Французские художники экспрессионисты: 13 художников импрессионизма, которые нельзя пропустить

Художники-импрессионисты. 7 великих французских мастеров

1. Художники-импрессионисты. 7 великих французских мастеров

Художникиимпрессионисты. 7
великих французских
мастеров
Презентация на тему:
художники и направление в искусстве.

2. 1. Эдуард Мане (1832 – 1883 гг.)

Мане был старше большинства импрессионистов. Он был их главным
вдохновителем на перемены.
Сам Мане на роль лидера революционеров не претендовал. Он был
светским человеком. Мечтал об официальных наградах.
Но признания он ждал очень долго. Публика желала видеть греческих
богинь. Или натюрморты на худой конец. Чтобы красиво смотрелись в
столовой. Мане же хотел писать современную жизнь. Например,
куртизанок.
В результате появился “Завтрак на траве”. Двое денди отдыхают в
обществе дам лёгкого поведения. Одна из них как ни в чем ни бывало
сидит рядом с одетыми мужчинами.

4. Эдуард Мане. Завтрак на траве. 1863 г. Музей д’Орсе, Париж

Сравните его “Завтрак на траве” с работой Тома Кутюра “Римляне во
времена упадка”. Картина Кутюра произвела фурор. Художник мгновенно
прославился.
“Завтрак на траве” была обвинена в вульгарности. Беременным на полном
серьезе не рекомендовали на неё смотреть.

6. Тома Кутюр. Римляне времён упадка. 1847 г. Музей д’Орсе, Париж.

На картине Кутюра мы видим все атрибуты академизма (традиционной
живописи 16-19 вв.). Колонны и статуи. Люди аполонской внешности.
Традиционные приглушённые цвета. Манерность поз и жестов. Сюжет из
далекой жизни совсем другого народа.
“Завтрак на траве” Мане – другого формата. До него никто не изображал
куртизанок вот так запросто. Рядом с респектабельными горожанами. Хотя
многие мужчины того времени так и проводили свой досуг. Реальная
жизнь реальных людей.
Мане пробовал считаться со вкусами публики. Писать портреты на заказ.
Но из этого ничего не вышло.
Однажды писал одну респектабельную даму. Некрасивую. Он не смог
польстить ей с помощью кисти. Дама была разочарована. Ушла от него в
слезах.

9. Эдуард Мане. Ангелина. 1860 г. Музей д’Орсе, Париж.

Поэтому он продолжал экспериментировать. Например, с цветом. Он не
пытался изобразить так называемый природный цвет. Если серо-бурая вода
ему виделась ярко-синей, то он изображал ее ярко-синей.
Это, конечно, раздражало публику. Ведь даже Средиземное море не может
похвастаться такой синевой, как вода у Мане, язвили они.
Эдуард Мане. Аржантей. 1874 г. Музей изящных искусств, Турне, Бельгия.
Wikipedia.org
Но факт остаётся фактом. Мане вкорне изменил предназначение живописи.
Картина становилась воплощением индивидуальности художника. Который
пишет так, как ему заблагорассудится. Забыв о шаблонах и традициях.
Все новаторства ему долго не прощали. Признания дождался только под конец
жизни. Когда оно уже ему было не нужно. Он мучительно угасал от
неизлечимой болезни.
О художнике читайте также в статье “Картины Эдуарда Мане, мастера с
колумбовской кровью”.

11. 2. Клод Моне  (1840 – 1926 гг.

)2. Клод Моне (1840 – 1926 гг.)
Клод Моне. Автопортрет в берете. 1886 г. Частная коллекция.
Клода Моне можно назвать христоматийным импрессионистом. Так как он
был верен этому направлению всю свою долгую жизнь.
Он писал не предметы и людей, а единую цветовую конструкцию из
бликов и пятен. Раздельные мазки. Дрожание воздуха.
Клод Моне. Лягушатник. 1869 г. Музей Метрополитен, Нью-Йорк.
Моне писал не только природу. Ему удавались и городские пейзажи. Один
из самых известных – “Бульвар Капуцинок”.
В этой картине есть многое от фотографии. Например, движение
передано с помощью размытого изображения.
Обратите внимание, дальние деревья и фигуры словно находятся в
дымке.

13. Клод Моне. Бульвар Капуцинок в Париже. 1873 г. ГМИИ им. А.С. Пушкина (Галерея искусства Европы и Америки 19-20 вв.), г. Москва

Перед нами остановленный момент бурлящей жизни Парижа. Никакой
постановочности. Никто не позирует. Люди изображены как совокупность
мазков. Такая бессюжетность и эффект “стоп-кадра” – главная черта
импрессионизма.
К середине 80-х годов художники разочаровались в импрессионизме.
Эстетика – это, конечно, хорошо. Но бессюжетность многих угнетала.
Лишь Моне продолжал упорствовать. Гипертрофируя импрессионизм. Что
переросло в серии картин.
Один и тот же пейзаж он изображал десятки раз. В разное время суток. В
разное время года. Чтобы показать, насколько температура и свет могут
изменить один и тот же вид до неузнаваемости.

15. Клод Моне. Бульвар Капуцинок в Париже. 1873 г. ГМИИ им. А.С. Пушкина (Галерея искусства Европы и Америки 19-20 вв.), г. Москва

Клод Моне. Бульвар Капуцинок в Париже.
1873 г. ГМИИ им. А.С. Пушкина (Галерея
искусства Европы и Америки 19-20 вв.), г.
В этой картине есть многое от фотографии. Например, движение
Москва
передано с помощью размытого изображения.
Обратите внимание, дальние деревья и фигуры словно находятся в
дымке.
Перед нами остановленный момент бурлящей жизни Парижа. Никакой
постановочности. Никто не позирует. Люди изображены как совокупность
мазков. Такая бессюжетность и эффект “стоп-кадра” – главная черта
импрессионизма.

17. Картины Клода Моне.

Картины Клода Моне в Музее изящных искусств в Бостоне. Слева:
Стога сена на закате в Живерни, 1891 г. Справа: Стог сена (эффект
снега), 1891 г.
Обратите внимание, что тени на этих картинах цветные. А не серые или
чёрные, как было принято до импрессионистов. Это ещё одна их фишка.
Моне успел насладиться успехом и материальным благополучием. После
40 он уже забыл о нищете. Он обзавёлся домом и прекрасным садом. И
творил в своё удовольствие ещё долгие годы.
О самой знаковой картине мастера читайте в статье “Впечатление” Клода
Моне. С чего начинался импрессионизм”.

19. 4. Эдгар Дега (1834 – 1917 гг.)

Эдгар Дега. Автопортрет. 1863 г. Музей Галуста Гюльбенкяна, Лиссабон,
Португалия.
Дега не был классическим импрессионистом. Он не любил работать на
пленэре (открытом воздухе). У него вы не найдёте намеренно высветленной
палитры.
Наоборот, он любил чёткую линию. Черного цвета у него предостаточно. И
работал он исключительно в студии.
Но все же его всегда ставят в ряд с другими великими импрессионистами.
Потому что он был импрессионистом жеста.
Неожиданные ракурсы. Ассиметрия в расположении объектов. Застигнутые
врасплох персонажи. Все это главные атрибуты его картин.
Он останавливал мгновение жизни, не дав ему опомниться. Посмотрите хотя
бы на его “Оркестр оперы”.

21. Эдгар Дега. Оркестр оперы. 1870 г. Музей д’Орсе, Париж.

На переднем плане спинка стула. Музыкант к нам спиной. А на заднем
фоне балерины на сцене не уместились в “кадр”. Их головы беспощадно
“обрезаны” краем картины.
Поэтому так любимые им танцовщицы далеко не всегда изображены в
красивых позах. Порой они просто делают растяжку.
Но такая импровизация мнимая. Конечно, Дега тщательно продумывал
композицию. Это лишь эффект стоп-кадра, а не настоящий стоп-кадр.

23. Эдгар Дега. Две балетные танцовщицы. 1879 г. Музей Шелбурн, Вермут, США.

Эдгар Дега любил писать женщин. Но болезнь или особенности организма
не позволяли ему иметь с ними физический контакт. Он никогда не был
женат. Никто никогда не видел его с женщиной.
Отсутствие реальных сюжетов в его личной жизни добавляло тонкую и
напряженную эротичность его образам.

25. Эдгар Дега. Звезда балета. 1876-1878 гг. Музей д’Орсе, Париж.

Обратите внимание, что на картине “Звезда балета” прорисована только
сама балерина. Ее коллеги за кулисами еле различимы. Разве что
несколько ног.
Это не значит, что Дега не закончил картину. Таков приём. Оставить в
фокусе лишь самое главное. Остальное сделать исчезающим,
неразборчивым.

27. 5. Берта Моризо (1841 – 1895 гг.)

Эдуард Мане. Портрет Берты Моризо. 1873 г. Мармоттан-Моне музей,
Париж.
Берту Моризо редко когда ставят в первый ряд с великими
импрессионистами. Уверена, не заслуженно. Как раз у неё вы встретите
все главные черты и приёмы импрессионизма. И если вам импрессионизм
нравится, вы полюбите ее работы всей душой.
Моризо работала быстро и порывисто. Перекладывая на холст своё
впечатление. Фигуры словно вот-вот растворятся в пространстве.

31. 6. Камиль Писсарро (1830 – 1903 гг.)

Камиль Писсарро. Автопортрет. 1873 г. Музей д’Орсе, Париж.
Wikipedia.org
Камиль Писсарро. Неконфликтный, рассудительный. Многие его
воспринимали, как учителя. Даже самые темпераментные коллеги о
Писсарро плохо не говорили.
Он был верным последователем импрессионизма. Сильно нуждаясь, имея
пятерых детей и жену, он все равно упорно работал в том же стиле. И ни
разу не переключился на салонную живопись. Чтобы стать более
популярным. Не известно, откуда он брал силы до конца верить в себя.
Чтобы совсем не умереть с голоду, Писсарро расписывал веера. Которые
охотно раскупали. А настоящее признание к нему пришло уже после 60
лет! Когда наконец он смог забыть о нужде.

33. Камиль Писсарро. Дилижанс в Лувесьенне. 1869 г. Музей д’Орсе, Париж.

Воздух на картинах Писсарро густой и плотный. Необыкновенный сплав
цвета и объёма.
Художник не боялся писать самые переменчивые явления природы.
Которые покажутся на мгновение и исчезнут. Первый снег, морозное
солнце, длинные тени.

35. Камиль Писсарро. Иней. 1873 г. Музей д’Орсе, Париж.

37. Камиль Писсарро. Бульвар Монмартр ночью. 1897 г. Национальная галерея, Лондон.

Ночной воздух на картине “Бульвар Монмартр ночью” плавится от горящих
фонарей и витрин.
Пространство изображено планетарно. Улица не прямая, а как бы идущая
дугой. Что делает вид обычного бульвар величественным.

39. 7. Альфред Сислей (1839 – 1899 гг.)

Пьер-Огюст Ренуар. Портрет Альфреда Сислея. 1868 г. Собрание фонда
Эмиля Бюрле, Цюрих, Швейцария. Wikipedia.org
Альфред Сислей был человеком скромным и молчаливым. Такими же
были и его пейзажи. Тихие, наполненные цветовым уютом. Сислей не
любил внешние эффекты. Людей он тоже почти никогда не изображал.
Широкими мазками он писал подвижное небо и воду. Дома же выписывал
более гладко. Что подчеркивало статичность материала. Как на его
знаменитой картине “Наводнение в Порт-Марли”.

41. Альфред Сислей. Наводнение в Порт-Марли. 1877 г. Музей Д’Орсе, Париж.

Альфред Сислей. Наводнение в ПортМарли. 1877 г. Музей Д’Орсе, Париж.
Альфред Сислей. Наводнение в Порт-Марли. 1877 г. Музей Д’Орсе, Париж.
Сислей особенно любил писать небо. С него он и начинал любую картину.
Часто оно занимало бОльшую часть холста.
В изображении неба он также использовал разные мазки. Длинные
помогали передать быстро движущееся предгрозовое небо. Лёгкие и
тонкие передавали небо ясное и безоблачное.

43. Альфред Сислей. Наводнение в Порт-Марли. 1877 г. Музей Д’Орсе, Париж.

Альфред Сислей. Наводнение в ПортМарли. 1877 г. Музей Д’Орсе, Париж.
Сислей особенно любил писать небо. С него он и начинал любую картину.
Часто оно занимало бОльшую часть холста.
В изображении неба он также использовал разные мазки. Длинные
помогали передать быстро движущееся предгрозовое небо. Лёгкие и
тонкие передавали небо ясное и безоблачное.

«Парижская школа»

Понятие «Парижская школа» ввёл в обиход французский критик Андре Варно (1925), объединив под этим именем художников, приехавших в Париж из-за границы – в большинстве случаев из стран Восточной Европы, Российской империи, а позднее СССР. Ранний этап охватывает два с половиной десятилетия (1905–1930). Вскоре это понятие утратило причастность к той многостилевой общности, какой оно обладало поначалу, и главным критерием стало место жительства и работы.

Автор первой опубликованной на русском языке книги о «Парижской школе» Б.И.Зингерман ограничил её состав приезжими иностранцами (Пабло Пикассо, Амеде Модильяни, Марк Шагал, Хаим Сутин), не включив в неё ни одного француза. При том, что такая общность могла возникнуть только в Париже, нельзя считать, что Сутин, Модильяни или Шагал – французские художники. Для них Париж стал именно школой, где они учились – у французов, друг у друга, у художников прошлого, работы которых были собраны в музеях и частных коллекциях города.

С.И.Шаршун. Авеню Мэн. 1931. Картон, масло. 32х41. ГТГ

Хотя стилевые предпочтения мастеров «Парижской школы» различны, но, взаимодействуя друг с другом, воспринимая живописный или скульптурный язык своих друзей и соседей, они помнят уроки в парижских академиях и французских учителей, а общая атмосфера творческих исканий Монмартра, Монпарнаса, «Улья» возвращает их к достижениям французских мэтров. И всё же важнейшей основой искусства для большинства съехавшихся в Париж иностранцев оказался экспрессионизм.

Нельзя сказать, что художники «Парижской школы» подражали немецким или североевропейским мастерам, хотя, скорее всего, знали их работы. В странах Восточной Европы был свой «доморощенный» экспрессионизм, а точнее, даже некоторые его предвестия.

В провинциальных школах он нередко был связан с интересом к национальному народному творчеству. В конце 1900-х в России началось возглавленное М.Ф.Ларионовым и Н.С.Гончаровой движение неопримитивизма, позже истолкованное как стилевой вариант, близкий экспрессионизму. Шагал до отъезда в Париж мог видеть в Петербурге французских и немецких мастеров, тем более Ларионова и Гончарову. И шагаловские соученики по витебской школе рисования и живописи Ю.М.Пэна (О.А.Цадкин, Оскар Мещанинов), впоследствии также ставшие видными представителями «Парижской школы», имели возможность что-то знать о новых европейских художественных направлениях. Другие мастера еврейского происхождения (Сутин, Михаил Кикоин, Пинхус Кремень, Лев Инденбаум) начинали свой путь в Вильно, где ситуация в известной мере напоминала Витебск. Константин Бранкузи на румынской земле находил истоки нового художественного языка в образцах народного творчества. Пожалуй, самыми осведомлёнными художниками (не говоря о москвичах и петербуржцах) были одесситы – во многом благодаря деятельности скульптора В.А.Издебского, который организовал свой Салон, где выставлял произведения не только знаменитых европейских мастеров – таких как Кес ван Донген или А. Г.Явленский, – но и одесситов, например, И.Я.Перельмана или И.Е.Малика. Одесса в начале ХХ века, так же как Витебск или Вильно, пополняла ряды представителей «Парижской школы».

Экспрессионизм, ставший в той или иной мере стилевой основой для многих мастеров школы, был довольно многообразен. Сутин, один из самых ярких носителей экспрессионистических потенций среди соратников, был наиболее последователен: он решительно деформировал человеческую фигуру и лицо, любой реально существующий предмет, всякое явление природы, напрягая их изнутри и преображая снаружи. Эта доведённая до крайности деформация образует основу живописного языка и создаёт ощущение непосредственного соприкосновения обнажённых нервов художника с предметом изображения.

Что касается мастеров, в той или иной мере находившихся в сфере притяжения Сутина, таких как Кикоин, Кремень, Мане-Кац, Ж.Паскен, Абрам Минчин, А.И.Мильман, более молодых И.Б.Рыбака, Л.О.Воловика, – то здесь экспрессионизм был иного рода: их живописный язык был более сдержанным, уравновешенным. Но внутренняя страсть даёт о себе знать. Во многом эта тенденция связана с еврейским происхождением большинства из них. Экспрессионизм с его свободой, смелостью и неординарностью отношения к окружающему миру «работает» на освобождение национального еврейского самосознания. Поэт и художник Б.Ю.Поплавский, живший в Париже в 1920-е – 1930-е, сформулировал особенности этого еврейского начала в искусстве российской эмиграции. Он констатировал сформировавшееся на парижской почве «хорошо отличимое и резко бросающееся в глаза русское, и скорее русско-еврейское направление, причём в нём русская народная, несколько лубочная яркость и русский лиризм смешиваются с еврейским трагизмом и религиозной фанатичностью. Таковы Сутин, Шагал, таков и Ларионов, хотя он и чисто русского происхождения» (Б.Ю.Поплавский. Ответ на анкету редакции «Чисел» о живописи // Борис Поплавский. Неизданное. Дневники. Статьи. Стихи. Письма. М.,1996. С.327).

При этом нельзя утверждать, что экспрессионизм лёг в основу творчества всех или даже большинства представителей школы. Например, Маревна сочетала, казалось бы, несовместимые элементы кубизма и дивизионизма. В этом союзе полностью отсутствуют элементы экспрессионизма. Но те же элементы слабо чувствуются в работах Моисея Кислинга и тем более изобретателей кубизма – испанцев Пикассо и Хуана Гриса. Часто разные стилевые устремления пересекаются, смешиваются. Между разными ликами художников обнаруживается большая разница, даже контраст – демонстративно экстравагантный Кес ван Донген и строгий Н.А.Певзнер, загадочный Джорджо де Кирико и мягкий, лиричный Леонар Фужита, яркая, энергичная Соня Делоне и остроугольный Грис, артистичный интеллектуализм Модильяни и простодушие Маревны, изобретательный в своём деконструктивном абстракционизме В.Д.Баранов-Россине и пластически сосредоточенный Д.П.Штеренберг. Эти художники – при всей пестроте картины – уживаются друг с другом. Не только уживаются, но и дружат. Та общность творческих личностей, которую мы называем «Парижской школой», дала высший пример такой дружбы. Она не мешала каждому оставаться самим собой, не разрушала, а, наоборот, скрепляла обретённую целостность многоголосья. Монолитность этой целостности гарантирует возможность дальнейшего движения искусства, используя его разнообразный опыт. «Парижская школа» словно знаменует остановку перед новыми художественными открытиями, предопределяя пути и заставляя художников, критиков, теоретиков оглядеться, взвесить современное состояние и двинуться дальше.

Это не значит, что художники «Парижской школы» в большей мере обобщали то, что сделано другими, и в меньшей сами открывали что-то новое. Одним из первых «изобретателей» абстрактной живописи стал чех Франтишек Купка. Пикассо возглавил кубистическое движение и повёл за собой других мастеров, в том числе и художников «Парижской школы». Многим из них обязаны мы открытиями сюрреализма, орфизма, пуризма и других новых направлений. Внутри школы складывалось творчество молодых талантов, которым предстояло созреть в середине столетия, – Андре Ланского, Николя де Сталя, Сержа Полякова, П.Ф.Челищева и других.

Современный французский художник-экспрессионист: Современные французские художники-экспрессионисты Художники — Singulart

org/» typeof=»BreadcrumbList»>
1. Купить искусство
2. Наши художники
3. художники
4. экспрессионист

Современные французские художники-экспрессионисты

Наши популярные категории

Бестселлеры

Популярные исполнители

Восходящие звезды

Известные художники

Выбор куратора

Только на Singulart

Новый онлайн

Все наши исполнители

• #
• А
• Б
• С
• Д
• Е
• Ф
• г
• ЧАС
• я
• Дж
• К
• л
• М
• Н
• О
• п
• Вопрос
• р
• С
• Т
• U
• В
• Вт
• х
• Д
• Z

Фильтр

Поиск по названию

Фатиха Абеллаче

Художник, чертежник  | Франция

Филипп Абриль

Художник  | Франция

Дайва Ачихман

Художник  | Франция

Софи Адэр

Художник  | Франция

Тьерри Агнон

Художник  | Франция

Эмэр

Художник  | Франция

Бруно Айметти

Художник, чертежник  | Франция

Алексис Алари

Художник  | Франция

Альдехи

Художник, чертежник  | Франция

Ольга Александрова

Художник  | Франция

Каро Алексанян

Художник  | Франция

Франц Алиас

Художник, Фотограф  | Франция

Генри Блаш псевдоним SAX

Художник, Скульптор  | Франция

Зели Элис

Художник  | Франция

Алиэтт

Художник, Скульптор  | Франция

Алиналалала

Художник  | Франция

Халед Алхани

Художник  | Франция

Лиди Аллер

Художник  | Франция

Люси Аллард

Художник, чертежник  | Франция

Себастьен Аллар

Художник, чертежник  | Франция

Дэни АЛЛЕМАН

Художник, рисовальщик  | Франция

Лоик Аллеманд

Художник  | Франция

Келли Эллисон

Художник  | Франция

Абель Амальрик

Художник, чертежник  | Франция

Меа Амброзо

Художник, чертежник  | Франция

Софи Андре

Художник, гравер  | Франция

Шанталь Бартелеми Андреа

Художник  | Франция

Максим Андриот

Художник  | Франция

Таня Ангелова

Художник, Фотограф, Рисовальщик, Художник по текстилю, Скульптор  | Франция

Мари Англад

Художник, чертежник  | Франция

Оливье Анисе

Художник, Фотограф, Скульптор  | Франция

Салли Аннет

Художник, фотограф, гравер  | Франция

Ареми

Художник  | Франция

Жоэль Арфи

Художник, Скульптор  | Франция

Ян Аргентин

Художник  | Франция

Аргаэль

Чертежник  | Франция

Екатерина Аристова

Художник  | Франция

Эрик Артик

Художник, Художник по текстилю, Скульптор  | Франция

Мерил Артист

Художник  | Франция

Артизовать

Художник  | Франция

Айказ Арзуманян

Художник  | Франция

Аньес Обер

Художник, Скульптор  | Франция

Арли Оклер

Художник  | Франция

Мари-Пьер Отонн

Художник  | Франция

Кристоф Авелла Багур

Художник, рисовальщик, скульптор  | Франция

Мюриэль Аверос

Художник  | Франция

Жан-Луи Азенкотт

Художник, Скульптор  | Франция

Коллекции, которые могут вам понравиться

Обновлено 30. 05.2023

Наши лучшие абстрактные картины

Выбор SINGULART

Обнаружить

Обновлено 12.01.2022

Цвета Pantone 2021 года

Выбор SINGULART

Обнаружить

Все наши коллекции Все наши работы

Наверх Сделайте искусство частью своего мира!

Найдите идеальную вещь для себя благодаря коллекциям, составленным нашей кураторской командой. Зарегистрируйтесь сейчас, чтобы получать ежемесячную дозу вдохновения.

Адрес электронной почты

Подпишитесь на %имя%

Чтобы получить эксклюзивный обзор последних работ %name%, оставьте здесь свой адрес электронной почты!

Ваш адрес электронной почты

Идентификатор исполнителя

Закрыть

Просмотреть все мои избранные

Экспрессионизм в Германии и Франции: от Ван Гога до Кандинского

5 июня 2014 г.

без категорий

Сегодня термин экспрессионизм широко используется для обозначения отчетливо немецкого течения. Однако в начале 20-го века экспрессионизм не был привязан к определенной национальности. Движение развивалось в живой космополитической атмосфере Европы, где немецкие и французские художники откликнулись на новые разработки в современном искусстве яркими и спонтанно выполненными полотнами. Экспрессионизм в Германии и Франции: от Ван Гога до Кандинского , который открывается в это воскресенье в павильоне Резника в LACMA, предлагает исследовать не только художественное влияние, но также культуру и географию. Откуда взялся экспрессионизм? Как это связано с национальными границами? «Ван Гог молниеносно поразил современное искусство», — сказал однажды немецкий обозреватель о влиянии работ этого новаторского современного художника на художников Германии 1910-х годов. Работы Винсента Ван Гога, умершего в относительной безвестности 15 лет назад, наконец-то стали широко доступны благодаря сети культурного обмена между Германией и Францией в форме выставок; растущие государственные и частные коллекции; торговля на арт-рынке; и путешествия художников, дилеров и директоров музеев.

Винсент Ван Гог, Пшеничное поле с жаткой (урожай в Провансе)  (Champ de blé avec moissonneur), 1889 год, музей Фолькванг. Фото: bpk, Берлин/Музей Фолькванг/Art Resource, Нью-Йорк.

 

Пшеничное поле с жнецом (Champ de ble avec moissonneur), 1889 г., была первой работой Ван Гога, попавшей в немецкий музей. Купленная в 1902 году коллекционером Карлом Эрнстом Остхаусом, она была выставлена ​​в его частном музее Фолькванг в Хагене. Активное коллекционирование и выставки работ Ван Гога, Поля Гогена, Поля Сезанна и других дополнялись оживленными критическими дискуссиями в иллюстрированных периодических изданиях и книгах по искусству, в частности публикациях искусствоведа Юлиуса Мейера-Грефе, а также среди художников посредством переписки и в таких местах встречи, как Café des Westens в Берлине и Café du Dôme в Париже. Немецкие арт-дилеры, такие как Вильгельм Уде и Даниэль-Генри Канвейлер, открыли галереи в Париже и сыграли важную роль в представлении Анри Руссо и Пабло Пикассо широкой публике. Немецкие художники Эмиль Нольде и Паула Модерзон-Беккер учились в Академии Жюлиана и Академии Коларосси в Париже, а галереи Bernheim-Jeune, Durand-Ruel и Ambroise Vollard предлагали Алексею Явленскому, Василию Кандинскому, Габриэле Мюнтер и многим другим возможность открыть для себя не только Ван Гога, но и работы Наби, неоимпрессионистов, Сезанна и Гогена, среди прочих.

Поль Гоген, Свинопас , 1888 г., подарок Люсиль Эллис Саймон и семьи в честь 25 летия музея

 

Выставки были особенно важны для ознакомления немецких художников с последними тенденциями из Франции. Ежегодные выставки, такие как Осенний салон или Салон Независимых, также давали возможность познакомиться с работами французского авангарда. Например, картина Гогена Свинопас (Le Gardien de porcs) 1888 года была представлена ​​на XIX06 Salon d’Automne, куда также вошли работы Явленского и Кандинского. Начиная с конца 19 века выставки в Берлине, Дрездене и Мюнхене представляли собой углубленные обзоры импрессионизма и неоимпрессионизма.

Поль Гоген, Стога сена в Бретани (Les Meules / Le champ de pommes de terre) , 1890, Национальная художественная галерея, Вашингтон, округ Колумбия, подарок Фонда У. Аверелла Гарримана в память о Мари Н. Гарриман , 1972.9.11, изображение предоставлено Национальной галереей искусств, Вашингтон, округ Колумбия.

 

Начиная с 1904–1905 годов, примерно в то же время, когда зародился экспрессионизм, выставки в Германии также сделали произведения Сезанна, Ван Гога, Гогена и (в конечном итоге) Анри Матисса широко доступными. Картина Гогена « стогов в Бретани » (Les Meules / Le Champ de pommes de terre), 1890 года, была выставлена ​​в 1905 году на первой крупной выставке работ Гогена в Германии, организованной прогрессивным директором музея Гарри графом Кесслером в Веймаре. В Берлине дальновидный директор Национальной галереи Хьюго фон Чуди начал покупать современное французское искусство, а Поль Кассирер одним из первых выставил работы Ван Гога в Германии в своей коммерческой галерее. Кассирер организовал многочисленные выставки, которые также побывали в других городах Германии, таких как Дрезден. Именно там в 19 году в Galerie Arnold прошла выставка работ Ван Гога.05, вызвав большой ажиотаж среди художников Brücke, первой группы экспрессионистов, основанной всего за несколько месяцев до открытия выставки. Спонтанная и живая кисть Ван Гога и отход от местного цвета (где листья зеленые, а небо – голубое) в пользу глубокой эмоциональной вовлеченности, выраженной через цвет (где небо может стать зеленым, как в «Пшеничном поле  с Жнецом » Ван Гога) предложили совершенно новый путь от того, что члены Brücke считали ограничительной опорой только на восприятие, типичной как для импрессионизма, так и для неоимпрессионизма. Художники Брюке осуждали эту склонность как «случайное, просто скупое естественное впечатление», которому они предпочитали более эмоционально переживаемый «внутренний» опыт. Работы этих художников — Фрица Блейля, Эриха Хеккеля, Эрнста Людвига Кирхнера и Карла Шмидта-Ротлуфа, к которым позже присоединились Куно Амиет, Эмиль Нольде, Макс Пехштейн и другие, — вскоре взорвались яркими красками, характеристики которых можно увидеть в представительских работах в  Экспрессионизм в Германии и Франции . В то время, когда эта деятельность происходила в Берлине, еще в Париже, Андре Дерен, Морис де Вламинк и Матисс (последние двое были представлены друг другу на выставке Ван Гога) присоединились к Жоржу Браку, Раулю Дюфи, Альберу Марке и другим, чтобы найти альтернативу импрессионизму, которая сосредоточилась бы на смелых цветах и ​​живой манере письма. Они выставили свои находки на Осеннем салоне 1905 года, где также были представлены Явленский и Кандинский. Столкнувшись по этому поводу с такими работами, как «9» Матисса0239 Open Window, Collioure (La Fenêtre ouverte, Collioure), 1905 г. (Национальная художественная галерея, Вашингтон, округ Колумбия), критик Луи Воксель ввел термин Fauves (или «дикие звери»), впоследствии использованный для описания работ этих французские художники. Художник Макс Пехштейн увидел красочные картины фовистов, когда жил в Париже три года спустя, и их влияние, возможно, повлияло на его небрежный подход в его 90 239 Девушках (Junges Mädchen), 1908 (обложка этого журнала).

Эрнст Людвиг Кирхнер, Лежащая обнаженная перед зеркалом (Liegender Akt vor Spiegel), 1909–10, Музей Брюкке, Берлин (инв. № 31/72), © Эрнст Людвиг Кирхнер, предоставлено Ingeborg & Dr. , Вольфганг Хенце-Кеттерер, Wichtrach/Bern. Фото © Brücke-Museum, Берлин, фотограф: Роман Марц

 

Вскоре фовисты стали выставляться в Германии, в том числе на выставке в Дрездене, в которой также участвовали художники Брюке. Киршнер и Пехштейн видели 1909 Берлин выставка работ Матисса (повешенных самим художником) у Пола Кассирера и сообщила Хеккелю через открытку, что это «дико». Действительно, Киршнер, должно быть, был подавлен экспериментами Матисса с композицией и пространством — трудно игнорировать влияние француза на картину Киршнера « Лежащая обнаженная перед зеркалом» (Liegender Akt vor Spiegel), 1909–10.

Винсент Ван Гог, Ивы Полларда на закате, Арль (Saules au Coucher du Soleil, Arles), 1888, Музей Креллер-Мюллер, Оттерло, Нидерланды. Фото: Art Resource, NY

 

В Мюнхене в галерее Moderne Kunsthandlung в 1908 году была показана картина Ван Гога Ивы Полларда на закате (Saules au coacher du soleil), 1888 год. Группа Blaue Reiter, основанная в 1911 году, была хорошо осведомлена о современных художественных тенденциях в Париже. Члены-основатели группы — Кандинский, Явленский, Мюнтер и Марианна Веревкин — часто бывали в Париже и представляли свои работы в Осеннем салоне и Салоне Независимых. Эффектные краски фовизма впервые нашли отражение в их искусстве в 1908, когда группа начала проводить лето в альпийской деревне Мурнау, где они реагировали на тонкий атмосферный свет региона. Эта палитра отражена в ярких пейзажах Явленского, Мюнтера и Веревкина, а также в уже хорошо зарекомендовавшей себя абстракции Кандинского Эскиз I для картины с белой каймой (Entwurf zu Bild mit weißem Rand), 1913. Ни одна из этих картин не мыслимы без опыта Мурнау и невозможны без фовизма. Тем не менее, каждая оригинальная работа была создана зрелым художником, выбравшим полностью независимое направление.

Василий Кандинский, Эскиз I к картине  с белой каймой , 1913 год, Коллекция Филлипса, © 2014 Василий Кандинский/Общество прав художников (ARS), Нью-Йорк/ADAGP, Париж, фото © Коллекция Филлипса

 

Франц Марк и Огюст Маке вскоре соприкоснулись с хроматической абстракцией Робера Делоне, чьи красочные «одновременные» картины были выставлены на первой выставке Blaue Reiter 1911 года, организованной Кандинским и Марком. Этот опыт заставил Франца Марка перекрасить свои Каменистая тропа (Горы/Пейзаж) (Steiniger Weg [Gebirge/ Landschaft]), 1911 г. (перекрашен в 1912 г.) с замечательными результатами. Кандинский и Марк также исследовали в своих картинах народное искусство и конструкции «примитивов», вдохновленные картинами Руссо, которые они проиллюстрировали в своем альманахе «Синий всадник». (Картины Руссо будут рассмотрены в совершенно новом свете в научном каталоге).11 (перекрашен в 1912 г.), Музей современного искусства Сан-Франциско, дар Женского совета и друзей музея, фото © Музей современного искусства Сан-Франциско

 

Развитие экспрессионизма происходило в космополитической среде художников, галерей и музеев как во Франции, так и в Германии в начале 20 века. Основание групп, почти синонимичных термину экспрессионизм — Brücke и Blaue Reiter — произошло в момент обострения, когда художники, работающие в Германии, уделяли пристальное внимание стилям, развивающимся во Франции.