ЭВОЛЮЦИЯ ПОРТРЕТА. Часть 10. Импрессионизм (1)
«Я бы хотел рисовать так, как поют птицы…»
Клод Моне.
Ну вот, наконец, мы подошли к тому направлению в развитии живописи (и искусства вообще), которое стало крупнейшим в последней трети XIX века и породило множество новых стилей, таких как неоимпрессионизм, постимпрессионизм, модерн, символизм, экспрессионизм, … Сегодня, наверное, уже трудно найти человека, интересующегося живописью, который бы не знал основных особенностей импрессионизма: передача мимолетных впечатлений от увиденного, изображение реального мира в его подвижности и изменчивости, отказ от максимального правдоподобия, оставляя его фотографии, широкое использование пленэра, зыбкость формы в вибрации воздуха и солнечного света, разложение цветов отдельными мазками на чистые составляющие.
«Это умбрийские монахи могли писать каждый листик на дереве и каждый волосок на бороде… Импрессионизм ― создание большого города, создание быстрого темпа жизни.
» [Корней Чуковский). И появление фотографии, фотопортрета, тоже способствовало освобождению художников от необходимости тщательного выписывания деталей, как сказал Поль Сезанн : «Для импрессиониста рисующего с натуры надо не рисовать предмет, но реализовывать ощущения.»
Начнем разговор с того, чем закончили в прошлый раз – с портретов работы Эдуарда Мане,
который всячески избегал называть себя импрессионистом, но они сами считали его родоначальником этого направления, а себя последователями великого Мастера.
На этой картине (по мотивам знаменитого произведения Гойи) слева изображена женщина, в которую Мане был влюблен, любовь была взаимной, страстной, длилась 6 лет, но не могла иметь счастливого конца: Мане был женат,
и у него был сын (или брат — так и не выяснено: https://artchive.ru/artists/831~Eduar_Mane), а оба влюбленных серьезно относились к брачным узам. Берта Моризо становится его натурщицей и ученицей, хотя в свои 27 лет уже и сама стала сформировавшейся художницей.
Во время франко-прусской войны и осады Парижа в 1870 году Мане вместе с Дега часто бывает в доме Берты, позже к ним присоединяется и Эжен, брат Эдуарда Мане. И через три года, когда Берте уже исполнилось 32, она решается закончить безысходный роман с Эдуардом Мане и выйти замуж за влюбленного в нее, понимающего и поддерживающего ее Эжена Мане.
Последний ее портрет написан художником уже после свадьбы Берты Моризо и Эжена Мане. Вся ее поза говорит об отстранении, о холодности в отношениях, об окончании долгого и бурного романа, о начале нового этапа в ее жизни и творчестве.
Берта Моризо (1841-1895) родилась в буржуазной богатой семье в Бурже, являлась внучатой племянницей известному художнику стиля рококо – Фрагонару. У девушки проявились художественные способности и она, вместе со своей сестрой, брала уроки у знаменитого живописца (мы говорили о нем в прошлом обзоре) – Камиля Коро.
Впервые Берта выставила два своих пейзажа на Парижском салоне в 1864 году, потом в течение 10 лет 6 раз участвовала в его выставках.
Но она не была знаменита, только в 1892 году состоялась первая выставка Моризо, а большинство ее картин носили «домашний» характер, отражали повседневную жизнь семьи, моделями для них часто служили родственники и друзья.
После рождения дочери Жюли она стала основным персонажем картин Берты, от раннего детского возраста до юношества можно проследить за изменениями ее облика по картинам матери.
В 1874 году Моризо примкнула к группе импрессионистов, в которую входили Клод Моне, Писсарро, Дега, Ренуар и другие художники, они называли ее «виртуозом цвета», а позже, после 1880 года, она перешла к технике работы на незагрунтованном холсте, ее манера стала раскованнее, она экспериментировала с цветом, используя все оттенки одного цвета.
Умерла Берта Моризо в 1895 году, в возрасте 54 лет от заболевания легких, вероятно, туберкулеза. Интересно, что не имея широкого признания при жизни, Берта Моризо стала востребована в наше время, и в 2013 году одна из ее картин была продана на аукционе Christie’s за $10,9 миллионов.
Мы не будем сравнивать художников-импрессионистов по их значимости, но все-таки первым среди них (и самым любимым) я считаю Оскара Клода Моне (1840-1926), не только потому, что он был основателем и теоретиком импрессионизма, но еще и потому, что он, один из немногих, сохранил верность этому направление до конца своей долгой жизни.
А кроме того, мне повезло побывать в Руане, храм которого увековечил в своей серии картин Моне, и в Живерни, где все дышит его творчеством, и где кажется, что вот сейчас тихо выплывет из-под японского мостика лодка, в которой сидит за мольбертом Моне и пишет свои любимые кувшинки. (Я писала об этих впечатлениях тут: https://vanatik05.livejournal.com/2015/09/04/) У него не так много было портретов, но свою любимую жену Камиллу, которая сначала была его натурщицей, он писал много раз.
Именно на его картинах так часто начали появляться зонтики, полюбившиеся почти всем импрессионистам, а интерес к ним пришел из увлечения японским искусством, коллекция которого занимает несколько комнат в Живерни.
На картинах Моне мы часто видим женщин, особенно Камиллу, прогуливающихся под зонтиками.
Любимая жена родила ему двух сыновей, но вскоре после рождения второго сына, в 1879 году, в возрасте всего 32 лет она умерла в мучениях от рака матки. Моне запечатлел ее умершей, плакал, но не мог побороть в себе художника — желания взять в руки палитру и отобразить изменения цветовых оттенков лица, происходящих на его глазах.
В 1883 году, уже приобретя известность и немного заработав, Моне покупает дом в Живерни, разводит там великолепный сад, а после женитьбы в 1892 году на Алисе Ошеде, переезжает вместе с ней и детьми туда и живет там до самой смерти. Алиса еще в последний год жизни первой жены Камиллы, переехала вместе со своими 6 детьми к Моне, чтобы ухаживать за больной Камиллой и вести дом.
Куда бы ни уезжал Клод Моне по делам из Живерни, он каждый день писал Алисе письма, а она не только вела его дом и воспитывала 8 детей, но и управляла всеми его делами.
После ее смерти в 1911 году Моне 2 года не мог работать, и только сад, пруд, кувшинки и плакучие ивы приносили ему утешение. Он говорил: «Мой сад — мой самый красивый шедевр». Как известно, даже после двойной операции по поводу катаракты, став хуже видеть, он не перестает рисовать. Только его картины приобретают новые цвета из-за особенности зрения – он видел белый цвет в ультрафиолетовом диапазоне, как голубой или лиловый. Как-то он сказал: «Как художник я сделал всё, что мог, и для меня этого достаточно. Я не хочу, чтобы меня сравнивали с великими мастерами прошлого, мои работы открыты для критики.» Прожив долгую жизнь, Клод Моне умер от рака легких в Живерни, оставив миру наследие в виде нового художественного направления, получившего свое название от его знаменитой картины «Впечатление. Восходящее солнце». Это ли не признание и вечная память?
И еще – мало о ком в искусстве можно услышать такие слова:
«Мне представляется, что на всем свете не сыщешь человека столь же совершенного, как он.
Вся его жизнь от начала до конца — сплошной пример чистоты. Клод Моне мог бы гордиться собой — никогда, ни в личной жизни, ни в искусстве он не совершил ничего такого, что заслуживало бы малейшего упрека» — Саша Гитри, писатель, актер, режиссер и друг Моне. (Хотя тут надо добавить, что были и у него недостатки: он был болезненно упрям, подвержен влиянию настроения: например, терпеть не мог плохую дождливую погоду, она мешала ему работать на пленэре – в такие дни мог запираться в своей комнате, спать и не выходить даже для еды. Но гениям многое прощается…)
Самый старший из импрессионистов, единственный из всех, принимавший участие во всех 8 их выставках, Камиль Писсарро(1830-1903)
родился далеко от Франции, на острове Сент-Томас в Вест-Индии в буржуазной еврейской семье и только в 25 лет вместе с семьей переехал в Париж. В течение 6 следующих лет молодой Камиль учился в Школе изящных искусств и в Академии Сюиса в Париже, у Коро и Курбе. В эти и последующие годы он писал сельские и парижские пейзажи, самостоятельно разрабатывая те принципы, что легли в основу нового стиля, уделяя особое внимание свету и воздуху, наполнявшим его картины.
Освободившись от влияния Коро, Камиль Писсарро вырабатывает собственный стиль – светлая палитра, пространство и предметы пронизаны легким вибрирующим воздухом и освещены солнцем. Эмиль Золя сказал про одну из картин Писсарро: «Она доставила мне полчаса наслаждения и отдыха». Знакомство и дружба с Сёра изменили на время манеру Писсарро – он увлекся пуантилизмом (неоимпрессионизм или дивизионизм), о котором мы поговорим в следующих обзорах, а сейчас просто покажу.
Но картины в этом стиле не находили отклика у публики, плохо продавались, и художник вернулся к своей технике передачи солнечного света и воздушного пространства. Несмотря на то, что к концу жизни у него сильно ухудшилось зрение, он продолжал работать, создав знаменитую серию видов Парижа из окон отелей, принесшую ему, наконец, долгожданное признание, его картины начинают пользоваться успехом и дорого продаваться.
Писсарро, был счастлив в семейной жизни, он был женат на горничной своих родителей, с которой 10 лет прожил вне брака до того, как они смогли официально пожениться, у них родилось 8 детей, двое из которых стали художниками.
Умер Камиль Писсарро в возрасте 73 лет от сепсиса и похоронен на кладбище Пер-Лашез в Париже. «Счастлив тот, кто сможет разглядеть красоту в обычных вещах, там, где другие ничего не видят! Все — прекрасно, достаточно лишь уметь присмотреться» — так считал великий Писсарро.
(Один эпизод из его жизни. В 1894 году «дело Дрейфуса» раскололо общество – Дега, Ренуар и даже Сезанн, друг Золя, поддержали антисемитские настроения, Дега, друживший прежде с Писсарро, переходил на другую сторону улицы, завидев его. Клод Моне поддержал Эмиля Золя в его обличении антисемитизма, захлестнувшего Францию, а сам Писсарро вынужден был в 1895 году бежать из страны под угрозой обвинения в терроризме).
Одним из самых необычных художников в группе импрессионистов, отвергавшим некоторые их принципы в живописи и даже сам термин «импрессионизм», к концу жизни вообще дистанцировавшимся от них, был Эдгар Дега — Иле́р-Жерме́н-Эдга́р де Га (1834-1917).
Он родился в богатой аристократической семье, рано потерял мать, еще в юности под влиянием революционных идей изменил фамилию с де Га на Дега и еще в детстве проявил свои художественные способности.
В юности он подражал манере Энгра, Пуссена, Гольбейна, и много времени проводил в Лувре, копируя их картины. Энгр, с его любовью к четким контурам, оставался для Дега до конца жизни самым уважаемым авторитетом. Отец хотел, чтобы он стал юристом, но его эта стезя не привлекала, а богатство семьи позволяло ему не думать о зарабатывании средств на жизнь. Начало своей творческой жизни Дега посвятил исторической живописи и портретам, открыв собственную мастерскую.
Период раннего сильного увлечения портретами длился недолго, но принес большую пользу художнику – еще тогда его начало интересовать не статичное неподвижное изображение человека, а его образ в движении, даже в изображении на портрете.
Знакомство и дружба с Эдуардом Мане ввела его в круг импрессионистов, с которыми он не во всем сходился. Во-первых, он не любил пленэр, так воспеваемый ими, он считал, что на природе невозможно сосредоточить внимание на работе, предпочитал тишину студии. Во-вторых, будучи прекрасным рисовальщиком, Дега стремился к точности изображения, что не было целью у импрессионистов.
И в-третьих, если импрессионисты стремились передать подвижность мира через движение света, воздуха, смену времени дня, то Дега хотел выразить это же через движение самого человека в пространстве,
и уж тем более в многочисленных сценах, запечатлевших жизнь театра, балета и танцовщиц. На его картинах сценки из жизни зрителей и особенно балерин лишены не только какой-либо эротичности, но даже создают ощущение полной и холодной отстраненности художника от своей модели.
То же самое можно сказать и о личной жизни художника. Вообще о личной жизни Дега очень мало известно, нет ни одного факта, говорящего о его отношении к браку и женщинам, даже когда появились его «Сцены в закрытых домах» о жизни «доступных» женщин, или картины, изображающие жизнь кафешантанов, никто не заподозрил его в каких-либо связях с его моделями. Сюзанна Валадон, художница, модель Ренуара и Дега, рассказывала, что художник делал комплименты ее внешности, но никогда не намекал на возможность интимной близости, предпочитая восхищаться женщинами со стороны, с «холодным» разумом.
Старость художника была печальна. В полном одиночестве, почти слепой, в грустном настроении гений бродил по улицам Парижа, испытывая боль и разочарование от того, что был лишен возможности наблюдать и передавать жизнь в ее движении, к чему он так стремился всю жизнь. На его похоронах были двое его друзей – Клод Моне и Жан-Луи Форен, который, зная желание Дега, чтобы не произносили траурных речей, сказал только: «Он, также как и я, любил рисовать». Дега был сложным, закрытым человеком, талантливым художником, но я любила бы его больше, если бы он не проявил себя антисемитом, трудно разделить в своем сознании «гения и злодейство» — они бывают «совместны».
Пьер Огюст Ренуар (1841-1919) – живописец, график, скульптор, первый из импрессионистов, ставший известным и богатым уже в молодом возрасте, благодаря своему таланту портретиста.
Он родился в небогатой многодетной семье портного и уже в детстве помогал ей, зарабатывая раскраской фарфора, вееров и ширм.
В 1862 г. Ренуар становится учеником художника Глейра, знакомится с молодыми художниками Моне, Базилем, Писарро, Сислеем и Сезанном. Они создают «Анонимное кооперативное товарищество», в 1874 г. устраивают выставку и терпят полный провал. Но зато именно благодаря этой выставке молодые художники и получают прозвище «импрессионисты», положив начало новому направлению в искусстве.
Расцвет искусства Ренуара в стиле импрессионизма приходится на середину 60-х – 80-е годы. Именно в эти годы он создает свои самые знаменитые картины и светские портреты, обычно слегка сентиментальные и комплементарные, но всегда пронизанные светом, насыщенные воздухом, живые и волнующие, хотя он сам иногда говорил, что не очень любит портреты, но они приносят доход, в котором так нуждался молодой художник.
После расставания со своей давней возлюбленной, ставшей его любовницей, когда ей было 16 лет и родившей ему сына, которого он так и не признал, Огюст женится на юной белошвейке Алине Шариго, ставшей главной любовью его жизни и у них родилось трое сыновей.
В 70-е годы палитра Ренуара светлеет, он много пишет на пленэре, мазок становится прозрачным, вибрирующим, а колорит серебристо-жемчужным, светящимся.
К концу 70-х годов к Ренуару приходит всеобщее признание, он много работает, его картины участвуют в выставках и хорошо продаются. В 80-х годах Ренуар побывал в Алжире и Италии, увлекся эпохой Возрождения, искусством голландцев, но особенно Энгра, повлиявшего на его дальнейшее творчество настолько, что следующий его период с середины 80-х годов так и называется «энгровским». Он еще использует имприссионистские элементы в пейзаже, но рисунок становится четким, а краски менее яркими, вся живопись выглядит менее радостной и светлой, и даже НЮ – более холодными и сдержанными.
Возможно, имело значение то, что к началу 90-х годов художник начинает страдать от ревматизма (в некоторых источниках упоминается артрит). Через некоторое время он начал испытывать такие трудности с рисованием, что не мог держать кисть и вынужден был привязывать ее к руке, чтобы рисовать, испытывая мучительные боли.
В конце жизни из-за паралича Ренуар был прикован к инвалидному креслу, но продолжал работать до самого последнего дня, не теряя бодрости духа и часто повторяя: «Что ни говорите, а я — счастливчик». Умер Ренуар от воспаления легких 3 декабря 1919 года в возрасте 78 лет.
Одним из самых близких друзей Ренуара еще со времен первой выставки импрессионистов был Гюстав Кайботт (1848-1894), художник, коллекционер и меценат, ставший впоследствии еще и одним из основателей коллекции музея Орсе в Париже.
Он родился в очень богатой семье из высшего французского общества, получил хорошее юридические образование и лицензию на юридическую практику. После того, как отец купил поместье недалеко от Парижа и увидел тягу сына к рисованию, он устроил ему там студию, в которой позже молодой Гюстав написал немало картин, изображающих его самого
членов его семьи и друзей. После участия во франко-прусской войне Кайботт решил серьезно заняться живописью, поступил в школу изящных искусств, но у него было много других увлечений: филателия, парусный спорт, кораблестроение (построил верфь в поместье), садоводство – разведение орхидей, юрист, инженер… Но он не прекращал занятия живописью, познакомился и подружился с Дега, а позже, побывав на первой выставке импрессионистов, и с остальными художниками, «заразившись» от них импрессионизмом.
После смерти родителей ему досталось огромное наследство, и он не только мог себе позволить полностью посвятить себя своим увлечениям и живописи, но и постоянно помогать своим друзьям художникам материально, в том числе и покупая их картины. Таким образом, он стал обладателем фактически первой коллекции импрессионистов из 68 полотен, 38 из которых станут не только украшением Лувра но и послужат вместе с его работами в том числе основанием для создания Музея Орсе, а остальные купит позже Альберт Барнс для своего будущего Фонда в Мерионе, пригороде Филадельфии.
Собственное его творчество было мало востребовано, хотя и выставлялось уже со второй выставки импрессионистов, но успехом у публики не пользовалось и было забыто на долгие годы после того, как Кайботт неожиданно почти совсем прекратил заниматься живописью, жил жизнью отшельника в своем поместье, ухаживал за любимым садом и иногда его рисовал. Он предчувствовал свою раннюю смерть, так и случилось – он умер в возрасте 46 лет от инсульта в своем саду и был забыт как художник.
И только в 60-е годы прошлого века был заново «открыт» критикой и публикой, стал востребован настолько, что одна из его картин была продана в 2011 году за 17 миллионов долларов.
Интересная особенность его творчества: он часто изображал людей со спины или с прикрытыми шляпой или тенью лицами, а дома и виды с высокого угла зрения, обрезая изображения в самом неожиданном месте.
И еще об одном французском художнике вспомним сегодня, который не дожил четыре года до появления самого термина «импрессионизм», но подавал такие надежды и успел столько, что мог бы стать одним из ведущих импрессионистов, поживи он дольше.
Жан Фредерик Базиль (1841-1870) родился в семье богатого винодела в Монпелье, где находился Музей Фабра, который сыграл позже большую роль в художественном развитии начинающего художника. Именно там он познакомился с творчеством многих мастеров живописи Франции, а полотна Делакруа и Курбе, которые он видел в доме соседа, подтолкнули его к занятиям живописью, хотя он и начал уже изучать медицину.
В 1862 году Фредерик приезжает в Париж, чтобы продолжить медицинское образование и одновременно поступает в ученики к художнику Глейру, знакомится с Моне и Ренуаром, Сезанном и Сислеем,
ставшими его друзьями и оказавшими большое влияние на его развитие как художника. Он много работает на пленэре, ему было интересно писать людей в окружении природы, в единении с ней, пытаться отобразить их впечатления и переживания на фоне прекрасных видов, передавая игру солнечного света и движения воздуха.
Работы Базиля стали принимать на выставки Парижских салонов, многие из них украшали стены семейного поместья в окрестностях Монпелье. Молодой художник бросает учебу в медицинской академии, признается родителям в том, что уже давно все свое время посвящает живописи, они не выражают радости по этому поводу, но смиряются и продолжают его содержать.
Фредерик снимает мастерскую в Париже, там не только работают его друзья-художники, но часто и живут, пользуясь его гостеприимством.
Он, как и его друзья, ищет новые формы, но в отличие от них еще не готов к передаче мимолетных впечатлений, его работы только подводят нас к тому, что позже назовут импрессионизмом. Вот одна из последних его работ…
1870 году, когда началась франко-прусская война, молодой, патриотически настроенный Базиль отправился добровольцем на фронт и погиб в бою, не дожив недели до 29 лет, не успев узнать, что через четыре года вместе со своими друзьями он станет родоначальником одного из самых значимых направлений в современном искусстве.
В этой части обзора мы коснулись только французских художников, положивших начало импрессионизму. Продолжая тему, поговорим о представителях других стран, работавших в этом направлении.
Как всегда, можете посмотреть видеоклип в сопровождении музыки Клода Дебюсси, в котором можно увидеть около 114 репродукций, продолжительность ролика – 7 с половиной минут.
Ссылки: 1. https://www.wikiart.org/ru
2. http://www.art-catalog.ru/
3.
http://www.artmovements.co.uk/impressionism.htm
4. http://allpainters.ru/
5. https://artchive.ru/artists_works
Метки: Живопись, импрессионизм, портрет
ЭВОЛЮЦИЯ ПОРТРЕТА. Часть 10. Импрессионизм (2)
«Живопись требует небольшой тайны,
некоторой неопределенности, некоторой фантазии.
Когда вы вкладываете совершенно ясное значение,
людям становится скучно.»(Эдгар Дега)
Родившийся во Франции импрессионизм быстро распространился за пределы страны и стал международным явлением, приобретя в каждом из государств свой специфический характер, обусловленный географическими, историческими и ментальными особенностями страны. Но общие принципы импрессионизма — передача мимолетных впечатлений, использование пленэра, разложение цветов на чистые составляющие, зыбкость формы в вибрации воздуха и солнечного света, отказ от максимального правдоподобия, изменчивость образа человека в изменчивой среде – остались в той или иной степени незыблемыми.
Немецкий импрессионизм хронологически возник на два десятилетия позже французского, но живопись немецких художников вовсе не является «недоросшим»» импрессионизмом, немецкий импрессионизм – самостоятельное, отдельное явление. Коротко можно сформулировать отличие немецкого импрессионизма от французского так: французская традиция — это традиция видимости, немецкая – осязаемости, немецкий импрессионизм гораздо более экспрессионистичен, творчество немецких импрессионистов говорило столько же уму и сердцу, сколько и глазу.Родоначальником немецкого импрессионизма считается Макс Либерман (1847 – 1935),
родившийся в Берлине в ортодоксальной семье богатого еврейского текстильного промышленника. Я писала о нем подробно в обзоре немецкого импрессионизма тут: https://vanatik05.livejournal.com/8745.html
— поэтому сейчас упомяну только о некоторых моментах его биографии.
Занимаясь рисованием, а позже изучением живописи вопреки воле родителей, молодой Макс находился первое время под сильным влиянием голландцев, преклонялся перед Рембрандтом и пытался ему подражать.
Но после поездки во Францию и Италию, открытия своей студии на Монмартре, знакомства с творчеством французских художников, особенно Курбе и Милле, а позже и импрессионистов, Либерман находит свой путь в искусстве.
и в середине 90-х годов переходит к изображению людей в игре света, тени и солнечных бликов, пишет много портретов. Именно эта сторона его творчества интересует нас в этом обзоре.
Во время франко-прусской войны 1870 года и Первой мировой войны художник проявлял себя горячим патриотом Германии, считал себя обязанным оказывать своим творчеством содействие в войне. Он писал: «Всё моё воспитание я получил здесь, вся моя жизнь прошла в этом доме, где жили мои родители. И в моём сердце моя родина Германия тоже является неприкосновенным и бессмертным понятием».Он писал: «Всё моё воспитание я получил здесь, вся моя жизнь прошла в этом доме, где жили мои родители. И в моём сердце моя родина Германия тоже является неприкосновенным и бессмертным понятием».
Тем тяжелее было ему наблюдать изменения, происходящие в Германии, ухудшение отношения к евреям, ограничения в искусстве, насаждение новой идеологии, появление тяжеловесной пропагандистской «имперской» живописи.
Он слагает с себя все полномочия по руководству прусской Академией художеств и говорит одному из своих друзей: «Я живу исключительно из ненависти. Я больше не смотрю в окно этой комнаты, я не хочу видеть новый мир вокруг меня». В 1933 году после тяжелой болезни он пишет свой последний автопортрет в неярких коричнево-желтых тонах, с добавлением зеленоватого. Это характерная для художника и любимая им «трехцветка» — использование в картине трех основных цветов с их разными оттенками.
Либерман умер 8 февраля 1935 года в своём дворце на Парижской площади, не дожив, к своему счастью, до «окончательного решения еврейского вопроса». Его жена позже оказалась в берлинском гетто и покончила с собой перед отправкой в концлагерь Терезиенштадт, приняв смертельную дозу барбитуратов.
Одним из ведущих художников берлинского Сецессиона, в котором преобладали импрессионисты, сменившим в 1915 году Макса Либермана на посту президента, был
Ловис Коринт (встречается и Коринф) (1858-1925), настоящее имя Франц Генрих Луис Коринт, (о нем я писала тут: https://vanatik05.
livejournal.com/8971.html)
родился в семье кожевенника, рано начал рисовать, некоторое время находился под влиянием творчества Курбе и художников Барбизонской школы, в 1899 году принимает участие в выставке, организованной участниками Берлинского сецессиона и открывает свою школу живописи для женщин.
Одна из его учениц, Шарлотта Беренд, девушка из зажиточной еврейской семьи, в два раза моложе мрачного и угрюмого Ловиса, становится его музой и женой, а главной темой его творчества впредь будет радость семейной жизни и отцовства.
В 1911 году Ловис перенес инсульт, осложненный левосторонним параличом и тремором рук, но ему удалось восстановиться благодаря уходу и любви жены и детей, и уже через год вернуться к мольберту – к счастью болезнь не затронула его правую рабочую руку.
Его работы становятся все ближе к экспрессионизму, для которого характерны прежде всего принцип выражения, преобладающий над изображением, и идея непосредственного эмоционального воздействия на публику.
Коринт проходит в своем творчестве путь от академизма, через импрессионизм к экспрессионизму, характерный путь для многих художников конца XIX — начала XX века.
Последние годы жизни Коринт проводит с семьей в небольшом селении у озера в Баварских Альпах, очень много работает и его картины успешно продаются, он счастлив.
Но неожиданно художник заболевает воспалением легких, болезнь протекает тяжело и заканчивается смертью в 1925 году. Его любимая жена, ставшая тоже художницей и хранительницей памяти мужа успела, к счастью, эмигрироватьс детьми в 1933 году в США и в 1958 году опубликовала полное собрание произведений Ловиса Коринта.
С приходом фашизма живопись Коринта, как и многих других художников, была объявлена «дегенеративным искусством» и примерно 300 его картин в 1937 году были уничтожены либо распроданы.
Во второй половине девятнадцатого века, опережая появление французского импрессионизма, в Италии появилась группа художников, отошедших от классических академических канонов и желавших перенести на свои полотна жизнь и природу в их истинном проявлении.
Они объединились в движение, получившее название «маккьяйоли» (Macchiaioli), от слова «macchie» — «пятно» — свободная манера письма яркими цветовыми пятнами (я писала о них тут: https://vanatik05.livejournal.com/2014/08/08/ и тут: https://vanatik05.livejournal.com/10632.html
Одним из ярких представителей этого движения, получившего известность благодаря портретам не только своих сподвижников, но и многих знаменитых людей Европы, был Джованни Болдини (1842 – 1931),
родившийся в семье религиозного художника и получивший от него первые навыки в рисовании. После успешного обучения в Академии художеств во Флоренции Болдини становится модным портретистом, получая заказы от многих ведущих членов общества в Лондоне и Париже для их салонов, его искусство приносит ему богатство и славу.
Критики называли Болдини одним из лучших портретистов «Прекрасной эпохи» (конец XIX — начало XX века), а близкие друзья Эдгар Дега, Джон Сарджент, высоко ценили его резкую, живую, страстную манеру письма, за которую художник получил прозвище «мастер свистящего мазка».
Среди наследия Болдини есть большое количество женских портретов, и особенно много – его возлюбленной и музы графини Габриэле де Расти, женщины из высших слоев общества, которая безусловно была вдохновительницей и обожаемой моделью художника, хотя он и не всегда подписывал ее портреты с упоминанием имени женщины.
Вообще о его личной жизни известно мало, женщины его обожали, друзья любили, он был популярен и богат, но женился только за 2 года до своей смерти в возрасте 91 года, на женщине, которая была моложе него на 56 лет и разошлась ради него с мужем. На свадебной церемонии Болдини сказал: «Это не моя вина, что я такой старый, но это случилось со мной и случилось все сразу». Огромная популярность художника у светских женщин, а они были готовы месяцами ждать очереди за своим портретом у него, объясняется еще и тем, что Болдини сочетал натуралистическую манеру в написании лиц с импрессионистической — в изображении одежды и окружающего антуража.
Картины и портреты Болдини и сегодня высоко ценятся.
Например, вот этот портрет в 2010 году был продан на аукционе за почти 2,1 млн. евро. История его стала известна после обнаружения в запертой в течение 70 лет квартире, принадлежавшей наследникам. Есть мнение, что изображенная на ней женщина «полусвета» являлась долгие годы музой и возлюбленной великого художника.
Пожалуй, самое большое влияние французский импрессионизм оказал на испанских художников, (я писала об этом тут: https://vanatik05.livejournal.com/10981.html )
Многие из них долгие годы жили и работали в Париже, их стиль был более размашистым, они использовали более интенсивный цвет, чем французы, любили яркий белый, насыщенный красный, «вибрирующие» поверхности, солнечный свет. Можно сказать, что в их картинах «отражался воздух Испании». Одним из самых известных испанских портретистов был Хоакин Соролья (-и-Бастида) (1863 — 1923)
Художник родился в Валенсии в семье торговца. Уже через 2 года он и его младшая сестра остались сиротами после смерти родителей (вероятно, от холеры), и детей воспитывала семья дяди.
С 9 лет у Хоакина проявились художественные наклонности и он начинает заниматься живописью, некоторые свои работы продает местному лавочнику, одну из них увидел случайно зашедший в лавку известный фотограф, пришел от картины в восторг, купил ее и захотел познакомиться с художником.
С тех пор он помогал молодому Хоакино, дал ему возможность работать в его мастерской, где тот и познакомился с его дочерью, ставшей позже его возлюбленной и женой. После службы в армии Соролья продолжает обучение в Испанской академии в Риме, ненадолго едет в Париж, где происходит его первое знакомство с современной французской живописью.
Начинал художник с натуралистической живописи и социальной тематики, но постепенно его палитра стала светлеть, а сюжеты отражать вечные темы – красоту испанской природы, моря, женщин, детей, радостного бытия. Он овладевает искусством передавать свет, вибрацию воздуха, солнечные блики, его отличает от французских импрессионистов только лишь более четкие мазки и очертания фигур.
В 1906 году в Париже состоялась первая большая персональная выставка Сорольи, принесшая ему известность и мировую славу, а еще в 1899 году ему был присвоен испанскими властями титул «Любимый сын Валенсии». А любовью всей его жизни были его жена и дети, его сын стал после смерти отца директором созданного в доме художника музея.
Умер Соролья в возрасте 60 лет от последствий инсульта¸ который случился за два года до смерти во время работы за мольбертом и привел к тому, что он был полностью парализован. Врачи считали, что художник слишком много ездил по разным странам и слишком интенсивно работал. Его наследие составило более 2000 картин.
Из горячей Испании перенесемся на север, в Скандинавию, где импрессионизм более сдержанный, более «прохладный», меньше света и солнца, краски более мягкие, от него веет покоем и задумчивостью. (О шведском импрессионизме я писала тут: https://vanatik05.livejournal.com/24213.html )Но все эти описания не относятся к одному из самых знаменитых шведских портретистов, живописцев и графиков – блистательному Андерсу Цорну (1866 — 1920), которого считали своим как художники-реалисты так и импрессионисты.
Андерс Цорн родился и рос не ферме родителей матери, его отец, местный пивовар, так и не женился на ней, мальчик был незаконнорожденным, что вовсе не сказывалось на его жизнерадостном характере. Он рано проявил художественные способности – рисовал, делал деревянные фигурки, и уже в 15 лет начал учиться в школе при Королевской академии искусств, а потом и в самой Академии, подрабатывая рисованием заказных портретов. Однажды ему заказали портрет девушки из богатой еврейской семьи, между ними вспыхнула любовь, Андерс Цорн и Эмма Ламм тайно обручились.
Эмма не решалась признаться родным, текстильным магнатам, что выходит замуж не только не за еврея, но еще и за нищего художника, да еще и незаконнорожденного. Но уже через несколько лет Цорн становится известен, а потом и знаменит в Стокгольме, а затем и в других странах, в США и особенно России, где он познакомился с Дягилевым, Мамонтовым, Шаляпиным, а Репин назвал его «Паганини живописи». И.Грабарь сказал о нем: «Цорн — какой-то баловень судьбы, которого природа наделила всем, о чем только может мечтать художник».
В Петербурге он дал урок написания НЮ в Академии художеств, в этом жанре он писал много и с упоением, его обнаженные женщины прекрасны, жизнерадостны и эротичны.
Он и сам отличался неукротимым темпераментом и был любвеобильным – каждое лето он проводил поблизости от деревни своего детства, где купил участок земли и перенес на него дом деда, и каждой весной в деревне рождались незаконнорожденные детки, которым священник по желанию матерей давал имена «Андерс» или «Андреа». Жена Эмма смотрела сквозь пальцы на эти увлечения, только однажды она испытала тревогу, когда связь мужа с одной великосветской дамой длилась несколько лет.
На протяжении жизни Цорн писал и много автопортретов, прослеживая и отображая не только внешние изменения, происходящие в нем, но и внутреннее превращение неуверенного еще в себе молодого человека (смотри выше портрет художника в молодости), в успешного художника, богатого и знаменитого не только в Швеции, но и в мире.
Стасов писал об Андерсе Цорне, что тот изображал «всегда только то, что собственными глазами видел… но повсюду… вносил своею великою кистью столько правды жизни, света, поэзии, элегантности, жизненной радости, светлой души, что… бесспорно, является одним из самых блестящих представителей не только шведского, но европейского искусства».
А теперь пересечем океан и посмотрим, что в это время происходило в художественной жизни США, и поразимся тому количеству американских художников, которые не только следовали в фарватере европейских тенденций, но и развивали их, придавая им местный колорит. В 70-х годах 19 века многие начинающие американские художники уезжали получать образование в Европу и не могли не подпасть под влияние нового, расцветающего там направления в живописи, которое в Америке к концу девятнадцатого века тоже пустило свои корни не на пустом месте.
Базой для его развития стала мощная школа реалистической живописи, сложившаяся во второй половине века. Важной вехой в развитии импрессионизма в Америке стала выставка французских импрессионистов в 1886 году, где было представлено более 300 работ «классиков» этого течения. (Об этом более подробно я писала тут: https://vanatik05.livejournal.com/2013/11/11/)
Родившийся в США, живший большую часть жизни в Англии, считающийся англо-американским художником Джеймс Эббот Макнил Уистлер (1834 -1903),
мастер портрета в полный рост, взявший от импрессионизма стремление запечатлеть первое поэтическое впечатление от предмета, но не признававший роль пленэра и густого сильного мазка – он разводил краски до акварельной прозрачности.
Интересный факт биографии: его отец, военный инженер, проектировал в России Николаевскую железную дорогу, когда Джеймсу было 10 лет, он приехал к отцу в Петербург, прожил там 6 лет, ходил в музеи, бывал в Петергофе, познакомился с Брюлловым, и даже был принят в Академию художеств.
В ранних портретах, выполненных в разных оттенках одного цвета, Уистлер старался передать не столько сходство, сколько настроение. Позже это «ответвление» в живописи импрессионизма назовут тонализмом, но тогда художника критиковали за «эстетство», за «музыкальные» названия картин, за подражание японским миниатюрам, даже за то, как он выглядел и одевался. Он терпеть не мог реализм, воевал с ним, и одной из причин этой войны был уход его девушки (на портрете выше) к реалисту Курбе.
Постепенно его работы завоёвывали сначала интерес, а потом и признание не только в Европе, но и в родной Америке, у него проходят выставки, которые он готовил сам, тщательно продумывая все детали до последнего гвоздя, интерьер, цвет стен, даже одежду смотрителей, отдавая предпочтение экстравагантному стилю и коричнево-желтым цветам.
Последние годы жизни художник много болел и жаловался на меланхолию, душевную и физическую усталость, скончался он в Лондоне, там же и похоронен. Свое кредо в Искусстве он сформулировал так: «Природа содержит — в цвете и формах — элементы всех картин, подобно тому, как клавиатура содержит звуки всякой музыки. Но художник рождён для того, чтобы выбрать, отобрать и сгруппировать со знанием дела эти элементы так, чтобы достичь прекрасного результата, так же как музыкант выбирает свои звуки и образует аккорды, пока не добудет из хаоса великолепную гармонию».
Американская художница, прожившая большую часть жизни во Франции, Мэри Кэссет (или Кассатт Кассат, Кэссетт) (1844 -1926),
родилась в семье биржевого брокера, рано начала ездить с родителями за рубеж, побывала во многих европейских столичных музеях. Семья была против ее занятий живописью, но она настояла, начала уже в 15 лет обучение в Америке и продолжила самостоятельно учиться в музеях Италии, а в Париже вместе с Камилем Писсаро.
Творчество и знакомство с Дега, оказало на нее большое влияние, привело ее к импрессионизму, она говорила об этом так: «Это изменило мою жизнь. Я увидела искусство таким, каким я хотела его увидеть».
После трехлетнего перерыва в работе из-за болезни сестры и матери она вернулась к творчеству, но стиль ее уже несколько изменился, с конца 80-х годов Мэри уже не определяет свое творчество как принадлежащее к импрессионизму, приобретает известность не только во Франции, но и в Америке, а темой ее работ все чаще становятся сцены, изображающие мать и дитя.
В этих картинах, изображающих счастье материнства, отразилось, вероятно, ее сожаление о собственной судьбе. Нет сведений о каких-либо ее связях с мужчинами, о какой-либо любовной истории. Еще в юности Мэри заявила родителям, пытавшимся внушить ей свое представление о предназначении женщины, что отказывается от замужества, детей и полностью посвящает себя живописи.
И обет свой она выполнила — до самой смерти, почти ослепнув, она продолжала работать и умерла в одиночестве в возрасте 82 лет.
За заслуги в области искусства Мэри Кэссет была награждена орденом Почетного Легиона и ее можно назвать «Леди импрессионизма» (Валерий Койфман. Проза.ру)
И еще один американский художник, сравнения с которым опасались даже французские импрессионисты, прославившийся главным образом своими портретами, вошедший в список мировых классиков живописи, Джон Сингер Сарджент (1856—1925).
Сарджент родился во Флоренции, где его родители-американцы оказались проездом, и так с тех пор так и не имел гражданства ни одной страны. Родители много времени проводили в Европе, мать верила в то, что посещение музеев и храмов даст детям достаточное образование. Она и сама была прекрасным художником-самоучкой, да и отец иллюстрировал медицинские журналы. Мальчик рано начал рисовать, копируя изображения морских пейзажей и судов из журналов. Не получив регулярного образования, Сарджент тем не менее говорил на нескольких языках и был знаком с творчеством великих мастеров, был принят в Школу изящных искусств в Париже, занимался самообразованием, рисовал в музеях.
После поездки в по Испании Джон «заболел» Веласкесом, в Париже познакомился с Дега, Роденом, Моне, общался с американскими художниками, а его первоначальное увлечение пейзажем сменилось интересом к портретам, которые и принесли ему славу и высокие заработки. Он жил и рисовал в Париже, Италии, Америке, Лондоне, где у него была своя студия. В Париже он прожил 12 лет и начал приобретать авторитет и даже славу прекрасного портретиста, которая несколько померкла из-за портрета мадам Готро,
на котором по мнению французских ценителей дама из высшего света была изображена вызывающе откровенно и излишне сексуально привлекательной (тем более, что на одном из вариантов картины одна бретелька на платье была приспущена). Разразился скандал и заказов постепенно становилось меньше, но Сарджент участвует в совместных проектах с импрессионистами, много работает на пленэре, рисует своих друзей и их детей.
О личной жизни художника известно очень мало, он был скрытен, оберегал свою жизнь от публичности и сплетен, поговаривали даже о его сексуальной ориентации из-за большого количества работ с обнаженными мужчинами, но и женских НЮ у него тоже было немало, а уж о женских портретах можно говорить бесконечно.
Заканчивая обзор портретной живописи в стиле импрессионизма и переходя к следующему этапу, еще раз хочу сказать о том значении, которое импрессионизм имел для развития большинства современных направлений живописи и том новом, что он внес в искусство. Импрессионисты не стремились к затрагиванию острых социальных или философских проблем, а старались передать мимолетные впечатления от увиденного, изобразить реальный мир в его подвижности и изменчивости, стремясь «увидеть мгновение» и отразить настроение.
Как всегда, предлагаю посмотреть видеоклип по теме «портретная живопись импрессионистов стран Европы и Америки», музыка Дебюсси, 102 репродукции, продолжительность – почти 7 минут.
Ссылки: https://muzei-mira.com/biografia_hudojnikov/
http://allpainters.ru/
https://artchive.ru/artists_works
https://ru.wikipedia.org/
https://www.wikiart.org/ru
Метки: импрессионизм, портрет
портретов импрессионистов
портрет импрессионистов Портреты импрессионистов |
| Импрессионизм, ослепительной новой школы искусства, которая ворвалась в Париж и мир в начала 1870-х годов, специализировался преимущественно на пейзажной и жанровой живописи, а не портретное искусство. Тем не менее, импрессионист художникам удалось создать множество рисунков рисунок (например, Эдгара Дега, пастелью, мелками и мелками) и рисунок живопись, а также ряд известных портретов. Импрессионист Портретисты Великий модернист Эдуард
Мане, чей стиль включал в себя неоклассицизм и реализм, а также
Импрессионизм, создал культовый импрессионистский портрет его
невестка Портрет
Берты Моризо с фиалками (1872), а также Портрет
Эмиля Золя (1868). |
ЛУЧШИЙ ПОРТРЕТ МИРА | Берта Моризо, сама импрессионистка, выполнила Портрет художника. Мать и сестра (1869) и Люлька (1872 г.). Близким по стилю Мане был шведский портретист. Андерс Цорн, казненный разнообразные пленэрные обнаженные тела, а также многочисленные портреты богатых и известный. Среди его работ:  ). Его коллега-импрессионист,
Огюст Ренуар также создал
многочисленные обнаженные портреты, такие как необычный стиль Эль Греко Young Boy
с котом (1868 г.), портрет крупным планом Неоимпрессионизм
также представлены фотографии, такие как Модель |
который разбил цвет на точки пигмента. |
ИНТЕРПРЕТАЦИЯ | Постимпрессионистские портреты Постимпрессионизм
это расплывчатое описание, обозначающее попытки многочисленных художников перенести за пределами От импрессионизма до символизма, экспрессионизма и более формального
стилей (Гоген, Ван Гог и др. Среди ведущих американских импрессионистов
художники-портретисты 19 века, были Иоанн
Сингер Сарджент (1856-1925), Дж. Следующая статья посвящена экспрессионизму. Портретная живопись. |
Олден Вейр (1852-1919), Теодор
Робинсон (1852-1859 гг.)6) и Уильям
Меррит Чейз (1849–1916). Кроме того, Мэри
Кассат (1845-1926) был плодовитым художником-фигуристом. Подробнее о различных типах
живописи (портреты, пейзажи, натюрморты и др.) см.: Живопись
Жанры. ЭНЦИКЛОПЕДИЯ ИСКУССТВА |
Результаты для картин «Импрессионистский портрет»
Определение
Картины, 18 Ш x 24 В x 25 Г в
3004 $
Репродукции от 95 $
Clarity № 6
Картины, 16 Ш x 20 В x 0,1 D,
615 долларов США
Репродукции от 40 долларов США
Девушка с канарейкой
Картины, 22 Ш x 33 В x 2,5 Г в
1670 долларов США
Отпечатки от 45 долларов США
Пустыня № 2
715 долларов США
Отпечатки от 40 900 долларов США 12
Пустыня
Картины, 15 Ш x 22 В x 0,1 Г in
615 $
Репродукции от $40
Subdued
Картины, 11 Ш x 15 В x 0,1 Г in
$340
Репродукции от $40
Fortitude № 2
Картины, 20 Ш x 16 В x 0,1 D in
615 $
Репродукции от $40
Quest For Identity-Margaret
Картины, 19,7 Ш x 27,6 В x 0,8 дюйма
Так или иначе
Картины, 19,7 Ш x 27,6 В x 0,2 Г дюйма
4050 долларов
АНАСТАСИЯ
Картины, 27,6 Ш x 35,4 В x 0 Г в
1490 долларов США
Репродукции от 95 долларов США
Остальные № 6
Картины, 20 Ш x 16 В x 0,1 Г в
9019 6 465 $Принты от 40 $
Душа № 2
Картины, 11 Ш x 15 В x 0,1 Г в
290 долл.
Отпечатки от 40 долл. США
Influent No. 2
Картины, 16 Ш x 20 В x 0,1 Г в
345 долл. США
Отпечатки от 40 долл. США
HELLO HENRI
Картины, 20 Ш x 24 В x 1,4 D в
Just a Vapor № 2
Картины, 16 Ш x 20 В x 0,1 Г в
565 $
Репродукции от 40 $
Sargent Study IV
Картины, 9 Ш x 11 В x 0,1 Г в
365 $
Отпечатки от 40 $
Frida
Картины, 23,6 Ш x 29,5 В x 0,8 Г в
1860 долларов США
Репродукции от 40 долларов США
АНГЕЛ. АБСТРАКТНАЯ АКРИЛОВАЯ ЖИВОПИСЬ НА ХОЛСТЕ. 70*50 см
Картины, 27,6 Ш x 19,7 В x 0,4 Г в
410 $
Репродукции от 40 $
Женщина в красном
Картины, 19,5 Ш x 19,5 В x 1 D в
$750
Отпечатки от 40 долл.
США
Бирюза и золото
Картины, 11 Ш x 15 В x 0,5 Г в
1030 долл. США
отпечатков от 72 долл. США
Broken
Картины, 11 Ш x 12 В x 0,5 Г в
160 долларов США
Отпечатки от 40 долларов США
Encore
Картины, 16 Ш x 20 В x 0,5 Г в
1400 долларов США
Отпечатки от $72
Brooklyn Beach
Картины, 11 Ш x 14 В x 1 Г в
$750
Репродукции от $40
УКРАИНА БЛАГОТВОРИТЕЛЬНОСТЬ: Благородная женщина рисует
Картины, 19,7 Ш x 23,6 В x 0,6 Г в
Фрида Кало
Картины, 16 Ш x 20 В x 0,2 Г в
6400 долларов США
Репродукции от 64 долларов США
Грозовой перевал
Картины, 20,1 Ш x 24 В x 0,8 Г в
9019 6 2740 долларов СШАMichiel
Картины, 23,6 Вт x 29,5 В x 0,8 Г в
1660 долларов США
Репродукции от 40 долларов США
Портрет девушки
Картины, 8,3 Ш x 11,4 В x 0 Г в
290 долларов США
9019 8 гравюр от $40Женский портрет импрессиониста
Картины, 11,7 Вт х 15,6 В х 1 Д в
530 $
Репродукции от 40 $
Quest For Identity — Christina
Картины, 7,9 Ш x 10,6 В x 0,4 Г
Дама в шляпе, женский портрет, холст, масло
9 0198 Картины, 19,7 Ш x 19,7 В x 2 Г в 585 долл.
США
Отпечатки от 40 долл. США
Дитя Божье
Картины, 24 Ш x 24 В x 0,7 Г в
2370 долл. США
Отпечатки от 81 долл. США
Peony Power
Картины, 24 Вт x 32 В x 1,5 Г в
1990 долларов США
Старый бородатый моряк, импрессионистский портрет
Картины, 13 Ш x 18,1 В x 0,2 Г, дюйм
Дама под бирюзовым солнцем
Картины, 11,7 Ш x 8,2 В x 0,1 Г, дюйм
Бумажная женщина
Картины, 5,8 Ш x 8,3 В x 0,4 Г,
Cecilia Bartoli Портрет
Картины, 12 Ш x 12 В x 0,5 Г,
Портрет мужчины с лимоном
Картины, 23,6 Ш x 31,5 В x 0. 8 Д in
895 $
Отпечатки от 45 $
Маленькая девочка
Картины, 9,8 Ш x 9,8 В x 0,8 Г в
УКРАИНА БЛАГОТВОРИТЕЛЬНОСТЬ: Незнакомец с шарфом.
