суть, назначение и виды набросков. Примеры набросков неизвестных и знаменитых художников
Набросок — разновидность рисунка, быстрая, лаконичная зарисовка небольшого размера. В нем художник старается запечатлеть на бумаге суть идеи без тщательной проработки деталей. Набросок обычно представляет собой изображение предмета в упрощенном виде с помощью подручного набора художественных материалов.
Назначение набросков
Набросок — важный инструмент в работе профессионального художника и обязательная составляющая обучения начинающего рисовальщика.
Набросок для уже состоявшегося мастера служит отличным средством создания основы будущего произведения. С его помощью художник может решать разнообразные творческие задачи:
- зафиксировать свое восприятие предмета наблюдения;
- выразить собственные эмоции от увиденного;
- поэкспериментировать с композицией;
- запечатлеть на бумаге отдельные элементы будущей картины.
Начинающему живописцу также стоит постоянно делать наброски для развития основных практических навыков:
- наблюдательности;
- глазомера;
- зрительной памяти;
- объектно-пространственного мышления;
- мастерства владения карандашом и другими инструментами.
Многие сохранившиеся наброски великих мастеров живописи прошлых эпох в наше время признаны бесценными шедеврами изобразительного искусства. Они становятся объектами подробного изучения для профессионалов и яркими образцами творчества для начинающих художников. Такие рисунки занимают почетное место в экспозициях музеев и частных коллекциях.
Виды набросков
В изобразительном искусстве существует огромное разнообразие видов набросков. Всевозможные рисунки классифицируют по следующим параметрам:
- По типу предмета изображения (с натуры, по памяти, по воображению, комбинированные).
- По способу выполнения (с использованием линий, штрихов, тональных пятен).
- По типу художественных материалов (карандашом, пером, тушью, углем, красками, фломастером) и бумаги (белая или цветная, гладкая или шероховатая, плотная или мягкая).
Наброски разных вариаций используют в своей работе не только художники, но и представители многих других творческих профессий (скульпторы, архитекторы, дизайнеры, модельеры). Этот вид рисунка всегда будет востребован в среде творческих людей.
На сайте Very Important Lot можно принять участие в аукционах предметов изобразительного искусства и антиквариата. Посетители портала также имеют возможность купить напрямую работы современных художников.
30 самых необычных и странных картин художников мира
Некоторые шедевры мировой живописи вызывают, мягко говоря, смешанные чувства. Мы собрали для вас самые странные, страшные и спорные произведения!
Эти картины пугают и завораживают одновременно
Искусство на то и искусство, чтобы удивлять своего зрителя.
В списке самых дорогих картин мира порой можно встретить удивительные экземпляры! Некоторые шокируют своим сюжетом, а содержание других покрыто завесой тайны. Есть и такие полотна, которые вызывают скорее отвращение, нежели восторг. Тем не менее, необычность и странность этих произведений как раз и выделяет их из толпы. Картины, которые мы приведем в пример, были проданы на аукционах за миллионы долларов. Каждая чем-то удивительна и наполнена особым смыслом.№1 «Женщина I», Виллем де Кунинг
Одна из самых необычных картин в ТОПе самых дорогих произведений искусства мира. Не стесняйтесь если она вызвала у вас дрожь в коленках! Художник изобразил женщину с пышными формами в абстрактной манере. Резкие мазки черной краски, непропорциональное лицо и тело — для простого обывателя такое искусство может оказаться неприятно глазу. Какое-то время картина хранилась в Иране, но из-за строгих правил цензуры была продана и вывезена из страны.
№2 «Сад земных наслаждений», Иероним Босх
Центральная часть этого триптиха посвящена теме сладострастия.
Присмотритесь внимательнее и увидите настоящий наркотический сон: карикатурные изображения, странные эротические сцены и прочие гремучие смеси. На самом деле, искусствоведы до сих пор спорят насчет истинного значения этой картины. Содержание настолько насыщенное и галлюциногенное, что вызывает немало споров.
№3 «Три возраста женщины», Густав Климт
Чувствительным и сентиментальным женщинам рекомендуем не вникать в смысл этого полотна. Великий художник Густав Климт изобразил три жизненные стадии: детство, молодость и старость. Маленькая девочка безмятежно спит на руках матери, которая, в свою очередь, умиротворенно обнимает дочь. В то же время старуха в другой части картины склонила голову в отчаянии, выставив свой обвисший от старости живот. Немощность и юность стоят бок о бок, напоминая о неизбежности грядущего. Несмотря на грустный контекст, произведение выполнено просто блестяще и недаром признано шедевром мировой живописи.
№4 «Семья», Эгон Шиле
Шиле — ученик Климта, который пошел по собственному пути.
В отличие от своего учителя, шедевры Шиле куда более мрачные и трагические. Некоторые произведения граничат с порнографией и больше напоминают извращенные картинки шизофреника. Представленная выше картина — не самая мерзкая его работа, но ее смысл способен вызвать истерику. Живописец написал ее в 28 лет перед собственной кончиной вскоре вскоре после смерти беременной супруги. На полотне изображен сам художник, его возлюбленная и неродившийся ребенок. Картина явно не создана для впечатлительных людей.№5 «Две Фриды», Фрида Кало
Красивая и немного жуткая картина руки легендарной мексиканки. Как известно, большинство картин художницы — это автопортреты. Она объясняла это тем, что знает себя лучше всего остального, поэтому сама Фрида — лучшая тема для картин. Конкретно на этом полотне мексиканка изобразила свое мужское и женское начала, соединенные одними сосудами. Последние в этом образе демонстрируют целостность и неразрывность двух половинок.
№6 «Мост Ватерлоо.
Эффект туман», Клод Моне
Эта серия работ Моне — совсем не страшные картины, но весьма необычные. При близком рассмотрении полотно кажется лишь хаотичной комбинацией мазков и переходов цвета. Но чем дальше отходишь от холста, тем четче видна полная картина. Перед глазами смотрящего открывается чудный пейзаж. Первыми возникают фигуры лодок, а затем — очертания знаменитого моста Ватерлоо.
№7 «Алхимия», Джексон Поллок
Для многих абстракции — это странные и непонятные картины, которые ничего не значат. Почему же они пользуются такой популярностью? Всё дело в том, как они создаются. Помимо гениальности цветового решения, картина Поллока написана очень необычно. При ее создании мастер использовал все, что попадало под руку: ножи, веревки, палочки, битое стекло и даже совок! Художник сознавался, что постепенно отошел от классического инструментария художника в пользу необычных предметов, которые расширяли его арт-возможности.
№8 «Мужчина и женщина перед кучей экскрементов», Жоан Миро
Само название произведения уже вызывает волну негодования. Но именно такого эффекта и добивался автор, иллюстрируя невзгоды испанской гражданской войны. Мужчина и женщина на картине тянутся друг к другу, но при этом стоят неподвижно. Мерзкие и увеличенные гениталии, кислотные оттенки и экскременты — всё это направлено на создание атмосферы гадкой сексуальности, страха и отвращения.
№9 «Руки противятся ему», Билл Стоунхэм
Всмотритесь в эту картину внимательнее. Рассмотрите детали, загляните мальчику в глаза. Брр. Жутко? То же самое думает каждый человек, который хоть раз на нее взглянет. Произведение продано на eBay всего за 1000 долларов, но после ее публикации покупателя завалили письмами с просьбой сжечь картину от греха подальше.
Ходили слухи, что к этому полотну привязаны призраки или демоны, что у многих начинается паническая атака.
Сам же автор утверждает, что это просто автопортрет. Он изобразил себя в детстве, а закрытая дверь символизирует грань между сном и явью. Руки на стекле — это другие жизни и возможности, кукла рядом — проводник между альтернативными мирами.
№10 «Избиение младенцев», Питер Рубенс
Полотно за 5 млн евро Рубенса способно довести матерей до слез. Это восхитительно красивое, но страшное полотно. Знаменитый мастер запечатлел не самый приятный эпизод из новозаветной истории. Как ни странно, избиение младенцев — распространенный сюжет по религиозным мотивам. Все дело в том, что маленькие дети после смерти считаются святыми мучениками. Сам образ символизирует жестокость по отношению к невинным людям.
№11 «Триптих», Фрэнсис Бэкон
Трудно разглядеть с первого взгляда, но этой картине изображены наброски к портрету человека. В 2008 году произведение побило рекорд на арт-рынке и было продано Роману Абрамовичу за 86 млн долларов.
№11 «Серебряная автокатастрофа», Энди Уорхол
Трагические события и сюжеты часто ложатся в основу предметов искусства. Но каждый мастер преподносит ту или иную историю по-своему. Энди Уорхол, ставший настоящей сенсацией середины XX века, делал это крайне оригинально. Однажды мастер увидел фотографию автокатастрофы в газете и прокричал “Эврика”! Художник вырезал фото и многократно продублировал методом шелкографии, заполнив снимком только часть полотна. Вышло необычное произведение, проданное впоследствии за миллионы долларов.
№12 «Дора Маар с кошкой», Пабло Пикассо
Дора Маар — художница и фотограф, которая провела с Пабло Пикассо в качестве возлюбленной 9 лет. Мастер любил писать портреты своих любовник, которых на его жизнь было не мало.
Картина выполнена в уникальной манере живописца. Искаженные формы и черты лица могут вызывать неприятные ассоциации, но только не у покупателя полотна. В 2004 году произведение ушло с молотка за 100 млн долларов.
№13 «Три эскиза с Лусиеном Фрейдом», Френсис Бэкон
Странная и оригинальная манера Бэкона пришлась по вкусу многим ценителям искусства. Его картины хорошо продаются по всему миру, именно этот триптих “взорвал” торги. Это ранняя работа мастера, написанная еще во время учебы. Полотна долгие годы путешествовали по миру отдельно и только в 2013 году были проданы на аукционе в качестве единого лота.
№14 «Девочка с цветочной корзиной», Пабло Пикассо
Эта картина кардинально отличается от других работ Пикассо, чем вызвала бурю интереса среди ценителей искусства. На полотне изображена обнаженная молодая девушка, еще почти девочка. Детский взгляд и нагота несут за собой противоречивые элементы невинности и опыта, а ее выражение лица может вызвать дискомфорт.
Полотно было продано анонимному покупателю за 115 млн долларов, став одной из самых дорогих картин автора.
№15 «Свет Анны», Барнетт Ньюман
Сложно искать скрытый смысл в полотне, почти целиком залитом красной краской. Современное искусство бессмысленно и беспощадно, но от этого не становится менее интересным. Например, работа Ньюмана кажется бездарной только на первый взгляд и при рассмотрении цифровой копии в интернете. Но в реальности картина способна вас удивить.Это огромное длинное полотно, которое нужно рассматривать на близком расстоянии. Медленно продвигаясь вдоль холста, вы “утоните” в завораживающем переходе цвета.
№16 «Без названия», Жан-Мишель Баския
Каждое полотно неоэкспрессиониста из Нью-Йорка вызывает смешанные эмоции. Экстравагантная манера письма кажется слишком дерзкой и кричащей, больше похожей на граффити со стены заброшенного дома. Секрет прост — это и есть уличное искусство! Автор начинал как нелегальный граффити-художник, но после удачной выставки и статьи в известном журнале стал настоящей звездой.
В 1982 году молодой парень даже познакомился с Уорхолом и создал вместе с ним несколько ярких работ. Интересно, что мастер вкладывал в свои работы скрытые смыслы и послания. В этой картине, например, обнаружены две невидимые стрелки, написанные УФ-красками.
№17 «Крик», Эдвард Мунк
Вы наверняка видели эту картину, ведь она разошлась по всем уголкам интернета. На произведение есть много пародий, переделок и мэмов. О самом же авторе ходит немало слухов, ведь его жизнь связана с чередой трагедий. Мунк вложил в свои работы много горя, поэтому, по мнению многих людей, его полотна обладают негативной энергетикой.
Картина явно не благосклонна к тем, кто ее “обижает”. Один охранник, случайно уронивший полотно в музее, стал страдать от сильных головных болей и наложил на себя руки. Второй охранник, допустивший такую оплошность, попал в страшную автокатастрофу. Посетитель галереи, прикоснувшийся к холсту, сгорел заживо в пожаре.
Заставляет задуматься, не считаете?
№18 «Откуда мы пришли? Кто мы? Куда идем?», Поль Гоген
По замыслу художника это полотно нужно читать справа налево. В крайнем углу изображены три женщины и младенец — символ начала жизни. Группа людей в центре — иллюстрация зрелости, старуха в левом углу — знак неизбежности и приближающейся старости. Произведение стало знаковым в жизни художника Мастер сам заявил, что это превосходная картина и лучше он уже ничего не напишет. После завершения работы Гоген даже хотел покончить с собой, но так и не отважился. Мастер умер спустя 5 лет, так и не написав чего-то более гениального.
№19 «Герника», Пабло Пикассо
Страшная картина гениального мастера — это сцены насилия и жестокости. выполненные на давящем черном фоне. Полотно иллюстрирует налет на город Герника, в результате которого шеститысячный город был полностью уничтожен. В картине заключены все ужасы фашизма, жестокость, страдания и зверства человека.
Мурашки по коже, правда?
Интересно, что из-за этой картины Пикассо очутился в парижском гестапо. Мастера спросили: «Это сделали вы?». На что художник ответил: «Нет, это сделали вы».
№20 «Портрет четы Арнольфини», Ян ван Эйк
Картина, мягко говоря, выделяется на фоне прочих представителей западной школы живописи Северного Возрождения. Полотно наполнено скрытой символикой, посланиями и отсылками. Чего только стоит надпись “Ян ван Эйк был здесь”, которая подчеркивает реальность тех событий и присутствие художника. В последние годы произведение разошлось по интернету из-за забавного сходства Арнольфини с Владимиром Путином. И еще один интересный факт: картину можно увидеть в заставке популярного сериала “Отчаянные домохозяйки”.
№21 «Демон сидящий», Михаил Врубель
Мы привыкли видеть демонов в роли злобных и сильных тварей, но у Врубеля свое мнение на этот счет.
Он изобразил образ печального человека, который сидит задумчиво и скованно. Сам автор говорил, что демон — дух не столько злой, сколько страдающий и скорбный. При этом в его мощной фигуре чувствуются сила и величие, хоть и терзаемые какими-то сомнениями.
№22 «Апофеоз войны», Василий Верещагин
Картина основана на метафоре, но разобрать ее смысл не так уж и сложно, особенно после прочтения названия. Художник изобразил гору черепов посреди безжизненной пустыни, чтобы подчеркнуть жестокость и бессмысленность войн. Человеческие конфликты несут с собой только смерть и ничего больше — такова идея, заложенная в полотне. Всматриваясь в черепа, начинаешь видеть в каждом чью-то искалеченную судьбу.
№23 «Американская готика»
С первого взгляда и не скажешь, что это полотно преисполнено устрашающей символикой. Сначала в глаза бросаются суровые лица героев — жесткого отца и обеспокоенной дочери. При более детальном рассмотрении начинаешь замечать острые вилы и швы на одежде фермера, повторяющие их форму.
Автор запечатлел образ истинного пуританства, скрывающее за собой жестокость и строгость нравов.
№24 «Влюбленные», Рене Магритт
Одна из самых загадочных картин современности активно обсуждается в мировом арт-сообществе. Это живой пример того, как один образ может иметь дюжину смыслов. Кто-то видит в паре Магритта с закрытыми лицами послание “любовь слепа”, другие настаивают на идее всепоглощающей любви. Все интерпретации в какой-то степени верны, но узнать истинную уже никогда не получится. В любой случае, парочка выглядит достаточно жутко.
№25 «Портрет Поля Элюара», Сальвадор Дали
Сальвадор Дали известен каждому, хотя его работы вряд ли захочется вешать напротив кровати в спальне. Король сюрреализма пишет настолько необычные и порой отвратительные картины, что у зрителя часто мурашки пробегают по коже. Портрет Поля Элюара — не исключение из правил. Самая дорогая работа мастера была продана в 2011 году за 22 млн долларов.
Как известно, произведение написано для самого Элюара — бывшего мужа Галы, которую Дали уводил из-под носа супруга как раз во время работы над полотном.
№26 «Великий мастурбатор», Сальвадор Дали
Может, из любви к творчеству Дали, рассмотрим еще один шедевр испанского мастера. “Великий мастурбатор” наполнена страхами, подсознательными переживаниями и извращенными представлениями автора. Здесь секусальность предстает перед нами как нечто ужасное и отвратительное, что подчеркивает саранча и другие символы. Секс и страдания идут рука об руку почти в каждом произведении Дали. Во многом это объясняется психологической травмой: в детстве отец художника показал ему картинки с гениталиями. пораженные венерическими заболеваниями.
№27 «Сатурн, пожирающий своего сына», Франсиско Гойя
Большинство из нас слышало мифы про отца всех богов, который был совершенно не силен в воспитании своих чад.
В греческой мифологии бога звали Кронос, а в римской — Сатурн. Горе-папаша пожирал собственных детей, чтобы те не посягнули на его трон. Жуткая картина Гойя изображает как раз этот момент убийства. Странно, но именно это зверское произведение художник решил написать на стене собственного дома. Жилище Гойя украшало еще несколько подобных творений под общим названием “Черная живопись”.
№28 «Великий красный дракон и чудовище из моря», Уильям Блейк
При жизни художника, как часто бывает, почти не ценили. В основном он писал гравюры и иллюстрации в романтическом стиле, но эта серия картин написана акварелью. Здесь Бейк изображает Великого красного дракона — персонажа из книги Откровения. Дракон воплощает в себе самого дьявола, восседающего на огромном монстре. От этого образа многим становится не по себе. Кстати, произведение сыграло значимую роль в сюжете знаменитого фильма о Ганнибале “Красный дракон”.
№29 «Отрубленные головы», Теодор Жерико
Помимо чудесных портретов, много творений художника посвящено жестоким историческим баталиям и древнегреческим мифам.
Интересно, что перед работой с крупногабаритными полотнами Жерико часто писал “тренировочные” картины небольшого размера. Именно такой разминкой и послужило произведение “Отрубленные головы”. Писал ли мастер с натуры? Шокирующе, но да. Автор часто использовал настоящие отрубленные части тела, которые одалживал в морге.
№30 «Натюрморт из масок», Эмиль Нольде
Среди экспрессионистов Нольде известен намного меньше, чем Мунк. Тем не менее, его работы не менее яркие. На создание конкретно этой работы мастера вдохновили экспонаты Берлинского музея. И без того страшные маски, прошедшие сквозь призму мышления автора, стали еще более пугающими.
Подходят ли такие картины для интерьера?
Сначала ответьте себе на вопрос: верите ли вы в суеверия, энергетику и прочие вещи? Если нет, то “Крик” или “Руки противятся ему” можно смело вешать в своей гостиной. Картины же с откровенным негативным содержанием, как “Отрубленные головы”, психологи и дизайнеры вешать не рекомендуют, особенно в спальне.
Поверьте, вы не захотите смотреть на “Красного дракона” каждый день перед сном. Но несмотря на любые советы вы должны ориентироваться исключительно на свои ощущения. Если произведение вам по душе, не отказывайтесь от него.
«Маленькие» картины больших художников
С 27 мая по 5 сентября в Еврейском музее и центре толерантности работает выставка «Маленькое» искусство». Она представляет эскизы, наброски и рисунки знаменитых художников: Исаака Левитана, Василия Поленова, Валентина Серова, Ильи Репина и других. Узнайте, какие истории хранят пять «маленьких» картин больших живописцев, в нашем материале.
Борис Кустодиев. «Купчиха в окне»
Борис Кустодиев. Купчиха в окне. Начало 1920-х. Частное собрание, Санкт-Петербург
Черно-белый карандашный рисунок Бориса Кустодиева стал эскизом не только к большой работе, написанной маслом, но и одноименной акварели. В начале 1922 года художник предложил своему другу, владельцу издательства «Аквилон» Федору Нотгафту выпустить альбом, в который вошли бы 23 его акварели. Для книги был нужен сопроводительный текст, и в качестве автора Нотгафт пригласил Евгения Замятина. Личное знакомство художника и писателя произошло уже в процессе работы над книгой.
«Осенью 22-го года издательство «Аквилон» прислало мне «Русские типы» Кустодиева, чтобы я о них написал статью. Статьи я не стал писать, я сделал иначе: просто разложив перед собой всех этих кустодиевских красавиц, извозчиков, купцов, трактирщиков, монахинь, я смотрел на них так же, как когда-то на его картину на выставке, — и сама собой написалась та повесть», — вспоминал Замятин.
Текст очень понравился Кустодиеву, и он дописал еще восемь иллюстраций. Так альбом акварелей превратился в книгу «Русь», она вышла в марте 1923 года. Первую часть книги составила повесть Замятина, действие которой происходит в городе Кустодиеве, а второй раздел был посвящен рисункам художника. На эскизе к акварели «Купчиха в окне» — набросок изображения главной героини повести, Марфы Ивановны. Рисунок поместили на фронтиспис книги — перед первой страницей.
Василий Поленов. «К.А. Коровин в лодке»
Василий Поленов. К.А. Коровин в лодке. 1888. Собрание Алексея Жилина, Москва
Василий Поленов был преподавателем Константина Коровина в Академии живописи, ваяния и зодчества. Он сразу разглядел в ученике талантливого колориста, оценил его работу с цветом. И вскоре даже обратился к нему за помощью: «Я мешаю краски несколько приторно и условно. Прошу тебя — помоги мне отстать от этого». Художники быстро стали близкими друзьями. Коровин часто гостил у Поленова в подмосковной деревне Жуковке на реке Клязьме.
В один из таких приездов Поленов написал небольшой этюд «К.А. Коровин в лодке». А в 1888 году Коровин воспользовался этим этюдом для работы над собственной картиной «В лодке». Это живописное полотно практически полностью повторяет этюд, за исключением дописанной женской фигуры. Для нее позировала Вера Якунчикова — сестра художницы Марии Якунчиковой, которая, в свою очередь, приходилась Поленову свояченицей (сестрой жены).
Коровин и Поленов оставались близкими друзьями на протяжении всей жизни.
Три года назад я получил письмо здесь, в Париже, что умер Василий Дмитриевич Поленов. Письмо было от его жены, Наталии Васильевны. Она трогательно написала мне, что Василий Дмитриевич, умирая от старости, был в полном сознании. «За два дня до смерти он сказал мне, — писала жена, — достань мне этюд Константина, речку в Жуковке И повесь здесь, передо мной на стене. Я буду смотреть. А если умру, напиши ему в Париж поклон, скажи, что увидимся, может быть, опять на этой речке…
Илья Репин.
«Парижское кафе»Илья Репин. Парижское кафе. 1870-е. Частное собрание, Санкт-Петербург
В апреле 1873 года Илья Репин, имевший право на заграничную поездку как пенсионер Академии художеств, отправился в путешествие по Европе. Он побывал в Вене, Венеции, Риме и Неаполе, а в ноябре приехал в Париж, откуда писал художнику Ивану Крамскому: «Я, преодолев трусость, остался в Париже на целый год, взял мастерскую на Rue Véron, 13 — квартира, а 31 — мастерская». На следующий год в ателье Надара прошла первая выставка импрессионистов. Под впечатлением от экспозиции и в целом от французского образа жизни Репин начал писать картину «Парижское кафе».
Перед тем как начать работу над полотном размером 1,7 на 2,7 метра, живописец создал множество этюдов для каждого из героев. Их он писал с натуры, но денег на оплату натурщиков у художника было немного, поэтому работу часто приходилось приостанавливать. Персонажами картины стали люди, хорошо известные парижской богеме: певица Анна Жюдик, художник Жан-Леон Жером, поэт Катюль Мендес, художник и натурщик Эмиль Бело, который до этого позировал Эдуарду Мане, и другие.
Репин рискнул показать картину на выставке парижского Салона в 1875 году. У художника не было необходимых связей, чтобы повесить полотно на выгодное место, поэтому оно просто затерялось среди тысяч других работ. На третий день картиной заинтересовался вице-консул из США, но сделка сорвалась: Репин счел, что «так дешево» он продаст ее и в России.
Читайте также:
Валентин Серов. «Северная Двина»
Валентин Серов. Северная Двина (фрагмент). 1894. Ивановский областной художественный музей, Иваново
В 1890-х годах меценат Савва Мамонтов занимался строительством железной дороги в Архангельской области и предложил своим друзьям — художникам Валентину Серову и Константину Коровину — отправиться в путешествие на Север.
Мы вас приговорили в Сибирь, в ссылку. Вот что: в Нижнем [Новгороде] будет Всероссийская выставка, мы решили сделать проект павильона «Крайний Север», и вы должны поехать на Мурман. Вот и Серов хочет поехать с вами. Покуда Архангельская дорога еще строится, поедете от Вологды по Сухоне, Северной Двине, а там на пароходе «Ломоносов» по Ледовитому океану.
Художники поехали в двухмесячный вояж, из которого привезли множество этюдов. Не обошлось и без приключений. В Белом море Серова настигла морская болезнь, друзья чуть не заблудились в таежном лесу и познали все трудности работы в полевых условиях.
«Серов и я увидели, что днем писать с натуры нельзя, — вспоминал Коровин, — мешают мириады всевозможной мошкары, комаров и слепней. Лезут в глаза, в уши, в рот и просто едят поедом. Намазались гвоздичным маслом — ничуть не помогало. Мошкара темными облаками гонялась не только за нами, но и за паровозиком времянки», — вспоминал Коровин.
Они посетили Ярославль и Вологду, потом по рекам Сухоне и Северной Двине добрались до Архангельска и Мурманска, затем отправились на Новую Землю и в Северную Норвегию, побывали в Стокгольме и Гельсингфорсе (сейчас Хельсинки).
Михаил Соколов. «Дама»
Михаил Соколов. Дама. 1940-е. Частное собрание, Москва
В 1932 году было принято постановление, согласно которому главенствующим и, по сути, единственным разрешенным стилем в живописи стал соцреализм.
Участники всех творческих объединений, кроме официальной АХРР (Ассоциации художников революционной России), а также Московского и Ленинградского областного союзов художников, оказались вне закона. Среди них был, например, художник Михаил Соколов, выпускник Строгановского училища.
Благодаря тому, что какие-то олухи причислили его к формалистам, человек живет в невероятных условиях, голодает — одним словом, бедствует, пожалуй, так, как бедствовать у нас сейчас приходится немногим. А художник воистину замечательный, впитавший в себя все благородные традиции французских мастеров последнего столетия, он все-таки с очень яркой своей физиономией создал шедевры, которые будут в состоянии выдержать соседство любого импрессиониста.
В 1938 году Соколов, как и многие другие, был арестован и отправлен в исправительно-трудовой лагерь на станции Тайга. Несмотря на то что формально запрета на рисование в лагерях не было, найденные при обыске рисунки изымали. Формат миниатюры стал для Соколова единственным способом продолжать работать.
Рисунки размером с этикетку спичечного коробка художник делал подручными материалами, например сажей, и вкладывал в письма домой — так ему удалось сохранить часть работ.
«Мне кажется, я овладел тайной вложить в квадратный вершок, что другие в метрах. И в маленьком это даже сжатее — яснее выражено чувство и дыхание жизни», — писал художник уже после освобождения из лагеря.
«Культура.РФ» благодарит за помощь в подготовке материала куратора выставки «Маленькое» искусство» Марию Гадас.
Автор: Полина Пендина
Графика российских художников конца XIX–XX вв.
Коллекция отечественной графики конца XIX–XX веков в Сергиево-Посадском музее-заповеднике невелика по объёму, менее систематична и целостна, чем его живописное собрание этого периода. Но она обладает своей художественной значимостью в общем музейном комплексе.Спецификой графической коллекции музея (так же, как и живописной) является преобладание в ней работ местных художников и определённая тематическая направленность, связанная с иконографией Троице-Сергиевой лавры и города.
Особую её часть составляют отдельные листы (редко – циклы работ) известных мастеров отечественного изобразительного искусства – И.И. Шишкина, Б.М. Кустодиева, К.С. Петрова-Водкина, В.А. Фаворского, Т.А. Мавриной и других (около 80 работ).Первые шаги к формированию коллекции были сделаны в самом начале деятельности музея – в 1920–1921 годах: с «Выставки архитектурных мотивов ТСЛ» было закуплено более 30-ти графических произведений местных художников.
Наиболее ценная часть собрания – это приобретение в дар и закупка графических работ у частных лиц. Таким путём поступили в музей работы И.И. Шишкина, Б.М. Кустодиева, В.А. Фаворского, Л.С. Бакста. «Имена» (И.Репин, В.Маковский, И.Шишкин, К. Коровин и др.) «названы», но представлены единичными работами. «Персоналия» российского графического искусства в музейном собрании по сути одна – Т.А. Маврина (коллекция СПМЗ позволяет на примере лучших произведений показать её творчество в развитии – с 1940 х до 1970 х годов). Тем не менее, для «провинциального» собрания искусства конца XIX- XX веков и отдельные работы художников-классиков необычайно ценны.
Наиболее ранние образцы печатной графики в рассматриваемом нами комплексе произведений относятся к 80 м годам XIX в. Связаны они с одной «персоналией» – знаковой и значимой в истории русской гравюры этого периода – И.И. Шишкиным (1832 1898).
Напомним, что 1870-е годы – период переходный и «проходной» для русской печатной графики, время главенствования тоновой гравюры. Но и в этот не самый творческий период были подлинные виртуозы ксилографии (В.В. Матэ) и офорта (И.И. Шишкин). В нашем собрании имеются четыре офорта художника, созданные им в 1880 е годы (период, особенно плодотворный в творчестве Шишкина). Это блестящие по мастерству исполнения и тонкости передачи состояния природы листы «Гурзуф» (1885), «Чернолесье» (1885), «Апрель» (1885), «Болото на Варшавской железной дороге» (1886). В собрании музея также есть рисунки известных русских живописцев, таких как художник-передвижник Владимир Егорович Маковский (1846- 1920) и Валентин Александрович Серов (1865 — 1911).
Портреты В.Е. Маковского, выполненные в рисунке, так же безукоризненны по композиции и завершённости, как и его работы маслом. Будучи мастером портрета, В.Е. Маковский обладал талантом верно передать не только внешнее сходство портретируемого, но и особенности его душевных движений, выделяя те главные черты характера, которые определяют поступки человека, его мысли и чувства. Валентин Серов, как и всякий настоящий художник, замечательно работал не только в масляной живописи, но виртуозно владел техникой рисунка. Многочисленные его работы карандашом и углем обладают такой же живостью и точностью в передаче характера изображаемых людей, таким же совершенством исполнения, как и его картины маслом. В собрании музея есть несколько работ известных русских художников конца XIX – начала XX вв. Это, прежде всего рисунок Михаила Врубеля (1856–1910), крупнейшего представителя символизма и модерна в русском изобразительном искусстве. Наряду с листами Л.С. Бакста и М.А. Врубеля период расцвета русской графики рубежа XIX–XX веков и 1910-х годов представлен работой К.
А. Коровина (1861–1939) – эскизом декорации 1917 г. к опере Н.А. Римского Корсакова «Садко». Этот эскиз является единственным «уцелевшим» образцом театрально-декорационной графики. Стилистически наш лист близок целому ряду театральных работ К. Коровина конца 1900-х–1910-х годов. Эскизы К. Коровина к «Садко» 1906, 1914 годов отличает более сложное композиционное построение, они включают в себя не только изображение «Хором», но и открытой террасы, сквозь пролёты которой виден пейзаж – «морская синь». Наш лист имеет камерное звучание: он представляет интерьер палаты с высоким сводом, небольшими окнами, изразцовой печью и лавками. Коллекция графики музея обладает и небольшим рисунком Ильи Ефимовича Репина «Портрет писателя Леонтьева-Щеглова». И.Л. Леонтьев-Щеглов (1856—1911) — талантливый русский писатель и драматург
Графические листы Б.М. Кустодиева в собрании Сергиево-Посадского музея-заповедника – это три линогравюры 1926 г. (подписные, датированные автором), поступившие в 1928 г.
из частной коллекции. В творчестве художника графика занимала большое место, хотя он и был, по преимуществу, живописцем. В 1920-е годы Кустодиев много занимался книжной иллюстрацией, плакатом и станковой гравюрой (ксилографией, литографией, линогравюрой). В 1926 г. Б.М. Кустодиевым было создано несколько композиций с «Купальщицами» в техниках линогравюры, ксилографии и акварели. В дневниковых записях за 1926 г. первого биографа Кустодиева В.В. Воинова (художника-графика, историка искусства, художественного критика) постоянно звучит тема работы Бориса Михайловича над линогравюрами «Купальщица» и «Купальщицы». Постоянной моделью в последние годы жизни Б.М. Кустодиева «для портретов, персонажей картин, обложек, гравюр, иллюстраций» служила его дочь Ирина. Она позировала отцу и для гравюры «Купальщица». Над серией «Купальщиц» Б.М. Кустодиев работал, в буквальном смысле слова, до последних дней своей жизни: последняя гравюра этого цикла была сделана им 4 мая 1927 г. (а 26 мая художника не стало).
Творчество одного из выдающихся деятелей отечественного искусства XX в., классика гравюры на дереве В.А. Фаворского (1886–1964) представлено в музейной коллекции шестнадцатью графическими листами разных периодов: это и станковые работы, и книжные иллюстрации, и образцы его «шрифтовой графики».
Подбор листов во многом случаен, не все из них являются первоклассными или знаковыми работами мастера. В 1919 1939 гг. члены этой семьи (в том числе и Владимир Андреевич Фаворский) проживали в Сергиеве Загорске, были укоренены в его духовной и культурной жизни, создавали здесь многие свои произведения, а тесть В.А. Фаворского был одним из организаторов нашего музея.
Среди них – одно из самых известных, значительных произведений этого периода творчества мастера – станковая гравюра «Октябрь 1917» 1928 г. Эта ксилография была создана по первому государственному заказу Совнаркома к 10-летию Октябрьской революции. Тогда Фаворским была задумана серия «Годы Революции», где «расположенные в хронологическом порядке рисунки должны были год за годом воссоздавать всю историю Советского государства за первые 10 лет».
Ксилография «Октябрь 1917» представляет собой развёрнутую сюжетно-повествовательную и, одновременно, знаковую, метафорическую композицию со множеством действующих лиц и нескольких эпизодов, достаточно органически слитых воедино. Поздний период творчества В.А. Фаворского в нашей коллекции представляют гравюры из его лучших, самых известных циклов 1950-х годов, за которые в 1962 г. художник был удостоен Ленинской премии, – иллюстрации 1950 г. к «Слову о полку Игореве» и к «Борису Годунову» 1955 г., подаренные в музей в 1965 г.
Они прекрасно демонстрируют «поздний стиль» ксилографий Фаворского, где больше внимания уделяется внешнему облику героев, обстановке, костюму, где закономерно изменяются изобразительные средства: на смену аскетизму графических решений с выделением контуров и открытой штриховкой приходит определённая «живописность». Былинная торжественность, эпичность «Слова» полновесно звучат в многофигурной композиции («Перед битвой»), в которую Фаворский включает изображения русских воинов под боевым стягом и Гусляра.
Из многообразия графических циклов В.А. Фаворского 50-х годов к драматургии А.С. Пушкина («Борис Годунов», «Маленькие трагедии») в коллекции музея представлена только одна иллюстрация к трагедии «Борис Годунов» – «Пимен и Григорий» 1955 г.
Коллекция произведений выдающегося отечественного графика и живописца Татьяны Алексеевны Мавриной в Сергиево-Посадском музее-заповеднике по своему объёму, уровню работ, их жанровому разнообразию может быть сопоставлена только с крупнейшими музейными собраниями страны, имеющими коллекции графики XX в. (ГМИИИ, ГТГ, ГРМ). Это шестьдесят два листа, поступившие к нам в 1977 1978 годах после проведения в музее персональной выставки автора. Сорок пять произведений были переданы Т.А. Мавриной в дар.
Хронологически коллекция мавринских работ охватывает большой период творчества художника (крайние даты – 1944 и 1976 годы; причём примерно равное количество листов относится к периодам 40 х, 50 х, 60 х и 70 х годов). Она представляет достаточное разнообразие графических техник, в которых плодотворно работала Маврина: это акварели, гуаши, листы, выполненные в смешанной технике (темпера, гуашь или темпера, гуашь, акварель), карандашные рисунки, рисунки тушью.
«Загорский цикл» Т.А. Мавриной, ярко выражающий её мироощущение, приоритеты в искусстве, её неповторимый стиль, часто и справедливо называемый «мавринским», начал складываться в 1940-е годы. «Сюжетный ряд» мавринских работ 50-х годов – «сказочно увиденный» ансамбль Лавры, Пятницкий монастырь, старый город и жизнь его обитателей – повседневная и праздничная, воплощённые в её особом, метафорически-поэтическом ключе, связанном с образностью народного искусства, фольклора. Столь же выразительны и свободны, смелы в рисунке, композиции, цвете листы 1960–1970-х годов. В их тематическом составе по-прежнему превалируют жанровые пейзажи, в самих названиях которых подчёркнут действенно-бытовой аспект. Классический образец «мавринского портрета» в нашем собрании – «Демидова» 1973 г. «Демидова» – замечательный пример органичного соединения двух жанров – «портрет в пейзаже»: крупное, фронтальное, поясное изображение «русской старушки» в белом платке на фоне летнего деревенского пейзажа, где по старинной традиции народных росписей и лубка надписи даются на самих изображениях.
7 великих художников, о причудах которых не догадывались даже самые преданные поклонники их таланта
Александр Сергеевич Пушкин писал: «Гений и злодейство — две вещи несовместные», но многие готовы поспорить с великим русским поэтом. Знали ли вы, что Исаака Левитана боялись все московские барышни, а итальянский живописец Караваджо был любителем помахать кулаками?
Мы в AdMe.ru проштудировали биографии известных художников и обнаружили такие факты, которыми просто невозможно не поделиться.
1. Сальвадор Дали
Король эпатажа Сальвадор дали всегда умел привлечь к себе внимание. Он читал лекции в водолазном костюме, разгуливал по улицам с ручным муравьедом, а свое тело завещал похоронить в полу своего театра-музея. Его главной страстью была жена и муза Гала (Елена Дьяконова). Дали писал: «Я люблю Галу больше матери, больше отца, больше Пикассо и даже больше денег».
Современники Дали утверждали, что он заставлял людей считать его безупречным и совершенным человеком.
Художник порвал отношения с семьей, родственники были не в восторге от его возлюбленной и считали Елену дамой легкого поведения. Конфликт обострился до такой степени, что отец лишил Дали наследства. В знак протеста Сальвадор побрился налысо и «похоронил» свои волосы на пляже.
В 1980 году художника разбила болезнь Паркинсона. Дали очень часто срывался на жену. Он кричал на Галу, бросал в нее вещи, поднимал руку и даже сломал ей 2 ребра. Чтобы успокоить мужа, Гала давала ему психотропные препараты.
После смерти жены друзья определили Сальвадора в клинику. Он отказывался есть, становился агрессивен, плевал в медсестер и пытался расцарапать им лицо.
2. Клод Моне
Импрессионист Клод Моне хотел стать художником вопреки воле отца. Моне не любил учиться, на уроках он развлекал себя тем, что рисовал карикатуры на полях тетради. Это увлечение стало приносить Клоду неплохой доход. В 15 лет в местной художественной лавке он продавал свои картины и вскоре стал местной знаменитостью.
Так юноше удалось скопить 2 000 франков, которые он потратил на обучение.
Клод Моне «Вход в Живерни зимой, заходящее солнце».
Как и у всех гениев, у Моне были свои странности. Он едва сводил концы с концами и погряз в долгах. Когда кредиторы хотели забрать картины у художника, Клод не придумал ничего лучше, чем сжечь свои работы.
Моне был невероятно упрямым человеком. Однажды в феврале он писал пейзаж со старым дубом, но вскоре бросил это занятие. В мае художник решил закончить работу. Клод был в бешенстве — на дубе зеленела молодая листва! Он долго не мог найти себе места, но принял решение. Несколько дней он срывал листья с дерева, пока оно не приняло «изначальное» состояние.
3. Винсент Ван Гог
Кто из нас не знает историю о том, что Ван Гог отрезал себе ухо. После ссоры с Полем Гогеном он бритвой отсек себе мочку уха, упаковал ее в конверт и подарил «на память» знакомой проститутке. Знакомые говорили, что Винсент абсолютно не умел спорить, ему были присущи вспышки агрессии.
Художнику удалось испортить отношения с единственным близким человеком — своим братом. Он жил уединенно, сторонился людей, много курил и злоупотреблял алкоголем.
Но несмотря на вспыльчивый характер, Ван Гог был преисполнен человеколюбием. Художник писал брату: «Нет ничего более подлинно художественного, чем любить людей». Он был трудолюбивым, много работал и терпел насмешки от окружающих людей, которые сторонились чудаковатого Винсента.
4. Исаак Левитан
Певец русской природы пейзажист Исаак Левитан был человеком целеустремленным. Родился он в бедной семье раввина, который был вынужден оставить свой религиозный путь, чтобы хоть как-то прокормить жену и детей. Чтобы оплачивать учебу в художественном училище и помогать родителям, Исаак много работал. Он рисовал иллюстрации на заказ и писал картины на продажу.
Мария Чехова, возлюбленная Исаака Левитана.
Молодой и красивый юноша не был обделен женским вниманием, да и сам Левитан слыл натурой пылкой и влюбчивой.
Его увлечения дамами протекали бурно, давая поводы для сплетен. Исаак стрелялся из-за женщин, он преследовал своих возлюбленных по всей Москве, вставал прилюдно на колени и устраивал публичные сцены ревности. Дамы боялись столь настойчивого внимания художника и старались обходить его стороной. Под обаяние Левитана попала даже сестра Чехова Маша.
5. Караваджо
Художникам Ренессанса тоже не были чужды эпатажные поступки. Один только Караваджо своими выходками сводил с ума всю Италию.
Основоположник реализма в искусстве художник Микеланджело Меризи да Караваджо был новатором в живописи. Он рисовал обыкновенных людей из уличной толпы: мальчишек, бродячих цыганок, торговцев на рынке, ночных бабочек. Меризи стремился к документальной точности, что не очень нравилось его современникам. Чтобы изобразить Лазаря на картине «Смерть Лазаря», он нанял рабочих, которые разрыли свежую могилу юноши, положили тело в определенную позу и ждали, пока художник сделает наброски.
Фрагмент картины «Воскрешение Лазаря».
Караваджо славился своим вспыльчивым характером. Однажды во время ссоры за карточной игрой художник так сильно ударил своего оппонента, что тот отдал богу душу. Долгое время Меризи скрывался от правосудия. Второй жертвой стал юноша Рануччо Томассони, который сильно пострадал после драки с художником. За голову Караваджо папа римский Павел V назначил вознаграждение.
6. Поль Гоген
Поль Гоген был успешным брокером и примерным семьянином. Он счастливо женился на датчанке Мэтте-Софи Гад, которая родила ему 4 детей. Поль души не чаял в старшем сыне Эмиле. Вскоре в Европе случился биржевой кризис. У семьи Гоген не было средств, чтобы оплатить жилье и купить еды.
Жена Поля Гогена Пахура с новорожденным сыном.
Устав от безденежья, Гоген бросает семью и уезжает жить в Панаму, а потом на Таити. Там он берет в жены Пахуру Тай. Полю было за 40, Пахуре — 14.
Она родила художнику 2 детей.
Одной из самых ярких черт характера Гогена была надменность. Художник был уверен в своей гениальности. Он казался окружающим очень самовлюбленным. Возможно, эта черта помогла Полю не унывать в моменты безденежья и тяжелых болезней.
7. Илья Репин
Русский художник Илья Репин был сторонником здорового образа жизни. Он предпочитал спать на свежем воздухе и отказался от мяса. Художник старался помогать бедным и обездоленным, а Маяковского и вовсе спас от голодной смерти.
Чрезмерная скупость и бережливость Репина по отношению к себе удивляли окружающих. Он специально вставал очень рано, чтобы уехать на работу, ведь утром проезд на трамвае стоил 5 копеек, а днем — уже 10. А когда его дочери Вере понадобился массаж, Репин предложил девушке запомнить, что делала массажистка, и повторять все дома самостоятельно.
Разносолами домашних художник тоже не баловал. Семгу, шоколад, апельсины и разные деликатесы он считал излишней роскошью и просил подавать к столу вареную картошку, огурцы и чечевичную похлебку.
Знакомые Репина шутили, что на обед художник ест суп из сена.
Как вы считаете, можно ли простить художникам их странные поступки во имя их гениальности?
в Еврейском музее открылась уникальная выставка
В Еврейском музее и центре толерантности открылась выставка «Маленькое” искусство», на которой представлено творчество Исаака Левитана, Василия Поленова, Валентина Серова, Ильи Репина, Михаила Врубеля, Константина Сомова, Казимира Малевича, Антонины Софроновой, Льва Бакста и других художников.
Чуть больше 130 работ «“Маленького” искусства» – это когда небольшие и совсем крохотные картины в огромном количестве висят на стенах. Не просто висят, собраны специально для представления публике из Музея изобразительных искусств им. Пушкина, Третьяковской галереи, Музея архитектуры им. Щусева, Музеев-заповедников «Петергоф», «Абрамцево» и «Царское село». Представлены и картины из частных собраний, иногда анонимно.
Как считает генеральный директор Еврейского музея и центра толерантности Александр Борода, «выставка «“Маленькое” искусство» посвящена исследованию малой формы в наследии великих художников.
Малые по масштабу картины, эскизы, наброски существуют в творчестве каждого художника. Мы хотим подробно рассказать нашим посетителям какую они играют роль. Малые формы дают нам возможность вступить в неформальный диалог с великими художниками, узнать об их идеях и взглядах на жизнь».
Иван Похитонов. 1880-1890-е
Можно ли устраивать такую выставку – вопрос оставался открытым, памятуя как для «Roma Aeterna. Шедевры Пинакотеки Ватикана» в Москву 5 лет назад привезли несколько миниатюр. Но охранная система в Третьяковской галереи располагалась таким образом, что любоваться на них можно было лишь с расстояния нескольких метров. Что, признаться, весьма затрудняло процесс постижения прекрасного.
Оставалась надежда на опыт Еврейского музея и центра толерантности в области организации экспозиций разного уровня сложности, но ожидание было волнующим. Тем более, что кураторы выставки не скрывали: чаще всего на вернисажи вещи столь маленького размера не попадают, особенно если это только набросок или замысел композиции.
Эти работы навсегда спрятаны в запасниках. И если их и достают их из папок, лишь специалисты для написания монографий.
Однако рискнули, чем привлекли внимание практически всех столичных изданий. С другой стороны, за год виртуальных событий люди изголодались по реальности. И любое осязаемое событие сейчас оказывается в эпицентре внимания.
Тем более столь грандиозное в миниатюрном замысле. Или наоборот, миниатюрное в грандиозном? Ведь зачастую формат не так уж важен. Главное, что в произведении сохраняется душа художника. Его умение видеть. Его дар.
Исаак Левитан. 1883-1886
В этой связи главным открытием, пожалуй, стали работы Поленова, Левитана и Репина, из которых видно, как художники развивались, как продвигались от едва уловимой идеи к окончательному решению в ставших позже известными полотнах. Вспомогательной функции небольшого наброска посвящена первая часть выставки.
Второй раздел – об искусстве модернистов, а значит, о значении неоконченного рисунка и легкости этих произведений.
Небольшие форматы произведений позволяют увидеть манеру и последовательность работы художника. Здесь царит Бакст, рисунок которого – острый и точный – будто сохраняет движение руки. И Константин Сомов, чьи акварели – живое свидетельство его скрупулезного отношения к своей работе.
Казимир Малевич. Эскиз картины
Следующее пространство определено формулой Казимира Малевича «Современная нам форма в искусстве – исследовательский институт», придуманной им для своего окружения. В Петрограде 1924 года супрематисты работали над открытием универсальных формул мироустройства. Представлена на выставке графика Казимира Малевича, Михаила Ларионова, Николая Суетина, Ильи Чашника вместила себя весь пафос авангарда, его стремление к изменению формы предметов.
Даниил Даран. Бассейн
Последний зал отдан «камерному» искусству. Прилагательное камерный в русском языке многогранно и в зависимости от контекст привносит разные оттенки.
Но только не в 30-е годы прошлого века.
И не для Александра Шевченко, Павла Басманова, Антонины Софроновой, оказавшихся на периферии художественного пространства. «Камерная» тема родилась из лагерных миниатюр Михаила Соколова. Оказавшись в заключении, художник пытался сохранить возможность работать, используя доступные материалы. Так появился цикл крошечных работ. Крошечных – значит в формате спичечного коробка. Камерное пространство – напоминание о способности настоящего художника вместить в небольшой листок все оттенки человеческих переживаний.
Алексей Кравченко. Корольковские дачи. Этюд. 1918. Картон,масло
«“Маленькое” искусство» – великое потрясение от возможности узнать новое о самих художниках, подсмотреть за ними во время творчества, чтобы обнаружить неведомое, скрытое. Порадоваться за самих себя, что видели работы в выставочном пространстве.
Стоит отметить, что для выставки разработана программа для людей с разными типами инвалидности. Для слабовидящих и незрячих посетителей представлены тактильные модели и записан аудиогид с тифлокомментариями.
Слабослышащие могут воспользоваться видеоэкскурсией на РЖЯ. Кроме того, в рамках выставки музей подготовит экскурсии для посетителей с особенностями интеллектуального развития.
Выставка продлится до 5 сентября 2021.
10 известных художников импрессионистов и их картины
Ко второй половине XIX века старые методы изобразительного искусства уже не вызывали интереса – художники-импрессионисты открыли новую эру. К классическим наработкам игры света и тени с прорисовкой драпировок прогрессивные европейские живописцы больше не хотели возвращаться. Французский импрессионизм принес новую манеру живописи, перевернул понимание об эстетике, задав некую точку отсчета. Пришла новая эра экспериментов с цветом крупными мазками, когда картины нужно рассматривать издали. Пуританская идеология отступала под натиском новых подходов в изображении обнаженной натуры. Новаторство прочно закрепилось в живописи, а уже под ее влиянием развивалось искусство ХХ века.
Ты можешь выбрать картину любой тематики в галерее или заказать свою
Анри Матисс
Нет человека, интересующегося творчеством великих импрессионистов, которому не было бы известно имя Анри Матисса. Когда он только пробовал работать кистью по холсту, ему предрекли большое будущее. «Открытое окно» – одна из малоизвестных работ французского художника.
Полотна все такие разные, потому что он был смелым новатором и экспериментатором. Матисс никогда не работал, чтобы угодить консервативной публике. Его можно было бы упрекнуть в некой небрежности письма, но сам подход и образы забыть невозможно, как эту «Пастораль» в пастельных тонах.
Часть его картин написано яркими красками. Яркий представитель фовизма, одного из направлений живописи, где эмоции старались изобразить с помощью цвета и формы. Картине «Танец» предшествовала его «Музыка». В плане цвета у них много общего, вместе они составляют «Диптих» из «Эрмитажа».
Матисс – автор пяти фигур на картине «Танец», где всего 3 цвета (красный, синий, зеленый).
Статичные фигуры сменяются подвижными телами танцовщиц. А так, в его понимании, выглядит «Радость жизни».
Альфред Сислей
Яркий представитель плеяды великих импрессионистов не дожил до своего триумфа, но его полотна продолжают пленять умы потомков. Большинство французских живописцев, работавших в этой манере, не были приняты современниками. Они были готовы изображать не святых и знатных, а простых и нищих. Однако скромный и молчаливый гений предпочитал пейзажи, работая в технике письма, присущей импрессионистам. Это изображение тихой стихии из «Наводнения в Порт-Марли».
Публика не ожидала размытых картин, размашистых мазков или ярких пятен на холстах, которые предлагали энтузиасты новой манеры. Художник восхищался небом – закатами и восходами, грозовыми тучами и перистыми облаками. «Сен-Мамес» – прекрасный пример того, как широкими мазками изображают тихую гладь реки с отражением легкой облачности.
Ты можешь выбрать картину любой тематики в галерее или заказать свою
Винсент Ван Гог
Кто не знает этот «Автопортрет» с курительной трубкой и отрезанной мочкой уха? Среди знаменитых импрессионистов это была самая неоднозначная фигура.
Он провел часть своей короткой жизни в доме для умалишенных, успел жениться на проститутке и поскандалить со всеми друзьями и меценатами. Но сегодня все картинные галереи мира и частные коллекции почли бы за честь приобрести одну из версий его «Подсолнухов».
Одной из лучших работ признана «Звездная ночь», написанная крупными мазками. Часть композиции наработана с натуры – так, как он видел этот пейзаж из окна психиатрической лечебницы. После долгого запрета ему наконец-то принесли мольберт и краски! Однако он не мог разглядеть детали деревни, видневшейся по ту сторону поля в Провансе. Детализацию он взял из своего воображения.
Клод Моне
Франция подарила миру множество талантливых живописцев. Оскар-Клод Моне считается основоположником нового направления. Многие художники-импрессионисты черпали вдохновение у него, изучая манеру и способ подачи образов. Для многих начинающих талантов он был неким образцом и даже учителем. Полотна Моне легко запомнить, но невозможно повторить, как этот «Сад в цветах».
Сам термин «импрессионизм» происходит от перевода слова «впечатление», пестрящего в описании его работ в сатирическом обзоре. В те времена, как и сегодня, любили критиковать гениальных художников, опередивших свое время. Впрочем, судите сами. Сегодня каждому было бы приятно принять в дар «Водяные лилии» или «Белые кувшинки» с изображением рукотворного пейзажа в саду. Они могли бы украсить любое частное собрание.
Камиль Писсаро
Знаменитый художник рос в еврейской семье во французской колонии, но его родители всячески поощряли стремление к экспериментам в живописи. Они перебрались во Францию, а сына отправили в Париж, чтобы талантливый юноша мог получить лучшее (по тем временам) образование и реализоваться, как это удалось известным художникам-импрессионистам. Больше всего им нравился его «Огород с деревьями в цвету».
Получив классическое образование в Школе Изящных Искусств, Писсаро продолжил развивать самобытную манеру письма в Парижской Академии Сюиса.
Его работы стали более продуманными по композиции, но где-то была утрачена идентичность – публика терялась в догадках, это его «Монмартр» и перекрестки «Сент-Оноре» или холсты какого-то другого импрессиониста.
Все работы написаны в разной манере (результат экспериментов). Впечатляют городские пейзажи и сельские дороги. Они еще более привлекательны, когда написаны дважды, при разном освещении, не важно, день это или ночь. Сегодня многие начинающие художники, практикующие городскую тематику, подражают его технике письма и общей композиции.
Поль Сезанн
В списке представителей импрессионизма и постимпрессионизма есть очень яркие личности, получившие признание при жизни. Среди них Поль Сезанн, получавший внушительные доходы от своих полотен. Парижской публике пришлись по вкусу его пейзажи, такие как «Гора Сент-Виктуар» в Провансе (есть несколько набросков).
Сезанн любил делать сопоставление геометрических форм, экспериментировать с передачей цвета, работать с игрой света и тени.
Тот, кто видел хотя бы несколько его картин, безошибочно распознает их среди многих других шедевров знаменитых импрессионистов. «Большие купальщицы» – одна из завершенных работ на тему обнаженной натуры (интересна с точки зрения нового направления в искусстве).
Поль Гоген
Гогена считают наиболее неоднозначной фигурой среди известных художников-импрессионистов с необычной биографией. «Чудесный источник» – лишь она из его работ, посвященных женщинам экзотической внешности. Поль Гоген родился в семье парижского журналиста, состоявшего в браке с перуанкой, вот откуда интерес к смуглой коже мулаток и островитянок.
Насыщенная событиями биография живописца нашла отражение в его полотнах. Моряк и биржевой брокер, отец пятерых детей и заядлый путешественник хотел бежать от цивилизации, чтобы познать все прелести жизни с прекрасными дикарками где-нибудь на Таити.
Пьер Огюст Ренуар
Ренуар тоже любил женщин, преимущественно, красивых и ухоженных парижанок, танцовщиц и актрис.
Писать портреты он любил больше, чем делать пейзажные наброски, учась копировать мастеров прошлого в Лувре. Одна из самых известных работ типичного представителя импрессионизма – «Портрет Жанны Самари». Глубина огромных темно-карих глаз влечет посетителей картинных галерей. Его любимая модель с удовольствием многократно позировала французскому гению.
Пьер Огюст Ренуар оставил большое творческое наследие. Хотя он обладал очень красивым голосом, родителям не удалось уговорить его стать хористом или музыкантом любой другой специальности. Среди его живописных работ наиболее известны «Зонтики», «Бал в Мулен де ла Галетт» и «Завтрак гребцов». Даже в менее известных полотнах узнаваема его слегка «размытая манера».
Эдгар Дега
Танцующие женщины – любимая тема известного представителя импрессионизма Эдгара Дега. «Голубые танцовщицы» – одна из ранних работ, в которой угадывается утонченный вкус и особый почерк французского живописца. Его полное имя – Илер-Жермен-Эдгар де Га.
Даже не зная других полотен, легко влюбиться в его творчество.
Две другие работы прославленного француза на ту же тему – «Танцевальный класс» и «Балетная школа». Его полотна хорошо продавались и имели поддержку критиков. Но почему-то мир запомнил скандальные полотна, такие как «Абсент» и «Мытьё».
Эдуард Мане
Еще один великий импрессионист – Эдуард Мане. Типичного представителя французской живописи часто путают с Клодом Моне, но у них совершенно разная манера изображения. «Бар в Фоли-Бержер» – одна их лучших его картин, где очень тонко подмечены мелкие детали, особенно отражение в зеркале.
Один из родоначальников нового течения в изобразительном искусстве был коренным парижанином. Но один поход в Лувр буквально перевернул его мир и помог определиться с тем, чему бы он хотел посвятить свою жизнь. Увлечение живописью поддержали его родители, но им не верилось, что таким способом можно прилично зарабатывать на жизнь.
Среди лучших работ признанного мастера французской школы живописи обычно указывают «Завтрак на траве», «Балкон», «Музыка в Тюильри».
Не забывают и про скандальную «Олимпию», которую в то время не принимало лицемерное «пуританское» общество. Но импрессионисты изменили представление европейцев о красоте.
Смотрите также:
Картины Анри Матисса
Картины Винсента Ван Гога
Картины Клода Моне
Картины Камиля Писсарро
Картины Поля Сезанна
Картины Поля Гогена
Картины Пьера Огюста Ренуара
11 самых знаковых и знаменитых скетчей за всю историю
Каждое великое произведение искусства проходит через творческий процесс, но этот процесс скрыт и часто забывается. В этой статье мы покажем вам знаменитые зарисовки величайших художников.
Статьи по теме: 20 современных художников, которых вы должны знать — Когда продажи тэга «Мастера живописи» взлетели до небес! — 23 художника-акварелиста, о которых вы должны знать
Эскизы — самые недооцененные и недооцененные произведения искусства в истории.(Да, произведения искусства!) Часто у нас есть шанс только посмотреть на законченные работы в стенах музеев, что заставляет зрителя думать, что художники — гении.
Действительно, художники гении! Но чтобы быть гением, нужно еще много работать и прилагать усилия. И именно здесь зарисовки включены в рассказ. Каждое великое произведение искусства проходит через творческий процесс, но этот процесс скрыт и часто забывается. Эскизы — это то, как великие произведения искусства становятся знаковыми: с большим количеством экспериментов и практики.
Из набросков, рисунков, набросков, текстов, инструкций — все, что вы можете вообразить, приводит к окончательному оформлению. Творческий процесс может занять очень много времени, и его основная цель — разработать идеи и проверить цвета, формы, размеры и композицию.
Наверное, многим это рушит фантазию о том, что художник — гений, способный достичь совершенства с одной попытки. Но каждое произведение искусства подкреплено целой жизнью практики, экспериментов и неудач. Во многих случаях творческий процесс действительно более приятен и интимен для просмотра, чем совершенное произведение искусства.
Но где художники отслеживают весь этот процесс? Знаменитый термин «альбом для рисования» — вот ответ.
Альбом для рисования и эскиз
Смотреть альбом художника — это интимное занятие, и если вы когда-нибудь это сделаете / сделали, вы можете почувствовать себя привилегированным. Альбом для рисования — это визуальный дневник мыслей, дневник, отражающий путь художника, друга. Таким образом, художник не упускает возможности отметить красоту вещей, которые его окружают.Эти дневники рисования — открытое пространство для самовыражения — пространство без давления или осуждения. Альбомы для рисования считаются окном в душу художника. Заполненные деталями альбомы для рисования — это визуально приятный беспорядок, который обычно больше рассказывает о художнике, чем о самих произведениях искусства.
Существует также множество типов рисунков, из которых можно составить альбом для рисования, которые могут варьироваться в зависимости от времени, которое художник использует в нем.
Эскиз — это скорее предварительный набросок идеи — грубое совмещение линий, которые могут структурировать окончательное произведение искусства.Набросок менее подробен, чем этюд, но более проработан, чем каракули.
Некоторые произведения искусства и художники особенно известны своими культовыми эскизами. Аура такого рисования идей дает зрителю тесную связь с завершенным произведением и действительно делает произведение искусства гораздо более интересным. Давайте посмотрим на некоторые из самых знаковых эскизов всех времен.
1. Ле Корбюзье
Французско-швейцарский художник, скульптор, архитектор, урбанист и писатель был провидцем своего времени.Ле Корбюзье широко известен своими модернистскими архитектурными проектами и городскими пространствами. Его вдохновляли его путешествия, искусство и представления о «порядке». Ле Корбюзье спроектировал творческие пространства, исследуя более простые формы повседневной жизни, очищая и упорядочивая кубистические формы.
В этом знаменитом эскизе мы можем увидеть, как могли выглядеть его путешествия: городские пространства, здания и животные. Наряду с рисунком мы также можем видеть некоторые заметки, которые направляют мыслительный процесс художника.
2. Заха Хадид
Заза Хадид была первой женщиной, получившей признание в отрасли, которую в то время возглавляли мужчины. Иракско-британского архитектора хвалили за то, что в дизайне здания она раскрыла линии и формы. Заза Хадид известна как «Королева Кривой» из-за ее необычного подхода к традиционной архитектуре. Ее радикальный подход сместил архитектуру с геометрических узоров на асимметричный, пышный и абстрактный дизайн.На этом эскизе мы можем увидеть ее пространственную концептуализацию здания «Phaeno Sciecnce Center».
Заза Хадид, Набросок для научного центра Phaeno, без даты.
Заза Хадид, Научный центр Phaeno, Вольфсбург, Германия, 2005. Предоставлено Zaza Hadid Architects. Фото Вернера Хутмахера.3. Эдгар Дега
Дега был французским скульптором и художником, который был энтузиастом человеческого тела. В своих работах он изображал в основном женщин — танцовщиц, певиц и прачок — в крепких, новаторских и необычных позах.Он был заинтригован проблемами точного захвата света и часто использовал искусственный свет, чтобы усилить театральность фигур, которые он изображал. Есть множество набросков, опубликованных признанными учреждениями. В его набросках вы можете увидеть его исследования человеческого тела и то, как Дега был очарован женщинами в изящных, но сильных позах.
Эдгар Дега, «Танец досуга», Неизвестный, Красный мел, бумага, 24 × 32 см. Предоставлено Artsy.4.Винсент Ван Гог
Винсент Ван Гог почти не нуждается в презентации. Каждый имеет небольшое представление о том, кем он был и насколько он дальновиден и влиятелен в мире искусства.
Известно, что голландский художник является стереотипным образом истязаемого художника, потому что Ван Гог всю жизнь боролся с проблемами психического здоровья. Несмотря на это, он создавал плотные и яркие картины импрессионистов, отражающие его душевный хаос. Знаменитый художник также вел альбом для рисования, в котором он рисовал этюды некоторых своих самых влиятельных произведений, таких как «Стул».Возможно, для Ван Гога альбом для рисования действительно был способом очистить его затуманенное сознание и упорядочить свои мысли.
5. Эгон Шиле
Эгон Шиле был австрийским художником, которого широко восхищали его эротические рисунки. Его смелый фирменный стиль бросил вызов традиционным формам красоты благодаря исследованию психики и сексуальности его моделей.Его рисунки и картины изображали обнаженных моделей в тревожных позах, избегая изображения жанра.
Маркировка Шиле была агрессивной, сильной и смелой, что усиливало искаженное представление о красоте. Большинство его известных работ взяты из его альбомов для рисования. Эскизы Шиле считаются самостоятельными произведениями искусства. На этом изображении вы можете увидеть набросок Шиле, найденный в дрифт-магазине в 2018 году.
6. Леонардо да Винчи
Леонардо да Винчи — бесспорный гений своего времени. Он был мастером итальянского Возрождения, продемонстрировав опыт во многих областях, таких как живопись, скульптура, архитектура, анатомия, геология, математика, наука, астрономия и многие другие. Его фирменный стиль был известен своей точностью и реалистичностью. Он также представил новую технику под названием «сфумато», которой многие художники все еще пытаются овладеть в наши дни. Да Винчи, как и любой другой художник, практиковал искусство рисования, и его многочисленные альбомы для рисования можно увидеть в различных учреждениях по всему миру.
В этом эскизе мы видим предварительное исследование, которое могло повлиять на знаменитую картину Моны Лизы.
7. Питер Пауль Рубенс
Рубенс — еще один старый мастер, превзойденный в движении барокко. В его картинах прослеживается очевидное влияние итальянского Возрождения с оттенком театральности.Фирменный стиль Рубенса был известен тем, что подчеркивал движение, цвет, свет, драматизм и чувственность. Его насыщенные сочинения относятся к христианской истории и мифам католической церкви. «Даниил в логове львов» (1614-16) — очень знаковая картина Рубенса, и есть широко известный ранний набросок этих львов. Эскиз немного более проработан, чем просто предварительный рисунок, поскольку мы можем отметить некоторую проработку света и текстуры. Этот набросок льва на самом деле может быть более известным, чем сама картина.
8. Фрэнк Гери
Фрэнк Гери — самый известный из ныне живущих архитекторов 21 века. Канадско-американский архитектор известен своим уникальным стилем, основанным на модерне, который считается занимательным, удивительным и функциональным.Он использует самые разные материалы, от дешевых, массового производства до дорогих и редких материалов. Его деконструированный стиль основан на рисованных эскизах, а не на сложном программном обеспечении, что позволяет художникам иметь более тесную связь с каждой линией, которую он наносит на бумагу (и, следовательно, со зданием). Музей Гуггенхайма в Бильбао — один из его самых известных проектов, а также одно из самых престижных зданий с момента его постройки.
На изображениях вы можете увидеть первый нарисованный от руки эскиз Гери из музея Бильбао.Гери говорит, что на создание такой слоистой структуры его вдохновила рыба.
9. Пабло Пикассо
Пикассо был одним из самых влиятельных художников 20 века. Он был пионером кубистского движения и внес некоторый вклад в символизм и сюрреализм.Хотя он в основном известен своими картинами, Пикассо также был скульптором, гравером и керамистом. Его харизматическая личность привлекала внимание многих женщин, которых он использовал в качестве моделей для своих работ. Он вызвал большое восхищение за его деконструкцию пространства и перспективы с использованием смелых и четких обозначений и цветов. Как и любой другой художник, он имел обыкновение держать альбомы для рисования, чтобы делать этюды для последующих картин.
Как мы видим, «Les femmes d’Alger» (1955) не стала исключением.Мы можем увидеть упрощенную работу форм, форм и цветов, представленных на начальном этапе подготовки эскиза к иконической живописи.
10. Эжен Делакруа
Эжен Делакруа был одним из ведущих деятелей романтизма и одним из самых известных художников 19 века.Его картины характеризуются яркими и волнующими красками, связанными с возвышенным и экзотическим. Он часто писал современные сценарии насилия и трагедии в драматических и динамичных композициях. Известно, что у Делакруа всегда был под рукой альбом для рисования, которым он писал свои визиты в оперный театр или театр. Художник также использовал эти альбомы для экспериментов с композициями для своих картин.
Эжен Делакруа, «28 июля — свобода руководства людей», 1830 г.
Холст, масло, 64,5 х 81,3 см. Предоставлено Christies London.11. Уильям Тернер
Чтобы завершить этот список, это должен был быть Уильям Тернер. У Тернера, вероятно, самая известная из когда-либо созданных коллекций эскизов и альбомов для рисования. Тернер был британским художником, которого широко хвалят за его вклад в романтическое движение. В своих картинах он размышлял о важности индивидуального опыта в эпоху Englightmenet. Через возвышенные сценарии Тернер расширил представления о сознании и существе.Его техника живописи подчеркивала мощь природы и хрупкость существа. Альбомы для рисования Тернера были фундаментальным открытием для изучения его понимания мира. В своих альбомах он использовал в основном карандаш и иногда экспериментировал с акварелью. Большинство этих альбомов принадлежат коллекции Тейт в TATE.
Уильям Тернер, «Два этюда с фигурами: две женщины с кувшином, наблюдающие, как мужчина стоит на коленях, чтобы играть в шарики»; Этюды рук и левой ноги человека 1794.Предоставлено Tate Collection.Как видите, альбомы для рисования работают как вторая кожа художников и действительно являются необходимостью отслеживать идеи художника. Эскизы — это изначальная форма искусства, и, хотя сами по себе они не могут считаться произведениями изящного искусства, эскизы столь же проницательны и важны, как и законченные произведения искусства. Эскизы ценятся и вызывают восхищение с точки зрения их категории и категории, и их никогда нельзя считать менее ценными. Эскизы являются носителями истории, экспериментов, воспоминаний, рассказов и являются ценным элементом истории искусства.Всех упомянутых выше художников сегодня очень хвалят, и это может быть как-то связано со временем, которое они потратили на наброски идей и композиций. Известно, что ни одно великое произведение искусства не было первой попыткой. Каждый великий художник использовал альбомы для рисования как инструмент развития и роста в поисках личного стиля и техники.
Изображение на обложке: Эдгар Дега, «Танец досуга», Неизвестный, Красный мел на бумаге, 24 × 32 см. Предоставлено Artsy.
Написано Танией Тейшейрой
Следите за обновлениями журнала Kooness, чтобы узнать больше о интересных новостях из мира искусстваСписок из 10 главных ящиков и чему они нас учат
Величайшим рисовальщиком в мире могла быть ученица другого художника во Франции в стиле рококо, рисовальщик эпохи Возрождения, невидимый взглядом признанного мастера из более могущественного соседнего города-государства, или скромный преподаватель искусства, работающий в настоящее время. в Миннесоте.Выбор 10 лучших ящиков всех времен — салонная игра сомнительной ценности. Вместо этого мы решили подсчитать, сколько раз исторические личности упоминались или воспроизводились в первых 10 выпусках журнала Drawing , и продемонстрировать их с яркими комментариями вдумчивого работающего художника и представителя одного из самых уважаемых художественных институтов в мире. страна. Каждый из 10 художников, представленных здесь, предлагает рисунки изысканной красоты; но, что более важно для наших целей, каждый из них предлагает идеи и уроки, которые может использовать любой рисовальщик.Мы исследуем, почему работа этих людей так вдохновляет.Леонардо да Винчи
Голова молодой женщины Леонардо да Винчи , металлическое перо, перо, коричневые туши, кисть и коричневая краска, выделенная белой гуашью, 11 x 7 1/2. Собрание галереи Уффици, Флоренция, Италия. Фигура в нижнем левом углу была нарисована черным мелом другим художником. «Он дразнит тебя кусочком глаза», — комментирует Рубинштейн. «Он мог бы предоставить вам полный профиль, но он этого не сделал.Леонардо изолировал некоторые части и ударил их, а другие отпустил. Это не портрет конкретного человека; это идеализированная форма. Как сказал Кеннет Кларк, классически говоря, обнаженная натура не относится к конкретному человеку. Это не портрет, это дизайн ». Леонардо да Винчи (1452–1519) был первой неоспоримой суперзвездой искусства, и его гений неоспорим. Но Эфраим Рубинштейн, художник, преподающий в Лиге студентов-художников Нью-Йорка на Манхэттене, смешивает свое восхищение Леонардо с тем, что даже этот великий Ренессанс не возник из вакуума.«Леонардо так много получил от Андреа дель Верроккьо, который был великолепным учителем», — говорит Рубенштейн. «Каждый исходит из традиции; никто не приходит ниоткуда. Леонардо научился истокам сфумато у [своего учителя], среди прочего ». Леонардо родился незаконным сыном юриста в тосканском городке Винчи, Италия. Он был ученым, изобретателем, пионером в изучении анатомии и автором шедевров Тайная вечеря и Мона Лиза — прототипа человека эпохи Возрождения. .Рубинштейн называет свои линии «ласковыми, нежными и изящными». Он не делает ничего, что не имело бы самых красивых изгибов ». Но именно его альбомы делают Леонардо новатором. «Он был одним из первых, кто заговорил о том, чтобы выносить блокнот на улицу», — объясняет Рубинштейн. «Леонардо сказал, что вы должны иметь прямой контакт с жизнью и наблюдать за действиями мужчин». Ресурсы :- Леонардо да Винчи Мастер-чертежник, Кармен К. Бамбах (Метрополитен-музей, Нью-Йорк, Нью-Йорк)
- Леонардо да Винчи: Полное собрание картин и рисунков Фрэнка Цольнера и Йоханнеса Натана (Ташен, Кельн, Германия)
Микеланджело Буонаротти
Голова молодого человека (?) Микеланджело , ок.1516, мел красный, 8 х 6 1/2. Коллекция Ашмоловского музея, Оксфорд, Англия. «Этот рисунок предполагает влияние Леонардо», — говорит Рубинштейн. «Это более тонкое и нежное, чем многие другие его рисунки». Потолок его Сикстинской капеллы — одно из самых знаменитых достижений в истории искусства, но те, кто интересуется рисунками, сосредотачиваются на более чем 90 работах Микеланджело (1475–1564), выполненных мелом и тушью в рамках подготовки к этому и другим заказам. Некоторые художники проводят параллель между работами этого итальянского мастера и фантастическими мускулистыми формами комиксов.Но если кто-либо из начинающих рисовальщиков за последние 50 лет с восхищением подошел к изменчивой анатомии человека в комиксах, то к работе Микеланджело он пришел с трепетом. «С его мастерством живописи, скульптуры и архитектуры ни один художник — за исключением, возможно, Леонардо — не был более технически одаренным», — говорит Рода Эйтель-Портер, глава отдела рисунков в Библиотеке Моргана в Нью-Йорке. . «Его фигуры всегда напрягаются», — замечает Рубинштейн. «Они к чему-то стремятся, но связаны.Все мышцы напрягаются одновременно, что анатомически невозможно, но глубоко поэтично. Микеланджело создал пейзаж человеческого тела ». Причина логична: Микеланджело был скульптором. Разделение между тактильным и визуальным нарушено; художник видит и рисует в трех измерениях. «Микеланджело [понял], что конкретная мышца по своему характеру похожа на яйцо, и он [пойдет] за этой формой своим мелом», — говорит Рубинштейн, указывая на то, что отметки на его рисунках все больше оттачиваются на более законченных участках формы. манера, которая параллельна линиям долота на незаконченной скульптуре.В одних местах художник нанес черновую штриховку, в других — более тщательно определяя штриховку, а в наиболее законченных областях — полированный тон. Работы Микеланджело отмечены двумя другими чертами: его почти полное посвящение мужской обнаженной натуре и вездесущая чувственность в его искусстве. Даже женские фигуры в его изделиях были смоделированы по образцу мужчин, и даже его драпировка была чувственной. «Он мог сказать все, что хотел, с обнаженным мужчиной», — отмечает Рубинштейн. «Его не отвлекало ничто другое — ни пейзажи, ни натюрморты, ни обнаженные женщины.За исключением своей архитектуры, Микеланджело был монолитно сосредоточен на обнаженном мужчине, и даже в его зданиях можно было проводить параллели с телом ». Ресурсы :- Рисунки Микеланджело: ближе к мастеру, Хьюго Чепмен (издательство Йельского университета, Нью-Хейвен, Коннектикут)
- Уроки Микеланджело, Майкл Бурбан (Watson-Guptill Publications, Нью-Йорк, Нью-Йорк)
Альбрехт Дюрер
Рыцарь, смерть и дьявол Альбрехта Дюрера , 1513, гравюра, 9 3/4 x 7 3/8.«Технически это подвиг, которому никогда не было равных», — утверждает Рубинштейн. «Вероятно, это не самый важный аспект этой гравировки, но, поскольку она настолько технически совершенна, Дюрер переходит в другую область от других граверов». Альбрехт Дюрер (1471–1528), возможно, является величайшим гравером в истории. Он опубликовал более 350 гравюр и ксилографов и завершил не менее 35 картин маслом, создав более 1000 предварительных рисунков и акварелей. Дюрер создал ряд широко известных и знаковых гравюр, а нюрнбергский художник пользуется большим уважением и влиянием среди рисовальщиков.Его тонкое изображение форм — нелегкая задача с жестким, неумолимым гравировальным инструментом — является причиной, по которой многие рисовальщики изучают его работы и восхищаются им. «Его рисунок основан на чувственности гравера», — комментирует Рубинштейн. «Он не может сложить тон; он должен вылупиться. И никто не остается в форме с безжалостностью Дюрера ». Он был виртуозным, но, возможно, не изобретательным. «Я думаю, он многое получил от итальянцев», — говорит Рубинштейн, имея в виду визит художника в Венецию, чтобы увидеться с другом и исследовать искусство и идеи Италии эпохи Возрождения.Но его талант заключался не только в выполнении техники. Дюрер упаковал много содержания в гравюры, такие как Рыцарь, Смерть и Дьявол , включая две фантасмагорические фигуры, которые завораживают, но не доминируют над остальной частью композиции, — но глаз легко улавливает главную идею, когда он не пирует. на прекрасно обработанных корнях и гальке. Откройте для себя возможности рисования в нашей бесплатной электронной книге уроков рисования эскизов. Просто введите свой адрес электронной почты ниже, чтобы начать рисовать исследования таких мастеров искусства, как эти! [fw-capture-inline campaign = «RCLP-Подтверждение-карандаш-набросок-рисунок» спасибо = «Спасибо за загрузку!» интерес = «Искусство» предложение = »/ wp-content / uploads / pdfs / PencilSketchDrawingGheno.pdf »] «Вы реагируете на интенсивность и плотность изображения», — утверждает Рубинштейн. «Дюрер [изобразил] причудливость природных явлений в мельчайших подробностях, но при этом [смог] сохранить большую композицию ясной и сильной при всем этом. Он [знал], что даже среди корявых деревьев ему [пришлось] немного отступить, чтобы песочные часы [могли] выйти вперед. Он [контролировал] так много — он похож на жонглера, который поднимает в воздух 30 мячей ». Ресурсы :- Полное собрание гравюр, офортов и сухих точек Альбрехта Дюрера Альбрехта Дюрера (Dover Publications, Минеола, Нью-Йорк, Нью-Йорк)
- Альбрехт Дюрер и его наследие: графика художника эпохи Возрождения, Джулия Бартрам (Princeton University Press, Принстон, Нью-Джерси)
Питер Пауль Рубенс
Молодая женщина смотрит вниз (этюд для главы Св.Аполлония) Питера Пауля Рубенса , 1628, черно-красный мел, усиленный белым, отретушированный пером и коричневыми чернилами, 16 5/16 x 11 1/4. Собрание галереи Уффици, Флоренция, Италия. Красный мел вызывает теплоту кожи на лице модели, а черный мел служит акцентом и изображает волосы. «Сложнее, чем вы думаете, жениться на этих двух тонах», — комментирует Рубинштейн. «Сравните это с женщиной Леонардо: это ангел; Рубенс — настоящая женщина. Вы можете прикоснуться к ней.Художник повернул мелок или заострил его, чтобы получилась четкая линия, варьируя ширину мазков и позволяя получить четкие блики. Согласно стереотипу, художники ведут бедный богемный образ жизни, но Питер Пауль Рубенс (1577–1640) свидетельствует о том, что некоторые художники достигают огромных успехов. По большому счету, Рубенс был уважаемым, богатым и счастливым художником, который также коллекционировал антиквариат, вырастил большую семью и заключил один или два мирных договора, работая дипломатом высокого уровня. Он был занятым человеком, и на бумаге никогда не рисовали легкомысленно — почти все его рисунки были предварительными этюдами для более крупных заказов.Еще больше восхищаются уверенными, красивыми линиями рисунков Рубенса в свете того, что он наверняка счел бы их рабочими документами, непригодными для выставки. По словам Эйтель-Портера, что делает его особенным, так это «его мастерство в технике работы с мелом». «Ему потребовалось всего несколько движений, чтобы вызвать не только позу фигуры, но и ее эмоциональное состояние». Действительно, бельгийский придворный художник продемонстрировал невероятную легкость в своих рисунках с оттенком напыщенности. Его рука была уверена.«Рубенс использовал естественные четкие, уверенные знаки и плавные жесты», — говорит Рубенштейн, которому особенно нравятся рисунки художника, выполненные мелом трех цветов. «Красный мел красив, но у него есть ограничение на диапазон — часто нужно использовать черный мел и белый мел, чтобы увеличить его на каждом конце диапазона значений», — объясняет Рубинштейн. «Это похоже на разницу между аккордом и одной нотой — расширение досягаемости красного мела». Ресурсы :- Питер Пауль Рубенс: Рисунки Анн-Мари С.Логан (Музей Метрополитен, Нью-Йорк, Нью-Йорк)
- Питер Пауль Рубенс: Прикосновение блеска, Михаил Пиотровский, (Prestel Publishing, Мюнхен, Германия)
Рембрандт ван Рейн
Женщина, несущая ребенка вниз по лестнице. Рембрандт. , ок. 1636, перо и коричневые туши с коричневой заливкой, 7 3/8 x 5 3/16. Собрание библиотеки Моргана, Нью-Йорк, Нью-Йорк. «Простыми жестами, движениями и выражениями лица Рембрандт запечатлел достоинство повседневной жизни — здесь, в нежном моменте между матерью и ребенком, — говорит Эйтель-Портер, — хотя его изображение совсем не обычное.” «Он был наследником Леонардо в том смысле, что всегда делал наброски с натуры», — говорит Рубенштейн, имея в виду Рембрандта (1606–1669). «Его жесты были такими верными и полными жизни». Если Рубенс был художником власти и королевского двора, то Рембрандт был художником человечества. Обладая такими же способностями к линии, голландский художник и рисовальщик умел очень быстро рисовать и уверенно добавлять простые краски, которые эффективно создавали темные и светлые узоры. Неумолимые чернила не мешали Рембрандту стремиться к действию момента; спинка халата его жены убедительно спускается с лестницы, например, в Женщина, несущая ребенка вниз по лестнице .Матери и дети особенно интересовали художника, возможно, отчасти потому, что он потерял троих детей в младенчестве; и смерть его жены оборвали счастливый брак. «Человечность его рисунков… вы не чувствуете это настолько широко в чьих-либо работах», — замечает Рубинштейн. «Он [казалось] знал, что [чувствовала] мать, что [чувствовал] ребенок — что происходит в этой сцене. И у него [была] спонтанная, невероятная линия, которая могла показать структуру чего-либо, и при этом [имела] свой собственный каллиграфический смысл.” Ресурсы :- Путешествие Рембрандта: художник, рисовальщик, гравер, Клиффорд С. Экли (MFA Publications, Бостон, Массачусетс)
- Рисунки Рембрандта и его школы, Vol. I, Джерун Гилтайдж (Thames & Hudson, Нью-Йорк, Нью-Йорк)
- Рисунки Рембрандта и его школы, Vol. II, Джерун Гилтайдж (Thames & Hudson, Нью-Йорк, Нью-Йорк)
Шарль Лебрен
Этюд Муция Сцеволы перед Порсенной, сделанный Шарлем Лебреном , ок.1642, коричневая бумага, красный мел, 15 3/4 х 9 1/2. Коллекция Schlossmuseum, Веймар, Германия. Шарль Лебрен (1619–1690), основавший как классическую эпоху, так и эпоху барокко, был художником, рано добившимся успеха и обладавшим политическими навыками, чтобы оставаться доминирующей фигурой при французском дворе и Академии до самого конца жизни. Ле Брен был учеником Вуэ и другом Пуссена, и его композиции строились на основных простых массах, как в классицизме. И все же его фигуры ощетинились энергией искусства барокко, как это показано в змеевидной форме в S tudy для Муция Сцеволы до Порсенны . Святое семейство со святым Иоанном Крестителем. Автор Шарль Лебрен. , ок. 1648–1650, красный мел с контуром стилуса, 12 1/4 x 10 1/2. Коллекция Прат, Париж, Франция. Ле Брен сделал больше, чем кто-либо, для создания однородного французского стиля искусства на протяжении трех десятилетий 17 века. Он добился этого как политикой, так и живописью — Лебрен основал Французскую академию в Риме, и к 1660-м годам любая значительная комиссия принималась за него. Два рисунка, представленные в этом разделе, умело иллюстрируют, как стиль Ле Бруна прагматично менялся со временем — как с художественным, так и с материальным успехом.«Одно изображение показывает простую концепцию всех форм, очень уравновешенных и поставленных как Рафаэль; а на другом изображена фигура, которая так упорно борется », — удивляется Рубинштейн. «Даже без указания трупа, который эта фигура поднимает, мы чувствуем, сколько усилий он должен приложить, чтобы удержать этого тяжеловеса». Поручительство Ле Бруна с чертежными инструментами было легендарным; один миф утверждал, что этот сын скульптора начал рисовать в колыбели. Ресурсы :- Шарль Лебрен: Первый художник короля Людовика XIV, картина Мишеля Гаро (Гарри Н.Абрамс, Нью-Йорк, Нью-Йорк)
- Выражение страстей: происхождение и влияние конференции Шарля Лебрена о генеральном и частном выражении, Дженнифер Монтегю, (Yale University Press, Нью-Хейвен, Коннектикут)
Эдгар Дега
Этюд танцовщицы в трико Эдгара Дега , ок. 1900, черный мелок, 23 5/8 x 18. Коллекция Национального музея, Белград, Сербия. «Обратите внимание, как Дега сделал более темные линии и, таким образом, больше внимания уделил стабилизирующей ноге и нижней стороне другой ноги, которая несет вес», — комментирует Рубинштейн.Преобразование рисовальщика от плотных, подробных форм к более свободным, более жестким линиям — обычное дело, но эти примеры показывают, что эта эволюция у Илера-Жермена-Эдгара Дега (1834–1917) является особенно естественной. Красота присуща обоим произведениям, даже если типичный зритель не может связать обе работы с одним художником. «Он пытался точно определить фигуру на своих ранних рисунках, — объясняет Рубинштейн, — а на более поздних рисунках он ее раскрепощал». Музой Дега была балерина, а движения и движения танца требовали свободных жестов.Рубинштейн отмечает, что даже в быстрых набросках, таких как Этюд танцора в трико, Дега демонстрирует свой гений композиции — колени почти касаются краев бумаги, а отрицательные формы, образованные конечностями танцора, создают мощный эффект. дизайн. Красота спонтанной композиции выдает многолетний опыт работы над этим исследованием. Ресурсы :- Дега и танец, Джилл ДеВоньяр и Ричард Кендалл (Гарри Н. Абрамс, Нью-Йорк, Нью-Йорк)
- Эдгар Дега: жизнь и работа, Денис Саттон (Rizzoli International Publications, Нью-Йорк, Нью-Йорк)
Винсент Ван Гог
«Дикая растительность» Винсента Ван Гога , 1889, тростниковое перо, перо, кисть и тушь на тканой бумаге, 18 1/2 x 24 5/8.Собрание музея Ван Гога, Амстердам, Нидерланды. Возможно, это произведение является предшественником абстрактного искусства или автоматического рисования. Винсент Ван Гог (1853-1890) был не только прототипом голодающего художника, но и акушеркой в зарождении абстрактного искусства, о чем свидетельствует его работа Wild Vegetation . Как художник, он известен своим ярким и смелым цветом, но риск, на который он пошел с композицией, возможно, в равной степени повлиял на его репутацию. Что касается ящиков, то Ван Гог также важен для его маркировки.«Ван Гог развил невероятный словарный запас с помощью тростникового пера», — говорит Рубинштейн. «Он [придумал] язык со всеми этими знаками: точки, тире, завитки, длинные и короткие линии. Но поскольку он [находился] под таким контролем, это [имело] смысл. Он [делал] ритмы. В природе таких отметин нет ». Поллардские березы Винсента Ван Гога , 1884, перо, тушь и графит, усиленные непрозрачной акварелью на тканой бумаге, 15 1/2 x 21 3/8. Собрание музея Ван Гога, Амстердам, Нидерланды.Сравнение Pollard Birches и Wild Vegetation показывает рост голландского художника от репрезентативного до почти полностью абстрактного. В меньшей степени переход представлен на портрете The Zouave , где большая часть лица изображена в некотором роде пуантилизма, в то время как определенные черты, такие как нос, сформированы классическими линиями. «Он [придумал] очень личный язык», — комментирует Рубинштейн. «Но сами отметки завораживают.” Зуав Винсента Ван Гога , 1888, тростниковое перо, тушь поверх графита на тканой бумаге, 12 1/2 x 9 5/8. Собрание музея Соломона Р. Гуггенхайма, Нью-Йорк, Нью-Йорк. Смешивая классический способ описания формы в некоторых областях с типом пуантилизма, Ван Гог говорил на своем собственном языке с отметками на этом портрете. Особенности тростникового пера повлияли на стиль рисования голландского художника — перо этого типа держало очень мало чернил и поэтому предпочитало короткие тупые штрихи. Ресурсы :- Винсент Ван Гог: Рисунки Колты Айвза (Музей Метрополитен, Нью-Йорк, Нью-Йорк)
- Ван Гог: Мастер-рисовальщик, Сджраар ван Хойгтен (Гарри Н.Абрамс, Нью-Йорк, Нью-Йорк)
Эгон Шиле
Истребитель Эгона Шиле , 1913 год, гуашь, графит, 19 1/4 x 12 5/8. Частная коллекция. Сравните это изображение с «Этюдом Муция Сцеволы до Порсенны» Ле Бруна. В «Ле Бруне» субъект что-то несет. У Шиле нагрузка подразумевается — или внутри. «Это очень интроспективно», — говорит Рубинштейн. «Скрученное напряжение, голова повернулась, чтобы смотреть прямо на вас, удлиненное туловище. Он выглядит диким. Уроженец Австрии Эгон Шиле (1890–1918) был денди, облаченным в богемную одежду, предполагаемым порнографом, решительным нарциссистом и одним из самых провокационных и необычных рисовальщиков современности.«По сравнению, скажем, с Рембрандтом, здесь не так много диапазона», — говорит Рубинштейн. «Но вы всегда знаете, если что-то является Шиле. Как это произошло? Об этом стоит подумать. «Все его преувеличения продуманы», — продолжает Рубинштейн. «Его искажения связаны с деньгами — вмятина на бедре, выпуклость бедра, линия, явно выражающая подколенные сухожилия. Искажения основаны на очень точных анатомических ориентирах. Вот что делает их такими тревожными. Это и тот факт, что скелет часто присутствует.” Шиле ругали за некоторые из его откровенных рисунков несовершеннолетних девушек, но отказ от всего его эротического искусства может быть ошибкой. Рубинштейн отмечает, что не всем удается успешно заниматься эротикой. Искусство Шиле бросает вызов не только предмету, но и позициям его персонажей, блуждающим линиям, вибрирующим от напряжения, и ярким цветам, которые он использовал. «Посмотрите на красный цвет рядом с зеленым, проходящий через фигуру Fighter , — замечает Рубинштейн.«Это говорит о чем-то невероятном». Эйтель-Портер соглашается: «Его использование неестественных цветов и его жесткое нанесение краски с видимыми мазками для подчеркивания выражения отличает Шиле от других». Ресурсы :- Эгон Шиле: Полное собрание сочинений Джейн Каллир (Гарри Н. Абрамс, Нью-Йорк, Нью-Йорк)
- Эгон Шиле: Рисунки и акварели Джейн Каллир (Thames & Hudson, Нью-Йорк, Нью-Йорк)
Кете Кольвиц
Надомник, Кете Коллвиц , уголь на желтоватой бумаге, 22 7/8 x 17 5/8.Коллекция неизвестна. Кете Коллвиц (1867–1945) видела много страданий и изобразила их с сочувствием, с которым редко можно было соперничать. Ее муж был врачом для бедных в Берлине, что, вероятно, сыграло свою роль в ее социалистических симпатиях. Потеря сына во время Первой мировой войны вызвала длительную депрессию. Она также потеряла внука во время Второй мировой войны. В результате ее душераздирающие образы матерей, плачущих над умершими младенцами, вызывают резонанс. «И она была таким прекрасным рисовальщиком», — говорит Рубинштейн. «Коллвиц так много умел делать с простыми формами.Здесь может быть несколько тонких отметин, обозначающих волосы; а затем — бум, ты прикован прямо к этому глазу несколькими сильными линиями ». Коллвиц была в первую очередь художником-графиком, ограничивая свои работы в основном черно-белыми изображениями. «Ее смелый графический стиль отражает огромную человеческую боль и страдания обездоленных», — комментирует Эйтель-Портер. «Это основа ее предмета. Мир, который она изображает, окутан тенью; лишь изредка появляются цветные штрихи ». Вторит Рубинштейн: «С такой простотой, с такой экономией средств она вызвала большое сочувствие.Она могла сделать невероятное человеческое заявление, используя только обожженное дерево [уголь] на бумаге ». Ресурсы :- Каталог всех графических работ Кете Кольвиц, Август Клипштейн (Oak Knoll Press, Нью-Касл, Делавэр)
- Рисунки Кете Кольвиц, Герберт Биттнер (Томас Йоселофф, Нью-Йорк, Нью-Йорк)
* Статьи Боба Бара
***
Дополнительные советы по рисованию, инструкции, экспертные знания и вдохновение можно найти в прошлых выпусках журнала Drawing.От Леонардо да Винчи до Пикассо
Рисунок — одна из старейших форм изобразительного искусства с долгой и разнообразной историей. Это широко считается основой всего искусства, и первые студенты среднего уровня должны овладеть им. И хотя его широкая доступность означает, что он продолжает оставаться популярным занятием для творческих людей во всем мире, рисунки часто затмеваются живописью и скульптурой.
Однако многие художники, известные своей работой в цвете, также были образцовыми рисовальщиками.Фактически, такие мастера, как Леонардо да Винчи, Микеланджело и Рубенс, делали бесчисленное количество подготовительных рисунков перед каждой картиной, чтобы изучить свои предметы и разработать композиции. Точно так же Жан-Огюст-Доминик Энгр создал изысканные графитовые портреты, которые сегодня являются одними из самых знаменитых его работ.
Здесь мы познакомимся с 10 известными художниками, которые использовали силу линий в своих работах.
Кто самые известные художники-рисовальщики? Узнайте о некоторых из величайших мастеров в этой области.
Леонардо да Винчи (1452-1519)Леонардо да Винчи, «Витрувианский человек», ок. 1492 г. (Фото: Люк Виатур через Wikimedia Commons, общественное достояние)
Леонардо да Винчи — типичный человек эпохи Возрождения, чье нескончаемое любопытство вдохновило его на изучение искусства, техники и природы. И все его интересы можно найти в его наследии записных книжек.
В этих записных книжках содержатся сотни подробных набросков, изучающих анатомию человека, животных, растений, изобретения и многое другое.Они показывают, как да Винчи использовал рисунки для критического мышления, а также для решения проблем.
Альбрехт Дюрер (1471-1528)«Молящиеся руки», рисунок пером и тушью, 1508 (фото через Wikimedia Commons, Public Domain Dedication)
Художник Северного Возрождения Альбрехт Дюрер был первым художником, превратившим гравюру в форму изобразительного искусства. Он создавал гравюры, ксилографии и офорты на основе своих тщательно проработанных рисунков. Это была первая попытка воспроизвести такие реалистичные иллюстрации, и ошеломляющий успех впоследствии вдохновил других художников на создание и распространение гравюр.
Микеланджело Буонарроти (1475 — 1564)Микеланджело, «Мечта о человеческой жизни», ок. 1500-е годы (Фото: The Courtauld, через Wikimedia Commons, общественное достояние)
Для многих Микеланджело до сих пор остается величайшим художником всех времен. Его мастерство в различных дисциплинах — живописи, скульптуре, архитектуре — не имеет себе равных. Однако в основе его творческой практики было рисование.
Перед каждой картиной и скульптурой итальянский художник создавал многочисленные зарисовки человеческой фигуры.Эти выразительные рисунки демонстрируют глубокое понимание анатомии и физиологии и дают представление о том, как Микеланджело подходил к своим сложным композициям.
Микеланджело, «Пьета», ок. 1546 г. (Фото: Музей Изабеллы Стюардт Гарднер, через Wikimedia Commons, общественное достояние)
Рембрандт (1606–1669)Рембрандт, «Ветряная мельница», 1641 г. (Фото: Художественная галерея Южной Австралии через Wikimedia Commons, общественное достояние)
Известный благодаря своим успехам, охватывающим множество средств массовой информации и типов предметов, Rembrandt был назван плодовитым скульптором Огюстом Роденом «колоссом искусства».В своем рисунке он был известен своей способностью быстро и уверенно передавать как пейзажи, так и предметы.
Британский художник Дэвид Хокни похвалил жестикулярный рисунок Рембрандта Ребенка учат ходить , сказав: «Я думаю, что это величайший рисунок из когда-либо созданных … Это великолепный рисунок, великолепный».
Рембрандт, «Ребенка учат ходить», 1660 г. (Фото: Британский музей через Wikimedia Commons, общественное достояние)
Питер Пауль Рубенс (1577 — 1640) Питер Пауль Рубенс, «Молодая женщина со скрещенными руками», ок.1629–1630 (Фото: Museum Boijmans Van Beuningen
через Wikimedia Commons, Public Domain)
Известный своими роскошными женщинами, роскошными цветами и динамичными композициями, Питер Пауль Рубенс считается одним из самых влиятельных художников периода барокко. Прежде чем приступить к работе над картиной по заказу, он создал несколько предварительных этюдов своих предметов.
Эти сохранившиеся эскизы демонстрируют уверенные навыки рисования фламандского художника. Всего несколькими уверенными линиями он мог передать жесты и эмоции.
Жан-Огюст-Доминик Энгр (1780 — 1867)Жан-Огюст-Доминик Энгр, «Портрет жены Виктора Бальтара (урожденной Аделины Леке) и их дочери Пол», ок. 1800-е годы (Фото: общественное достояние через Wikimedia Commons)
Художник неоклассицизма Жан-Огюст-Доминик Энгр был известен своими необычными картинами, в которых прославлялись традиционные техники живописи. И хотя его работы маслом иногда подвергались тщательной проверке со стороны современных критиков за их готический оттенок, его многочисленные рисунки и графитовые портреты высоко ценились за их точность в передаче физического облика и личности объекта.
Эдгар Дега (1834-1917)Эдгар Дега, «Два этюда певца», ок. 1870-1900-е годы (Фото: общественное достояние через Wikimedia Commons)
В то время как большинство импрессионистов черпало вдохновение в живописных пейзажах, французский художник Эдгар Дега предпочитал снимать людей, особенно тех, кто находится в движении. В дополнение к своим многочисленным хорошо известным картинам, он также сделал бесчисленное количество пастельных и карандашных этюдов балерин, певиц и купающихся женщин, каждая из которых демонстрирует его мастерство в изображении человеческой формы в действии.
Эдгар Дега, «Женщина сушит левую ногу», 1903 г. (Фото: Музей искусств Сан-Паулу через Wikimedia Commons, общественное достояние)
Густав Климт (1862-1918)Густав Климт, «Половина фигуры молодой женщины», 1918 г. (Фото: Музей Метрополитена CC BY 2.0, через Wikimedia Commons)
Большинство ассоциируют блестящие картины Густава Климта с их золотыми штрихами. Но австрийский художник был еще и рисовальщиком, который использовал сильные линии в своих композициях.Его поразительные изображения женской фигуры используют ракурс и перспективу.
Густав Климт, «Два этюда сидящей обнаженной с длинными волосами», 1901–1902 (Фото: Public Domain via Wikimedia Commons)
Анри де Тулуз-Лотрек (1864 — 1901)Анри де Тулуз-Лотрек, «Жокей», 1899 г. (Фото: Public Domain via Wikimedia Commons)
Современник Винсента Ван Гога и Поля Гогена, французский художник Анри де Тулуз-Лотрек большую часть своей жизни провел в театральном подбрюшье Парижа.
В своих плакатах Тулуз-Лотрек мастерски использует эту линию, чтобы охарактеризовать известных исполнителей того времени, в том числе Иветт Гильбер, Луизу Вебер и Джейн Аврил. Его навыки рисования захватили движение танца и энергию парижской ночной жизни во времена Прекрасной эпохи.
Пабло Пикассо (1881 — 1973)За 79 лет карьеры Пабло Пикассо известен тем, что несколько раз менял свой стиль рисования.Однако на протяжении многих творческих сдвигов художник сохранил уникально решающий способ запечатлеть окружающий мир в рисунках. В частности, эти зарисовки показывают, как испанскому художнику понадобилось всего несколько жирных линий, чтобы передать формы своих предметов.
Статьи по теме:
Удивительная коллекция рисунков Микеланджело впервые появилась в США
Этот художник создает цветочные рисунки крупнее обычного цветными карандашами
Значение знаменитого рисунка Леонардо да Винчи «Витрувианский человек»
Талантливые художники делятся своими любимыми советами по развитию навыков рисования
10 самых известных художников-рисовальщиков
Рисунок был неотъемлемой частью художественного самовыражения человека на протяжении тысячелетий.От самых ранних наскальных рисунков до современных произведений искусства, выполненных карандашом, рисунок уже давно был тесно связан с нашими культурами и образом жизни.
В то время как живопись считается наиболее популярной формой художественного самовыражения, рисунок — это то, что может оценить даже неподготовленный глаз.
На самом деле, некоторые из величайших художников, которые когда-либо жили, также считались одними из самых талантливых в рисовании в истории.
В этой статье мы рассмотрим некоторых из самых известных художников-рисовальщиков и некоторые из их наиболее заметных работ, а также уникальные стили и методы, которые они использовали для завершения своих работ.
Известные художники-рисовальщики
1.
Леонардо да ВинчиМногие искусствоведы и критики считают Леонардо да Винчи наиболее выдающейся фигурой эпохи Возрождения. Он был известен как плодовитый художник как в рисовании, так и в живописи, а также был опытным изобретателем.
Хотя многие из самых известных картин да Винчи являются одними из самых узнаваемых в мире, энтузиасты искусства и историки указывают на его записную книжку как на один из самых интригующих предметов из жизни да Винчи.
Блокнот заполнен различными рисунками и набросками различных фигур, а также некоторыми блестящими изобретениями и идеями, которые да Винчи создал при жизни. Известно, что каждую картину он начинал с рисования набросков большинства деталей работы.
Историки искусства отметили, что Мона Лиза, если рассматривать ее с помощью различных технологических методов, которые позволяли им видеть маркировку под краской, была заполнена отметками, указывающими на то, что да Винчи потратил довольно много времени на прорисовку большей части деталей работы, прежде чем он когда-либо делал первый мазок.
Да Винчи был искусным художником в рисовании. Среди его самых известных рисунков — «Везувианский человек» и другие, которые глубже погружаются в физиологию и анатомию человека, чем это делал кто-либо другой в то время.
2.
Альбрехт ДюрерАльбрехт Дюрер, возможно, самый талантливый рисовальщик из когда-либо живших, поскольку многие из его самых известных работ намного превосходят большинство других по глубине и общей детализации.
Он жил в 16 веке и, как было известно, завершал большинство своих рисунков серебряной иглой, которая в то время была наиболее распространенным методом.
Родившийся в Германии, Дюрер, как известно, зарекомендовал себя как выдающийся художник в юном возрасте 13 лет, когда многие начали обращать внимание на его художественные способности. Он жил в эпоху Возрождения, но является художником, которого многие считают одним из самых известных художников того времени.
Дюрер был известен и уважался выдающимися деятелями эпохи Возрождения, такими как Рафаэль и Леонардо да Винчи. Хотя он широко считается одним из самых известных художников-рисовальщиков всех времен, он также был известен своими гравюрами.
3.
Микеланджело БуонароттиМикеланджело Буонаротти более известен как «Микеланджело» и считается одним из трех самых известных деятелей эпохи Возрождения.
Многие искусствоведы и историки спорят, был ли Микеланджело лучшим художником в скульптуре, живописи или рисовании, поскольку он был фантастически талантлив во всех трех областях самовыражения.
Как и другие художники этого периода, многие из его самых известных рисунков взяты из его записной книжки зарисовок, которые, как да Винчи и другие художники эпохи Возрождения, сосредоточены в основном на анатомии и физиологии человека.Многие из его рисунков показывают человеческое тело в движении или позируют различными способами, подчеркивающими телосложение фигуры.
Рисование Микеланджело, как говорят, было источником вдохновения для Леонардо да Винчи, поскольку его стремление достичь совершенства в меру своих способностей было высоко оценено знаменитым человеком эпохи Возрождения.
4.
Винсент Ван ГогВинсент Ван Гог — один из самых знаменитых художников в истории. Его отличительные методы создания работ с широкими, ритмичными мазками и использованием ярких, ярких цветовых комбинаций и контрастов — это лишь некоторые из причин, по которым так много искусствоведов, историков и ученых считают его работы одними из величайших шедевров его эпохи.
Известно, что Ван Гог потратил много времени на создание эскизов и рисунков, которые позже он использовал в качестве основы для своих картин.
Также читайте: Идеи для рисования
Он использовал рисунки в качестве основы для своих живописных работ, но также было известно, что Ван Гог обратился к рисунку как к средству облегчения своего страдания и других проблем, вызванных психическим заболеванием, которое преследовало его на протяжении всей его жизни.
Хотя его картины славятся своими красками, рисунки Ван Гога отмечаются искусствоведами и критиками за их уникальные изображения фигур и пейзажей.На вопрос художника о рисунке он дает ответ:
.«Не могу передать, как я счастлив, что снова занялся рисованием. Я долго думал об этом, но всегда считал это невозможным и не в моих силах ».
5.
Эдгар ДегаНемногие художники XIX века ценятся так же высоко, как Эдгар Дега. Французский художник создал множество работ в различных средах, таких как скульптура, живопись, а также графика.
Его особый стиль живописи был известен как один из самых интригующих в импрессионистском движении. Известно, что Дега использовал рисунок как средство для создания многих своих выдающихся картин.
Известно, что Дега очень любил создавать рисунки, и во многих случаях он использовал их для подготовки некоторых своих картин. Хотя многие искусствоведы знают, что Дега использовал наброски рисунков в качестве первого этапа создания многих своих шедевров, есть много случаев, когда Дега создавал рисунки просто ради самовыражения.
Несмотря на то, что зрение Дега начало подводить его позже в жизни, он продолжал рисовать. Некоторые из его последних работ перед смертью просматриваются большинством искусствоведов и историков и являются одними из лучших его творений.
6.
Питер Пауль РубенсПитер Пауль Рубенс считается многими искусствоведами и критиками мастером выражения таких вещей, как цвет. Композиция и движение в его картинах. Фламандский художник жил в 17 веке и имел репутацию создателя одних из самых уважаемых картин любого художника при его жизни.
Он был экспертом, когда дело доходило до создания работ, изображающих человеческое телосложение в различных позах и движениях, во многом подобно некоторым известным художникам эпохи Возрождения, которые жили и работали всего за столетие до его рождения.
Он считается одним из самых известных художников-рисовальщиков, несмотря на то, что он создал очень мало работ, предназначенных только для рисования.
Многие из его эскизов изначально предназначались для создания картин, но некоторые из его самых заметных рисунков его жизни были изображениями сельскохозяйственных животных и других природных ландшафтов.
7.
Эгон ШилеСреди самых известных личностей, которых мы могли бы включить в наш список самых известных художников-рисовальщиков в истории, Эгон Шиле заслуживает упоминания.
Австрийский художник родился в 1890 году и был известен своим умением создавать невероятные картины и рисунки. Большинство наиболее известных работ Шиле было посвящено анатомии человека, в основном обнаженным фигурам, которые часто вызывали споры у искусствоведов и критиков.
Его работы считались одними из первых проявлений экспрессионистского движения, имевшего место в 20 веке. Шиле разработал стиль рисования, который действительно отличался от любого другого художника того же периода.
Многие из его самых известных работ были очень графическими по своей природе и на самом деле рассматривались с пренебрежением, поскольку, как говорили, они граничили с порнографическим характером.
8.
Пабло ПикассоИз множества различных современных художников, которые можно было бы включить в наш список самых известных художников-рисовальщиков, нет никого более известного, чем Пабло Пикассо.Он жил в конце 1800-х годов и продолжал создавать одни из самых знаковых произведений искусства начала 20 века.
Ученые-искусствоведы и историки считают Пикассо одним из самых талантливых художников эпохи кубизма и сюрреализма.
У Пикассо был свой собственный стиль, поскольку он создавал различные картины и рисунки, в которых использовался очень уникальный стиль изображения окружающего его мира в манере, которую другие художники, а также критики и ученые сочли бы поразительно привлекательными.
Известно, что он создал ряд рисунков, в которых были элементы и характеристики известных произведений эпохи Возрождения.
9.
Джозеф Мэллорд Уильям ТернерСреди самых известных художников эпохи романтизма немногие были так же известны, как Джозеф Мэлфорд Уильям Тернер. Английский художник, родившийся в 1775 году, известен созданием ряда работ, в которых использовались природные пейзажи, а также морские декорации с кораблями и парусным спортом.
Его отец признал его художественные способности, когда Тернер был очень молод, и молодой художник начал продавать свои рисунки, когда ему было всего 10 лет. Несмотря на то, что он относительно известен созданием работ, которые очень характерны для эпохи романтизма, стиль рисования и внимание Тернера намного превосходили его коллеги-художники в течение этой жизни.
Альбомы и рисунки Тернера — одни из самых популярных среди коллекционеров произведений искусства в наши дни.
10.
Эжен ДелакруаЭжен Делакруа был известен при жизни как один из самых выдающихся французских художников, который сосредоточился на работах, которые сейчас считаются периодами романтизма и неоклассицизма. Он изучал искусство с самого раннего возраста и получил высокую оценку своих преподавателей за его способность создавать реалистичные рисунки с очень детализированными элементами.
Делакруа был много путешествующим художником, побывавшим во многих местах по всей Европе, а также в Африке в молодости.Эти путешествия оказали огромное влияние на общий стиль и технику, используемые Делакруа, поскольку художник создал сотни работ, изображающих жизнь среди культур, существовавших в таких странах, как Марокко, в 1830-х годах.
Известно, что художник имел особую склонность к рисованию над любыми другими видами художественного выражения. Цитируется высказывание Делакруа: «Цвет всегда занимает меня, но рисование занимает меня».
50 известных картин и истории за ними
50 известных картин и истории, стоящие за ними
Картинка стоит тысячи слов, и, как и тексты, искусство часто предназначено для «чтения» через критическую деконструкцию.Картины могут быть намного сложнее, чем кажется на первый взгляд, и их трудно расшифровать, если зритель не говорит на одном языке. Иконография — символический язык данного произведения искусства — может быть изощренным и сложным, отражать коллективное сознание или черпаться из личного опыта художника. Почему кто-то отказался от написанного слова в пользу краски и холста? Американский художник ХХ века Эдвард Хоппер, похоже, нашел ответ. «Если бы я мог сказать это словами, — сказал он, — не было бы причин рисовать.”
Истории, рассказанные произведениями искусства — и о них — в буквальном смысле слова являются предметом романов. «Девушка с жемчужной сережкой» Иоганна Вермеера вдохновила на создание одноименного романа писательницы Трейси Шевалье. Впоследствии по книге был снят фильм со Скарлетт Йоханссон в главной роли. Спустя почти 40 лет после того, как Ирвинг Стоун написал свой биографический отчет о жизни Микеланджело, «Код да Винчи» Дэна Брауна превратил жизнь и творчество мастера эпохи Возрождения в шумную игру на протяжении предшествующих тысячелетий.
Сентябрь 2019 года ознаменовал собой широкий кинематографический выпуск последнего представителя этого жанра: «Щегол» по роману Донны Тартт, получившему Пулитцеровскую премию. В центре книги — выдуманная кража одноименной картины голландского художника Карела Фабрициуса после взрыва, сотрясающего нью-йоркский музей Метрополитен. По иронии судьбы, Фабрициус погиб в результате разрушительного взрыва пороха в 1654 году, вскоре после завершения своей самой памятной работы. Успех, которым пользовалась книга Тартта, поднял «Щегла» до статуса рок-звезды, которую собирали толпы, полные решимости мельком увидеть крошечную птичку, привязанную хрупкой цепью.[Примечание: картины Фабрициуса не представлены в галерее Стекера.]
Stacker составил этот список самых известных в мире изображений и интересных историй, стоящих за ними. Прокрутите список и узнайте, какие картины возмутили Париж, были разграблены нацистами и вдохновили на создание популярного бродвейского мюзикла.
Вам также могут понравиться: 51 женщина, получившая Нобелевскую премию
Картины Винсента Ван Гога
Винсент Ван Гог, как и многие художники, много рисовал по разным причинам.Часто художник рисует, чтобы отточить свои навыки в рендеринге фигур или сцен. По мере развития их таланта рисование по-прежнему необходимо, но со многими дополнительными способами. Перед тем, как приступить к рисованию, художник рисует композицию на бумаге. потому что его поменять быстрее и легче, чем покрасить. Даже после этого однажды художник знает, что он хочет нарисовать, он может нарисовать грубый контур на холст, а затем закрасьте этот рисунок. В других случаях рисунок может быть Готовое произведение, демонстрирующее мастерство художника как рисовальщика.Ван Гог произвел рисунки по всем этим и другим причинам.
В начале 1880-х Ван Гог был зачислен в Королевскую академию Beaux-Arts в Брюсселе изучал анатомию и перспективу. Он бы продолжать рисовать, чтобы овладеть своим ремеслом на протяжении всей своей карьеры. В г. Руки, автопортрет и рисунки японской куртизанки , вы можете увидеть, как Ван Гог рисует рисунки, которые не должны быть финальными частями для публичный просмотр.
Когда такой художник, как Ван Гог, планирует написать картину, он сделает подготовительные рисунки или наброски для работы над элементами картины. Вы можете увидеть истоки его картин в его рисунках. В Сеятель, сделано в 1881 году Ван Гог скопировал картину Милле. Позже, в 1888 году, когда Ван Гог нарисовал Сеятель с Заходящим солнцем, использовал фигуру в той же позе. Ван Гог помещает человека в поле, бросая семена на землю.Когда солнце садится, небо освещено золотым солнечным светом, а земля отбрасывается синими и синими пятнами. фиолетовые тени.
В 1881 и 1882 годах Винсент нарисовал несколько изображений мужчин и женщин в грустных позах.
или в усталой, измученной позе. В Worn Out от 1882 года Ван Гог показывает
старик, сидящий в деревянном стуле, согнувшись, положив локти на колени и
его лицо закрыто руками. Первоначально он был нарисован, когда Ван Гог учился.
для изготовления литографий или гравюр под названием At Eternity’s Gate .
Только в 1890 году, когда Ван Гог был в Сен-Реми, он написал
версия этого человека. На картине он изображает того же человека в той же позе,
в той же комнате. Однако на картине он изображен в ярко-синей одежде с
коричневые туфли, сидящие на ярком стуле. Фигура обведена более темно-синим цветом.
что делает его более плоским, чем рисунок, менее смоделированным. Картина,
« Sorrowing Old Man (At Eternity’s Gate)» был сделан всего за два месяца
перед смертью Ван Гога, и показывает эмоции, которые он, должно быть, испытывал, как свои
психическое состояние ухудшалось
Многие рисунки Ван Гога были сделаны после того, как он нарисовал предмет.Для многих художников готовая картина — последний шаг, но Ван Гог часто рисовал ее заново для различные причины. Он писал и писал брату и друзьям постоянно. Помимо описания того, что он рисовал, или небольшого эскизы, он вернулся, нарисовал свои рисунки на бумаге и отправил их со своими письма. Ван Гога Café Terrace at Night показывает внешний вид кафе в Арле, Франция. К Слева — кафе с сиденьями снаружи, освещенное желтым, а за темным синева ночного неба.Ван Гог сказал: «Я нахожу удовлетворение от рисования сразу »и нарисовал это на сайте, работа без подготовительного рисунка. Ему понравилось, что он нарисовал ночную сцену без использования черного. После того, как он нарисовал сцену, он сделал рисунок это, так как рисунки легче делиться и не требуют длительного времени высыхания картины. Рисунок представляет собой почти все линейные рисунки без штриховки, кроме для ночного неба.
Рисунки Ван Гога законченных картин не были просто копии, скорее он воспользовался возможностью, чтобы переосмыслить свои композиции и измените их, чтобы дать им новую жизнь.Поскольку рисунок и живопись требуют разных методы и дали разные результаты, Ван Гог смог отрегулировать рисунки для разных сред и создавать почти полностью новые картинки, создавая такое же впечатление, как и их оригиналы.
Ван Гог писал письма постоянно. Практически каждый день его карьеры задокументирован. в своих письмах к брату Тео или другим художникам. Когда Винсент планировал картину или недавно закончил, он делал набросок в письме или на отдельном листе бумаги или, в некоторых случаях, если бумага не была сразу в наличии, конверт.Это сильно упрощенные версии его картин, показывающие только самые важные элементы, чтобы дать читателю представление о его последних Работа.
10 самых известных картин: шедевры, которые мы все знаем и любим
Написано Форрестом Брауном, CNN
Ежегодно через международные аукционные дома проходит искусство на миллиарды долларов, а в ведущих музеях хранятся десятки тысяч или даже сотни тысяч — произведений искусства в своих коллекциях.Но немногие драгоценные люди когда-либо достигают славы, необходимой для того, чтобы по-настоящему считаться именами, известными каждой семье.
Поскольку «знаменитый» — это субъективный термин, CNN Style обратилась к Google, чтобы узнать, какие картины возглавляют результаты поиска по всему миру за последние пять лет. Мы сравнили десятки популярных шедевров — от таких классических произведений, как «Мона Лиза», «Великая волна». off Kanagawa »и« Salavator Mundi »до более современных произведений, таких как« Nighthawks »и даже серии« Dogs Playing Poker ».На основании этих результатов мы составили 10 самых популярных картин в мире:
1.«Мона Лиза»
Если вы сомневались в бешеной популярности «Моны Лизы», толпа в Лувре убедит вас. Кредит: Эрик Феферберг / AFP / Getty Images
Художник: Леонардо да ВинчиПредполагаемая дата: с 1503 по 1519
Где это можно увидеть: Лувр (Париж)
Неудивительно, что самый известный Картина в мире — таинственная женщина с загадочной улыбкой. Но это одно из немногих фактов об этом произведении искусства.
Считается, что натурщиком на картине является Лиза Герардини, жена флорентийского купца Франческо дель Джокондо, но эксперты не уверены. Это действительно было новшество в искусстве — картина является самым ранним известным итальянским портретом, который, согласно Лувру, где он был впервые установлен в 1804 году, так тесно связан с натурщиком в поясном портрете. Знаете ли вы? Историки говорят, что до 20 века «Мона Лиза» была мало известна за пределами художественных кругов. Но в 1911 году бывший сотрудник Лувра украл портрет и два года прятал его.Эта кража с тех пор помогла картине закрепиться в популярной культуре и познакомила миллионы людей с искусством эпохи Возрождения.2. «Тайная вечеря»
Посетители фотографируют «Тайную вечерю» («Il Cenacolo или L’Ultima Cena») в монастыре Санта-Мария-делле-Грацие в Милане, Италия. Кредит: Мигель Медина / AFP / Getty Images
Художник: Леонардо да ВинчиПредполагаемая дата: с 1495 по 1498
Где это можно увидеть: Санта-Мария-делле-Грацие (Милан, Италия)
Леонардо, оригинал «Возрождения» Человек «- единственный художник, дважды фигурирующий в этом списке.
Написанная в эпоху, когда религиозные образы все еще были доминирующей художественной темой, «Тайная вечеря» изображает последний раз, когда Иисус преломлял хлеб со своими учениками перед распятием.
Картина на самом деле представляет собой огромную фреску — 4,6 метра (15 футов) в высоту и 8,8 метра (28,9 футов) в ширину, что делает просмотр незабываемым.Знаете ли вы? Фреска пережила две угрозы военного времени — войска Наполеона использовали стену трапезной, на которой была написана фреска, в качестве учебной стрельбы.Он также находился в воздухе в течение нескольких лет, когда бомбежка во время Второй мировой войны разрушила крышу доминиканского монастыря Санта-Мария-делле-Грацие в Милане.
3. «Звездная ночь»
Туристы смотрят на «Звездную ночь» Винсента Ван Гога в Музее современного искусства в Нью-Йорке. Предоставлено: Виктор Фрайле Родригес / Корбис / Getty Images
Художник: Винсент Ван ГогДата: 1889
Где это можно увидеть: Музей современного искусства (Нью-Йорк)
Сравнительно абстрактная живопись является отличительным примером новаторского и смелого использования Ван Гогом толстых мазков.Яркие синие и желтые цвета картины и мечтательная кружащаяся атмосфера на протяжении десятилетий интриговали ценителей искусства .
Знаете ли вы? Ван Гог жил в приюте в Сен-Реми, Франция, лечился от психического заболевания, когда написал «Звездную ночь». Его вдохновил вид из окна его комнаты.4. «Крик»
«Крик» Эдварда Мунка установлен для специальной выставки в Токийском Метрополитен-музее.Предоставлено: Asahi Shimbun / Getty Images
Художник: Эдвард МункДата: 1893
Где это можно увидеть: Национальный музей (Осло, Норвегия — открытие в 2020 году) и Музей Мунка (Осло — до мая. 2020) Обо всем по порядку — «Крик» — это не отдельное произведение искусства. Согласно блогу Британского музея, есть две картины, две пастели и неопределенное количество гравюр. Картины хранятся в Национальном музее и Музее Мунка, а в 2012 году одна из пастелей была продана на аукционе почти за 120 миллионов долларов.
Как и в случае с «Моной Лизой», дерзкие кражи (1994 и 2004 гг.) Двух версий картины «Крик» помогли повысить осведомленность публики о произведениях искусства. (Оба в итоге были найдены).
Знаете ли вы? Андрогинная фигура на переднем плане картины в стиле модерн не кричит, а пытается заглушить пронзительный крик, исходящий от природы. Он был вдохновлен реальным опытом, который получил Мунк во время прогулки на закате в Осло, когда драматический красный оттенок захлестнул его чувства.5. «Герника»
Вид на «Гернику» Пабло Пикассо в музее королевы Софии в Мадриде, Испания. Кредит: Денис Дойл / Getty Images
Художник: Пабло ПикассоДата: 1937
Где это можно увидеть: Museo Reina Sofía (Madrid)
Это последняя картина в этом списке, на которой изображен немецкий воздушная бомбардировка города Герника в регионе Басков во время гражданской войны в Испании.
Картина выполнена в характерном стиле Пикассо, и ее неуклонное изучение ужасов войны сделало ее неотъемлемой частью культуры и истории 20-го века.
Знаете ли вы? «Герника» была перевезена на хранение в Метрополитен-музей современного искусства в Нью-Йорке во время Второй мировой войны. Пикассо потребовал продлить срок пребывания до тех пор, пока в Испанию не вернется демократия. Наконец, он вернулся в Мадрид в 1981 году, через шесть лет после смерти давнего испанского диктатора генерала Франсиско Франко.6. «Поцелуй»
Посетители восхищаются «Поцелуем» Густава Климта в Верхнем Бельведере в Вене, Австрия. Предоставлено: Омар Маркес / Агентство Анадолу / Getty Imagesges
Художник: Густав КлимтПредполагаемая дата: 1907–1908
Где это увидеть: Музей Верхнего Бельведера (Вена, Австрия)
С No.6, мы переходим от исследования ненависти к исследованию любви к любимому «Поцелую» Густава Климта.
Из «Золотого периода» Климта, византийское художественное влияние можно увидеть в очень декоративных одеждах , которые носит страстная пара в натуральную величину. Верхний Бельведер говорит, что в «Поцелуй» Климт делает «общее аллегорическое заявление о люблю быть в центре человеческого существования «. Учитывая его магнетическую привлекательность, люди, кажется, соглашаются.Знаете ли вы? Пока «Поцелуй» не выставлен на продажу, другие работы Климта покупаются и продаются за огромные суммы.Опра Уинфри продала картину 1907 года «Портрет Адели Блох-Бауэр II» за 150 миллионов долларов в 2016 году — с крутой прибылью в 60 миллионов долларов.
7. «Девушка с жемчужной сережкой»
Журналист фотографирует «Девушку с жемчужной сережкой» Иоганна Вермеера в музее Маурицхейс в Гааге, Нидерланды. Предоставлено: Мишель Порро / Getty Images
Художник: Йоханнес ВермеерПредполагаемая дата: 1665
Где это увидеть: Маурицхейс (Гаага, Нидерланды) Этого интригующего фаворита часто сравнивают с «Моной Лизой».«Помимо стилистических различий, технически« Девушка с жемчужной сережкой »- это даже не портрет, а« tronie »- голландское слово, обозначающее картину воображаемой фигуры с преувеличенными чертами.
Шедевр холста, масло просто великолепен в своей простоте. Девушка в сине-золотом тюрбане и огромной жемчужной серьге — это весь фокус, за спиной только темный фон.
Знаете ли вы? «Девушка с жемчужной сережкой» гастролировала по США, Италии и Японии.Он собирал огромные толпы, что еще больше укрепило его статус одного из самых известных произведений искусства в мире.8. «Рождение Венеры»
Журналист исследует «Рождение Венеры» итальянского художника Сандро Боттичелли во время пресс-показа в галерее Уффици во Флоренции, Италия, в октябре 2016 года. Фото: Альберто Пиццоли / AFP / Getty Images
Художник: Сандро БоттичеллиПредполагаемая дата: 1485
Где это можно увидеть: Le Gallerie Degli Uffizi (Флоренция, Италия) Самая старая картина в десятке лучших и конкурирующая с «Поцелуем» по большинству чувственный, «Рождение Венеры», вероятно, был заказан членом богатой и любящей искусство семьи Медичи, которая веками правила Флоренцией и близлежащими районами.
Соединяя возобновившийся интерес к классической греческой культуре со стилем раннего Возрождения, Боттичелли создает незабываемую фигуру с Богиней Любви, появляющейся из огромной раковины морского гребешка.
Знаете ли вы? «Венера» Боттичелли имеет два существенных отличия от большинства других работ его современников. Во-первых, он писал на холсте, а не на более популярном дереве. Во-вторых, в то время нагота была редкостью — так что было смело, что Венера полностью обнажена без ее длинных распущенных волос и руки (едва), покрывающей самые интимные части ее тела.9. «Менины»
«Менины» Диего Веласкеса в музее Прадо 19 ноября 2013 г. в Мадриде, Испания. Кредит: Денис Дойл / Getty Images
Художник: Диего ВеласкесДата: 1656
Где это можно увидеть: Museo del Prado (Мадрид)
Мадрид — единственный город в этом обзоре, где вы найдете два из 10 самых известных картин, первая из которых «Герника» в № 5 и «Лас Манинас» здесь, в № 9.
Расположенный в популярном (и огромном) Прадо, «Лас Менинас» — это не только самая большая картина Диего Веласкеса. знаменитая картина, это также одна из его самых больших картин.Сложность работы веками восхищала искусствоведов и публику.Картина выполняет двойную функцию портрета. Он служит групповым портретом испанской королевской семьи, но это также автопортрет самого Веласкеса за работой (слева).
Знаете ли вы? «Лас Менинас» был заказан королем Испании Филиппом IV, правившим с 1621 по 1665 год. Он оставался в королевском дворце до 1819 года, когда перешел к Прадо.10. «Сотворение Адама»
На потолке Сикстинской капеллы в Ватикане «Сотворение Адама» завершает список 10 самых известных картин.Предоставлено: VCG / Corbis / Getty Images
Художник: МикеланджелоДата: 1508-1512
Где это можно увидеть: Сикстинская капелла (Ватикан)
Самая известная работа известного художника Микеланджело охватывает часть Потолок Сикстинской капеллы — чтобы увидеть его, нужно посмотреть вверх. Сцена изображает Бога и Адама с протянутыми руками, их пальцы почти соприкасаются. Это одно из самых тиражируемых изображений в истории.
Мускулистая форма Адама намекает на другой талант Микеланджело — его «Давид», возможно, самая известная скульптура в мире.Вы можете увидеть высокую мраморную статую в Галерее Академии во Флоренции.
Знаете ли вы? Потолок Сикстинской капеллы потускнел из-за многовекового воздействия дыма свечей и многого другого. После долгой и тщательной уборки, закончившейся в 1989 году, люди были потрясены, увидев яркие, живые цвета, которые изначально использовал Микеланджело.Еще пять картин, которые подошли близко
Вот еще пять известных картин, которые были близки к тому, чтобы попасть в топ-10:
- «Американская готика» (Грант Вуд, Институт искусств Чикаго)
- » Кувшинки »серия (Клод Моне, различные музеи мира)
- « Постоянство памяти » (Сальвадор Дали, Музей современного искусства в Нью-Йорке)
- « Ночной дозор » (Рембрандт, Рейксмузеум) в Амстердаме)
- «Сад земных наслаждений» (Иероним Босх, Музей Прадо, Мадрид)
