
которую в 1904 году Роден выставил в
парижском Салоне. В 1906 году
бронзовый
«Мыслитель»
был
установлен в Пантеоне. При этом
Роден, выступавший на открытии,
заявил, что «Мыслитель» является
памятником французским рабочим.
В 1922 году эту бронзу перенесли в
музей Родена в Отель Бирон.
«Поцелуй» 1882
«Вечная весна», 1900
Композиции
«Поцелуй» и
«Весна» –
возвышенные и
поэтичные и
одновременно
очень чувственные,
телесные
изображения
любви.
«Амур и Психея», 1905
Памятник гражданам Кале
Во время столетней войны английский король
осадил город Кале. Жители, отказавшись сдаваться,
заперли ворота и приготовились к длительной
блокаде. Осада продлилась более года. Запасы
провианта заканчивались, и население Кале
вынуждено было сдаться. Английский монарх
Эдуард III предъявил следующие условия, на
которых он примет капитуляцию. Ему должны были
выдать шесть богатых и именитых горожан, чтобы он
их казнил. Но жребий не понадобился. Первым
вышел Юсташ де Сен Пьер, богатейший банкир в
городе. Он решил принести себя в жертву ради
спасения любимого города. За ним вышли еще
пятеро знатных горожан. Пораженная таким
самопожертвованием, жена английского короля
упросила мужа помиловать их. Эта шестерка не
была казнена.
Таким образом, скульптуры Родена символизируют
то, что героизм скрывается в каждом из нас. Нужно
только создать определенные условия для его
проявления.
Если попытаться
проанализировать эти статуи,
можно прийти к неоднозначным
выводам. Новаторство художника
выразилось в первую очередь в
отсутствии постамента. Огюст
Роден настаивал на положении
фигур на уровне прохожих,
кроме этого, важной была
оговорка по поводу их величины.
Они планировались в
человеческий рост.
Памятник Бальзаку
В
1898
общество,
заказавшее Родену
статую
Бальзака,
отказалось от его
услуг, мотивируя это
тем,
что
в
представленном
этюде
нет
портретного сходства
с писателем.
Личная жизнь
Личная жизнь скульптора была не
менее насыщена, чем его творческая
деятельность. В 1885 Роден взял
помощницей в мастерскую 19-летнюю
Камиллу Клодель. Девушка оказалась
не только талантливой ученицей, но и
вскоре стала возлюбленной Родена,
несмотря на значительную разницу в
возрасте. При этом Роден не разрывал
отношения со своей спутницей жизни
Роз Бёрес, которая была рядом с ним в
трудные годы, когда они бедствовали в
Бельгии, и растила их сына.
«Данаида» 1885
Работа «Данаида» – это
очень красивая скульптура
Родена. Красивое тело
дочери царя Даная
рождается из глыбы, будто
бы на свет появляется
прекрасный цветок в поле.
Эту работу автор создавал
для своей возлюбленной
дамы, которая также была
скульптором и смогла по
достоинству оценить
работу. Данаида была
создана в 1885 году из
белого, чистого камня,
словно, олицетворяя начало
новой жизни.
Помимо радостной темы любви, здесь порой звучат и тревожные и даже
скорбные ноты, предвестники неизбежной разлуки «Любовь убегает!», «Скорбь»,
«Данаида», «Плачущая» 1890, «Отчаявшийся мужчина» 1885, «Скорбящая!»,
«Прощание», «Меланхолия» и другие. Может быть, Роден уже предчувствовал
разрыв с Камиллой, произошедший около 1897 года.
Жорж Клемансо
1913
Джордж Бернард
Шоу, 1906
В 1900-х годах Роден
стал
регулярно
получать заказы на
портреты богачей и
знаменитостей своего
времени. Среди его
клиентов
были
Бернард Шоу, Густав
Малер,
Жорж
Клемансо, президент
Аргентины
Доминго
Фаустино Сармьенто,
химик
Марселен
Бертло,
филантроп
Берта Палмер.
«Девушка в шляпке с
цветками», 1870
Роза
была
верной
спутницей
великого
скульптора в течение пятидесяти трех лет.
Страх одиночества заставил тяжело больного
75-летнего Родена приехать к Розе навсегда в
Медон. Вскоре он перенес удар, его правая
рука почти отнялась. Чуть придя в себя, Роден
составил завещание: 1000 франков в год — сыну
, а все имущество — Розе. Свои скульптуры
Роден завещал Франции.
Роза не могла по закону
обладать
наследством Родена, поскольку не являлась его
официальной женой. И тогда
Огюст и Роза
обвенчались ( 29 января 1917 года). Через две
недели после свадьбы Роза скончалась от
воспаления легких. А через девять месяцев
ушел из жизни и Огюст Роден .
«Миньон. Портрет
Роуз Бюре», 1868
Наследие
На сегодняшний день официально существуют три музея в мире,
посвященные творчеству этого художника. Выставляются скульптуры Родена в
Париже, Филадельфии и Мёдоне, где находится могила и бывшая вилла
мастера.
Огюст Роден при жизни позволял снимать копии со своих творений для
коммерческих целей. Так, в литейных мастерских официально было
произведено более полутысячи дубликатов скульптур «Вечный идол» и
«Поцелуй». Благодаря такой политике великого мастера, его шедевры в виде
копий находятся в самых именитых музеях мира. Их можно найти среди
экспонатов в Эрмитаже (Санкт-Петербург), музее имени Пушкина (Москва),
Национальной галерее искусств (Вашингтон), Метрополитене (Нью-Йорк),
музее Копенгагена и других заведениях. Однако в 1956 году во Франции
официально был принят закон, который запрещает считать подлинными все
уже сделанные копии, начиная с тринадцатой. Юридически же с этого
времени позволялось снимать с каждого творения Огюста Родена только
двенадцать копий. Но поскольку все права после смерти художника перешли
его французскому музею, то права наследников это решение не затрагивает.
Музей Родена в Париже
(бывший особняк Отель
Бирон)

3.

Импрессионизм в скульптуре и музыке. Импрессионизм как направление в искусстве

Импрессионизм как направление в искусстве

контрольная работа

Современником и соратником импрессионистов был великий французский скульптор Огюст Роден (1840—1917). Его драматическое, страстное, героически возвышенное искусство прославляет красоту и благородство человека, оно пронизано эмоциональным порывом (группа «Поцелуй», «Мыслитель» и др.) для него свойственна смелость реалистических исканий, жизненность образов, энергическая живописная лепка. Скульптура имеет текучую форму, приобретает как бы незаконченный характер, что роднит его творчество с импрессионизмом и в то же время позволяет создать впечатление мучительного рождения форм из стихийной аморфной материи. Эти качества ваятель сочетал с драматизмом замысла, стремлением к философским размышлениям («Бронзовый век», «Граждане Кале»). Художник Клод Моне назвал его великим из великих. Родену принадлежат слова: «Скульптура это искусство углублений и выпуклостей».

Клод Дебюсси (1862—1918) — основоположник музыкального импрессионизма. Он воплотил в музыке мимолетные впечатления, тончайшие оттенки человеческих эмоций и явлений природы. Современники считали своего рода манифестом музыкального импрессионизма прелюдию к «Послеполуденному отдыху фавна». Здесь проявилась зыбкость настроений, утонченность, изысканность, прихотливость мелодики, колористичность гармонии. Одно из наиболее значительных произведений Дебюсси — опера «Пеллеас и Мелизанда» по драме М. Метерлинка. Композитор создает сущность неясного, символически-туманного поэтического текста. Самое крупное симфоническое произведение Дебюсси — три симфонических эскиза «Море». В последующие годы в сочинениях Дебюсси проявились черты неоклассицизма. Продолжил и развил искания Дебюсси в области импрессионистической музыки французский композитор и пианист Морис Равель (1875—1937). Его работам присущи чувственность, экзотическая гармоничность и великолепные оркестровые эффекты (балет «Дафнис и Хлоя», болеро для оркестра).

Делись добром 😉

Античная культура средиземноморья

2. Воплощение эстетического идеала в скульптуре

Итак, человеческое тело стало мерилом всех форм греческой культуры, Теория красоты и гармонии нашла свое прямое предназначение в скульптуре древних греков. Далее рассмотрим, как воплощали скульпторы эстетический идеал в своем искусстве…

Влияние мифологии на скульптуру Древней Греции

3. Отражение мифов в скульптуре Древней Греции

Древнегреческая скульптура — одно из высочайших достижений культуры античности, оставившее неизгладимый след в мировой истории. Зарождение греческой скульптуры можно отнести к эпохе гомеровской Греции (XII-VIII веков до н. э.). Уже в эпоху архаики…

Дымковская игрушка

1.2 От простых игрушек и свистулек к декоративной скульптуре

Промысел игрушки уже в XIX в. приобрел самостоятельное значение, выделившись из гончарства. Это обобщенная, декоративная глиняная скульптура, близкая к народному примитиву: фигурки высотой в среднем 15-25 см. ..

Импрессионизм в живописи, музыке и литературе

4. Импрессионизм в музыке

Расцвет импрессионизма в изобразительном искусстве не мог не оказать влияния на формирование отдельных принципов и на развитие выразительных средств в литературе…

Импрессионизм в живописи, музыке и литературе

4. Импрессионизм в музыке

Расцвет импрессионизма в изобразительном искусстве не мог не оказать влияния на формирование отдельных принципов и на развитие выразительных средств в литературе…

Категория трагическое в античном театре и музыке

3.3. Аристотель. Отношение к музыке

Существенный вклад в развитие музыкальной эстетики внес Аристотель. Для него характерны колебания между материализмом и идеализмом в области философии. Выступал против идей, которые выдвигал Платон, признавая самостоятельное бытие вещей…

Классицизм как художественный стиль

2. Особенности классицизма в музыке

Классицизм в музыке отличался от классицизма смежных видах искусств. Содержание музыкальных сочинений связано с миром чувств человека, которые не поддаются жесткому контролю разума…

Культура и искусство Древнего Вавилона

1.2.3 В скульптуре

По-разному называли эту древнейшую страну, но одно имя оставалось у нее неизменным — Месопотамия. Так называли ее греки, и значит, это — Междуречье, то есть область между двух рек, Евфратом и Тигром. Обе реки для Месопотамии — то же самое…

Мелкая пластика в декоративно-прикладном искусстве

Традиции и новаторство в скульптуре малых форм

Интернациональное и национальное в керамике. Глина и изделия из керамики появились на заре цивилизации одновременно в различных культурах человека, сопровождая его на всём пути исторического развития. Глина…

Модернизм в испанской культуре

2.2 Модернистские тенденции в музыке и её единство с драматургией

испания модернизм кинематограф культура Представителем modernismo в испанской музыке был Мануэль де Фалья. Впрочем, к этому жанру относят только одно его произведение — «Короткая жизнь» из музыкальной трилогии «Балаганчик».

..

Образ Петра I в русском искусстве XVII-XIX в.

Глава 2. Изображение Петра I в скульптуре

…

Обрубовка глиняной головы Гудона

1. Понятие о скульптуре

Скульптура, в широком значении слова, искусство создавать из различных пластических материалов пространственное, объёмное изображение различных вещей. Скульптура представляет собой вид изобразительного искусства…

Постмодернизм и особенности его проявления в музыкальном искусстве

2.1 Стилевые черты постмодернизма в музыке

Многими исследователями постмодернизм рассматривается как философская попытка осмысления всего культурного наследия второго тысячелетия, и, вместе с тем, это и выражение самоощущения человека современной эпохи. Музыке…

Постмодернизм как направление в искусстве

3. ПОСТМОДЕРНИЗМ В МУЗЫКЕ

В 20 ст. продолжает развиваться, опираясь на традиции прошлых эпох, классическая музыка (пьесы Б. Бриттена, симфонизм Г, Малера). Появляются и принципиально новые направления. ..

Рококо в разных видах искусства

2.2 Рококо в скульптуре

Скульптура рококо не менее значительна и своеобразна, чем живопись. Большое распространение в искусстве рококо и всего XVIII века получили портретные бюсты и маленькие скульптурные группы или статуи купальщиц, нимф, амуров, их ставили в парке…

🎓 Импрессионизм в скульптуре. Франсуа́ Огю́ст Рене́ Роде́н (12 ноября 1840 — 17 — презентация на Slide-Share.ru

1

Первый слайд презентации: Импрессионизм в скульптуре. Франсуа́ Огю́ст Рене́ Роде́н (12 ноября 1840 — 17 ноября 1917)

Подготовила: Лябахова Юлия Андреевна, преподаватель истории искусств

Изображение слайда

2

Слайд 2: Франсуа Огюст Рене Роден — знаменитый французский скульптор, один из основоположников импрессионизма в скульптуре

Огюст Роден родился в Париже. Учился в парижской Школе рисования и математики, поступив туда вопреки желанию отца, и у Антуана Бари в Музее естественной истории. В 1864 первая работа Родена — «Человек со сломанным носом» — была отклонена на парижском Салоне, так как бросила вызов академическим канонам красоты. Роден также не был принят в Школу изящных искусств, и с 1864 по 1870 годы работал в мастерской А.Карье-Беллёза при Севрской мануфактуре, зарабатывая созданием декоративной скульптуры.

Изображение слайда

3

Слайд 3

Изображение слайда

4

Слайд 4: Иоанн Креститель» 1878

Первым признанием таланта Родена стала покупка государством двух его статуй — «Иоанн Креститель» (1878) и «Шагающий» (1877). Ему было поручено создание скульптурного портала. Работе над «Вратами ада» (начата в 1888) Роден посвятил всю оставшуюся жизнь, черпая вдохновение в «Божественной комедии» Данте.

Изображение слайда

5

Слайд 5: Шагающий» 1878

В этих работах появляется идея «воплощения движения в камне». Натурщиком для них стал безвестный итальянский крестьянин, который предложил скульптору свои услуги после возвращения последнего из Италии.

Изображение слайда

6

Слайд 6: Бронзовый век»,1876

Первая значительная работа. Задачей скульптора была не пропорциональность и красота, а изображение движения. Поза юноши находится в переходном состоянии, это почти случайное мгновение в жизни.

Когда весной 1877 года работа была показана в парижском Салоне, на официальной регулярной художественной выставке, она вызвала настоящий скандал. Современники Родена, приверженцы академизма, были настолько поражены реалистичностью скульптуры, что обвиняли художника в мошенничестве, говорили, что он сделал слепки с живого натурщика (тем более что статуя была выполнена в человеческий рост, а в качестве материала был использован гипс).

Изображение слайда

7

Слайд 7: Врата ада»

Врата ада Сейчас речь пойдет о самой известной и значимой композиции Огюста Родена. Этому шедевру он посвятил всю жизнь. «Врата ада» впоследствии вылились в основную массу статуй, автором которых является Роден. Скульптуры с названиями «Поцелуй», «Мыслитель» и многие другие когда-то были лишь зарисовками в процессе создания шедевра

Изображение слайда

8

Слайд 8

Изображение слайда

9

Слайд 9

«Врата ада» Фрагменты Композиция была заказана как оформление для входных дверей парижского музея декоративных искусств.

Изображение слайда

10

Слайд 10

Семиметровые «Врата» вмещают 186 фигур, изначально их должны были обрамлять статуи первых грешников – Адама и Евы, но чуть позже Роден отказался от этой идеи. Впрочем, фигура Адама стала основой для композиции, которая венчает портал – «Трех теней». А под ней – бездонная пропасть, поглощающая души грешников…

Изображение слайда

11

Слайд 11

Изображение слайда

12

Слайд 12

Изображение слайда

13

Слайд 13: Три тени ада»

Изображение слайда

14

Слайд 14: Мыслитель» 1880-82

По первоначальному замыслу автора скульптура называлась «Поэт ». Следуя традициям классической скульптуры Микеланджело, Роден наделил своего героя физической мощью, однако исполнил его подчёркнуто аллегоричным, не имеющим реальных прототипов. Впервые «Мыслитель» был публично выставлен в 1888 году в Копенгагене. В 1902 году была отлита в бронзе увеличенная до 181 см скульптура, которую в 1904 году Роден выставил в парижском Салоне. В 1906 году бронзовый «Мыслитель» был установлен в Пантеоне. При этом Роден, выступавший на открытии, заявил, что «Мыслитель» является памятником французским рабочим. В 1922 году эту бронзу перенесли в музей Родена в Отель Бирон.

Изображение слайда

15

Слайд 15: Поцелуй» 1882

Изображение слайда

16

Слайд 16: Вечная весна», 1900

Композиции «Поцелуй» и «Весна» – возвышенные и поэтичные и одновременно очень чувственные, телесные изображения любви.

Изображение слайда

17

Слайд 17: Амур и Психея», 1905

Изображение слайда

18

Слайд 18: Памятник гражданам Кале

Изображение слайда

19

Слайд 19

Во время столетней войны английский король осадил город Кале. Жители, отказавшись сдаваться, заперли ворота и приготовились к длительной блокаде. Осада продлилась более года. Запасы провианта заканчивались, и население Кале вынуждено было сдаться. Английский монарх Эдуард III предъявил следующие условия, на которых он примет капитуляцию. Ему должны были выдать шесть богатых и именитых горожан, чтобы он их казнил. Но жребий не понадобился. Первым вышел Юсташ де Сен Пьер, богатейший банкир в городе. Он решил принести себя в жертву ради спасения любимого города. За ним вышли еще пятеро знатных горожан. Пораженная таким самопожертвованием, жена английского короля упросила мужа помиловать их. Эта шестерка не была казнена. Таким образом, скульптуры Родена символизируют то, что героизм скрывается в каждом из нас. Нужно только создать определенные условия для его проявления.

Изображение слайда

20

Слайд 20

Если попытаться проанализировать эти статуи, можно прийти к неоднозначным выводам. Новаторство художника выразилось в первую очередь в отсутствии постамента. Огюст Роден настаивал на положении фигур на уровне прохожих, кроме этого, важной была оговорка по поводу их величины. Они планировались в человеческий рост.

Изображение слайда

21

Слайд 21

В 1898 общество, заказавшее Родену статую Бальзака, отказалось от его услуг, мотивируя это тем, что в представленном этюде нет портретного сходства с писателем. Памятник Бальзаку

Изображение слайда

22

Слайд 22: Личная жизнь

Личная жизнь скульптора была не менее насыщена, чем его творческая деятельность. В 1885 Роден взял помощницей в мастерскую 19-летнюю Камиллу Клодель. Девушка оказалась не только талантливой ученицей, но и вскоре стала возлюбленной Родена, несмотря на значительную разницу в возрасте. При этом Роден не разрывал отношения со своей спутницей жизни Роз Бёрес, которая была рядом с ним в трудные годы, когда они бедствовали в Бельгии, и растила их сына.

Изображение слайда

23

Слайд 23: Данаида» 1885

Работа «Данаида» – это очень красивая скульптура Родена. Красивое тело дочери царя Даная рождается из глыбы, будто бы на свет появляется прекрасный цветок в поле. Эту работу автор создавал для своей возлюбленной дамы, которая также была скульптором и смогла по достоинству оценить работу. Данаида была создана в 1885 году из белого, чистого камня, словно, олицетворяя начало новой жизни.

Изображение слайда

24

Слайд 24

Помимо радостной темы любви, здесь порой звучат и тревожные и даже скорбные ноты, предвестники неизбежной разлуки «Любовь убегает!», «Скорбь», «Данаида», «Плачущая » 1890, «Отчаявшийся мужчина» 1885, «Скорбящая!», «Прощание», «Меланхолия» и другие. Может быть, Роден уже предчувствовал разрыв с Камиллой, произошедший около 1897 года.

Изображение слайда

25

Слайд 25: Джордж Бернард Шоу, 1906

В 1900-х годах Роден стал регулярно получать заказы на портреты богачей и знаменитостей своего времени. Среди его клиентов были Бернард Шоу, Густав Малер, Жорж Клемансо, президент Аргентины Доминго Фаустино Сармьенто, химик Марселен Бертло, филантроп Берта Палмер. Жорж Клемансо 1913

Изображение слайда

26

Слайд 26: Девушка в шляпке с цветками», 1870

Роза была верной спутницей великого скульптора в течение пятидесяти трех лет. Страх одиночества заставил тяжело больного 75-летнего Родена приехать к Розе навсегда в Медон. Вскоре он перенес удар, его правая рука почти отнялась. Чуть придя в себя, Роден составил завещание: 1000 франков в год — сыну, а все имущество — Розе. Свои скульптуры Роден завещал Франции. Роза не могла по закону обладать наследством Родена, поскольку не являлась его официальной женой. И тогда Огюст и Роза обвенчались ( 29 января 1917 года). Через две недели после свадьбы Роза скончалась от воспаления легких. А через девять месяцев ушел из жизни и Огюст Роден.

Изображение слайда

27

Слайд 27: Миньон. Портрет Роуз Бюре », 1868

Изображение слайда

28

Слайд 28: Наследие

На сегодняшний день официально существуют три музея в мире, посвященные творчеству этого художника. Выставляются скульптуры Родена в Париже, Филадельфии и Мёдоне, где находится могила и бывшая вилла мастера. Огюст Роден при жизни позволял снимать копии со своих творений для коммерческих целей. Так, в литейных мастерских официально было произведено более полутысячи дубликатов скульптур «Вечный идол» и «Поцелуй». Благодаря такой политике великого мастера, его шедевры в виде копий находятся в самых именитых музеях мира. Их можно найти среди экспонатов в Эрмитаже (Санкт-Петербург), музее имени Пушкина (Москва), Национальной галерее искусств (Вашингтон), Метрополитене (Нью-Йорк), музее Копенгагена и других заведениях. Однако в 1956 году во Франции официально был принят закон, который запрещает считать подлинными все уже сделанные копии, начиная с тринадцатой. Юридически же с этого времени позволялось снимать с каждого творения Огюста Родена только двенадцать копий. Но поскольку все права после смерти художника перешли его французскому музею, то права наследников это решение не затрагивает.

Изображение слайда

29

Последний слайд презентации: Импрессионизм в скульптуре. Франсуа́ Огю́ст Рене́ Роде́н (12 ноября 1840 — 17: Музей Родена в Париже (бывший особняк О тель Бирон)

Изображение слайда

Импрессионизм – Википедия

  См. artikkel räägib maalikunsti voolust; импрессионизмы kohta muusikas vaata artiklit Импрессионизм (музыка); Impressionismi kohta kirjanduses vaata artiklit Импрессионизм (kirjandus).

Клод Моне. «Впечатление. Тыусев пяйке» (1872 г.). Õli lõuendil, 48*63 см, Musée Marmottan, Pariis

Импрессионизм oli 19. sajandi maalikunsti vool, miss sai alguse 1860. aastatel oma kunstinäitusi korraldama hakanud Pariisi kunstnike vabast.

Vool sai nimetuse Claude Monet’ maali «Impression, soleil levant» («Впечатление. Tõusev päike») järgi. Sõna «импрессионизм» laskis kogemata käibele kunstikriitik Louis Leroy, kes kasutas seda ühes satiirilises retsensioonis väljaandes Le Charivari.

Impressionismi ideed levisid kujutavast kunstist muusikasse ja kirjandusse, nii et tekkisid impressionism muusikas ja impressionism kirjanduses.

Impressionistlikule maalikunstile on iseloomulikud muuhulgas nähtavad pintslitõmbed, heledad värvid, avatud kompositsioon, rõhuasetus valgusele ja selle muutumisele, igapäevased teemad ja ebatavalised rakursid.

Impressionismiks nimetatakse ka selle stiili hilisemaid jäljendusi.

Сисукорд

  • 1 Юлевааде
  • 2 Альгус
  • 3 Техника импрессионизма
  • 4 Сису и композиция
  • 5 Постимпрессионизм
  • 6 Импрессионист
  • 7 Ваата ка
  • 8 Валислингид

Пьер-Огюст Ренуар.
«Мулен де ла Галетт» (1876 г.).
Õli lõuendil, 131*175 см
Музей Орсе, Париж

Varajased Impressionistid olid radikaalid, kes ütlesid lahti akademismi reeglitest. Nad ei lähtunud joontest, vaid värvidest, võttes eeskuju näiteks Eugène Delacroix’st. Samuti võtsid nad kasutusele uusi töömeetodeid, näiteks natüürmortide ja portreede maalimine väljaspool ateljeed. Техника импрессионизма muutusid tasapisi tunnuslikemaks. Impressionistid väitsid, et nad näevad asju uutmoodi. Nad ei maalinud mitte ateljees, nagu varem tavaks oli, vaid vabas õhus (plenäärmaal), püüdes muutuva päikesevalguse põgusaid hetki.

19. sajandi viimasteks aastateks hakkas kunstipublik uskuma, et neil kunstnikel on värske ja omapärane nägemus ja väga oskuslik tehnika, kuigi traditsioonilised kunstiringkonnad neid omaks ei võtnud. Impressionistid nägid ilu loomulike poosides ja kompositsioonides, valguse mängus ning eredates ja mitmekesistes värvides.

Impressionistlikele maalidele on omane lühike, «murtud» pintsliloök ning varjutamata ja segamata värvid. Kompositsioon на lihtsustatud ja uuenduslik. Rõhk ei ole detailidel, vaid üldmuljel. Pintslitõmbed muutusid üha nähtavamaks ning nendest sai kompositsiooni koostisosa (senistel maalidel oli peaaegu sile lõuendipind ilma nähtavate pintslilöökideta). (Rööbiti impressionismiga uurisid uusi maalimisviise ka teised kunstnikud, näiteks Эдвард Мунк.)

Импрессионизм asetas kunstiloomingu keskmesse objekti asemel kunstniku silma. Импрессионизм rajas tee mitmetele uutele uutele maalikunstivooludele, sealhulgas postimpressionismile, fovismile ja kubismile, ning mitmetele koolkonnavälistele, sealhulgas Поль Гогениль, Винсент ван Гогиле и Поль Сезанниль.

19. sajandi keskel, Наполеон III ajastul, mil Pariisi ümber ehitati ja sõdu peeti, domineeris prantsuse kunstis Kunstiakadeemia. Prantsuse maalikunsti standardid määras Akadeemia, uuendusi peeti võimalikeks ainult Akadeemia kitsastes raamides.

Akadeemia ei dikteerinud mitte ainult maalide sisu (hinnati ajaloo- ja religiooniteemasid ning portreesid), vaid ka tehnikaid. Akadeemiahindassüngeid, konservatiivseid toone. Au видит olid rafineeritud kujundid, mis lähemal vaatlusel peegeldasid reaalsust. Kõik pintslitõmmete jäljed tuli kõrvaldada, et kunstis ei avalduks kunstniku isiksus, emotsioonid ja tehnikad.

Akadeemial oli iga-aastane kunstinäitus Salon de Paris (Pariisi Salong), ja seal väljas olnud teoste autorid võitsid auhindu ja say Tellimusi. Näitusel sai välja panna ainult žürii poolt heaks kiidetud teoseid. Žüriid juhindusid Kunstiakadeemia väärtustest.

Noored kunstnikud maalisid heledamates ja eredamates värvides kui suurem osa eelmise põlvkonna kunstnikest, lahtudes Gustave Courbet’, Winslow Homeri ja Barbizoni koolkonna realistlikust stiilist. Nad pakkusid oma teoseid Salonginäitustele, kuid žüriid ei võtnud neidvastu. Nende noorte kunstnike tuumik (Клод Моне, Пьер-Огюст Ренуар и Альфред Сислей) õppis Charles Gleyre’i käe all. Nimetatud kolm сказал sõpradeks ning maalisid sageli koos.

Aastal 1863 lükkas žürii tagasi Эдуард Мане маали «Eine murul» ( Le déjeuner sur l’herbe ). Põhiline põhjus oli selles, et seal oli kujutatud alasti naine koos kahe riides mehega piknikul. Žürii meelest olid alasti figuurid Vastuvõetavad ajaloolistel ja allegoorilistel maalidel, kuid nende exponeerimine igapäevases miljöös oli keelatud. Žüriipoolne järsusõnaline tagasilükkamine alandas Manet’d ning tekitas paljudes prantsuse kunstnikes nördimust. Kuigi Манет е.и. pidanud энд импрессионистов, juhtis та arutelusid impressionistide kogunemiskohas kohvikus Café Guerbois ning mõjutas rühmituse otsinguid.

Кейзер Наполеон III vaatas 1863. aastal tagasi lükatud teosed üle ning tegi korralduse, et publikul võimaldataks teoste üle ise otsustada selleks puhuks organiseeritud nn Hüljatute салонгис ( Salon des Refusés ).

Hüljatute салонги teoseid noomisid kunstikriitikud veel aastaid. Aastal 1874 korraldasid impressionistid (keda veel ei tuntud selle nime all) oma näituse.

Kunstikriitik Louis Leroy, kes oligraverija, maalikunstnik ja menukas näitekirjanik, kirjutas selle näituse kohta mahategeva retsensiooni ajalehes Le Charivari. Pilgates ühe tollal tundmatu kunstniku maali, pani ta artiklile pealkirjaks «Impressionistide näitus». Leroy kuulutas, et Claude Monet’ «Impressioon. Tõusev päike» ( Impression, soleil levant ) on parimal juhul visand ning seda saab vaevalt pidada lõpetatud kunstiteoseks.

Leroy kirjutas vaatajatevahelise dialoogi vormis: «Impressioon – ma olin selles kindel. Ma just ütlesin endale: et see avaldas mulle muljet, pidi selles olema mingi mulje (…) ja milline vabadus, milline töötluse kergus! Embrüonaalses on seisundispetum куи см меремаал».

Sõna «impressionistid» hakkas kunstnikele meeldima ning nad võtsid seda austava nimetusena. Impressionistide tehnikad ja standardid olid erinevad, kuid seda kunstivoolu hoidis koos mässu- ja sõltumatuse vaim.

  • Lühikesed paksud visandlikud pintslitõmbed, mis võimaldavad objekti Detailide asemel tabada ja rõhutada selle olemust.
  • Nad jätsid pintslitõmbed lõuendil nähtavaks, võimaldades vaatajal nautida tutvust kunstniku isiksusega.
  • Värve segati nii vähe kui võimalik, lastes neid segada vaataja silmal.
  • Varjutamiseks (tumedama tooni andmiseks) ei seganud impressionistid värve mustaga, vaid komplementaarvärvidega. Musta kasutati ainult omaette värvina.
  • Nad ei lasknud värvikihtidel kuivada, vaid katsid märja pinna uue värviga. Nii saavutati pehmemad üleminekud äärtel.
  • Impressionistid vältisid õhukesi värvikihte, mis varem olid kasutusel läike saavutamiseks. Nad panid alla paksu värvikihi.
  • Impressionistid avastasid loomuliku valguse mängu või rõhutasid seda. Nad jälgisid täpselt, kuidas värvid peegelduvad ühelt objektilt teisele.
  • Vabas õhus maalisid nad varje julgelt taevasinisega. См. tekitas värskuse ja avatuse tunde, mida varem polnud saavutatud. Seda tehnikat inspireerisid sinised varjud lumel.
  • Nad töötasid vabas õhus (plenäärmaal).

Neid tehnikaid olid ka varasemad kunstnikud mõnikord kasutanud, kuid impressionistid kasutasid neid pidevalt. Varasemaid näiteid leidub Frans Halsi, Peter Paul Rubensi, John Constable’i, Théodore Rousseau, Gustave Courbet’, Camille Corot’, Eugène Boudini ja Eugène Delacroix’ teostes.

Impressionistid kasutasid ära 19. sajandi keskel kasutusele tulnud ettesegatud värve tuubides, mis meenutavad tänapäeva hambapastatuube. См. võimaldas neil paidlikult töötada nii vabas õhus kui ka siseruumides. Varem tegi iga maalikunstnik oma värvid ise, jahvatades ja segades kuivi pigmendipulbreid linaseemneõliga.

Kuigi maalikunstis nähti algselt eelkõige ajalooliste ja religioossete teemade kujutamise viisi, kujutasid maalikunstnikud ka igapäevaseid asju. Paljud 17. sajandi maalikunstnikud, nagu näiteks Jan Steen, pühendusid igapäevastele teemadele, kuid nende teoste kompositsioon oli traditsiooniline.

Импрессионизм водорослей huvitusid kunstnikud igapäevast teemadest ning samal ajal kogus populaarsust fotograafia. Kui võeti kasutusele kaasaskantavad fotoaparaadid, muutusid fotod loomulikumaks. Fotograafia inspireeris impressioniste tabama hetke mitte üksnes maastiku põgusas valguses, vaid ka inimeste argielus.

Fotograafia ja populaarne jaapani graafika (japonism) inspireerisid impressioniste võtma kasutusele kummalisi rakursse ja ebaharilikku kompositsiooni. Эдгар Дега maalil «La classe de danse» («Tantsutund») võib näha mõlemat mõjutust. Tantsija on tabatud oma kostüümi kohendamas ning pildi alumisel parempoolsel veerandil on tühi põrand.

Lähemalt artiklis Постимпрессионизм

Постимпрессионизм arenes välja Impressionismist. 1880. aastatel katsetasid mitmed kunstnikud (Винсент Ван Гог, Поль Гоген, Жорж Сёра и Поль Сезанн) värvi, vormi ja joone väljenduslikkusega. Seda peetakse postimpressionismi alguseks. Mõnikord peetakse postimpressioniste ekslikult Impressionistideks või liigitatakse muuseumis Impressionistide alla, kuid tegelikult on tegemist omaette vooluga.

  • Пол Берман
  • Люси А. Бэкон
  • Фредерик Базиль
  • Жан Беро
  • Мэри Кассат
  • Гюстав Кайботт
  • Поль Сезанн (hiljem lõi impressionistidest lahku)
  • Ловис Коринт
  • Эдгар Дега
  • Поль-Анри ДюБерже
  • Джордж Уортон Эдвардс
  • Фредерик Карл Фризеке
  • Ева Гонсалес
  • Арман Гийомен
  • Назми Зия Гюран
  • Чайлд Хассам
  • Кристиан Хембрендт
  • Йохан Йонгкинд
  • Константин Юон
  • Лаура Мунц Лайалл
  • Макс Либерман
  • Эдуард Мане (исе та эй пидануд энд импрессионистикс, куид üлдиселт арватаксе та импрессионистид хулка)
  • Уиллард Меткалф
  • Клод Моне
  • Берта Моризо
  • Уильям МакГрегор Пакстон
  • Лилла Кэбот Перри
  • Собеслав Пинкас
  • Камиль Писсарро
  • Карел Пуркине
  • Пьер-Огюст Ренуар
  • Теодор Робинсон
  • Янис Розенталс
  • Зинаида Серебрякова
  • Альфред Сислей
  • Антонин Славичек
  • Джон Генри Твахтман
  • Дж. Олден Вейр
  • Американский импрессионизм
  • Неоимпрессионизм
  • Постимпрессионизм
  • Skageni maalijad
  • Импрессионизм

Скульптуры импрессионистов | ИмпрессионистИскусство

Эдгар Дега публично показал только одну скульптуру, «Маленькая танцовщица» (14 лет).

Но после его смерти в 1917 году в его мастерской были обнаружены еще сотни. Эти скульптуры, в основном из воска, были отлиты из бронзы в течение следующих двух десятилетий.

Вот 10 вещей, которые вам нужно знать о скульптурах Дега.

(1) Маленькая танцовщица

«Маленькая четырнадцатилетняя танцовщица», впервые начатая в 1879 году, экспонировалась на шестой выставке импрессионистов 1881 года.

Отлитая из воска Дега, в сопровождении корсажа, пачки и балетных туфель Маленькая танцовщица не так уж и мала — ее рост 98 сантиметров. Работа создана по образцу Мари ван Гетхем, студентки балета и дочери бельгийского портного и прачки.

Отзывы о «Маленькой танцовщице» были в основном негативными. В то время как один критик писал, что «это первая по-настоящему современная попытка скульптуры…», другие были резкими.

Один назвал ее обезьяной, другой «ацтеком», а еще больше сказали, что работа

«носил признаки крайне гнусного характера»

«совершенно правильно, потому что эта бедная маленькая девочка — начало крысы…»

Расслабьтесь, ребята, это всего лишь скульптура….

Маленькая танцовщица была отлита из бронзы 28 раз в литейном цехе Hebrard в Париже в период с 1920 по 1936 год. Национальная художественная галерея Вашингтона.

Некоторые из них находятся в частной собственности, один продан за 13 257 250 фунтов стерлингов на аукционе Sotheby’s, состоявшемся 3 февраля 2009 г.. Эта продажа, совершенная англичанином сэром Джоном Мадейски неназванному покупателю из Азии, была рекордной для скульптуры Дега, пока Sotheby’s не продал еще одну версию Маленькой танцовщицы за 15 829 000 фунтов стерлингов в июне 2015 года.

(2) Еще более 100 скульптур

После смерти в 1917 году в мастерской художника было обнаружено большое количество спрятанных скульптур.

Эти работы варьировались от танцоров до купальщиков и лошадей. Торговец импрессионистами и владелец галереи Поль Дюран-Рюэль зарегистрировал около 150 статуй Дега.

(3) Непостоянство

Что примечательно во многих скульптурах Дега, так это их непостоянство.

Художник заявил, что не намерен отливать работы в бронзе. Он также намеренно держал их в секрете, подальше от посторонних глаз. Таким образом, скульптуры Дега отличались от его картин, показывая другую форму экспериментирования.

Дега действительно нравилась идея о том, что его скульптуры со временем будут постепенно разрушаться. Он написал:

«Моя скульптура никогда не передаст того совершенства, которое является высшим в искусстве ваяния, а так как ведь никто не увидит этих экспериментов, то никому и в голову не придет о них говорить. . . Перед моей смертью все это распадется само собой».

Арт-дилер Амбруаз Воллар описал свой разговор с Дега в его мастерской:

«Несколько восковых фигур в его мастерской свидетельствовали о его деятельности как скульптора. Когда я предложил бросить одну из них: «Давай брось!» воскликнул он. «Бронза подойдет тем, кто работает на вечность. Мое удовольствие состоит в том, чтобы начинать снова и снова. Как это . . . Смотреть!» Он взял со своего стенда для лепки почти готовую танцовщицу и скатал ее в шар из глины».

(4) Лучше Родена?

Говорят, что Ренуар также провозгласил Воллара,

«Кто сказал что-нибудь о Родене? Почему Дега — величайший из ныне живущих скульпторов! Вы бы видели этот его барельеф. . . он просто позволил ей рассыпаться на куски».

Эти цитаты изображают некоторые из целей скульптурных экспериментов Дега, ставя в их сердце непостоянство. В то же время заявление Ренуара свидетельствует о том, что Дега был хорошо известен как скульптор в своих социальных кругах.

(5) Необычные материалы

Одним из ключевых элементов скульптур Дега было использование им новых материалов.

В «Маленькой танцовщице четырнадцати лет» он позаботился об использовании настоящей ткани для изготовления одежды танцовщицы и даже включил в нее человеческий волос.

Точно так же в «Корыте» Дега использовал окрашенный в красный цвет воск, гипс и настоящую свинцовую ванну для создания работы. Сами материалы были так же важны, как и форма. Это было бы потеряно, если бы он когда-нибудь отлил их в бронзе.

Вместо того, чтобы использовать проволочную арматуру, которая была стандартом в то время, Дега использовал ряд материалов, в том числе пробку, покрытую проволокой, затем обернутую в накрахмаленную ткань и, наконец, воск.

(6) Отливка из бронзы

Многие восковые скульптуры семьи Дега были отлиты из бронзы в период с 1920 по 1926 год. Шестьдесят девять восковых скульптур пережили процесс литья.

Оригинальные восковые скульптуры появились на арт-рынке только в 1955 году. Большинство из них сейчас хранятся в Национальной галерее искусств в Вашингтоне после того, как были подарены Полом Меллоном.

(7) Влияние Малларме

Джессика Лошед связала скульптуры Дега с поэзией его современника, писателя Стефана Малларме.

В то время, когда Дега создавал свои скульптуры, Малларме заново изобретал поэзию в форме символистских произведений. Эти произведения стремились отойти от традиционных поэтических форм и вместо этого были написаны так, чтобы ощущаться незавершенностью и мгновенностью.

Точно так же можно читать скульптуры Дега. Действительно, двое мужчин часто вместе обсуждали теорию поэзии, как рассказывают друзья и знакомые.

В 1880-х и 1890-х годах Дега создал множество различных скульптур. Считается, что он был частично вдохновлен современными скульпторами, прежде всего работами Гюстава Моро.

Именно в это время Дега также начал писать стихи, что еще больше усилило сравнение Лошед с Малларме.

(8) Повторение .
..

Позднее энтузиазм Эдгара Дега по поводу переделки своих скульптур, по-видимому, угас.

Как описал Воллар,

№

«…у него пропало даже желание уничтожать свои восковые фигуры, чтобы переделывать их».

Интересно, что вместо этого Дега увлекся моделированием фигур в одной и той же позе. Например, существует четыре версии «Танцовщицы, смотрящей на подошву правой ноги», которая, как считается, датируется 1910–1911 годами.

Вполне вероятно, что все эти работы были сделаны по одному и тому же эскизу, но Дега тонко подправил штрихи, которые он использовал для каждой части. Физическая структура была неизменной, но Дега варьировал метод создания формы.

  1. На одной из этих фигур мазки гораздо грубее.
  2. На другом Дега оставил очевидные отпечатки пальцев.
  3. На третьем он намеренно пропустил или выбросил руку танцора.
  4. Четвертая часть скульптур, по-видимому, была отредактирована с течением времени, когда Дега вернулся к работе и либо исправил, либо изменил ее.

Что примечательно, так это то, что он оставил свои изменения как очевидную отметку, так что исправления стали заметной частью произведения.

(9) Мимолетное мгновение и повседневная жизнь

Подобно картинам импрессионистов, скульптуры Дега стремились запечатлеть мимолетное мгновение и повседневную жизнь.

Его танцоры захвачены движением, которое, без сомнения, изменится за долю секунды. «Grande Arabesque, Third Time (First Arabesque Penchée)», датированная 1885–1890 гг., изображает женщину, склонившуюся над головой, отставив одну ногу назад и вытянув обе руки.

В этих работах Дега не пытался запечатлеть грандиозный, монументальный момент. Вместо этого он представил одну секунду из сцены повседневной жизни.

Это особенно заметно в таких произведениях, как «Женщина, сидящая в кресле и вытирающая шею». Подобно своим картинам и пастелям, изображающим бессознательно умывающихся женщин, Дега представляет личный момент. Тело фигуры и стул сливаются воедино, заставляя зрителя присмотреться, чтобы различить их.

Техника Дега при работе с воском впитала в его скульптуры те же текстуры, что и его пастели. Он потратил много времени, работая над текстурой каждой детали, нанося на модель кусочки воска, чтобы изменить световые эффекты.

(10) Споры

Нельзя говорить о скульптуре Дега, не упомянув о полемике, вызванной его «Маленькой танцовщицей».

Впервые показанное на выставке импрессионистов в 1881 году, это произведение вызвало крайнее негодование посетителей выставки, а критики избегали гротескности работы.

Возможно, поэтому Дега держал в секрете свои более поздние скульптуры.

Его более поздние скульптуры артистов балета резко отличаются от «Маленькой четырнадцатилетней танцовщицы». Работает как «Одетая танцовщица в состоянии покоя, руки за спиной, правая нога впереди» из 1895 более уникальны и демонстрируют свободу, пришедшую с его более поздними работами.

Скульптуры импрессионистов | Художественная галерея

Импрессионистская скульптура родилась между 19-м и 20-м веками как отсылка к тому же стилю Огюста Родена французского импрессиониста, самых известных работ, и одной из его Мыслитель , является верным представителем силы импрессионистского стиля , является частью его великой работы «Врата ада» , вдохновленной «Божественной комедией» Данте.

Актуальность