Рисунок. Уровень 2. Развитие технического мастерства художника
Данный курс частично соответствует требованиям профессионального стандарта «Специалист по техническим процессам художественной деятельности» (Утвержден в Минюсте России от 8 сентября 2014 года N 611н).
Если вы уже окончили у нас в центре курс «Рисунок. Уровень 1. От простого к сложному», то, конечно, знаете, что рисование захватывает и развивает, помогает в освоении компьютерной графики и реализации дизайнерских проектов. Хотите совершенствоваться и дальше? Натюрморт, пейзаж, анималистический рисунок, декоративная графика, различные реалистичные объекты и текстуры – например, стекло, вода, мех, ткань, кожа, эффекты свечения и блеска — станут доступны вашему карандашу.
Вы окунётесь в творческую атмосферу, познакомитесь с креативными людьми, отточите свои умения и уверенно перенесёте художественные навыки в профессиональную область. И, конечно, сможете зарабатывать своим творчеством!
Вы освоите разнообразные техники и приемы, которые сможете применять в графическом дизайне, дизайне интерьера, рекламе, веб-дизайне, для работы с графическим планшетом.
Уникальная авторская методика, активизирующая ваш творческий потенциал, позволит вам развить в себе креативность, конструктивное мышление, эффективно использовать это в своей работе и творчестве. Также вы повысите уровень художественной подготовки и расширите творческий диапазон.
Курс предназначен для всех желающих свободно излагать свои мысли и чувства с помощью рисунка и творчески развиваться. Курс рассчитан на людей с базовыми навыками владения техниками рисунка.
Слушатели курса занимаются в специализированном классе с профессиональными напольными мольбертами.
20 самых известных художников мира и их знаменитые картины
Рафаэль Санти (1483 – 1520)
Рафаэль был творческой, всесторонне развитой и одаренной личностью, поэтом и величайшим художником, чьи работы очень ценились в Ватикане.
Это один из величайших художников мира, который нашел особую манеру изображения пространственной перспективы, как в «Обручении Девы Марии».
«Святой Георгий и дракон» (1506).
«Донна Велата» (1515).
«Диспут о Святом Причастии» (1510).
«Преображение Господне» (1520).
«Сикстинская Мадонна» (1512).
В «Сикстинской Мадонне», самом известном его шедевре, впечатляет буквально все – от одухотворенного лица девственницы до прорисовки «облака свидетелей» духовного мира. Одна из «простеньких» его графических работ была продана на аукционе Сотбис за 30 млн фунтов стерлингов.
Рембрандт Ван Рейн (1606 – 1669)
Среди самых известных художников он считается менее знаменитым, но ему удалось опередить время и внести свою лепту в мировую сокровищницу:
«Даная» (1647).
«Саския в образе Флоры» (1634).
«Блудный сын в таверне» (1635).
«Возвращение блудного сына» (1669).
В Эрмитаже выставлено «Возвращение блудного сына», знаковое полотно на библейский сюжет. Это вечная тема взаимоотношений отцов и детей, где четко видно – сострадание отца к неразумному юноше превыше справедливого гнева владельца большого имения.
Сальвадор Дали (1904 – 1989)
Самый эпатажный среди наиболее известных художников – Сальвадор Дали, с его особым способом мышления и трансформации образов. Многие, впервые разглядывая его полотна, восклицают: «Как можно было до такого додуматься?!». Сложно забыть его работы, особенно лихо закрученные усы с автопортрета и эти текущие циферблаты.
Известные работы:
«Постоянство памяти» (1931).
«Архитектонический «Анжелюс» Милле» (1933).
«Распятие Христа» (1954).
«Живой натюрморт» (1956).
«Лик войны» (1941).
Испанец Сальвадор Дали был одинок из-за широты ума, сложным для понимания обывателями. Он был сюрреалистом, гением, но только не безумцем.
Сандро Боттичелли (1445 – 1510)
Один из наиболее значимых мастеров Возрождения внес большой вклад в развитие особой манеры флорентийской школы живописцев.
Известные работы:
«Благовещение» (1490).
«Поклонение волхвов» (1482).
«Мистическое Рождество» (1501)
«Аллегория силы» (1470).
«Рождение Венеры» (1485).
«Рождение Венеры» из пены морской – одно из всемирно известных полотен самого выдающегося художника XV века. Сегодня это один из наиболее растиражированных образов.
Поль Гоген (1848 – 1903)
Рассказывая о великих художниках мира, нельзя не вспомнить о французском живописце Гогене. Его считают противоречивой фигурой в искусстве, в основном из-за влияния этнических мотивов на его манеру, как в полотне «День божества» (Таити).
Известные работы:
«День божества» (1894).
«Борьба Иаков с Ангелом» (1888).
«Желтый Христос» (1889).
«Больше никогда» (1867).
«Откуда мы пришли? Кто мы? Куда идём?» (1898).
Светское общество осуждало его за женитьбу на таитянке.
Островитяне его боялись, видя в нем «демона», из-за которого они страдали бессонницей. Коллеги не принимали новаторства его полотен, обвиняя в расизме и женоненавистничестве. Но это не помешало ему войти в золотую двадцатку гениальных художников.
Микеланджело Буанаротти (1475 – 1564)
Он был итальянским художником в расцвет эпохи Возрождения. А еще он был непревзойденным скульптором и архитектором, украсившим Рим своими шедеврами. Каждое утро в Ватикан стекаются толпы туристов, чтобы восхищаться изваянием Матери Иисуса Христа, только что снятого с креста.
Известные работы:
Базилика Св.Петра в Ватикане.
«Фреска «Страшный суд» (1541).
«Давид», мраморная статуя (1504).
«Пьета», скульптура (1499).
«Сотворение Адама» (1512).
Две соприкасающиеся кисти руки – шедевр, который не смогли превзойти другие всемирно известные художники. Это фрагмент фрески «Сотворение Адама», где зрителей смущает не только откровенная нагота, но и пупок на животе юноши.
Густав Климт (1862 – 1918)
Среди великих австрийских художников почетное место занимает один из самых ярких представителей европейского модерна. Его «Поцелуй» и «Золотая Адель», написанные в особой манере, входят в 20-ку самых дорогих картин, проданных на аукционах после смерти гения.
Самые известные работы:
«Поцелуй» (1908).
«Портрет Адели Блох-Бауэр» (1907).
«Юдифь и голова Олоферна» (1901).
«Портрет Адели Блох-Бауэр» был выкраден нацистами. Он выставлялся в картинной галерее, был продан на закрытых торгах за 135 млн долларов. Но его законная владелица, получившая шедевр по наследству, смогла отсудить право обладания и по-своему распорядится репродукцией.
Эдвард Мунк (1863 – 1944)
Никому из великих художников не удавалось запечатлеть на полотне запахи и звуки.
Но есть одно исключение – глядя всемирно известный шедевр норвежца Мунка, слышишь внутри себя этот полный тревоги и отчаянья, пронзительный «Крик». Образ был навеян переживаниями от посещения сестры в сумасшедшем доме, стоявшего возле бойни. Смешанные звуки умалишенных и обреченных животных порождали в нем ужас, дополненный ожиданием той же участи.
«Крик» (несколько версий).
«Танец жизни» (1900)
«Мадонна» (1895).
«Меланхолия» (1896).
Имя Мунка упоминалось в серии нашумевших ограблений картинных галерей. «Крик», «Мадонну» и другие работы разыскивали месяцами, пока не вернули. Но самым узнаваемым остается вытянутое лицо плывущей фигуры на мосту Осло в Христиании. Кто это или что это? Эксперты так и не пришли к единодушному мнению. Но образ растиражирован в кино и поп-арте.
Поль Сезанн (1839 – 1906)
Творчество французского живописца имело огромное влияние на известных мировых художников эпохи постимпрессионизма ХХ века.
Благодаря творческим изысканиям, лучшие работы написаны в разной манере.
Известные работы:
«Молодая итальянка» (1896).
«Пьеро и Арлекин» (1888).
«Берег Марны» (1888).
«Игроки в карты» (1893).
«Гора Сент-Виктуар и Черный замок (1906).
Уход от масляных красок и работа акварелью принесла еще больше легкости его творениям. Приверженцы классики его так и не поняли, но это не умаляло его таланта.
Эдуард Мане (1832 –1883)
У знаменитых художников часто бывает, что мировое признание приходит после разгромной критики одной из самых «провальных» работ. Один из родоначальников французского импрессионизма. Эдуард Мане картиной «Олимпия» бросил вызов фальшивому пуританству общества. Никому до него не удавалось так реалистично отражать мысль и едва уловимые эмоции, преображающие лица его натурщиц. Он высмеял нравы общества, тайно мечтавшего о разврате и вседозволенности, но тщательно прикрывавшего свою сущность фраками и оборками.
Какими только эпитетами не обсыпали обнаженную натуру, лишенную изъянов. Служанку на заднем плане даже сравнивали с самкой гориллы. Однако это полотно входит в сокровищницу мирового искусства, и это одна из самых узнаваемых работ того времени.
Известные полотна:
«Олимпия» (1863).
«Бар в «Фоли-Бержер» (1882).
«Аржантей» (1874).
«Балкон» (1868).
«Портрет Берты Моризо» (несколько полотен).
Существует несколько портретов Берты Моризо, его возлюбленной. Еще вначале своих творческих поисков Мане перешел от живописи к портрету. Эксперты так и не пришли к единодушному мнению в том, является ли полотно «Любитель абсента» автопортретом или зарисовкой незнакомца.
Иероним Босх (1450 – 1516)
Самым непонятным для современников и потомков среди известных художников эпохи Возрождения остается Босх. Его картины – аллегорическое изображение библейских образов и сцен ада с мифическими существами, наполовину людьми и полу-демонами одновременно.
Известные работы:
Триптих «Сад земных наслаждений» (1510).
Цикл «Блаженные и проклятые» (1505).
«Искушения Святого Антония» (1506).
«Семь смертных грехов» (1480).
«Несение креста» (1500).
«Брак в Кане Галилейской» (1501).
Жизненный путь человеческих душ, со времен грехопадения Адама и Евы, была его любимая тема. Путь от земных наслаждений до адских мук – в слегка ироничных, но таких узнаваемых картинах Иеронима Босха. Впечатляют также лица, изображенные в массовых сценах, на библейские сюжеты. Его последователи научились писать в подобной манере, но так не смогли превзойти великого мастера.
Анри Матисс (1869 – 1954)
Матисса считают основоположником и ярким представителем школы фовизма во французской живописи. Попытки передать настроение через цвет сделали его одним из самых ярких новаторов ХХ века. Матисс своими известен творческими изысканиями, поэтому некоторые его работы больше похожи на полотна других живописцев.
Танец из 5 красных фигур – самое известнее полотно, его используют в качестве эмблемы международных мероприятий.
Другие работы:
«Радость жизни» (1906).
«Женщина в шляпе» (1905).
«Роскошь, Спокойствие и Наслаждение» (1905).
«Голубая обнаженная» (1907).
Художники-импрессионисты, современники Анри Матисса, в чем-то тоже повлияли на творческие изыскания великого художника, но он остался верен своему направлению.
Фрида Кало (1907 – 1954)
Мир знает много талантливых живописцев. Но в 20-ке гениев есть только одна женщина с мужским характером – мексиканка Фрида Кало. Она писала, в основном, автопортреты, но в разных образах, дополненных аллегорией.
Известные работы:
«Две Фриды» (1939).
«Натюрморт «Да здравствует жизнь» (1951).
«Обнимая любимца мира» (1949).
«Размышляя о смерти» (1943).
«Корни – 2» (1943).
Художница прожила нелегкую жизнь, у нее было слабое здоровье, но Фрида занималась боксом даже с полиомиелитом, будучи бойцом по натуре.
Она имела неуемную фантазию и особый почерк, которому позавидовали бы многие начинающие живописцы. Она писала свои полотна на грани сюрреализма, символизма и натурализма.
Франсиско Гойя (1746 – 1828)
Типичный представитель эпохи романтизма. При дворе испанского короля Гойя быстро утратил свой идеализм, присущий многим великим художникам. Видя человеческие пороки, не мог оставаться прежним. В своих полотнах изображал грешное и святое – «Экстаз Св. Антония».
Некоторые картины:
«Шабаш ведьм» (1798).
«Маха обнаженная» (1800).
«Сумасшедший дом» (1819).
«Свадьба» (1792).
«Распятие Христа (1780).
«Сострадание» (1774).
Как художник, Гойя был очень плодовитым. За 82 года жизни он оставил миру больше сотни полотен высокого художественного уровня. Испанец с тонкой душевной организацией и ранимой душой смотрел на мир доверчивыми глазами. Но, в отличие от большинства всемирно известных художников, сумел разбогатеть на своем творчестве и дорасти до должности придворного портретиста.
Знаменитые художники очень разные по тематике работ и стилю изображения. Многие работы узнаваемые, над другими репродукциями горами спорят эксперты, обсуждая, подлинник это или хорошая копия. Сегодня любую картину можно найти на просторах интернета, сделать компьютерную версию для раскраски по номерам, распечатать на обоях или сделать вышивку. Но нельзя претендовать на авторство, потому что все знают, что это Ван Гог, Рембрандт, Мунк или Пикассо.
Смотрите также:
Картины Клода Моне
Картины Леонардо да Винчи
Картины Винсента Ван Гога
Картины Пабло Пикассо
Картины Питера Пауля Рубенса
Картины Пьера Огюста Ренуара
Картины Рафаэля Санти
Картины Рембрандта Ван Рейна
Картины Сальвадора Дали
Картины Сандро Боттичелли
Картины Поля Гогена
Картины Густава Климта
Картины Анри Матисса
Картины Поля Сезанна
Жесткий рисунок — HiSoUR История культуры
Жесткий рисунок — это укладка действия, формы и позы модели / фигуры.
В типичных ситуациях художник рисует серию позов, сделанных моделью за короткий промежуток времени, часто всего 10 секунд или до 5 минут. Жест-рисунок часто выполняется как разминка для сеанса рисования жизни, но это умение, которое нужно культивировать ради него самого.
В менее типичных случаях художник может наблюдать за людьми или животными, которые ходят по обычной деятельности без особых усилий, чтобы сделать паузу для художника. Например, рисунок от людей на улице, исполнителей, спортсменов или рисование животных в зоопарке.
Основная цель рисования жестов — облегчить изучение движущейся фигуры человека. Это исследование действия полезно для художника, чтобы лучше понять напряжения мышц, эффекты скручивания на теле и естественный диапазон движения в суставах. В принципе, это способ тренировки рук, чтобы набросать то, что мозг уже видел. Пребывание «сфокусированного» означает постоянную концентрацию. Чертежи жеста могут занимать до двух минут или всего пять секунд, в зависимости от того, какой фокус упражнений.
Практика позволяет художнику рисовать напряженные или спонтанные позы, которые не могут удерживаться моделью достаточно долго для тщательного изучения, и усиливает важность движения, действия и направления, которые можно игнорировать во время длинного рисунка. Таким образом, поощряется подход, который отмечает основные линии ритма внутри фигуры. Быстрота исполнения предполагает эстетику, которая больше всего интересует сущность позы и экономию средств в ее представлении, а не тщательное изучение моделирования света на форме.
Для некоторых художников существует логическая логика: так же, как спортсмен прогревается перед тренировкой или участвует в спортивных состязаниях, художники используют рисунок жестов, чтобы подготовить себя мысленно и физически для сеанса рисования фигур. Быстрый шаг жестов помогает художнику «ослабить», чтобы избежать жесткого стиля рисования.
Художник, который берет на себя рисунок жестов, также получает преимущества самообучения своей способности рисования.
Этот очень быстрый рисунок фигуры (через акт частого повторения) строит инстинктивное понимание человеческих пропорций, которые могут помочь художнику при выполнении более продолжительных работ.
Для некоторых художников рисунок жестов является первым шагом в подготовке более устойчивой работы. Другие художники, которые стремятся фиксировать короткие моменты времени прямым образом, считают рисунок жеста конечным продуктом.
Из фотографий часто предпочитают фотографировать, поскольку он позволяет художнику просматривать модель с нескольких углов и без искажения объектива или освещения. Кроме того, повторение коротких рисунков без паузы заставляет художника работать интуитивно.
Чертежи длиной более двух минут обычно не считаются жесты, поскольку они неизбежно позволяют художнику больше времени для измерения и планирования чертежа, или для начала определения формы с помощью моделирования. Как только художник начинает измерять, стирать или иным образом улучшать рисунок, они перестали рисовать и начинать рисовать.
Они будут улучшать сложность их текущего чертежа, но они больше не практикуют свою способность правильно рисовать из мгновенного впечатления.
Поделиться ссылкой:
- Нажмите, чтобы поделиться на Twitter (Открывается в новом окне)
- Нажмите здесь, чтобы поделиться контентом на Facebook. (Открывается в новом окне)
- Нажмите, чтобы поделиться записями на Pinterest (Открывается в новом окне)
- Нажмите, чтобы поделиться записями на Tumblr (Открывается в новом окне)
- Нажмите, чтобы поделиться на LinkedIn (Открывается в новом окне)
- Нажмите, чтобы поделиться в WhatsApp (Открывается в новом окне)
- Нажмите, чтобы поделиться в Skype (Открывается в новом окне)
- Нажмите, чтобы поделиться в Telegram (Открывается в новом окне)
- Нажмите, чтобы поделиться на Reddit (Открывается в новом окне)
- Нажмите, чтобы поделиться записями на Pocket (Открывается в новом окне)
Уличное искусство в Казани: рисунки на деревьях и камнях художника Альберта Закирова
О деревьях и камнях
Я часто ходил через «Эрмитаж», еще когда учился, и очень люблю этот парк.
Раньше тут была воскресная барахолка, приходил сюда за книжками. Всегда наблюдал, что в этом парке происходит, как он меняется, и обращал внимание на трещины в коре: иногда они образуются от перепадов температуры, иногда люди «помогают», дерево кровоточит, и в трещине образуется узор. Пару лет назад один такой кусочек меня привлек, захотелось что-то пририсовать. Сначала покрыл поврежденное место грунтом, а когда рана затянулась, нарисовал там лицо старичка: у меня было ощущение, что это дух или хранитель парка. В мае позапрошлого года я сделал несколько рисунков акрилом и маркером, они пережили зиму, и я стал делать еще. За зиму от сырости и перепадов температуры что-то иногда лопается, и я подправляю. Маркер менее долговечен, чем акрил, он через год начинает стираться, его нужно подновлять и подкрашивать. А акрил у меня зиму пережил на асфальте, потом его залила вода — и ему ничего.
Рисунки я делаю в основном по периметру парка, в стороне от основных дорожек: так они видны, но никому не мешают.
Это ненавязчивый стрит-арт: он виден, когда приглядываешься, но не бросается в глаза, не перетягивает на себя внимание, потому что парк все-таки общественное пространство, он принадлежит всем, и если человек не захочет, он может просто гулять по парку и не увидит мои работы. Я не хочу, чтобы живопись тут выходила на первый план.
Сюжеты работ на улице я никогда не придумываю заранее, просто прихожу с красками. Бывает, что я присмотрел место и знаю, что это дерево нужно залечить, а что буду рисовать — не знаю. Все приходит в процессе.
Я не даю работам название, у них есть какая-то мифология, но она моя личная. Первый старичок — это хранитель, потом у него появился помощник, а к ним присоединился наблюдатель — глаз, глядящий из трещины. Неподалеку от них — центр управления. Эту работу зимой попытались уничтожить: залепили снегом и терли. Теперь рисунок видно, но слой грунтовки протерся и дерево опять начало кровоточить. Это просто хулиганство. Все было нормально, но снова стало гнить.
Визуально эти живописные стертые места круто смотрятся, но мне же важно, чтобы дерево выжило. Третий старичок (речь о рисунке. — Прим. «Инде») появился в этом году в другом конце парка дополнением к первым двум хранителям. У него разные глаза: один смотрит наружу, во внешний мир, а другой — внутрь, в параллельный мир.
Экспериментальные рисунки художников, созданные под воздействием психотропных веществ.
Американский художник Брайан Льюис Сондерс (Bryan Lewis Saunders) — наркоман со стажем. Он курит, нюхает, глотает и вкалывает себе самые разные «вещества» из любви к искусству. Так, на протяжении 15 лет он пишет автопортреты, в том числе и в периоды «торчания», и за это время он собрал галерею из нескольких тысяч автопортретов, созданных под воздействием тех или иных препаратов. Арт-проект «наркомана от искусства» так и называется — Drugs.В своих интервью художник рассказывает, что эта идея пришла к нему в голову после того, как он пережил очень тяжелое потрясение, и был вынужден принимать сперва успокоительные, а затем и сильнодействующие препараты из категории антидепрессантов.
Заметив, что соответствующие дозы разных лекарств заставляют его чувствовать себя не в своей тарелке, иначе себя вести и мыслить не так, как обычно, Сондерс решил извлечь из этого состояния вот такую необычную выгоду.Слева — кокаин, справа — псилоцибиновые грибы
Впрочем, это был не первый опыт общения Брайана Льюиса Сондерса с наркотиками. В юности он уже экспериментировал с такими «веществами» как каннабис, и пару раз его даже задерживали с дозой кокаина в кармане. Но большинство из тех препаратов, которые он употреблял за последние 15 лет, были для него в новинку. Со временем некоторые из них стали для художника фаворитами. В частности, препарат под названием Ксанакс превращал его, социофоба и отшельника, в социально активного человека, который запросто мог подойти к незнакомцу на улице и завести с ним разговор. А самые ужасные впечатления остались от наркотика-галлюциногена, известного как «ангельская пыль», и тяжелого транквилизатора Сероквель.
Автопортреты Брайана Льюиса Сондерса под действием разных доз валиума
Автопортреты под действием закиси азота (слева) и того же, плюс валиум (справа)
Художник под анашой (слева) и марихуаной (справа)
После вдыхания жидкости для зажигалок (слева) и надышавшись газом (справа)
Автопортреты под действием *ангельской пыли* (слева) и дилаудида (справа)
Автопортреты под действием настоящего абсента (слева) и после двух бутылок микстуры от кашля (справа)
Самовосприятие сознанием, измененным действием метамфетамина (слева) и морфина (справа)
Разумеется, такие эксперименты над собой не могли не сказаться на психическом и физическом здоровье художника.
Он уверен, причем не безосновательно, что заработал повреждение головного мозга, не говоря уже о проблемах с другими внутренними органами. Поэтому сегодня он принимает только те лекарства и в той дозировке, которую выписывает врач, но серию автопортретов «Drugs» продолжает по-прежнему. На сайте Брайана Льюиса Сондерса можно ознакомиться со всей коллекцией.
Аналогичный эксперимент, правда уже в медицинских целях, проводили в рамках программы правительства США по исследованию препаратов, изменяющих психику, в конце 50-х годов минувшего века. Художник получил дозу LSD-25 и коробку с карандашами и ручками. Ему нужно было нарисовать врача, сделавшего ему инъекцию.
Первый рисунок был готов через 20 минут после первой дозы (50 мкг):
Наблюдающий врач записывает – пациент рисует углем.
Со слов пациента:
«Состояние нормальное.. пока никаких эффектов»
Спустя 85 минут после введения первой дозы и 20 минут после второй дозы (50 мкг 50 мкг):
У пациента наблюдается эйфория.
«Я могу видеть вас так ясно, так чисто. Это.. вы.. это все.. у меня небольшие проблемы с карандашом.. Словно он движется сам по себе.»
2 часа 30 минут после первой дозы:
Пациент очень сосредоточенно рисует.
«Контуры выглядят нормально, но они очень яркие – все постоянно меняет свой цвет. Моя рука должна следовать сильному течению линий. Я чувствую, как мое сознание перетекает в активную часть тела – в мою руку, локоть.. мой язык».
2 часа 32 минуты после первой дозы:
Пациент увлеченно рисует.
«Я пытаюсь сделать другой рисунок. Модель выглядит нормально, но мой рисунок – нет. Моя рука странно меняется. Этот рисунок не особенно хорош, правда? Брошу его, попробую снова..»
2 часа 35 минут после первой дозы:
Пациент быстро рисует следующую картину.
«Я нарисую это одним движением.. не останавливаясь.. одна линия, без отрыва!»
После того, как рисунок закончен, пациент начинает смеяться, затем что-то на полу его пугает.
2 часа 45 минут после первой дозы:
Пациент пытается попасть в коробку с красками, и он взволнован. Медленно отвечает на предложение порисовать ещё. Он почти не говорит.
«Я.. все.. изменилось.. они зовут.. ваше лицо.. извивается.. кто это..»
Пациент тихо напевает какую-то мелодию.. Теперь он рисует темперой.
4 часа 25 минут после первой дозы:
Пациент перебрался на койку, где пролежал около 2 часов, двигая руками в воздухе. Внезапно, он уверенно возвратился к столу. Стал рисовать пером и акварелью.
«Это будет лучший рисунок. Почти как первый, только лучше.
Если я буду неосторожен, я потеряю контроль над своими движениями, но этого не произойдет, потому что я знаю. Я знаю». (он повторил это ещё много раз).
Пациент сделал последние несколько мазков, бегая взад и вперед по комнате.
5 часов 45 минут после первой дозы:
Пациент продолжал двигаться по комнате, пересекая пространство по сложным траекториям. Прошло полтора часа, прежде чем он сел и начал рисовать снова.
«Я снова чувствую свои колени. Думаю, лекарство прекращает действовать. Это очень хороший рисунок – этот карандаш весьма сложно держать». – (в руках у него пастельный мелок)
Спустя восемь часов после первой дозы:
«Мне нечего сказать об этом последнем рисунке. Он плохой и неинтересный. Я хочу домой.»
Ссылка:http://www.adme.ru/vdohnovenie-919705/narkotiki-i-kreativnost-331655/
Чертежи
Посмотреть все чертежи
31 000 рисунков, акварелей и пастелей Национальной галереи, датируемых одиннадцатым веком до наших дней, в том числе некоторые из лучших итальянских, немецких и французских работ в этой стране, а также важные работы Уинслоу Гомера и Джорджии О’Киф и значительные фонды послевоенных американских работ на бумаге.
Коллекция галереи, основанная в 1941 году, за короткий период времени достигла мирового уровня по сравнению с другими крупными коллекциями рисунков в этой стране и уважаемыми европейскими учреждениями.Быстрые темпы его роста еще более примечательны, если учесть, что каждое произведение искусства было приобретено в дар или за счет пожертвования частных средств на его покупку; никакие федеральные средства никогда не использовались для этой цели.
Благодаря щедрости благотворителей, больших и малых, коллекция рисунков Галереи с годами неуклонно и впечатляюще росла. Первые значительные дары графического искусства, почти 2000 работ, пришли в 1942 году с пожертвованием всей коллекции Джозефа Э.Widener, включая прекрасную группу рисунков Рембрандта, а также 350 эскизов французских рисунков восемнадцатого века для книжных иллюстраций. Лессинг Розенвальд начал самый большой и важный подарок в 1943 году, передав музею в течение тридцати шести лет свою коллекцию из 22 000 старых мастеров и современных гравюр и рисунков, включая выдающиеся средневековые миниатюры и рисунки Рембрандта, Нантёя, Домье, Блейка, Уистлер и Кассат.
Пожертвование коллекции Сэмюэля Х. Кресса и завещание коллекции Честера Дейла в 1963 году добавило превосходные французские и итальянские рисунки восемнадцатого и девятнадцатого веков.Совсем недавно серия пожертвований мистера и миссис Пол Меллон еще больше укрепила владения девятнадцатого века. В то же время завещанная коллекция рисунков Арманда Хаммера, несколько превосходных подарков от Роберта и Кларисы Смит, а также подарки и обещанные подарки из семейной коллекции Вуднеров добавили драматические вершины и важные преимущества коллекции рисунков европейских старых мастеров. Коллекция двадцатого века также продемонстрировала впечатляющий рост благодаря подаркам от Джейкоба и Рут Коул Кайнен, мистера Кейнена.и миссис Стэнли Вудворд, миссис Макс Бекманн, Норма Б. Марин и Джон Марин-младший, а также Фонд Марка Ротко. Коллекция рисунков старых мастеров и современных рисунков выросла благодаря щедрости многих важных дарителей, в том числе Уильяма Б. О’Нила, Рут К. Хеншель, мистера и миссис Джеймс Т.
Дайк, Эвелин Стеффанссон Неф и Джозеф Ф. МакКриндл. .
С 1966 года Галерея ведет активную деятельность на рынке рисунков, используя пожертвованные средства для приобретения отдельных работ для коллекции.Средства на покупку также позволили галерее приобрести целые коллекции путем комбинированных соглашений о покупке и подарке, в том числе коллекцию американских рисунков Джона Дэвиса Хэтча, коллекцию старых мастеров и современных рисунков Юлиуса Хелда, исключительную группу итальянских и немецких рисунков из коллекции Вольфганга. Ratjen, а также минималистские и концептуальные работы, собранные Гербертом и Дороти Фогель.
Работы на бумаге очень восприимчивы к повреждению при чрезмерном воздействии света, и их можно экспонировать только в течение коротких периодов времени.По этой причине Галерея ведет график сменных выставок, взятых из собственной коллекции или заимствованных у других учреждений и частных лиц. Произведения графического искусства, которые не выставлены, разделены между двумя хранилищами: европейское искусство в Восточном здании и американское искусство в Западном здании.
Оба объекта оборудованы учебными комнатами, которые открыты по предварительной записи для отдельных лиц, а также для классов и специальных групп.
▷ Рисунки современного изобразительного искусства на продажу
Трудно точно определить рисунок в развитии изобразительного искусства, так как он сильно эволюционировал в различные исторические периоды, художественные направления и теории.На самом деле существует множество типов рисунков, в том числе детские рисунки мелом, редакционные иллюстрации, рисунки обнаженной натуры, портреты, рисунки в анимационных фильмах, карикатуры, рисунки животных…
Однако мы можем согласиться с тем, что рисунки — это все использовать бумагу в качестве опоры, независимо от используемой техники. Рисование заняло свое место среди благородных изобразительных искусств, и это первое, чему учат студентов в школах изящных искусств.
Умение рисовать и делать наброски необходимо любому художнику или иллюстратору на протяжении всей его карьеры.По словам великого мастера Альберто Джакометти: «Рисунок — основа всего».
Рисование, несомненно, является одной из древнейших форм человеческого самовыражения с использованием пиктограмм, восходящих к доисторическим временам. Хотя рисование существовало На протяжении всех веков и, в частности, в Азии, где он широко использовался, его формы и области применения начали диверсифицироваться в 19 веке.Благодаря значительному промышленному росту 19 века, технический рисунок (или промышленный рисунок) начал набирать обороты и четко отличался от художественного рисунка.В результате он стал сильно кодифицированным, и его цель состоит в том, чтобы передавать очень точную информацию о том, как что-то должно быть изготовлено или использовано. Модная иллюстрация преследует ту же цель. Рисунок также используется в архитектуре и дизайне…
Помимо более практического применения, он также стал формой художественного самовыражения.
Хотя рисунок часто воспринимается как очертание предмета, в отличие от цветной поверхности произведения, и не считается самостоятельным произведением искусства, он действительно является одной из наиболее совершенных форм художественного выражения в той же мере. как живопись или скульптура.От фигуративного до абстрактного искусства рисунок теперь доступен во множестве различных стилей и заслужил свою репутацию формы искусства. Например, «Крик» Эдварда Мунка, одно из самых известных и дорогих произведений искусства (одно время это было самое дорогое произведение искусства в мире!) — это рисунок, в котором смешаны пастель и масляная живопись.
Художники используют различные техники рисования. Рисунки можно создавать тушью, гуашью, акварелью, ручками, маркерами, карандашами, углем или фломастерами, но на любом носителе они всегда на бумаге.Рисунок может быть геометрическим или абстрактным, но также может быть фигуративным или гиперреалистичным.
Покупка рисунка в Artsper означает владение оригинальным современным произведением искусства.
Доступны все типы рисунков, независимо от того, были ли они сделаны начинающими или хорошо зарекомендовавшими себя художниками. Так что не пропустите произведения искусства самых известных художников современного искусства, включая Пабло Пикассо, Макса Эрнста, Ганса Хартунга, Филиппа Паскуа и Роберта Комбаса.
Руководство коллекционера: коллекционирование рисунков
Читать далее цена, 500
грань,10503*Творчество художников бестселлеры|значок-бестселлеры*бестселлеры
грань,10503*Произведения художников-бестселлеров|icon-bestsellers*bestsellers
грань,10503*Werke von Bestseller-Künstlern|icon-bestsellers*werke-von-kunstlern-bestseller
фасет, 10503*Obras de los artistas más vendidos|icon-bestsellers*obras-de-los-artistas-mas-vendidos
цена,1001:5000
цена, 501:1000
фасет,10500*Юные таланты|icon-youngtalents*youngtalents
грань,10500*Werke aufstrebender Künstler|icon-youngtalents*werke-von-jungen-kunstlern
грань,10500*Oeuvres d’artistes émergents|icon-youngtalents*jeunes-talents
грань,10500*Obras de artistas Emergentes|icon-youngtalents*obras-de-artistas-emergentes
категория, 6*живопись*живопись
категория,6*Живопись*живопись
категория,6*Gemälde*gemalde
категория,6*Пинтура*пинтура
фасет,8259*Наши рекомендации|иконки-рекомендации*рекомендации
фасет,8259*unsere Empfehlungen|icon-recommendations*unsere-empfehlungen
фасет,8259*Нет рекомендаций|иконка-рекомендации*рекомендации
фасет,8259*Nuestras recomendaciones|icon-recommendations*nuestras-recomendaciones
фасет,8274*Moyen (\u003c 115 x 115 см)|средний*moyen
фасет,8274*Moyen (> 45 x 45 дюймов)|средний*Moyen
грань,1629*Абстракция*абстракция
грань, 1629*абстракция*абстракция
грань,1629*абстракт*абстракт
грань,1629*абстрактно*абстрактно
грань,10497*Werke berühmter Künstler|иконки-шедевры*werke-beruhmter-kunstler
грань,10497*Oeuvres d’artistes célèbres|icon-шедевры*artistes-celebres
грань,10497*Произведения известных художников|иконы-шедевры*шедевры
грань,10497*Obras de artistas famosos|icon-шедевры*obras-de-artistas-famosos
грань, 8277*большой (\u003c 80 x 80 дюймов)|большой*большой
фасет,8277*Большой (\u003c 200 x 200 см)|большой*гранд
грань, 1635*стрит-арт*стрит-арт
грань, 1635 г.
* Straßenkunst * стрит-арт
грань,1635*arte callejero*arte-callejero
грань,1686*Поп-арт*поп-арт
грань, 1686*поп-арт*поп-арт
грань, 1686*Арте-поп*арт-поп
грань,1671*Paysage*природа
грань, 1671*Naturaleza*Naturaleza
грань,1671*Пейзаж*природа
грань,1671*натур*натур
грань,1671*природа*природа
фасет,8277*Большой (\u003c 80 x 80 дюймов)|большой*большой
фасет,8277*Большой (\u003c 200 x 200 см)|большой*большой
грань, 1644*портрет*портрет
грань,1644*Retrato*retrato
грань,1644*портрет*портрет
категория,5*Скульптура*скульптура
категория,5*Скульптур*скульптур
категория,5*Эскультура*эскультура
категория,9*Фотография*фотография
категория,9*Фото*фотография
категория,9*Фотография*Фотография
категория,9*Фотография*фотография
грань, 1641*нус*нус
грань, 1641*desnudos*desnudos
грань,1641*обнаженная*обнаженная
грань,1641*Акт*акте
цена, 1000:501
грань,8280*Très grand (>200 x 200 см)|очень большой*tres-grand
грань,8280*Très grand (> 80 x 80 дюймов)|очень большой*tres-grand
фасет,8274*Средний (> 45 x 45 дюймов)|средний*средний
фасет,8274*Средний (> 115 x 115 см)|средний*средний
категория, 15*Печать*Печать
категория,15*Друк*выпуск
категория, 15*издание*издание
категория, 15*издание*издание
грань, 1830*Ландшафт|пейзаж*ориентация-ландшафт
грань, 1830*Paysage|пейзаж*ориентация-paysage
грань, 1830*пейзаж|пейзаж*ориентация-пейзаж
грань, 1830*Paisaje|пейзаж*ориентация-paisaje
категория, 23 * Художественные рисунки * рисунок
категория,23*Dessin*Dessin
категория,23*Zeichnung*zeichnung
категория, 23*Дибуджо*дибуджо
фасет,1827*Портрет|портрет*ориентация-портрет
фасет,1827*Hochformat|портрет*ориентация-портрет
фасет,1827*Retrato|портрет*ориентация-retrato
фасет,8271*Маленький (\u003c 50 x 50 см)|маленький*маленький
грань,8301*Продвижение по службе|icon-promotions*promotions
фасет,8301*Специальные предложения|icon-promotions*vergunstigte-werke
фасет,8301*Специальные предложения|значки-акции*акции
фасет,8301*Trabajos en promoción|icon-promotions*trabajos-en-promocion
грань, 1674*Etchleben*etchleben
грань, 1674*Scène de vie*scene-de-vie
грань,1674*Повседневная жизнь*повседневная жизнь
грань, 1674 * Escena de la vida * escena-de-la-vida
грань, 1680*Animaux*animaux
грань, 1680*животное*животное
грань, 1680*Животные*животные
грань, 1680*уровень*уровень
грань, 1668*черно-белый*черно-белый
грань, 1668 * Noir et blanc * noir-et-blanc
грань, 1668*Schwarz und weiß*schwarz-und-weiss
грань, 1668 * Бланко и негр * бланко-и-негр
цена,50001
фасет,8280*Очень большой (>80 x 80 дюймов)|очень большой*очень большой
фасет,8280*Очень большой (>200 х 200 см)|очень большой*очень большой
грань,1632*Архитектура*архитектура
грань, 1632*Die Architektur*die-architektur
грань, 1632 * Архитектура * Архитектура
цена,5001:10000
грань, 1659*цветочный*цветочный
грань, 1659*Флорес*Флорес
грань, 1659*флор*флор
грань,1659*Флора*флора
грань, 1650*городской пейзаж*городской пейзаж
грань,1650*Paysage urbain*paysage-urbain
грань,1650*Paisaje urbano*paisaje-urbano
грань, 1650*Städtische Landschaft*stadtische-landschaft
грань, 1692*геометрическая*геометрическая
грань, 1692*геометрическая*геометрическая
грань, 1692*геометрическая*геометрическая
грань, 1692*геометрия*геометрия
цена,10001:25000
грань, 1656*графика*графика
грань, 1656*Графика*Графика
грань,1656*график*график
грань, 1656*Gráfico*grafico
цена,5000:1001
фасет,12*черный|050002*черный
грань,12*нуар|050002*нуар
фасет, 12*шварц|050002*шварц
грань,12*негр|050002*негр
грань, 1833*квадрат|квадрат*ориентация-квадрат
грань, 1833*Quadrat|квадрат*ориентация-платц
грань,1833*Карре|квадрат*ориентация-карре
грань, 1833*Куадрадо|квадрат*ориентация-куадрадо
фасет,30*Dunkelblau|0707BD*dunkelblau
грань,30*голубой фонс|0707BD*голубой фонс
фацет,30*Тёмно-синий|0707БД*тёмно-синий
Модерн vs.
Исторический: роль и функция изобразительного искусстваДжорджо Вазари, известный художник эпохи Возрождения, красноречиво говорил о важности рисунка в области изобразительного искусства. Вазари утверждает: «Рисование… есть необходимое начало всего [в искусстве], а не имея его, не имеешь ничего». Рисунки — это не только начало всего в искусстве, хотя это важный элемент их ценности; они также облегчают творческий процесс художника, описывая увиденное, визуализируя воображаемое и символизируя идеи и концепции.Хотя рисунок широко используется художниками как средство осмысления своих идей для картины, он также выполняет множество других функций. Некоторые из этих других функций включают: описательный рисунок, орнамент и иллюстрацию, рисунок как социальный комментарий, рисунок как средство прояснения или кристаллизации идеи, рисунок как средство самовыражения.
Каждый художник будет использовать одну или все эти функции в зависимости от того, чего он пытается достичь.
Сама функция, которую берет на себя каждый рисунок, может быть подчеркнута средствами, которые используются для его завершения.Ибо, как важно помнить, рисунок делается не только карандашом или графитом, но и завершается такими средствами, как карандаш, пастель, цветной карандаш, тушь и уголь.
Во времена старых мастеров, таких как Микеланджело, Рафаэль и да Винчи, предпочтительным материалом был красный мел. Большинство их основных картин начинались как рисунки или «этюды» для окончательного написания произведения искусства. Сегодня мы рассматриваем эти рисунки как законные произведения искусства сами по себе, точно так же, как мы относимся к конечному нарисованному произведению.Во времена великих мастеров эти рисунки считались предварительными и не предназначались для показа. Хотя рисунки собирались и ими восхищались с шестнадцатого века, они считались информативными исследованиями, а не законченными и независимыми произведениями сами по себе. Сегодня все изменилось, и рисование стало намного больше, чем просто средство для достижения цели.
Для многих это стало самоцелью.
Рисунки также попадают в те же категории, что и живопись или скульптура, и часто отражают качества и стиль художника, который их создал.Как и следовало ожидать, рисунки варьируются от репрезентативных до абстрактных и всего, что между ними. В двадцатом веке подъем абстрактной живописи и других современных движений изменил роль устоявшихся художественных дисциплин. В современном мире искусства рисунок был переосмыслен и включен в современное понимание как нечто большее, чем просто способ точно изобразить изображение или концептуализировать окончательное произведение искусства. Скорее, это стало для художника средством самовыражения.
Несмотря на то, что роль и функции рисования менялись с течением времени, одна вещь остается неизменной. Как упоминал Вазари в приведенной выше цитате, рисование было, есть и будет преподаваться как неотъемлемый аспект художественного процесса и является жизненно важным и фундаментальным элементом самого изобразительного искусства.
Просмотрите нашу коллекцию Fine Art Drawing для продажи прямо сейчас!
Эта статья была написана для ARTmine Джеффри Шрайером.
Руководство по коллекционированию: рисунки старых мастеров
Семь советов экспертов по коллекционированию рисунков старых мастеров, независимо от того, ищете ли вы доступные работы на бумаге или шедевр музейного качества.Иллюстрировано предстоящими работами на Christie’s
.Говоря о важности рисования, Тинторетто однажды провозгласил: «Прекрасные краски можно купить в магазинах на Риальто, но хороший рисунок можно купить только из ларца таланта художника терпеливым изучением и ночами без сна».
В период Раннего Нового времени от начинающих художников ожидалось, что они проведут годы своего становления, практикуясь в рисовании с живой модели.
Французские и итальянские художники ездили в Рим, чтобы подражать старым мастерам и древним, в то время как голландские художники также отправлялись в Италию, но в основном, чтобы черпать вдохновение в пейзажах римской кампании и несравненном свете.
Искусство рисования было основой многих творческих работ, независимо от того, работал ли художник с глиной, красками или металлом.Часто говорят, что рисунок — это мысль художника. Картина на стене — это готовое изделие, но чтобы прийти к этому окончательному состоянию, художнику обычно приходится рисовать.
Самое завораживающее в рисунке то, что на чистом листе бумаги художник раскрывается перед вашими глазами.Всего в нескольких строках вы можете увидеть (надеюсь!) когда и откуда он или она.
Рисунки старых мастеров часто неразрывно связаны с историей страны, в которой они были созданы: например, в XVII веке Нидерланды были иконоборческой протестантской страной, поэтому заказов на религиозные картины почти не настоящая аристократия, король или двор, большинство произведений искусства покупалось в частном порядке. Рисунки пейзажей или жанровых сцен часто рассматривались не как наброски, а как законченные произведения искусства.На большинстве этих нарисованных работ, как правило, была подпись художника.
Герард тер Борх II (1617-1681), г.
День овощного базара в голландском городке г. .Черный мел, внутри линий черного мела. 6⅛ x 7⅞ дюйма (15,5 x 19,9 см). Продано за 150 000 фунтов стерлингов 6 июля 2021 года на Christie’s в Лондоне.В 2018 году аукционный дом Christie’s продал редкий рисунок голландского художника Лукаса Ван Лейдена за 11 483 750 фунтов стерлингов, что сделало его третьим самым дорогим рисунком, когда-либо выставленным на аукционе.
Лукас ван Лейден (1489/1494-1533), Молодой человек, стоящий .
11 х 5⅛ дюйма (27,9 х 13,2 см). Продано за 11 483 750 фунтов стерлингов 4 декабря 2018 года на аукционе Christie’s в Лондоне
итальянских рисунка, однако, показывают влияние церкви, сыгравшей огромную роль в художественном покровительстве.Важные заказы, данные церковью, требовали обширной подготовки, и значительное количество рисунков старых мастеров из Италии на самом деле представляют собой исследования фигур и композиционные наброски для более крупных произведений.
То же самое часто относится к французским рисункам, хотя в 17 веке дисциплина французского классицизма означала, что рисунки в этой традиции были менее барочными, чем их более свободные итальянские аналоги, которые передавали большее ощущение движения.
Круг Николя Пуссена (1594-1665), Античная сцена с четырьмя бегущими влево фигурами .8½ x 12¾ дюйма (21,7 x 32,4 см). Продано за 3750 долларов 31 января 2019 года на аукционе Christie’s в Нью-Йорке
.
- 2
- Ознакомьтесь с предпочитаемыми художниками техниками
Как правило, художники 16-го и 17-го веков начинали большую работу, быстро набрасывая предполагаемую композицию пером и тушью, часто по ненавязчивым указаниям черным мелом.
Рисунки, сделанные быстрым пером, идеально подходили для изучения первоначальной идеи.
Для большей точности художники использовали мел для более тщательного изображения отдельных фигур, а также для изучения падения света и тени. Синяя бумага хорошо работала с мелом — художники часто выбирали два оттенка из черного, белого или красного, а иногда и все три.
Франческо Приматиччо (1504-1570), Полиместор убивает Полидора (или царя Приама и Синон) .10 х 6½ дюйма (25,3 х 16,4 см). Продано за 187 500 долларов 31 января 2019 года на Christie’s в Нью-Йорке
.
После того, как эти первоначальные наброски были сделаны, художник переходил к modello , законченному этюду, близкому к окончательной композиции, который часто представлялся покровителю на утверждение.
Иногда они были квадратными, как в приведенном выше примере итальянского художника Приматиччио, чтобы позволить художнику легче перенести композицию на холст или, в случае фрески, на стену.
В области итальянского рисунка большинство коллекционеров ищут изображения фигуры, в то время как для голландских рисунков наиболее популярны пейзажи.
Однако это не всегда так: замечательные рисунки фигур Рембрандта, например, пользуются большим спросом. Глядя на рисунок, учитывайте его качество, а не его принадлежность к определенной теме.
- 3
- Рисунок может быть важнее художника, который его сделал
Однажды мы продали рисунок кавалера Питера ван Блумена, довольно мелкого голландского художника XVII века (см. ниже).Всем, кто видел, понравилось. Все было идеально по состоянию и составу; в этом был особый шарм. Он был продан за 253 250 фунтов стерлингов, что намного выше его оценки в 3000–5000 фунтов стерлингов. Рекордная цена на ван Блумена до этого составляла около 4000 фунтов стерлингов, а аналогичные рисунки с тех пор продавались менее чем за 10 000 фунтов стерлингов, но этот был особенным.
Питер ван Блумен по прозвищу Штандарт (1657-1720), Конный кавалер, вид сзади .10⅛ x 7½ дюйма (26,5 x 19 см). Продано за 253 250 фунтов стерлингов 8 декабря 2011 года на Christie’s в Лондоне, Южный Кенсингтон
.
- 4
- Старые мастера могут быть доступными
Стоимость проданных нами работ варьируется от 700 до 29 000 000 фунтов стерлингов.
Тем не менее, более 90 процентов рисунков имеют рыночную стоимость менее 10 000 фунтов стерлингов, и только очень небольшая их часть стоит целое состояние. Вполне возможно найти очень хорошие рисунки от хороших, известных художников за 4000–5000 фунтов стерлингов.
Вы можете найти прекрасный маленький рисунок, выполненный Жаном-Батистом Юэ, например, его этюд собаки (см. ниже), менее чем за 5000 фунтов стерлингов.
Жан-Батист Юэ (1745-1811), Собака .4½ x 8½ дюйма (10,9 x 20,8 см). Продано за 3750 долларов 31 января 2019 года на аукционе Christie’s в Нью-Йорке
.
- 5
- Остерегайтесь подозрительных подписей
Подписи, которые вы видите на рисунках, могут быть недостоверными или вводящими в заблуждение, более поздними дополнениями к работам.Количество рисунков, приписываемых Рафаэлю или Микеланджело, огромно. Именно здесь важна связь с готовой картиной, и вы должны быть готовы заплатить некоторую сумму, если атрибуция не вызывает сомнений. Мы используем наши глаза, обращаемся к литературе и спрашиваем мнение внешних ученых.
Каспар Давид Фридрих (1774-1840), Готическое кирпичное здание и два этюда деревьев .12⅛ x 9⅞ дюйма (30,9 x 25,2 см). Продано за 212 500 фунтов стерлингов 3 июля 2018 года на аукционе Christie’s в Лондоне
. Уверенная атрибуция подписей на рисунке Каспара Давида Фридриха помогла поднять его цену до 212 500 фунтов стерлингов, что более чем в три раза превышает его более низкую оценку, когда он был продан на Christie’s в 2018 году.
- 6
- Бережно храните чертежи
Стоимость чертежа может уменьшиться в десять раз, если он находится в плохом состоянии.Воздействие солнечного света приводит к выцветанию и обесцвечиванию бумаги, а чернила имеют тенденцию впитываться в бумагу и повреждать ее. Раньше это означало, что коллекционер не всегда может наслаждаться коллекцией на своей стене. Но сегодня есть способы избежать повреждений от света, например, использование стекла, устойчивого к ультрафиолетовому излучению, хотя с ним всегда нужно обращаться осторожно.
Рисунки также могут пострадать от насекомых, таких как чешуйницы, которые поедают бумагу. В зависимости от среды влажность также может быть проблемой.Для других проблема заключалась в хранении: рисунки можно найти сложенными или с грязными частями, оставленными без рамки и незащищенными.
Но не будем рисовать слишком мрачную картину — большинство рисунков выдержали испытание временем на удивление хорошо. Мы работали с некоторыми необычайно хорошо сохранившимися произведениями, такими как «Голова музы» Рафаэля . Этот непосредственный этюд — или карикатура, как мы его называем — Парнас , одна из величайших фресок художника в Ватикане, станет изюминкой любой коллекции.Мы продали его в 2009 году, ровно через 500 лет после его изготовления. Поскольку он всегда хранился в больших коллекциях, таких как коллекции сэра Джошуа Рейнольдса и Вильгельма II, принца Оранского, вероятно, им всегда дорожили.
Фердинанд-Виктор-Эжен Делакруа (1798-1863), Виноградники у дороги и дом на холме .
Графит, акварель. 7⅞ x 9 дюймов (20 x 22,8 см). Продано за 62 500 фунтов стерлингов 6 июля 2021 года на Christie’s в Лондоне. Люди часто боятся заходить в отделы рисования в музеях, потому что считают, что они предназначены только для ученых.Это неправда — большинство из них открыты для публики. Посещение музейных коллекций дает вам возможность увидеть рисунки без рамы, только что смонтированные, и это лучший способ приблизиться к ним. Раньше вы могли пойти в Британский музей без предупреждения и увидеть все, что захотите. Сейчас правила изменились, но вы все равно можете исследовать дальние уголки коллекции, если напишете им за две недели. То же самое относится ко многим европейским и американским коллекциям.
В Англии есть невероятные коллекции рисунков в Британском музее, Оксфордском музее Эшмола и Кембриджском музее Фитцуильяма, а в Шотландии тоже есть сокровища.В Европе посетите Лувр в Париже, Уффици во Флоренции и Рейксмузеум в Амстердаме, где собрана особенно красивая коллекция голландских рисунков. В Соединенных Штатах есть Метрополитен-музей в Нью-Йорке, Музей Гетти в Лос-Анджелесе, Национальная галерея Вашингтона и Художественный институт Чикаго и другие.
В рисунке есть что-то очень непосредственное, и вы можете ощутить его телесность только тогда, когда держите его в руках.
Рисование как способ видения
Современный художник Джоэл Дэниел Филлипс.Изображение предоставлено Шоном Робертсом О рисовании > Джоэл Дэниел Филлипс делится вдохновением и методами, лежащими в основе его гиперреалистичных рисунков углем, графитом и тушью.
Рисунок как способ видения: гиперреалистическое искусство
ДЖОЭЛА ДЭНИЭЛА ФИЛЛИПСА
С изобретением фотоаппарата в 1816 году роль художника и рисовальщика как улавливателя и, следовательно, арбитра образов в обществе навсегда изменилась. Многие утверждают, что это изобретение стало смертью художника-подмастерья, а мир современного искусства склонен смотреть на реалистическую живопись и графику как на незваного дядю, пьяного на Рождество, который просто не понимает намека и ложится спать. .
200 лет спустя мы живем в мире, который потребляет изображения с экспоненциально растущей скоростью. Смартфоны, социальные сети и Интернет сделали создание и потребление изображений не просто обычным делом, но и неизбежным. И с этим постоянно растущим потреблением приходит оцепенение к сложной реальности образов, которыми мы пожираем себя.
Ле Корбюзье сказал, что «единственный способ по-настоящему понять что-то — это нарисовать это», и это центр моей работы — попытка искренне уловить то, что я вижу сквозь кончик карандаша и кусочек угля. Мой творческий процесс по своей сути связан с трудом, и на современном фоне мгновенного удовлетворения, основанного на образах, я обнаружил, что физический процесс, связанный с кропотливой, ремесленной визуализацией предмета или момента, становится все более важным. Строгий, медитативный труд наблюдения через рисование является средством для достижения цели. Этой целью для меня является более глубокое и богатое понимание мира вокруг меня и сложности его истории.
Я считаю, что мы живем в поистине ключевой момент, когда легкость, с которой мы можем фотографировать, и подавляющее изобилие изображений в нашей повседневной жизни означают, что люди тоскуют по вещам, которые работают в другом темпе, как с точки зрения Творец и зритель.Работа, сделанная вручную, имеет мощный резонанс в мире, который штампует дешевые изображения для Instagram миллионами, и я верю, что анахроничное приложение усилий и навыков будет выделяться все больше и больше в ближайшие годы.
Изображение предоставлено Адамом Мерфи Изображение предоставлено Адамом МерфиПроцесс рисования для гиперреалистического искусства:
Мой процесс глубоко медитативен и обычно следует довольно прямолинейному процессу.
Я не начинал как прекрасный художник, я на самом деле пришел в мир искусства немного задним числом и изучал графический дизайн в колледже.Хотя раньше я сетовал на то, что в то время казалось упущенной возможностью изучать живопись и рисунок, я пришел к выводу, что образование в области графического дизайна было, возможно, идеальной основой для построения моей карьеры художника. Графический дизайн научил меня безжалостно относиться к своим собственным идеям — и как иметь толстую кожу.
В частности, работа в рекламе научила меня отделять себя от своей работы и рассматривать ее глазами целевой аудитории. В то время как многие художники, вероятно, возмутились бы идеей «беспокоиться о том, что думают другие», я всегда чувствовал, что для того, чтобы любое искусство было успешным, оно должно сначала заставить кого-то, кроме художника, остановиться и позаботиться о нем.Если произведение искусства на самом деле не заставляет кого-то остановиться и задуматься над тем, что было сделано или что сказано, оно падает плашмя, прежде чем сделает шаг за дверь.
Эта визуальная или эмоциональная гравитация может проходить по многим каналам, будь то эмоциональная тяга, визуальная гравитация, интеллектуальная стимуляция, чистая красота или даже сильное отвращение.
Цифровые эскизы
Первый шаг в моем процессе, вероятно, связан с моим прошлым в качестве графического дизайнера, и я начинаю с работы над тем, что я называю (из-за отсутствия лучшего описания) цифровыми коллажами.В то время как все мои работы основаны на фотореференсах, большую часть времени одно произведение на самом деле основано на множестве референсов, и я трачу время, которое другие художники могли бы проводить в альбоме для рисования, собирая в цифровом виде кусочки и фрагменты различных изображений вместе, чтобы получить единое целое. чувствую себя хорошо.
Подчертеж
После того, как я определился с окончательной композицией, в зависимости от размера финальной части и крайнего срока проекта, я либо раздаю свободный набросок, используя довольно стандартную технику прямых линий, которой учат в ателье и в жизни- уроки рисования, или если работа огромна или сроки невозможны, я передаю основные фигуры и формы светлыми графитовыми линиями через проектор.
Блок на этапе гиперреалистичного рисунка
Независимо от того, как я разместил свой первоначальный эскиз на бумаге, следующий шаг — самая важная часть всего процесса: вставка. Большую часть времени я работаю на стене в своей студии, и я построил тележка с большим экраном, прикрепленным сверху, чтобы я мог видеть свои референсы под любым углом. Как только я уверен, что общие пропорции и расположение на моем наброске верны, я начинаю работать над начальными графитными линиями карандашом HB, точно настраивая каждую часть рисунка.То, что получается в результате этого этапа, — это, конечно, не самоцель, а скорее каркасный рисунок, который формирует точную тональную карту рисунка — свет и тени на каждой форме, где свет поворачивает край каждой формы, и физическую каркасную структуру самих фактических элементов.
Время идти.
Как только этот процесс закончен, я погружаюсь прямо в сам процесс рисования. Мне говорили, что я больше рисую как художник, чем рисовальщик, и хотя я никогда не уверен на 100%, как относиться к этому комментарию, я думаю, что это правда.Поскольку я правша, я работаю от верхнего левого угла рисунка к нижнему правому, чтобы моя ладонь могла лежать на бумаге, ничего не размазывая, и я более или менее заканчиваю каждый раздел по мере продвижения. Хотя это не означает, что я не вернусь и не поправлю мелкие детали позже, Карл Добски (найдите его) однажды сказал мне, что художники всегда лгут себе, когда говорят, что вернутся и сделают что-то лучше. позже. Это во многом подтвердилось для меня, и в целом я стараюсь сделать все как можно более набранным на этом первом проходе.
Я не использую белый уголь, так как он всегда имеет немного синеватый оттенок и всегда кажется мне пятном на тонущем корабле. Это означает, что все мои блики должны быть тщательно спланированы заранее, так как большинство углей, которые я использую, никогда не вернутся к истинному белому цвету бумаги.
Когда я иду, я обычно держу в левой руке то, что я называю «коготь», набор инструментов, который можно разбить следующим образом:
- Графитовые карандаши (чертежные карандаши Mars Staedtler, с грифелями 2H, HB, B и 4B)
- Карандаши Conte (карандаши Conte a Paris Pierre Noire, HB и 3B)
- Cretacolor Charcoal Lead (прессованный уголь, поставляемый в виде сменных грифелей)
- Ластик-замес
- Смешивание пней
- Акварельная кисть для растушевки на зубной бумаге
По-видимому, это также нарушает массу правил, но большая часть моего фактического процесса рисования включает в себя смешивание угля и графита.Графит — прекрасная среда, но благодаря своей кристаллической молекулярной структуре он становится все более и более отражающим, чем темнее и толще он нанесен. Я всегда ненавидел это в рисунках из чистого графита, за некоторыми исключениями (например, блестящий Стивен Ассаэль), большинство рисунков из чистого графита, как правило, не имеют полного диапазона значений.
Графит может стать таким темным только до того, как начнет отражать свет, и, особенно когда это применяется к большому рисунку, зритель испытывает смущение, когда при взаимодействии с работой области, которые должны быть самыми темными, на самом деле становятся яркими бликами. , полностью изменяя общую взаимосвязь значений.
, с другой стороны, обладает удивительной способностью создавать глубокий, насыщенный черный цвет, который, кажется, поглощает весь свет. Тем не менее, очень сложно контролировать значения древесного угля на более светлом конце спектра значений, поскольку он имеет тенденцию становиться пятнистым и его трудно удержать от того, чтобы очень быстро не стать слишком темным. По этим причинам я работаю с графитом на более светлом конце диапазона значений (скажем, от 0% или настоящего белого до 40% или около того, где-то около среднего серого). чтобы стать отражающим, я перехожу к древесному углю, пропуская светлую часть диапазона значений, где уголь трудно контролировать.
О ХУДОЖНИКЕ
Джоэл Дэниел Филлипс (joeldanielphillips.com) — американский художник, чьи работы сосредоточены на принципах классического рисования, используемых в монументальных форматах. Вдохновленный глубиной и широтой человеческого опыта, он стремится рассказать личные и социальные истории, запечатленные на лицах окружающих.Кончиком своего карандаша художник ищет моменты, когда наши спроецированные ощущения себя прозрачны, позволяя увидеть более глубокие, более правдивые эмоции.
Работы Филлипса выставлялись в учреждениях и галереях в Соединенных Штатах, а также за рубежом, в том числе в Смитсоновской национальной портретной галерее, Художественном музее Такомы, Художественном музее Южного Техаса, Художественном музее Форт-Уэйна, Центре современного искусства Меса, The Художественный музей Экленда и Художественный музей Филбрука.
В 2016 году он получил 3-е место на конкурсе портретов Аутвина Бучевера от Смитсоновской национальной портретной галереи, а в настоящее время художник является научным сотрудником Tulsa Artist Fellowship в Талсе, штат Оклахома. Рисунки Филлипса можно найти в публичных коллекциях Денверского художественного музея, Западной коллекции, музея Гилкриза и Художественного музея Форт-Уэйна.
Художник недавно выпустил свою первую монографию «Без сожалений в жизни» в издательстве Paragon Press, с которой можно ознакомиться здесь.
Связанная статья > Рисунок с выражением, а не ожиданием
Эта статья была первоначально опубликована в 2019 году
Как сделать искусство, которое действительно небезразлично людям
В голове каждого художника живет маленький критик Этот критик смотрит через плечо художника, пока он грунтует холст. Именно там скульптор выламывает первые свежие блоки глины.
Он задает вопросы фотографу, когда он просматривает свои негативы. И он кричит им всем: «Кому-нибудь это вообще понравится?!»
I Если нам повезет, эти внутренние голоса затихают по мере того, как мы углубляемся в процесс. Когда мы находим свой поток, эти внутренние критики изгоняются один за другим.
Но нет никаких сомнений в том, что каждый художник хочет делать работу, которая будет небезразлична людям — которая поразит их этим пронзающим животом, перевернувшим их мир с ног на голову.
Не существует быстрого решения или лайфхака , чтобы заставить людей заботиться о том, что вы делаете. Вот правда: все это в вашем мышлении, и это может быть гораздо более тупой, неосязаемой вещью, которую можно определить.
Если вы действительно хотите, чтобы люди остановились и обратили внимание на то, что вы делаете, войдите в студию, помня о следующих «внутренних правилах».
Если вы не заботитесь о своей работе, не ожидайте, что кто-то еще будет заботиться о ней Никто не будет заботиться о том, что вы делаете, если вам это безразлично.
Это так просто.
Не пытайтесь выполнять работу, которую, по вашему мнению, вы «должны» выполнять — сосредоточьтесь на работе, которая вам небезразлична.
Вероятно, в какой-то момент своей жизни вы слышали от свиданий совет о том, что «сначала нужно полюбить себя». Примените это к своей работе. Любите то, что вы делаете. Будьте настолько поглощены тем, что вы делаете, что ваших друзей раздражает, как много вы об этом говорите. Тогда вы будете знать, что вы на правильном пути.
Дело в том, что делать то, что тебе небезразлично, чрезвычайно сложно, как физически, так и эмоционально.Вы рискуете выложить то, что вас больше всего волнует, и получить отказ.
Но, если вы не выполняете работу, которая вам действительно и глубоко дорога, вы рискуете перегореть.
Нас подпитывают темы, материалы, процессы, расследования, вопросы и обряды, которые поддерживают нас. Вы должны появляться в студии изо дня в день.
Если вы не заботитесь о том, что вы делаете, это будет намного сложнее.
На кого ты работаешь? Если вас, вероятно, спрашивали о вашей целевой аудитории в какой-то момент, и, возможно, вы даже занимались формированием аудитории, создавая список характеристик, где ваш потенциальный покупатель — состоятельная женщина в возрасте от 30 до 65 лет, владеет домом в городе, и Т. Д.и т.д. и т.п…
Откажитесь от воображаемой аудитории.
Подумайте об одном конкретном человеке, для которого вы создаете эту работу. С чем они сейчас борются? Что не дает им спать по ночам? Что они находят крайне, нелепо забавным? Что они пережили в последнее время, из-за чего им нужно утешение?
Задайте себе эти вопросы, а затем выберите один из них для решения в своей работе.
Самое прекрасное в том, что мы люди, это то, что у всех нас есть определенные общие черты.Не следуйте тенденциямЭто может не находить глубокого отклика у всех, но если кто-то чувствует это сильно, есть вероятность, что есть целая группа, которая также сильно это почувствует.
Это может не находить глубокого отклика у всех, но если кто-то чувствует это сильно, есть вероятность, что есть целая группа, которая также сильно это почувствует. Вы в последнее время были на Pinterest? Каждая организованная свадьба и детская вечеринка через некоторое время начинают выглядеть одинаково. То же самое и с тенденциями в искусстве.
Хватит черпать вдохновение из краудсорсинга. Перестаньте делать работу, которая аккуратно и плавно помещается на доске Pinterest.
Настоящее, подлинное вдохновение происходит за пределами экрана компьютера. Выйдите на улицу и проведите некоторое время в тишине в парке, наблюдая за своим окружением. Возьмите с собой в поход альбом для рисования и делайте заметки о том, что вас волнует. Займите место у окна в кафе и наблюдайте, как люди взаимодействуют друг с другом — ищите тонкие, невысказанные нюансы.
Для того, чтобы заставить людей заботиться о ваших работах, мы имеем в виду действительно заботиться, вы должны быть очень опытными в своем ремесле.Создание работы — это способ общения со своей аудиторией. Попытаться оказать влияние на выбранную вами среду без предварительного изучения материала внутри и снаружи — это все равно, что пытаться написать книгу для носителя английского языка на французском языке.
Если вы хорошо разбираетесь в своем ремесле, вам легче донести свою точку зрения. Меньше времени тратится на размышления о том, «как» в процессе, и вы можете больше сосредоточиться на «почему».
Это не значит, что не переставайте подвергать сомнению свой процесс и бросать вызов своему материалу — всегда подталкивайте себя и свое мастерство на этом пути, если вы надеетесь выйти на новую территорию.
Отбросьте идею о том, что создание произведений искусства будет способствовать внешней проверке В какой-то степени каждый хочет похвалы и восхищения окружающих.
Справедливо будет сказать, что художники желают этого признания еще больше.
Когда вы выставляете свою работу на всеобщее обозрение, вам присуща уязвимость, и поэтому вы жаждете подтверждения.
Если вы создаете работу, которая удовлетворяет вас и подтверждает ваше внутреннее «я», вы будете более удовлетворены результатом и сделаете работу, которая больше понравится другим.
Когда вы входите в новую концепцию, думая о том, как получить одобрение и похвалу других, вы смягчаете значимые грани.
Проверьте свое эго у двери студииЭто просто.
Эго и креативность — это две разные структуры ума, происходящие из двух разных мест. Оставьте первого у двери.
Научитесь справляться с долгими периодами одиночества Хотя вы не можете создавать работу в вакууме, вам нужны длительные отрезки непрерывного времени в одиночестве, чтобы делать работу, которая действительно приносит пользу.
Найдите место, в котором вы чувствуете себя комфортно, и поверьте, что вам нужно будет там побыть какое-то время. Обустройте свою студию так, чтобы вам было интересно проводить в ней время. От освещения до декораций, запасов воды, закусок и музыки, которая вам нравится, ваша студия должна быть местом, куда вы с нетерпением ждете прихода.
Если вы художник, работающий полный рабочий день, выделите не менее трех пятичасовых блоков непрерывного времени в студии в неделю. Если вы работаете неполный рабочий день, постарайтесь начинать с одного раза в неделю, когда вы выключите телефон, проигнорируете уведомления и погрузитесь в работу на несколько часов.
Конечно, вы не можете постоянно концентрироваться, но ограничение внешних отвлекающих факторов поможет вам погрузиться в работу и установить более значимые для себя связи.
Скажи просто «Будь проще, тупица.» Ныне повсеместно распространенный принцип проектирования был придуман ВМС США в 1960 году как напоминание их инженерам о том, что системы наиболее эффективны, если они просты и не слишком сложны.
Для художников, особенно начинающих художников, существует тенденция включать все.Но, пытаясь сделать слишком много с одной частью, вы рискуете скрыть свое сообщение. Чтобы это было просто, требуются не только навыки, но и определенная степень смирения и уверенности в своих работах.
Сдерживая свои художественные работы, вы не пытаетесь доказать что-либо о своих навыках, вы пытаетесь общаться наиболее эффективным способом. «Гений — это способность сводить сложное к простому», — как выразился Ч. У. Серан.
Примите изменения в себе и своей работе и знайте, когда двигаться дальшеНа художников может оказываться сильное давление, чтобы они придерживались определенной темы или материала.И в какой-то степени это полезно для создания бренда и разработки сплоченной работы.
С другой стороны, строгое следование одному направлению работы потенциально может помешать вам развиваться и исследовать новые вопросы, которые вас интересуют — вопросы, которые разжигают и пробуждают ваше любопытство при создании произведений искусства.
Ведение кратких «полевых заметок» о своей работе поможет вам лучше понять свой процесс и понять, когда пора отойти от определенной темы, изображения, идеи или материала.Может быть грустно тратить так много времени на работу над одним проектом и отходить от него. Но это открывает новые двери для открытий, и ваше новое волнение выльется в вашу новую работу — какой бы она ни была.
Порвать со стереотипным портретом жизни художникаСуществуют сотни, если не тысячи романов, спектаклей и фильмов, которые романтизируют жизнь художника. При правильном балансе борьбы и славы жизнь художников часто идеализируется, и может возникнуть соблазн воплотить весь пакет.
Но сколько людей решило на самом деле сделать работу своими руками? Если бы все внимание, награды и уважение были убраны, сколько людей все еще были бы там, выполняя работу изо дня в день — просто потому, что им это нужно?
Этот диск понадобится вам, если вы хотите создать значимую работу.
Потому что дни длинные, а препятствий много, и для достижения долгосрочного успеха вас должен мотивировать сам процесс, а не все второстепенные преимущества.
Заодно порвите и со стереотипом рассеянного гениального художника. Настоящая, значимая работа, заботящаяся о людях, исходит из обдуманного намерения.
Вам нужно быть организованным, чтобы реализовать свое видение.
Избавьтесь от хаоса в своей студийной жизни и уделяйте больше времени созданию осмысленных произведений искусства с помощью лучшего инструмента управления карьерой.
Отслеживайте свои работы, контакты и продажи, получая представление о своем бизнесе — попробуйте Artwork Archive, бесплатно в течение 30 дней.Перспективный рисунок | Джон Ловетт Художник
Почему-то перспективный рисунок рассматривается как сложное вторжение в веселую сторону живописи.
В этой статье мы воспользуемся очень простым подходом к устранению сложностей с незаменимым инструментом рисования.
Перспективный рисунок — это метод создания линейной иллюзии глубины. По мере того, как объекты удаляются от зрителя, кажется, что они уменьшаются в размерах с постоянной скоростью.Коробка на эскизе ниже кажется цельной и трехмерной из-за использования перспективы.
Ближайшая к нам часть коробки — передний вертикальный край. Два других видимых вертикальных края, находящиеся дальше, кажутся короче. Чтобы найти длину этих линий, нам нужно знать, где находится уровень наших глаз по отношению к прямоугольнику и где две точки схода вдоль линии уровня глаз будут отступать для всех наших горизонтальных линий.
Поскольку коробка квадратная, а наш угол зрения на коробку составляет сорок пять градусов, каждая точка схода будет находиться на одинаковом расстоянии от коробки.
Определение уровня глаз или линии горизонта для перспективы
Горизонтальная линия, проходящая через коробку, указывает уровень наших глаз и может меняться в зависимости от точки обзора по отношению к коробке.
В рамке выше уровень наших глаз примерно на четверть выше переднего края. Горизонтальные линии ниже уровня глаз будут казаться наклонными вверх до точки схода, а линии выше уровня глаз будут наклоняться вниз.
На наброске выше уровень наших глаз находится ниже этой рамки, поэтому все горизонтальные линии будут наклонены вниз.
Здесь наш уровень глаз находится выше этого прямоугольника, поэтому все горизонтальные линии будут казаться наклонными вверх.
Внимательно глядя на горизонтальные линии того, что мы хотим нарисовать, мы можем определить направление к точкам схода и расположение линии горизонта или уровня глаз.
Если все горизонтальные линии на объекте кажутся наклоненными вверх (как показано выше), уровень глаз будет выше объекта.
Если все горизонтальные линии объекта кажутся наклоненными вниз (как показано ниже), объект будет находиться выше уровня глаз.
Если некоторые горизонтальные линии в нашем объекте наклонены вверх, а некоторые вниз (как показано ниже), наша линия горизонта или уровня глаз будет внутри объекта.
Во всех трех примерах пересечение этих сходящихся линий будет точками схода, и они всегда будут пересекаться на линии горизонта или линии уровня глаз.
Поиск точек схода перспективы
Две вещи, которые определяют, насколько далеко от нашего объекта будут точки схода, — это наше расстояние от объекта и наш угол зрения на объект.Чем ближе мы к объекту, тем ближе будут точки схода и тем более экстремальная перспектива (набросок ниже).
По мере удаления от объекта эффект перспективы уменьшается, и точки схода смещаются наружу, от объекта (рисунок ниже).
Изменение угла обзора объекта приведет к тому, что одна точка схода приблизится к объекту, а другая — дальше. На приведенном ниже эскизе перемещение вокруг объекта вправо приводит к тому, что точки схода смещаются вправо.Один приближается, а другой отдаляется.
Если мы двигаемся вокруг прямоугольника влево, точки схода перемещаются влево. Левая точка перемещается дальше, правая точка приближается.
Если вы сможете прочитать эти заметки и понять, что происходит, то, потренировавшись, вы сможете рисовать различные квадратики, подобные приведенным выше. Нарисуйте их снизу, сверху, повернув под разными углами, с близкого расстояния, дальше назад. Как только вы освоитесь с одной коробкой и почувствуете, как изменения уровня глаз и точек схода влияют на перспективу, создание более сложных структур — это просто вопрос наложения. , переставляя и изменяя больше ящиков.
Понимание перспективного рисунка является важной частью ваших способностей к рисованию, но, независимо от того, насколько оно точно, оно также может испортить хорошую картину. Не позволяйте вашей работе стать чрезмерно нарисованной и механической.
Я редко использую линейку, когда речь идет о перспективе, предпочитая набрасывать линии вручную, не возвращая все точно к точке схода. Легкая неточность добавляет небрежности работе и избавляет от натянутого клинического вида.
На этой картине Лондона используется простая перспектива с единственной точкой схода.
Вы можете увидеть, где будет точка схода, следуя сходящимся линиям справа. Линии приблизительны (настолько точны, насколько я могу судить на глаз), но если бы вдоль них была проведена линейка, они были бы далеко не идеальными, лишая этот механический вид и придавая картине рыхлость, которая усиливает древнюю патину города. . Рисуя эти линии, я не собираюсь делать их неточными, но, к счастью, невооруженный глаз не обладает точностью линейки.
Точки схода на этой картине Венеции разбросаны по всей линии горизонта из-за того, что очень немногие здания построены параллельно друг другу. Все они представляют собой отдельные коробочки, повернутые немного под разными углами.
Это может показаться рутиной и тем, что вы можете обойти, но на самом деле это не так уж сложно. Достаточно провести несколько часов с карандашом и бумагой, чтобы ознакомиться с тем, что происходит.
Проблемы с рисованием в перспективе — одни из самых распространенных проблем, с которыми я сталкиваюсь у студентов.
