Художники стиля барокко: Художники по направлению: Барокко — WikiArt.org

Барокко (Baroque) и художники — Художники, фотографы и скульпторы со всего света

Барокко

1600 — 1700. Искусство барокко развивалось в Европе как реакция против замысловатого и шаблонного маньеризма. Стиль барокко использовал преувеличенное движение и ясные, легко интерпретируемые детали, чтобы создать драму, напряжение, изобилие и величие в скульптуре и живописи. Искусство барокко менее сложное, более реалистичное и более эмоциональное, чем искусство маньеризма. Это движение поощрялось католической церковью, самым важным покровителем искусств в то время, и рассматривалось как возвращение к традициям и духовности. Один из великих периодов истории искусства, искусство барокко было разработано , в частности, Джанлоренцо Бернини и Аннибале Карраччи. Это был также век Питера Пауля Рубенса, Рембрандта ван Рийна, Вермеера и Веласкеса.

Художники барокко и статьи о них

Караваджо

Караваджо — итальянский художник, чья революционная техника тенебризма, или драматического, избирательного освещения формы из глубокой тени, стала отличительной чертой живописи барокко. Презирая традиционную идеализированную интерпретацию религиозных сюжетов, он брал свои модели с улиц и рисовал их реалистично. Его использование моделей из низших классов общества в своих ранних светских работах и более поздних религиозных композициях привлекало вкус к реализму, простоте и благочестию в искусстве.

Не менее важно и то, что он ввел в свои произведения драматические светотеневые эффекты, называемые светотенью. Многие религиозные произведения Караваджо изображают жестокую борьбу, гротескные обезглавливания, пытки и смерть. Караваджо был «диким» и жестоким художником — крики ужаса занимают видное место во многих работах Караваджо. Необузданность его личности взорвалась в его искусстве.

Караваджо. Judith Beheading Holofernes / Юдифь обезглавливает Олоферна. 1598г.

Питер Пауль Рубенс

Фламандский и европейский художник эпохи барокко Питер Пауль Рубенс был самым известным североевропейским художником своего времени и в настоящее время широко известен как один из выдающихся художников в истории западного искусства. Он был сторонником стиля барокко, который подчеркивал движение, цвет и чувственность. Завершив слияние реалистической традиции фламандской живописи с творческой свободой и классическими темами итальянской живописи эпохи Возрождения, он коренным образом оживил и переориентировал североевропейскую живопись.

Рубенс был одним из наиболее методично ассимилировавшихся и чрезвычайно продуктивных западных художников. Его обильная энергия побуждала его изучать и подражать мастерам как античности, так и XVI века в Риме, Венеции и Парме. Теплота его натуры делала его восприимчивым к художественным революциям, совершаемым живыми художниками, а сильные способности понимания питали его безграничный ресурс изобретательства. Он сумел в равной степени вдохнуть свою поразительную жизненную силу в религиозные и мифологические картины, портреты и пейзажи. Он организовал свои сложные композиции в яркие, динамичные конструкции, в которых ограничения формы и контура сбрасываются со счетов в пользу постоянного потока движения.

Питер Пауль Рубенс. Christ on the Cross between the Two Thieves / Христос на кресте между двумя ворами. 1620г.

Рембрандт ван Рейн

Рембрандт ван Рейн считается одним из величайших художников в истории европейского искусства и самым важным художником в истории Нидерландов. Рембрандт известен как художник света и тени и как художник, который отдавал предпочтение бескомпромиссному реализму. Рембрандт обладал исключительной способностью изображать людей в их различных настроениях и драматических обличьях. Ни один художник никогда не сочетал более тонкое мастерство с большей энергией и силой.

Всего Рембрандт создал более 600 картин, 300 офортов и 2000 рисунков. Он был плодовитым художником автопортретов, создав почти сотню из них за свою долгую карьеру. Вместе они дают удивительно ясное представление о человеке, его внешности и — что более важно — о его глубинном существе, как показывает его лицо. Его ближайшая семья, его жена Саския, его сын Титус и его гражданская жена Хендрикье, часто занимали видное место в его картинах. Однако основу творчества Рембрандта составляют библейские и — в меньшей степени — исторические, мифологические и аллегорические картины.

Рембрандт ван Рейн. The Jewish Bride / Еврейская Невеста. 1666г.

Похожие сообщения:

Барокко | на торгах аукционного дома

Барокко – целый культурный пласт со второй половины 16 века до первой половины 18 века. Стиль возник в Италии, распространился по Европе и Латинской Америке, а также в других регионах, колонизированных европейцами. Барокко контрастировало с эпохой Возрождения за счет выражения пессимистической, разочарованной, критической и сложной чувствительности. Это связано с тем, что развитие направления пришлось на тревожное время с психологической, культурной, социальной, политической и экономической точек зрения. Но что такое барокко? Как определяется стиль и что его характеризует?

Что такое барокко?

Эффектность, величие, драматизм – основа барокко. Купить на аукционе работы в этом стиле – значит, прикоснуться к эстетике преувеличенной эмоциональности того или иного сюжета. Стиль характеризуется напряженным движением и контрастными деталями, используемыми для создания эффекта драматизма, изобилия и величия.

Развитие барокко было тесно связано с католической церковью, которая поощряла изображение религиозных сцен. Сам термин впервые был использован в середине 18 века в контексте эпохи Просвещения. Первоначально значение «барокко» было взято из древнего португальского языка, так как «барокко» обозначало разновидность жемчуга неправильной формы. В переводе с итальянского «барокко» значит «причудливый».

В эпоху Просвещения иллюминаторы Дидро и Руссо использовали это слово для уничижительного описания искусства того периода, которое они считали странным и сбивающим с толку. Однако более поздняя историография подтвердила эстетическую ценность этого периода.

Характеристики барокко

Стиль можно охарактеризовать латинским выражением horror vacui, что в переводе значит «ужас пустоты». Искусство барокко во всех его проявлениях любит пестрые и витиеватые отделки, которыми оно намерено заполнить все пространство. Для стиля свойственны:

• Динамизм и напряжение. Чувство движения и динамизма – основа барокко. Это искусство мятежно, оно не ищет покоя, а между формами, звуками, словами или понятиями возникает напряжение.
• Изображение внутренних страстей и темпераментов. Барокко уходит от философских предписаний эпохи Возрождения, которые требовали меры и баланса. Скорее, он выбирает изображение страстей и внутренних темпераментов как для каждого персонажа, так и для всего произведения.
• Контрастный поиск. В различных художественных дисциплинах барокко подчеркивает приверженность контрасту, который в пластических искусствах выражается через светотень. Это касается не только живописи, но и архитектуры, скульптуры, музыки и даже литературы.
• Замена абсолютного на относительное. Абсолютное уступает место относительности в соответствии с эпохой, которой не хватало философской, теологической и культурной безопасности. Оно доминирует над порядком восприятия, следствия, поиска ощущений и противоречий над закрытыми принципами.
• Несколько центров. Искусство барокко отличалось тем, что отказалось от идеи работы с одним центральным объектом и обратилось к нескольким центрам. Этот принцип был виден во всех художественных дисциплинах, хотя и адаптирован к их возможностям.
• Эффект незавершенности и несвязности. Из-за наличия нескольких центров барокко способствовало эффекту разобщенности. При просмотре может возникнуть ощущение незавершенной работы, в отличие от картин эпохи Возрождения. Этот вкус к неполноте выражал озабоченность бесконечностью и трансцендентностью.
• Пессимизм и разочарование. В отличие от эпохи Возрождения, в барокко преобладает пессимистическое мышление в ответ на исторический кризис. Драматическое разочарование – один из признаков барокко. Продать на аукционе легкомысленную и оптимистичную картину в этом стиле практически невозможно – жанр окутан мрачностью, и даже в самых позитивных сюжетах есть какая-то глубинная горечь. Этому способствуют и оттенки, и расположение объектов, и темы работ. Особенно ярко это выражается в рамках поджанра ванитас – центром такой живописи обычно служили черепа, а доминирующей была тема скоротечности жизни.

Если рассматривать детальнее темы, то здесь мы увидим доминирование религиозных, мифологических, исторических сюжетов, которые подаются с большим драматизмом. Предпочтительнее были такие сцены как непорочное зачатие, евхаристия, житие святых и торжество католической церкви. В сюжетах также сквозили намеки на быстротечность времени и разочарование в людях, иногда изображалась суровая реальность повседневной жизни.

Художники и архитекторы отдавали предпочтение теплым цветам, контрастирующим с декоративными вставками золота. Они использовали три основных цвета в непосредственной близости друг от друга, что создавало ощущение очевидности и драматизма. Намерение состояло в том, чтобы дать зрителям что-то интересное, что могло бы удержать внимание, вызвать чувство трепета.

Поскольку художники и архитекторы обычно отдавали предпочтение религиозным или классическим сценам, многие из их работ имели четкую историю или послание. Они противопоставили темный фон светлым персонажам, чтобы создать ощущение движения и заставить зрителя увидеть задуманную историю. Те же самые характеристики барокко были применены к музыкальным композициям того периода времени, которые всегда имели историю или сообщение для аудитории.

В странах, принявших искусство барокко, были стилистические вариации. Большинство художников и архитекторов Европы использовали этот стиль, но во многих произведениях искусства можно увидеть местное влияние. Например, голландские художники уделяли меньше внимания религиозным или историческим сценам, а больше светским предметам, таким как натюрморты и пейзажи.

Главное отличие живописи в стиле барокко от работ эпохи Возрождения

Одним из основных принципов искусства эпохи Возрождения была стабильность. Даже когда картины изображали динамичную сцену, большая часть ее была неподвижной. Художники использовали узнаваемые формы для структурирования своей работы, так как это помогает создать у зрителя ощущение стабильности. Если вы когда-нибудь принимали решение купить картины и предметы искусства в стиле барокко, то наверняка обратили внимание на то, что художники барокко применяют другие методы. Они намеренно использовали наклонные линии, чтобы создать ощущение драмы и движения, часто помещая предметы в противоположные положения, чтобы усилить напряжение.

В искусстве эпохи Возрождения художник всегда создавал полный фон для своей картины, даже если он не был особенно подробным. Фон считался таким же важным, как и предмет, и добавлял идеи стабильности. Если объект был расположен на неподвижном фоне, зритель может сказать, что он неподвижен. В картинах в стиле барокко фон обычно просто затемнен. Было ли это потому, что художники считали его неважным или нет, это определенно подчеркивало то, что было предметом картины. Однако эти правила для картин в стиле барокко различаются, и в большинстве стран была собственная устоявшаяся версия стиля.

Развитие барокко

Как и любой другой художественный стиль или движение, барокко постепенно начало терять популярность. Это случилось в 18 веке. Возможно, этому косвенно поспособствовала Мадам де Помпадур, фаворитка французского короля Людовика XV, возможно. Она отправила нескольких художников и скульпторов в Италию для изучения художественных стилей и моды, и мастера вернулись из поездки с любовью к классическим стилям и техникам.

В результате культурной диффузии барокко постепенно превратилось в рококо. За ними последовало неоклассическое движение, в котором гораздо больше внимания уделялось традиционным идеям и техникам. К 19 веку барокко считалось старомодным, и многие современники критиковали это направление искусства.

Самые известные художники барокко

Рубенс был одним из пионеров движения фламандского барокко, которое отличается особым использованием света и композиции. Рубенс учился в Италии, где на него повлияли как классические произведения, так и современные художники. За свою карьеру он сделал Антверпен одним из художественных центров Европы – мастеру приписывают создание более 1400 работ!

Ван Дейк стал ведущим придворным художником в Англии, и его стиль более века оказывал огромное влияние на английских художников. Мастер путешествовал по Италии, где и перенял драматический и контрастный стиль барокко. Он писал в стиле фламандского барокко с более приглушенными цветовыми палитрами и светскими сюжетами. При этом он также рисовал религиозные и исторические сцены.

Рембрандт – один из самых известных художников голландского золотого века, который нарисовал множество библейских и мифологических сцен и использовал техники контраста и движения. Хотя не все историки искусства считают его художником эпохи барокко, он определенно использовал методологию барочной живописи.

Вермеер – один из величайших художников 17 века. Как и Рембрандта, Вермеера не всегда считают художником эпохи барокко, в основном из-за отсутствия идеализации в его работах. Одно из направлений его творчества, которое, безусловно, можно назвать барочным, – это использование дорогих пигментов в своих картинах. Он любил использовать лазурит, невероятно дорогой синий пигмент, и его можно было считать штрихом в стиле барокко к его светским картинам.

Караваджо владел мастерством изображения момента величайшей драмы, тонко использовал игру света и тени. В его работах часто встречаются сцены борьбы, пыток и смерти. Его влияние можно увидеть в работах Рубенса, Бернини, Рембрандта и других гениев.

Если вы хотите продать картины и предметы искусства в стиле барокко, «Аукционный дом № 1» станет вашим надежным партнером. В нашем штате опытные искусствоведы, которые оценят работу и помогут сформировать предложение для потенциальных клиентов.

8 Художники эпохи Возрождения и Барокко

Микеланджело, Леонардо, Тициан, Караваджо, список можно продолжить… Им посвящены музеи. Фильмы и документальные фильмы изображают их. Историки искусства всю жизнь отслеживают свои шаги и художественные коды. Они увековечены на страницах многочисленных книг. Их таланты заслуженно отмечены, но, к сожалению, многие художники слишком долго остаются позади. Проблема репрезентации постоянно возникает на протяжении всей истории искусства. Сюда входят многие художницы эпохи Возрождения и барокко. В связи с этим Artsper выделил карьеры и таланты 8 женщин-художников эпохи Возрождения и барокко!

1. Катарина или Катерина ван Хемессен (1528-1565)

Катерина ван Хемессен, Автопортрет , 1548 © Kunstmuseum Basel

дочери художников. Так обстоит дело с Катариной ван Хемессен, ключевой художницей 16-го века. Ее отец, Ян Сандерс ван Хемсессен, был выдающимся художником в Антверпене. Ван Хемессен, известный своим маньеристским стилем, сосредоточился в основном на религиозных сюжетах. Хотя изначально именно отец вдохновил ее художественное любопытство, Катерину ван Хемессен интересовали и другие живописные темы. Умение передавать тонкие качества окружающих создало идеальную основу для того, чтобы ван Хемессен стал художником-портретистом.

Ее таланты получили признание среди высших слоев общества. На самом деле она даже попалась на глаза Марии Австрийской, которая предложила ван Хемессену переехать из Нидерландов к ее королевскому двору в Испанию. После смерти Марии Австрийской ван Хемессен получил пожизненный дар. В своем автопортрете ван Хемессен торжественно сидит в скромной одежде на мрачном фоне. Считается, что ван Хемессен — первый художник любого пола, нарисовавший автопортрет за мольбертом. Помимо этого замечательного подвига, она хотела, чтобы ее запомнили не только как женщину, страстно любившую и увлеченную искусством, но и как настоящего работающего художника. Это видно из надписи на картине: «Я, Катерина ван Хемессен, нарисовала себя / 1548 / Здесь в возрасте 20 лет».

2. Софонисба Ангвиссола (1532-1625)

Софонисба Ангвиссола, Selt-Portrait , 1554 © Художественно-исторический музей

Анализируя канон истории искусства, Софонисба Ангвиссола является одной из немногих женщин-художников эпохи Возрождения, добившихся международного признания. Родившись в аристократической семье на севере Италии, Ангвиссола была вундеркиндом итальянского Возрождения. Благодаря богатству и связям своей семьи Ангвиссола смогла войти в число самых просвещенных культурных и художественных умов Европы того времени. Из-за этого ее талант привлек внимание многих мастеров того периода; таких как Микеланджело, Ван Дейк и Вазари. Ей даже была предоставлена ​​возможность стать учеником художника, что в то время было редкостью для женщины. Ангвиссолу сделали фрейлиной при дворе Филиппа II, короля Испании. За годы своего пребывания при дворе она использовала свои художественные способности, рисуя высшие слои испанского общества, включая королевскую семью и самого короля.

3. Лавиния Фонтана (1552-1614)

Лавиния Фонтана, Одевание Минервы , 1613 © Galleria Borghese

Родившаяся в Болонье, Италия, Лавиния Фонтана глубоко укоренилась в стиле маньеризма в живописи. Историки искусства приписывают ей первую профессиональную художницу в истории искусства. Помимо этого невероятного достижения, также считается, что Фонтана была первой художницей, нарисовавшей обнаженных женщин. Она была первой художницей, которая использовала живые модели для вдохновения. Помимо интереса к женской форме, Фонтана уделяла большое внимание мифологическим и религиозным сценам. В конце концов она была введена в Академию Сан-Лука в Риме Папой Климентом VIII. Благодаря этому историческому достижению ей и ее семье выпала честь переехать в Рим. Фонтана получила ряд наград за свою блестящую карьеру, что повлияло на ход истории искусства.

4. Артемизия Джентилески (1593–1654)

Артемизия Джентилески, Юдифь, убивающая Олоферна , 1612–1613 © Museo Capodimonte

Артемизия Джентилески родилась в Риме на пике барокко. художницы этого периода. Следуя по стопам своего отца, Орацио Джентилески, Джентилески была очарована стилем и мастерством Караваджо. Джентилески известна своими яркими и жестокими сценами. Во время обучения в Риме учитель рисования Джентилески подверг ее сексуальному насилию, что, в свою очередь, вызвало ярость художника при воспроизведении многих ее картин. Джентилески пришлось пережить не только травму, полученную в результате сексуального насилия, но и постоянный позор публичного суда. Она использовала свои холсты как сосуд, чтобы избавиться от своих травм, боли и страданий. Джентилески сосредоточился в первую очередь на женщинах в аллегорических образах, часто изображая сильных женщин посреди их личных страданий.

Карьера Джентилески насчитывает более четырех десятилетий, и ее таланты не остались незамеченными. Среди ее покровителей были члены дома Медичи и король Англии Карл I. Хотя ее таланты были признаны в свое время, столетия спустя историки искусства спорили о том, кто же является истинным художником, стоящим за ее работами. Те, кто сомневался, утверждали, что картины Джентилески были слишком жестокими, чтобы быть написанными «тонкой» рукой художницы. Многие считали, что ее отец был истинным вдохновителем ее работ. К счастью, с тех пор эта теория была дискредитирована. Мир продолжает проливать свет на замечательную работу Джентилески.

5. Джованна Гарцони (1600-1670)

Джованна Гарцони, Натюрморт с чашей цитронов , 1640 © Музей Дж. Пола Гетти

Джованна Гарцони, известная своими тонкими акварельными рисунками, заинтересовалась множеством сюжетов. имеет значение. В частности, растения, овощи, животные и портреты. Помимо этого, она посвятила много работ религиозной, аллегорической и мифологической тематике. Некоторые подробности ее жизни остаются неясными, если не неизвестными. Однако искусствоведы могут подтвердить, что Гарцони рисовал и путешествовал по всей современной Италии, включая Венецию, Неаполь, Рим, Турин и Флоренцию. Она даже выехала за пределы Италии, найдя дорогу в Париж, что в то время требовало долгого путешествия.

6. Джудит Лейстер (1609-1660)

Джудит Лейстер, Автопортрет , 1633 © Национальная художественная галерея

Выдающейся художницей Золотого века Голландии была Джудит Лейстер. На самом деле, она была одной из первых женщин-художников, получивших допуск в Харлемскую гильдию Святого Луки. Помимо впечатляющего школьного образования, Лейстер была одарена способностью создавать множество стилей живописи. Однако на протяжении веков, как и в случае со многими другими художницами, произведениям Лейстер приписывали ошибочное значение. Многие искусствоведы считали, что Франс Хальс или ее муж, художник Ян Миенсе Моленар, приложил руку к ее картинам. Благодаря обнаружению монограммы, ее художественной подписи, многие из ее работ с тех пор были правильно переатрибутированы.

Пожалуй, самая известная ее работа — « Автопортрет ». Картина излучает уверенность в своих способностях и растущую популярность среди голландского академического живописного сообщества того времени. Она изображает себя сидящей у холста в прекрасной одежде. Она представляет себя в процессе рисования скрипача, но в этот момент она отводит взгляд от картины, чтобы взаимодействовать со зрителем. Ее автопортрет и по сей день остается одной из самых знаменитых картин голландского Золотого века.

7.

Мэри Бил (1633–1699) Мэри Бил, Король Карл II , 1675 © Национальная портретная галерея

Мэри Бил известна миру истории искусств как одна из первых профессиональных художниц в Англии. Благодаря своим работам и потоку продаж Бил смогла поддержать свою семью, полагаясь исключительно на свои работы и уроки искусства как на постоянную профессию. Она была известна своими портретами. Ее талант получил признание среди дворянства английского общества, привлекая многих покровителей из двора короля Карла II. Бизнес Бил как художника укрепился благодаря поддержке мужа. На самом деле Чарльз, ее муж, был ее деловым партнером и отвечал за бухгалтерию. Он записал ее повседневную деятельность, что дало искусствоведам особое представление об их деловой практике и мире Бил как женщины-художницы в то время.

8. Элизабетта Сирани (1638-1665)

Элизабетта Сирани, Порция Ранила Бедро , 1664 © Miles and Marilyn Ross Miles Foundation

Хотя она дожила до 27 лет, Элизабетта Сирани добилась больших успехов во время своей короткой, но плодотворная карьера. Как и другие художницы того времени, Сирани родилась в артистической семье. Ее отец сам был художником, но к тому времени, когда Сирани была еще подростком, она уже превзошла его в плане художественных способностей. Начиная с 19 лет, Сирани решила финансово поддержать свою семью через заказы на произведения искусства. Ее известность начала расти по всей Болонье, привлекая внимание великого герцога Козимо III Медичи, покровителя искусств.

Ее картины можно охарактеризовать как яркие. Сирани нравилось рисовать аллегорические или библейские сцены, в большинстве из которых фигурируют женские персонажи. С точки зрения стиля, ее работы отражают период барокко, подчеркивая интенсивный контраст светлого и темного, известный как светотень. В конце концов Сирани создала собственную школу, стремясь обучать и развивать других художниц по всей Болонье. Вскоре после этого она загадочно умерла в возрасте 27 лет. Причина смерти Сирани до сих пор остается загадкой и источником исторических споров. Хотя ее жизнь была короткой, ее влияние было огромным.

Устойчивое влияние женщин-художников…

Отсутствие женщин-художников на протяжении всей истории искусства остается распространенной проблемой и по сей день. Хотя это только 8 влиятельных художниц, есть еще много других, которые можно открыть и оценить. Чтобы узнать больше о художниках, меняющих мир, ознакомьтесь с подборкой художников-женщин от Artsper.

6 3382

Откройте для себя трех художников эпохи барокко, чьи работы указывают на возвышенное — Aleteia

Вы когда-нибудь были впечатлены, вдохновлены или даже поражены красотой произведений искусства и архитектуры 17-го века, таких как трон Святого Петра и окно над ним, изображающее Святого Духа, в Соборе Святого Петра? Вы посещали позолоченную, славную церковь колониального периода в Латинской Америке, полную колонн и резных ангелов, святых и фигур природы — и чувствовали необходимость встать на колени и помолиться? Если да, то вы испытали силу искусства и архитектуры барокко.

Слово «барокко» португальского происхождения, от «berrueco», что означает жемчуг неправильной формы. Назначение искусства барокко (XVII-XVIII вв.), развившегося из ренессанса и маньеризма, состоит главным образом в том, чтобы воспитывать народ Божий в познании религии и духовности, проникнутый эмоцией, предлагая Творцу самые возвышенные произведения, какие художники могут произвести. Отчасти это было ответом на протестантскую реформацию; Церковь признала необходимость достучаться до людей всех слоев общества через видимые, осязаемые дела, которые учили их славе католической истины.

Эпоха барокко оставляет в стороне классическую безмятежность, чтобы выразить мир в движении и участии чувств. Церковь активно поощряла развитие этого искусства, как и других стилей, поскольку и изобразительное искусство, и музыка были направлены на поощрение благочестия верующих через созерцание эстетической красоты как отражения Божественной гармонии.

Архитектура барокко встречается в основном в церквях, соборах и монастырях, а также в некоторых дворцах и светской архитектуре. Это выражение христианской культуры, проявившееся во всех сферах жизни общества.

Италия считалась родиной Ренессанса и Барокко, где несколько художников выделялись своим большим талантом и тем, что в их работах присутствовали великие религиозные и христианские темы.

Караваджо (1571-1610)

Он известен драматизмом своих произведений. Он рисовал на религиозные темы и исследовал контраст между светом и тенью. Некоторые из его работ: «Взятие Христа», «Бичевание Христа», «Смерть Богородицы», «Ужин в Эммаусе» и «Давид с головой Голиафа».

Бернини  (1598-1680)

Многие работы скульптора и архитектора находятся в Риме и Ватикане, в том числе «Площадь Святого Петра», «Балдахин Святого Петра», «Экстаз Святой Терезы», «Бюст Павел V», и дизайн ангелов на «Понте Сант-Анджело».

Борромини (1599-1667)

Работы архитектора и скульптора включают «Сант-Аньезе ин Агоне», «Палаццо Спада», «Палаццо Барберини» и «Церковь Сан-Карло алле Кватро Фонтане.