Художники модерну: Художники по направлению: Ар Нуво

Витражи в интерьерах всегда придают особенную изюминку. Авторский витраж можно включить в состав дверного полотна, оформить потолок, мебель, стены помещения, либо дополнить им декоративные элементы.

Фото: happymodern.ru

Фото: pinterest.se

ИМЕНА МОДЕРНА

Америка – тиффани,

Франция – ар-нуво,

Германия – югендстиль,

Австрия – сецессион,

Италия – либерти.

Фото: koffkindom.ru

Фото: topstroyinfo.ru

МАСТЕРА СТИЛЯ

Виктор Орта, Эктор Гимар, Антонио Гауди, Жюль Лавиротт, Федор Шехтель, Лев Кекушев, Рене Лалик, Густав Климт, Михаил Врубель.

Фото: decortd.ru, housesdesign.ru

Фото: pinterest.se, smyart.com

Автор статьи – Елена Пугачева.

Обожает писать о городе и его жителях, замечая интересное в неочевидном.

Заглавное фото: Доходный дом Миансаровой или дом с изразцами, построен в 1908—1911 годах по проекту архитектора С. К. Родионова. Фото: cdn1.share.slickpic.com

СТИЛЬ МОДЕРН (АР НУВО). Живопись, графика, скульптура.

Живопись модерна
На живопись и скульптуру модерна сильное влияние оказал символизм, который стремился переходить от традиционных форм XIX века к новейшим европейским течениям, носившим порою условную принадлежность к той или иной стране.

Густав Климт. «Поцелуй». 1907—1908 годы

Для живописи модерна характерно стремление к созданию самостоятельной художественной системы. Одним из основоположников этих идей стала «Понт-авенская школа» с Полем Гогеном. В отличие от других стилей, картины и панно модерна рассматривались как элементы интерьера, придавая ему новую эмоциональную окраску. Поэтому декоративность стала одним из главных качеств живописи модерна

.

Леон Бакст. «Ужин». 1902

Для живописи характерно парадоксальное сочетание декоративной условности, орнаментальных «ковровых фонов» и «вылепленных» со скульптурной чёткостью фигур и лиц первого плана (Густав Климт, Фернан Кнопф, Михаил Врубель), а также больших цветовых плоскостей (Леон Бакст , Эдвард Мунк) и тонких подчёркнутых нюансов (Михаил Врубель, Александр Бенуа).

Фернан Кнопф. «Искусство, или нежность сфинкса». 1896

Всё это придавало картинам большую выразительность. Также символизм привнёс в живопись модерна символику линии и цвета; были широко представлены темы мировой скорби, смерти, эротики; распространённым стало обращение художников к миру тайны, сна, легенды, сказки и др. Ярким образцом живописи модерна являются полотна Климта. Художники модерна творили во всех странах Европы и Америки: Австрии, Великобритании, Германии, Италии, Голландии, России, США и др.

Эдвард Мунк. «Крик». между 1893-1910

Михаил Врубель. «Пан» 1899

Валентин Серов «Похищение Европы». 1910

Альфонс Муха
Славяне на исконной Родине: между туранским кнутом и готским мечом.. 1912

Charles Rennie Mackintosh — Petunias

Анри де Тулуз-Лотрек.Сидящая танцовщица в розовом трико

Станислав Выспяньский.Портрет Ирены Сольской, 1904

Графика модерна

Альфонс Муха. «Мод Адамс как Жанна д’Арк». Афиша 1883 года
Графика стала той областью, из которой произрастали и в которой развивались мотивы стиля, и большое влияние на его развитие оказала обложка, созданная для книги под названием «Городские церкви Рена» английским художником и архитектором Макмердо. К особенностям этого дизайна, появившегося в 1883 году, относятся цвета и сильно изгибающиеся стебли и листья в монохромном исполнении.

Бёрдслей Обри. «Павлинья юбка» 1890-е годы.

Поскольку такая обложка принадлежала книге, посвящённой архитектуре и купленной, вероятно, многими британскими архитекторами, она оказала сильное воздействие на создание изгибов и форм архитектурного стиля ар-нуво.

Альберт Клингер (1869-1912)

В конце XIX века сформировался тот вид графики, который принято называть плакатом. Рождение плаката обусловлено новшествами в типографской промышленности. Настоящему искусству плаката открыла путь техника литографии. Тираж издания мог составлять несколько тысяч оттисков

F. Champenois Imprimeur-Éditeur (литография, 1897) Альфонса Муха

Литография, искусство книги (книжный дизайн), графика достигли в период модерна высокого подъема благодаря работам англичанина Обри Бёрдсли, немцев Томас Гейне, Г. Фолегера и русских мастеров Александр Бенуа и Константина Сомова. Большие художественные достижения обрел модерн в создании афиш и плакатов (работы Эмиля Грассе во Франции, Альфонса Мухи в Чехии).

Плакат для кабаре «Чёрный кот», Стейнлен, Теофиль-Александр

Первыми модернистами во Франции стали ученики Гогена, а в Англии — последователи «прерафаэлитов».

Литография «Японский диван» художника Тулуз-Лотрека

Наиболее значительными фигурами английского модерна стали Ульям Блейк и Обри Бёрдсли — автор иллюстраций к «Саломее» Оскарда Уальда и рисунков для журнала «Желтая книга». Графика Бёрдсли — классика модерна. Русский график Николай Кузьмин говорил, что Бердсли отделил свет от тьмы. Для света — белая бумага, для тьмы — черная тушь. И никаких полутонов. Линия приобрела удивительную силу. Началась новая эра графики. Крайняя простота средств: только черное и белое, лист бумаги, перо, флакончик туши. Но там, где он хотел показать свою поразительную «способность стараться», его техника становится похожей на тончайшее кружево: фронтисписы к «Саломее», к «Венере и Тангейзеру», «Вольпоне», сюите «Похищение локона»

Афиша выставки 1896 года кисти Тео ван Рейссельберге.

В России большую роль в становлении плаката сыграли мастера объединения «Мир искусства». Плакат предоставлял им массовую трибуну, с которой они могли заниматься эстетическим просветительством.

Афиша выставки декоративного искусства 1894 года. Тема павлина часто встречается в стиле модерна.

Графика модерна обладала собственными выразительными средствами: энергичный обобщённый рисунок, резкие контрастные цветовые соотношения, использование больших технических возможностей литографии содействовали развитию такой разновидности графики, как афиша, плакат. Для них характерны тщательно разработанные композиции, декоративные и шрифтовые[8].

Титульный лист журнала от 4 апреля 1896 года
В 1896 году в Мюнхене начал выходить журнал «Югенд». Именно от этого слова молодость происходит немецкий вариант названия модерна — «югендстиль». К этому времени в Германии сложилась развитая полиграфическая промышленность. Книжное, журнальное дело, имевшее давние традиции, достигло расцвета.

Egon Schiele — Green Stockings.

Получили широкое распространение многоцветная печать, крупноформатный литографированный плакат и вместе с тем миниатюрная рекламная наклейка. Развивались другие малые жанры: экслибрис, рекламная листовка. Музеи Мюнхена и Берлина заказывали полиграфистам своеобразные пригласительные билеты. Каталоги издательских фирм, книжных магазинов, нередко, являлись настоящими графическими шедеврами, представлявшими картины художников[

Cinderella — Sarah Noble Ives

Мастера немецкой графики искали новые технические приёмы. К таким новшествам можно было отнести рисование на грубой зернистой бумаге с предварительным покрытием её белилами. Чтобы, например, получить мягко расплывающийся штрих, мюнхенские графики стали широко использовать японскую кисть. Еще один новаторский прием получение на белой бумаге отпечатка фактуры грубой материи, слегка пропитанной тёмной краской. Фон напоминал зернистую поверхность холста; нанесенный на него штрих приобрел специфические свойства. Графики учились обрабатывать бумагу разными кислотами, чтобы превращать ее в подобие пергамента. Линии на такой бумаге выглядели по-новому[

Скульптура модерна
Основные черты скульптуры стиля модерн — это возвращение к «природным» линиям. Характерны текучесть и динамизм форм, «внутренняя энергия». Скульптура модерна декоративна, ее предназначение украшать пространство, подчинять его единому ритму. Среди скульпторов модерна особо выделяют двух французских мастеров: Огюста Родена и Аристида Майоля.

Роден Огюст Мыслитель, 1880—1882

Среди десятка работ Родена самая известная — «Мыслитель». В своих работах он прославляет великую силу любви, её красоту и бессмертие. Другие его известные работы: «Первый поцелуй», «Вечная весна», «Поэт и муза».

Майоль.«Ночь». 1902. Штутгарт

«Река», бронза, 1938—1943 (Показ в Барселоне в 2009 г.)

«Воздух», бронза, 1938. Музей Крёллер-Мюллер

Каталонец Аристид Майоль занялся скульптурой будучи уже хорошо известным мастером живописи. Экспериментируя с обнаженной женской натурой, он пытался создать образы естественной красоты, подчеркивал природную гармонию женского тела, чувственность и эмоциональность. Его работы — «Помона», «Ночью, Река», «Три нимфы» — находятся в лучших музеях мира, а всё его творчество по праву относится к шедеврам европейского пластического искусства.

Билек Франтишек Моисей, 1905

Необычное видение мира и трактовка человека характерны для творчества чешского модерниста Франтишика Билека. Для его работ характерны полный реализм и достоверность изображения. Персонажи его работ — Моисея, Гуса — отличает новизна и нестандартная трактовка.

Аронсон Наум Тургенев Иван Сергеевич, 1906—1913

Другими блестящими образцами модерна в скульптуре являются работы Наума Аронсона — портреты Комиссаржевской, Толстого, Пастера. Он единственный из художников создал скульптурный портрет, который теперь хранится в одном из музеев Израиля. Его работы украшают многие музеи и галереи мира

Скульптура Конь 1999 года во Дворце Люцерна, Прага. Давид Черни.

Скульптура Танец с шарфом Агатона Леонарда

Источники:

Берсенева А. Европейский модерн: венская архитектурная школа. Екатеринбург, 1991

Харди У. Путеводитель по стилю ар нуво. Радуга, 2008

https://ru.wikipedia.org/wiki/

http://www.designstory.ru/style/modern/

Художники и куртизанки: роль проституции в искусстве

• Джейсон Фараго
• BBC Culture

25 сентября 2015

Автор фото, Getty

«Олимпия» Мане на выставке в Италии

Проституция была неотъемлемой составляющей повседневной парижской жизни в конце XIX века. Это важно учитывать для понимания искусства того времени, а заодно и всех последующих художественных течений, считает корреспондент BBC Culture.

Мы слишком часто сводим импрессионизм и другие стили французской живописи на рубеже XIX и XX веков к набору стереотипов: картины с подсолнухами и стогами сена, младенцами и балеринами, репродукции которых хорошо смотрятся на почтовых открытках или плакатах на стенах студенческих комнат в общежитии.

Но в те времена французское искусство было отнюдь не буколическим. Париж в конце XIX века переживал серьезную социальную трансформацию, и художники эпохи модерна рисовали не только пейзажи.

Они отражали новые городские реалии во всей их сложности, не стесняясь ничего — в том числе и борделей района Пигаль.

В сентябре в парижском музее Орсе проходит выставка «Блеск и невзгоды: проституция на картинах 1850-1910 годов». Это первая крупная экспозиция, затрагивающая тему столь центральную для французского модерна, которую мы, тем не менее, порой в упор не замечаем.

Проститутки были незаменимыми моделями для парижских художников, и на двух ключевых работах эпохи — прямолинейной «Олимпии» Мане и кубических «Авиньонских девицах» Пикассо — изображены работницы секс-индустрии.

Проституция, ныне существующая в тени, была для этих художников фактом современной им жизни и, черпая вдохновение в жрицах любви, они также временами считали, что дистанция от художественной мастерской до борделя не столь уж и велика.

Шарль Бодлер в своих ранних личных дневниках прямо поставил два этих занятия на одну доску, написав: «Что есть искусство? Проституция».

Гнездо разврата

Сейчас мы помещаем проституток на одну из самых низких ступенек социальной структуры общества, о них упоминают с презрением — если вообще упоминают.

Но в Париже позднего XIX века проституция была важной составляющей повседневной жизни, частным бизнесом с публичными последствиями.

В период правления Наполеона III секс-индустрия работала по строгим правилам, и такое положение дел сохранялось и в начале XX века.

Автор фото, Henri de Toulouse Lautrec

Анри де Тулуз-Лотрек «В салоне на рю де Мулен»

Сутенерство было вне закона, вместо этого женщины легкого поведения должны были регистрироваться в полиции, работать лишь в одном борделе и платить налоги. (Публичные дома во Франции запретили в 1946 году; продавать тело до сих пор законно, но в обществе идет бурная дискуссия о том, не стоит ли запретить покупку услуг проституток, как это сделано в Швеции).

Надзорные органы и инспекторы полиции нравов могли быть очень придирчивыми, и в газетах нередко появлялись заметки о несчастных женщинах, наложивших на себя руки, чтобы их не оттащили в префектуру.

Жрицы любви XIX века должны были ежемесячно проходить обязательное медицинское обследование — а оно, как изобразил на своем полотне «В салоне на рю де Мулен» помешанный на проститутках Анри де Тулуз-Лотрек, могло быть более унизительным, чем собственно их работа.

На картине крепкие, лишенные кокетства женщины одеты в блузки и чулки, но на них нет юбок и белья; они выглядят как утомленные и обесчещенные жертвы бюрократии, а не своих клиентов.

На несколько ступенек выше по социальной лестнице располагались куртизанки, предлагавшие клиентам не только тело, но и светский лоск, увлекательную беседу и общественный престиж.

Многие из них стали знаменитостями, и об их жизни (а иногда и о содержателях) писали газеты.

Ла Паива, одна из самых заметных куртизанок периода Второй империи (1852-1870), родилась в еврейском гетто в Москве, но в итоге оказалась на Елисейских полях, где принимала гостей в нарочито роскошном доме с ониксовой ванной, из крана которой текло шампанское.

Когда она умерла в 1884 году, ее последний супруг распорядился сохранить ее тело в формалине, к немалому изумлению его следующей жены.

Особенно подвержены чарам проституток и куртизанок были художники и писатели.

Куртизанка Аполлония Сабатье, которую ее почитатели называли Президентшей, сделала из своего дома буржуазный салон, куда частенько заглядывали Эжен Делакруа, Гюстав Флобер и в особенности Шарль Бодлер, которому она служила наемной музой.

Автор фото, www.bridgemanart.com

Ла Паива принимала гостей в нарочито роскошном доме

В экспозиции в музее Орсе Сабатье представлена мраморная скульптура Огюста Клезенже «Женщина, ужаленная змеей» — в свое время эта работа вызвала большой шум, в частности потому что Клезенже работал со слепка обнаженного тела куртизанки.

Куртизанки были натурщицами и музами художников еще со времен эпохи Возрождения.

К примеру, на томной картине Тициана «Венера Урбинская» (1538 год) богиня любви списана с Анджелы дель Моро, одной из самых высокооплачиваемых куртизанок Венеции.

Но к 1860 году Эдуарду Мане надоели полунамеки, и он решил изобразить сцену, знакомую всем (или, по крайней мере, всем городским буржуа мужского пола).

Взяв позу «Венеры Урбинской», Мане нарисовал обнаженную женщину в постели, в одних лишь туфельках, с бархоткой на шее и цветком в волосах. Выражение ее лица суровое и пустое.

Это уже не богиня и не речная нимфа: добро пожаловать в Париж эпохи расцвета домов терпимости.

Моделью Мане для «Олимпии» послужила вовсе не проститутка, а его любимая натурщица, художница Викторина Мёран, которую также можно увидеть на «Завтраке на траве» и на других картинах художника.

Но скандал, вызванный полотном на Парижском салоне 1865 года (в те времена он был главным в мире художественным мероприятием), был беспрецедентным.

Газеты писали, что при виде картины женщины ударялись в слезы, а другие художники выли от ярости.

Мане убрал весь мифологический багаж, делавший изображение проституток приемлемым в мире высокого искусства.

К тому же он сделал это в новой жесткой, брутальной манере, не пытаясь придать пространству объем за счет перспективы. Фигура Олимпии полностью двухмерная, весь акцент сделан на линиях и цвете.

«Олимпия» Мане вызвала скандал в двух плоскостях — формальной и социальной. Женщина Олимпия позирует так, будто она богиня любви, а на самом деле она всего лишь шлюха.

Автор фото, Edouard Manet

Скандальная «Олимпия» «упорно заявляет о собственной материальности»

Картина же «Олимпия» кажется репрезентацией трехмерной сцены, но на самом деле это всего лишь плоская краска.

Поразительный гений Мане заключался в том, что он понимал взаимосвязь этих двух иллюзий.

Плоская манера живописи Мане — позволившая ему писать в радикально двухмерном стиле, из которого в итоге выросло абстрактное искусство — родилась именно благодаря разрушению социальных норм и правил в новом Париже, что символизировалось выдвижением проституток с окраин общества в центр его внимания.

Тиджей Кларк, выдающийся исследователь творчества Мане, однажды написал: «Эта картина упорно заявляет о собственной материальности, делая это посредством взгляда проститутки».

Современное искусство тоже родилось из проституции — или, по крайней мере, из ее изображения.

Сквозь розовые очки

Бодлер, хороший друг Мане, писал не только о том, что искусство — это род проституции, но и о том, что весь Париж был гигантским публичным домом.

Ремесло художника, как продемонстрировал Мане, — это игра с элементами мошенничества: соблазнить глаз путем сокрытия реальности, заставив напечатанные слова или краску на холсте казаться действительностью.

Но лишь буржуа — то есть, скажем прямо, мужчина-буржуа — мог быть столь себялюбивым, чтобы сравнить акт художественного творчества с непривлекательной рутиной работы в индустрии секса.

Куртизанок осыпали драгоценностями и купали в ваннах из «Вдовы Клико», но большинство проституток были отчаявшимися созданиями, сбежавшими от жизни во французской глубинке.

У них было мало денег и еще меньше уверенности в собственной безопасности — они нередко становились жертвами насилия.

Временами — например, глядя на пастель Тулуз-Лотрека, запечатлевшую унижение медицинского осмотра, — посетители художественных галерей видели эту жизненную изнанку. Но чаще художники-модернисты писали образ «счастливой шлюшки»: независимой, не ищущей себе оправданий и наслаждающейся сексом не меньше мужчин.

Это была фантазия: фантазия вообще была фундаментом современного искусства, но от этого она не переставала быть ложью.

Лишь позднее в XX веке художники — а в особенности художницы — взглянули на реалии проституции без романтических розовых очков.

Автор фото, Auguste Clsinger CC BYSA 2.0 fr

Огюст Клезенже «Женщина, ужаленная змеей»

Прежде всего, мне вспоминается Шанталь Акерман, режиссер-новатор из Бельгии. Ее поучительная лента «Жанна Дильман, набережная Коммерции 23, Брюссель 1080» в медленно движущихся планах рассказывает зрителю историю повседневной жизни овдовевшей матери, чей единственный источник дохода — продажа своего тела на своей же квартире.

«Жанна Дильман», одно из знаковых явлений в феминистском кино, рисует проституцию не как личный выбор, а как экономическую необходимость и часть более масштабной системы, в которой женщины никогда не являются подлинно независимыми.

Такую точку зрения не были способны принять самые радикальные художники-мужчины XIX века — даже если они в сумерках дома терпимости и читали ее на лицах бедных женщин.

Русский модерн: на пути к синтезу искусств: bogachkova1957 — LiveJournal

В Третьяковской галереи такое количество произведений живописи, что если каждый день организовывать новую выставку из ее запасников, то этих выставок хватит на год вперед. Вот и эта выставка как раз организована из кладовой Третьяковки. А все потому, что освободилось место в залах Михаила Врубеля, картины которого уехали на его персональную выставку в Новой Третьяковке. Именно в этих залах и расположилась экспозиция «Русский модерн: на пути к синтезу искусств». Выставка объединяет произведения нескольких художников, созданные в 1890-1910‑е годы — эпоху расцвета стиля модерн в России. 

Расцвет русской живописи эпохи модерна созвучен Серебряному веку в литературе и тесно связан с эстетикой символизма. В конце XIX – начале ХХ века находили выражение весьма противоречивые тенденции искусства: от исторических ретроспекций до метафизических пейзажей, романтизированных портретов и театрализованных жанровых сцен. В этот период на первый план выдвигается художественный прием уплощения изображения. Постепенная его эволюция стала одной из причин широкого распространения картин панно в творчестве К. Ф. Богаевского, Ф. В. Боткина, И. И. Бродского, М. А. Врубеля, А. Я. Головина, А. И. Савинова. В значительной степени этому способствовало и участие художников в оформлении театральных постановок. Театр становился неотъемлемым фактором их духовного бытия и творческой практики. Законы сценографии и монументального искусства, когда глубина пространства достигается не за счет прямой перспективы, а путем расширения цветовой поверхности, влияли на станковую живопись.

Эта картина А. Я. Головина (1863-1930) ярчайший пример театрального декоративного портрета. Она была написана за одну ночь в мастерской художника, находившейся под крышей Мариинского театра, под впечатлением от исполнения Шаляпиным роли царя Олоферна в опере «Юдифь». Композитором этой оперы был Александр Серов, а художником сын композитора, знаменитый Валентин Серов, который в эскизах костюма и грима восточного деспота Олоферна следовал стилевой манере, типичной для древних ассирийских барельефов. Головин в этом портрете передает свое восхищение исполнительским мастерством Шаляпина, его способностью добиться полного преображения в театральный персонаж. Портрет, который продемонстрировал тонкое понимание пластической многозначности созданного великим артистом образа, стал квинтэссенцией творчества Головина.

Декоративная разработка плоскости фона присутствует и в некоторых портретах А. Головина, что дает основание некоторым искусствоведам сравнивать его творчество с творчеством известного мастера венского «Сецессиона» Густава Климта. Но у Головина, в отличие от Климта, никогда не деформируются, ни фигуры, ни даже жесты. А такой известный искусствовед, как Асафьев, увидел в узорчатости головинских фонов «нежное плетение молодой зелени». Многих деятелей искусства того времени мы знаем именно благодаря портретам А. Головина. Например, этот портрет поэта и композитора М. Кузьмина.

Следующий художник на выставке — К. Ф. Богаевский (1872-1943) получил первые художественные навыки у И. К. Айвазовского в Феодосии, а затем продолжил обучение в Санкт- Петербурге у А. И. Куинджи. В его пейзажах можно найти отражение искусства французского классицизма и немецкого романтизма, но ярче всего проявилось влияние мастеров итальянского Возрождения, в первую очередь «сурового» Андреа Мантеньи. М. А. Волошин предложил называть произведения Богаевского историческим пейзажем, аргументируя это тем, что на полотнах художника восточный Крым, например, предстает как древняя Киммерия. Богаевский изображает пейзаж, глядя на него сквозь призму прошлого, то есть фактически воссоздает свое представление о том, как эта земля, ее горы, небо, море и реки выглядели столетия назад. Подчеркивая фантастичность реального пейзажа, Богаевский по сути добивается его мифологизации.

Жизнь и творчество Александра Ивановича Савинова (1881-1942), замечательного художника, которого называли «умиротворенным Врубелем», плотно закрыто завесой почти полного забвения. Неблагоприятная музейная судьба лучших произведений Савинова объясняется подобными чрезмерно суровыми критическими отзывами нескольких авторитетных фигур в мире искусства. Вот что писал о Савинове Александр Бенуа после выставки Союза русских художников в Петербурге в 1911 году: «Совсем отдельно стоят два художника — типичных академика новой формации — блестящие виртуозы, умелые на пять с крестом техники, но художники слишком легкие и поверхностные: Савинов и Бродский». А вот отзыв о его работах язвительного Абрама Эфроса, напечатанный в журнале «Аполлон» в конце 1917 года. Разбирая очередную выставку «Мира искусства», он находил произведения Савинова не только «стилистически чуждыми общему характеру экспозиции, но и не выдерживающими ее качественного уровня».

В 1909–1911 годах художник А. И. Савинов работал (с перерывами) в Италии в качестве пенсионера Императорской Академии художеств. В Неаполе он встретил свою будущую жену, художницу Лию Львовну Цитовскую. Идеалистическая, возвышенная трактовка натурного мотива, живописная техника, напоминающая неровную поверхность старой фрески, позволяют отнести работу «На балконе» к жанру картины-панно. Однако в этом случае можно говорить об известной доле театрализации сюжета: девушка словно находится на сцене, на фоне декораций, изображающих цветущую южную природу. Ароматы лимонных и апельсиновых деревьев Капри, смешанные с запахом моря, роз и «еще чего-то, что несется со всего цветущего, зеленого острова», синтезировались в архетипический образ сада — сада творческой мечты. Итальянская живопись Савинова поначалу кажется дробной и подчеркнуто импрессионистичной. Но при сколько-нибудь длительном наблюдении обилие линий и красок неизменно сплавляется в гармоничную картину природы, среди которой естественно возникают образы женщин, детей и животных. 

В работе И. И. Бродского (1883/1884-1939) «Италия» соединились столь характерный для искусства модерна интерес к художественным традициям прошедших эпох и наметившийся переход от сдержанного колорита раннего модерна к многоцветию и декоративности. В 1911 году художник проводил лето на Капри в гостях у А. М. Горького, где и написал эту картину, изобразив на ней себя и близких. Чувство восхищения «благословенным краем» превратило полотно в гимн щедрости средиземноморской природы. Корзины с раковинами и с бусами из кораллов, обработанными руками итальянских умельцев, соседствуют с дарами южных широт черешней, айвой, лимонами, виноградом. Цветовая гамма легкой, почти невесомой живописи обнаруживает сходство со средневековыми гобеленами. На картине рождается образ райского сада, в котором царят гармония и радость.

Живописцы эпохи модерна создали галерею прижизненных портретов современников, ярких представителей поэзии Серебряного века — А. А. Ахматовой, Н.С.Гумилёва, М. А. Кузмина, А. Белого, В. И. Иванова. Жизни художников и поэтов тесно переплетались, они регулярно встречались на литературных и музыкальных вечерах. Их общение нередко перерастало в искреннюю дружбу, и тогда создание портрета становилось итогом совместных усилий модели и художника, что позволяло приоткрыть глубокий и сложный внутренний мир человека, изображенного на полотне. 

Ольга Делла-Вос-Кардовская (1875-1952) относится к числу самых интересных художников Серебряного века, о которых теперь вспоминают реже, чем они того заслуживают. Ей удавалось все — и лиричные пейзажи, и бытовые сценки, но прославилась она как великолепная портретистка. Ее портреты удивительно раскрывали духовный мир людей, запечатленных на полотне. Так, после окончания ее работы над портретом А.А. Ахматовой, Н.С. Гумилёв посвятил художнице следующее стихотворение: Мне на Ваших картинах ярких / Так таинственно слышна / Царскосельских столетних парков / Убаюкивающая тишина. / Разве можно желать чужого, / Разве можно жить не своим… / Но и краски ведь тоже слово, / И узоры линий — ритм.

Николай Павлович Ульянов (1875-1949) был членом «декадентского» объединения «Мир искусства», писал картины на мифологические сюжеты, оформлял театральные спектакли во МХТе и других театрах у знаменитых режиссеров К.С. Станиславского и В.Э. Мейерхольда. На выставке представлены два портрета поэтов-символистов Вячеслава Иванова и Константина Бальмонта, и еще два женских портрета: актрисы Елизаветы Сафоновой в костюме принцессы Зидзелиль из спектакля «Шлюк и Яу» по пьесе Г.Гауптмана (1905, Театр-студия на Поварской, режиссеры В.Мейерхольд и В.Репман) и жены П.Бурышкина, московского промышленника, коллекционера и мецената, издателя газеты «Утро России.

Федор Владимирович Боткин (1861-1905) подобно многим русским художникам, работавшим на рубеже XIX–ХХ веков, следовал по пути интернационального модерна, отличающегося многообразием типологических форм. В основе своей модерн питался идеями символизма и наполнялся не просто образами-символами, а идеями преображения реальности во имя достижения художественной истины. Мир явлений для Боткина, как и для других символистов, становился не предметом познания, а лишь преградой на пути к постижению внутреннего мира. Неслучайно на рубеже веков литератор С. М. Боткин, двоюродный брат художника, в тот период написал эссе об эстетическом значении колорита, где рассуждал о причинах тайных влияний души на характер предпочтений в мире красок. Художники русского модерна стремились приблизиться к ирреальному призрачному миру, осуществляя своеобразное бегство в мечту и увлекая за собой зрителя.

В проникновенных лирических композициях Ф. В. Боткина гармонично соединились плоскостные изображения женских фигур и декоративные элементы пейзажа. Они отличаются неповторимым «ажурным» стилем и наполнены аурой тонкой музыкальности. 

На выставке представлено также несколько работ Василия Ивановича Денисова (1862-1922), художника, пока еще неразгаданного феномена русского Серебряного века. Василий Денисов учился у русских импрессионистов Константина Коровина и Валентина Серова, но при этом числился непрофессиональным художником. Валентин Серов сравнивал Денисова с Альфредом Сислеем, а Яков Тугендхольд — с Гюставом Моро и Анри Матиссом, но эксперименты и новаторские находки художника в живописи не нашли продолжателей, не получили развития и последующего признания. Специалисты не причисляют Денисова ни к одному творческому объединению.

На рубеже веков Денисов был сценографом новаторских символистских и авангардных постановок, сотрудничал с Всеволодом Мейерхольдом, Сергеем Дягилевым, Федором Коршем, Верой Комиссаржевской. Использовал в сценографии основные приемы своей живописи — плоскостно-декоративные панно с «панперспективной композицией» (элемент созданного им художественного метода).

Анна Голубкина (1864-1927), выдающийся скульптор, была признанной звездой русского модерна. Портрет писателя-символиста Андрея Белого (Б. Н. Бугаева) стал одной из вершин ее творчества. Скульптор увидела тот особенный эмоциональный, энергетический порыв, который был важнейшей характеристикой личности выдающегося литератора. Современники сравнивали его с «блуждающим духом, не нашедшим плоти». Белый стремился к созданию поэзии, совершенной по звучанию, был автором новой «орнаментальной» музыкально-ритмической прозы. Импрессионистической лепкой, порывистой открытой композицией Голубкина создала образ яркой творческой натуры. Скульптор стремилась к символически наполненной выразительности модели, поэтому лицо поэта, погруженного в грезы, возникает словно на гребне морской волны, тем самым уподобляясь фигуре на носу непотопляемого парусника.

Скульптор Николай Андреевич Андреев (1873-1932) в своём творчестве отдал дань многим художественным течениям. Автор портретов революционных деятелей, зачинатель «ленинианы» (создал около 100 скульптурных и 200 графических изображений В. И. Ленина). Но это случилось позже, а в начале ХХ века он тяготеет к модерну и символизму.

Представленные работы Анны Голубкиной и Николая Андреева – это примеры русской пластики эпохи модерна, в которых отражены новые тенденции времени, а также пластический метод и темпераментная манера исполнения каждого их авторов. 

Использованные источники: Википедия; Буклет к выставке.

Золотой поцелуй: Густав Климт — скандальный художник венского модерна | Культура и стиль жизни в Германии и Европе | DW

Самая известная картина Густава Климта (Gustav Klimt) «Поцелуй» была тысячи раз увековечена не только на репродукциях, но и на кофейных чашках, очечниках, галстуках и так далее. Основоположник модерна в австрийской живописи — любимец публики. Его творчество считается олицетворением эротизма в живописи.

Густав Климт

Густав Климт родился 14 июля 1862 года. Семья его жила в бедности, особо интересных жизненных перспектив не наблюдалось. Но юноша получил стипендию и прошел курс обучения в венском художественно-ремесленном училище, специализируясь на живописи в контексте архитектуры.

К нему поступают заказы на театральные декорации. Он вместе с архитекторами создает для венских буржуа дома и виллы, представляющие собой единое произведение искусства.

Незапланированная провокация

В 1894 году Климт получил заказ на три монументальные росписи потолка в столичном университете. Символические изображения трех факультетов — юриспруденции, философии и медицины — вызвали неоднозначную реакцию публики.

Как отмечает искусствовед Альфред Вайдингер (Alfred Weidinger), специалист по творчеству Климта, художник показал слишком много обнаженного тела чопорной публике: «Он продемонстрировал венцам то, как они выглядят. Обнажены у Климта не богини, а соседки, живущие поблизости знакомые художника. Он показал и их красоту, и их уродство. И это — на гигантских сводах консервативного университета!»

По словам Вайдингера, «это не было запланированной провокацией, просто Климт всегда и во всем был очень искренен. Он просто хотел изображать то, что ему было интересно». И художник оставался верен этому принципу жизнетворчества, несмотря на большие финансовые убытки.

Золотое искусство

В 1907 году Климт написал одно из самых известных своих произведений — оттененный золотом «Портрет Аделе Блох-Бауэр», дочери венского банкира. Картину эту в 2006 году за 135 миллионов долларов купил один американский бизнесмен.

Некоторые считают изобилие золота в работах Климта безвкусицей, других именно это и привлекает. Как утверждает Альфред Вайдингер, «Климт не был академическим художником. Творчество Климта не имеет ничего общего с классической живописью». И именно это позволило художнику занять ту «декоративную» нишу, которую уже никто и никогда больше не займет.

Любимец женщин

Густав Климт и женщины — отдельная глава в истории искусств. И не только потому, что он всегда увековечивал женщин в цветах и формах. Сколько детей было у Климта, точно не знает никто. Известно только, что после смерти художника в 1918 году 14 человек захотели отхватить кусок «золотого пирога» и заявили о своих правах на наследство, в том числе творческое.

Портрет Аделе Блох-Бауэр (фрагмент)

«Он жил страстями, — рассуждает Альфред Вайдингер. — И в этом он был настоящим, без притворства». Климт легко рвал отношения, уходил, влюбляясь и растворяясь в этом чувстве каждый раз заново. Стойко терпеть подобную полигамию не могла ни одна женщина, о чем свидетельствует его страстная любовная переписка, сохранившаяся до сих пор. Он был великим художником и шикарным мужчиной, считает Вайдингер.

Смотрите также:

Достопримечательности Вены

• Вена за три дня: кофе, Климт и Моцарт

  Собор Святого Стефана

  Найти его просто: это — самый центр! Stephansdom — католический собор, один из символов не только Вены, но и Австрии. Благодаря южной башне, входит в десятку самых высоких церквей мира. Современный свой вид храм обрел к началу XVI века. Сверху открывается прекрасный вид на город. На южную башню можно забраться пешком — 343 ступени. На северную — подняться на лифте.

• Вена за три дня: кофе, Климт и Моцарт

  Венский кофе

  Кофе в Вене варить умеют. Вариантов приготовления — масса. Обязательно попробовать следует Melange — кофе с молоком и взбитой молочной пеной. Подают его в небольших кофейных чашках. К любому сорту полагается стакан негазированной воды. На фото — гости кошачьего кафе Neko, открывшегося в Вене в 2012 году. Здесь можно и кофе выпить, и пообщаться с пушистыми обитателями кафе — кошками разных пород.

• Вена за три дня: кофе, Климт и Моцарт

  Венские кафе

  Кафе в Вене — больше, чем кафе! Это и прекрасный по качеству кофе, и особая атмосфера, и наличие свежих газет, и возможность обменяться новостями. На фото — строгий, традиционно венский интерьер кафе Landtmann. Здесь австрийские политики нередко проводят встречи с журналистами. Обязательно стоит посетить кафе Central, Museum, Sperl, Hawelka и/или Diglas. Адреса подскажут в каждой гостинице.

• Вена за три дня: кофе, Климт и Моцарт

  Торт «Захер»

  Sachertorte — детище австрийского кондитера Франца Захера, «рожденное» в XIX веке. Похож на советский торт «Прага». Рецепт прост: шоколадные бисквитные коржи, прослойка абрикосового конфитюра, шоколадная глазурь. Попробовать и купить торт можно практически в любой кондитерской. Но самый лучший «Захер» продается или в одноименном отеле рядом с оперным театром, или в кондитерской Demel.

• Вена за три дня: кофе, Климт и Моцарт

  Грабен

  Graben — одна из самых красивых улиц Вены. По форме — скорее вытянутая площадь, нежели улица. Благодаря богатому световому убранству особенно хороша под Рождество. Здесь много кафе, ресторанов и магазинов, в том числе — гастроном Julius Meinl, где можно купить гастрономические сувениры Made in Austria: кофе в зернах или молотый, шоколад, вафли и печенье, конфитюры и прочие радости жизни.

• Вена за три дня: кофе, Климт и Моцарт

  «Народный сад»

  Volksgarten — небольшой, но совершенно очаровательный зеленый оазис в самом центре города, недалеко от императорской резиденции Hofburg. Устали — приходите сюда полюбоваться на красивейший розарий: более 3000 кустов и более 200 различных сортов. На территории парка расположено здание одной из самых популярных дискотек в городе, носящей то же название, что и парк: Volksgarten.

• Вена за три дня: кофе, Климт и Моцарт

  Белогривые лошадки

  Посмотреть на конный балет можно в Испанской придворной школе верховой езды (Spanische Hofreitschule). Представления в парадном облачении обычно проходят вечерами. А с 10 до 12 часов можно посетить репетицию. Это тоже интересно и обойдется дешевле: 15 евро за взрослый билет. В школе воспитывают липицианских лошадей, выведенных в Австро-Венгерской империи на основе испанских и неаполитанских пород.

• Вена за три дня: кофе, Климт и Моцарт

  Музей истории искусств

  Kunsthistorisches Museum был открыт в 1891 году. Здесь вас ждет великолепная коллекция старых мастеров: Рафаэля, Тициана, Караваджо, Босха, Питера Брейгеля Старшего, Яна ван Эйка, Веласкеса, Дюрера, Кранаха, Рембрандта, Арчимбольдо и других. Да и само здание музея — произведение искусства, причем как снаружи, так и внутри.

• Вена за три дня: кофе, Климт и Моцарт

  Музейный квартал

  MuseumsQuartier (или MQ) — это не один музей, а целый музейный комплекс, что ясно из названия. Здесь вас познакомят с наиболее яркими явлениями в искусстве XX века и с различными актуальными тенденциями.

• Вена за три дня: кофе, Климт и Моцарт

  Рынок

  Naschmarkt — знаменитый венский рынок. Продукты здесь продаются ежедневно, кроме воскресенья. Прекрасный выбор овощей и фруктов, сыров и специй, хлеба и колбас. Тут же рядом — блошиный рынок, который работает только по субботам, начиная с 6:30. Здесь — антикварный фарфор, старинная мебель, огромный выбор самого различного хлама, более или менее ценного.

• Вена за три дня: кофе, Климт и Моцарт

  Венские трамваи

  Устали? Прокатитесь на местном трамвае! Каждый вагон — в цветах австрийского флага. В 1865 году в Вене появились первые конки, а к концу XIX века началась постепенная электрификация сети.

• Вена за три дня: кофе, Климт и Моцарт

  «Поцелуй» во дворце Belvedere

  Хотите увидеть «Поцелуй» кисти Густава Климта в подлиннике? Тогда вам следует отправиться в художественный музей «Галерея Бельведер» (Galerie Belvedere), расположенный в одном из самых красивых дворцов австрийской столицы.

• Вена за три дня: кофе, Климт и Моцарт

  Мусоросжигательная станция

  Расположен этот комбинат в районе Шпиттелау (Spittelau). А построен и оформлен он был по проекту австрийского художника и архитектора Фриденсрайха Хундертвассера. В Вене есть еще несколько достопримечательностей, связанных с его именем. К примеру — жилой дом, им спроектированный, по адресу Kegelgasse 36-38. В этом здании есть и квартиры, и офисы, а напротив расположен магазин с сувенирами.

• Вена за три дня: кофе, Климт и Моцарт

  Императорский зоопарк

  Расположен на территории дворцово-паркового комплекса Шёнбрунн (Schönbrunn). Основан был в 1752 году и является старейшим зоопарком в мире. Неподалеку расположен и дворец Шёнбрунн — основная летняя резиденция австрийских императоров династии Габсбургов. Дворец, разбитый вокруг него парк с многочисленными фонтанами и статуями, а также зоопарк включены в список объектов Всемирного наследия ЮНЕСКО.

• Вена за три дня: кофе, Климт и Моцарт

  Опера — Wiener Staatsoper

  Открылась в 1869 году премьерой оперы «Дон Жуан» Моцарта. Ежегодно здесь проходит оперный бал. Попасть на оперу или балет не так трудно, как кажется. Билеты на стоячие места можно купить прямо в день представления: подойти к кассе стоячих мест — Stehplatzkasse (со стороны переулка Operngasse) — за два или три часа до начала. Отстоять, купить и наслаждаться!

• Вена за три дня: кофе, Климт и Моцарт

  Парк аттракционов

  Пратер (Prater) — это внушительных размеров зона отдыха с ипподромом, стадионом, велодромом, спортивными площадками и парком аттракционов. Его визитной карточкой, а также одним из символов Вены является гигантское колесо обозрения, с которого открывается прекрасный вид на город.

• Вена за три дня: кофе, Климт и Моцарт

  Венский шницель

  Если вы хотите прочувствовать, каков вкус настоящего венского шницеля, то отправляйтесь в ресторан «Zum Figlmüller». Расположен он в минуте ходьбы от Собора Святого Стефана. Что еще стоит попробовать в Вене? Тафельшпиц (отварную говядину с хреном), гуляш, венские сосиски, яблочный штрудель, а также кайзершмаррн (сладкий императорский омлет с ванильным соусом и/или компотом из слив).

• Вена за три дня: кофе, Климт и Моцарт

  Три дня — это утопия!

  Конечно, посмотреть этот город за три дня просто невозможно! Но кое-что все же можно успеть. Главное — наслаждаться моментом. Просто откройте глаза пошире и гуляйте, пока не свалитесь от усталости. А если совсем утомитесь, наймите кучера с повозкой: этого добра в центре Вены хватает.

• Вена за три дня: кофе, Климт и Моцарт

  С собой на память

  Не забудьте фотоаппарат! Особенно хороша Вена весной и летом, когда многочисленные парки завлекают гостей зелеными лужайками и цветниками. В центре полно сувенирных магазинов, особенно на улице Kärntner Straße, которая соединяет Собор Святого Стефана и оперу. Традиционно популярностью пользуется продукция с изображением Моцарта. Но лучше всего увезти с собой из Вены незабываемые впечатления!

  Автор: Дарья Брянцева

Самый дорогой поцелуй в мире

Самые известные художники в стиле модерн

Известные художники в стиле модерн преодолели разрыв между викторианским сентиментализмом и современной простотой. Среды и методы, использованные в эту эпоху, являются знаковыми, даже если стиль охватил всего одно или два десятилетия.

Важно понимать, что искусство периода модерна было больше, чем рисование на холсте. Известные художники в стиле модерн были известны своей работой в гравюрах, рекламе, стеклянной посуде, ювелирных изделиях и скульптуре. Этот стиль также проник в мебель и архитектуру.

Сегодня мы познакомимся с некоторыми из самых известных художников в стиле модерн, которые либо первопроходцы этого движения, либо превратили стиль в нечто новое, либо внесли свой вклад, о котором мы говорим и сегодня.

* Некоторые из представленных ниже произведений искусства в настоящее время выставлены на продажу. Если вы купите любую из этих вещей по партнерской ссылке, мы можем получить небольшую комиссию.

Обри Бердсли

Годы жизни: 1872 — 1898
Специальность: Иллюстрация

Обри Бердсли был плодовитым и неоднозначным иллюстратором, чья работа была вдохновлена ​​ксилографией в Японии.Он был пионером в создании плакатов в стиле раннего модерна и считался одним из влиятельных авторов стиля Глазго. К сожалению, его жизнь и творческий потенциал были оборваны, когда он умер в 25 лет от туберкулеза.

Жорж Фуке

Годы жизни: 1862 — 1957
Специальность: Дизайн ювелирных изделий

Жорж Фуке был одним из самых известных французских дизайнеров ювелирных изделий в стиле модерн.Он создавал достойные музея драгоценности в этом стиле примерно до 1910 года, когда он перевел свою фирму на более переходный, эдвардианский стиль. Его отец, Альфонс Фуке, также был известным ювелиром, который неустанно работал, чтобы продвинуть свою карьеру и открыть возможности для своего сына.

Эмиль Галле

Годы жизни: 1846 — 1904
Специальность: Стеклянный дизайн

В 1883 году Эмиль Галле реструктурировал семейный стекольный и мебельный бизнес, чтобы расширить производство товаров в стиле модерн. .Галле поощрял дизайнеров, которые работали под его руководством, внедрять в свои работы естественные цветы и фауну, что привело к появлению многих дизайнерских новшеств в ту эпоху. В конце концов он основал École de Nancy, коалицию художников в стиле модерн, расположенную в Нанси, Франция.

Густав Климт

Годы жизни: 1862 — 1918
Специальность: Живопись

Густав Климт был австрийским художником-символистом, который был частью Венского Сецессиона, художественного движения, которое близко отражало движение модерна.Как и многие визионеры стиля модерн, Климта вдохновляли японское искусство и женская фигура. Примечательно, что его работы являются одними из самых популярных и продаются на аукционах по самым высоким ценам.

René Lalique

Годы жизни: 1860 — 1945
Специальность: Стекло / дизайн ювелирных изделий

Рене Лалик очень известен своими изделиями из стекла, но он также создает мастерские ювелирные изделия.Первую половину своей жизни он посвятил изучению искусства и дизайна, а последние годы своей жизни посвятил творчеству. Лалик быстро прославился. На протяжении всей жизни его работы признавали заслуживающие внимания клиенты, и он выигрывал различные престижные награды. Его инновации в дизайне ювелирных украшений были вдохновлены его желанием «создать то, чего раньше никогда не видели».

Чарльз Ренни Макинтош

Годы жизни: 1868 — 1928
Специальность: Акварель

Чарльз Ренни Макинтош был архитектором и художником, вдохновившим начало движения модерн своими работами в области европейского символизма.Он учился в художественной школе Глазго в 1892 году, где познакомился со своей женой и коллегой-художником Маргарет Макдональд. Со временем пара стала частью круга художников, которые работали в стиле Глазго в Шотландии. Как и многие другие художники в стиле модерн, Макинтош восхищался японскими принципами простоты и сдержанности в дизайне. В его зданиях и картинах можно увидеть шотландские, японские и модернистские черты.

Альфонса Мухи

Годы жизни: 1860 — 1939
Специальность: Иллюстрация

Из всех работ эпохи модерна работы Альфонса Мухи, пожалуй, самые известные и самобытные.Он провел начало своей карьеры в Париже и вернулся в Австрию в возрасте 43 лет, чтобы написать «Славянский эпос». В 1894 году карьера Мухи изменилась, когда актриса Сара Бернар заказала плакат с рекламой своей пьесы. Немедленный успех плаката привел к заключению долгосрочного контракта между парой. К счастью, эти деловые отношения открыли для Мухи двери для создания большего количества рекламных объявлений в стиле модерн.

Максфилд Пэрриш

Годы жизни: 1870 — 1966
Специальность: Иллюстрация / живопись

Максфилд Пэрриш, родившийся в Америке, писал картины в особой цветовой палитре в неоклассическом стиле.Хотя его работы не классифицируются некоторыми искусствоведами как ар-нуво, в них есть много похожих элементов, таких как фигуры и цветы. Он вел чрезвычайно успешную карьеру, и его гравюра Daybreak (1922) была самой популярной гравюрой 20 века. Его работы важны, потому что они помогли сформировать Золотой век иллюстрации. Как и Муха, Пэрриш получил заказ на создание обложек журналов, рекламы и поздравительных открыток, и его стиль во многом является его собственным.

Луи Комфорт Тиффани

Годы жизни: 1848 — 1933
Специальность: Декоративное искусство

Коллекционеры антиквариата восхищаются Луи Комфорт Тиффани за его витражи и лампы, но он также создал невероятное художественное стекло и украшения. Он был первым дизайнером семейного бизнеса Tiffany & Co., основанного его отцом Чарльзом Льюисом Тиффани. Первоначально Тиффани любил рисовать, но в 1875 году он обнаружил страсть к стекольному производству. Его партнеры сначала отвергли его новаторство в производстве стекла, что привело его к открытию собственной студии.На протяжении всей своей карьеры его вдохновляли другие художники, такие как Альфонс Муха и Эмиль Галле.

Анри де Тулуз-Лотрек

Годы жизни: 1864–1901
Специальность: Иллюстрация / живопись

Анри де Тулуз-Лотрек был живописцем постимпрессионистского периода , которое было движением, которое непосредственно предшествовало движению модерна. Его более поздние плакаты и иллюстрации отражали движение ар-нуво с плоскими цветными фигурами и графикой.К сожалению, он умер в возрасте 36 лет из-за сочетания врожденной инвалидности и образа жизни. Несмотря на короткую карьеру, вы можете найти около 1000 его работ в Музее Тулуз-Лотрека.

Альфонс Муха: Художник в стиле модерн

Помимо картин, Альфонс Муха был известен своими иллюстрациями, рекламой, открытками, фотографиями и множеством узнаваемых дизайнов , которые использовались множеством способов.Его особый стиль теперь признан во всем мире, а его работы находятся в музее Мухи в Праге.

Достаточно взглянуть на избранную работу Альфонса Мухи , чтобы понять, почему она была популярной и неизменно была частью духа времени. В то время как Муха был на пике своей карьеры, его произведениями восхищались и искали , но к концу его жизни они были , считались устаревшими и, конечно, не любили так, как сегодня.Но в то время как они какое-то время вышли из моды, работы Мухи и стиль ар-нуво снова взлетели в 1960-х годах с огромным , следующим за , который с тех пор не сдавался.

Ранние годы

Муха родился в Моравии, в Чешской Республике. Он вырос на живописи как хобби и провел много часов, помогая с декораторами эскизов декораций для театров, так он пришел работать в крупную венскую театральную дизайнерскую компанию , которая помогла ему научить его самому начал то, что он узнал о дизайне.

В 1887 году Муха переехал в Париж и поступил в знаменитую Académie Julian , где и началось его изучение искусства. Его время в Paris будет тем временем, которое позволит ему стать фантастическим художником, которого мы знаем. Одной из его работ, созданных в 1900 году, был плакат для австрийского павильона на Парижской выставке , который был ранним изображением того, что впоследствии стало всемирно признанным стилем в таких произведениях, как Цветы: Лилия (первое изображение в этом посте).В нем были представлены чувственные фигуры и цветы , но ему не хватало реальной энергии, которую он сумел включить в свои более поздние, более изысканные работы этого типа.

Его картины примерно того времени не так узнаваемы — у них нет отличительного стиля, который теперь так хорошо известен, и многие из них намного темнее , например картина Military Camp в Winter .

Военный лагерь зимой, Изображение © Mucha Trust

Движение модерн

В конце 19 века движение в стиле модерн потрясло мир искусства, вызвав у чувство реформирования и восстания. Это была реакция на огромные расхождения во мнениях между тем, что считалось «высоким искусством» и «низким искусством» . Многие художники считали искусство невероятно важным, независимо от того, висело ли оно на стене галереи или балет в Королевском оперном театре или считался «низким искусством», например, реклама , мебель, украшения и т. Д. Муха, и многие художники в стиле модерн, подобные ему, продемонстрировали такой широкий спектр художественных исканий по этой причине — они чувствовали, что каждый вид искусства стоит.Сегодня это может показаться не слишком большим откровением, но этому движению яростно противостояли Католическая церковь , и другие традиционалисты, в 19 веке.

Отличительный дизайн

Основным источником вдохновения для движения в стиле модерн была природа, поскольку флора и фауна , в частности, стали популярными темами, которые побуждали людей смотреть на окружающий мир со стороны. Собственные работы Мухи часто включают замысловатые цветочные узоры, которые украшают предмет его работы — в частности, это можно увидеть на его плакате The Arts Dance (внизу, крайний справа), невероятно чувственное изображение танцующей женщины, которое был произведен в 1898 году.Лепестки , окружающие ее , и цветы в ее волосах, развеваются на ветру , добавляют движения изображению и, как считается, символизируют взгляд вовне, в мир и духовное пробуждение , которое может быть результатом искусства. Плавные линии также типичны для этого стиля. Художники в стиле модерн искали движение в своих работах как реакцию на традиционное искусство, которое всегда было статичным.