Импрессионизм в литературе представители: Импрессионизм в литературе — Культура

импрессионизм — это… Что такое импрессионизм?

импрессионизм

(от франц. impression — впечатление) — направление и художественный метод в искусстве последней трети XIX—начала XX в. Его представители стремились наиболее точно запечатлеть реальный мир в его изменчивости, передавая свои мимолетные впечатления о нем. Как о сложившемся методе об импрессионизме принято говорить в основном по отношению к живописи, скульптуре, графике, музыке. В литературе чаще говорят о чертах импрессионистического стиля.

Рубрика: художественные методы и направления

Персоналии: И. Анненский, Э. и Ж. Гонкуры, П. Верлен, С. Малларме, К. Гамсун, О. Уайльд, Г. Гауптман

«В литературе черты импрессионизма можно встретить в произведениях писателей разных направлений: и у реалиста, и у натуралиста. Так, в лирике русских поэтов можно встретить отдельные импрессионистские строфы, например, в стихотворении А.

Фета «Шепот, робкое дыханье…» (С. Тураев).

«Поэта-импрессиониста привлекает не столько самый предмет изображения, сколько его, поэта, ощущение данного предмета. Поэтому столь характерен для импрессионистической поэ-зии дух импровизации. Достаточно мгновенного толчка сознания, вызванного мимолетным впечатлением, — и непосредственно, стихийно рождается образ» (Вл. Орлов).

Терминологический словарь-тезаурус по литературоведению. От аллегории до ямба. — М.: Флинта, Наука. Н.Ю. Русова. 2004.

Синонимы:

• имажинизм
• импровизация

Полезное

Смотреть что такое «импрессионизм» в других словарях:

• Импрессионизм — ИМПРЕССИОНИЗМ. И. в литературе и искусстве определяют как категорию пассивности, созерцательности и впечатлительности, применимую в той или иной мере к художественному творчеству во все времена или же периодически, в той или иной форме… …   Литературная энциклопедия

• Импрессионизм —         (франц. impressionnisme, от impression впечатление), направление в искусстве последней трети XIX начала XX вв. Сложилось во французской живописи конца 1860 х начала 70 х гг. Название импрессионизм возникло после выставки 1874, на которой… …   Художественная энциклопедия

• импрессионизм — а, м. impressionisme m. Доктрина живописцев импрессионистов. Булгаков Худ. энц. Направление в искусстве, ставящее своей целью передачу непосредственных, субъективных впечатлений от действительности. Уш. 1934. Почему, например, у великого… …   Исторический словарь галлицизмов русского языка

• ИМПРЕССИОНИЗМ — [фр. impressionnisme Словарь иностранных слов русского языка

• Импрессионизм —     ИМПРЕССИОНИЗМ. Конец 19 века связан с расцветом импрессионизма во всех областях искусства, в особенности, в живописи и в литературе. Самый термин импрессионизм происходит от французского слова impression, что значит впечатление. Под этим… …   Словарь литературных терминов

• ИМПРЕССИОНИЗМ — (от французского impression впечатление), направление в искусстве последней трети 19 начала 20 вв. Сложилось во французской живописи 1860 х начала 70 х гг. (Э. Мане, К. Моне, Э. Дега, О. Ренуар, К. Писсарро, А. Сислей). Импрессионизм утверждал… …   Современная энциклопедия

• ИМПРЕССИОНИЗМ — (от франц. impression впечатление) направление в искусстве последней трети 19 нач. 20 вв., представители которого стремились наиболее естественно и непредвзято запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости, передать свои мимолетные… …   Большой Энциклопедический словарь

• Импрессионизм — (от франц. impression впечатление) Направление в искусстве, возникшее во Франции в последней трети XIX в. Главные представители И.: Клод Моне, Огюст Ренуар, Камилл Писсарро, Альфред Сислей, Берта Моризо, а также примыкавшие к ним Эдуард Манэ,… …   Энциклопедия культурологии

• ИМПРЕССИОНИЗМ — ИМПРЕССИОНИЗМ, импрессионизма, мн. нет, муж. (франц. impressionisme) (иск.). Направление в искусстве, ставящее целью передачу, воспроизведение непосредственных, субъективных впечатлений от действительности.

  Толковый словарь Ушакова. Д.Н. Ушаков.… …   Толковый словарь Ушакова

• ИМПРЕССИОНИЗМ — ИМПРЕССИОНИЗМ, а, муж. Направление в искусстве конца 19 начала 20 в., стремящееся к непосредственному воспроизведению переживаний, настроений и впечатлений художника. | прил. импрессионистский, ая, ое и импрессионистический, ая, ое. Толковый… …   Толковый словарь Ожегова

• импрессионизм — сущ., кол во синонимов: 1 • направление (80) Словарь синонимов ASIS. В.Н. Тришин. 2013 …   Словарь синонимов

Книги

• Импрессионизм, Скоробогатько Наталия Владимировна. Импрессионизм — это искусство, стремящееся передать именно впечатление от какого-то пейзажа, бытовой сценки, лица, какого-то фрагмента реальной действительности, как она есть. Отвергая рутину… Подробнее  Купить за 1653 руб
• Импрессионизм, Скоробогатько Н.В.. Импрессионизм появился во Франции в 60-х годах XIX века. Художники этого направления стремились запечатлеть мир в его изменчивости, непосредственности. Импрессионисты работали на открытом… Подробнее  Купить за 1361 руб
• Импрессионизм, Скоробогатько Н.. Импрессионизм — это искусство, стремящееся передать именно впечатление от какого-то пейзажа, бытовой сценки, лица, какого-то фрагмента реальной действительности, как она есть. Отвергая рутину… Подробнее  Купить за 1155 руб

Другие книги по запросу «импрессионизм» >>

Импрессионизм в литературе — Мировая художественая культура

Импрессионизм в литературе распространился в последней трети 19 – начале 20 вв.

В литературе он так и не сложился как отдельное направление. Скорее можно говорить о чертах импрессионизма внутри разных направлений эпохи, прежде всего внутри натурализма и символизма.

Символизм стремился вернуть в искусство представление об идеальном, о высшей сущности, скрытой за обыденными предметами. Видимость мира пронизана бесчисленными намеками на эту скрытую сущность – таков главный постулат символизма. Но поскольку идеальное открывается поэту через видимые объекты в мгновенном впечатлении, импрессионистическая поэтика оказалась подходящим способом передачи идеального содержания.

Наиболее яркий образец поэтического импрессионизма – сборник стихов П.Верлена «Романсы без слов», вышедший в 1874 году, когда была выставлена картина К.Моне. Верленовские «пейзажи души» демонстрируют, что в поэзии (и в целом в литературе) чистый импрессионизм невозможен, любая словесная «картина» ищет поддержку глубинного смысла. Он Верлен провозгласил требование «музыки прежде всего» и сам культивировал в своей поэзии принцип «музыкальности». А это означало повышенное внимание к материи стиха, его звуковой инструментовке, стремление к передаче психологического состояния не только через описание, но и через само звучание стихотворения. В России поэтами-импрессионистами были Константин Бальмонт и Иннокентий Анненский. Элементы импрессионистической поэтики можно найти у многих поэтов-символистов.

Особое качество импрессионистическая поэтика приобретает в жанре символистского романа. Здесь она выступает прежде всего как особый принцип строения текста на ассоциациях слабо связанных между собой, проявляющийся в нелинейности повествования, отсутствии традиционного сюжета, технике «потока сознания».

В разной степени эти приемы развивали Марсель Пруст («В поисках утраченного времени», 1913–1925), Андрей Белый («Петербург», 1913–1914).

Импрессионистическая поэтика вполне подходила и под теорию натурализма. Натурализм стремился прежде всего выражать природу. Он требовал правдивости, верности натуре, но это означало верность первому впечатлению. А впечатление зависит от конкретного темперамента, оно всегда субъективно и мимолетно. Поэтому в литературе, как и в живописи, использовались крупные мазки: одна интонация, одно настроение, замена глагольных форм назывными предложениями, замена обобщающих прилагательных причастиями и деепричастиями, выражающими процесс, становление. Объект давался в чьем-то восприятии, но и сам воспринимающий субъект растворялся в объекте. Вид предмета менялся, если герой смотрел на него в разных состоянии. Важны были описания цветов, запахов, стихий.

В прозе черты импрессионизма ярче всего проявились в новеллах Ги де Мопассана, которого принято считать наиболее выраженным писателем-импрессионистом. По собственному признанию, Мопассан стремился к конструированию субъективной «иллюзии мира» через тщательный подбор деталей и впечатлений. Но в действительности эта установка – лишь «иллюзия импрессионизма». «Чистое наблюдение», провозглашенное импрессионистами, подразумевало отказ от идеи в искусстве, от обобщения, от законченности. Импрессионизм был против общего, а значит предполагал отсутствие законченного сюжета, и поэтому ярче всего проявлялся новеллах, описывающих небольшое по времени, а часто и по значительности, событие.

В литературе более последовательно, чем в живописи, делались попытки обосновать импрессионизм теоретически. После романов и статей Золя и «Дневников» братьев Гонкур появились «Импрессионизм» Ж. Лафорга, «Искусство прозы» Г.Джеймса, «О искусстве» Валерия Брюсова, в разной степени приближающиеся к «поэтике впечатлений».

Импрессионизм нашел свое воплощение и в критике. Еще в 1873 английский искусствовед У. Пейтер в книге Ренессанс говорил о «впечатлении» как об основе восприятия произведения искусства. В импрессионистическом эссе оценка дается не с точки зрения известных художественных канонов, а на основе личного взгляда и вкуса автора. «Я предпочитаю чувствовать, а не понимать», — писал А. Франс.

Писатели-импрессионисты:

Урок речетворчества. Пейзаж настроения (открытия импрессионизма в литературе, живописи, музыке)

ХОД УРОКА

Учитель. Сегодня наш разговор пойдет об очень необычайном, солнечном, радостном искусстве, которое получило свое название импрессионизм, что в переводе с французского означает «впечатление». Тема нашего урока «Искусство радости (открытия импрессионизма в литературе, живописи, музыке)».

Выразительное чтение стихотворения О. Мандельштама «Импрессионизм»

Художник нам изобразил
Глубокий обморок сирени
И красок звучные ступени
На холст, как струпья, положил.

Он понял масла густоту –
Его запекшееся лето
Лиловым мозгом разогрето,
Расширенное в духоту.

А тень-то, тень всё лиловей,
Свисток иль хлыст, как спичка, тухнет, –
Ты скажешь: повара на кухне
Готовят жирных голубей.

Угадывается качель,
Недомалёваны вуали,
И в этом сумрачном развале
Уже хозяйничает шмель.

Учитель. Произведения импрессионистов дарят нам ощущение радости жизни и единства человека со всем, что его окружает, – природой, городом, интерьером. Представители этого направления, будь то композиторы, живописцы, поэты, писали о том, что видели, слышали, ощущали вокруг себя – сады, поля, улицы, их краски, звуки, запахи.
Авторы таких произведений пользовались чистым цветом, звуком, стараясь не смешивать их, не добавлять мрачных, черных тонов. Или удавалось передать блеск солнечных лучей, рябь на воде, тишину сада, шум города. Импрессионисты ценили очарование быстро проходящего момента жизни, его неповторимость и красоту.

Работа с эпиграфом.

Учитель. Французский поэт Поль Верлен, обращаясь к художникам-импрессионистам, подчеркнул основную особенность в творчестве этих авторов: «Душа ваша – пейзаж».
– Как вы понимаете смысл высказывания, взятого в качестве эпиграфа к сегодняшнему уроку?

Учитель. Представители разных видов искусства едины в своем восприятии пейзажа, прежде всего как отражения мира чувств и переживаний человека.
Такое изображение природы принято называть пейзажем настроения, для которого в литературе, живописи и музыке есть свои средства воплощения. Наша задача – научиться «читать историю души» через изображение природы, через язык образов, красок и звуков, а затем и самим стать импрессионистами, создавая словесный пейзаж настроения. Но чтобы в дальнейшем выполнить такую работу, проверим, как вы справились с предложенным заданием повторить значения некоторых терминов искусства и подобрать к данным соотносимые с ними слова.

Предварительная терминологическая работа. (Возможный список слов: колорит, тональность, гамма, аккорд, палитра, ритм, элегия, симфония, лейтмотив, поэма, нота, ноктюрн, соната, мелодия, этюд, эскиз).

Учитель. В центре внимания сегодня на уроке – импрессионистское описание природы в разных видах искусства . Выполним следующее задание.

Задание классу. Придумайте сочетания слов, характеризующих фрагменты пейзажа с точки зрения живописи, литературы и музыки. (Например: звенящий цвет, палитра звуков, живописное звучание, аккорд красок, живописная поэма, ликующие краски, симфония красок, музыка живописи).

Задание классу. Попробуйте догадаться, к какому виду искусства относятся названные произведения: «Острова радости», «Эскизы», «Офорты», «Эстампы», «Разговор ветра с морем» (музыкальные произведения французского композитора К. Дебюсси). Послушайте небольшой фрагмент из пьесы К. Дебюсси «Прерванная серенада».

Прослушивание музыкального отрывка

Сообщение учащегося «Импрессионизм в музыке».

Для музыки импрессионистов характерна лирическая созерцательность, неопределенность мелодических звучаний, смена ритмов.
Чаще всего источником для создания произведений служили зримые картины природы, способные на языке музыки разбудить эмоциональный строй человеческой души. Дебюсси подчеркивал: «Музыка – как раз то искусство, которое ближе всего к природе… только музыканты обладают преимуществом уловить всю поэзию ночи и дня, земли и неба, воссоздать их атмосферу и ритмически передать их пульсацию».
«Импрессионистичность» музыкальных произведений проявляется в многокрасочности гармонических «бликов и пятен», необычности инструментальных сопоставлений, тонкой игре тембров, повышенном чувстве колорита, его преобладании над мелодичным рисунком. Искусство Дебюсси и Равеля, как и полотна художников-импрессионистов, воспевают мир естественных человеческих переживаний, передают радостное ощущение жизни, как бы заново открывают поэтичный мир природы. Для характеристики импрессионистических произведений правомерны определения: музыкальная живопись и живописная музыка.
Творчество импрессионистов объединяет родство тем. Исключительное место занимает пейзаж, жанровые сценки, портретные зарисовки; общность художественного метода: стремление к передачи непосредственного впечатления от явления; тяготении к миниатюрной форме: романсу, фортепианной или оркестровой миниатюре; расширение круга выразительных средств.
Новые средства музыкальной выразительности имеют некоторые аналоги с живописным языком художников-импрессионистов. Обращение к старинным народным ладам аналогично обогащению цветовой палитры; длительное «балансирование» между отдаленными тональностями напоминает игру светотеней на полотне, а сопоставление трезвучий этих тональностей, «серии» неразрешенных созвучий вызывают ассоциации с мелкими мазками «чистых» красок, расположенных рядом на холсте и образующих неожиданно новое цветовое сочетание.
Новые эстетические идеи проявились и в сближении терминологии: звуковая краска, инструментальный колорит, гармонические пятна, тембровая палитра.

Учитель. Манеру музыкального письма Дебюсси можно сравнить с акварелью и пастелью русского поэта А.А. Фета, дающего в своих стихах безграничные возможности колористических нюансов, ближе всего подходящих к определениям: «вполголоса», «шепотом», «напевая».

Индивидуальная творческая работа «Фет – поэт-живописец».

Выразительное чтение стихотворения А.А. Фета «Весенний дождь».

Сообщение «Образная система стихотворения А.А. Фета «Весенний дождь».

Как живописец, работающий на пленэре, Фет замечает едва уловимые движения света и воздуха, малейшие изменения цветовой гаммы пейзажа и, выбрав на словесной палитре необходимые краски, фиксирует свои впечатления, превращая мгновенное в вечное.
«В разрывы облак солнце блещет…». Как сквозь сито с синими отверстиями струятся солнечные лучи и, смешиваясь с темными струями приближающегося дождя, создают «завесу». А образовавшиеся от столкновения света и тьмы солнечные брызги рассыпаются, превращаясь в «золотую пыль», сквозь которую просвечивается зеленая опушка.
Фиксирует поэт и звуки: едва слышное трепетание воробья, стук «двух капель» в стекло и, наконец, барабанную дробь весеннего ливня.

Учитель. Импрессионизм в литературе имеет свои специфические особенности.

Индивидуальное сообщение «Импрессионизм в литературе».

Признаки «импрессионистического стиля» – отсутствие чётко заданной формы и стремление передать предмет в отрывках, мгновенно фиксирующих каждое впечатление штрихах, но при обзоре целого они обнаруживают своё скрытое одиночество и связь.
В качестве особого стиля импрессионизм с его принципом ценности «первого впечатления» давал возможность вести повествование через такие, как бы схваченные наугад, детали, которые по видимости нарушали строгую согласованность повествовательного плана и принцип отбора существительного, но рождением ассоциативных образов сообщали изображаемому необычайную яркость и свежесть, а художественной идее – неожиданную разветвлённость и многоликость.
К началу двадцатого века возникло несколько стилевых разновидностей импрессионизма на общей реалистической основе. Братья Ж.. и Э. Гонкур («поэмы нервов», «ценители незаметных ощущений») явились родоначальниками «психологического импрессионизма». Подобную изощрённую технику повествования можно наблюдать у многих западноевропейских писателей начала `ХХ века (у М. Пруста, Томаса Манна, Стефана Цвейга и др.). По своим эстетическим принципам импрессионизм близок к символизму и неоромантизму рубежа веков, считается одним из литературных предистоков «потока сознания» (М. Пруст, Дж. Джойс, В. Вульф и др.).
У некоторых прозаиков и поэтов культ «впечатления» замыкал в самом себе. Ценным и единственно реальным становилось лишь то, что мимолётно, неуловимо, невыразимо ничем, кроме ощущений. Художественный образ строился на зыбких недосказанностях и туманных намёках, приоткрывавших «завесу» над роковой игрой бессознательных стихий в жизни человека. К середине ХХ века импрессионизм как самостоятельный стиль и эстетическая система исчерпывает себя.

Учитель. Импрессионизм обогащал художественный мир произведений реализма, не видоизменяя его художественной системы. Такое явление можно увидеть в произведениях И. С. Тургенева.

Индивидуальное задание «Импрессионизм в произведениях И. С. Тургенева».

Задания классу. Рассмотрим пейзажное описание из рассказа «Бежин луг».

«Около полудня обыкновенно появляется множество круглых высоких облаков, золотисто-серых, с нежными белыми краями. Подобно островам, разбросанным, по бесконечно разлившейся реке, обтекающей их глубоко прозрачными рукавами ровной синевы, они почти не трогаются с места; далее, к небосклону, они сдвигаются, теснятся, синевы между ними уже не видать; но сами они так же лазурны, как небо: они все насквозь проникнуты светом и теплотой. Цвет небосклона, легкий, бледно-лиловый, не изменяется во весь день и кругом одинаков; нигде не темнеет, не густеет гроза; разве кое-где протянутся сверху в них голубоватые полосы: то сеется едва заметный дождь».

– Каковы колорит и тональность этого описания?

– Голоса каких инструментов вы слышите в мелодии этого пейзажа?

Учитель. Не менее выразительные произведения создавали импрессионисты в живописи . Их работы не соответствуют правилам академической живописи . Вместо продуманной композиции перед зрителем оказывался случайно увиденный уголок природы. Здесь нет места для условностей, для традиционной воздушной перспективы, здесь тени вместо глухих чёрных становились цветными и прозрачными.

Индивидуальное сообщение «Особенности импрессионизма в живописи».

Произведения импрессионистов – результат живого мгновенного впечатления. Автор стремился передать не свое знание о природе, человека и законах искусства, а непосредственное очарование жизни.
Импрессионисты не пытались скрыть от зрителя движения кисти по холсту. Краска лежала на поверхности неровно, мазки имели разную форму и направление, иногда между ними были видны просветы грунтованного холста. Картина создавала впечатление эскизности, незаконченности.
Импрессионисты вышли на пленэр – открытый воздух. Художники стали зависеть от погоды, а потому живописцы работали быстро: резкими мазками накладывали на холст краски чистых цветов – желтого, зеленого, красного, синего. Положенные рядом, они придают полотну теплоту и дают в глазах зрителя, отошедшего от картины на достаточное расстояние, желаемый результат. Метод такой цветовой мозаики получил название оптического смешения цветов т.е. смешения в глазах зрителя.
Нанесение на холст красок раздельными мазками позволяло импрессионистам сохранить всю свежесть и яркость натурального цвета. Иногда они смешивали краски с белилами, делая свою цветовую гамму еще более светлой.
Все эти приемы стали новым словом в искусстве живописи.

Учитель. Говоря о живописи импрессионизма, следует отметить такую особенность, как музыкальность картин. Естественно, это понятие условное – полотна сами по себе, конечно, не издают звуков. Однако хорошая живопись, как и хорошая музыка, вызывая в нас те или иные чувства, создает определённое настроение. Достигается это прежде всего рисунком или цветом – их певучесть и созвучность, их гармония образуют согласный аккорд. Линии и краски создают в живописи определённый ритм, подобный музыкальному. Наконец, композиция полотна объединяет все выразительные элементы, вызывая законченное стройное звучание. Живописец Лев Бакст уподобил художника дирижёру, способному одним взмахом палочки вызвать к жизни тысячи звуков.

Задания классу.

– Попытайтесь определить основную тональность живописных пейзажей французских импрессионистов К. Моне, Э. Мане, А. Сислея.
– Одинаково ли «звучат» эти картины?
– Как бы вы определили их жанр, используя музыкальные термины: элегия, симфония, соната, ноктюрн? Объясните свой выбор.
– Опишите словами мелодию, которую пробуждает в вашей душе один из пейзажей.
– «Хорошая живопись – это музыка, это мелодия»; – говорил великий итальянский художник Микеланджело Буонароти.
– Рассмотрите живописное полотно А. Герасимова «После дождя. Мокрая терраса».
– Какую мелодию «этой картины вы слышите»? Опишите свои музыкальные впечатления от пейзажа А.Герасимова «После дождя. Мокрая терраса».
– Какие чувства вызывает у вас эта картина? Как создает художник такое впечатление?
– Замечательный армянский художник Мартирос Сарьян утверждал: «Если ты проводишь черту, она должна звучать, как струна скрипки: или печально, или радостно. А если она не звучит – это мертвая линия. Цвет то же самое, и все в искусстве так». Как «звучат» линия и цвет в картине?
– Дорисуйте картину, вообразив, как выглядит сад после дождя. Каковы цветовая и звуковая палитры вашего пейзажа? Какое настроение он выражает?

Учитель. Новые эстетические идеи проявились и в сближении тем, сюжетов и образов. Попробуем убедиться в этом, найдя общее в произведениях различных видов искусства, в которых даже обычный дождливый день становится прекрасным. Послушаем стихотворение русского поэта М.Волошина «Дождь». Определите его лейтмотив.

Выразительное чтение стихотворения М.Волошина «Дождь».

Вопросы классу.

– Какие образы, созданные поэтом, вам особенно запомнились, поразили ваше воображение?
– Каково колористическое решение этого поэтического пейзажа?
– Выскажите ваши музыкальные впечатления, навеянные поэтическим пейзажем М.Волошина?
– Определите жанр этого произведения, используя терминологию музыки и живописи.

Учитель. Жизнь парижских улиц привлекала многих художников-импрессионистов. К.Писсарро не исключение. Живописец старался передать общее ощущение городского пейзажа.

Искусствоведческий анализ картины К.Писсарро «Оперный проезд в Париже».

Картина «Оперный проезд в Париже» изображает дождливый день. Пейзаж был написан из окна первого этажа. Такая точка зрения даёт интересные пространственные эффекты и ракурсы. Свойственное Писсарро чувство монументального реализуется в обобщенно переданных объемах зданий в широте композиций.
Мелкий подвижный мазок передает мелькание экипажей и прохожих, прячущихся от дождя под зонтами.
Это вечная сутолока города, заключенная в обрамление домов.
Писсаро пишет людей несколькими легкими мазками. Мы не можем разглядеть никого из них в отдельности, они сливаются, превращаясь в толпу. Их скопление, светлые, ощутимые зрительно капли дождя рождают ощущение некого «броуновского движения» – хаотичного и, но большому счету, бессмысленного, но необходимого для жизни, поскольку движение и есть жизнь.
Автор стремится к перспективному сокращению улицы, он «закрывает» точку схода завесой дождя, облаками, благодаря чему улица не обрубается линией горизонта, а теряется, таинственным образом «впадая в небо».
В картине преобладают серые и желтоватые цвета, мутноватость, достигаемая за счет смешения краски данных оттенков.

Учитель. Пейзаж с дождем можно “нарисовать” и в музыке. Не случайно французского композитора Клода Дебюсси называют живописцем в музыке: так выразительны его звуковые “мазки”, так узнаваемы его пейзажные зарисовки. Об этом писал и сам композитор: “…музыкант хочет заставить видеть то, что он делает слышимым, и перо в его пальцах становится кистью”.

Задания классу.

– Послушайте пейзажную зарисовку К. Дебюсси “Сады под дождем”. Попытайтесь понять чувства, передаваемые звуками, зримо представить детали этого пейзажа.
– Какое настроение создала у вас музыка К. Дебюсси?
– Что вы услышали в ней? Какие события, по вашему мнению, происходят в музыкальной пьесе?
– Подберите глаголы, которые передают динамику льющейся воды (звенит, струится, барабанит, шелестит, журчит, напевает, позванивает, расплескивается и т.д.).
– Какие музыкальные инструменты вы слышите в пьесе К. Дебюсси?
– Подберите эпитеты, определяющие их тембр.
– Какова цветовая палитра этого музыкального пейзажа?
– Расскажите о чувствах автора звукового пейзажа.
– Какие образы рождает в вашем воображении пьеса К. Дебюсси? Опишите, используя эпитеты, сравнения, метафоры.

Индивидуальное задание.

– Сопоставьте произведения Камиля Писсарро, Максимилиана Волошина, Клода Дебюсси по их настроению.
– Какие из них более близки друг к другу?
– Чем они отличаются?
– Клод Дебюсси писал, что творит ”свои произведения сквозь нежный туман далеких воспоминаний”. Какие воспоминания у вас пробуждает музыкальная картина французского композитора?
– Расскажите о ваших ощущениях во время дождя.

Учитель. Полутона, шёпот, отблески предметов, дымка – это одна из граней поэтики импрессионистов. Другая грань – яркость цветовых решений, колоритность красок, эмоциональная насыщенность. Эти черты больше присущи русскому импрессионизму. Полны жизнеутверждающего пафоса многие картины И.Э.Грабаря и, конечно, всем нам знакомая «Февральская лазурь».

Искусствоведческая справка о картине И.Э.Грабаря «Февральская лазурь».

Учитель. Многие художники-импрессионисты экспериментировали и в области декоративно-прикладного искусства. Произведения какого вида декоративно-прикладного искусства напоминает нам эта картина?

Учитель. Подобные ассоциации возникли и у русского поэта О.Мандельштама.

Выразительное чтение стихотворения О.Мандельштама «На бледно-голубой эмали…».

Учитель. Прекрасная картина зимней природы дана и в стихотворении А.А.Фета «Чудная картина».

Выразительное чтение стихотворения А.А.Фета «Чудная картина».

Творческая работа «Образная система стихотворения А. А. Фета «Чудная картина»».

Учитель. Как мы увидели на сегодняшнем уроке, мир прекрасного, гармонии и красоты тесно связан с миром природы. «Великая и возвышенная книга природы», созданная мастерами слова, живописи и музыки, не перестаёт удивлять своим совершенством. Способностью заметить красоту среди случайного и поверхностного и отличались творцы импрессионистического искусства. В момент творчества они воплощают в своих произведениях лучшее, что есть в их мире и как бы растворяются в своём творении, отражая неясное, несбывшееся, смутное, неуловимое, сиюминутное движение души.

Выразительное чтение стихотворения А.А. Фета «Целый мир от красоты…»

Реализм и импрессионизм: изобразительное искусство и жизнь. Французские корни передвижников — Путешествия и культура

Реализм начал формироваться в недрах романтизма начала XIX века. Этот новый поворот был связан с прогрессивными общественными настроениями и активизацией процессов формирования наций, национальных культур, интереса к этнической истории и культуре, в первую очередь, к национальной литературе. О романтизме и символизме мы поговорим позже, как-нибудь в рамках отдельной темы. Пока важно и достаточно сказать о том, что романтизм развенчал и отверг руководящую роль классицизма и академизма в развитии изобразительного искусства.

Впервые термин реализм в середине XIX века ввел французский писатель и литературный критик Ж. Шанфлёри. Под реализмом понималось полное и точное отображение окружающей реальной жизни, что невольно обнажало пороки и проблемы буржуазной действительности эпохи.

Ж. Шанфлёри

Однако, реализм как эстетическое явление в художественной культуре не был абсолютной новостью, без использования соответствующей терминологии, он ощущался уже и в эпоху Возрождения – «ренессансный реализм», и в период Просвещения – «просветительский реализм». Но в XIX веке в разных странах он имел свои специфические черты.

Во Франции реализм, получивший название критического реализма, был связан с прагматизмом и преобладанием материалистических взглядов, господствующей ролью науки и национальной французской литературы в определении задач развития изобразительного искусства. Среди крупнейших представителей французского критического реализма в литературе были О. Бальзак, В. Гюго и Г. Флобер, чьи произведения были хорошо известны среди образованной части российского общества и уже частично переведены.

Оноре де Бальзак      

Виктор Гюго                                                    Гюстав Флобер 

Главными представителями критического реализма во французской живописи были Оноре Домье, Гюстав Курбе, Франсуа Милле, Камиль Коро и Теодор Руссо.

Революция 1830г. открыла новый этап в развитии изобразительного искусства, карикатура, в частности блестящие, выразительные образы О. Домье (1818-1879) сделали сатирическую графику подлинным искусством.

 

                             Оноре Домье                               портрет О. Домье в жанре карикатуры

Графические и живописные работы Домье обозначаются сериями или циклами: «Дон Кихот» и «Люди юстиции» («Судьи и адвокаты»), но первой была революционная серия, состоящая из двух частей: 1830 и 1848 годы. Самыми значительными работами этого цикла являются «Восстание» и «Законодательное собрание».
Изобразив всего несколько человек по диагонали, художник добился впечатления движения большой толпы людей. Акцент сделан на фигуре молодого человека в светлой рубашке, который и подчинен общему движению и направляет его, поднятой рукой указывая путь к цели.

Восстание. 1830 г.

На гравюре/литографии Законодательное собрание или Законодательное чрево министров и членов правительства художник изобразил в виде уродливой и морально убогой компании.

Законодательное чрево

В серии «Судьи и адвокаты» — показ ужасающей противоположности между видимостью, внешним обликом человека, и его сущностью. Адвокаты и судьи Домье – квинтэссенция фальши, лицемерия и порока, олицетворение не только буржуазного суда, но части общества в целом.                              Суд                                                                            Адвокат защиты

Трактовка образов героев цикла «Дон Кихот» — показ трагического противоречия между двумя сторонами человеческой души не имеет аналогов в мировом искусстве. Дон Кихот, изможденный, невероятно высокий едет среди угрюмого холмистого пейзажа на чудовищно костлявом Росинанте неизменно следует вперед, верный своей мечте, его не останавливают препятствия, не привлекают жизненные блага, он весь в движении, в поиске. За ним его противоположность – на осле, вечно отстающий, трусливый Санчо Панса, который как бы говорит: довольно идеалов, довольно борьбы, пора, наконец, остановиться.

                                           Дон Кихот                                     Санчо Панса и Дон Кихот

Центральной темой творчества художника были простые люди: рабочие, мелкие служащие, ремесленники, прачки, которых он писал, отражая не только их тяжелое положение, но ценность их труда и личности. Его ставшая крылатой фраза «надо быть человеком своего времени» отражала общее направление критического реализма.

                                   Ноша или Прачка                                   Любитель эстампов   

Вагон 3-го класса

Главной фигурой во французском критическом реализме является Гюстав Курбе (1819-1877).

Гюстав Курбе

Он первым из западноевропейских художников открыто провозгласил своим творческим методом реализм: без прикрас, идеализации и сентиментальности изображая самые неприглядные стороны жизни. Персонажами его картин были представители всех слоев населения, в том числе самых низших – рабочие, нищие, проститутки.

Главным в творчестве Курбе было его умение при изображении конкретных людей придавать их облику черты типической значимости, а простые жанровые сценки в сюжетах Курбе обретали черты монументальности.

                           Веяльщицы                                                           Дробильщики камней
 

Похороны в Орнане

Даже портретам художник часто придает жанровый характер, изображая модель в конкретной бытовой обстановке. Таким примером является сценка на которой изображены отец и друзья художника отдыхающие в небольшом местечковом кафе.

Послеобеденный отдых Орнане

Другими примерами портретов Курбе является изображение человека как символа определенного направления в художественном творчестве.     слева — портрет Гектора Берлиоза – основателя программного симфонизма
справа — портрет Шарля Бодлера, классика французской поэзии (Цветы зла и др.) – основоположника декаданса и символизма.

Наиболее показательна картина Курбе Ателье или Мастерская художника- сложная аллегорическая композиция, где за каждым реалистическим, портретно узнаваемым образом стоит определенный типаж, возведенный художником в ранг символа.

Ателье или Мастерская художника

При этом художник подчеркивал, что это аллегория нового типа, реалистическая, не имеющая ничего общего с романтической фантазией или слезливой сентиментальностью символизма.
Для Курбе важнейшим качеством реалистического искусства являлось не сочувствие обездоленным и угнетенным, а изображение их полезности как членов общества; не отражение внутреннего мира, а социальная характеристика моделей.
Курбе считал, что сущность реализма – отрицание идеала, как такового, разум должен главенствовать во всем, что касается человека. Только такая позиция, полагал художник, приводит к освобождению личности и в конечном итоге к демократии.

Выходец из крестьянской семьи Ф. Милле (1814-1875), главной темой своих картин сделал жизнь и труд крестьянина, показав сельский труд как естественное состояние человека, форму его бытия.

Жан-Франсуа Милле

Художник считал, что именно в труде проявляется связь человека с природой, которая его воспитывает и облагораживает.                           Посадка картофеля                                                      Сборщицы колосьев

Отдых

В середине XIX века во Франции появились художники, работавшие преимущественно в области национального пейзажа. Ведущая роль в реалистическом пейзаже принадлежит Камилю Коро (1796-1875).

Камиль Коро

Стремясь к созданию реалистического обобщенного образа природы, Коро пытался выразить в нем свои чувства и настроения. Главным средством художник считал спокойно-рассеянный, тончайший свет пасмурных дней. Он много работал над передачей света в картине, отыскивая множество различных по светосиле оттенков одного и того же цвета, так называемых валёров, стараясь придать трепетность своим пейзажам.                            Порыв ветра                                                                         Источник                Вид Ривы. Итальянский Тироль                             Тиволи, сады виллы д Эсте, окрестности                                                                                                                                 Рима, Италия 

Мост в Манте

Работы Коро положили начало творчеству художников барбизонской школы Т. Руссо, Ш. Добиньи и др. Своим названием школа обязана небольшой деревушке Барбизон близ Парижа, в лесу Фонтенбло, выбранной художниками в качестве места жизни и творчества.
Об особенностях барбизонской школы мы еще поговорим позже.

Главой школы был Теодор Руссо (1812-1867), для которого самое важное – сама природа.

Теодор Руссо

Поэтому он сосредоточил внимание на изучении ее многоликости и изменчивости, достигнув большой тонкости в передаче света и воздуха.                            Лес в Фонтенбло                                                         Лес в Фонтенбло. Утро

Пейзаж с мостиком

После 1855 года к жанру пейзажа стали часто обращаться Милле и Курбе. Милле искал в природе то ощущение гармонии, которое искал и не нашел в человеческом обществе.
Курбе занимали вопросы передачи освещения.
Для того, чтобы представить сходство и различия в творческой манере каждого из этих живописцев, предлагаю сравнить их картины с однотипным пейзажем.       Руссо   Вид в окрестностях Гранвиля                            Милле    Пейзаж в окрестностях Гранвиля

Курбе    Запруда у мельницы

Отличительной особенностью творчества Курбе в жанре пейзажа являются его марины, которые он называл морскими пейзажами.                   Море у берегов Нормандии                                              Скала Этрета, Нормандия

Волна

Для российских молодых художников, пенсионеров Академии художеств и выпускников Московского училища, завершающих образование стажировкой в Италии и Франции, все это имело огромное значение. Большинство из них были выходцами из малообеспеченных слоев российского общества. Ничто в этом новом направлении искусства — критическом реализме не отталкивало, не отвлекало, а напротив, соответствовало их мировоззрению и способствовало главной задаче — профессиональному совершенствованию.

Кроме того, новаторские искания французских художников-реалистов подготовили почву для появления во Франции в 1860-1880-х гг. абсолютно нового направления в живописи – импрессионизма. Но об этом мы поговорим немного позже (через месяц или чуть позже).

В следующей публикации рассмотрим, как французские корни критического реализма на плодородной российской почве превратились в пышное древо передвижничества.

Черты импрессионизма в поэзии русских поэтов

Муниципальное автономное общеобразовательное учреждение

Средняя общеобразовательная школа №109

Индустриального района г. Перми

Исследовательская работа

Черты импрессионизма

в поэзии русских поэтов

Выполнила: Трегубова Ирина,

ученица 11 А класса

Руководитель: Макаренко И.В.,

учитель русского языка и литературы

МАОУ «СОШ №109»

Пермь

2017

Содержание

Введение

Глава 1. История возникновения импрессионизма.

1.1 Импрессионизм в живописи.

1.2 Импрессионизм в музыке.

1.3 Импрессионизм в литературе.

Глава 2. Импрессионизм в лирике Фета, Тютчева, Бальмонта.

2.1 Анализ стихотворений Фета.

2.2 Анализ стихотворений Тютчева.

2.3 Анализ стихотворений Бальмонта.

Заключение

Список использованной литературы

Приложения

Введение

Тема моей работы: «Черты импрессионизма в поэзии русских поэтов». Я выбрала именно эту тему для исследования, потому что всегда считала, что импрессионизм – это течение в живописи. При знакомстве с поэзией Фета я обратила внимание на то, что его называют поэтом-импрессионистом. Другими словами, я поняла, что импрессионизм – это удел не только живописи, но и поэзии. Тогда у меня возникли вопросы: как в поэзии может проявиться импрессионизм, каких поэтов, кроме Фета, тоже можно считать импрессионистами?

Актуальность моей исследовательской работы заключается в том, что на уроках литературы ученики с 5 – 11 класс изучают поэзию. Среди изучаемых ими поэтов встречаются импрессионисты. И звучащие на уроках стихи можно проиллюстрировать репродукциями художников – импрессионистов. Также изученный по данной теме материал может помочь мне при написании итогового сочинения по русскому языку и литературе в 11 классе.

Объект исследования – стихотворения русских поэтов XIX века.

Предмет исследования – отличительные черты стихотворений русских поэтов XIX века.

Основная цель работы – узнать, как черты импрессионизма отразились в поэзии русских поэтов.

Задачи работы:

1. Изучить литературу по данной теме.

2. Проанализировать стихи русских поэтов XIX века.

3. Подобрать иллюстрации к поэтическим строчкам.

Методы исследования:

1. Изучение специальной литературы.

2. Обобщение и систематизация материала по данной теме.

3. Анализ стихотворений.

Глава 1. История возникновения импрессионизма.

Импрессионизм (фр. impressionnisme, от impression — впечатление)— одно из крупнейших течений в искусстве последней трети XIX— начала XX веков, зародившееся во Франции и затем распространившееся по всему миру. Представители импрессионизма стремились разрабатывать методы и приёмы, которые позволяли наиболее естественно и живо запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости, передать свои мимолётные впечатления. Обычно под термином «импрессионизм» подразумевается направление в живописи (но это, прежде всего, группа методов), хотя его идеи также нашли своё воплощение в литературе и музыке, где импрессионизм также выступал в определённом наборе методов и приёмов создания литературных и музыкальных произведений, в которых авторы стремились передать жизнь в чувственной, непосредственной форме, как отражение своих впечатлений.

Термин «импрессионизм» возник с лёгкой руки критика журнала «Le Charivari» Луи Леруа, который озаглавил свой фельетон о Салоне Отверженных «Выставка импрессионистов», взяв за основу название картины Клода Моне «Впечатление. Восходящее солнце» (фр. Impression, soleil levant). Изначально этот термин носил несколько пренебрежительный характер, указывая на соответствующее отношение к художникам, писавшим в новой «небрежной» манере.

Импрессионизм в живописи.

Первая важная выставка импрессионистов проходила с 15 апреля по 15 мая 1874 года в мастерской фотографа Надара. Там было представлено 30 художников, всего — 165 работ. Молодых художников упрекали в «незаконченности» и «неряшливости живописи», отсутствии вкуса и смысла в их работах, «покушении на истинное искусство», мятежных настроениях и даже аморальности.

Самыми известными импрессионистами стали такие великие художники, как Эдуард Мане, Клод Моне, Огюст Ренуар, Эдгар Дега, Альфред Сислей, Камиль Писсарро и многие другие.

Пейзажи и сцены из городской жизни – пожалуй, наиболее характерные жанры импрессионистической живописи – писались «на пленэре», т.е. непосредственно с натуры, а не на основе эскизов и подготовительных набросков.

Художественный метод импрессионистов состоял в разложении сложных тонов на составляющие их чистые цвета спектра. Получались цветные тени и чистая светлая трепетная живопись. Импрессионисты накладывали краски отдельными мазками, иногда используя контрастные тона на одном участке картины. Основная черта картин импрессионистов – эффект живого мерцания красок.

Для передачи изменений цвета предмета импрессионисты стали предпочитали использовать цвета, взаимно усиливающие друг друга: красный и зеленый, желтый и фиолетовый, оранжевый и голубой. Эти же цвета создают эффект последовательного контраста. Например, если мы будем некоторое время смотреть на красный цвет, а затем переведем взгляд на белый, то он покажется нам зеленоватым.

Импрессионизм не поднимал философские проблемы и даже не пытался проникать под цветную поверхность будничности. Вместо этого художники сосредотачиваются на поверхностности, текучести мгновения, настроения, освещении или угле зрения. Их картины представляли лишь позитивные стороны жизни, не затрагивая острые социальные проблемы.

Импрессионизм оставил богатое наследие в живописи. В первую очередь это интерес к проблемам цвета и нестандартным техникам. Импрессионизм выразил стремление к обновлению художественного языка и разрыву с традицией, как протесту против кропотливой техники мастеров классической школы.

Импрессионизм в музыке.

Музыкальный импрессионизм как одно из течений модерна сложился во Франции в конце XIX — начале XX века. Импрессионизм в музыке проявился стремлением передать настроение композитора и эмоции, которые являются для него самого и слушателей определенными символами. Если сравнивать с импрессионистической живописью, которая стремилась отобразить впечатление, то музыка в стиле импрессионизма стремилась вызвать впечатление у слушателей с помощью приобретающих значение символов, тонких психологических нюансов. С основной линией импрессионизма в живописи его роднит восторженное отношение к жизни; моменты острых конфликтов, социальных противоречий в нём обходятся.

Основоположником импрессионизма в музыке является французский композитор Эрик Сати, опубликовавший в 1886 году «Три мелодии», а в 1887 — «Три сарабанды», несущие в себе все главные черты нового стиля. Смелые открытия Эрика Сати пятью и десятью годами позднее были подхвачены и развиты другими музыкантами, ярчайшими представителями импрессионизма, Клодом Дебюсси и Морисом Равелем.

Дебюсси воплотил в музыке мимолётные впечатления, тончайшие оттенки человеческих эмоций и явлений природы. Он создал импрессионистическую мелодику, отличающуюся гибкостью нюансов и в то же время расплывчатостью. Дебюсси создал новый пианистический стиль (этюды, прелюдии). Его 24 прелюдии для фортепиано снабжены поэтическими названиями (“Дельфийские танцовщицы”, “Звуки и ароматы реют в вечернем воздухе”, “Девушка с волосами цвета льна” и др.), они создают образы мягких, нереальных пейзажей, имитируют пластику танцевальных движений, навевают жанровые картины.

Своего рода манифестом музыкального импрессионизма считали современники оркестровую Прелюдию к «Послеполуденному отдыху фавна», в которой проявились характерные для музыки Дебюсси, зыбкость настроений, утончённость, изысканность, прихотливость мелодики. Его произведениям присущ тонкий психологизм и яркая эмоциональность в выражении чувств героев.

В творчестве Мориса Равеля (1875—1937) отразилась более поздняя эпоха. Рисунок его сочинений острее, резче, краски более четкие и контрастные — от трагического пафоса до язвительной иронии. Но и в его композиторской манере также встречается утонченная звукопись, сложная и пестрая игра красок, типичная для музыкального импрессионизма. В лучших фортепьянных пьесах Равеля господствует прихотливая переливчатость звуков, навеянных живой природой («Игра воды», «Печальные птицы», «Лодка среди океана»). Всю свою жизнь композитор разрабатывал мотивы любимой им Испании. Так появились «Испанская рапсодия» для оркестра, комическая опера «Испанский час», «Болеро».

Традиции импрессионизма, начатые французскими мастерами, нашли свое продолжение в творчестве композиторов различных национальных школ. Их оригинально развивали М. де Фалья в Испании, А. Казелла и О. Рес-пиги в Италии, С. Скотт и Ф. Дилиус в Англии, К. Шимановский в Польше. Влияние импрессионизма испытали в начале XX в. и некоторые русские композиторы (Н. Н. Черепнин, В. И. Ребиков, С. Н. Василенко).

Импрессионизм в литературе.

Импрессионизм в литературе распространился в последней трети XIX – начале XX вв. В литературе импрессионизм не сложился как отдельное направление, но его черты нашли отражение в натурализме и символизме.

«Чистое наблюдение», провозглашенное импрессионистами, подразумевало отказ от идеи в искусстве, от обобщения, от законченности. Импрессионизм утверждал частное, импрессионисты изображали каждое мгновение. Это означало: никакого сюжета, никакой истории. Мысль заменялась восприятием, рассудок – инстинктом.

Братья Э. и Ж. Гонкур в своих Дневниках, ставших образцом импрессионистической критики, заявляли: «…искусство – это увековечение в высшей, абсолютной, окончательной форме какого-то момента, какой-то мимолетной человеческой особенности…»; «…живопись – это не рисунок. Живопись – это краски…». Они же произнесли знаменитую фразу, ставшую формулой импрессионизма: «Видеть, чувствовать, выражать – в этом все искусство».

Натурализм стремился, прежде всего, выражать природу. Он требовал правдивости, верности натуре, но это означало верность первому впечатлению. А впечатление зависит от конкретного темперамента, оно всегда субъективно и мимолетно. Поэтому в литературе, как и в живописи, использовались крупные мазки: одна интонация, одно настроение, замена глагольных форм назывными предложениями, замена обобщающих прилагательных причастиями и деепричастиями, выражающими процесс, становление. Объект давался в чьем-то восприятии, но и сам воспринимающий субъект растворялся в объекте. Наиболее полно это выражено в романах Эмиля Золя, его развернутых описаниях запахов, звуков и зрительных восприятий.

Символизм, наоборот, требовал отказа от материального мира и возвращения к идеальному, однако переход возможен только через мимолётные впечатления, раскрывая в видимых вещах тайную сущность. Яркий пример поэтического импрессионизма — сборник стихов Поля Верлена «Романсы без слов» (1874). В сонете «Поэтическое искусство» Верлен провозгласил требование «музыки прежде всего» и сам культивировал в своей поэзии принцип «музыкальности». А это означало повышенное внимание к материи стиха, его звуковой инструментовке, стремление к передаче психологического состояния не только через описание, но и через само звучание стихотворения. В России поэтами-импрессионистами были Афанасия Фет, Константин Бальмонт и Иннокентий Анненский. Элементы импрессионистической поэтики можно найти у многих поэтов-символистов.

В прозе черты импрессионизма проявились в стиле Дневников и романов братьев Гонкур, в Пейзажах и впечатлениях Ж.Лафорга, в романах и новеллах Г. де Мопассана. Последнего принято считать наиболее выраженным писателем-импрессионистом. По собственному признанию, Мопассан стремился к конструированию субъективной «иллюзии мира» через тщательный подбор деталей и впечатлений. Но в действительности эта установка – лишь «иллюзия импрессионизма». «Чистое наблюдение», провозглашенное импрессионистами, подразумевало отказ от идеи в искусстве, от обобщения, от законченности. Импрессионизм был против общего, а значит, предполагал отсутствие законченного сюжета, поэтому ярче всего проявлялся в новеллах, описывающих небольшое по времени, а часто и по значительности, событие.

Особое качество импрессионистическая поэтика приобретает в жанре символистского романа. Здесь она выступает, прежде всего, как особый принцип строения текста на ассоциациях слабо связанных между собой, проявляющийся в нелинейности повествования, отсутствии традиционного сюжета, технике «потока сознания». В разной степени эти приемы развивали Марсель Пруст («В поисках утраченного времени», 1913–1925), Андрей Белый («Петербург», 1913–1914).

В литературе более последовательно, чем в живописи, делались попытки обосновать импрессионизм теоретически. После романов и статей Золя и «Дневников» братьев Гонкур появились «Импрессионизм» Ж. Лафорга, «Искусство прозы» Г.Джеймса, «Об искусстве» Валерия Брюсова, приближающиеся в разной степени к «поэтике впечатлений».

Импрессионизм в лирике Фета, Тютчева, Бальмонта

Черты импрессионизма особенно ярко проявились в стихотворениях поэтов. Многие эти стихи входят в программу по литературе 6-ого, 7-ого и 10-ого классов.

Анализ стихотворений Фета

Афанасий Афанасьевич Фет – замечательный русский поэт, чей творческий путь длился более полувека. Он был одним из родоначальников русского импрессионизма, появившегося в Европе в конце XIX века. Зорко вглядываясь во внешний мир и показывая его таким, каким он предстает в данный момент, Фет вырабатывает совершенно новые для поэзии приемы, импрессионистического стиля.

Его интересовал не столько предмет, сколько впечатление, произведенное предметом. Фет изображал внешний мир в том виде, который соответствует сиюминутному настроению поэта. При всей правдивости и конкретности описания природы, прежде всего, служат средством выражения лирического чувства. Новаторство Фета было настолько смелым, что многие современники не понимали его стихов. При жизни Фета его поэзия не нашла должного отклика у его современников. Только двадцатое столетие по-настоящему открыло Фета, его удивительную поэзию, которая дарит нам радость узнавания мира, познания его гармонии и совершенства.

Как импрессионист Фет уделял большое значение работе над сериями, посвященными одной теме или одному предмету изображения. Его серии — это циклы стихов, посвященные временам года. “Весна”, “Лето”, “Осень”, “Снега”, “Вечера и ночи”. “Море”. В них он с разных сторон описывает мир. Отдельные разнородные ощущения сливаются в один восторг, в одно биение трепещущего сердца.

Художники – импрессионисты в своих картинах для передачи изменений цвета предмета предпочитали использовать цвета, взаимно усиливающие друг друга: красный и зеленый, желтый и фиолетовый, оранжевый и голубой. Одним из красочных стихотворений Фета является стихотворение «Шепот, робкое дыхание…».

Шепот, робкое дыханье.
Трели соловья,
Серебро и колыханье
Сонного ручья.

Свет ночной, ночные тени,
Тени без конца,
Ряд волшебных изменений
Милого лица,

В дымных тучках пурпур розы,
Отблеск янтаря,
И лобзания, и слезы,
И заря, заря!..

<1850>

Слова, несущие значение цвета: серебряный – белый,  свет ночной — голубоватый, пурпур — красный, янтарь — желтый, заря – алый. Цветовая палитра есть и в стихотворении «Вечер» (золотыми каймами, голубым и зеленым огнем).

Читая стихотворение «Шепот, робкое дыхание…», можно заметить, как переход от холодной цветовой гаммы к теплой помогает передать изменчивость мира и чувств лирического героя. Замена глагольных форм назывными предложениями в этом стихотворении также является проявлением импрессионизма.

Замечательной иллюстрацией к этому стихотворению является картина современного художника-импрессиониста Леонида Афремова «TWO COUPLES»[].

Стихотворение «Вечер» дает возможность почувствовать, как звуки, краски, ощущения, сливаясь в одно, создают картину плавного течения жизни природы в ее постоянных изменениях. Проиллюстрировать это стихотворение можно картиной «Стог сена в Живерни» Клода Моне [].

Еще одним свойством проявления импрессионизма в лирики Фета является музыкальность его стихотворений. Не случайно Фет считал, что «нет музыкального настроения — нет художественного произведения». Использование разных типов фразовой интонации, разнообразных словесных повторов очевидным образом ориентирует стихотворения Фета «на романс, написан в традиции романса и в той же традиции, прежде всего, воспринят». Многие композиторы сразу почувствовали музыкальность стихов Фета, и некоторые из них положили на музыку. Среди наиболее известных романсов следует назвать «На заре ты ее не буди» А. Варламова, «Сад весь в цвету» А. Аренского, «Не отходи от меня», «Певице», «Я тебе ничего не скажу» П. Чайковского, «Серенада», «Свеж и душист твой роскошный венок…» Н. Римского-Корсакова, «В дымке-невидимке» С. Танеева и др.

П.И. Чайковский, считавший Фета гениальным лириком, видел в особой мелодичности основную черту его поэтической индивидуальности: «Фет в лучшие свои минуты выходит из пределов, указанных в поэзии, и смело делает шаг в нашу область… Это не просто поэт, а скорее поэт-музыкант, как бы избегающий даже таких тем, которые легко поддаются выражению словом».

В стихотворении «Свеж и душист твой роскошный венок…» Фет развивает одну тему, повторяя все время одну и ту же фразу:

Свеж и душист твой роскошный венок,
Всех в нем цветов благовония слышны,
Кудри твои так обильны и пышны,
Свеж и душист твой роскошный венок.

Свеж и душист твой роскошный венок,
Ясного взора губительна сила,-
Нет, я не верю, чтоб ты не любила:
Свеж и душист твой роскошный венок.

Свеж и душист твой роскошный венок,
Счастию сердце легко предается:
Мне близ тебя хорошо и поется.
Свеж и душист твой роскошный венок.

<1847>

В этом произведении, напоминающем гимн, тема красоты развивается в тему любви, которой затем присоединяется тема творчества. В стихотворении «Свеж и душист твой роскошный венок…» господствует музыкальный принцип: он работает и на содержательном уровне («Мне близ тебя хорошо и поется», — признается лирический герой), и на формальных – композиционном и звуковом уровнях. Виртуозно использована здесь музыкальная композиционная лирическая форма кольца: благодаря шести повторам первой строки возникает кольцевая композиция как всего стихотворения, так и каждой строфы. Три маленьких кольца вписаны здесь в одно большое кольцо, что в четыре раза усиливает музыкальное звучание этого лирического шедевра.

Композитором, написавшим музыку к этому лирическому шедевру, был Н.А. Римский-Корсаков [ ], а проиллюстрировать этот шедевр можно картиной «Собирание цветов», Пьера Огюста Ренуара [].

Фет считал музыку высшим видом искусства и доводил свои стихи до музыкального звучания. Написанные в романсово-песенном ключе, они очень мелодичны, недаром целый цикл стихов в сборнике «Вечерние огни» Фет назвал «Мелодии».

Ежеминутно меняющийся мир, окружающий человека, и стремление схватить эти перемены настолько увлекали художников-импрессионистов, что не позволяли им уловить четкость отдельных контуров. Их заменяют неопределенные, словно тающие в дымке очертания, которые намечены отдельными мазками. То же ощущаем и в поэзии А. Фета, однако его слово быстрее, подвижнее, виртуознее кисти художника, и ему в нескольких строчках удается выразить и удивительную картину ночи, и внутреннее состояние человеческой души:

Какая ночь! Как воздух чист,
Как серебристый дремлет лист,
Как тень черна прибрежных ив,
Как безмятежно спит залив,
Как не вздохнет нигде волна,
Как тишиною грудь полна!

Полночный свет, ты тот же день:
Белей лишь блеск, чернее тень,
Лишь тоньше запах сочных трав,
Лишь ум светлей, мирнее нрав,
Да вместо страсти хочет грудь
Вот этим воздухом вздохнуть.

<1857>

Картина Винсента Ван Гога «Звездная ночь над Роной» прекрасно иллюстрирует это стихотворение [].

Анализируя эти стихотворение, приходишь к подтверждению мысли А. В. Дружинина, который точно оценил сильные и слабые стороны лирики А. А. Фета: «Очевидно, не обилием внешнего интереса, не драматизмом описанных событий остановил внимание читателя Фет. Равным образом у Фета не находим мы ни глубоких мировых мыслей, ни остроумных афоризмов, ни сатирического направления, ни особенной страсти в изложении. Поэзия его состоит из ряда картин природы, из антологических очерков, из сжатого изображения немногих неуловимых ощущений души нашей. Стало быть, сердце читателя волнуется от уменья поэта ловить неуловимое, давать образ и название тому, что до него было не чем иным, как смутным мимолётным ощущением души человеческой, ощущением без образа и названия. Сила Фета в том, что поэт наш, руководимый своим вдохновением, умеет забираться в самые сокровенные тайники души человеческой. Область его не велика, но в ней он полный властелин».

Анализ стихотворений Тютчева

Федор Иванович Тютчев – великий поэт-философ и поэт-импрессионист. Трудившийся в середине XIX века, как и А. Фет, он испытал мучительную для любого мастера полосу равнодушия и пренебрежения к своему труду. Долгое время стихи Тютчева читались и находили отзыв только в тесном кружке знатоков. Судьба его поэтического творчества во многом сходна с фетовской.

Основными темами творчества Тютчева и Фета являются природа, любовь, философские размышления о тайнах бытия – то есть темы вечные, не ограниченные той или иной эпохой. Федор Иванович обладал гениальной способностью поймать и передать в точно найденном слове мгновенные впечатления и изменения в настроении человека и природы, тончайшие состояния души. Тютчевские «пейзажи в стихах» неотделимы от человека, его душевного состояния, чувства, настроения:

Тени сизые смесились,
Цвет поблекнул, звук уснул —
Жизнь, движенье разрешились
В сумрак зыбкий, в дальний гул…
Мотылька полет незримый
Слышен в воздухе ночном…
Час тоски невыразимой!..
Всё во мне, и я во всем!..

Сумрак тихий, сумрак сонный,
Лейся в глубь моей души,
Тихий, томный, благовонный,
Все залей и утиши.
Чувства — мглой самозабвенья
Переполни через край!..
Дай вкусить уничтоженья,
С миром дремлющим смешай!

«Тени сизые смесились…»,<1836>

К этому стихотворению хорошо подходит чудесная картина современной американской художницы-импрессионистки Эрин Хансен [].

В мировой поэзии никто не превзошел Тютчева в абсолютности слияния природного явления и душевного состояния. Фет считал, что «по свойству своего таланта Тютчев не может смотреть на природу без того, чтобы в душе его одновременно не возникла соответствующая яркая мысль», а Бальмонт добавлял: «Тютчев поднимается до художественного понимания осени, как душевного состояния природы».

Среди «положенных на музыку» поэтов с Тютчевым может конкурировать разве что Александр Сергеевич Пушкин. Исключительные музыкальность, мелодизм, певучесть строфы — всё, что именуется «музыкой в поэзии» — привели к возникновению целой тютчевской «индустрии», «поэзии в музыке» — созданию огромного числа музыкальных произведений на основе стихотворных текстов Тютчева. Другая причина исключительной музыкальности поэтического наследия Федора Ивановича — в том, что он «берет сравнения для определения общего бытия природы из сферы музыки»: стихи необыкновенно насыщены образами, рожденными звуковыми впечатлениями, вызванными слуховыми эффектами. «Примечательна глубочайшая связь мира звуков, заключенного в самом содержании тютчевской лирики, с особенностями художественного стиля, творческого метода, всего миросозерцания поэта».

Тютчев постоянно прибегал к очень смелым, далеко опережающим его время звуковым определениям. Возможно, он и сам не задумывался при этом, как смелы они. Строка «Поют деревья, блещут воды» вызвала недоумение критики, хотя значительно больше шансов вызвать его было у следующей строки: «Любовью воздух растворен…» Несмотря на то, что словосочетание «поют деревья» могло бы быть легко объяснено, как легкий шум листвы, А. Фет дал ему более сложное и, очевидно, более правильное истолкование: деревья, писал он, «поют, должно быть, своими мелодическими весенними формами». Фет ощутил в этой метафоре характерное для своего и для тютчевского творчества переключение зрительного восприятия в музыкальное.

Как это ни парадоксально, современники Тютчева плохо слышали не только поэзию Тютчева, но и содержащуюся в ней музыку. При жизни Тютчева, свыше чем 50 лет его творчества, ни один сколько-нибудь известный композитор не переложил на музыку ни одного его стихотворения.

Характерно, что в число стихотворений, избранных для первых романсов, вошли четыре, насчитывающие к настоящему времени наибольшее число музыкальных истолкований: в 1856 г. был издан романс С. А. Зыбиной «Еще томлюсь тоской желаний»; в 1857 г. — «Что ты клонишь над водами» Г. А. Кушелева-Безбородко; в 1861 г. увидели свет романсы М. С. Сабининой «Весенние воды» и «Слезы людские».

Первыми выдающимися произведениями вокальной лирики, открывшими музыкальную плотину поэзии Тютчева, стали романсы П. И. Чайковского «Как над горячей золой» (1875) и дуэт «Слезы людские» (1880). С. В. Рахманинова, горячо любившего поэзию и вдохновлявшегося поэзией, Тютчев прельстил «Слезами». Вершиной обращения Рахманинова к тютчевской лирике стал романс «Весенние воды», который весь словно залит солнечным светом и проникнут чувством радостного подъема и ликования. В конце XIX века к поэтической сокровищнице Тютчева, кроме Чайковского и Рахманинова, обращались Танеев, Кюи, Гречанинов, Черепнин и другие композиторы. Увеличилось количество жанров «музыкальной тютчевианы»: романсы, хоры, музыкальные циклы, оратории, программные инструментальные сочинения…

Особенно высоко тютчевская волна в музыке поднялась в годы «реакции» — между двумя русскими революциями на музыку было положено около 50 стихотворных миниатюр (Метнер, Мясковский, Глиэр, Катуар и др.). Стихотворение «Тени сизые смесились…» получило в начале XX века по меньшей мере шесть музыкальных трактовок (Метнера, Катуара, Чеснокова, Золотарева, Гольденвейзера, Жиляева), «Слезы людские…» — не менее десяти.

Брюсов открыто называл Тютчева импрессионистом, т.е. поэтом, определяющим предметы по впечатлению, которое они на него оказывают в данный миг. В качестве примера он приводит тютчевские эпитеты: звезды чуткие, тьма гремящая, голос жаворонка — гибкий; или метафоры: деревья поют, луна очаровывает мглу и прочие. В 1900 г. в статье «Элементарные слова о символической поэзии» Бальмонт пишет: «Все наиболее талантливые поэты современной России — Брюсов, Сологуб, Гиппиус, Мережковский и др. видят в Тютчеве лучшего своего учителя». А Валерий Брюсов уточняет: «Рядом с Пушкиным, создателем у нас истинно-классической поэзии, Тютчев стоит, как великий мастер и родоначальник поэзии намеков».

Анализ стихотворения Бальмонта

Константин Дмитриевич Бальмонт – русский поэт-символист, один из ярчайших представителей русской поэзии Серебряного века. Бальмонт стал первым представителем символизма в поэзии, получившим всероссийскую известность.

Одновременно с тем, что Бальмонт стал первым представителем символистов, он был наиболее ярким импрессионистом русской поэзии. Даже названия его стихов и циклов несут в себе нарочитую акварельную размытость красок: «Лунный свет», «Мы шли в золотистом тумане», «В дымке нежно-золотой», «Воздушно-белые». Мир стихов Бальмонта, как на полотнах художников этого стиля, размыт. Здесь господствуют не люди, не вещи и даже не чувства, а бесплотные качества, образованные от прилагательных существительные с абстрактным суффиксом «ость»: мимолетность, безбрежность, всегласность и т.д. Устремляясь, подобно другим символистам, к «синтезу искусств», Бальмонт наполняет русский стих беспрецедентной музыкальной инструментовкой, напористым потоком аллитераций и ассонансов, т.е. созвучиями согласных и гласных:

С лодки скользнуло весло,

Ласково млеет прохлада.

«Милый! Мой милый!» — Светло,

Сладко от беглого взгляда.

Лебедь уплыл в полумглу,

Вдаль, под луною белея.

Ластятся волны к веслу,

Ластится к влаге лилея.

Слухом невольно ловлю

Лепет зеркального лона.

«Милый! Мой милый! Люблю» —

Полночь глядит с небосклона.

«Влага»,<1899>

Картина французского живописца Клода Моне «Мост Ватерлоо» является потрясающей иллюстрацией к этому стихотворению [].

Мастерское обыгрывание звуков Л и У создает здесь звуковой образ мягко плещущей воды, подобный некоторым эффектам импрессионистической музыки, и одновременно вызывает в памяти текучие извивы живописи и архитектуры стиля модерн.

Бальмонт трудился ради того, чтобы в литературном сознании читателей рубежа веков утвердились полновесные права слова не как орудия идеи, а как самоценного музыкального феномена. Идея в стихах должна оставаться лишь едва переводимой на рациональный язык. На месте идеи — лирическая эмоция. Все стихотворение стремится превратиться в символ. Блок говорил об этом: нужно полюбить явления, кроме их идей. Так как это видение необычно, и было понято современниками не сразу, над стихотворениями Бальмонта много глумились, создавая пародии.

Лирический герой Бальмонта стремится раствориться в мироздании, возвести в культ изменчивость, мимолетность чувств. Такие ощущения лучше всего передаются импрессионистической техникой. Впечатления ценны в своей неясности. Их объединяет не логика, а ассоциации:

Неясная радуга. Звезда отдаленная.
Долина и облако. И грусть неизбежная.
Легенда о счастии, борьбой возмущенная.
Лазурь непонятная, немая, безбрежная.

Зарница неверная. Печаль многострунная.
Цветы нерасцветшие. Волненье бесцельное.
Мечта заповедная, туманная, лунная.
И Море бессонное, как сон — беспредельное.

Виденья прозрачные и призрачно-нежные.
Стыдливого ангела признанья несмелые.
Стремление к дальнему. Поля многоснежные,
Застывшие, мертвые,- и белые, белые.

«Неясная радуга»,<1897>

Проиллюстрировать это стихотворение можно картиной «Радуга» русского художника-импрессиониста Архипа Ивановича Куинджи [].

Стихи Бальмонта во многом выросли из стихов Фета. В них также ослаблена предикативность. Например, стихотворение «Неясная радуга» К. Бальмонта напоминает стихотворение «Шепот, робкое дыхание…» А. Фета тем, что в обоих этих стихотворениях одна интонация, одно настроение и все глагольные формы заменены назывными предложениями.

Как видно из всего, сказанного выше, в стихотворениях поэтов XIX века, таких как А.А. Фет, К.Д. Бальмонт и Ф.И. Тютчев, отразились многие черты импрессионизма. Найденные и проанализированные нами стихотворения этих поэтов позволяют выявить следующее: основными чертами импрессионизма в поэзии русских поэтов являются музыкальность стихотворения, его красочность, отсутствие законченного сюжета и глагольных форм в стихотворении, а также присутствие множества символов и намеков в стихотворении.

Заключение

В ходе написания работы я достигла цели и смогла найти общие черты импрессионистических стихотворений и картин художников-импрессионистов.

Исследование может быть полезно и интересно учащимся школ, которые увлекаются поэзией, а также всем, кто интересуется импрессионизмом. Результаты исследования могут быть использованы учителями при подготовке уроков по литературе и учениками 11-ых классов при написании итогового сочинения по русскому языку и литературе.

Данное исследование в корне изменило мое представление об импрессионизме в поэзии. Оно помогло мне по-новому взглянуть на когда-то прочитанные мной стихотворения. Думаю, что полученные мной знания помогут мне в будущем лучше понимать и анализировать стихотворения.

Список использованной литературы

https://ru.wikipedia.org/wiki/Импрессионизм

http://allrefs.net/c16/41o2e/p8/

http://www.krugosvet.ru/enc/kultura_i_obrazovanie/literatura/IMPRESSIONIZM_V_LITERATURE.html?page=0,1

http://md-eksperiment.org/etv_page.php?page_id=2899&album_id=120&category

http://www.hintfox.com/article/mpressionizm-v-tvorchestve-a-a-feta.html

http://cyberleninka.ru/article/n/a-fet-i-muzyka

http://gumfak.ru/otech_html/afet/fet-referats/547-6.html

http://www.proza.ru/2013/04/15/428

http://www.studfiles.ru/preview/2682150/

http://fb.ru/article/175226/f-i-tyutchev-portretyi-tvorcheskogo-cheloveka

http://raspopin.den-za-dnem.ru/index_e.php?text=297

https://ru.wikipedia.org/wiki/Бальмонт,_Константин_Дмитриевич

http://www.konspektov.net/question/3985034

http://booksonline.com.ua/view.php?book=135232

http://www.rulit.me/books/balmont-zhizn-i-poeziya-read-71368-2.html

http://mirznanii.com/a/302618/konstantin-balmont-biografiya-i-tvorchestvo

Приложения

1 .

2 .

3 .

4 .

5 .

6 .

7 .

8 .

9 .

1 0.

11.

Живопись в импрессионизме и постимпрессионизме: представители

Существует мнение, что живопись в импрессионизме занимает не такое уж и важное место. А вот импрессионизм в живописи — напротив. Утверждение очень парадоксальное и противоречивое. Но это только на первый, поверхностный взгляд.

Пожалуй, что за все тысячелетия существования в арсенале человечества художественного изобразительного искусства ничего более нового, революционного так и не появилось. Импрессионизм есть в любом современном художественном полотне. Его можно явственно увидеть и в кадрах фильма прославленного мэтра, и среди глянца дамского журнала. Он проник в музыку и книги. А ведь когда-то было все иначе.

Истоки импрессионизма

В 1901 году во Франции, в пещере Комбарель, случайно обнаружили наскальные рисунки, самому молодому из которых насчитывалось 15 000 лет. И это был первый импрессионизм в живописи. Потому что первобытный художник не ставил целью прочитать зрителю мораль. Он просто рисовал ту жизнь, которая его окружала.

А потом этот метод забыли на много-много лет. Человечество изобрело иные вербальные средства общения. И передача эмоций визуальным методом перестала быть для него злободневной.

В чем-то к импрессионизму были близки древние римляне. Но часть их стараний засыпало пеплом. А туда, куда не дотянулся Везувий, пришли варвары.

Живопись сохранилась, но стала иллюстрировать тексты, сообщения, послания, знания. Она перестала быть чувством. Она стала притчей, пояснением, историей. Посмотрите на гобелен из Байе. Он прекрасен и бесценен. Но это не картина. Это семьдесят метров льняного комикса.

Живопись в импрессионизме: начало

Неспешно и величаво развивалась живопись в мире на протяжении тысячелетий. Появлялись новые краски и техники. Художники познали важность перспективы и силу воздействия красочного рисованного послания на человеческий разум. Живопись стала академической наукой и приобрела все черты монументального искусства. Она стала неповоротливой, чопорной и в меру пафосной. В то же время отточенной и незыблемой, как канонический религиозный постулат.

Источником сюжетов для картин служили религиозные притчи, литература, постановочные жанровые сценки. Мазки были мелкими, незаметными. Лессировка вводилась в ранг догмы. И искусство рисования в обозримом будущем обещало закостенеть, как первобытный лес.

Жизнь менялась, технологии стремительно развивалась, и только художники продолжали штамповать чопорные портреты и приглаженные зарисовки загородных парков. Такое положение вещей устраивало не всех. Но инертность сознания общества преодолевалось с трудом во все времена.

Впрочем, на дворе уже стоял XIX век, давно переваливший за вторую свою половину. Процессы в социуме, занимавшие раньше столетия, теперь происходили на глазах у одного поколения. Стремительно развивались промышленность, медицина, экономика, литература, само общество. Тут-то и проявила себя живопись в импрессионизме.

С днем рождения! Импрессионизм в живописи: картины

Импрессионизм в живописи, как и картины, имеет точную датировку своего рождения — 1863 год. И его появление на свет не обошлось без курьезов.

Центром мирового искусства тогда, безусловно, был Париж. В нем ежегодно проводились большие парижские салоны — мировые выставки-продажи живописных полотен. Жюри, отбиравшее работы для салонов, погрязло в мелких внутренних интригах, никчемных склоках и упрямо ориентировалось на старческие вкусы тогдашних академий. В результате на выставку в салон не попадали новые, яркие художники, чье дарование не соответствовало закостенелым академическим догмам. При отборе участников выставки 1863 года было отвергнуто свыше 60 % заявок. Это тысячи живописцев. Назревал скандал.

Император-галерист

И скандал разразился. Невозможность выставляться лишала средств к существованию и закрывала доступ к широкой публике огромному количеству художников. Среди них имена, известные ныне всему миру: Моне и Мане, Ренуар и Писсарро.

Понятное дело, что это их не устраивало. И начался большой шум в прессе. Дошло до того, что 20 апреля 1893 года Парижский салон посетил Наполеон III и помимо экспозиции целенаправленно осмотрел часть отвергнутых работ. И не нашел в них ничего предосудительного. И даже выступил с этим заявлением в прессе. А потому параллельно большому Парижскому салону открылась альтернативная выставка картин с работами, забракованными жюри салона. В историю она вошла под именем «Выставка отверженных».

Так, 20 апреля 1863 года можно считать днем рождения всего современного искусства. Искусства, ставшего независимым от литературы, музыки и религии. Более того: живопись сама стала диктовать свои условия писателям и композиторам, впервые избавившись от подчиненных ролей.

Представители импрессионизма

Когда мы говорим об импрессионизме, то подразумеваем в первую очередь импрессионизм в живописи. Представители его многочисленны и многогранны. Достаточно назвать самых известных: Дега, Ренуан, Мане, Моне, Писсарро, Сезанн, Моризо, Лепик, Легро, Гоген, Ренуар, Тило, Форен и многие, многие другие. Импрессионисты впервые поставили задачей поймать не просто статичную картинку из жизни, а выхватить чувство, эмоцию, внутреннее переживание. Это был моментальный срез, скоростная фотография мира внутреннего, мира эмоционального.

Отсюда новые контрасты и цвета, доселе не применявшиеся в живописи. Отсюда крупные, смелые мазки и постоянный поиск новых форм. Нет былой четкости и зализанности. Картинка размыта и мимолетна, как настроение человека. Это не история. Это чувства, видимые глазом. Посмотрите на картины импрессионистов. Они все немного оборваны на полуслове, слегка мимолетны. Это не картины. Это наброски, доведенные до гениального совершенства.

Появление постимпрессионизма

Именно стремление на первый план вывести чувство, а не застывший временной осколок, и было для того времени революционным, новаторским. И тут-то и оставался всего один шаг до постимпрессионизма — течения искусства, выводившего на первые роли не эмоцию, а закономерности. Точнее, передачу художником его внутренней, личной действительности. Это попытка рассказать не о внешнем мире, а о внутреннем путем того, как художник видит мир. Это живопись восприятия.

Импрессионизм и постимпрессионизм в живописи очень близки. И само разделение весьма условно. Оба течения близки по времени, да и сами авторы, часто одни и те же, как правило, переходили от одной манеры к другой вполне свободно.

И тем не менее. Посмотрите на работы импрессионистов. Немного неестественные цвета. Мир, привычный нам, но в то же время немного выдуманный. Это то, как его увидел художник. Он не дарит нам природу, современную ему. Он просто немного оголяет для нас свою душу. Душу Боннара и Тулуз-Лотрека. Ван Гога и Дени. Гогена и Сера.

Русский импрессионизм

Переживание импрессионизма, захватившее весь мир, не оставило в стороне и Россию. Между тем в нашей стране, привычной к более размеренной жизни, не понимающей суету и стремления Парижа, импрессионизм так и не смог избавиться от академичности. Он точно птица, рванувшая на взлете, но застывшая на половине пути в небо.

Импрессионизм в русской живописи не получил динамичности французской кисти. Зато приобрел наряженную смысловую доминанту, сделавшую его ярким, несколько обособленным явлением в мировом искусстве.

Импрессионизм — это чувство, выраженное в виде картины. Он не воспитывает, не требует. Он утверждает.

Импрессионизм послужил отправной точкой для модерна и экспрессионизма, конструктивизма и авангарда. Все современное искусство, по сути, начало свой отчет с далекого 20 апреля 1863 года. Живопись в импрессионизме — искусство, рожденное в Париже.

Основные характерные черты импрессионизма. Чем отличается русский импрессионизм в живописи от французского

Импрессиони́зм (фр. impressionnisme , от impression  - впечатление) - направление в искусстве последней трети XIX - начала XX веков, зародившееся во Франции и затем распространившееся по всему миру, представители которого стремились разрабатывать методы и приемы, которые позволяли наиболее естественно и живо запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости, передать свои мимолётные впечатления.

Обычно под термином «импрессионизм» подразумевается направление в живописи (но это, прежде всего, группа методов), хотя его идеи также нашли своё воплощение в литературе и музыке, где импрессионизм также выступал в определенном наборе методов и приемов создания литературных и музыкальных произведений, в которых авторы стремились передать жизнь в чувственной, непосредственной форме, как отражение своих впечатлений.

Впечатление. Восход солнца, Клод Моне, 1872

Термин «импрессионизм» возник с легкой руки критика журнала «Le Charivari» Луи Леруа, который озаглавил свой фельетон о Салоне Отверженных «Выставка импрессионистов», взяв за основу название картины «Впечатление. Восходящее солнце» Клода Моне. Изначально этот термин носил несколько пренебрежительный характер и указывал на соответствующее отношение к художникам, писавшим в этой манере.

Специфика философии импрессионизма

Женщины в саду, Клод Моне, 1866

Французский импрессионизм не поднимал философские проблемы и даже не пытался проникать под цветную поверхность будничности. Вместо этого импрессионизм сосредотачивается на поверхностности, текучести мгновения, настроения, освещении или угле зрения.

Как и искусство ренессанса, импрессионизм строится на особенностях и навыках восприятия перспективы. Вместе с тем ренессансное виденье взрывается доказанной субъективностью и относительностью человеческого восприятия, которое делает цвет и форму автономными составляющими образа. Для импрессионизма не так важно, что изображено на рисунке, но важно как изображено.

Их картины представляли лишь позитивные стороны жизни, не затрагивая социальные проблемы, в том числе такие как голод, болезни, смерть. Это привело позже к расколу среди самих импрессионистов.

Преимущества импрессионизма

К преимуществам импрессионизма как течения относится демократизм. По инерции, искусство и в XIX веке считалось монополией аристократов, высших слоев населения. Именно они выступали главными заказчиками на росписи, монументы, именно они - главные покупатели картин и скульптур. Сюжеты с тяжелым трудом крестьян, трагические страницы современности, позорные стороны войн, бедности, общественных неурядиц осуждались, не одобрялись, не покупались. Критика кощунственной морали общества в картинах Теодора Жерико, Франсуа Милле находила отзыв лишь у сторонников художников и немногих знатоков.

Импрессионисты в этом вопросе занимали достаточно компромиссные, промежуточные позиции. Были отброшены библейские, литературные, мифологические, исторические сюжеты, присущие официальному академизму. С другой стороны они пылко желали признания, уважения, даже наград. Показательной является деятельность Эдуара Мане, который годами добивался признания и наград от официального Салона и его администрации.

Вместо этого появилось виденье будничности и современности. Художники часто рисовали людей в движении, во время забавы или отдыха, представляли вид определенного места при определенном освещении, мотивом их работ была также природа. Брались сюжеты флирта, танцев, пребывание в кафе и театре, прогулок на лодках, на пляжах и в садах.

Голубые танцовщицы, Эдгар Дега, 1897

Если судить по картинам импрессионистов, то жизнь - это очередь маленьких праздников, вечеринок, приятных времяпрепровождений за городом или в дружеском окружении (ряд картин Ренуара, Мане и Клода Моне). Импрессионисты одни из первых стали рисовать на воздухе, не дорабатывая свои работы в мастерской.

Бал в Мулен де ла Галетт, Ренуар, 1876

В кабачке папаши Латюиля, Эдуард Мане, 1879

Техника

Новое течение отличалось от академической живописи как в техническом, так и в идейном плане. В первую очередь импрессионисты отказались от контура, заменив его мелкими раздельными и контрастными мазками, которые они накладывали в соответствии с теориями цвета Шеврёля, Гельмгольца и Руда.

Солнечный луч расщепляется на составляющие: фиолетовый, синий, голубой, зелёный, жёлтый, оранжевый, красный, но поскольку синий - разновидность голубого, то их число сводится к шести. Две положенные рядом краски усиливают друг друга и, наоборот, при смешении они утрачивают интенсивность. К тому же все цвета разделены на первичные, или основные и сдвоенные, или производные, при этом каждая сдвоенная краска является дополнительной по отношению к первой:

• Голубой - Оранжевый
• Красный - Зелёный
• Жёлтый - Фиолетовый

Таким образом стало возможным не смешивать краски на палитре и получать нужный цвет путём правильного наложения их на холст. Это же впоследствии стало поводом отказа от чёрного.

Лягушатник, Огюст Ренуар

Затем импрессионисты перестают концентрировать всю работу над полотнами в мастерских, теперь они предпочитают пленэр, где удобней схватить мимолётное впечатление от увиденного, что стало возможным благодаря изобретению стальных туб для краски, которые в отличие от кожаных мешочков можно было закрыть, чтобы краска не высыхала.

Также художники использовали укрывистые краски, которые плохо пропускают свет и непригодны для смешивания поскольку быстро сереют, это позволило им создавать картины не с «внутренним », а «внешним » светом, отражающимся от поверхности.

Технические отличия способствовали достижению иных целей, прежде всего импрессионисты пытались уловить мимолётное впечатление, мельчайшие изменения в каждом предмете в зависимости от освещения и времени суток, наивысшим воплощением стали циклы картин Моне «Стога сена», «Руанский собор» и «Парламент Лондона».

Стога сена, Моне

В целом, в стиле импрессионизма работало множество мастеров, но основой движения были Эдуард Мане, Клод Моне, Огюст Ренуар, Эдгар Дега, Альфред Сислей, Камиль Писсарро, Фредерик Базиль и Берта Моризо. Однако Мане всегда называл себя «независимым художником» и никогда не участвовал в выставках, а Дега хоть и участвовал, но никогда не писал свои работы на пленэре.

Подробности Категория: Разнообразие стилей и направлений в искусстве и их особенности Опубликовано 04.01.2015 14:11 Просмотров: 10587

Импрессионизм – направление в искусстве, возникшее во второй половине XIX в. Его главной целью была передача мимолетных, изменчивых впечатлений.

Появление импрессионизма связывают с наукой: с последними открытиями оптики и теории цвета.

Это направление затронуло почти все виды искусства, но наиболее ярко оно проявилось в живописи, где передача цвета и света являлась основой творчества художников-импрессионистов.

Значение термина

Импрессиони́зм (фр. Impressionnisme) от impression – впечатление). Этот стиль живописи появился во Франции в конце 1860-х гг. Его представляли Клод Моне, Огюст Ренуар, Камиль Писсарро, Берта Моризо, Альфред Сислей, Жан Фредерик Базиль. Но сам термин появился в 1874 г., когда на выставке была показана картина Моне «Впечатление. Восходящее солнце» (1872). В названии картины Моне подразумевал, что он передаёт только своё мимолётное впечатление от пейзажа.

К. Моне «Впечатление. Восход солнца» (1872). Музей Мармоттан-Моне, Париж
Позже термин «импрессионизм» в живописи стал пониматься шире: внимательное изучение натуры с точки зрения цвета и освещения. Целью импрессионистов было изображение мгновенных, как бы «случайных» ситуаций и движений. Для этого ими были использованы различные приёмы: сложные ракурсы, асимметричность, фрагментарность композиций. Картина у художников-импрессионистов становится как бы застывшим мгновением постоянно изменяющегося мира.

Художественный метод импрессионистов

Самые популярные жанры импрессионистов – пейзажи и сцены из городской жизни. Они всегда писались «на пленэре», т.е. непосредственно с натуры, на природе, без эскизов и предварительных набросков. Импрессионисты замечали и умели передавать на холсте цвета и оттенки, обычно невидимые простым глазом и невнимательным зрителем. Например, передача синего цвета в тенях или розового – на закате. Они разлагали сложные тона на составляющие их чистые цвета спектра. От этого их живопись получалась светлой и трепетной. Художники-импрессионисты краски накладывали отдельными мазками, в свободной и даже небрежной манере, поэтому их картины лучше смотреть на расстоянии – именно при таком взгляде создаётся эффект живого мерцания красок.
Импрессионисты отказались от контура, заменив его мелкими раздельными и контрастными мазками.
К. Писсарро, А. Сислей и К. Моне предпочитали пейзажи и городские сцены. О. Ренуар любил изображать людей на лоне природы или в интерьере. Французский импрессионизм не поднимал философские и социальные проблемы. Они не обращались к библейским, литературным, мифологическим, историческим сюжетам, которые были присущи официальному академизму . Вместо этого на живописных полотнах появилось изображение будничности и современности; изображение людей в движении, во время отдыха или развлечения. Их основные сюжеты – флирт, танцы, люди в кафе и театре, прогулки на лодках, пляжи и сады.
Импрессионисты старались уловить мимолётное впечатление, мельчайшие изменения в каждом предмете в зависимости от освещения и времени суток. В этом плане наивысшим достижением можно считать циклы картин Моне «Стога сена», «Руанский собор» и «Парламент Лондона».

К. Моне «Собор в Руане в солнце» (1894). Музей Орсе, Париж, Франция
«Руанский собор» – цикл из 30 картин Клода Моне, которые представляют собой виды собора в зависимости от времени дня, года и освещения. Этот цикл был написан художником в 1890-х гг. Собор позволил ему показать отношение между постоянной, твёрдой, структурой здания и изменяющимся, легко играющим светом, меняющим наше восприятие. Моне концентрируется на отдельных фрагментах готического собора и выбирает портал, башню святого Мартина и башню Альбане. Его интересует исключительно игра света на камне.

К. Моне «Руанский Собор, Западный Портал, Туманная Погода» (1892). Музей Орсе, Париж

К. Моне «Руанский собор, портал и башня, эффект утра; белая гармония» (1892-1893). Музей Орсе, Париж

К. Моне «Руанский собор, портал и башня в солнце, гармония голубого и золота» (1892-1893). Музей Орсе, Париж
Вслед за Францией художники-импрессионисты появились в Англии и США (Джеймс Уистлер), в Германии (Макс Либерман, Ловис Коринт), в Испании (Хоакин Соролья), в России (Константин Коровин, Валентин Серов, Игорь Грабарь).

О творчестве некоторых художников-импрессионистов

Клод Моне (1840-1926)

Клод Моне, фотография 1899 г.
Французский живописец, один из основателей импрессионизма. Родился в Париже. Рисованием увлекался с детства, в 15 лет проявил себя талантливым карикатуристом. К пейзажной живописи его приобщил Эжен Буден – французский художник, предшественник импрессионизма. Позже Моне поступил в университет на факультет искусств, но разочаровался и покинул его, поступив в студию живописи Шарля Глейра. В студии он познакомился с художниками Огюстом Ренуаром, Альфредом Сислеем и Фредериком Базилем. Они были практически сверстниками, придерживались схожих взглядов на искусство и вскоре составили костяк группы импрессионистов.
Известность Моне принёс портрет Камиллы Донсьё, написанный в 1866 г. («Камилла, или портрет дамы в зелёном платье»). Камилла в 1870 г. года стала женой художника.

К. Моне «Камилла» («Дама в зеленом») (1866). Кунстхалле, Бремен

К. Моне «Прогулка: Камилла Моне с сыном Жаном (Женщина с зонтиком)» (1875). Национальная галерея искусства, Вашингтон
В 1912 г. врачи поставили К. Моне диагноз двойной катаракты, ему пришлось перенести две операции. Лишившись хрусталика на левом глазу, Моне вновь обрел зрение, но стал видеть ультрафиолет как голубой или лиловый цвет, отчего его картины обрели новые цвета. Например, рисуя знаменитые «Водяные лилии», Моне видел лилии голубоватыми в ультрафиолетовом диапазоне, для других людей они были просто белыми.

К. Моне «Водяные лилии»
Художник скончался 5 декабря 1926 г. в Живерни и был похоронен на местном церковном кладбище.

Камиль Писсарро (1830-1903)

К. Писсарро «Автопортрет» (1873)

Французский живописец, один из первых и наиболее последовательных представителей импрессионизма.
Родился на острове Сент-Томас (Вест-Индия), в буржуазной семье еврея-сефарда и уроженки Доминиканской республики. До 12 лет жил в Вест-Индии, в возрасте 25 лет вместе со всей семьёй переехал в Париж. Здесь учился в Школе изящных искусств и в Академии Сюиса. Его учителями были Камиль Коро, Гюстав Курбе и Шарль-Франсуа Добиньи. Начинал с сельских пейзажей и видов Парижа. Писсарро оказал сильное влияние на импрессионистов, самостоятельно выработав многие принципы, легшие в основу их стиля живописи. Он дружил с художниками Дега, Сезанном и Гогеном. Писарро был единственным участником всех 8 выставок импрессионистов.
Скончался в 1903 г. в Париже. Похоронен на кладбище Пер-Лашез.
Уже в ранних работах художник особое внимание уделял изображению освещенных предметов в воздушной среде. Свет и воздух стали с тех пор ведущей темой в творчестве Писсарро.

К. Писсарро «Бульвар Монмартр. После полудня, солнечно» (1897)
в 1890 г. Писарро увлёкся техникой пуантилизма (раздельного наложения мазков). Но через некоторое время вернулся к своей обычной манере.
В последние годы жизни у Камиля Писсарpо заметно испортилось зрение. Но он продолжал работу и создал серию видов Парижа, наполненных художественными эмоциями.

К. Писсарро «Улица в Руане»
Необычный ракурс некоторых его полотен объясняется тем, что художник писал их из гостиничных номеров. Эта серия стала одним из высших достижений импрессионизма в передаче света и атмосферных эффектов.
Писсарро писал также акварелью и создал серию офортов и литографий.
Вот несколько его интересных высказываний об искусстве импрессионизма: «Импрессионисты на верном пути, их искусство здоровое, оно основано на ощущениях и оно честное».
«Счастлив тот, кто может разглядеть красоту в обычных вещах, там, где другие ничего не видят!»

К. Писсарро «Первый мороз» (1873)

Русский импрессионизм

Русский импрессионизм развивался с конца XIX-начала XX в. В нём сказалось воздействие творчества французских импрессионистов. Но русский импрессионизм имеет ярко выраженную национальную специфику и во многом не совпадает с хрестоматийными представлениями о классическом французском импрессионизме. В живописи русских импрессионистов преобладают предметность, материальность. В нём большая нагруженность смыслом и меньшая динамизация. Русский импрессионизм ближе, чем французский, к реализму . Французские импрессионисты делали упор на впечатлении от увиденного, а русские добавили и отображение внутреннего состояния художника. Работа должна была быть завершена за один сеанс.
Некоторая незавершенность русского импрессионизма создаёт «трепет жизни», который был характерен для них.
К импрессионизму относят творчество русских художников: А. Архипова, И. Грабаря, К. Коровина, Ф. Малявина, Н. Мещерина, А. Мурашко, В. Серова, А. Рылова и др.

В. Серов «Девочка с персиками» (1887)

Эту картину считают эталоном русского импрессионизма в портрете.

Валентин Серов «Девочка с персиками» (1887). Холст, масло. 91×85 см. Государственная Третьяковская галерея
Картина написана в усадьбе Саввы Ивановича Мамонтова в Абрамцево, которую тот приобрел у дочери писателя Сергея Аксакова в 1870 г. На портрете изображена 12-летняя Вера Мамонтова. Девочка нарисована сидящей за столом; на ней розовая блузка с тёмно-синим бантом; на столе нож, персики и листья.
«Всё, чего я добивался, – это свежести, той особенной свежести, которую всегда чувствуешь в натуре и не видишь в картинах. Писал я больше месяца и измучил её, бедную, до смерти, уж очень хотелось сохранить свежесть живописи при полной законченности, – вот как у старых мастеров» (В. Серов).

Импрессионизм в других видах искусства

В литературе

В литературе импрессионизм как отдельное направление не сложился, но его черты нашли отражение в натурализме и символизме .

Эдмон и Жюль Гонкуры. Фотография
Принципы натурализма прослеживаются в романах братьев Гонкуров и Джордж Элиот. Но первым термин «натурализм» использовал для обозначения собственного творчества Эмиль Золя. Вокруг Золя группировались писатели Ги де Мопассан, Альфонс Доде, Гюисманс и Поль Алексис. После выхода сборника «Меданские вечера» (1880) с откровенными рассказами о бедствиях франко-прусской войны (включая мопассановскую повесть «Пышка») за ними закрепилось название «меданской группы».

Эмиль Золя
Натуралистическое начало в литературе часто подвергалось критике за недостаток художественности. Например, И. С. Тургенев писал по поводу одного из романов Золя, что «там много копаются в ночных горшках». Критически относился к натурализму и Гюстав Флобер.
Золя поддерживал дружеские отношения со многими художниками-импрессионистами.
Символисты использовали символы, недосказанность, намеки, таинственность, загадочность. Основным настроением, улавливаемым символистами, являлся пессимизм, доходящий до отчаянья. Всё «природное» представлялось лишь «видимостью», не имеющей самостоятельного художественного значения.
Таким образом, импрессионизм в литературе выражался частным впечатлением автора, отказом от объективной картины реальности, изображением каждого мгновения. Фактически это приводило к отсутствию сюжета и истории, заменой мысли восприятием, а рассудок – инстинктом.

Г. Курбе «Портрет П. Верлена» (около 1866 г.)
Яркий пример поэтического импрессионизма – сборник Поля Верлена «Романсы без слов» (1874). В России влияние импрессионизма испытали Константин Бальмонт и Иннокентий Анненский.

В. Серов «Портрет К. Бальмонта» (1905)

Иннокентий Анненский. Фотография
Эти настроения коснулись и драматургии. В пьесах присутствует пассивное восприятие мира, анализ настроений, душевных состояний. В диалогах концентрируются мимолётные разрозненные впечатления. Эти признаки характерны для творчества Артура Шницлера.

В музыке

Музыкальный импрессионизм сложился во Франции в последнюю четверть XIX в. – начале XX в. Ярче всего он выразился в творчестве Эрика Сати, Клода Дебюсси и Мориса Равеля.

Эрик Сати
Музыкальный импрессионизм близок импрессионизму во французской живописи. У них не только общие корни, но и причинно-следственные отношения. Композиторы-импрессионисты искали и находили не только аналогии, но и выразительные средства в творчестве Клода Моне, Поля Сезанна, Пюви де Шаванна и Анри де Тулуз-Лотрека. Конечно, средства живописи и средства музыкального искусства могут быть связаны друг с другом только при помощи особенных, тонких ассоциативных параллелей, существующих только в сознании. Если смотреть на расплывчатое изображение Парижа «в осеннем дожде» и такие же звуки, «приглушённые шумом падающих капель», то здесь можно говорить только о свойстве художественного образа, но не реального изображения.

Клод Дебюсси
Дебюсси пишет «Облака», «Эстампы» (наиболее образный из которых, акварельная звуковая зарисовка – «Сады под дождём»), «Образы», «Отблески на воде», которые вызывают прямые ассоциации со знаменитым полотном Клода Моне «Импрессия: восход солнца». По выражению Малларме, композиторы-импрессионисты учились «слышать свет», передавать в звуках движение воды, колебание листвы, дуновение ветра и преломление солнечных лучей в вечернем воздухе.

Морис Равель
Прямые связи живописи и музыки существуют у М. Равеля в его звукоизобразительной «Игре воды», цикле пьес «Отражения», фортепианном сборнике «Шорохи ночи».
Импрессионисты создавали произведения утончённые искусства и одновременно ясные по выразительным средствам, эмоционально сдержанные, бесконфликтные и строгие по стилю.

В скульптуре

О. Роден «Поцелуй»

Импрессионизм в скульптуре выражался в свободной пластике мягких форм, которая создает сложную игру света на поверхности материала и ощущение незавершенности. В позах скульптурных персонажей схвачен момент движения, развития.

О. Роден. Фотография 1891 г.
К этому направлению относят скульптурные работы О. Родена (Франция), Медардо Россо (Италия), П.П. Трубецкого (Россия).

В. Серов «Портрет Паоло Трубецкого»

Па́вел (Паоло) Трубецко́й (1866-1938) – скульптор и художник, работал в Италии, США, Англии, России и Франции. Родился в Италии. Внебрачный сын русского эмигранта, князя Петра Петровича Трубецкого.
С детства самостоятельно заниматься скульптурой и живописью. Никакого образования не имел. В начальный период своего творчества создавал портретные бюсты, произведения мелкой пластики, участвовал в конкурсах на создание крупных скульптур.

П. Трубецкой «Памятник Александру III», Санкт-Петербург
Первая выставка произведений Паоло Трубецкого состоялась в США в 1886 г. В 1899 г. скульптор приехал в Россию. Принимает участие в конкурсе по созданию памятника Александру III и неожиданно для всех получает первую премию. Этот памятник вызывал и продолжает вызывать разноречивые оценки. Более статичного и тяжеловесного памятника трудно себе представить. И только положительная оценка императорской семьи позволила занять памятнику соответствующее место — в скульптурном изображении нашли сходство с оригиналом.
Критики считали, что Трубецкой работал в духе «устаревшего импрессионизма».

Образ гениального русского писателя получился у Трубецкого более «импрессионистическим»: здесь явно присутствует движение — в складках рубахи, развевающейся бороде, повороте головы, присутствует даже ощущение того, что скульптору удалось уловить напряжение мысли Л. Толстого.

П. Трубецкой «Бюст Льва Толстого» (бронза). Государственная Третьяковская галерея

Европейское искусство конца 19-го века было обогащено возникновением модернистского Позже его влияние распространилось на музыку и литературу. Оно получило название «импрессионизм», поскольку основывалось на тончайших впечатлениях художника, образах и настроениях.

Истоки и история возникновения

Несколько молодых художников во второй половине 19-го века объединились в группу. У них была общая цель и совпадали интересы. Главным для этой компании стала работа на природе, без стен мастерской и различных сдерживающих факторов. В своих картинах они стремились передать всю чувственность, впечатление от игры света и тени. Пейзажи и портреты отражали единение души с Вселенной, с окружающим миром. Их картины — подлинная поэзия красок.

В 1874 году проходила выставка этой группы художников. Пейзаж Клода Моне «Впечатление. Восход солнца» остановил взгляд критика, который в своем отзыве впервые назвал этих творцов импрессионистами (от французского impression — «впечатление»).

Предпосылками рождения стиля импрессионизм, картины представителей которого вскоре обретут невероятный успех, стали работы эпохи Возрождения. Творчество испанцев Веласкеса, Эль Греко, англичан Тернера, Констебла безоговорочно повлияло на французов, которые были родоначальниками импрессионизма.

Яркими представителями стиля во Франции стали Писсарро, Мане, Дега, Сислей, Сезан, Моне, Ренуар и другие.

Философия импрессионизма в живописи

Художники, писавшие в этом стиле, не ставили перед собой задачи привлечь внимание общественности к и бедам. В их работах не найти сюжетов на злобу дня, нельзя получить нравоучение или заметить людские противоречия.

Картины в стиле импрессионизм направлены на передачу сиюминутного настроения, разработку цветовых решений загадочной природы. В произведениях есть место только позитивному началу, мрачность обходила импрессионистов стороной.

По сути, импрессионисты не утруждали себя продумыванием сюжета и деталей. Главнейшим фактором было не что нарисовать, а каким образом изобразить и передать свое настроение.

Техника написания картин

Колоссальна разница между академической манерой рисования и техникой импрессионистов. От многих методов они просто отказались, некоторые изменили до неузнаваемости. Вот какие новшества они внесли:

1. Отказались от контура. Произошла замена его на мазки — мелкие и контрастные.
2. Перестали использовать палитры для Были подобраны цвета, дополняющие друг друга и не требующие слияния для получения определенного эффекта. Например, желтый — фиолетовый.
3. Прекратили рисовать черным цветом.
4. Полностью отказались от работы в мастерских. Писали исключительно на натуре, дабы легче было запечатлеть миг, образ, чувство.
5. Использовали только краски, имеющие хорошую кроющую способность.
6. Не дожидались, когда высохнет новый слой. Свежие мазки наносили сразу же.
7. Создавали циклы произведений, чтобы проследить за изменениями света и тени. Например, «Стога сена» кисти Клода Моне.

Разумеется, не все художники выполняли в точности особенности стиля импрессионизм. Картины Эдуара Мане, например, никогда не участвовали в совместных выставках, а сам он позиционировал себя как отдельно стоящий художник. Эдгар Дега работал только в мастерских, однако качеству его произведений это не вредило.

Представители французского импрессионизма

Первая выставка работ импрессионистов датирована 1874 годом. Спустя 12 лет прошла их последняя экспозиция. Первым произведением в этом стиле можно назвать «Завтрак на траве» кисти Э. Мане. Эта картина была представлена в «Салоне отверженных». Она была встречена недружелюбно, поскольку сильно отличалась от академических канонов. Именно поэтому Мане становится фигурой, вокруг которой собирается кружок последователей этого стилистического направления.

К сожалению, современниками не был по достоинству оценен такой стиль, как импрессионизм. Картины и художники существовали в несогласии с официальным искусством.

Постепенно на первый план в коллективе живописцев выходит Клод Моне, который впоследствии станет их предводителем и главным идеологом импрессионизма.

Клод Моне (1840—1926)

Творчество этого художника можно охарактеризовать как гимн импрессионизма. Именно он первым отказался от использования черного цвета в своих картинах, мотивируя это тем, что даже тени и ночь имеют другие тона.

Мир в картинах Моне — это неясные очертания, пространные штрихи, глядя на которые можно прочувствовать весь спектр игры цвета дня и ночи, времен года, гармонии подлунного мира. Лишь мгновение, которое было выхвачено из жизненного потока, в понимании Моне и есть импрессионизм. Картины его будто не обладают материальностью, все они пропитаны лучами света и потоками воздуха.

Клодом Моне были созданы удивительные работы: «Вокзал Сен-Лазар», «Руанский собор», цикл «Мост Чаринг-Кросс» и многие другие.

Огюст Ренуар (1841—1919)

Творения Ренуара создают впечатление необыкновенной легкости, воздушности, эфирности. Сюжет рожден как будто случайно, однако известно, что художник тщательно продумывал все этапы своей работы и трудился с утра до ночи.

Отличительной особенностью творчества О. Ренуара является применение лессировки, которое возможно только при написании Импрессионизм в работах художника проявляется в каждом штрихе. Человек воспринимается им как частица самой природы, поэтому так многочисленны картины с обнаженной натурой.

Любимым занятием Ренуара было изображение женщины во всей ее привлекательной и притягательной красоте. Портреты занимают особое место в творческой жизни художника. «Зонтики», «Девушка с веером», «Завтрак гребцов» — только малая часть удивительной коллекции картин Огюста Ренуара.

Жорж Сера (1859—1891)

Процесс создания картин Сера связывал с научным обоснованием теории цвета. Световоздушная среда рисовалась на основе зависимости основных и добавочных тонов.

Несмотря на то что Ж. Сера является представителем завершающего этапа импрессионизма, и его техника во многом отлична от основоположников, он точно так же создает с помощью мазков иллюзорное представление предметной формы, рассмотреть и увидеть которое можно лишь на расстоянии.

Шедеврами творчества можно назвать картины «Воскресный день», «Канкан», «Натурщицы».

Представители русского импрессионизма

Русский импрессионизм возник практически спонтанно, смешал в себе многие явления и методы. Однако основой, как и у французов, было натурное видение процесса.

В русском импрессионизме хоть и были сохранены черты французского, но особенности национальной природы и состояния души внесли значительные изменения. Например, видение снега или северных пейзажей выражалось с помощью необычной техники.

В России немногие художники работали в стиле импрессионизм, картины их притягивают взгляды и по сей день.

Импрессионистический период можно выделить в творчестве Валентина Серова. Его «Девочка с персиками» — ярчайший пример и эталон этого стиля в России.

Картины покоряют своей свежестью и созвучием чистых красок. Главной темой творчества этого художника является изображение человека на природе. «Северная идиллия», «В лодке», «Федор Шаляпин» — яркие вехи деятельности К. Коровина.

Импрессионизм в современности

В настоящее время это направление в искусстве получило новую жизнь. В данном стиле несколько художников пишут свои картины. Современный импрессионизмсуществует в России (Андре Кон), во Франции (Лоран Парселье), в Америке (Диана Леонард).

Андре Кон является самым ярким представителем нового импрессионизма. Его картины, написанные маслом, поражают своей простотой. Художник видит прекрасное в обыденных вещах. Творец трактует многие предметы через призму движения.

Акварельные произведения Лорана Парселье знает весь мир. Его серию работ «Странный мир» выпустили в виде открыток. Великолепные, яркие и чувственные, они захватывают дух.

Как и в веке 19-м, в настоящий момент художников остается пленэрная живопись. Благодаря ей будет вечно жить импрессионизм. художников по-прежнему вдохновляют, впечатляют и воодушевляют.

К середине 1880-х годов импрессионизм, постепенно перестает существовать как единое направления, и распадается, дав заметный толчок эволюции искусства. К началу ХХ века набрали силу тенденции отказа от реализма и новое поколение художников отвернулось от импрессионизма.

Возникновение названия

Первая важная выставка импрессионистов проходила с 15 апреля по 15 мая 1874 года в мастерской фотографа Надара . Там было представлено 30 художников, всего 165 работ. Холст Моне — «Впечатление. Восходящее солнце » (Impression, soleil levant ), ныне в Музее Мармоттен, Париж , написанный в 1872 году дал рождение термину «импрессионизм»: малоизвестный журналист Луи Леруа в своей статье в журнале «Le Charivari » для выражения своего пренебрежения обозвал группу «импрессионистами». Художники, из вызова, приняли этот эпитет, впоследствии он прижился, потерял свой первоначальный отрицательный смысл и вошёл в активное употребление.

Название «импрессионизм» — достаточно бессодержательное, в отличие от названия «Барбизонская школа », где хотя бы есть указание на географическое расположение художественной группы. Ещё меньше ясности с некоторыми художниками, которые формально не входили в круг первых импрессионистов, хотя их технические приёмы и средства полностью «импрессионистические», — Уистлер , Эдуард Мане , Эжен Буден и т. д. К тому же технические средства импрессионистов были известны задолго до XIX века и их (частично, ограниченно) использовали ещё Тициан и Веласкес , не порывая с господствующими идеями своей эпохи.

Была ещё одна статья (автор Эмиль Кардон) и ещё одно название — «Выставка мятежников», абсолютно неодобрительное и осуждающее. Именно оно точно воспроизводило неодобрительное отношение буржуазной публики и критику к художникам (импрессионистам), которое господствовало годами. Импрессионистов сразу обвинили в аморальности, мятежных настроениях, несостоятельности быть добропорядочными. В настоящий момент это вызывает удивление, потому что непонятно, что аморального в пейзажах Камиля Писсарро , Альфреда Сислея , бытовых сценах Эдгара Дега , натюрмортах Моне и Ренуара .

Прошли десятилетия. И новое поколение художников придет к настоящему развалу форм и обнищанию содержания. Тогда и критика, и публика, увидела в осужденных импрессионистах — реалистов, а немного позже и классиков французского искусства.

Специфика философии импрессионизма

Французский импрессионизм не поднимал философские проблемы и даже не пытался проникать под цветную поверхность будничности. Вместо этого импрессионизм, будучи искусством в известной степени манерным и маньеристским , сосредотачивается на поверхностности, текучести мгновения, настроения, освещении или угле зрения.

Как и искусство ренессанса (Возрождение), импрессионизм строится на особенностях и навыках восприятия перспективы. Вместе с тем ренессансное виденье взрывается доказанной субъективностью и относительностью человеческого восприятия, которое делает цвет и форму автономными составляющими образа. Для импрессионизма не так важно, что изображено на рисунке, но важно как изображено.

Картины импрессионистов не несут социальной критики, не затрагивают социальные проблемы, такие как голод, болезни, смерть, представляя лишь позитивные стороны жизни. Это привело позже к расколу среди самих импрессионистов.

Импрессионизм и общество

Импрессионизму присущ демократизм. По инерции, искусство и в XIX веке считалось монополией аристократов, высших слоев населения. Именно они выступали главными заказчиками на росписи, монументы, именно они — главные покупатели картин и скульптур. Сюжеты с тяжелым трудом крестьян, трагические страницы современности, позорные стороны войн, бедности, общественных неурядиц осуждались, не одобрялись, не покупались. Критика кощунственной морали общества в картинах Теодора Жерико , Франсуа Милле находила отзыв лишь у сторонников художников и немногих знатоков.

Импрессионисты в этом вопросе занимали достаточно компромиссные, промежуточные позиции. Были отброшены библейские, литературные, мифологические, исторические сюжеты, присущие официальному академизму . С другой стороны они пылко желали признания, уважения, даже наград. Показательной является деятельность Эдуара Мане , который годами добивался признания и наград от официального Салона и его администрации.

Вместо этого появилось виденье будничности и современности. Художники часто рисовали людей в движении, во время забавы или отдыха, представляли вид определенного места при определенном освещении, мотивом их работ была также природа. Брались сюжеты флирта, танцев, пребывание в кафе и театре, прогулок на лодках, на пляжах и в садах. Если судить по картинам импрессионистов, то жизнь — это очередь маленьких праздников, вечеринок, приятных времяпрепровождений за городом или в дружеском окружении (ряд картин Ренуара , Мане и Клода Моне). Импрессионисты одни из первых стали рисовать на воздухе, не дорабатывая свои работы в мастерской.

Техника

Новое течение отличалось от академической живописи как в техническом, так и в идейном плане. В первую очередь импрессионисты отказались от контура, заменив его мелкими раздельными и контрастными мазками, которые они накладывали в соответствии с теориями цвета Шеврёля , Гельмгольца и Руда. Солнечный луч расщепляется на составляющие: фиолетовый, синий, голубой, зелёный, жёлтый, оранжевый, красный, но поскольку синий — разновидность голубого, то их число сводится к шести. Две положенные рядом краски усиливают друг друга и, наоборот, при смешении они утрачивают интенсивность. К тому же все цвета разделены на первичные, или основные, и сдвоенные, или производные, при этом каждая сдвоенная краска является дополнительной по отношению к первой:

• Голубой — Оранжевый
• Красный — Зелёный
• Жёлтый — Фиолетовый

Таким образом стало возможным не смешивать краски на палитре и получать нужный цвет путём правильного наложения их на холст. Это же впоследствии стало поводом для отказа от чёрного.

Затем импрессионисты перестают концентрировать всю работу над полотнами в мастерских, теперь они предпочитают пленэр , где удобней схватить мимолётное впечатление от увиденного, что стало возможным благодаря изобретению стальных туб для краски, которые в отличие от кожаных мешочков можно было закрыть, чтобы краска не высыхала.

Также художники использовали укрывистые краски, которые плохо пропускают свет и непригодны для смешивания поскольку быстро сереют, это позволило им создавать картины не с «внутренним », а «внешним » светом, отражающимся от поверхности .

Технические отличия способствовали достижению иных целей, прежде всего импрессионисты пытались уловить мимолётное впечатление, мельчайшие изменения в каждом предмете в зависимости от освещения и времени суток, наивысшим воплощением стали циклы картин Моне «Стога сена», «Руанский собор » и «Парламент Лондона».

В целом, в стиле импрессионизма работало множество мастеров, но основой движения были Эдуард Мане , Клод Моне , Огюст Ренуар , Эдгар Дега , Альфред Сислей , Камиль Писсарро , Фредерик Базиль и Берта Моризо . Однако Мане всегда называл себя «независимым художником» и никогда не участвовал в выставках, а Дега хоть и участвовал, но никогда не писал свои работы на пленэре.

Хронология по художникам

Импрессионисты

Выставки

• Первая выставка (15 апреля — 15 мая )

Адрес : бульвар Капуцинок , 35 (ателье фотографа Надара).Участники : Аструк , Аттендю, Белиар , Бракемон , Брандон , Буден , Бюро , Гийомен , Дебра, Дега , Кальс , Колен, Ла Туш , Левер, Лепик , Лепин , Мейер, де Молен, Моне , Моризо , Мюло-Дюриваж, Джузеппе Де Ниттис , А. Оттен, Л. Оттен,

Существует мнение, что живопись в импрессионизме занимает не такое уж и важное место. А вот импрессионизм в живописи — напротив. Утверждение очень парадоксальное и противоречивое. Но это только на первый, поверхностный взгляд.

Пожалуй, что за все тысячелетия существования в арсенале человечества художественного изобразительного искусства ничего более нового, революционного так и не появилось. Импрессионизм есть в любом современном художественном полотне. Его можно явственно увидеть и в кадрах фильма прославленного мэтра, и среди глянца дамского журнала. Он проник в музыку и книги. А ведь когда-то было все иначе.

Истоки импрессионизма

В 1901 году во Франции, в пещере Комбарель, случайно обнаружили наскальные рисунки, самому молодому из которых насчитывалось 15 000 лет. И это был первый импрессионизм в живописи. Потому что первобытный художник не ставил целью прочитать зрителю мораль. Он просто рисовал ту жизнь, которая его окружала.

А потом этот метод забыли на много-много лет. Человечество изобрело иные И передача эмоций визуальным методом перестала быть для него злободневной.

В чем-то к импрессионизму были близки древние римляне. Но часть их стараний засыпало пеплом. А туда, куда не дотянулся Везувий, пришли варвары.

Живопись сохранилась, но стала иллюстрировать тексты, сообщения, послания, знания. Она перестала быть чувством. Она стала притчей, пояснением, историей. Посмотрите на гобелен из Байе. Он прекрасен и бесценен. Но это не картина. Это семьдесят метров льняного комикса.

Живопись в импрессионизме: начало

Неспешно и величаво развивалась живопись в мире на протяжении тысячелетий. Появлялись новые краски и техники. Художники познали важность перспективы и силу воздействия красочного рисованного послания на человеческий разум. Живопись стала академической наукой и приобрела все черты монументального искусства. Она стала неповоротливой, чопорной и в меру пафосной. В то же время отточенной и незыблемой, как канонический религиозный постулат.

Источником сюжетов для картин служили религиозные притчи, литература, постановочные жанровые сценки. Мазки были мелкими, незаметными. Лессировка вводилась в ранг догмы. И искусство рисования в обозримом будущем обещало закостенеть, как первобытный лес.

Жизнь менялась, технологии стремительно развивалась, и только художники продолжали штамповать чопорные портреты и приглаженные зарисовки загородных парков. Такое положение вещей устраивало не всех. Но инертность сознания общества преодолевалось с трудом во все времена.

Впрочем, на дворе уже стоял XIX век, давно переваливший за вторую свою половину. Процессы в социуме, занимавшие раньше столетия, теперь происходили на глазах у одного поколения. Стремительно развивались промышленность, медицина, экономика, литература, само общество. Тут-то и проявила себя живопись в импрессионизме.

С днем рождения! Импрессионизм в живописи: картины

Импрессионизм в живописи, как и картины, имеет точную датировку своего рождения — 1863 год. И его появление на свет не обошлось без курьезов.

Центром мирового искусства тогда, безусловно, был Париж. В нем ежегодно проводились большие парижские салоны — мировые выставки-продажи живописных полотен. Жюри, отбиравшее работы для салонов, погрязло в мелких внутренних интригах, никчемных склоках и упрямо ориентировалось на старческие вкусы тогдашних академий. В результате на выставку в салон не попадали новые, яркие художники, чье дарование не соответствовало закостенелым академическим догмам. При отборе участников выставки 1863 года было отвергнуто свыше 60 % заявок. Это тысячи живописцев. Назревал скандал.

Император-галерист

И скандал разразился. Невозможность выставляться лишала средств к существованию и закрывала доступ к широкой публике огромному количеству художников. Среди них имена, известные ныне всему миру: Моне и Мане, Ренуар и Писсарро.

Понятное дело, что это их не устраивало. И начался большой шум в прессе. Дошло до того, что 20 апреля 1893 года Парижский салон посетил Наполеон III и помимо экспозиции целенаправленно осмотрел часть отвергнутых работ. И не нашел в них ничего предосудительного. И даже выступил с этим заявлением в прессе. А потому параллельно большому Парижскому салону открылась альтернативная выставка картин с работами, забракованными жюри салона. В историю она вошла под именем «Выставка отверженных».

Так, 20 апреля 1863 года можно считать днем рождения всего современного искусства. Искусства, ставшего независимым от литературы, музыки и религии. Более того: живопись сама стала диктовать свои условия писателям и композиторам, впервые избавившись от подчиненных ролей.

Представители импрессионизма

Когда мы говорим об импрессионизме, то подразумеваем в первую очередь импрессионизм в живописи. Представители его многочисленны и многогранны. Достаточно назвать самых известных: Дега, Ренуан, Писсарро, Сезанн, Моризо, Лепик, Легро, Гоген, Ренуар, Тило, Форен и многие, многие другие. Импрессионисты впервые поставили задачей поймать не просто статичную картинку из жизни, а выхватить чувство, эмоцию, внутреннее переживание. Это был моментальный срез, скоростная фотография мира внутреннего, мира эмоционального.

Отсюда новые контрасты и цвета, доселе не применявшиеся в живописи. Отсюда крупные, смелые мазки и постоянный поиск новых форм. Нет былой четкости и зализанности. Картинка размыта и мимолетна, как настроение человека. Это не история. Это чувства, видимые глазом. Посмотрите на Они все немного оборваны на полуслове, слегка мимолетны. Это не картины. Это наброски, доведенные до гениального совершенства.

Появление постимпрессионизма

Именно стремление на первый план вывести чувство, а не застывший временной осколок, и было для того времени революционным, новаторским. И тут-то и оставался всего один шаг до постимпрессионизма — течения искусства, выводившего на первые роли не эмоцию, а закономерности. Точнее, передачу художником его внутренней, личной действительности. Это попытка рассказать не о внешнем мире, а о внутреннем путем того, как художник видит мир. восприятия.

Импрессионизм и постимпрессионизм в живописи очень близки. И само разделение весьма условно. Оба течения близки по времени, да и сами авторы, часто одни и те же, как правило, переходили от одной манеры к другой вполне свободно.

И тем не менее. Посмотрите на работы импрессионистов. Немного неестественные цвета. Мир, привычный нам, но в то же время немного выдуманный. Это то, как его увидел художник. Он не дарит нам природу, современную ему. Он просто немного оголяет для нас свою душу. Душу Боннара и Тулуз-Лотрека. Ван Гога и Дени. Гогена и Сера.

Русский импрессионизм

Переживание импрессионизма, захватившее весь мир, не оставило в стороне и Россию. Между тем в нашей стране, привычной к более размеренной жизни, не понимающей суету и стремления Парижа, импрессионизм так и не смог избавиться от академичности. Он точно птица, рванувшая на взлете, но застывшая на половине пути в небо.

Импрессионизм в русской живописи не получил динамичности французской кисти. Зато приобрел наряженную смысловую доминанту, сделавшую его ярким, несколько обособленным явлением в мировом искусстве.

Импрессионизм — это чувство, выраженное в виде картины. Он не воспитывает, не требует. Он утверждает.

Импрессионизм послужил отправной точкой для модерна и экспрессионизма, конструктивизма и авангарда. Все современное искусство, по сути, начало свой отчет с далекого 20 апреля 1863 года. Живопись в импрессионизме — искусство, рожденное в Париже.

Генри Джеймс и импрессионизм в литературе

Портрет Генри Джеймса (1843-1916), картина маслом Джона Сингера Сарджента (1913)

15 апреля 1843 года родился американо-британский писатель Генри Джеймс . Джеймс считается ключевой фигурой, переходной между литературным реализмом и литературным модернизмом, и многими считается одним из величайших романистов на английском языке. Он наиболее известен рядом романов, посвященных социальным и супружеским отношениям между американцами-эмигрантами, англичанами и европейцами — примеры таких романов включают Портрет леди , Послы и Крылья Голубь .

«Роман в самом широком смысле — это личное, прямое впечатление от жизни: это, прежде всего, составляет его ценность, которая больше или меньше в зависимости от интенсивности впечатления».
— Генри Джеймс: Искусство фантастики, 1885

Молодежь и образование

Генри Джеймс вырос в обеспеченной семье. Его отец, Генри Джеймс старший, был одним из самых уважаемых интеллектуалов, среди друзей и знакомых которого были Генри Дэвид Торо, Ральф Уолдо Эмерсон и Натаниэль Хоторн.С раннего возраста Джеймс познакомился с классиками британской, американской, французской и немецкой литературы. В юности Генри-младший путешествовал по Европе и учился в Нью-Йорке, Лондоне, Париже, Болонье, Бонне и Женеве. В возрасте девятнадцати лет он начал изучать право на юридическом факультете Гарвардского университета, но вскоре обнаружил, что литература ему ближе.

«В конечном итоге мнение часто пользуется заслугой из снисходительности своих покровителей».
— Генри Джеймс, «Очерки критики Мэтью Арнольда», Североамериканское обозрение (июль 1865 г.).

Первые публикации

В возрасте двадцати лет Джеймс начал писать статьи для американских журналов. Год спустя он опубликовал свой первый рассказ « Трагедия ошибок ». С 1866 по 1869 год и с 1871 по 1872 год он работал в журнале The Atlantic Monthly и газете Nation . Его первый рассказ, Watch and Ward , появился в 1871 году как сериал в Atlantic Monthly . Джеймс написал его во время своего путешествия по Венеции и Парижу.История о холостяке, который усыновляет двенадцатилетнюю девочку и хочет позже жениться. В 1878 году Дейзи Миллер прославила его по обе стороны Атлантики.

«Чтобы написать немного литературы, нужно много истории».
— Генри Джеймс, Хоторн, (1879) гл. I: Ранние годы.

Портрет дамы

В многослойной работе Джеймса антагонизм между Европой «Старого Света» с ее давними культурными традициями и наивностью Америки «Нового Света» играет важную, возможно, даже центральную роль.Другой характерной чертой его творчества являются психологически многослойные и тщательно прорисованные женские фигуры, как, например, в Портрет дамы, его первом шедевре, появившемся в 1881 году. Стиль этих романов в целом прост и, хотя и характерен для него лично. , вполне в пределах норм художественной литературы 19-го века. Это история энергичной молодой американки Изабель Арчер, которая «оскорбляет свою судьбу» и находит ее подавляющей. Она унаследовала большую сумму денег и впоследствии стала жертвой макиавеллистских интриг двух американских экспатриантов

.

«Мы работаем в темноте — мы делаем то, что можем — мы отдаем то, что имеем.Наши сомнения — это наша страсть, а наша страсть — наша задача. Остальное — безумие искусства ».
— Генри Джеймс, Средние годы (1893).

Поворот винта

Второй период карьеры Джеймса, который простирается от публикации The Portrait of a Lady до конца девятнадцатого века, включает менее популярные романы, в том числе The Princess Casamassima , опубликованные серийно в The Atlantic Monthly в 1885 году. –1886 и The Bostonians , серийно издававшаяся в The Century Magazine за тот же период.В этот период также была представлена ​​знаменитая готическая новелла Джеймса «Поворот винта », в которой рассказывается о гувернантке, которая, ухаживая за двумя детьми в отдаленном поместье, убеждается, что на этой территории обитают привидения. Третий период карьеры Джеймса достиг своего наиболее значительного достижения в трех романах, опубликованных примерно в начале 20-го века: The Wings of the Dove (1902), The Ambassadors (1903) и The Golden Bowl (1904).В качестве особых образцов для подражания он назвал Оноре де Бальзака [1] и Джорджа Элиота; про Бальзака он однажды сказал, что научился писать от него больше, чем от кого-либо еще.

«Настоящая обида, как она в конечном итоге осознала, заключалась в том, что у нее вообще был собственный разум. Ее разум должен был принадлежать ему — быть привязанным к его собственному, как небольшой садовый участок в оленьем парке ».
— Генри Джеймс, Женский портрет (1881)

Эмиграция в Великобританию

Прожив некоторое время в Париже и написав различные статьи для New York Tribune , он поселился в Англии в 1875 году и стал гражданином Великобритании в 1915 году.Шок начавшейся Первой мировой войны побудил Джеймса, среди прочего, протестовать против политики невмешательства США. В Англии он написал для Желтую книгу . В первые годы своего пребывания в Европе Джеймс в основном изображал жизнь американцев за границей, особенно в Европе. В 1905 году он впервые за 25 лет посетил свою родную страну и написал Jolly Corner , который основан на его наблюдениях в Нью-Йорке и его окрестностях и рассказывает кошмарную историю человека, которого преследует его двойник.

«Эта история держала нас у костра, достаточно затаив дыхание, но за исключением очевидного замечания, что это было ужасно, как в канун Рождества в старом доме, по сути, должна быть странная история».
— Генри Джеймс, Поворот винта (1898)

Спустя годы

Между 1906 и 1910 годами он переработал различные повествования и рассказы для « New York Edition » своего собрания сочинений, которые были опубликованы сыном Чарльза Скрибнера в 1911 году.Первые два тома его автобиографии, Маленький мальчик и другие и Записки сына и брата , были опубликованы в период с 1913 по 1914 год. Третий том был опубликован посмертно в 1917 году. Генри Джеймс умер 28 февраля 1916 года в больнице. в возрасте 72 лет после перенесенного незадолго до этого сердечного приступа.

Чрезвычайно подробное описание внутренней жизни его персонажей делает Джеймса современным писателем. Он считается мастером косвенной характеристики и стал, среди прочего, образцом стиля потока сознания; особенно хорошо известные примеры этой техники можно найти в Джеймсе Джойсе « Ulysses [2] и в Manhattan Transfer Джона Дос Пассоса.

Ссылки и дополнительная литература:

Соперничество братьев и сестер импрессионизма | OUPblog

Шестьдесят всемирно известных картин импрессионистов прибыли в Королевскую академию художеств в Лондоне из Копенгагена в марте прошлого года, за считанные секунды до того, как была введена первая изоляция. Вместо того, чтобы собирать кассовые сборы, они простояли четыре месяца на складе. Но затем в августе Академия вновь открыла свои двери с защищенным Covid фильмом «Гоген и импрессионисты».«То, что эта выставка так быстро разошлась, свидетельствует не только о нашем голоде по непосредственной культуре после периода плена, но и о непреходящей популярности импрессионизма. Чего многие в этой социально дистанцированной толпе, возможно, не осознавали, так это того, что у импрессионистической живописи есть менее ценимый младший брат, литературный импрессионизм. Хотя эта литературная категория может включать в себя целый ряд канонических писателей — например, Флобера, Пруста, Джеймса, Мэнсфилда и Вульф, — она ​​не имеет ничего общего с славой простого «импрессионизма», в котором художники поспешно записали свое первое впечатление от сцены. и широкие мазки.Почему?

Через пять лет после первой выставки импрессионистов 1874 года, на которой были представлены работы Моне, Дега и Ренуара, в Париже появилась статья под названием «Импрессионизм в романе». Здесь критик Фердинанд Брунетьер описал литературный импрессионизм как преемник реализма, который стремился изобразить реалистическое повествование. Термин прижился. Такие романисты, как Флобер, Золя и Мопассан, вскоре были заявлены в новую школу. В течение следующих пятидесяти лет известные романисты в Британии, такие как Харди, Джеймс, Конрад, Форд и Вульф, утверждали, что роман тоже был «впечатлением», или пытались запечатлеть впечатления в различных художественных манифестах.Точно так же, как художники-импрессионисты записывали свои первые впечатления от сцены, писатели-импрессионисты изобразили сознательный опыт своих персонажей по мере его развития через рассказчика, который, кажется, не знает будущих событий, как и читатель. Это психологические романы, в которых персонажи пытаются осмыслить свою жизнь, часто подчеркивая значение мимолетного впечатления от события в часы или годы, следующие за ним. Однако термин «литературный импрессионизм» редко фигурирует в списках лекций и учебниках факультетов английской литературы университетов.Почему нет?

Одна из причин заключается в том, что концепция литературного импрессионизма отстаивает преемственность между девятнадцатым и двадцатым веками, соединяя реализм и модернизм. Но это неприятно совпадает с эдиповой борьбой литературных модернистов со своими родителями в девятнадцатом веке, их усилиями, по словам Эзры Паунда, «сделать это новым». Вирджиния Вульф сказала нам, что «примерно в декабре 1910 года человеческий характер изменился», и с тех пор «модернизм» стал тотемным для литературных критиков как представление о том, что двадцатый век внес решительный сдвиг в человеческий опыт и его литературное представление.

Концептуальная проблема также объясняет низкую популярность термина «литературный импрессионизм». Этот термин, кажется, основан на сравнении живописи и литературы и, более того, подразумевает приоритет живописи над литературой. Но действительно ли импрессионистические романы являются порождением импрессионистических картин? Как живопись может породить литературу? Потенциальная изобразительность литературного импрессионизма вызвала всеобщую тревогу, потому что, по словам Джесси Маца, «литература… означает идеи, размышления… и поэтому в ней нет места для чисто перцептивного впечатления».Может ли писатель когда-либо действительно «изобразить» свое повествование? В любом случае, наверняка некоторые из этих романистов, Джеймс или, возможно, Пруст, не особенно живописны, не так ли?

Возможно, литературный импрессионизм станет термином, если мы также вернем для этого периода древнее понятие «родственных искусств». Вместо того, чтобы рассматривать литературный импрессионизм как бросающую вызов жанрам дочь живописного импрессионизма, мы можем рассматривать его как младшую сестру, которую информировали аналогичные культурные и интеллектуальные контексты.Мы сможем увидеть это более ясно, если уберем «-изм» из этих двух родственных искусств. В конце концов, термин «импрессионизм» пришел от критиков, а не от художников или писателей. Размышление об «искусстве впечатлений Клода Моне» или «искусстве впечатлений Генри Джеймса» помогает нам увидеть каждого художника как отдельного, но информированного одними и теми же репрезентациями впечатлений , философских, психологических или культурных.

Среди контекстов, которые открывает для нас impression , доминирует один: эмпиризм, философское движение, начавшееся в Британии, но имевшее глобальное влияние, в том числе на живописный и литературный импрессионизм.Ранние эмпирики Джон Локк и Дэвид Хьюм утверждали, что все наши знания основаны на опыте и, более или менее, что такой опыт впервые встречается через впечатления. Впечатления дают сырье для мысли: все наши идеи происходят из этих впечатлений. Затем наш разум объединяет эти идеи для создания более сложных идей, которые сами производят на нас дальнейшее впечатление. Таким образом, для эмпириков опыт включает два вида восприятия: внешнее восприятие, восприятие внешнего мира, и внутреннее восприятие, восприятие идей в нашем сознании.

Учитывая этот философский контекст, один из способов понять литературный импрессионизм состоит в том, что он использует силу слов, чтобы понять, как образы, которые мы видим, взаимодействуют с образами в нашем сознании, когда мы думаем или вспоминаем. Он ставит для нас то, что Генри Джеймс называл «драмой сознания», сопоставляя впечатления с идеями, внешнее с внутренним восприятием. Напротив, художники-импрессионисты сосредотачиваются на нашем внешнем восприятии. Литературный импрессионизм, возможно, не является ни враждующим братом живописного импрессионизма, ни его уходящим на пенсию ребенком, но вместо этого привносит в семью свои собственные таланты и интересы.Некоторым из нас в данный момент посчастливилось иметь здоровье и время, чтобы жаждать культуры во время нынешнего кризиса. Пока мы заперты, а картины импрессионистов заперты, мы не должны забывать, что многие книги на наших полках могут предложить нам свои собственные впечатления.

Показанное изображение: Клод Моне, Впечатление, Восходящее Солнце, 1872

Ярчайшие представители импрессионизма

Самые яркие представители импрессионизма

Как же можно терпеть импрессионизм? Разве это не первая подвижность современного искусства.Импрессионизм как направление искусства способен очаровать каждого. Это отражено в чрезвычайно удивительных произведениях. Несмотря на то, что это изобразительное искусство легко понять, иногда бывает трудно исправить определенную картину, фотографию или другую часть импрессионизма. Внутренние органы в тот момент, когда вы это увидите, навсегда останутся в хранилище.

В таком очерке мы хотим рассказать, что вы просто краткий рассказ об импрессионизме. Также нужно сказать о некоторых из лучших людей, которые символизируют это ремесло. Наша индивидуальная служба публикации эссе предлагает свою интересную и полезную информацию, соответствующую вашим потребностям.Если вам сложно размещать газету, поговорите с каждым из наших агентов. Мы поможем вам практически во всех запутанных задачах создания.

Краткое наследие импрессионизма

1. Импрессионизм как искусство родился во Франции. Мода произошла на крупнейшем рынке 19 века. У каждого арт-мероприятия есть свои представители. Сама эпоха импрессионизма расстреляла людей, сумевших всеми впечатлениями передать этот факт.

Обычно, когда говорят об импрессионизме, имеют в виду живопись.Тем не менее, эта акция повлияла на любимые песни и литературу. Люди выбирали особые приемы, чтобы отразить основную чувственность жизни с собственной точки зрения.

Причина появления импрессионизма в девятнадцатом веке — это желание художников разработать свои собственные стратегии. Они устали от процедур и целей, которые предлагал академизм. Это действительно художники, которые создают картины по собственной линии.

Кредитная карта

Термин «импрессионизм» возник из картины Клода Моне.Французский эксперт Луи Леруа недооценил знаменитый спектакль Моне «Впечатление, восход». Итак, название стиля приобрело негативный оттенок. Время идет так плохо, что теряет свое влияние. Сегодня мир признает это упражнение как нечто действительно вдохновляющее и реальное.

2. Первая выставка импрессионистов состоялась в 1874 году. 30 художников представили сто шестьдесят пять работ. Вскоре Лерой наткнулся на картину с участием Моне. В наши дни человек может визуализировать это в Париже, Франция, в музее Мармоттан.Есть множество способов, которыми повседневная жизнь неожиданно перевернула все события.

4. Рождение импрессионизма началось очень давно. Представители, связанные с эпохой Возрождения, пытались передать уверенность через светящиеся цвета. Привар Греко и даже Веласкес уловили эту концепцию. Их действия оказали большое влияние на Эдуарда Мане и Ренуара. Английские художники сыграли важную роль в подготовке пути, по которому поток мог прорваться.

твоя пятерка. Японское искусство оказало влияние на импрессионистов и их поклонников.Мастера декора по-разному отображали рисунки на листе бумаги. Импрессионисты позаимствовали собственную идею.

6-й. Чтобы победить импрессионизм, его представителей требовалось собираться в кафе Guerbois. В это время Эдуард Мане обращался к художникам и даже поэтам. Тем самым он стал главным покровителем современного искусства.

Действительно, буржуазная культура не соглашалась на идею импрессионистов. В статье «Разоблачение повстанцев» Эмиль Кардоне написал неодобрительные и насмешливые выражения, подходящие для художников нового движения.Нас обвиняли в безнравственности и честности в нетрудоспособности. В настоящее время приведенные выше утверждения вызывают удивление. Что аморального в поверхностных картинах Камиля Писсарро и Альфреда Сислея или просто в натюрморте Мане?

Только раз в несколько десятков лет общество и критики развили свой мозг. Наконец, что они видели уж точно не импрессионистов, а тем не менее реалистов и, возможно, классиков с французским искусством.

Воспользуйтесь услугами, чтобы узнать интересную информацию об арт-акциях и их влиянии на мир.

Широко известные представители импрессионизма

1. Оскар Клод Моне. Был одним из тех людей, которые сыграли простую роль в появлении импрессионизма. Некоторые эксперты считают его самым важным художником импрессионистского движения. На момент своей жизни диссертация +% 2f + диссертация + помощь + и + длинная помощь Моне сделал около пары тысяч 700 картин и даже рисунков.

Клод Моне всегда хотел быть любым художником.Независимо от воли отца, Моне поступил в любой местный художественный класс, когда ему исполнилось 10 лет. В 15 лет он правильно продавал эти карикатуры. Знакомясь с ним, он переманил опытных музыкальных исполнителей. Они помогли Клоду Моне улучшить их работу.

Моне не радовался традиционным решениям, которым учили в школе. В ближайшее время он законсервировал художественный университет и пополнил список художников, которые пробовали рисовать машины в другой технике. Эти художники были сконцентрированы скорее в свете, а затем в цвете по сравнению с картиной в целом.

Клод Моне приобрел непростой образ жизни. Он был очень беден. Только в конце девятнадцатого века его / ее работы приобрели большой успех, поэтому их можно продавать. Сегодня его картины можно увидеть в музеях мира.

2. Эдгар Дега. Этот ремесленник родился в очень обеспеченной семье. Его популярным занятием, когда Дега, должно быть, было маленьким мальчиком, было посещение Лувра вместе с папой. Когда Эдгару было 15 лет, он обратился к искусству. Его / ее отец сильно воодушевлял его, но он не собирался делать из своего малыша искусство своей жизненной карьерой.

Ламот был наставником Дега. Человек научил Эдгара использовать четкие контуры на рисунке. Несколько раз Дега посещал Италию. Именно здесь он оценил усилия итальянского Возрождения. С 20 лет Эдгар начал работать над своего рода портретом «Семья Беллелли». Вскоре это стало широко известной работой.

Дега потратил достаточно времени на рисование балерин и танцоров. Обычно Дега показывал репетиции этих ребят. Так он подчеркнул их непростую работу. Многие утверждают, что Дега работал над этими фотографиями, потому что они были популярны.

три и более. Мэри Кассат. Девушка была великим импрессионистом из Пенсильвании. Когда Мэри исполнилось 16 лет, девочка поступила в Учебное заведение чудесных искусств. Дама была разочарована, проверив программу. В конце концов Мария переехала в Рим. Однажды эта девушка увидела работы импрессионистов. Она была в восторге от результатов Эдгара Дега.

Мария любила раскрашивать портреты. Мама и дети были их любимыми предметами. Она выдумывала сцены с честными близкими.Марта изображала людей, которые занимались повседневными делами. Ее здоровые и правдивые работы очень воодушевляют многих.

4. Клод Дебюсси. Поскольку мы говорили об импрессионизме, мы не могли забыть о влиянии музыки. Музыкальные исполнители, как и художники, пытались нести реальность в музыке. По этой причине эти люди использовали характерный ритм, а также тональность. Клод Дебюсси принадлежал к тем людям, которые выражали все свои эмоции с участием импрессионистов посредством музыки.

Про Дебюсси говорили, что он банален. Человек выразил через музыку реальное желание найти что-то ненормальное и странное. Он обычно находил окраску популярной музыки и часто забывал в пределах ясности относительно структуры.

довольно много. Поль Верлен. Следующий французский поэт стал одним из основоположников импрессионизма с литературой. Наиболее важным аспектом типичной поэзии Верлена может быть музыка со стихотворением, определенно не значение слов.Парень всегда совмещал жизнь и работу. Джон Верлен приобрел очень яркую личность. Человек часто покупал затерянные на реке http://projet-cuisine.fr/once-you-have-a-eye-sight-for-your-new-small/ встречи и свой характер.

Французская поэзия была риторической, преувеличенной и торжественной. Верлен снова превратил его в легкое, лирическое, вдобавок к мелодичному искусству. Он умел соединять поэтическое слово через живое понятие. Это была полная революция во всей поэзии.

Будьте благодарны за то, что подписались на эти бумажки. Читайте наши собственные работы, внимательно смотрите на лучших композиторов традиционной музыки. Этот метод очень хорош. Обращайтесь к каждому нашему сервису. Нам повезет, что мы вам поможем.

от реализма до постимпрессионизма | Учебные ресурсы по истории искусств

Эта лекция посвящена европейскому искусству девятнадцатого века от реализма до постимпрессионизма. Ключевые вопросы к лекции:

• Как изменилась тематика от периода реализма до постимпрессионистов?
• Что способствовало этим изменениям?
• Чем различались формальные подходы?
• Чем различались выставочные стратегии?
• Как искусство этого периода проложило путь к модернизму начала двадцатого века?

За две полуторачасовые лекции вы сможете охватить следующее:

• Оноре Домье, Гаргантюа, 1831
• Орас Верне, Баррикада , 1848
• Жан-Луи-Эрнест Мейсонье, Память о гражданской войне или Баррикада на улице Мортеллер, июнь 1848 г., 1848
• Оноре Домье, Баррикады , 1848
• Гюстав Курбе, Камнедробители, 1849
• Жан-Франсуа Милле, Сеятель , 1850
• Жан-Франсуа Милле, The Gleaners, 1857
• Rosa Bonheur, The Horse Fair, 1853–5
• Оноре Домье, Бремя , 1855–186
• Оноре Домье, вагон третьего класса , 1855–6
• Гюстав Курбе, Девушки на берегу Сены (лето), 1856
• Эдуард Мане, Dejeuner sur l’Herbe (Обед на траве) , 1863
• Эдуард Мане, Олимпия, 1863
• Клод Моне, Впечатление: Восход, 1873
• Claude Monet, Boulevard des Capucines, 1873
• Camille Pissarro, Boulevard du Montmartre, 1897
• Берта Моризо, Summer’s Day, 1879
• Pierre-Auguste Renoir, La Moulin de la Galette, 1876
• Pierre-Auguste Renoir, La Loge, 1874
• Мэри Кассат, Женщина в лоджии (В опере), 1879
• Мэри Кассат, The Loge, 1880
• Эдуард Мане, Бар в Фоли-Бержер, 1881
• Жорж Сёра, Субботний полдень на La Grande Jatte , 1884–6
• Поль Сезанн, Mont St.Виктуар , г. 1887
• Винсент Ван Гог, Звездная ночь , 1889

Реализм

В течение 1930-х и 40-х годов такие писатели, как Оноре де Бальзак (1799–1850) и Гюстав Флобер (1821–80), написали неидеализированные отчеты о десятках подгрупп, составлявших французское общество, сосредоточив внимание на деталях повседневной жизни (как уже отмечалось). Эмиля Золя). В отличие от романтиков, которые видели мир через цветные линзы, они смотрели на мир через прозрачное стекло и публиковали эти типы социальных характеристик в ежедневных журналах.Художники-реалисты были вдохновлены этим изменением акцента. Оноре Домье (1808–79), в частности, проиллюстрировал многие из этих небольших публикаций, демонстрируя интерес к «современности» или тому, что стало называться реализмом.

Луи-Филипп (1773–1850), герцог Орлеанский, был коронован в 1830 году после июльской революции, свергнувшей Карла X (1757–1836), последнего из королей Бурбонов. Луи-Филипп считался могилой спасения после бесчинств монархии Бурбонов.Его называли «гражданином-королем» и «королем Франции», а не «королем Франции», чтобы подчеркнуть его родство с народом. Но уже в 1831 году стало ясно, что этот «гражданин-король» консервативен и монархичен. При его правлении условия жизни рабочего класса еще больше ухудшились, а разрыв в доходах увеличился, что привело к экономическому кризису 1847 года.

Домье пронзил Луи-Филиппа своей карикатурой Гаргантюа , представив короля как толстого бюрократа, финансирующего правительство за счет налогообложения бедных.На снимке Луи-Филипп потребляет деньги, увеличивая свою возмутительную зарплату, сидя на унитазе, извергая бесполезные правительственные прокламации. (Луи-Филипп позволил себе «зарплату» более 18 миллионов франков, что в 37 раз больше, чем получал Наполеон Бонапарт или почти в 150 раз больше, чем получал американский президент Эндрю Джексон.) Его толстая голова в форме груши, четко идентифицирует эту фигуру Гаргантюа как Луи-Филиппа (его грушевидная голова широко использовалась в карикатурах, напечатанных и распространенных в популярной прессе).За то, что он выставил короля в таком негативном свете, Домье был приговорен к шести месяцам тюремного заключения.

В феврале 1848 года Луи-Филипп был свергнут, и Францией правил избранное правительство Второй республики. События февраля установили принцип «права на труд», и вновь избранное правительство создало Национальные мастерские для безработных. Мастерские имели успех, но финансировались за счет новых налогов, уплачиваемых землевладельцами. Результатом стало отчуждение землевладельцев (особенно крестьян), которые возмущались тем, что их заставляли поддерживать «право на труд» безработных.В результате налоги не были уплачены, что нанесло ущерб денежным средствам, выделенным мастерским, которые в конечном итоге рухнули, что привело к повсеместной безработице и бедности.

23 июня был издан указ, согласно которому мастерские закрываются через три дня, а безработные могут присоединиться к французской армии или вернуться домой. В отчаянии рабочие устроили восстание с 24 по 26 июня. Они построили сотни баррикад из камней, которыми были выложены парижские улицы, чтобы заблокировать доступ правительству.Национальная гвардия была привлечена, чтобы остановить беспорядки, в результате которых французские граждане убили французских граждан. Последствием этого был очень кровавый, но безуспешный бунт (более 10 000 человек были ранены или убиты, а 4 000 повстанцев были депортированы во французскую колонию Алжир). В декабре Луи Наполеон (1808–1873 гг.) Благодаря обещанию реформ и поддержке крестьян был избран президентом Второй республики.

Февральская революция, бремя крестьян и июньское восстание нашли отражение в массовой печати и на картинах Салона 1848 года. Гораций Верне (1789–1863), известный своими изображениями батальных сцен Луи-Филиппа, запечатлел волнение и славу восстания с точки зрения французской армии. Домье обрисовал, как местные рабочие классы присоединяются к драке. Другой художник, Жан-Луи-Эрнест Мейсонье (1815–1891), тоже артиллерийская подпись Национальной гвардии, штурмовавшей баррикады, нарисовал сцену, свидетелем которой он был воочию. Память о гражданской войне или Баррикада на улице Мортеллер, июнь 1848 г. , изображает руины баррикады на одной из улиц Парижа.Это очень далеко от книги Эжена Делакруа « Свобода, ведущая народ» (1830 г.), в которой подчеркивается победоносное восстание. Работа Мейсонье подчеркивает трагедию и бессмысленность французов, убивающих французов в июне, а его трезвый реализм противоречит романтическому и драматическому образу Делакруа, подчеркивая натурализм того периода.

После революции 1848 года рабочий стал доминирующим образом в реалистическом искусстве, изображался как героическая мифическая фигура низшего класса, а также как конкретный пример реальности. Гюстав неидеализированных предметов Курбе не содержали ни одного из живописных художников-романтиков — даже тех, кто подходил к современному событию, таких как Теодор Жерико и его Плот Медузы (1818–189), — и вместо этого имел мрачность будней, ранее неизвестных в салонных записях. Усталость, бедность и простота пролетариата были в центре внимания Курбе. В серии The Stone Breakers (1848) Курбе представил двух безликих камнедробителей, подчеркнув убогие материалы их одежды мрачной цветовой палитрой.В этом мучительном страдании ясно, что будущее мальчика уже предопределено. В дополнение к нарушению правил романтизма и неоклассицизма в тематике, реалистичные картины Курбе и, в некоторой степени, картины Жан-Франсуа Милле (1814–1875 гг.) , были выполнены толстым импасто с использованием смешанных живописных техник, что противоречило традициям. популярные и принятые академические стили того периода.

В соответствии с последствиями революции 1848 года Милле достойно и точно описал жизнь пролетариата.Он писал свои предметы без какой-либо идеализации, но в масштабе, ранее предназначенном для исторической живописи. Сравнение Клятва Горациев (1784) и Сеятель (1850) , , которые были представлены на Салоне 1850 года, может пролить свет на влияние, которое могут оказать новые крупномасштабные объекты. приходилось побывать на салоне посетителям. Восприятие зависело от политической принадлежности зрителя: социалисты считали образ крестьянина идеалом, в то время как, как предполагает Лоренц Эйтнер, консерваторы смотрели на изображения крестьянства с опасением, опасаясь его как потенциального источника гражданских волнений.

Просо имел обыкновение рисовать крестьян, работающих на полях, и его самый известный из них — The Gleaners (1857). Здесь он, как и Курбе, помещает фигуры впереди и в центре, монументализируя их. Они также безликие, а то немногое, что мы видим, темное и потрепанное, что подчеркивает всю жизнь, проведенную на солнце. Трудно не заметить контраст их бедности с богатым солнечным светом на заднем плане. Цифры точно отражают сельскую бедность, но грубость, которая присутствует в работах Курбе, отсутствует у Милле.Таким образом, некоторые критики действительно усматривали библейское благочестие в его фигурах, бесконечно повторяя их труд. Выбрав этот повседневный предмет и представив его в публичном Салоне, Милле сделал невидимое видимым.

Роза Бонер (1822–1899) в своей работе также уделяла внимание рабочему классу. Поскольку женщинам было очень необычно и сложно заниматься живописью как карьерой, многие женщины в середине девятнадцатого века были художниками-любителями. Женщинам не разрешалось посещать художественную академию до 1897 года.Семья Бонера, однако, поддержала ее талант, и к семнадцати годам она начала продавать копии, сделанные с картин в Лувре. Ее отец, Раймонд Бонер, художник-пейзажист и учитель, был ее наставником. Бонер впервые выставилась в Салоне 1841 года, и к двадцати трем годам она уже выставила восемнадцать картин в Салоне.

Лошадиная ярмарка (1851–1851) — большая картина (восемь на шестнадцать футов), которая доминировала в Салоне 1853 года. Сцена показывает конный рынок в Париже, и основные предметы — сами лошади.На картине изображен покупатель лошадей, наблюдающий, как проводники энергично бегают лошадей по кругу, чтобы продемонстрировать их ценность. Вместо смешанного приема, который получили Милле и Курбе, Bonheur получил высокую оценку, и Horse Fair стал одним из самых воспроизводимых изображений того периода.

Помимо сатирических репродукций, Домье рисовал рабочую городскую бедноту Парижа, но его картины редко выставлялись при его жизни.Он сосредоточился, например, на женщинах-прачечных, которые стирали одежду в Сене недалеко от того места, где он жил. К 1840-м годам это стало чем-то вроде надомного производства, особенно среди незамужних матерей, которые не могли найти работу в качестве домашней прислуги. Домье ежедневно видел женщин-прачечных на специальных стиральных баржах, пришвартованных вдоль реки, часто с детьми на буксире. После нескольких часов стирки, как показано в The Burden (1855–1855), они затащили мокрое белье домой, чтобы сушить в своих маленьких влажных квартирах.Подобно The Stone Breakers или The Gleaners , Домье предполагает, что бедность неизбежна; как только человек рождается в нем, жизнь определяется им. Точно так же в вагоне третьего класса (1864–1864) он сосредотачивается на физической усталости третьего класса в темноте и в людных условиях.

Художник современной жизни

В «Живописце современной жизни» (1863) Бодлер помещает художника-денди в центр своего мира, потому что только он один мог раскрыть «вечную красоту и удивительную гармонию жизни в столицах», извлеченные из преходящего и внешние проявления городской жизни.Глядя на картины Мане, полезно думать о творчестве Бодлера. Распространение отрывков перед лекцией или просьба к студентам поразмышлять над некоторыми из его наблюдений (размещенных в PowerPoint) может помочь в обсуждении в классе. В одном эссе о художнике Константине Ги Бодлер описывает его и, следовательно, других художников-мужчин как стороннего наблюдателя, «наблюдателя, философа, фланера» и «художника проходящего момента».

Бодлер также посвящает страницы макияжу и моде, которые позволили женщинам стать предметом макияжа в Париже.Для Бодлера «[в] модернизме мода является ведущим индикатором» или «эфемерным, […], случайным». Нет ничего более изменчивого, чем мода. Мода также олицетворяла новый потребительский подход, который предоставлял возможности трудоустройства новому рабочему классу, особенно женщинам, которые перешли из частной сферы в магазины, кафе и развлекательные заведения. Помимо смешения полов в рабочей силе, доступность новой одежды прет-а-порте создавала двусмысленность между классами, что можно увидеть в парнях Две женщины в голубых перьях и A Lady Walking (оба 1860-х годов). которые на первый взгляд кажутся женщинами среднего класса, но вместо этого являются женщинами низшего класса (возможно, даже уличными проститутками).Картина Курбе Девушки на берегу Сены (лето) (1856 г.) — еще один пример этой визуальной нечеткости между социальными классами. Только при внимательном рассмотрении можно понять, что эти молодые «дамы» сняли платья и спят в рубашках на публике. Они также не сопровождаются мужчинами, что также указывает на более низкий социальный класс.

К концу эссе Бодлера Гайс, «художник современной жизни», стал менее важным, чем социальные условия, которые он наблюдал и записывал.Современная жизнь определяется постоянными изменениями: новая и сбивающая с толку городская среда, населенная новыми типами людей. Роль художника — запечатлеть эти мимолетные мгновения современного города.

Книга Мане Déjeuner sur L’Herbe (1863) иллюстрирует многие аспекты обращения Бодлера к современным художникам. Учитывая информацию о его эссе, уже доступную студентам, преподаватель может начать обсуждение того, как Мане является «художником современной жизни». Поскольку картина была отклонена Салоном и выставлена ​​только для насмешливой публики в примирительном Salon des Refuées Наполеона III, студенты также могут использовать внимательное наблюдение, чтобы определить, какие три проблемы критики и общественность сочли нежелательными:

• наспех покрашенная поверхность, которая кажется незаконченной;
• отсутствие четко определенного трехмерного пространства;
• введение обнаженной натуры в изображение повседневной жизни, а не общепринятую наготу классицизма; и
• обнаженная женщина не имеет аллегорических отсылок; она стоит только в настоящем моменте как обычный человек.

Тот факт, что Déjeuner — вдохновлен Раймонди (после Рафаэля) Суд над Парижем, c. 1520 г. и пастырский концерт Тициана , c. 1508 — и Olympia — вдохновленные картиной Тициана Венера из Урбино , 1538 — были основаны на классических картинах, которые висели в Лувре, еще больше подчеркнув их шокирующую ценность для зрителей девятнадцатого века.

В «Олимпия » Мане очеловечил куртизанку в пространстве публичной выставки, сделав видимой часть социальной структуры Парижа, которую люди предпочли бы оставаться скрытыми.Он разрушил барьеры социальных и классовых различий.

Можно начать обсуждение, попросив студентов подумать об именах женщин на картинах Тициана и Мане. Почему Тициан называет своего подданного Венерой и как ее социальное положение подчеркивается тем, что она герцог Урбино Венера? Как это меняется в изображении Олимпии Мане? Как каждая женщина предстает перед зрителем? На кого смотрит Олимпия? Кто она? Судя по визуальным подсказкам, что она делает? Что картина говорит о ее жизненном положении, если она может нанять слугу? А как насчет предметов, которые ее окружают? (Возможно, было бы полезно объяснить, что куртизанки — это женщины, которые находятся на вершине проституционной иерархии над уличными проститутками, проститутками и мадам.В основном это были любовницы, которых поддерживали состоятельные люди. Имя Олимпия было популярным псевдонимом для парижских проституток, поэтому посетители салона безошибочно узнали, кто она такая.) Как, по их мнению, различалась реакция посетителей салона, будь то мужчина или женщина? Высший или низший класс? Что Мане предполагает о возможности того, что в 1863 году женщины будут контролировать свое чувство свободы воли?

• Зритель Олимпии — это прежде всего ее посетитель-мужчина, с которым она, вероятно, знакома.Он дарит ей через слугу большой букет цветов.
• Одна из поразительных особенностей этой картины заключается в том, что посетителя Олимпии объявляет ее горничная Лора. Тот факт, что она может нанять горничную, указывает на то, что ее доход как куртизанки достаточен для найма горничной и подчеркивает ее социальный статус. Однако тот факт, что горничная афро-карибка и темнокожая, также усиливает сексуальность Олимпии. (Формально черное тело, помещенное рядом с абсолютной белизной Олимпии, также служит для направления нашего взора на Олимпию.)
• Финансовые средства, которыми пользуется Олимпия, основаны на использовании ее собственного тела в качестве товара. Она лежит на дорогих простынях и носит дорогие вещи: золотой браслет, шелковые тапочки на высоком каблуке, черную ленту на шее и редкий цветок Камиллы в волосах.
• Ее тело представлено здесь как товар, находящийся под ее контролем, что подчеркивает акцент Мане на способности Олимпии управлять своим собственным чувством свободы воли — до некоторой степени. Она, как куртизанка, все еще зависит от денег посетителей-мужчин.
• По своей позе, выражению лица и положению руки она явно не приветствует его компанию. (Ее плоская рука закрывает себя, закрывая доступ к ее телу, в то время как скрученные пальцы Венеры Тициана служат приглашением.) Олимпия выглядит пренебрежительно, почти скучающей из-за подношения цветов. Но в деталях ее лица можно обнаружить намек на печаль.
• Глядя на предполагаемого посетителя, она также смотрит прямо на зрителя (нас), который стоит на месте этого посетителя.В период, когда именно мужчина мог контролировать свое социальное положение, Олимпия переворачивает социальные структуры Парижа середины века.

Olympia подверглась критике в популярной прессе. Чам (Шарль Амеде де Ноэ, 1818–1879) высмеивал неидеализированное неклассическое тело Олимпии в мультфильме. Он подчеркивает ее кажущееся уродство, добавляя цилиндр и черные чулки. Он перемещает фигуру служанки с теперь уже смехотворно огромным букетом в центр композиции, что подчеркивает откровенную сексуальность картины.Кошка, символ сексуальности, также была преувеличена. Французское произношение кошки le chat , в котором буква «t» молчит, преобразуется путем добавления артикля женского рода — la chat , в котором произносится буква «t». Это изменение служит сленговым обозначением женских гениталий (как и в английском языке). Кошка, явно непостоянное животное, занимает место верной собаки, спящей у ног классической Венеры Тициана. Сатира Домье подчеркивает смущение посетителей салона: с чем они столкнулись?

Как и многие другие художники того времени, Мане был впечатлен японскими гравюрами на дереве, которые впервые были замечены на Всемирной выставке в Париже в 1867 году.Их привлекло отсутствие перспективы и тени, плоские участки с яркими цветами и композиционная свобода в размещении объекта не по центру. Отпечатки из школы укиё-э в конце периода Эдо в восемнадцатом и девятнадцатом веках были особенно влиятельными, они были сосредоточены на преходящих и повседневных предметах. Это влияние, получившее название Japonisme , вдохновило писателя Эмиля Золя, который побуждал своих читателей сравнивать упрощение форм Мане с японскими гравюрами.Как и гравюры, в картинах Мане отсутствуют традиционные приемы линейной перспективы и светотени, и они предлагают альтернативу традиционным западным средствам изображения. Импрессионистка Мэри Кассат (1844–1926), в частности, вдохновлялась формальными аспектами японских гравюр в своих картинах, посвященных женщинам. Например, в Maternal Caress (1891) мы можем увидеть ее интерес к сглаживанию цвета и размерности, выраженный в первую очередь за счет использования линии.

Импрессионизм

В апреле 1874 года тридцать художников, включая Моне, Дега, Моне, Писсарро, Ренуара и Сезанна, организовали выставку в студии фотографа Надара на бульваре Капуцинов.Их выставка была задумана как жест независимости от ежегодного спонсируемого государством Салона, который контролировал патронаж и выставки. Выставку посмотрели 3 500 посетителей по сравнению с 450 000, посетившими салон.

Многие из этих художников уже столкнулись с отказом от участия в Салоне и поэтому вернули выставочный контроль над своими работами. Помимо художников, занимающихся тематикой, как отмечалось ранее, они также организовывали свои собственные выставки — опять же, продукт современности.Это проложило путь для уже знакомой системы коммерческих галерей, через которую многие художники выставляют и продают свои работы.

Характеристики импрессионизма включают в себя видимые мазки, обычный предмет, представляющий современную трансформацию Парижа (ничего монументального, как в период неоклассицизма или романтизма, и с небольшими политическими последствиями или без них, как во времена реализма), а также попытку запечатлеть движение как показатель мимолетный момент.

Клод Моне ‘s Impression, Sunrise (1873) выставлялась в галерее, независимой от ежегодного Салона, спонсируемого государством.Один из критиков, подшутив над названием «Восход солнца» Моне, назвал группу «импрессионистами», чтобы описать незаконченный и небрежный вид картин. Это были не настоящие картины; они были впечатлениями от картин. Они были похожи на эскизы, сделанные художниками при подготовке к готовым картинам, таким как Клятва Горациев (1784) и Плот Медузы (1818), которые никогда не выставлялись как законченные работы.

Картина Моне типична для предмета — написана быстро, чтобы запечатлеть неуловимый восход солнца.Одна из очевидных черт импрессионизма — короткие мазки, которые отражают суть предмета, а не детали. Это совершенно не похоже на гладкие поверхности неоклассических картин, цель которых состояла в том, чтобы стереть все следы мазков и процесса. Кроме того, цвета наносятся рядом друг с другом отдельными небольшими мазками, чтобы сделать цвета более яркими. Моне был заинтересован в непосредственном изучении природы и создал свою работу под открытым небом под названием en plein air («на открытом воздухе», что стало возможным благодаря массовому производству краски в переносных тубах для краски).Это непосредственное наблюдение исключило как можно больше литературных и символических ссылок и представляло собой немедленную реакцию на изменяющуюся среду.

В 1952 году Наполеон III поручил барону Осману (1809–1891) реконструировать Париж. Проект улучшил канализацию и водоснабжение, распределение газа и электроэнергии, а также движение транспорта в городе. Были созданы магазины, театры и общественные парки (запечатленные в книге Курбе Young Ladies ). Новый Оперный театр, в частности, заключил в себе большую часть зрелищности нового города Парижа.Наиболее заметным изменением было разрушение переулков с целью расширения бульваров. Семнадцатилетний проект предоставил тысячи рабочих мест, но также стал перемещением многих семей. Шарлю Марвиллю (1813–1879 гг.) Было поручено создать фотографическую запись старого и нового Парижа, а также процесса, посредством которого были внесены изменения. Обширные и шумные улицы запечатлелись на бульваре Капуцинов Моне (1873 г.), а затем на бульваре Монмартра Пизарро (1897 г.). Берта Моризо нарисовала женщин в современном Париже, занятых досугом в общественных парках и садах, построенных Османом, например, в Summer’s Day (1879) . Она запечатлела публичную деятельность двух несопровождаемых женщин из высшего среднего класса, что свидетельствует об изменении ландшафта Парижа в 1870-х годах.

La Moulin de la Galette (1876) от Pierre-Auguste Ренуар дает прекрасное изложение вопросов, которыми руководствовались художники-импрессионисты как в тематике, так и в формальном исполнении.На картине группа посещает вечерний праздник во временном баре и танцевальном зале в одном из парков Османа. Новые газовые лампы освещают сцену. Ренуар запечатлел блестящее зрелище разгула, когда танцоры кружатся на танцполе.

Как отмечалось в лекции по европейской и американской архитектуре (1750–1900), спектакль Парижской оперы начинается с его местоположения. К нему можно подъехать с главной улицы Avenue de l’Opera и нескольких других улиц, заканчивающейся на собственном месте (площади или площади).Излучающие большие проспекты Османа привлекают внимание к Оперному театру и Лувру — роскошным выставочным площадкам с чрезмерным количеством орнаментов. Просторные вестибюли, широкие лестницы и шпонированные поверхности служат драматическими платформами и фоном, средой, созданной для того, чтобы люди могли видеть и быть увиденными. Фактически, вестибюль, предназначенный для парадных входов, такого же размера, как и зона отдыха для публики. Зеркала украшают интерьер, обеспечивая возможность как скрытого, так и открытого взгляда.

И Мэри Кассат, и Ренуар изображали Оперу, отмечая ее многочисленные точки, с которых буржуа могли восхищаться друг другом. В La Loge (1874) Ренуар представляет женщину как зрелище, выставленное на всеобщее обозрение. Она пассивно воспринимает взгляд зрителя, в то время как ее спутник-мужчина активно смотрит на другие балконы. Кассат, с другой стороны, отводит женщине динамическую роль, смотрящую в ее Женщина в Ложе (в Опере) (1879).В девятнадцатом веке взгляд наблюдателя, воплощенный в мужчине flâneur , был привилегией, структурированной по экономическому статусу и полу. Но в картине Кассат, точно так же, как женщина в лоджии поймана взглядом мужчины справа от нее, она тоже смотрит через публику, а не на представление. Зритель становится третьей частью этого треугольника. В фильме The Loge (1880) Кассат смогла точно передать неловкость молодых женщин в Опере.В своих новых платьях с открытыми плечами они привлекают внимание окружающих. Но они сидят неподвижно, пойманные между удовольствием и желанием быть на виду и застенчивостью от того, что выставлены напоказ.

По мере увеличения количества кафе, ресторанов, баров и танцевальных залов владельцы узнали, что работницы увеличили продажу напитков. Мужчины часто не стеснялись воспринимать официанта как «честную игру», но Мане наделяет официанток отчужденностью, сохраняющей их отстраненность. В Bar в Folies-Bergère (1881–1882) Мане представляет бармена как жертву и участника коммерциализированного досуга.Он подчеркивает официантку как объект, связывая форму ее тела с формой бутылок с ликером на стойке. Яркие газовые фонари, мерцающие в зеркалах, создают театральное зрелище, в котором присутствуют как посетители, так и исполнитель в верхнем левом углу картины. Зеркала были и остаются отличительной чертой многих французских кафе, чтобы воспроизвести это зрелище девятнадцатого века.

Постимпрессионизм

Вместо впечатления зрелища внешнего мира, в центре внимания импрессионистов, художников-постимпрессионистов, таких как Винсент Ван Гог (1853–1890), обращались к выражению внутренней психологии. человека.Другие, такие как Поль Сезанн (1839–1906) и Жорж Сёра (1859–91), практиковали аналитический подход с использованием цвета для построения формы. Эти художники разделяли интерес к упрощенному, более независимому цвету и абстракции форм.

Британский критик Роджер Фрай называл художников, которые отреагировали на импрессионизм в 1910 году, постимпрессионистами, и это название стало обозначать группу художников-новаторов, работавших во Франции в конце девятнадцатого и начале двадцатого века. .У этой разнообразной группы было мало общего, кроме того, что они пришли после импрессионистов (хотя некоторые, такие как Сезанн, работали одновременно с импрессионистами). Но все они более или менее хотели продвинуть эксперименты импрессионизма дальше и выйти за рамки пассивной визуализации визуального опыта, чтобы выразить свои идеи и эмоции.

В начале своей карьеры Жорж Сёра увлекся теориями и принципами организации цвета, изучая оптическую теорию цвета французского химика Мишеля Эжена Шеврёля (1786–1889).Изучая влияние цветов друг на друга при размещении рядом друг с другом, Шеврёль утверждал, что каждый цвет накладывает свой собственный дополнительный цвет на своего соседа. Например, если красный помещен рядом с синим, красный будет иметь зеленый оттенок на синем, изменяя его на зеленовато-синий, в то время как синий накладывает бледно-оранжевый оттенок на красный. Наряду с цветовыми экспериментами импрессионистов и классическими структурами иллюзионистской перспективы художников эпохи Возрождения Сёра использовал новейшие концепции живописного пространства и открытия Шеврёля в восприятии цвета и света.

На первый взгляд, Воскресный полдень на острове Гранд-Жат (1884–186 гг.) Кажется картиной импрессионистов, поскольку он запечатлел досуг представителей высшего среднего класса на острове в центре Сены. Но при ближайшем рассмотрении можно увидеть, что Сёра избегал линий для определения контуров и вместо этого создал сложный и кропотливый метод размещения цвета. В отличие от более случайного размещения ярких мазков цвета импрессионистами, Сёра, используя теорию Шеврёля, помещал маленькие точки чистых цветов рядом друг с другом, заставляя глаз зрителя «смешивать» цвета в составной оттенок (пуантилизм).Точки различаются по размеру в зависимости от того, что он пытается изобразить, и часто размещаются на тех участках, где цвет был нанесен более широко.

В то время как Сёра смешивает новаторские цвета, свет и узор импрессионистов, он по-прежнему обращается к традиционным средствам перспективы эпохи Возрождения. Огромные размеры картины (семь на десять футов) и одноточечная перспективная глубина придают ей впечатление фрески эпохи Возрождения. Но в рамках иллюзии трехмерного пространства он все еще выравнивает свои фигуры в строгие профили или фронтальные виды в абстрактных формах.Его новаторская формальная техника и его предмет помещают Сёра прямо в модернистские традиции.

Импрессионисты предпочитали запечатлеть наблюдаемый мир с помощью цвета и отмечали, что объекты в природе не отделены друг от друга определенными контурами. Чтобы изобразить это в живописи, они воссоздали твердые тела и пустоты в виде цветных форм, функционирующих на ограниченной глубине — почти сглаженная поверхность, как мы видели в книге Мане Déjeuner du l’Herbe . Поскольку импрессионизм не проводил четкого различия между массой (объектами) и глубиной (пространством), их критиковали за создание бесформенных и несущественных изображений.

Вера Поля Сезанна в то, что импрессионисты игнорируют принципы традиционной западной живописи, побудила его часто цитируемое замечание о том, что он хотел «сделать из импрессионистов нечто прочное, как искусство в музеях». Он не имел в виду подражать старым мастерам, а скорее изобретал новые методы рисования твердых форм, не полагаясь на инструмент эпохи Возрождения — простую одноточечную перспективу. Он обратился к техническим проблемам формы и цвета, используя градиентные тональные вариации, чтобы создать размер в своих объектах.Например, объекты в «Натюрморт с яблоками и горшком с первоцветами» (начало 1890-х годов) визуализируются без использования света или тени, но с тонкими градациями цвета. В других натюрмортах он игнорирует законы классической перспективы, позволяя каждому объекту быть независимым в пространстве картины. Другими словами, отношение одного объекта к другому имеет приоритет над традиционной одноточечной перспективой.

Сезанн рисовал Mont Sainte-Victoire (1890-е годы) бесчисленное количество раз, экспериментируя с системой горизонтальных плоскостей, которые создают измерение и втягивают зрителя в пейзаж.Он использовал серию геометрических форм, чтобы придать форму домам в долине, техника, которая повлияла на более поздний кубизм Джорджа Брака и Пабло Пикассо. В некотором смысле его больше интересовало изображение того, как наши глаза воспринимают мир, когда мы идем по нему, а не с фиксированной точки зрения традиционной живописи.

Винсент Ван Гог

Отличный способ представить Винсента Ван Гога — спросить студентов, что, по их мнению, он чувствовал, глядя на поле и в небо, что послужило вдохновением для Звездная ночь (1889).Что он изобразил на картине, чтобы передать эти чувства? Ван Гог любил яркие немодулированные цвета. Он выбрал цвета, чтобы выразить то, что он чувствовал, а не для того, чтобы передать верность природе: «Вместо того, чтобы пытаться точно воспроизвести то, что у меня есть перед глазами, я использую цвет более произвольно, чтобы выразить себя принудительно». Он никогда не отказывался от перспективы, даже когда в последние годы своей жизни начал подчеркивать линейное движение краски по холсту. Многие из его картин сосредоточены на каком-то аспекте пейзажа с некоторой выразительной, эмоциональной значимостью.Мы можем видеть это в «Звездная ночь », который был написан из окна Сен-Поль-де-Мавзоль, приюта и клиники для душевнобольных, где Ван Гогу отвели небольшую студию, чтобы он мог рисовать.

Движение в мгновение ока: постимпрессионизм | арт

Винсент Ван Гог, Пшеничное поле с кипарисами, 1889. Холст, масло, 73 × 93,4 см / 28¾ × 36¾ в Музее искусств Метрополитен, Нью-Йорк. Как воспроизведено в «Искусство во времени».

Узнайте, почему Вирджиния Вульф назвала выставку живописи 1910 года отправной точкой современной жизни

Когда в более поздней жизни автор британской группы Блумсбери Вирджиния Вульф попыталась определить момент, когда начался модернизм, она написала знаменитые строки: «Примерно в декабре 1910 года человеческий характер изменился.”

Вульф выбрала этот момент не из-за какого-то конкретного литературного, политического или общественного события, а, скорее, потому, что он совпал с плодотворной выставкой, организованной ее другом, членом Bloomsbury Group и автором Phaidon Роджером Фраем (родившимся сегодня 150 лет назад, на 14 декабря 1866 г.), что дало начало термину постимпрессионизм. Вот как наша книга «Искусство во времени» развивает эту историю.

«В конце 1910 года критик Роджер Фрай организовал выставку в галереях Grafton в Лондоне, которая познакомила британскую публику с работами Винсента Ван Гога, Поля Гогена и Поля Сезанна, среди прочих.Шоу под названием «Мане и постимпрессионисты» придумало ярлык для этих художников, которые считались работающими на волне импрессионизма.

Поль Гоген, Ночное кафе в Арле (Мадам Жину), 1888 г. Холст, масло, 71,5 × 91,5 см / 28 × 36 в ГМИИ, Москва. Как воспроизведено в Art in Time

«Фрай объяснил, что, хотя цели постимпрессионистов были противоположны целям импрессионистов, отношения были далеко не простыми.«Они переняли большую часть импрессионистской техники, а не немного импрессионистского цвета, — писал он, — но именно то, как они пришли к переходу от полностью репрезентативного к нерепрезентативному искусству, и выразительное искусство всегда должно быть чем-то особенным. тайны ».

«Фрай приписал большую часть этой тайны Сезанну, которому он приписал уникальное и оригинальное видение, которое демонтировало импрессионистскую структуру, чтобы открыть« новый мир значительных и выразительных форм ».

Однако термин Фрая не сложен, потому что, хотя все художники на его выставке 1910 года усвоили уроки Моне и других импрессионистов, продолжали продвигать живопись, хотя и в разных направлениях.

Поль Сезанн, Мадам Сезанн в красном кресле, ок. 1877 Холст, масло, 72,4 × 55,9 см / 28½ × 22, Музей изящных искусств, Бостон, Массачусетс. Как воспроизведено в Art in Time

«Если пейзажи Сезанна были о твердости и постоянстве, то Ван Гог казался выражением, передаваемым через обращение с краской и цветом, выразительностью, которая в некоторых глазах связала голландского художника с принципами символизма», — объясняет «Искусство во времени». В другой работе, La Berceuse, одном из пяти полотен Ван Гога на одну и ту же тему, разнообразный мазок, яркие цвета и энергичный рисунок художника не дают отдыхать взгляду зрителя и, кажется, созданы для того, чтобы передать настроение.Точно так же картины Поля Гогена, который работал с Ван Гогом в Арле в течение короткого времени, можно также назвать «картинами настроения», их связь с импрессионизмом в лучшем случае ослаблена. Его ночное кафе в Арле разделяет с импрессионизмом радикальное обрезание эстетики снимков и императив выбирать современные сюжеты, но большая часть картин Гогена относится к другим категориям, включая символизм за его акцент на выражении идей, соответствиях между живописью и музыкой, и субъективность.”

Несмотря на нечеткость визуального стиля, связывающего постимпрессионистов Фрая, их новаторское искусство заложило основы модернизма. Пабло Пикассо описал Сезанна как «отца для всех нас»; Немецкие экспрессионисты признали свой долг Винсенту Ван Гогу; и полотна Гогена часто упоминаются как влияющие на более поздние движения, такие как кубизм и фовизм. Вульф был прав, когда описал эту простую выставку как поворотный момент для всех нас.

Автопортрет Роджера Фрая, 1928 год.Изображение любезно предоставлено Википедией

Чтобы узнать больше о Винсенте Ван Гоге, закажите эту книгу; чтобы узнать больше о Гогене, возьмите этот; чтобы увидеть больше, Сезанн закажите эту книгу; для получения дополнительной информации о заказе Мане этот; а чтобы узнать о других культурных событиях, которые изменили историю искусства, закажите здесь книгу «Искусство во времени».

ЛИТЕРАТУРНЫЙ ИМПРЕССИОНИЗМ: ПРОИСХОЖДЕНИЕ, ХАРАКТЕРИСТИКИ И ПРЕДСТАВИТЕЛИ

Литературный импреионим Это движение, зародившееся в конце девятнадцатого века, вдохновленное влиянием Impreionit platic artit.Привет, цель-ва, чтобы противостоять реалистической литературе, которая преобладала в

Содержимое:

Литературный импрессионизм Это движение зародилось в конце девятнадцатого века, вдохновленное влиянием пластических художников-импрессионистов. Его целью было противостоять реалистической литературе, которая преобладала в то время.

Для импрессионистской литературы характерно сосредоточение внимания на душевной жизни персонажей.Это включало в себя рассказ об их восприятии реальности, своих чувствах, ощущениях и эмоциях.

Импрессионисты преследовали цель представить изображаемые истории с субъективной точки зрения на реальность. Для этого они взяли ограниченный набор деталей, которые позволили им передать чувственные впечатления, которые происшествие или сцена вызвали у персонажа.

Происхождение литературного импрессионизма

Рождение литературного импрессионизма произошло во Франции благодаря братьям Гонкур, которые в 1856 году основали первый импрессионистический журнал и опубликовали несколько романов этого жанра.

Как и другие художественные направления, импрессионизм зародился в живописи, а затем был перенесен в литературу.

Пластический импрессионизм основан на беспредметном захвате изображений, при котором захватываются ощущения, а не реалистичные изображения.

Благодаря этому прецеденту писатели-импрессионисты стремились добиться в образах того же эффекта, который они запечатлели в своих поэтических и драматургических произведениях. По этой причине они стремились придать большее значение описанию чувствительных эффектов.

характеристики

Фундаментальной характеристикой импрессионизма является тенденция к подробному описанию объектов, на которые была сделана ссылка. Однако эти описания всегда были субъективными, в зависимости от впечатления, которое они производили на персонажей.

По этой причине описания, содержащиеся в текстах импрессионистов, нельзя сравнивать с описаниями, предлагаемыми словарями.

Его целью было не точно определить реальность, а уловить ее сущность в ощущениях, которые они вызывают у людей.

В этой литературе чувства соприкасаются с воображением. Это происходит потому, что ситуации заряжены эмоциональной силой, которая связывает читателя с рассказами через то, что воспринимают органы чувств персонажей: цвета, запахи, физические и эмоциональные ощущения.

Импрессионисты хотели отделить себя от академической холодности, а также от романтической сентиментальности. Таким образом, их темы были ориентированы на эмоциональное воспроизведение деталей повседневной жизни, которые они рассказывали, используя простые и прямые термины.

Импрессионизм в письменной форме был склонен к синестезии. Это означает, что его представители стремились создать форму выражения, которая использовала бы восприятие всех органов чувств и смешивала их друг с другом. Например, они описывали видимые объекты посредством описания запахов или текстур.

Основные представители

Братья Гонкур

Эдмон Гонкур родился в 1822 году и умер в 1896 году. Его брат Жюль Гонкур родился в 1830 году и умер в 1870 году.Это были два французских писателя, признанных основоположниками и представителями литературного импрессионизма.

У них было хорошее экономическое положение, которое позволяло им заниматься искусством и литературой. Первоначально они культивировали исторический жанр и особенно интересовались Францией 18 века, особенно в связи с Французской революцией.

Позже они занялись литературной критикой, а позже — жанром романа. Его работы характеризовались описанием повседневной жизни Парижа, который сегодня представляет собой весьма актуальное литературное и культурное наследие.

После смерти Жюля в 1870 году Эдмунд продолжал заниматься литературой. Среди произведений этого периода есть одно из наиболее выделяемых автором произведений под названием Братья Земганно , опубликованное в 1879 году.

Октав Мирбо

Октав Мирбо родился во Франции в 1850 году и скончался в 1917 году. Он работал государственным служащим, пока не оставил свой пост, чтобы заняться журналистикой. В своей журналистской работе он отличался социальной критикой и смелыми литературными нововведениями.

Он был защитником художников-импрессионистов, подвергшихся резкой критике со стороны общества того времени. Позже он сам подойдёт к этому движению из письма.

Он опубликовал серию рассказов под названием « Lettres de ma chaumière » и свой первый роман « Голгофа » в 1886 году. Он также отправился в театр с такими произведениями, как Business is business , переведенными на несколько языков.

Его стиль был склонен к странным и ненормальным фактам и персонажам, которых он привнес в сцену с жестоким натурализмом, сосредоточенным на всех деталях.Эта характеристика заставила его улавливать даже самые жестокие ощущения и улавливать их очень чувствительным образом.

Марсель Пруст

Марсель Пруст родился во Франции в июле 1871 года и умер в той же стране в 1922 году. Он был одним из самых выдающихся и влиятельных французских писателей 20 века.

В его работах чувствуется влияние импрессионизма и символизма. Это можно увидеть в деталях, которые вы даете наблюдениям и описаниям объектов. Однако его величайшая характеристика — поток сознания.

Его романы характеризуются тем, что являются косвенными монологами, в которых всеведущий рассказчик проводит читателя через мысли и чувства персонажей.

В некоторых из них есть психологические манипуляции со временем: рассказчик меняет время, место и перспективу событий.

Вирджиния Вульф

Аделина Вирджиния Стивен, более известная как Вирджиния Вульф, родилась в Лондоне в 1882 году и умерла в 1941 году. Ее романы были особенно новаторскими с точки зрения временной и пространственной структур повествования.

Отточил стиль внутреннего монолога, в котором мысли персонажей переданы естественно. В них представлен бессознательный и неструктурированный поток идей, который позволил ему уравновесить рациональный и иррациональный миры.

Благодаря его романам Миссис Дэллоуэй Y Сердце тьмы , считается одним из представителей этого течения. Эти романы считаются лучшими образцами жанра, который трудно объяснить и описать.

В свое время она была пионером в размышлениях о социальном положении женщин, а также о связи женщин с искусством и литературой.

Эти размышления были опубликованы в эссе, которые позже будут иметь большой резонанс в феминизме.

Список литературы

1. Искусство и популярная культура. (С.Ф.). Импрессионизм (литература). Получено с: artandpopularculture.com
2. Gersh-Nesic, B. (2017). Основы истории искусства: импрессионизм.Получено с: thinkco.com
3. Энциклопедия Нового Света. (С.Ф.). Импрессионизм. Получено с: newworldencyclopedia.org
4. The Editors of Encyclopaedia Britannica. (2017). Импрессионизм. Получено с: britannica.com

Тогда Я бил их, как прах земной Я спина Библия A4 Фото

Номер позиции eBay:

403292401284

Продавец принимает на себя всю ответственность за это объявление.

НАИЦИРХС НАИЛУЙ

esolC syelloH 3

ХТРОТАТ

драхмC

тесремоS

ЭЛ2 02АТ

МОДНИК ДЕТИНУ

: liamEmoc.liamg @ naitsirhcssornailuj

Информация о продавце компании

Подарки красной крысы

Джулиан Кристиан

3 Холли Клоуз

Татворт

Мангольд

Сомерсет

TA20 2LF

Соединенное Королевство

Мы — небольшой семейный бизнес … Мы гордимся тем, что предоставляем отличные продукты и еще лучше обслуживаем клиентов!

Условия продажи

УСЛОВИЯ И ПОЛОЖЕНИЯ * Если вы хотите отменить транзакцию после того, как она уже была отправлена, мы вернем вам меньше наших почтовых расходов и затрат на упаковку.* Возврат почтовых расходов во всех случаях оплачивается покупателем. * Этот список может содержать непреднамеренные неточности или опечатки, за которые мы приносим свои извинения. * Эти положения и условия не влияют на ваши законные права.

Политика возврата

После получения товара отмените покупку в течение	Стоимость обратной доставки
60 дней	Покупатель оплачивает обратную доставку

Покупатель несет ответственность за возврат почтовых расходов.

Продавец принимает на себя всю ответственность за это объявление.

Почтовая оплата и упаковка

Стоимость пересылки не может быть рассчитана. Пожалуйста, введите действительный почтовый индекс.

Местонахождение товара: Сомерсет, Великобритания

Почтовая оплата в: Великобритания

Исключено: Италия, Гонконг, Япония, Боливия, Гаити, Либерия, Никарагуа, Туркменистан, Парагвай, Маврикий, Сьерра-Леоне, Венесуэла

Выбрать страну: -Выбрать-Соединенное Королевство Доступно 1 ед.Введите число, меньшее или равное 1. Выберите допустимую страну.

Почтовый индекс: Пожалуйста, введите действительный почтовый индекс. Пожалуйста, введите до 7 символов в почтовый индекс

Время отправки внутри страны
Обычно отправка осуществляется в течение 1 рабочего дня после получения оплаты.

Платежные реквизиты

Способы оплаты
	Принято, право на получение кредита PayPal определяется при оформлении заказа. Типичный пример Курс покупки стр.а. (переменная) 21,9% Типичная годовая процентная ставка (переменная) 21,9% годовых Предполагаемый кредитный лимит 1 200 фунтов стерлингов Агентство FCA уполномочило eBay Marketplaces GmbH (Helvetiastraße15-17, 3005, Bern, Switzerland) осуществлять кредитное брокерство для ограниченного круга поставщиков финансовых услуг. No related posts. alexxlab Автор записи Добавить комментарий Отменить ответ Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены * Комментарий * Имя * Email * Сайт