Особенности импрессионизм: Особенности импрессионизма в живописи

Особенности импрессионизма в живописи

Одним из самых интересных течений в живописи конца 19, начала 20 века, безусловно, является импрессионизм. Дух и идеология импрессионизма до сих пор оказывают огромное влияние на развитие живописных течений. Тем не менее, импрессионизм, это не доктрина и не набор каких-то особенных правил. Как отмечают критики, импрессионизма в чистом виде не существовало. Каждый художник добавляет в него свои, индивидуальные способы выражения. Можно сказать, что движение художников-импрессионистов фундаментально изменило взгляд на живопись в целом.

Пожалуй, главной отличительной чертой и задачей импрессионизма можно назвать создание впечатления от изображаемого объекта, а не его детальная прорисовка. Сюжетами картин импрессионистов, как правило, являются повседневные сцены жизни или окружающие нас пейзажи или объекты.

Текучесть и быстротечность времени, изменения естественного освещения и наших ощущений, являются основными объектами изучения художников- импрессионистов.

Переходы света и тени, изменения цвета, в зависимости от времени суток вдохновляли художников на идеальные способы выражения этих быстроменяющихся явлений. Добровольный отказ от помпезных сцен, детализированных портретов и вымышленных, мифологических и религиозных сцен сделали импрессионистов изгоями среди художников современников. Это была не только революция в живописи, а и революция в способе видеть. Суть нового метода живописи состояла в передаче впечатления от света, тени и отражения на поверхности воды и предметов с помощью раздельных мазков краски чистогоцвета. Этот метод позволял зрительно растворить форму изображаемого объекта в окружающей среде воздуха и света.

Детальность изображения отбрасывалась ради личностного, индивидуального восприятия.Художники — новаторы могли в зависимости от поставленной перед собой задачи написать небо красным, траву синей, предметы на натюрмортах были совершенно иными, а люди и лица– схематичны и размыты. Интересно, что художник-импрессионист не может написать неизвестный нам объект. Мы никогда не поймем, что именно он изобразил, если в нашем сознании нет этого образа. Тем не менее, в изображении знакомых, известных нам предметов импрессионисты превзошли все мыслимые ожидания. Их картины позволяют буквально почувствовать и мысленно ощутить изображенное на картине. Холод и тепло, туман и ветер изображается не такими, как мы их видим, а таким, какими мы их чувствуем. Например, картины с цветочными натюрмортами, написанные в стиле импрессионизм, буквально позволяют нам почувствовать нежность лепестков и хрупкость мимолетной красоты.

Эта особенность импрессионизма, является одновременно и сильной и слабой его стороной. Импрессионизм, очень живое, человечное и динамичное направление живописи. В нем, в первую очередь, отражается личный взгляд, авторское видение художника. Отсутствие рамок и шаблонов делает каждого автора уникальным. А так как очень часто импрессионисты пишут широким, густым мазком, их индивидуальный стиль можно узнать даже на ощупь, не говоря о видимых особенностях стиля автора.

Это позволяет бесконечно развиваться самому направлению. Каждый художник-импрессионист автоматически является отдельной ветвью общего направления.

Импрессионисты изменили цветовую гамму живописи, отказавшись от темных красок, землистого оттенка на картинах. Темный фон на их полотнах уступил место чистому, «открытому» цвету, который даже предварительно не смешивался на палитре.

Серьезную роль в возникновении импрессионизма, как метода живописи, сыграло изобретение свинцовых тюбиков для краски. Они позволили художникам свободно перемещаться, с компактным этюдником на плече. Краску больше не надо было готовить самостоятельно, смешивать в студии пигмент и основу. Работа художников на пленэре открыла совершенно новые горизонты в изображении природы. Пейзажи художников импрессионистов увлекают прочувствованным настроением и свежестью ощущений. Такие картины, сочные, легкие, радостные гармонично дополнят любой интерьер. Подарят приятные ощущения владельцам и гостям дома.

Импрессионизм — стиль, направление, искусство, черты, особенности, история, представители, вики — WikiWhat

Основная статья: Искусство Нового времени

Содержание (план)

История импрессионизма

В 1863 г. , наряду с официальным Салоном, Наполеон III разре­шил группе молодых художников организовать собственный «Са­лон отвергнутых».

Его главным событием стало появление карти­ны Эдуарда Мане «Завтрак на траве». Художественная манера Ма­не произвела революцию в технике живописи и стала ещё одним важным шагом к обновлению французского искусства на основе реализма.

В 1874 г. независимые художники организовали первую самостоятельную выставку. По названию представленной там кар­тины

Клода Моне «Впечатление. Восход солнца» новое художест­венное направление получило название импрессионизм (от фр. impression — «впечатление»).

Черты импрессионизма

Искусство импрессионизма отличалось стремлением передать динамику и многокрасочность окружающего мира, отразить игру световых эффектов, запе­чатлеть мимолётное впечатление и за­фиксировать неуловимое.

Представители импрессионизма

Один из наибо­лее ярких импрессионистов К. Писарро заслужил славу «поэта Парижа». Материал с сайта http://wikiwhat.ru

О. Рену­ар стремился отразить праздничную сто­рону столичной жизни. Его особенно привлекали образы парижанок, в изобра­жении которых он достиг высочайшего мастерства.

Париж занимал много места и в творчестве Э. Дега, который добился особых успехов в передаче движения, по­стоянно обращаясь к образам танцовщиц столичных театров.

Картинки (фото, рисунки)

• К. Писарро. Бульвар Монмартр

• Э. Мане. Железная дорога

Импрессионизм (музыка) — это.

.. Что такое Импрессионизм (музыка)? Эта статья об импрессионизме в музыке; общая статья об импрессионизме см.: Импрессионизм.

Музыкальный импрессионизм (фр. impressionnisme, от фр. impression — впечатление) — музыкальное направление, аналогичное импрессионизму в живописи и параллельное символизму в литературе, сложившееся во Франции в последнюю четверть XIX века — начале XX века, прежде всего в творчестве Эрика Сати, Клода Дебюсси и Мориса Равеля.

Точкой отсчёта «импрессионизма» в музыке можно считать 1886-1887 год, когда в Париже были опубликованы первые импрессионистические опусы Эрика Сати («Сильвия», «Ангелы» и «Три сарабанды») — и как следствие, пять лет спустя, получившие резонанс в профессиональной среде первые произведения Клода Дебюсси в новом стиле

(прежде всего, «Послеполуденный отдых фавна»).

Происхождение

Музыкальный импрессионизм в качестве предшественника имеет прежде всего импрессионизм во французской живописи. У них не только общие корни, но и причинно-следственные отношения. И главный импрессионист в музыке, Клод Дебюсси, и особенно, Эрик Сати, его друг и предшественник на этом пути, и принявший от Дебюсси эстафету лидерства Морис Равель, искали и находили не только аналогии, но и выразительные средства в творчестве Клода Моне, Поля Сезанна, Пюви де Шаванна и Анри де Тулуз-Лотрека.

Сам по себе термин «импрессионизм» по отношению к музыке носит подчёркнуто условный и спекулятивный характер (в частности, против него неоднократно возражал сам Клод Дебюсси, впрочем, не предлагая ничего определённого взамен). Понятно, что средства живописи, связанные со зрением и средства музыкального искусства, базирующиеся большей частью на слухе, могут быть связаны друг с другом только при помощи особенных, тонких ассоциативных параллелей, существующих только в сознании. Проще говоря, расплывчатое изображение Парижа «в осеннем дожде» и такие же звуки, «приглушённые шумом падающих капель» уже сами по себе имеют свойство художественного образа, но не реального механизма.

Прямые аналогии между средствами живописи и музыки возможны только при посредстве личности композитора, испытавшего на себе личное влияние художников или их полотен. Если художник или композитор отрицает или не признаёт подобные связи, то говорить о них становится как минимум, затруднительным. Однако перед нами в качестве важного артефакта имеются признания и, (что важнее всего) сами произведения главных действующих лиц музыкального импрессионизма. Отчётливее остальных эту мысль выразил именно Эрик Сати, постоянно акцентировавший внимание на том, сколь многим в своём творчестве он обязан художникам. Он привлёк к себе Дебюсси оригинальностью своего мышления, независимым, грубоватым характером и едким остроумием, не щадящим решительно никаких авторитетов. Также, Сати заинтересовал Дебюсси своими новаторскими фортепианными и вокальными сочинениями, написанными смелой, хотя и не вполне профессиональной рукой. ^[1] Здесь, ниже приведены слова, с которыми в 1891 году Сати обращался к своему недавно обретённому приятелю, Дебюсси, побуждая его перейти к формированию нового стиля:

Пюви де Шаванн (1879) «Девушки на берегу моря» (любимая картина Сати в молодости)

Когда я встретил Дебюсси, он был полон Мусоргским и настойчиво искал пути, которые не так-то и просто найти. В этом отношении я его давно переплюнул. Меня не отягощала ни Римская премия, ни какие-либо другие, ибо я был подобен Адаму (из Рая), который никогда никаких премий не получал — несомненно лентяй!…^[2]

Я писал в это время «Сына звёзд» на либретто Пеладана и объяснял Дебюсси необходимость для француза освободиться от влияния вагнеровских принципов, которые не отвечают нашим естественным стремлениям. Я сказал также, что хотя я ни в коей мере не являюсь антивагнеристом, но всё же считаю, что мы должны иметь свою собственную музыку и по возможности, без «кислой немецкой капусты». Но почему бы для этих целей не воспользоваться такими же изобразительными средствами, которые мы видим у Клода Моне, Сезанна, Тулуз-Лотрека и прочих? Почему не перенести эти средства на музыку? Нет ничего проще. Не это ли есть настоящая выразительность?

— (Erik Satie, «Claude Debussy», Paris, 1923). ^[3]

Но если Сати выводил свой прозрачный и скуповатый по средствам импрессионизм от символической живописи Пюви де Шаванна, то Дебюсси (через посредство того же Сати) испытал на себе творческое влияние более радикальных импрессионистов, Клода Моне и Камилла Писcаро.

Достаточно только перечислить названия наиболее ярких произведений Дебюсси или Равеля, чтобы получить полное представление о воздействии на их творчество как зрительных образов, так и пейзажей художников-импрессионистов. Так, Дебюсси за первые десять лет пишет «Облака», «Эстампы» (наиболее образный из которых, акварельная звуковая зарисовка — «Сады под дождём»), «Образы» (первый из которых, один из шедевров фортепианного импрессионизма, «Отблески на воде», вызывает прямые ассоциации со знаменитым полотном Клода Моне «Импрессия: восход солнца»)… По известному выражению Малларме, композиторы-импрессионисты учились «слышать свет», передавать в звуках движение воды, колебание листвы, дуновение ветра и преломление солнечных лучей в вечернем воздухе. Симфоническая сюита «Море от рассвета до полудня» достойным образом подытоживает пейзажные зарисовки Дебюсси.

Несмотря на часто афишируемое личное неприятие термина «импрессионизм», Клод Дебюсси неоднократно высказывался как истинный художник-импрессионист. Так, говоря о самом раннем из своих знаменитых оркестровых произведений, «Ноктюрнах», Дебюсси признавался, что идея первого из них («Облака») пришла ему в голову в один из облачных дней, когда он с моста Согласия смотрел на Сену… Что же касается шествия во второй части («Празднества»), то этот замысел родился у Дебюсси: «…при созерцании проходящего вдали конного отряда солдат Республиканской гвардии, каски которых искрились под лучами заходящего солнца… в облаках золотистой пыли»^[4]. Равным образом, и сочинения Мориса Равеля могут служить своеобразными вещественными доказательствами прямых связей от живописи к музыке, существовавших внутри течения импрессионистов. Знаменитая звукоизобразительная «Игра воды», цикл пьес «Отражения», фортепианный сборник «Шорохи ночи» — этот список далеко не полон и его можно продолжать. Несколько особняком, как всегда, стоит Сати, одно из произведений, которое можно назвать в этой связи, это, пожалуй — «Героический прелюд ко вратам неба».

Окружающий мир в музыке импрессионизма раскрывается сквозь увеличительное стекло тонких психологических рефлексий, едва уловимых ощущений, рождённых созерцанием происходящих вокруг незначительных изменений. Эти черты роднят импрессионизм с другим параллельно существовавшим художественным течением — литературным символизмом. Первым обратился к сочинениям Жозефена Пеладана Эрик Сати. Немного позднее творчество Верлена, Малларме, Луиса и — особенно Метерлинка нашло прямое претворение в музыке Дебюсси,^[5] Равеля и их некоторых последователей.

Рамон Казас (1891) «Денежная мельница» (импрессионистской картины с фигурой Сати)

При всей очевидной новизне музыкального языка в импрессионизме нередко воссоздаются некоторые выразительные приёмы, характерные для искусства предыдущего времени, в частности, музыки французских клавесинистов XVIII века, эпохи рококо.^[6] Стоило бы только напомнить такие знаменитые изобразительные пьесы Куперена и Рамо, как «Маленькие ветряные мельницы» или «Курица».

В 1880-х годах, до знакомства с Эриком Сати и его творчеством, Дебюсси был увлечён творчеством Рихарда Вагнера и полностью находился в фарватере его музыкальной эстетики. После встречи с Сати и с момента создания своих первых импрессионистических опусов, Дебюсси с удивляющей резкостью перешёл на позиции воинствующего анти-вагнеризма.^[7] Этот переход был настолько внезапным и резким, что один из близких друзей (и биограф) Дебюсси, известный музыковед Эмиль Вюйермо напрямую высказал своё недоумение:

«Антивагнеризм Дебюсси лишён величия и благородства. Невозможно понять, как молодой музыкант, вся юность которого опьянена хмелем „Тристана“ и который в становлении своего языка, в открытии бесконечной мелодии бесспорно стольким обязан этой новаторской партитуре, презрительно высмеивает гения, так много ему давшего!»

— (Emile Vuillermoz, “Claude Debussy”, Geneve, 1957.)

При этом Вюйермо, внутренне связанный отношениями личной неприязни и вражды с Эриком Сати, специально не упомянул и выпустил его, как недостающее звено при создании полной картины. И в самом деле, французское искусство конца XIX века, придавленное вагнеровскими музыкальными драмами, утверждало себя через импрессионизм. В течение долгого времени именно это обстоятельство (и нарастающий в период между тремя войнами с Германией национализм) мешал говорить о прямом влиянии стиля и эстетики Рихарда Вагнера на импрессионизм. Пожалуй, первым этот вопрос поставил ребром известный французский композитор кружка Сезара Франка — Венсан д’Энди, старший современник и приятель Дебюсси. В своей известной работе «Рихард Вагнер и его влияние на музыкальное искусство Франции», спустя десять лет после смерти Дебюсси он выразил своё мнение в категорической форме:

«Искусство Дебюсси — бесспорно от искусства автора „Тристана“; оно покоится на тех же принципах, основано на тех же элементах и методах построения целого. Единственная разница лишь в том, что у Дебюсси драматургические принципы Вагнера трактованы…, так сказать, а ля франсез».^[8]

— (Vincent d’Indy. Richard Wagner et son influence sur l’art musical francais.)

В сфере красочной и ориентальной живописности, фантастики и экзотики (интерес к Испании, странам Востока) импрессионисты также не были первопроходцами. Здесь они продолжили наиболее яркие традиции французского романтизма, в лице Жоржа Бизе, Эммануэля Шабрие и красочных партитур Лео Делиба, одновременно (как истинные импрессионисты) отказавшись от острых драматических сюжетов и социальных тем.

Сильное влияние на творчество Дебюсси и Равеля оказало также и творчество самых ярких из представителей «Могучей кучки»: Мусоргского (в части музыкального языка и выразительных средств), а также Бородина и Римского-Корсакова (как в плане гармонических, так и оркестровых изысков). В особенности это касалось экзотических и ориентальных произведений. «Половецкие пляски» Бородина и «Шехеразада» Римского-Корсакова — стали главными «агентами влияния» для молодого Клода Дебюсси и Мориса Равеля. Оба они были в равной мере поражены необычностью мелодий, смелостью гармонического языка и восточной пышностью оркестрового письма. Для западного уха, веками воспитанного на стерильной немецкой гармонизации, именно ориентализм Бородина и Римского-Корсакова стал наиболее интересной и впечатляющей частью их наследия. ^[9] А «Борис Годунов» Мусоргского на долгие годы стал для Дебюсси второй настольной оперой после «Тристана». Именно об этом свойстве стиля обоих «Главных импрессионистов» как всегда метко высказался избежавший влияния «великого Модеста» Эрик Сати: «…они играют по-французски, но — с русской педалью…»

Особенности стиля

Импрессионисты создавали произведения искусства утончённые и одновременно ясные по выразительным средствам, эмоционально сдержанные, бесконфликтные и строгие (чистые) по стилю. При этом сильно изменилась и трактовка музыкальных жанров. В области симфонической и фортепианной музыки создавались главным образом программные миниатюры, сюитные циклы (возвращение к рококо), в которых преобладало красочно-жанровое или пейзажное начало.

Значительно богаче стало гармоническое и тембровое окрашивание тем. Импрессионистская гармония характеризуется резким повышением колористического, самодовлеющего компонента звука. Это развитие происходило под воздействием множества внешних влияний, в том числе: французского музыкального фольклора и новых для западной Европы конца XIX века систем музыкального построения, таких как русская музыка, григорианский хорал, церковная полифония раннего Возрождения, музыка стран Востока (именно под влиянием впечатлений от очередной Всемирной выставки 1889 года были написаны знаменитые «Гноссиены» Сати), негритянских спиричуэлс США и др. Это проявилось, в частности, в использовании натуральных и искусственных ладов, элементов модальной гармонии, «неправильных» параллельных аккордов и т. п.

Инструментовка импрессионистов характеризуется уменьшением размеров классического оркестра, прозрачностью и тембровым контрастом, разделением групп инструментов, тонкой детальной проработкой фактуры и активным использованием чистых тембров как солирующих инструментов, так и целых однородных групп.^[6] В камерной музыке любимое тембровое сочетание Сати и Дебюсси, почти символическое для импрессионизма — это арфа и флейта.

Представители импрессионизма в музыке

Дебюсси и Сати (фото Стравинского, 1910 год)

Главной средой возникновения и существования музыкального импрессионизма постоянно оставалась Франция, где неизменным соперником Клода Дебюсси выступал Морис Равель, после 1910 года оставшийся практически единоличным главой и лидером импрессионистов. Эрик Сати, выступивший как первооткрыватель стиля, в силу своего характера не смог выдвинуться в активную концертную практику и, начиная с 1902 года, открыто объявил себя не только в оппозиции к импрессионизму, но и основал целый ряд новых стилей, не только противоположных, но и враждебных ему. Что интересно, при таком положении дел на протяжении ещё десяти-пятнадцати лет Сати продолжал оставаться близким другом, приятелем и противником как Дебюсси, так и Равеля, «официально» занимая пост «Предтечи» или основоположника этого музыкального стиля. Равным образом и Морис Равель, несмотря на весьма сложные, а иногда даже открыто конфликтные личные отношения с Эриком Сати, не уставал твердить, что встреча с ним имела для него решающее значение и неоднократно подчёркивал, сколь многим в своём творчестве он Эрику Сати обязан. Буквально при каждом удобном случае Равель повторял это и самому Сати «в лицо», чем немало удивлял этого общепризнанного «неуклюжего и гениального Провозвестника новых времён».^[10]

В 1913 году Морисом Равелем было торжественно «открыто» творчество практически неизвестного широкой публике французского композитора Эрнеста Фанелли (1860—1917), ученика Делиба и, между прочим, однокурсника Клода Дебюсси по консерватории. Оказавшись в бедственном материальном положении, Фанелли вынужден был ранее срока бросить обучение в консерватории и затем в течение двадцати лет работал скромным аккомпаниатором и переписчиком нот. Созданные им ещё в 1890 году необычайно красочные «Пасторальные впечатления» для оркестра и изысканные «Юморески» опередили подобные опыты Дебюсси на пять-семь лет, однако, до открытия Равелем они не исполнялись и были практически неизвестны широкой публике.^[11]

Последователями музыкального импрессионизма Дебюсси были французские композиторы начала XX века — Флоран Шмитт, Жан-Жюль Роже-Дюкас, Андре Капле и многие другие. Раньше других испытал на себе очарование нового стиля Эрнест Шоссон, друживший с Дебюсси и ещё в 1893 году познакомившийся с первыми эскизами «Послеполуденного отдыха фавна» из-под рук, в авторском исполнении на рояле. Последние сочинения Шоссона явно несут на себе следы воздействия только зачинавшегося импрессионизма — и можно только гадать, каким могло бы выглядеть позднее творчество этого автора, проживи он хотя бы немного дольше. Вслед за Шоссоном — и другие вагнеристы, члены кружка Сезара Франка испытали на себе влияние первых импрессионистских опытов. Так, и Габриэль Пьерне, и Ги Ропарц и даже самый ортодоксальный вагнерист Венсан д’Энди (первый исполнитель многих оркестровых произведений Дебюсси) в своём творчестве отдал полную дань красотам импрессионизма. Таким образом Дебюсси (как бы задним числом) всё же одержал верх над своим бывшим кумиром — Вагнером, мощное воздействие которого и сам преодолел с таким трудом… Сильное влияние ранних образцов импрессионизма испытал на себе такой маститый мастер, как Поль Дюка, и в период до Первой мировой войны — Альбер Руссель, уже в своей Второй симфонии (1918 год) отошедший в своём творчестве от импрессионистических тенденций к большому разочарованию своих поклонников.^[12]

На рубеже XIX—XX веков отдельные элементы стиля импрессионизма получили развитие и в других композиторских школах Европы, своеобразно переплетаясь с национальными традициями. Из подобных примеров можно назвать, как наиболее яркие: в Испании — Мануэль де Фалья, в Италии — Отторино Респиги, в Бразилии — Эйтор Вилла-Лобос, в Венгрии — ранний Бела Барток, в Англии — Фредерик Делиус, Сирил Скотт, Ральф Воан-Уильямс, Арнолд Бакс и Густав Холст, в Польше — Кароль Шимановский, в России — ранний Игорь Стравинский — (периода «Жар-птицы»), поздний Лядов, Микалоюс Константинас Чюрлёнис и Николай Черепнин .

В целом следует признать, что жизнь этого музыкального стиля была достаточно краткой даже по меркам скоротечного XX века. Первые следы отхода от эстетики музыкального импрессионизма и стремление расширить пределы присущих ему форм музыкального мышления можно обнаружить в творчестве самого Клода Дебюсси уже после 1910 года.^[13] Что же касается первооткрывателя нового стиля, Эрика Сати — то раньше всех, уже после премьеры «Пеллеаса» в 1902 году он решительно покидает растущие ряды сторонников импрессионизма, а спустя ещё десять лет — организует критику, оппозицию и прямое противодействие этому течению. К началу 30-х годов XX века импрессионизм стал уже старомодным, превратился в исторический стиль и полностью сошёл с арены актуального искусства, растворившись (в качестве отдельных красочных элементов) — в творчестве мастеров совершенно иных стилистических направлений (например, отдельные элементы импрессионизма можно выделить в произведениях Оливье Мессиана, Такэмицу Тору, Тристана Мюрая и др. .

Примечания

1. ↑ Шнеерсон Г. Французская музыка XX века. — М.: Музыка, 1964. — С. 23.
2. ↑ Эрик Сати, Юрий Ханон Воспоминания задним числом. — СПб.: Центр Средней Музыки & Лики России, 2010. — С. 510. — 682 с. — ISBN 978-5-87417-338-8
3. ↑ Erik Satie. Ecrits. — Paris: Editions champ Libre, 1977. — С. 69.
4. ↑ Emile Vuillermoz. Claude Debussy. — Geneve, 1957. — С. 69.
5. ↑ Клод Дебюсси. Избранные письма (сост. А.Розанов). — Л.: Музыка, 1986. — С. 46.
6. ↑ ^{1 2} под редакцией Г. В. Келдыша. Музыкальный энциклопедический словарь. — М.: Советская энциклопедия, 1990. — С. 208.
7. ↑ Шнеерсон Г. Французская музыка XX века. — М.: Музыка, 1964. — С. 22.
8. ↑ Vincent d’Indy. Richard Wagner et son influence sur l’art musical francais. — Paris, 1930. — С. 84.
9. ↑ Волков С. История культуры Санкт-Петербурга. — второе. — М.: «Эксмо», 2008. — С. 123. — 572 с. — 3000 экз. — ISBN 978-5-699-21606-2
10. ↑ Составители М. Жерар и Р. Шалю. Равель в зеркале своих писем. — Л.: Музыка, 1988. — С. 222.
11. ↑ Составители М. Жерар и Р. Шалю. Равель в зеркале своих писем. — Л.: Музыка, 1988. — С. 220-221.
12. ↑ Шнеерсон Г. Французская музыка XX века. — М.: Музыка, 1964. — С. 154.
13. ↑ Филенко Г. Французская музыка первой половины XX века. — Л.: Музыка, 1983. — С. 12.

Источники

• Музыкальный энциклопедический словарь под ред. Г. В. Келдыша, Москва, «Советская энциклопедия» 1990.
• Равель в зеркале своих писем. Составители М.Жерар и Р.Шалю., Л., Музыка, 1988.
• Шнеерсон Г. Французская музыка XX века, 2 изд. — М., 1970;
• Vincent d’Indy. Richard Wagner et son influence sur l’art musical francais. Paris, 1930;
• Erik Satie, «Ecrits», — Editions champ Libre, 1977;
• Anne Rey Satie, — Seuil, 1995;
• Volta Ornella, Erik Satie, Hazan, Paris, 1997;
• Emile Vuillermoz,»Claude Debussy», Geneve, 1957.

Импрессионизм работы. Живопись в импрессионизме: особенности, история

Импрессионизм впервые зародился во Франции ближе к концу XIX столетия. До возникновения этого направления натюрморты, портреты и даже пейзажи преимущественно писались художниками в студиях. Картины импрессионистов же часто создавались на открытом воздухе, а их сюжетами становились реальные мимолетные сцены из современной жизни. И хотя импрессионизм изначально подвергался критике, вскоре он собрал множество последователей и положил начало аналогичным движениям в музыке и литературе.

Знаменитые французские художники-импрессионисты

Неудивительно, что одним из самых известных направлений изобразительного искусства стал именно импрессионизм в живописи: художники , работавшие в этом стиле, оставили после себя удивительные по своей красоте полотна, легкие, как глоток свежего воздуха, полные света и красок. Многие из этих прекрасных произведений написаны следующими мастерами импрессионизма, которых знает каждый уважающий себя ценитель мировой живописи.

Эдуард Мане

Несмотря на то, что целиком творчество Эдуарда Мане нельзя поместить лишь в рамки импрессионизма, живописец во многом повлиял на возникновение данного течения, а другие французские художники, работающие в этом стиле, считали его основоположником импрессионизма и своим идейным вдохновителем. Хорошими друзьями мастера были и другие известные французские импрессионисты: Эдгар Дега, Пьер Огюст Ренуар, а также художник-импрессионист со схожей фамилией, которая ставит в тупик новичков в мире живописи, — Клод Моне.

После знакомства с этими художниками и произошли импрессионистические перемены в творчестве Мане: он стал предпочитать работу на открытом воздухе, в картинах стали преобладать светлые, яркие тона, обилие света и дробная композиция. Хотя от темных цветов он по-прежнему не отказывается, да и пейзажам предпочитает живопись в бытовом жанре — это можно проследить в работах живописца «Бар в «Фоли-Бержер», «Музыка в Тюильри», «Завтрак на траве», «У папаши Латюиля», «Аржантей» и других.

Клод Моне

Имя этого французского художника, пожалуй, хотя бы раз в жизни слышал каждый. Клод Моне был одним из основоположников импрессионизма, и именно его картина «Впечатление: Восходящее солнце» дала название этому движению.

В 60-х годах XIX века художник-импрессионист одним из первых увлекся написанием картин на свежем воздухе, а многим позже создал новый экспериментаторский подход к работе. Он заключался в наблюдении и изображении одного и того же предмета в разное время суток: так была создана целая серия полотен с видом на фасад Руанского собора, напротив которого художник даже поселился, чтобы не упускать здание из виду.

Изучая импрессионизм в живописи, не пропустите такие работы Моне, как «Поле маков у Аржантея», «Прогулка к утесу в Пурвиле», «Женщины в саду», «Дама с зонтиком», «Бульвар Капуцинок», а также серию работ «Водяные лилии».

Пьер Огюст Ренуар

Этот художник-импрессионист имел уникальное видение красоты, что сделало Ренуара одним из самых известных представителей данного направления. Прежде всего, он знаменит своими картинами шумной парижской жизни и досуга конца XIX столетия. Ренуар прекрасно умел работать с цветом и светотенью, в особенности отмечается его исключительное умение писать обнаженную натуру, с неповторимой передачей тонов и текстуры.

Уже начиная с 80-х годов, художник-импрессионист стал больше склоняться к классической манере письма и увлекся живописью Ренессанса, что заставило его включить в свои зрелые работы более четкие линии и ясную композицию. Именно в этот период Пьер Огюст Ренуар создает одни из самых нетленных произведений своей эпохи.

Уделите особое внимание таким полотнам Ренуара, как «Завтрак гребцов», «Бал в Мулен де ла Галетт», «Танец в деревне», «Зонтики», «Танец в Буживале», «Девушки за фортепьяно».

Эдгар Дега

В истории искусства Эдгар Дега остался как художник-импрессионист, хотя сам он отрицал этот ярлык, предпочитая называть себя скорее независимым художником. Действительно, он питал определенный интерес к реализму, что отличало художника от других импрессионистов, но одновременно с этим использовал в своем творчестве множество импрессионистских техник, в частности, точно так же «играл» со светом и увлекался изображением сцен из городской жизни.

Дега всегда привлекала фигура человека, он часто изображал певиц, танцоров, прачек, стремясь изобразить человеческое тело в различных положениях, например, на полотнах «Танцевальный класс», «Репетиция», «Концерт в кафе «Амбассадор», «Оркестр оперы», «Танцовщицы в синем».

Камиль Писсарро

Писсарро был единственным художником, который принимал участие во всех восьми выставках импрессионистов с 1874 по 1886 гг. В то время как картины импрессионистов известны своими сюжетами городского и загородного отдыха, картины Писсарро показывают зрителю ежедневную жизнь французских крестьян, изображая деревенскую природу в различных условиях и при разном освещении.

Знакомясь с картинами, которые писал данный художник-импрессионист, в первую очередь стоит увидеть работы «Бульвар Монмартр ночью», «Жатва в Эраньи», «Жницы отдыхают», «Сад в Понтуазе» и «Въезд в деревню Вуазен».

Презентация «Импрессионизм в живописи » познакомит в творчеством выдающихся французских художников: Клода Моне, Камиля Писсарро, Эдгара Дега, Альфреда Сислея и Огюста Ренуара, расскажет о революции, которую они совершили в искусстве.

Импрессионизм в живописи

О происхождении термина «импрессионизм » скажу лишь для порядка, уверена, что мой любознательный читатель знает об этом ещё со школьных лет. Впервые этот термин появился в критической статье в газете «Шаривари », посвящённой выставке художников, решивших показать работы, не принятые в Салон, где в то время приветствовалось академическое искусство. Наши свободолюбивые герои, не желая подчиняться никаким правилам, добились от императора Наполеона III разрешения устроить свою выставку. Первая такая акция в 1863 году получила название «Салон отверженных ». Через десять лет художники выставляются вновь. На этой выставке среди других эпатировавших публику работ находилась и знаменитая теперь во всём мире картина Клода Моне «Впечатление. Восход солнца », подарившая имя замечательному направлению в искусстве.

Художников-импрессионистов существовало и существует очень много. Моя презентация посвящена лишь творчеству пяти самых выдающихся. Любой творческий человек отлично представляет, как трудно оставаться верным своим идеям в авторитарном обществе. Наши герои часто оказывались в безвыходной ситуации, не имея средств, чтобы накормить семью (У Камиля Писсарро, например, было семеро детей!).

Искусство и наука

Открытия импрессионистов в области искусства были неразрывно связаны с научными открытиями и творческими прозрениями их предшественников. Главным правилом живописцев-импрессионистов было условие работы на пленэре . Эта идея не была новой. На пленэре писали свои чудесные, живые пейзажи Но, ни барбизонцы, ни импрессионисты не смогли бы работать на воздухе, если бы в 1841 году американский портретист Джон Ренд не изобрёл оловянный, сжимающийся тюбик для масляных красок . Изобретение фотографии также не могло не сказаться на судьбе живописи. Кстати, один из первых профессиональных фотографов Ральф Надар был другом импрессионистов, и свои первые выставки они устраивали именно в его мастерской.

«Суха теория, мой друг …»

В отличие от живописи в пейзажах импрессионистов мы не найдём глубины и душевности. Задача героев моей презентации состояла в том, чтобы запечатлеть на полотне сиюминутное состояние воздушной среды. Главным героем художников-импрессионистов была не природа, а свет и воздух , меняющиеся каждое мгновение. Уловить эти изменения и старались Клод Моне, Камиль Писсарро, Альфред Сислей. Именно этим стремлением мы обязаны существованию знаменитых серий Клода Моне: «Стога», «Руанский собор», «Вокзал Сен-Лазар», «Тополя», Здание лондонского Парламента», «Нимфеи» и других. На сайте Gallerix.ru можно увидеть эти картины в хорошем качестве.

Идеи импрессионистов

• Ни один цвет не существует сам по себе. Форма и краски – понятия нераздельные. Свет вызывает формы. Исчезает свет, пропадают формы и краски.

• Всякий цвет составлен из элементов солнечного света, то-есть из 7 тонов спектра.

• То, что прежде называлось локальным тоном – заблуждение: лист не зелёный, ствол дерева – не коричневый.

• Воздух – единственный реальный сюжет картины, только через него мы видим всё, что на ней изображено.

• Живописец должен писать только семью красками спектра и изгнать из палитры все остальные. Это то, что смело сделал Клод Моне, добавив лишь белую и чёрную. Затем, вместо того, чтобы составлять смеси на палитре, он должен вводить на холст лишь мазки из семи чистых красок, раскладывая их одну около другой, предоставляя отдельным цветам вступать в смеси уже в глазу зрителя, следовательно, поступая так, как это делает сам свет. Это и есть теория разложения тонов, составляющая главную основу техники импрессионистов.

• Свет становится единственным сюжетом картины, интерес к предметам, на которых он играет, делается второстепенным.
  Волынский. Зелёное дерево жизни

«Импрессионисты преобразовали восприятие живописи и природы. Вряд ли после них найдётся любитель искусства или художник, который решится утверждать, что небо – просто синее, снег – белый, а трава – зелёная. Не замечая того, мы смотрим теперь на мир сквозь призму импрессионистической живописи. Они открыли возможность видеть не только определённый объект, но то «что живёт между художником и предметом изображения». Конечно, у них были великие предшественники, но окно в мир солнца и воздуха так широко было распахнуто именно импрессионистами»
Фомина Н.Н.

На сайте Артхив есть интересный материал, посвящённый импрессионистам: «Путешествие по Франции с импрессионистами» . Любителям импрессионистического искусства будет интересно.

Если вы решите посмотреть мою презентацию, то не поленитесь загрузить её на свой компьютер (она, правда, получилась очень тяжёлой, хотелось сделать красиво, а формат png тяжёлый). Иначе, многие эффекты анимации не будут работать.

Использованная литература:

• Искусство. Малая детская энциклопедия. – М.: Русское энциклопедическое товарищество, 2001.
• Энциклопедия для детей. Т.7. Искусство. – М.: Аванта+, 2000.
• Энциклопедия. Пейзаж. – М.: «ОЛМА-ПРЕСС Образование», 2002.
• Великие художники. Том 72. Камиль Жакоб Писсарро. – М.: Издательство «Директ-Медиа», 2011.
• Беккет В. История живописи. – М.: ООО «Издательство Астрель»: ООО «Издательство АСТ», 2003.
• Великие художники. Том 25. Эдгар Илэр Жерме Дега. – М.: Издательство «Директ-Медиа», 2010.
• Великие художники. Том 59. Альфред Сислей. – М.: Издательство «Директ-Медиа», 2010.
• Великие художники. Том 4. Клод Моне. – М.: Издательство «Директ-Медиа», 2009.
• Емохонова Л.Г. Мировая художественная культура: Учеб. Пособие для студ. сред. пед. учеб. заведений. – М.: Издательский центр «Академия», 1998.
• Львова Е.П., Сарабьянов Д. В., Борисова Е.А., Фомина Н.Н., Березин В.В., Кабкова Е.П., Некрасова Л.М. Мировая художественная культура. XIX век. Изобразительное искусство, музыка, театр. ‒ СПб.: Питер, 2007.
• Раймон Конья. Писсарро. – М.: Слово, 1995
• Самин Д.К. Сто великих художников. – М.: Вече, 2004.

Удачи!

Многие искания Мане были подхвачены и развиты группой художников, которые вошли в историю искусства под именем импрессионистов. Импрессионизм — последнее крупное художественное течение в искусстве 19 века — зародился во Франции в 1860-х годах. Его название происходит от французского слова impression — впечатление. Так назывался пейзаж Клода Моне («Впечатление. Восход солнца», 1872), показанный в 1874 году вместе с работами других молодых французских художников на выставке «независимых» в фотоателье Надара в Париже. Эта была первая выставка импрессионистов, хотя к тому времени ведущие представители импрессионизма были уже вполне сформировавшимися художниками.
Импрессионизм — сложное художественное явление, до наших дней вызывающее нередко противоречивые оценки. Это отчасти объясняется тем, что с ним были связаны художники с ярко выраженной индивидуальностью, часто с весьма несходными творческими исканиями. Однако некоторые важные общие особенности позволяют объединить ряд мастеров французского изобразительного искусства (а также литературы и музыки) в единое течение.
Импрессионизм возник в недрах французского реалистического искусства. Молодые представители этого течения называли себя последователями Курбе. Как и реализм середины 19 века, импрессионизм, особенно на первых этапах своего развития, враждебно противостоял официальному академическому искусству. Художники-импрессионисты отвергались Салоном, их искусство встречало ожесточенные нападки официальной критики.
Вслед за мастерами реализма середины века импрессионисты выступили против мертвенного, оторванного от жизни академического искусства. Своей главной задачей они считали изображение современной действительности в ее разнообразных индивидуальных проявлениях. Они старались запечатлеть самые простые мотивы современной жизни и природы, которые прежде редко привлекали внимание художников. Протестуя против сухости и отвлеченности академического искусства, против его условных штампов и схем, импрессионисты стремились передать всю свежесть своих непосредственных впечатлений от действительности, красочное богатство видимого мира, его разнообразие и изменчивость. Отсюда — характерные для импрессионизма поиски нового творческого метода, разработка некоторых новых средств художественной выразительности. Это прежде всего своеобразное понимание композиции, свободной, непосредственной, как бы случайной, интерес к передаче динамики окружающего мира, наконец, особое внимание к живописным проблемам, к передаче света и воздуха. Выдвигая как обязательное требование работы на плейере, импрессионисты обогатили живопись многими колористическими достижениями, преодолели условность красочной гаммы, характерную для большинства их предшественников, достигли больших успехов в передаче световоздушной среды, воздействия света на цвет. Все это сообщает живописи импрессионистов свежесть и красочное богатство.
Однако, отдавая должное бесспорным реалистическим завоеваниям импрессионистов, нельзя не отметить ограниченность их мировоззрения и метода. Самый подход импрессионистов к изображению действительности таил в себе опасность скольжения по поверхности явлений, отказа от больших жизненных и тем более социальных обобщений. Стремясь прежде всего наиболее непосредственно передать окружающий их мир, импрессионисты придают ведущее значение зрительному впечатлению. Фиксация мимолетных, беглых зрительных ощущений достигает в их творчестве поразительной достоверности, однако она порой подменяет глубокое и всестороннее познание мира. Поэтому, хотя искусство импрессионизма и обогащается новыми сюжетами и мотивами, оно уже не решает больших тем высокого общественного значения. Импрессионисты великолепно передавали природу, напоенную солнцем и воздухом, радужное мерцание красок и переливы света; они запечатлели на своих полотнах пленительную красочность и динамику современной жизни; они открыли художественную ценность многих мотивов действительности; но они оказались неспособными выразить передовые демократические идеалы своего времени. Социальные, а порой и психологические проблемы перестают интересовать этих художников, и их искусство теряет то активное общественное значение, которое имел во Франции прогрессивный романтизм и демократический реализм. Поэтому уже в связи с импрессионизмом можно говорить об элементах кризиса реалистического искусства, которое лишается подлинно демократического содержания и критической остроты.
Идейная ограниченность этого течения явилась главной причиной кратковременности его расцвета. Период подъема импрессионизма относится к 1870-м и началу 1880-х годов. В 1886 году состоялась последняя выставка импрессионистов, но уже до нее в группе наметились значительные расхождения. И хотя в дальнейшем многие видные мастера импрессионизма еще продолжают работать, они или отходят от принципов этого течения, испытывая неудовлетворенность его ограниченностью (Ренуар), или уже не создают ничего принципиально нового. Для кризиса, который переживает импрессионизм с середины 1880-х годов, показательно, в частности, и то, что многие достижения этого течения, доведенные до крайностей, превращаются в свою противоположность. В это время некоторые художники, все более равнодушные к содержанию своего искусства, все силы отдают живописно-техническим исканиям, нередко сочетая их с декоративными тенденциями (К. Моне). Желание как можно более точно передать солнечный свет приводит их к чрезмерному высветлению палитры, стремление запечатлеть вибрацию воздуха — к злоупотреблению системой раздельных мазков. Упорные технические поиски в области света и цвета нередко ведутся в ущерб пластической форме и рисунку. Многие импрессионисты, отказываясь от сюжетной тематической картины, приходят к этюдности, пренебрегая законченной, продуманной, целостной композицией.
К 1886 году все выдвинутые импрессионизмом задачи были решены. Дальнейшее развитие в сфере узких задач этого направления было невозможно, оно настоятельно требовало постановки новых больших тем, более глубоких проблем, а также большей широты и разнообразия творческого метода.
Зародившись и достигнув наиболее полного расцвета во Франции, импрессионизм с конца 1880-х годов получил распространение и в других странах, где к этому течению примкнули многие видные художники.
Эдгар Дега. С импрессионизмом был тесно связан крупнейший французский художник этого времени Эдгар Дега (1834-1917). Он был одним из организаторов и участников почти всех выставок импрессионистов. Однако в этом течении Дега занимает особое место. С импрессионизмом его роднят стремление запечатлеть динамику современной жизни, интерес к передаче света, некоторые живописно-колористические искания. В то же время очень многое в методе импрессионистов было ему глубоко чуждо. В частности, он не одобрял их приверженности зрительному впечатлению, считая слишком пассивным их подход к действительности. Дега отрицал работу на плейере и почти все свои картины создал в мастерской. Обобщая свои наблюдения натуры, художник всегда стремился передать ее существо и характер. «Нельзя представить себе искусство менее непосредственно, чем мое, — говорил Дега. — Моя работа — это результат размышления, изучения мастеров, это дело вдохновения, характера, терпеливого наблюдения».
Дега прошел академическую школу в мастерской Ламотта. Увлечение Энгром и Пуссеном сказалось во многих ранних работах художника, решенных в классицистическом духе («Состязание спартанских юношей и девушек», 1860, Лондон, Национальная галерея). Уже в этих картинах проявляется присущее Дега отточенное мастерство рисунка, интерес к передаче движения, а также стремление обновить академическую живопись острым наблюдением натуры. В дальнейшем Дега обращается исключительно к изображению современной жизни. Характерные особенности мастерства Дега раньше всего проявились в его портретах, многие из которых могут быть названы в числе лучших образцов реалистического портрета нового времени. Они передают модели правдиво и точно, отличаются серьезностью и тонкостью психологических характеристик, своеобразием композиционных решений, классической строгостью рисунка, утонченным мастерством колорита. Среди них можно назвать портрет семьи Беллели (1860-1862, Лувр), женский портрет (1867, Париж, Лувр), портрет отца художника и гитариста Пагана (ок. 1872г., Чикаго, частное собрание) и поражающий смелостью, живостью и непосредственностью решения портрет Лепика с дочерьми («Площадь Согласия», 1873).
Жанровые работы Дега составляют блестящую картину нравов современного Парижа. Тематика их разнообразна и охватывает многие явления современной действительности. Острота наблюдения и внимательное изучение натуры нередко сочетаются в них с едкой иронией и пессимистическим отношением к изображаемому. Дега часто концентрирует свое внимание на малопривлекательных сторонах действительности и передает их с холодной беспощадностью, присущей его скептическому уму. Это свойственно его картинам, изображающим жизнь богемы, посетителей кафе, певиц, выступающих в кафе-концертах. Так, в известной картине «Абсент» 1876, Лувр) Дега удалось с большой реалистической убедительностью и остротой запечатлеть характерную сцену современной жизни и создать выразительные образы двух опустившихся людей.
Излюбленной темой творчества Дега был театр, балет. Художник с равным мастерством изображает и скучные утомительные будни балерин — уроки, репетиции, сцены в уборных, и красочную, праздничную феерию балетных спектаклей. В этих работах сказывается присущее Дега умение уловить и передать часто преходящие, мгновенные, но всегда характерные позы и движения фигур, мимику лиц.
Внимание Дега привлекали и сцены труда. В многочисленных изображениях прачек (Париж, Лувр; Нью-Йорк, частное собрание) художник сумел передать и тяжесть труда и его утомительное однообразие. В этих работах Дега нередко поднимается до социальных обобщений в характерных и остро переданных образах женщин из народа. Правда, в отличие от Домье, ему не свойственно стремление подчеркнуть моральную силу и достоинство простого человека.
Живописная манера Дега развивается от тщательности выполнения в ранних работах к все большей свободе и широте. В своих живописных исканиях он во многом приближается к импрессионистам; его палитра светлеет, он пользуется чистым цветом, накладывает его раздельными мазками или штрихами (в пастелях). Художник проявляет большой интерес к передаче света (преимущественно искусственного) и воздуха. Последнее особенно сказывается во многих изображениях скачек. Однако приблизительность, однообразие и ограниченность манеры импрессионистов были ему несвойственны. Живописные поиски, технические эксперименты, разработку острых и разнообразных колористических решений Дега сочетал со строгим рисунком и большим вниманием к композиции. При всей их живости, неожиданности и непосредственности композиции Дега всегда тщательно продуманы и мастерски построены.
В поздний период творчества Дега работал преимущественно в технике пастели, часто изображая обнаженную натуру. Это обычно женщины, занятые умыванием, расчесыванием волос, выходящие из ванны, одевающиеся. Художник остро фиксирует в этих работах разнообразные, порой неловкие и некрасивые движения человеческого тела, Все эти произведения отмечены высоким и оригинальным мастерством. Однако почти исключительное обращение Дега к изображению обнаженной натуры свидетельствует об известной идейно-тематической ограниченности его позднего творчества.
Кроме картин маслом и пастелей Дега оставил много произведений в графике. Он выполнил также и ряд скульптур (балерины, жокеи с лошадьми, обнаженная натура), главным образом в конце жизни, когда ввиду почти полной потери зрения был лишен возможности работать в живописи.
Дега оказал большое влияние на многих французских художников конца 19 века, в частности на так называемых «художников Монмартра». Наиболее значительным из последователей Дега был Анри Тулуз-Лотрек (1864-1901), острый рисовальщик и тонкий колорист, много работавший в плакате и создавший в ряде литографий выразительные, нередко сатирические, не лишенные критических черт образы парижской богемы.
Пьер Огюст Ренуар. Совсем иной характер имеет творчество Ренуара (1841-1919) — одного из самых видных представителей импрессионизма. В отличие от Дега это был жизнерадостный художник, запечатлевший в своих полотнах поэтические образы современных парижанок и красочные сцены парижской жизни. Ренуар начал свою художественную деятельность как живописец по фарфору. В мастерской Глейра, где он в течение недолгого времени изучал живопись, Ренуар сблизился с К. Моне и Сислеем, разделяя с ними неприятие академической рутины и увлечение Курбе. Влиянием последнего отмечены многие работы Ренуара, выполненные в 1860-х годах, например «Кабачок тетушки Антонии» (1865, Стокгольм, Национальный музей), портрет Сислея с женой (1868, Кельн, Валлраф-Рихарт музей), «Лиза» (1867, Эссен, Музей Фолькванг). Уже в этих ранних работах Ренуар значительное внимание уделяет передаче света и живописно-колористическим проблемам.
Картины, выполненные в конце 1860-х годов, в частности «Лягушатник» (1868-1869, Москва, ГМИИ), знаменуют начало импрессионистического периода в творчестве художника, когда он выполняет свои наиболее известные произведения. В это время (конец 1860-х и 1870-е гг.) он пишет преимущественно портреты и жанровые картины, уделяя некоторое внимание и пейзажу.
Среди портретов Ренуара наиболее удачны детские и женские. Такие его работы, как «Ложа» (1874, Лондон, Институт Курто), «Девушка с веером» (Эрмитаж), «Портрет мадам Шарпантье с детьми» (1878, Нью-Йорк, Метрополитен-Музей), портрет артистки Самари (1877, Москва, ГМИИ), воссоздают характерные образы современных ему парижанок, их своеобразную, неповторимую прелесть. Эти портреты нельзя назвать психологическими, но они привлекают живописным мастерством и убедительностью передачи моделей, живостью выражения, своеобразной поэтичностью и присущим большинству работ Ренуара ощущением полноты жизни.
Жанровые картины Ренуара не отличаются разнообразием или значительностью тематики. Загородные прогулки парижан, праздники под открытым небом — таковы сюжеты многих его картин. В них, как и во всем творчестве художника, сказывается его жизнерадостное мироощущение и несколько поверхностное, бездумное отношение к действительности. Но их достоинство составляют свежесть и непосредственность трактовки, умение почувствовать поэтическое очарование несложных мотивов, раскрыть живописное богатство действительности. Его колорит становится звучным, разнообразным и радужным, яркий солнечный свет заливает его полотна, пестрая шумная парижская толпа дается в единстве с окружающей световоздушной средой, стирающей контуры фигур и лишающей предметы их пластической определенности («Мулен де ла Галетт», 1876, Париж, Лувр; «Завтрак лодочников», 1881, Вашингтон, галерея Филлипс). Принимая в этот период принципы и метод импрессионизма, Ренуар, однако, сохраняет в полной мере свое индивидуальное мировосприятие и приемы. Его живописная техника сочетает характерный для импрессионистов дробный мазок и лессировки, что придает полотнам Ренуара не только редкое красочное богатство, но и колористическое единство.
В поздний период творчества Ренуар отходит от импрессиони&ма. «Я дошел до пределов импрессионизма и констатировал, что не умею ни писать, ни рисовать», — писал художник в начале 1880-х годов. Проблема передачи света и воздуха занимает его в это время значительно меньше, он уделяет больше внимания композиции, стремится к обобщенности, монументальности, пластической определенности в трактовке фигур. Однако все изменения, наступающие в творчестве художника, касаются исключительно формальной стороны его искусства. В это время Ренуар еще больше ограничивает тематику своего творчества, уделяя преимущественное внимание изображению обнаженной натуры. Увлечение формальными проблемами сочетается с чисто декоративными тенденциями, что приводит в конце концов к значительной условности трактовки форм и колорита во многих поздних работах художника.
Клод Моне. Все особенности импрессионизма нашли наиболее полное выражение в творчестве Клода Моне (1840-1926). Он был вождем этого течения, он первый сформулировал его принципы, разработал программу плейера и характерную для импрессионизма живописную технику. С его именем связаны многие достижения этого течения. И в то же время именно в искусстве Моне особенно отчетливо проявились ограниченность импрессионизма и тот кризис, который он переживает начиная с середины 1880-х годов.
Ранние произведения Моне связывают импрессионизм с реалистическим искусством Курбе, Коро и Добиньи, а также свидетельствуют о влиянии Э. Мане. Это главным образом пейзажи, портреты и фигурные композиции на открытом воздухе: «Завтрак на траве» (1866, Москва, ГМИИ), «Камилла» (1866, Бремен, Музей), «Женщина в саду» (1865-1866, Эрмитаж). Многие из них написаны на пленере, большое внимание художник уделяет в них передаче света. С конца 1860-х годов Моне работает почти исключительно в области пейзажа, передавая в своих полотнах непосредственные впечатления от природы или городского вида, придавая все большее значение передаче освещения и воздуха. Лучший период его творчества — 1870-е годы, когда он создает убедительные и полные настроения картины французской природы, отличающиеся большой свежестью и колористической свободой. В это время он находит многие новые пейзажные мотивы, простые, но привлекательные, вводит в искусство изображение города, площадей и бульваров, оживленных мелькающими экипажами и спешащей толпой. Для выражения этих мотивов художник ищет соответствующие живописные приемы — живой, чистый цвет, трепетный, раздельный мазок («Бульвар капуцинок в Париже», 1873, Москва, ГМИИ, пейзажи, выполненные в Аржантее). Однако в дальнейшем фиксация преходящих световых и атмосферных эффектов часто становится для Моне самоцелью. Форма и очертания предметов растворяются в световоздушной среде, они теряют плотность и материальность, превращаются в зыбкие красочные пятна. Моне стремился к научной точности в передаче воздействия света и воздуха на локальные цвета предметов, изучал законы дополнительных цветов, особое внимание уделяя передаче рефлексов, и на этом пути технических поисков дошел до значительных преувеличений. Формально-техническая сторона вытеснила в его творчестве глубокое познание и раскрытие действительности и заслонила во многих его поздних работах целостный художественный образ. Самый мотив природы перестает интересовать художника и превращается лишь в предлог для передачи цветовых и световоздушных эффектов. Это особенно показательно для творчества Моне начиная с конца 1880-х годов, когда он создает серии пейзажей, изображающих один и тот же мотив в различное время дня: серии стогов, руанских соборов, виды Темзы, Венеции. Восприятие природы в этих работах становится все более субъективным, а стремление передать мимолетные зрительные впечатления приводит к отказу от композиционно построенной картины и замене ее случайным этюдом. Многие поздние работы Моне отмечены не только формально-техническими, но и декоративными исканиями. Это определяет в ряде случаев значительную условность и нарочитость композиционных и цветовых решений (серия «Кувшинок»).
Будучи главой французского импрессионизма, Моне оказал большое влияние на целый ряд художников, примкнувших к этому течению и работавших преимущественно в области пейзажа. Среди них заслуживают упоминания прежде всего Писсарро и Сислей.
Камилл Писсарро. Камилл Писсарро (1830-1903) в ранних работах развивает традиции французского реалистического пейзажа (Курбе, Коро, барбизонцы). Затем, с конца 1860-х годов, сблизившись с Э. Мане и группировавшимися вокруг него молодыми художниками, Писсарро обращается к плейеру, к высветленной, радужной палитре и становится одним из характерных представителей французского импрессионизма. В своих картинах Писсарро изображал улицы Руана и Парижа, его пригороды и окрестности, берега Сены, луга и проселочные дороги. В отличие от других импрессионистов он нередко вводит в свои сельские пейзажи фигуры крестьян. Как и все импрессионисты, Писсарро уделяет много внимания живописным поискам, передаче света и воздуха. Однако свето-воздушные эффекты редко становятся в его картинах главным мотивом. В своих лучших пейзажах Писсарро цельно воспринимает природу, передает богатство и разнообразие ее жизни. Обобщая свои непосредственные впечатления, художник обычно тщательно продумывает композиционное построение пейзажа и умеет придать монументальность самым обыденным мотивам.
Альфред Спелей. Более лиричным было творчество Альфреда Сйслея (1839-1899). Товарищ Моне по мастерской Глейра, он в своих ранних работах примыкал к Коро и Добиньи, а затем стал одним из первых участников выставок импрессионистов. Работая исключительно в области пейзажной живописи, Сислей обычно писал природу Иль де Франса. Его привлекали интимные, непосредственные мотивы — поля, селения, берега рек и каналов, и он умел раскрыть их своеобразие и привлекательность. Сислей обладал тонким чувством цвета, чутко улавливал изменчивость природы, состояния световоздушной среды. Но, принимая метод импрессионизма, он был более сдержанным в своих формально-технических поисках, чем другие импрессионисты, в частности Моне.

Введение

Импрессионизм как явление в искусстве

Импрессионизм в живописи

Художники – импрессионисты

3.1 Клод Моне

3.2 Эдгар Дега

3.3 Альфред Сислей

3.4 Камиль Писсаро

Заключение

Библиографический список

Введение

Данный реферат посвящён импрессионизму в искутсве — живописи.

Импрессионизм – одно из ярчайших и важнейших явлений в Европейском искусстве, во многом определившее всё развитие современного искусства. В настоящее время работы не признаваемых в своё время импрессионистов ценятся очень высоко и их художественные достоинства неоспоримы. Актуальность выбранной темы объясняется необходимостью для каждого современного человека разбираться в стилях искусства, знать основные вехи его развития.

Я выбрала эту тему, потому что импрессионизм был своего рода революцией в искусстве, изменившей представление о произведениях искусства как о целостных, монументальных вещах. Импрессионизм вывел на первое место индивидуальность творца, его собственное видение мира, отодвинул на задний план политические и религиозные сюжеты, академические законы. Интересно, что эмоции и впечатление, а не сюжет и мораль играли главную роль в произведениях импрессионистов.

Импрессионизм (фр. impressionnisme , от impression — впечатление) — направление в искусстве последней трети XIX — начала XX веков, зародившееся во Франции и затем распространившееся по всему миру, представители которого стремились наиболее естественно и непредвзято запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости, передать свои мимолётные впечатления. Обычно под термином «импрессионизм» подразумевается направление в живописи, хотя его идеи также нашли своё воплощение в литературе и музыке.

Термин «импрессионизм» возник с легкой руки критика журнала «Le Charivari» Луи Леруа, который озаглавил свой фельетон о Салоне Отверженных «Выставка импрессионистов», взяв за основу название этой картины Клода Моне.

Огюст Ренуар Лягушатник , Музей Метрополитен, Нью-Йорк

Истоки

В эпоху Возрождения живописцы венецианской школы пытались передать живую реальность, используя яркие краски и промежуточные тона. Их опытами воспользовались испанцы, наиболее отчётливо это выражено у таких художников как Эль Греко, Веласкес и Гойя, чьё творчество впоследствии оказало серьёзное влияние на Мане и Ренуара.

В это же время Рубенс делает тени на своих полотнах цветными, используя прозрачные промежуточные оттенки. По наблюдению Делакруа, Рубенс отображал свет при помощи тонких, изысканных тонов, а тени — более теплыми и насыщенными цветами, передавая эффект светотени. Рубенс не использовал чёрный цвет, что позднее станет одним из основных принципов живописи импрессионистов.

На Эдуара Мане влияние оказал нидерландский художник Франс Халс, писавший резкими мазками и любивший контраст ярких красок и чёрного цвета.

Переход живописи к импрессионизму также подготовили английские живописцы. Во время франко-прусской войны (1870-1871) Клод Моне, Сислей и Писсарро отправились в Лондон, чтобы там иметь возможность изучить великих пейзажистов — Констебла, Бонингтона и Тёрнера. Что же касается последнего, то уже в его поздних работах заметно как исчезает связь с реальным изображением мира и уход в индивидуальную передачу впечатлений.

Сильное воздействие оказал Эжен Делакруа, он уже различал локальный цвет и цвет, приобретаемый под воздействием освещения, его акварели, написанные в Северной Африке в 1832 году или в Этрета в 1835 году, и особенно картина «Море в Дьеппе» (1835) позволяют говорить о нём как о предшественнике импрессионистов.

Последним элементом, который повлиял на новаторов, стало японское искусство. С 1854 года благодаря прошедшим в Париже выставкам молодые художники открывают для себя мастеров японской гравюры таких как Утамаро, Хокусай и Хиросиге. Особое, неизвестное доселе в европейском изобразительном искусстве, расположение изображения на листе бумаге — смещённая композиция или композиция с наклоном, схематическая передача формы, склонность к художественному синтезу, завоевали расположение импрессионистов и их последователей.

Эдгар Дега, Голубые танцовщицы , 1897 , ГМИИ им. Пушкина, Москва

Начало поисков импрессионистов относится к 1860 годам, когда молодых художников уже не устраивают средства и цели академизма, вследствие чего каждый из них самостоятельно ищет иные пути развития своего стиля. В 1863 году Эдуард Мане выставляет в «Салоне отверженных» картину «Завтрак на траве» и активно выступает на встречах поэтов и художников в кафе Гербуа, которые посещали все будущие основатели нового течения, благодаря чему стал главным защитником современного искусства.

В 1864 году Эжен Буден приглашает Моне в Онфлёр, где он прожил всю осень, наблюдая как его учитель пишет этюды пастелью и акварелью, а его друг Йонкинд накладывает краску на свои работы вибрирующими мазками. Именно здесь они научили его работать на пленэре и писать светлыми тонами.

В 1871 году во время Франко-прусской войны, Моне и Писсарро уезжают в Лондон, где они знакомятся с творчеством предшественника импрессионизма Уильямом Тёрнером.

Клод Моне. Впечатление. Восход солнца. 1872, музей Мармоттан-Моне, Париж.

Возникновение названия

Первая важная выставка импрессионистов проходила с 15 апреля по 15 мая 1874 года в мастерской фотографа Надара. Там было представлено 30 художников, всего — 165 работ. Холст Моне — «Впечатление. Восходящее солнце» (Impression, soleil levant ), ныне в Музее Мармоттен, Париж, написанный в 1872 году дал рождение термину «импрессионизм»: малоизвестный журналист Луи Леруа в своей статье в журнале «Le Charivari» для выражения своего пренебрежения обозвал группу «импрессионистами». Художники, из вызова, приняли этот эпитет, впоследствии он прижился, потерял свой первоначальный отрицательный смысл и вошёл в активное употребление.

Название «импрессионизм» достаточно бессодержательное в отличие от названия «Барбизонская школа», где хотя бы есть указание на географическое расположение художественной группы. Ещё меньше ясности с некоторыми художниками, которые формально не входили в круг первых импрессионистов, хотя их технические приемы и средства полностью «импрессионистические» Вистлер,Эдуард Мане, Эжен Буден и т. д.) К тому же технические средства импрессионистов были известны задолго до XIX века и их (частично, ограниченно) использовали ещё Тициан и Веласкес, не порывая с господствующими идеями свей эпохи.

Была еще одна статья (автор Эмиль Кардон) и еще одно название — «Выставка мятежников», абсолютно неодобрительное и осуждающее. Именно оно точно воспроизводило неодобрительное отношение буржуазной публики и критику к художникам (импрессионистам), которое господствовало годами. Импрессионистов сразу обвинили в аморальности, мятежных настроениях, несостоятельности быть добропорядочными. В настоящий момент это вызывает удивление, потому что непонятно, что аморального в пейзажах Камиля Писсарро, Альфреда Сислея, бытовых сценах Эдгара Дега, натюрмортах Моне и Ренуара.

Прошли десятилетия. И новая генерация художников придет к настоящему развалу форм и обнищанию содержания. Тогда и критика, и публика, увидела в осужденных импрессионистах — реалистов, а немного позже и классиков французского искусства.

Импрессионизм как явление в искусстве

Импрессионизм — одно из самых ярких и интересных направлений во французском искусстве последней четверти 19 века, родилось в очень сложной обстановке, отличающейся пестротой и контрастами, что и дало толчок к возникновению многих современных течений. Импрессионизм, несмотря на свою кратковременность оказал существенное влияние на искусство не только Франции, но и других стран: США, Германии (М. Либерман), Бельгии, Италии, Англии. В России влияние импрессионизма испытали К. Бальмонт, Андрей Белый, Стравинский, К. Коровин (наиболее близкий по своей эстетике к импрессионистам), ранний В. Серов, а так же — И. Грабарь. Импрессионизм стал последним крупным художественным движением во Франции XIX века, проложившим грань между искусством Нового и Новейшего времени.

По мнению М. Аплатова, “чистого импрессионизма, вероятно, не существовало. Импрессионизм – не доктрина, он не мог бы иметь канонизированных форм…Французским художникам-импрессионистам в различной степени присущи те или иные его черты». Обычно под термином «импрессионизм» подразумевается направление в живописи, хотя его идеи нашли своё воплощение и в других видах искусства, например, в музыке.

Импрессионизм — это в первую очередь достигшее невиданной утонченности искусство наблюдения действительности, передачи или создания впечатления, искусство, в котором сюжет не важен. Это новая, субъективная художественная реальность. Импрессионисты выдвинули собственные принципы восприятия и отображения окружающего мира. Они стерли грань между главными предметами, достойными высокого искусства, и предметами второстепенными.

Важным принципом импрессионизма был уход от типичности. В искусство вошла сиюминутность, случайный взгляд, создается впечатление, что полотна импрессионистов написаны простым прохожим, гуляющим по бульварам и наслаждающимся жизнью. Это была революция в видении.

Эстетика импрессионизма складывалась отчасти как попытка решительно освободиться от условности классицисткого искусства, а так же от настойчивой символичности и глубокомыслия позднеромантической живописи, предлагавшей во всем видеть зашифрованные смыслы, нуждающиеся в тщательном истолковании. Импрессионизм утверждает не просто красоту повседневной действительности, но и делает художественно значимой постиянную изменчивость окружающего мира, естественность спонтанного, непредсказуемого, случайного впечатления. Импрессионисты стремятся зафиксировать его красочную атмосферу, не детализируя и не растолковывая.

Как художественное течение импрессионизм, в частности в живописи, довольно быстро исчерпал свои возможности. Классический французский импрессионизм был слишком узок, и немногие всю жизнь оставались верными его принципам. В процессе развития импрессионистического метода субъективность живописного восприятия преодолевала предметность и поднималась на все более высокий формальный уровень, открывая пути всем течениям постимпрессионизма, в том числе символизму Гогена и экспрессионизму Ван Гога. Но, несмотря на узкие временные рамки – каких-то два десятилетия, импрессионизм вывел искусство на принципиально иной уровень, оказав существенное влияние на всё: современные живопись, музыку и литературу, а также кинематограф.

Ипрессионизм ввел новые темы; произведения зрелого стиля отличает яркая и непосредственная жизненность, открытие новых художественных возможностей цвета, эстетизация новой живописной техники, самой структуры произведения. Именно эти черты, возникшие в импрессионизме, получают дальнейшее развитие в неоимпрессионизме и постимпрессионизме. Воздействие импрессионизма как подхода к действительности или как системы выразительных приемов нашло почти во всех художественных школах начала XX в., он стал отправной точкой для развития ряда направлений, вплоть до абстракционизма. Некоторые принципы импрессионизма – передача мгновенного движения, текучесть формы – в различной степени проявились в скульптуре 1910-х гг., у Э Дега, о. Родена, М. Голубкиной. Художественный импрессионизм в немалой степени обогатил выразительные средства в литеретуре (П.Верлен), музыке (К. Дебюсси), театре.

2. Импрессионизм в живописи

Весной 1874 года группа молодых художников-живописцев, включающая Моне, Ренуара, Писарро, Сислея, Дега, Сезана и Берту Моризо, пренебрегла официальным Салоном и устроила собственную выставку, став в последствии центральными фигурами нового направления. Она проходила с 15 апреля по 15 мая 1874 г. в мастерской фотографа Надара в Париже, на бульваре Капуцинов. Там было представлено 30 художников, всего — 165 работ. Подобный поступок уже сам по себе был революционным и рвал с вековыми устоями, картины же этих художников на первый взгляд казались еще более враждебными традиции. Потребовались годы, прежде чем эти, впоследствии признанные, классики живописи смогли убедить публику не только в своей искренности, но и в своем таланте. Всех этих очень разных художников объединила общая борьба с консерватизмом и академизмом в искусстве. Импрессионисты провели восемь выставок, последнюю — в 1886 году.

Именно на первой выставке 1874 году в Париже появилась картина Клода Моне, изображающая восход солнца. Она привлекла всеобщее внимание прежде всего необычным названием: «Впечатление. Восход солнца». Но и сама живопись была необычной, она передавала ту почти неуловимую, переменчивую игру красок и света. Именно название этой картины — «Впечатление» — благодаря насмешке одного из журналистов, положило начало целому направлению в живописи, названному импрессионизмом (от французского слова «impression» — впечатление).

Стараясь максимально точно выразить свои непосредственные впечатления от вещей, импрессионисты создали новый метод живописи. Его суть состояла в передаче внешнего впечатления света, тени, рефлексов на поверхности предметов раздельными мазками чистых красок, что зрительно растворяло форму в окружающей световоздушной среде.

Правдоподобность приносилась в жертву личностному восприятию — импрессионисты могли в зависимости от своего видения небо написать зеленым, а траву синей, фрукты на их натюрмортах были неузнаваемы, человеческие фигуры – расплывчаты и схематичны. Было важно не что изображается, а важно “как”. Объект становился поводом для решения зрительных задач.

Характерна краткость, этюдность творческого метода импрессионизма. Ведь только короткий этюд позволял точно фиксировать отдельные состояния природы. То, что ранее допускалось только в этюдах, теперь стало главной чертой завершенных полотен. Художники-импрессионисты всеми силами стремились преодолеть статичность живописи, навсегда запечатлеть всю прелесть ускользающего мгновения. Они начали использовать ассиметричные композиции, чтобы лучше выделить заинтересовавших их действующих лиц и предметы. В отдельных приёмах импрессионистского построения композиции и пространства ощутимо влияние увлечённости своим веком – не античностью как ранее, японской гравюры (таких мэтров, как Кацусика Хокусай, Хиросигэ, Утамаро) и отчасти фотографии, её крупных планов и новых точек зрения.

Импрессионисты также обновили колорит, они отказались от темных, земляных красок и лаков и наносили на холст чистые, спектральные цвета, почти не смешивая их предварительно на палитре. Условная, «музейная» чернота в их полотна уступает место игре цветных теней.

Благодаря изобретению металлических тюбиков для красок, уже готовых и пригодных к переноске, которые заменили старые краски, готовившиеся вручную из масла и порошковых пигментов, художники смогли покинуть свои мастерские, чтобы работать на пленэре. Работали они очень быстро, потому что движение солнца меняло освещение и колорит пейзажа. Иногда они выдавливали краску на холст прямо из тюбика и получали чистые сверкающие цвета с эффектом мазка. Кладя мазок одной краски рядом с другой, они часто оставляли поверхность картин шероховатой. Чтобы сохранить в картине свежесть и разнообразие красок натуры, импрессионисты создали живописную систему, которая отличается разложением сложных тонов на чистые цвета и взаимопроникновением раздельных мазков чистого цвета, как бы смешивающихся в глазу зрителя, цветными тенями и воспринимаются зрителем согласно закону дополнительных цветов.

Стремясь к максимальной непосредственности в передаче окружающего мира, импрессионисты впервые в истории искусства стали писать преимущественно на открытом воздухе и подняли значение этюда с натуры, почти вытеснившего традиционный тип картины, тщательно и неспешно создаваемой в мастерской. В силу самого метода работы на пленэре пейзаж, в том числе открытый ими городской пейзаж, занял в искусстве импрессионистов очень важное место. Главной темой для них стали трепетный свет, воздух, в который как бы погружены люди и предметы. В их картинах чувствовался ветер, влажная, нагретая солнцем земля. Они стремились показать удивительное богатство цвета в природе.

Импрессионизм ввёл в искусство новые темы – повседневную жизнь города, уличные пейзажи и развлечения. Тематический и сюжетный диапазон его был очень широк. В своих пейзажах, портретах, многофигурных композициях художники стремятся сохранить непредвзятость, силу и свежесть «первого впечатления», не вдаваясь в отдельные детали, где мир – вечно изменяющееся явление.

Импрессионизм отличается яркой и непосредственной жизненностью. Для него характерны индивидуальность и эстетическая самоценность полотен, их нарочитая случайность и незавершённость. В целом произведения импрессионистов отличаются жизнерадостностью, увлечённостью чувственной красотой мира

франц.-впечатление): художественное направление, возникшее во Франции в 60 – 70-х годах 19 в. и получившее наиболее яркое воплощение в станковом изобразительном искусстве. Импрессионисты разработали новые живописные приемы – цветные тени, смешение цветов, высветленный колорит, а также разложение сложных тонов на чистые тона (наложение их на холст отдельными мазками порождало их оптическое смешение в глазах зрителя). Они стремились передать красоту мимолетных состояний природы, изменчивость и подвижность окружающей жизни. Эти приемы помогали передавать ощущение сверкающего солнечного света, вибрации света и воздуха, создавали впечатление праздничности бытия, гармонии мира. Импрессионистические приемы использовались и в других видах искусства. В музыке, например, они способствовали передаче самых тонких душевных движений и мимолетных настроений.

Отличное определение

Неполное определение ↓

Импрессионизм

от франц. impression — впечатление) Направление в искусстве, возникшее во Франции в последней трети XIX в. Главные представители И.: Клод Моне, Огюст Ренуар, Камилл Писсарро, Альфред Сислей, Берта Моризо, а также примыкавшие к ним Эдуард Манэ, Эдгар Дега и некоторые другие художники. Выработка нового стиля И. проходила в 60-70-е гг., а впервые как новое направление, противопоставившее себя академическому Салону, импрессионисты заявили о себе на своей первой выставке в 1874 г. В частности, на ней экспонировалась картина К.Моне «Impression. Soleil levant» (1872). Официальная художественная критика негативно отнеслась к новому направлению и в насмешку «окрестила» его представителей «импрессионистами», напоминая об особо раздражавшей их картине Моне. Однако название отражало суть направления, и его предствители приняли его в качестве официального обозначения своего метода. В качестве целостного направления И. просуществовал недолго — с 1874 по 1886 г., когда импрессионистами было организовано 8 совместных выставок. Официальное признание же ценителями искусства и художественной критикой пришло значительно позже — только в середине 90-х гг. И. оказал, что стало очевидно уже в следующем столетии, огромное воздействие на все последующее развитие изобразительного искусства (да и художественной культуры в целом). Фактически с него начался принципиально новый этап художественной культуры, приведший в сер. ХХв. к ПОСТ-культуре (см.: ПОСТ-), т. е. к переходу Культуры в какое-то принципиальное иное качество. О.Шпенглер, распространивший понятие И. на культуру, считал его одним из типичных признаков «заката Европы», т. е. разрушения целостности мировоззрения, разрушения традиционно сложившейся европейской культуры. Напротив, авангардисты (см.: Авангард) начала XX в. видели в И. своего предтечу, открывшего перед искусством новые горизонты, освободившего его от внехудожественных задач, от догм позитивизма, академизма, реализма и т. п., с чем нельзя не согласиться. Сами импрессионисты, как чистые живописцы, не думали о столь глобальном значении своего эксперимента. Они даже не стремились к особой революции в искусстве. Просто они увидели окружавший их мир несколько по-иному, чем видели его официальные представители Салона, и попытались закрепить это видение чисто живописными средствами. При этом они опирались на художественные находки своих предшественников — прежде всего, французских живописцев XIX в. Делакруа, Коро, Курбе, «барбизонцев». На К.Моне, посетившего в 1871 г. Лондон, сильное впечатление произвели работы У.Тернера. Кроме того, сами импрессионисты называют среди своих предшественников и французских классицистов Пуссена, Лоррена, Шардена, и японскую цветную гравюру XVIII в., а искусствоведы усматривают черты близости к импрессионистам и у английских художников Т.Гейнсборо и Дж. Констебля, не говоря уже о У.Тернере. Импрессионисты абсолютизировали ряд живописных приемов этих очень разных художников и создали на этой основе целостную стилевую систему. В противовес «академистам» импрессионисты отказались от тематической заданности (философской, нравственной, религиозной, социально-политической и т. п.) искусства, от продуманных, заранее осмысленных и четко прорисованных сюжетных композиций, т. е. начали борьбу с засилием «литературщины» в живописи, сосредоточив главное внимание на специфически живописных средствах — на цвете и свете; они вышли из мастерских на пленэр, где стремились за один сеанс начать и кончить работу над конкретным произведением; они отказались от темных цветов и сложных тонов (земляных, «асфальтовых» цветов), характерных для искусства Нового времени, перейдя на чистые яркие цвета (палитра их ограничивалась 7-8 красками), положенные на холст часто раздельными мазками, сознательно рассчитывая на их оптическое смешение уже в психике зрителя, чем достигался эффект особой свежести и непосредственности; вслед за Делакруа освоили и абсолютизировали цветную тень, игру цветовых рефлексов на различных поверхностях; дематериализовали предмет видимого мира, растворив его в свето-воздушной среде, которая составила главный предмет их внимания как чистых живописцев; они фактически отказались от жанрового подхода в изобразительном искусстве, сосредоточив все внимание на живописной передаче своего субъективного впечатления от случайно увиденного фрагмента действительности — чаще пейзажа (как у Моне, Сислея, Писсарро), реже сюжетных сценок (как у Ренуара, Дега). При этом передать впечатление они стремились часто с почти иллюзионистической точностью соответствия цвето-свето-воздушной атмосфере изображаемого фрагмента и момента видимой реальности. Случайность угла зрения на высвеченный художническим видением фрагмент натуры, внимание к живописной среде, а не к предмету, приводили их нередко к смелым композиционным решениям, острым неожиданным углам зрения, срезам, активизирующим восприятие зрителя, и т. п. эффектам, многие из которых впоследствии были использованы представителями самых разных течений авангарда. И. стал одним из направлений «чистого искусства» в к. ХIХв., представители которого главным в искусстве считали его художественно-эстетическое начало. Импрессионисты ощутили невыразимую словами красоту свето-цвето-воздушной среды материального мира и попытались почти с документальной точностью (за это их и обвиняют иногда в натурализме, что по крупному счету вряд ли правомерно) запечатлеть это на своих полотнах. В живописи они своего рода оптимистические пантеисты, последние певцы беспечной радости земного бытия, солнцепоклонники. Как писал с восхищением неоимпрессионист П.Синьяк, у них «солнечный свет заливает всю картину; воздух в ней колышется, свет обволакивает, ласкает, рассеивает формы, проникает всюду, даже в область тени». Стилевые особенности И. в живописи, особенно стремление к утонченному художественному изображению мимолетных впечатлений, принципиальная эскизность, свежесть непосредственного восприятия и др. оказались близкими и представителям других видов искусства того времени, что привело к распространению этого понятия на литературу, поэзию, музыку. Однако в этих видах искусства не было специального направления И., хотя многие его черты встречаются в произведениях целого ряда писателей и композиторов последней трети ХIХ- нач. XX в. Такие элементы импрессионистической эстетики как расплывчатость формы, фиксация внимания на ярких, но случайных мимолетных деталях, недосказанность, туманные намеки и т. п., присущи творчеству Г. де Мопассана, А-П.Чехова, раннему Т.Манну, поэзии Р.-М.Рильке, но особенно — братьям Ж. и Э. Гонкур, представителям так называемого «психологического И>, частично — К. Гамсуну. На импрессионистические приемы опирались, существенно развивая их, М.Пруст и писатели «потока сознания». В музыке импрессионистами считают французских композиторов К.Дебюсси, М.Равеля, П.Дюка и некоторых др., применявших стилистику и эстетику И. в своем творчестве. Их музыка наполнена непосредственными переживаниями красоты и лиричности пейзажа, почти имитацией игры морских волн или шелеста листьев, буколической прелестью древних мифологических сюжетов, радостью сиюминутной жизни, ликованием земного бытия, наслаждением бесконечными переливами звуковой материи. Как и живописцы, они размывают многие традиционные музыкальные жанры, наполняя их иным содержанием, усиливают внимание к чисто эстетическим эффектам музыкального языка, существенно обогащая палитру выразительно-изобразительных средств музыки. «Это относится прежде всего, — пишет музыковед И.В.Нестьев, — к сфере гармонии с ее техникой параллелизмов и прихотливым нанизыванием неразрешающихся красочных созвучий-пятен. Импрессионисты заметно расширили современную тональную систему, открыв путь многим гармоническим новшествам XX в. (хотя и заметно ослабили четкость функциональных связей). Усложнение и разбухание аккордных комплексов (нонаккорды, ундецимаккорды, альтернативные квартовые созвучия) сочетаются у них с упрощением, архаизацией ладового мышления (натуральные лады, пентатоника, целотонные комплексы). В оркестровке композиторов-импрессионистов преобладают чистые краски, капризные блики; часто применяются соло деревянных духовых, пассажи арф, сложные divisi струнных, эффекты con sordino. Типичны и чисто декоративные, равномерно текучие остинатные фоны. Ритмика подчас зыбка и неуловима. Для мелодики характерны не закругленные построения, но короткие выразительные фразы-символы, напластования мотивов. При этом в музыке импрессионистов необычайно усилилось значение каждого звука, тембра, аккорда, раскрылись безграничные возможности расширения лада. Особую свежесть музыке импрессионистов придало частое обращение к песенно-танцевальным жанрам, тонкое претворение ладовых, ритмических элементов, заимствованных в фольклоре народов Востока, Испании, в ранних формах негритянского джаза» (Музыкальная энциклопедия. Т. 2, М., 1974. Стб. 507). Поставив в центр внимания художника изобразительно-выразительные средства искусства и акцентировав внимание на гедонистически-эстетической функции искусства, И. открывал новые перспективы и возможности перед художественной культурой, которыми она и воспользовалась в полной мере (и даже иногда чрезмерно) в XX столетии. Лит.: Вентури Л. От Мане до Лотрека. М., 1938; Ревальд Дж. История импрессионизма. Л.-М., 1959; Импрессионизм. Письма художников. Л., 1969; Serullaz M. Encyclopedie de limpressionnisme. P., 1977; Montieret S. Limpressionnisme et son epoque. T. 1-3. P., 1978-1980; Kroher E. Impressionismus in der Musik. Leipzig. 1957. Л.Б.

Характерные черты импрессионизма. Каталог рефератов

Импрессионизм (фр. impressionisme, от impression — впечатление) — художественный стиль в искусстве последней трети XIX — начала XX века, оказавший огромное влияние на все последующее искусство. Представители его стремились передать непосредственное впечатление от окружающего мира, изменчивые состояния природы. Импрессионизм зародился в 1860-х годах во Франции, когда художники внесли в живопись многообразие и сложность городского быта, свежесть и непосредственность восприятия мира. Для их произведений характерно изображение случайных ситуаций, смелость композиционных решений, кажущаяся неуравновешенность, фрагментарность композиции, неожиданные точки зрения, ракурсы, срезы фигур рамой. Семейный живописном импрессионизма многообразия нюансов чувств и настроений оказывается в поэзии и музыке

Во второй половине прошлого века (начало 70-х гг.) Во Франции начала работать группа молодых художников. Впервые в истории искусства художники сделали для себя правилом писать не в мастерской, а под открытым небом: на берегу реки, в поле, в лесу.

После выставки в Париже этих художников стали называть импрессионистами, от французского слова ‘impression’-что значит’ впечатление ‘. Это слово подходило к их работам, потому что в них художники передавали свое непосредственное впечатление от увиденного. Художники по новому подошли к изображению мира. Главным для них стали трепетный свет, воздух, в который как бы погружены фигуры людей и предметы. В их картинах чувствовался ветер, влажная после дождя, нагретая солнцем земля. Они стремились разглядеть и показать удивительное богатство цвета в природе. Импрессионизм был последним крупным художественным движением во Франции 19 века.

Нельзя сказать, что путь художников-импрессионистов был легок. Сначала их не признавали, их живопись казалась слишком смелой и необычной, над ними смеялись. Никто не хотел покупать их картин. Но они упорно шли своим путем. Ни бедность, ни голод не могли заставить их отказаться от своих убеждений.

Прошло много лет, некоторых из художников-импрессионистов уже не было в живых, когда наконец их искусство было признано.

В русле этого направления работал один из крупнейших французских художников 19 века Эдуард Мане (1832—1883). До того свежестью и чистотой тонов изображал Манэ уголки Парижа, шумные бары, образы своих современников, не сложные по мотивам натюрморты. Любая его картина поражает острой наблюдательностью, свободой и легкостью мазка, смелой изысканностью красочных сочетаний, Это был художник-новатор, нередко подвергавшийся нападкам официальной французской критики. Впрочем, это пришлось испытать всем импрессионистам, признание и слава к которым пришли не сразу.

Одним из мастеров импрессионизма был Клод Моне (1840—1926). Он работал главным образом в области пейзажа. Моне и близкие к нему художники — Ренуар, Писарро и Сислей — обратили внимание на то, что тот же пейзаж представляется совсем иным в солнечный или облачный день, при утреннем или вечернем свете. Заметив также, что тени от предметов вовсе не черные, а имеют определенную окраску, они изгнали черный цвет со своей палитры.

Моне писал тот же вид в разное время суток. Таковы его серии ‘Стога сена’ и ‘Руанский собор’. Быстрыми будто небрежными мазками Моне писал колышущееся от ветерка поле и полную движения улицу Парижа. Он прекрасно умел передать на полотне и знойное марево летнего дня, и влажный снег мягкой французской зимы.

Жизнерадостное восприятие мира, присуще в целом всему импрессионизму, особенно отчетливо проявилось в творчестве одного из крупнейших представителей этого направления Огюста Ренуара (1841—1919). Его привлекали молодые свежие лица, естественные, непринужденные позы. В сделанных им портретах нет психологической глубины, но сходство с оригиналом в них установлено тонко, привлекает живой блеск глаз, нежные отсветы окружающих красочных тонов на коже лица. Одно из значительных полотен Ренуара — ‘Бал в саду Мулен де ла Галет’. Художник как будто зафиксировал свое мгновенное впечатление от пестрой подвижной массы людей. Трудно на расстоянии рассмотреть каждый предмет во всех деталях, и Ренуар рисует их лишь в общих чертах, словно глядя издали. Он, как и другие импрессионисты, отказался от тщательного выписывания формы каждого предмета, сосредоточив внимание на передаче этой формы в трепетных бликах того или иного освещения.

Ряд новых творческих задач поставил перед собой Эдгар Дега (1834—1917). Он примыкал к направлению импрессионистов, хотя его живописные приемы были иными. В центре искусства этого художника стоит изображение человека. Он писал людей различных общественных слоев: модисток, прачек и гладильщиц за работой, балерин в минуты отдыха, на репетициях или во время выступлений на сцене; бытовые сценки — в кафе, на улице, на скачках.

Дега умел подметить необычный выразительный жест, найти редкий угол зрения (сверху или сбоку), сообщающий изображению остроту и новизну. При первом взгляде на его полотна кажется, что это случайно увиденный, как бы выхваченный кусок действительности. На самом деле в них все тщательно продумано. Вот этой четкой композицией, а также внимание к определенности и четкости линий произведения Дега отличаются от работ других импрессионистов.

Одновременно с импрессионистами в 80-х гг Во Франции выступает со своими картинами голландец Винсент Ван-Гог (1853—1890), искусство которого теснейшим образом связано с развитием французской живописи. Обладая яркой самобытной индивидуальностью, Ван-Гог выработал свою собственную живописную манеру. Человек напряженной внутренней жизни, заостренных чувств, художник не мог смириться с окружающей действительностью, полной противоречий и несправедливости. Образы его картин окрашены пессимистическими и тревожными настроениями. Любой портрет, пейзаж или натюрморт наполнен у Ван-Гога теми беспокойными чувствами, которые обуревали и его самого. Он достиг небывалого до сих пор в искусстве эмоционального воздействия цвета, динамичности мазка и линий, острой выразительности форм. В его картине ‘Кафе вечером’ интенсивно синее небо кажется зловеще мрачным, несмотря на огромные сияющие звезды. Пронизывающе-ярким, лимонно-желтым светом залито уличное кафе. В нем сидят посетители, по улице идут прохожие, но над всем господствует настроение пустынности и тоскливого одиночества. То же настроение присутствует и в картине ‘Ночной кабачок в Арле’.

При жизни Ван-Гога его картины не встретили признания и были высоко оценены лишь впоследствии.

Позднее признание получило и творчество Поля Сезанна (1839—1906). Опираясь на отдельные завоевания импрессионистов, он во многом отходит от них, создав свою особую манеру. Художник стремился найти постоянный, не зависящий от освещения в данный момент цвет изображаемого предмета. Сущностью его исканий была передача формы соотношениями красочных тонов. ‘Цвет лепит предметы’, — говорил Сезанн. Так, в ‘Натюрморте с персиками и грушами’ форма каждого предмета передана тончайшими градациями цвета, а композиционное расположение продуманно во всех деталях.

Все кажется материально ощутимым и объемным. Но, завоевав эти качества, живопись Сезанна утратила, однако, конкретность в изображении реальных предметов. Часто в его произведениях нельзя понять, какие именно фрукты изображены, какие взяты ткани, из чего сделан тот или иной предмет. Эти элементы абстрагирования, заложенные в самом методе Сезанна, привели впоследствии искусство его последователей к полной условности форм и отвлеченности.

Поиски своего особого пути в искусстве характеризуют и творчество Поля Гогена (1848—1903). Подобно Ван-Гогу, он тоже хотел протестовать своим искусством против окружающей действительности. Но он не боролся с ее пороками, а бежал от них. В1891 г. Гоген уезжает на Таити — один из островов Тихого океана. Художника пленяет экзотическая природа этого острова, а жизнь таитянских племен, нетронутых современной цивилизацией, привлекает его своей наивностью и чистотой. В картине ‘Таитянка, держащая плод’ силуэт женщины очерчен простыми и ясными контурами.

Художник любуется ее спокойным смуглым лицом, естественной грацией позы. Узор юбки напоминает форму ветвей и листьев над головой женщины. Гоген не стремится к оптической верности в передаче окружающего мира. Он пишет не столько то, что видит, сколько то, что хочет увидеть вокруг себя. Картины Гогена по своей плоскостности, орнаментальности и яркости красок напоминают декоративные ткани и в определенной степени — искусство восточных народов. Кроме того, Гоген вызвал своим творчеством большой интерес к культуре неевропейских народов, и это составляет его несомненную заслугу.

Итак, как видим, импрессионизм — это художественный стиль в искусстве последней трети XIX — начала XX века, оказавший огромное влияние на все последующее искусство. Характерными признаками его является то, что его представители стремились передать непосредственное впечатление от окружающего мира, изменчивые состояния природы.

Использованная литература:

Искусство современности и прошлого. — К., 2001.

Украинская и зарубежная культура. — К., 2000.

Испанский импрессионизм – существует ли он на самом деле? – Студенческий союз МГИМО МИД России

В октябре 2019 года в Музее русского импрессионизма открылась выставка «Импрессионизм и испанское искусство». Это уникальный выставочный ансамбль, на котором впервые в подобном объеме представили испанскую живопись рубежа 18-19 веков. Но могут ли эти полотна претендовать на соответствие жанру импрессионизма? #mgimorecommended

На выставке представлены работы 18 испанских художников, среди которых и «Белый павлин» Эрмена Англада-Камараса, и «Пропасть, Мальорка» Жоакима Мира, и «Сорванцы на пляже» Хоакина Соролья, а также мой личный фаворит – «Кусты роз» Игнази Мальола. Деятельность художников тесно связана с работами французских импрессионистов, что мы можем проследить в ряде биографий. Так, например, Ричард Гино, чья единственная скульптура представлена на выставке, работал бок о бок с Огюстом Ренуаром. С 1913 года Ренуар не занимался скульптурой, так как к этому времени уже страдал ревматизмом и едва ли мог держать в руках кисть или глину. Именно в то время Гино помог ему создать более двадцати скульптур. Работа, представленная на выставке, является портретом самого Ренуара. Интересно, как Гино смог отобразить разыгравшуюся болезнь великого художника – тут и изможденное лицо, и укрупненные суставы на пальцах, и привязанная к руке кисть.

Тесную взаимосвязь с французским искусством можно увидеть и в творчестве Пере Изерна. Особенно известны его эксперименты с естественным освещением. Художник часто писал виды Парижа и Сены, мастерски используя технику импрессионизма в изображении водной глади.

Весьма популярной темой испанской живописи был бой быков. В довольно интересной манере данный сюжет показан Рамоном Казасом в картине «Арена для боя быков». Автор использует короткие энергичные мазки, буквально наслаивая красочные пятна друг на друга. Так, он подчеркивает свою заинтересованность в зрителях, в их волнительном ожидании исхода боя. Если подойти к картине сбоку, то мы можем буквально рассмотреть объемный рельеф  изображения.

Русское сообщество с интересом наблюдало за деятельностью испанских живописцев. Илья Репин писал: «По мастерству исполнения положительно нет никого между современными европейскими живописцами, кто мог бы посоперничать с Фортуни». В последний год своей жизни испанский художник увлекся созданием небольших этюдов на пленэре, и именно в это время состоялась революция в искусстве – открытие первой выставки импрессионистов в фотоателье Надара в 1874 году. На выставке мы можем увидеть его картину «Улица Гранателло в Портичи», где при помощи игры света и тени в композиции, а также техники легкого мазка, автор создал эффект прозрачности изображения.

Интересно, что хоть и все художники перенимали особенности изображения французских импрессионистов, полного копирования данного стиля мы не наблюдаем ни на одном полотне. Испанские творцы смогли соединить разные техники импрессионистов (создание «светящихся» объектов, пуантилизм, непрозрачные краски и наложение оттенков) с национальными особенностями сюжетов и выбора цветов. Поэтому, называя испанских художников импрессионистами, мы должны учитывать их самобытность и колорит.

Выставка в музее продлится до 26 января. Очень рекомендую выбрать время и посетить ее в составе экскурсионной группы, чтобы узнать еще больше интересных фактов о деятельности испанских художников 19 века.

Текст: Ангелина Селезнева, 3МЖ
Редактор: Софья Шашлова, 4МЖ
Пресс-служба Студенческого союза МГИМО

---

Посмотрите также:

• Всероссийская форумная кампания – 2019

  Ежегодно Федеральное агентство по делам молодежи проводит различные форумы на всей территории России. Этим летом Росмолодежь организует 4 крупных проекта, которые объединят несколько тысяч молодых…

АМЕРИКАНСКАЯ ЖИВОПИСЬ. Часть 3. ИМПРЕССИОНИЗМ.

Вот и добралась, наконец, до своей с юности любимой темы, которой посвящаю основное время в поездках по странам, в чтении книг и «копании» в интернете – ИМПРЕССИОНИЗМ. До этой поры я была знакома только с европейским вариантом этого направления в живописи, работая же над этим материалом, поразилась тому количеству американских художников, которые не только следовали в фарватере европейских тенденций, но и развивали их, придавая им местный колорит.

Особенностью американского импрессионизма является выбор сюжетов: лиричных пейзажей, сентиментальных сцен с женщинами и детьми, сцен работы и коммерции, интимные сцены домашнего уюта – выбор этот, в отличие изображения каждодневной жизни города, его улиц, театров и кафе французскими импрессионистами, связан с протестантской этикой, национальными чертами американцев.

Кроме того, «американские художники считали самоценностью сам импрессионистический метод, а понимание импрессионизма как способа мировосприятия приходит лишь в начале ХХ века». (Сосницкая О. А. «ИМПРЕССИОНИЗМ В ИСКУССТВЕ США: ОСОБЕННОСТИ СТАНОВЛЕНИЯ И РАЗВИТИЯ», Киев, 2012)
В 70-х годах 19 века многие начинающие американские художники уезжали получать образование в Европу и не могли не попасть под влияние нового, расцветающего там направления в живописи – импрессионизма, который в Америке к концу девятнадцатого века тоже пустил свои корни не на пустом месте. Базой для его развития стала мощная школа реалистической живописи, сложившаяся во второй половине века, и пейзажная живопись художников «Школы реки Гудзон. Важной вехой в развитии импрессионизма в Америке стала выставка французских импрессионистов в 1886 году, где было представлено более 300 работ «классиков» течения. Прорыв живописи импрессионистов в США привнес множество новых идей и техник в творчество американских художников. Основанная еще в 1877 году Ассоциация американских художников поддерживала материально молодых художников, обучавшихся в Европе.

Одним из основоположников американского импрессионизма был Уильям Мерритт Чейз (1849-1919).

Он родился в семье местного купца, работал продавцом в семейном бизнесе, рано проявил интерес к искусству, обучался сначала у местных художников-самоучек и продолжил свое образование в Национальной Академии дизайна. Его талант заинтересовал одного богатого мецената, и он послал молодого Чейза на двухлетнее обучение в Европу, предложив за это подобрать там для своей коллекции картины европейских художников. Чейз учился в Мюнхене, побывал в Италии и вернулся в Америку уже умелым, представлявшим новое направление в живописи, европейски образованным художником.

Кроме творчества он увлекся преподавательской работой, учил своих студентов пленэрной живописи, сам пробовал себя и в портрете, и в натюрморте. Сегодня его работы имеются в большинстве американских музеев.

Мэри Кассат (1844-1926)

из семьи брокера и дочери банкира, рано начала ездить с родителями за рубеж, побывала во многих европейских столичных музеях. Семья была против ее занятий живописью, но она начала обучение живописи в Америке и продолжила самостоятельно учиться в музеях Италии, а в Париже вместе с Камилем Писсаро.

Творчество и знакомство с Дега привело ее к импрессионизму, она полюбила пастель, участвовала в выставках.

Но смерть сестры и болезнь матери изменили ее настроение, и к концу 80-х годов она сменила стиль и отошла от движения импрессионистов.

Фредерик Чайльд Хассам (1859-1935) начал рисовать с детства, посещал уроки рисования, а позже стал учеником гравера по дереву, где и проявился его художественный талант. В 20 лет он начал писать маслом, но его любимым средством живописи была акварель. В начале своего творческого пути он в основном выполнял иллюстрации для журналов: рисовал городские виды, писал пейзажи на пленэре. Во время своей первой поездки в Европу Хассам был потрясен богатством и разнообразием европейского художественного наследия, а после второй поездки решил вплотную заняться живописью, оставив иллюстрации.

Он уезжает с женой в Париж, берет там уроки рисования, парижские улицы становятся темой его картин, а техника все больше склоняется к импрессионизму.

Вернувшись в Америку Хассам продолжает писать городские пейзажи, тщательно избегая бедных кварталов, и сельские виды Коннектикута и Массачусетса.

Уехав во время кризиса конца века в Европу, он изучает работы старых мастеров, много пишет, а палитра становится светлее и легче.

Джон Сингер Сарджент (1856-1925), родился в семье врача во Флоренции, где его родители оказались проездом,

они много времени проводили в Европе, мать верила в то, что посещение музеев и храмов даст детям достаточное образование. Мать сама была прекрасным художником- самоучкой, да и отец иллюстрировал медицинские журналы. Мальчик рано начал рисовать, копируя изображения морских пейзажей и судов из журналов. Не получив регулярного образования, он тем не менее говорил на нескольких языках и был знаком с творчеством великих мастеров. После обучения у молодого Карла-Дюрана Сарджент был принят в Школу изящных искусств в Париж, занимался самообразованием, рисовал в музеях,

побывал в Италии, в Испании «заболел» Веласкесом, познакомился с Дега, Роденом, Моне, общался с американскими художниками. Первоначальное увлечение пейзажем сменилось интересом к портретам, которые принесли ему славу и высокие заработки. Он жил и рисовал в Париже, Италии, Америке, Лондоне, где у него была своя студия.

Сарджент считается ведущим портретистом своего времени в реалистическом стиле, а пейзажи и сцены на пленэре он писал в импрессионистском, он написал за свою жизнь около 900 картин, более 2000 акварелей, огромное количество эскизов и рисунков углем.

Коллекции его работ имеются во многих музеях мира, высоко ценятся, например «Сиеста» была продана в 2004 году за $23 млн. долларов.

Джон Генри Тоуктмен (1853-1902), родился в Цинциннати и там же получил свое первое художественное образование. Как и многие его соотечественники, решил продолжить обучение в Европе, сначала в Мюнхене, а позже в Париже, побывал в Венеции,

изучал литографию, рисовал на пленэре, писал маслом и акварелью. В 1886 году Тоуктмен вернулся в Америку и поселился в Коннектикуте, в колонии художников, играя там важную связующую миротворческую роль благодаря своему общительному и спокойному характеру.

В течение жизни его техника изменялась, но основное, импрессионистическое, направление преобладало в его пейзажах, изображавших окрестности, его сад и хозяйство.

Умер Тоуктмен скоропостижно от аневризмы в мозгу в возрасте 49 лет, оставив после себя множество акварелей, гравюр и картин маслом.

Теодор Робинсон (1852-1896), один из первых американских импрессионистов, известен своими пейзажами, некоторые его работы признаны шедеврами американского импрессионизма.

Начальное художественное образование он получил в Чикаго, затем в Национальной академии дизайна в Нью-Йорке, а затем отправился в Париж в Школу изящных искусств, где впервые выставил в салоне свои картины.

После поездки по Италии Робинсон вернулся в 1879 году в Америку, его работы тех лет ближе к реализму, изображают людей, занятых трудом. Через пять лет он уехал опять во Францию и провел там 8 лет, живя в Живерни, подружившись с Клодом Моне и вдохновляясь его творчеством.

Там он создал те работы, которые историки искусства считают его лучшими картинами – окрестности при различной погоде в традиции пленэра. Вернувшись в Америку, Робинсон много преподает в разных художественных школах, его авторитет импрессиониста влияет на многих начинающих художников. Он всю жизнь вел дневники, которые представляют большой интерес для искусствоведов и хранятся в Коллекции Фрика. В последний год своей жизни он написал эссе о Коро и Моне, снабдив их своими иллюстрациями. Он умер от приступа астмы в самом расцвете своего таланта.
Эдмунд Чарльз Тарбелл (1862-1938) родился в семье эмигрантов из Англии, его отец умер от брюшного тифа, когда ребенку был всего год, мать вторично вышла замуж и оставила двоих детей на воспитание своим родителям. Тарбелл получил первичное художественное образование в вечерней школе искусств в Массачусетсе, затем работал в Литографической компании и поступил в Школу при Музее искусств в Бостоне.

Его талант заметили и предложили продолжить образование в Париже. В 1883 году он начинает там свое обучение, много копирует старых мастеров в Лувре и одновременно попадает под влияние движения импрессионистов, что сказалось на его дальнейшем творчестве.

Тарбелл путешествует по Италии, Германии, Бельгии и Франции, а вернувшись 1885 году в Бостон, работает художником-оформителем и дает частные уроки рисования. Он давал своим ученикам не только серьезную теоретическую базу, но и обучал разным техникам живописи и даже скульптуре. Его влияние на развитие импрессионизма в Бостоне было настолько велико, что его последователей даже называли «тарбеллистами».

Чаще всего моделями Тарбеллу служили его жена и дочь для отражения хроники своей семейной жизни. Он писал портреты многих известных людей своего времени – промышленника и создателя частного музея Генри Фрика, президента Вудро Вильсона и других.
Джулиан Олден Вейр (1852-1919) родился в Вест-Пойнте в семье художника-реалиста, профессора рисования Военной академии. Его старший брат тоже был художником и профессором живописи. Молодой Вейр обучался в Национальной академии дизайна а затем в школе изящных искусств в Париже у знаменитого французского художника Жана-Леона Жерома. Первое его впечатление от импрессионизма было негативным: «Я никогда не видел более ужасных вещей…» — писал он родителям, не понимая и не принимая новое направление.

Возвратившись в Нью-Йорк, Вейр впервые участвовал в выставке в Национальной академии, писал портреты и преподавал. Постепенно он начинает терять свое стойкое отвращение к импрессионизму и даже приобретает две картины Эдуарда Мане. Вейр покупает ферму в Коннектикуте, на которой очень любит бывать и рисовать пейзажи,

знакомится там с художниками Рейдером и Тоуктменом, с которым вместе выставляется и удачно продает картины. Постепенно к 1891 году его работы все яснее говорят о принятии им импрессионистического стиля,

его палитра становится более легкой и пастельной, а выставка 1893 года выставка, в которой участвовали и работы Клода Моне, показала, что мир искусства Америки обогатился новым направлением в живописи. Сегодня работы Джулиана Вейра находятся в коллекциях крупнейших музеев.
Фрэнк Уэстон Бенсон (1862-1951) родился в Салеме, в семье известного хлопкового брокера, уделявшего большое внимание развитию своих детей и выделявшего даже еженедельное пособие на их увлечения. От своего деда-капитана мальчик заразился любовью к морю, уже в 12 лет самостоятельно управлял парусником.

Отец подарил ему ружье, привил интерес к орнитологии (он даже хотел стать орнитологом-иллюстратором), приучил к охоте и спорту, а от матери юный Фрэнк и его брат унаследовали художественные способности. Бенсон обучался рисованию в Бостоне и Салеме, писал пейзажи и птиц,

а к совершеннолетию родители сделали ему подарок – деньги на учебу в Европе, и он поехал в Париж в Академию Жюльена. После учебы он отправился в Лондон, на него оказали большое влияние работы Вермеера и Веласкеса как портретистов, а работы Клода Моне сыграли свою роль позже в развитии собственной импрессионистской манеры – в цветовой палитре и изображении «отраженного света». Бенсон долгое время работает в реалистическом стиле, а его акварели напоминают работы Уинслоу Хомера.

Только после присоединения к «Десяти американским художникам» (см. ниже) он отходит от декоративной живописи (росписи для Библиотеки Конгресса) и аллегорий к пленэрной живописи в импрессионистском духе.

Его картина «Сестры» стала прелюдией к дальнейшему успеху в ближайшие 20 лет. Благодаря своей преподавательской деятельности, своему творчеству и активности в профессиональных организациях художников, он становится одним из лидеров американского импрессионизма.

Роберт Льюис (Рид) Рейд (1862-1929) родился в Стокбридже, обучался в Школе Музея изящных искусств в Бостоне, затем в Лиге студентов-художников в Нью-Йорке, а в 1885 году отправился в Париж учиться в Академии Жюльена.

В своих ранних работах он изображал в основном французских крестьян. Вернувшись в Нью-Йорк, преподаёт и пишет портреты главным образом молодых женщин в окружении цветов,

создает декоративные росписи и витражи. Его работы есть в Библиотеке Конгресса, здании парламента в Бостоне, в Апелляционном суде Нью-Йорка, а на Парижской выставке 1900 года американский павильон был украшен его фресками. К сожалению, некоторые его работы утеряны, например 8 огромных фресок Дворца изящных искусств для Международной выставки в Сан-Франциско, украшавших потолок ротонды, исчезли после его восстановления.

Уиллард Лерой Меткальф (1958-1925), родился в рабочей семье, уже в 18 лет открыл студию в Бостоне и сумел получить стипендию в Школе Музея изящных искусств. В 1882 году молодой Меткальф провел выставку в Бостоне и сумел, удачно продав картины, финансировать свою учебу в Париже.

Пять лет он учился и путешествовал, побывал в Лондоне, рисовал в Живерни в традиционной манере сцены из крестьянской жизни, поездил по Алжиру и Тунису.

Вернувшись в Америку, он вскоре открывает студию в Нью-Йорке и работает художником-портретистом, иллюстратором и педагогом. Он вместе с друзьями-художниками из группы «Десяти» участвует в росписи фресок для здания суда в Нью-Йорке, пишет пейзажи,

характеризующиеся легкостью палитры и свежестью исполнения. Позже, часто проводя зимы в Корнише, он пишет много снежных пейзажей,

живет и рисует в Вермонте, Коннектикуте и Мэне, успешно участвует в выставках и сам проводит свои персональные выставки.

Импрессионизм некоторое время не был признан в США, многие художники, коллекционеры и продавцы не воспринимали это новое художественное явление, но такие активные художники, как Чейз, Хассам, Сарджент и другие смогли легализовать импрессионизм в американском культурном обществе, их картины начали покупать крупнейшие музеи. Большую роль в становлении американского импрессионизма сыграла группа «Десять художников», в которую входило большинство из упомянутых мною живописцев. В 1897 году они вышли из Ассоциации американских художников из-за пренебрежительного, как они считали, отношения к новому направлению в живописи и излишней коммерциализации выставок.
Создателями группы «Десяти» были Фредерик Хассам, Джулиан Вейр и Джон Тоуктмен, вскоре к ним присоединились и другие художники из Нью-Йорка и Бостона, а также из Калифорнии. Им удалось провести более 10 удачных выставок, группа просуществовала около 20 лет и прекратила свою деятельность из-за потери интереса к импрессионизму, естественному уходу его проводников и появлению в Америке новых направлений в искусстве.
Но в 50-х годах ХХ века интерес к импрессионизму возродился и в Европе, и в Америке и продолжается по сегодняшний день особенно в пленэрной живописи
Продолжение следует…
Слайдшоу по теме с гораздо большим количеством репродукций и музыкой:

Ссылки: http://en.wikipedia.org/w/index.php?title=Ten_American_Painters&action=history
http://allpainters.ru/hudozhniki-po-alfavitu.html
http://www.wikipaintings.org/ru/alphabet
http://sibac.info/index.php/2009-07-01-10-21-16/3346-2012-07-23-08-57-00
http://en.wikipedia.org/wiki/Main_Page

Обзор движения импрессионизма | TheArtStory

Резюме импрессионизма

Импрессионизм, пожалуй, самое важное направление во всей современной живописи. В какой-то момент 1860-х годов группа молодых художников решила очень просто нарисовать то, что они видели, думали и чувствовали. Они не интересовались историей, мифологией или жизнями великих людей и не стремились к совершенству во внешнем виде. Вместо этого, как следует из их названия, импрессионисты пытались запечатлеть на холсте «впечатление» того, как пейзаж, вещь или человек представлялись им в определенный момент времени.Это часто означало использование гораздо более легкой и свободной манеры письма, чем у художников до этого момента, и рисование на открытом воздухе, на пленэре. Импрессионисты также отвергли официальные выставки и конкурсы живописи, учрежденные французским правительством, вместо этого организовав свои собственные групповые выставки, к которым публика изначально была очень враждебна. Все эти шаги предсказывали появление современного искусства и всей связанной с ним философии авангарда.

Ключевые идеи и достижения

• Импрессионисты использовали более свободную манеру письма и более светлые цвета, чем предыдущие художники.Они отказались от традиционной трехмерной перспективы и отказались от четкости формы, которая раньше служила для различения более важных элементов изображения от меньших. По этой причине многие критики обвиняли картины импрессионистов в их незавершенности и, казалось бы, любительском качестве.
• Воспользовавшись идеями Гюстава Курбе, импрессионисты стремились создать художников настоящего : они стремились расширить возможные сюжеты для картин.Уходя от изображения идеализированных форм и совершенной симметрии, они сосредоточились на мире, каким они его видели, который был несовершенным во множестве способов.
• Научная мысль в эпоху импрессионизма начинала осознавать, что то, что воспринимает глаз, и то, что понимает мозг, — это две разные вещи. Импрессионисты стремились запечатлеть первое — оптические эффекты света — чтобы передать на своих полотнах мимолетную природу настоящего момента, включая такие элементы окружения, как изменения погоды.Их искусство не обязательно полагалось на реалистичные изображения.
• Импрессионизм отражает результаты масштабной реконструкции Парижа середины 19 ^-го -го века, проводившейся под руководством архитектора Жоржа-Эжена Османа, которая включала недавно построенные железнодорожные вокзалы города; широкие, обсаженные деревьями бульвары, которые заменили прежде узкие многолюдные улицы; и большие, роскошные многоквартирные дома. Работы, посвященные сценам общественного досуга, особенно сценам из кафе и кабаре, часто передают новое ощущение отчуждения, которое испытывали жители первого современного мегаполиса.

Обзор импрессионизма

Эдуард Мане сказал: «Вы вряд ли поверите, как трудно поместить фигуру в одиночку на холст и сосредоточить весь интерес на этой единственной и универсальной фигуре, сохранив ее живую и реальную. » Здесь он намекает на новаторское мышление, которое вошло в новый способ представления мира импрессионизмом.

Современные техники и художники импрессионизма

Поскольку с момента первой выставки британских импрессионистов прошло 130 лет, мы решили вернуться к движению импрессионистов: каковы были темы, методы, которые использовались, и как работа была воспринята.Глядя на современных художников, становится ясно, сколько из них испытали влияние импрессионистов и используют часть их подхода в современном стиле. В этой статье также даются советы о том, как художник может рисовать с помощью этого подхода.

---

Состав:

* Формирование импрессионизма
* Современный импрессионизм по сравнению с традиционным импрессионизмом
* Ключевые приемы импрессионистской живописи
* Основные материалы, используемые для создания картин импрессионистов

[Изображение, представленное выше, принадлежит John Stillman RSMA, это End of the Day Strand On The Green , 7 x 10, чтобы увидеть больше его работ, посетите его веб-сайт здесь.]

---

Становление импрессионизма

Берта Моризо, Dans les blés , около 1875 г., холст, масло, 47 см x 69 см

Первая выставка работ импрессионистов состоялась в апреле 1874 года, в то время они считались нелепыми, вскоре после того, как они были признаны новаторскими, и теперь многие из их взглядов и приемов стали основой живописи. Большинство людей, которые даже не интересуются искусством, знают имена главных импрессионистов (Моне, Ренуар, Писсарро, Сислей, Сезанн, Берта Моризо, Эдгар Дега), и их работы и подходы по-прежнему пользуются все большей популярностью среди коллекционеров, отелей как владельцы, так и художники.

Филип Уилсон Стэр, Girls Running, Walberswick Pier , 1888-94, представлено леди Огастес Даниэль 1951

Во время первой выставки термин «импрессионист» был придуман как уничижительный, арт-дилер Поль Дюран-Рюэль не смог даже заплатить художникам согласованные суммы из-за отсутствия коллекционеров, а также из-за того, что несколько французских импрессионистов оставались в Британии своими работами. еле продал. Однако ко времени первой выставки английских импрессионистов в 1889 году термин импрессионист стал синонимом современной жизни, спонтанности, независимости и будущего искусства.Джеймс Макнил Уистлер привез в Великобританию многие из тогда укрепившихся техник импрессионизма, показав их своим ученикам Уолтеру Ричарду Сикерту и Уилсону Стиру, которые затем продвинули этот подход в Англии, создав New English Art Club.

Уолтер Сикерт, Убийство в Камден-тауне, или что нам делать с арендой? , ок. 1908 — ок. 1909, масло, холст, 25,6 x 35,6 см

---

Современный импрессионизм в сравнении с традиционным импрессионизмом

Майкл Алфорд, Хлопок в полоску телесного оттенка 1 , картон, масло, 14 x 22 [современный]

Подход импрессионизма по-прежнему поддерживается многими британскими художниками, работающими сегодня.В этом месяце в Panter and Hall Gallery проходит выставка современных британских импрессионистов, Майкла Алфорда, Джона Мартина и Ричарда Пиксли, Сьюзен Райдер и Роберта Уэллса (подробности см. Здесь). Но изменилось ли намерение импрессионизма в его современной форме? Это было революционным в то время, потому что оно покончило с жесткими линиями и четкими формами, которые мир искусства сделал обязательными, и вместо этого полагалось на быстрые мазки и цвет. Это больше не является революционным, так меняет ли это характер работы?

Roger Dellar RI, ROI, PS, Художник в тени , 12 × 12, День группы Wapping [современный]

Некоторые современные художники придерживаются импрессионистского подхода, который практически не изменился за более чем 130 лет.Они работают преимущественно на открытом воздухе, сосредотачиваются на свете и работают спонтанно, чтобы описать момент. Это означает, что их работы имеют схожие темы и намерения с оригинальными импрессионистами, однако, хотя импрессионизм был революционным с самого начала, теперь он рассматривается как традиционный и часть института, а это означает, что современных «импрессионистов» нельзя рассматривать как бунтующих. Прекрасным примером того, как группы, эквивалентные импрессионистским общинам, все еще процветают, являются пленэрные группы «Северные парни» и «Британские пленэры», которые работают преимущественно на открытом воздухе и используют некоторые техники, которые можно рассматривать как импрессионистские.В настоящее время в Манчестере проходит выставка, а 13 апреля 2019 года в Манчестере, в Пикадилли Гарденс, устраивается раскраска (подробности о британских пленэрах можно посмотреть здесь). В книге Лоис Гриффель « Живопись импрессионистского пейзажа» современная живопись импрессионистов рассматривается в сравнении с оригинальными картинами импрессионистов, а также описывается, как можно имитировать стиль работы импрессионистов.

Хайди-Джо Саммерс, Белые георгины , картина маслом на панели, 16 x 12 (участие в конкурсе британских художников-пленэров и жюри конкурса Jackson’s Open Painting Prize 2019) [современный]

---

Основные приемы живописи импрессионистов

Клод Моне, Сена в Лавакур, , 1880, холст, масло, 98.4 см x 149,2 см

Некоторые из ключевых особенностей традиционного импрессионизма присутствуют в современной работе, как видно из этого поста. Сейчас, как правило, немного меньше оптического смешивания, поскольку обилие смешанных цветов сделало его ненужным при работе на открытом воздухе, но многие художники по-прежнему предпочитают использовать оптическое смешивание, поскольку оно визуально привлекательно.

• Они сфокусированы на эффекте света, особенно на рассвете или в сумерках и в золотой час.
• Характерные быстрые мазки, а не изящно окрашенные детали
• Густое нанесение непрозрачных, часто несмешанных или слегка смешанных цветов с использованием оптического смешивания для создания других цветов (эта статья объясняет предпосылку)
• Использование яркой или сильно пигментированной краски, чтобы сделать работу яркой
• Сильная зависимость от использования дополнительных цветов для определения объектов, а не чрезмерная зависимость от значений шкалы серого и резких деталей
• Рисовали в основном на улице или на месте, а не в студии по эскизам
• Выберите в качестве темы обычные сцены
• Особо отмечена спонтанность, работа в основном незапланированная и стремление запечатлеть момент, а не детализацию.

Адам Ралстон, гребец на байдарках с Центрального пирса (часть Британского пленэра художников), [современный]

В этом сообщении блога есть дополнительные подробности и визуальные тесты о том, как достичь импрессионистского стиля или включить импрессионистские техники.

---

Основные материалы, используемые для создания картин импрессионистов

Рабочий пленэр Адама Ральстона, [современный]

Тогда, как и сейчас, чтобы произвести впечатление сцены с истинной атмосферой, импрессионисты работали на улице, а не в студии (отчасти поэтому их работы были обвинены некоторыми в том, что они являются «набросками»). Это сделало необходимым создание надлежащего пленэра, в то время как акцент на цвете для направления взгляда, а не на тональной форме или четких линиях означал, что покупка ярких масел с высоким содержанием пигментов или другого цвета была обязательной.

• Майкл Ричардсон, В сторону Риальто, Сумрак , масло на панели, 10 x 12 [современный] . Мы также продаем кисти, разработанные Майклом Ричардсоном для пленэра импрессионистов. Майкл является частью британской группы живописи на пленэре и в прошлом году принял участие в их чрезвычайно успешной первой выставке.

  ---

  Альфред Сислей, Bauernhof zum Höllenkaff , 1874, холст, масло, 47 см x 62 см

  Чтобы ознакомиться с полным спектром наших художественных материалов для пленэров, посетите раздел «Пленэр» на нашем веб-сайте, а чтобы узнать больше о стилях работы импрессионистов с практическими примерами, у нас есть эта полезная статья в блоге, которую вы можете прочитать.

  Roger Dellar RI, ROI, PS, Поздно вечером у моста Альберта , 12 x 12, масло на картоне, [современный]

  ---

  Верхнее изображение выполнено Джоном Стилманом из RSMA, это

  Конец дня Strand On The Green , 7 x 10, чтобы увидеть больше его выполненных работ, посетите его веб-сайт здесь.

Подпишитесь на наши информационные бюллетени для получения эксклюзивных рекламных акций,

подробных обзоров продуктов и многого другого. Делиться Твитнуть

Теген Хагер-Суарт

Бывший член команды Jackson’s Blog, Теген писал о проектах в мире современного искусства, будь то запуск, концептуальный активизм или выставки.В ее собственной работе она сосредоточена на экспериментах и ​​раскрытии истинного потенциала материалов, с которыми она работает.

Характеристики музыки импрессионистов: введение

Характеристики музыки импрессионистов

Подобно многим художественным направлениям, которые развивались в западной художественной музыке, импрессионизм был органичным продолжением того, что развивалось в мире изобразительного искусства в середине 19 ^– века. Приблизительной датой многие считают 1860 год в Париже.В отличие от многих художественных течений, импрессионизм зародился не в Германии или Италии, а во Франции. Что в целом отличало художников-импрессионистов от их предшественников, так это сознательный отход от ожиданий академических институтов, идеалы которых вытекали из великих романтических традиций.

Характеристики музыки импрессионистов

В картинах нового импрессионистского движения таких художников, как Мане, Моне, Дега и Ренуар, использовались более свободные мазки кисти, более яркие, насыщенные цветовые палитры, избегая линейной концепции изображения.Эти художники-первооткрыватели пытаются заново определить, что означает искусство, и ставят под сомнение фокусировку того, чем может быть картина. Они нарисовали мир во всех его несовершенствах в тот самый момент, когда он происходил.

В их подходе укоренился дух современности, подкрепленный крупными достижениями в науке, которые начали предполагать, что то, что видит глаз, не всегда понимается мозгом. Реализм стал второстепенным по сравнению с желанием запечатлеть тонкости природы и почти незаметное течение времени.

Картина была не единственным видом искусства, в котором появился этот свежий подход. Поэзия, танец, театр и музыка — на все это повлияли события, происшедшие из Парижа. Композиторы, такие как Дебюсси и Равель, поднялись по карьерной лестнице и заняли ведущее положение в мире музыки конца 19, ^и годов. Они проложили путь к совершенно иному звуковому миру в истории музыки, который был очень далек от того, что было раньше в творчестве мастеров-романтиков.

Параллельно музыка композиторов-импрессионистов напоминала художественные работы признанных художников того времени. Сама музыка стала менее четко ограничиваться традиционной гармонией и формой, что придало звуку совершенно уникальный тембр. Путешествия стали доступнее и популярнее. В музыке композиторов-импрессионистов мы начинаем слышать влияние азиатской музыки, которая сливается с традициями эпохи романтизма. На практике это означало, что знакомая тональная система, которая доминировала в западной музыке со времен высокого Возрождения, начала терять свою власть в композиторах.Позже Арнольд Шенберг полностью отвергает тональную систему в пользу того, что стало известно как «сериализм».

Одно из самых характерных качеств импрессионистической музыки — использование разных, даже необычных гамм. Они возникают из-за влияния восточной музыки и включают «пентатонику», «цельнотональную», а иногда и «октатоническую» гамму. Отличие этих гамм, в частности, последних двух, состоит в том, что они больше не управляются тональной системой тональности, а удобно располагаются сразу за ее пределами.

Полноценная шкала, например, получается из восходящего или нисходящего движения полными тонами. В гамме нет полутонов. Если мы соберем гамму на основе ноты C, шкала всего тона станет C, D, E, F #, G #, A #. Эффект от использования этих гамм в тональной структуре, как это делают композиторы-импрессионисты, заключается в создании совершенно иной звуковой палитры, которая отличает это движение от всех предшествующих.

В связи с использованием новых гамм появился новый взгляд на музыкальную форму.После огромных, расширенных романтических музыкальных форм, которые привели к созданию замечательных по длине пьес на протяжении всего этого музыкального периода, импрессионисты отразили структуры и формы барокко. Это было не попыткой воспроизвести то, что было написано композиторами эпохи барокко, но обновить старые музыкальные формы в контексте импрессионизма.

«Сарабанда», «Менуэт» и «Прелюд», чтобы выделить лишь несколько структур, вновь обретших популярность в этот музыкальный период. «Бергамская сюита» Дебюсси (https: // youtu.be / xAKeiyjjTKk), является хорошим примером исследования старых музыкальных форм, а также восхитительным произведением Дебюсси из фортепианной музыки.

Гармония импрессионистов открыла новые направления с четкой целью создания тональной неоднозначности и создания богатых красочных образов. В то время как тональная система в основном оставалась неизменной на протяжении всего периода музыки, хроматизм эпохи романтизма позволял импрессионистам продолжать размывать идею тонального центра и каденции. Во многих произведениях импрессионистского периода используются ключевые подписи, но они не ограничиваются условностями, которые окружали предшествующую музыку.Образцы аккордов больше не связаны напрямую с данной тональностью в течение длительного времени и не следуют испытанным и проверенным последовательностям.

В музыке этих композиторов мы слышим расширенные аккорды, которые включают 7 ^th , 9th, 11 ^th и 13 ^th вместе с усиленными аккордами или гармонией, которая называется «кварталом». Этот тип гармонии строит аккорды из интервала 4 ^-го , а не 3-го и 5-го, как обычно ожидалось. Что это делает с музыкальным произведением, так это оставляет открытую гармоническую прогрессию, и даже если это намекает на тональность, это не ограничивается ею.

Добавьте к этому миксу влияние танцевальных ритмов эпохи Возрождения, а также менее знакомые ритмические паттерны Востока, и вы получите совершенно революционную музыку. Важно отметить, что ритмы музыки чернокожих американцев пронизаны импрессионизмом. Раннюю музыку джаза и блюза отчетливо можно услышать в музыке многих композиторов того времени. Равель очень любила многие аспекты американской культуры. Джазовая гармония и ритм засоряют его композиционный материал, делая его работы неотразимыми и манящими.В 1928 году Равель совершил поездку по США и встретил Джорджа Гершвина, влияние которого можно найти в фортепианном концерте Равеля.

Музыка импрессионистов до сих пор остается одним из самых популярных видов классической музыки. Это оказало огромное влияние на многих известных голливудских композиторов, отчасти из-за замечательных оркестровок, созданных в ту эпоху, которые, кажется, легко захватывают и вызывают образы. Музыка остается достаточно близкой к тональности, чтобы быть доступной, но не производной.Мелодии импрессионистов берут лучшее из романтического идеала, но придают им новую энергию и таинственность, которая до сих пор остается привлекательной. Именно сочетание всех этих элементов и коллективного гения композиторов и художников делают это движение одним из самых привлекательных.

Импрессионизм в литературе | Определение, характеристика, литературный пример, Art

Импрессионизм

Определение импрессионизма

Импрессионизм — это художественный механизм , объявленный в 1870-х годах во Франции.Импрессионисты всегда стремятся запечатлеть чувство или опыт, а не изобразить точное изображение и совершенство.

Характеристики импрессионизма

Характерно, что живопись импрессионистов включает относительно небольшие, тонкие, но заметные мазки кисти, обычный сюжет и необычные углы обзора. Они всегда были против правил академической живописи. Среди художников-импрессионистов Ван Гог и Ренуар занимают первое место.Однако художники — не единственные художники, чьи работы импрессионистичны. Есть несколько авторов, которые также могут быть помещены в эту «школу», в том числе Джозеф Конрад, Джеймс Джойс и Генри Джеймс .

Также читают:

Художники-импрессионисты

Эдуард Мане

Клод Моне

Альфред Сислей

Фредерик Базиль

Пьер Огюст Ренуар

Искусство импрессионизма

«Le déjeuner sur l’herbe» Эдуара Мане («Завтрак на траве») был, пожалуй, самым противоречивым произведением искусства 19 ^– века, поскольку он откровенно изображает наготу в современной обстановке.

Картина Моне «Восход солнца», посвященная импрессионизму, положила начало движению импрессионистов.

Прекрасная пасторальная сцена Альфреда Сислея демонстрирует нежную цветовую палитру, вызывающую умиротворение и умиротворение, с акцентом на общее качество и атмосферу пейзажа.

Примечание: Проблемы с написанием обзора литературы? Вам нужна профессиональная помощь? — Не стесняйтесь присылать запрос на написание моего обзора литературы для меня экспертам сервиса WriteMyPaperHub.

Импрессионизм в музыке

Импрессионизм в музыке относится к идее или влиянию через размытие звука, а не через строгую формальную структуру. Клод Дебюсси — выдающийся импрессионист в музыке.

Импрессионизм в литературе

В литературе писатель-импрессионист проявляют некоторые особые черты:

1. 1 . Повествовательный стиль и неоднозначное значение — отличительные черты импрессионистической литературы.Рассказчик дает читателям больше возможностей думать, судить и делать выводы, а не полагаться на него.

2. Они часто описывают действие глазами персонажа , в то время как события происходят , а не предоставляют мельчайшие подробности. Все детали кажутся неясными.

3. Их интересует «эмоциональный пейзаж» сеттинга. Им всегда хочется зарисовать такой естественный фон, когда природные явления выглядят бледными и странными во время страданий и агонии персонажей.

4. Они прорабатывают детали таким образом, что иногда трудно увидеть ясную картину событий , если сосредоточиться на деталях слишком внимательно. Если читатели отойдут от романа, он получит полную картину.

5. Часто избегают хронологического описания событий. Вместо этого они предоставляют читателям информацию таким образом, чтобы они могли сосредоточиться на , как и почему что-то происходит, , а не на порядке, в котором они происходят.

Литературный пример импрессионизма

Джозефа Конрада Сердце тьмы часто считают одним из ярких образцов импрессионистской литературы . На протяжении повести мы становимся свидетелями внутренней работы мыслей и эмоций Марлоу, когда он поднимается по реке Конго к Внутренней станции и его встречи с Курцем. Фактически, именно Курц представляет основное внимание Марлоу.Однако Марлоу никогда не выходит и прямо не говорит нам, что он думает и думает о Курце; вместо этого Конрад оставляет нас делать собственные выводы.

Курц тоже во многом такой же. Он также делится своими мыслями и чувствами о своей работе и своей роли в африканских джунглях, и читателю остается «прочитать между строк» ​​, чтобы понять его точное значение. Никакой пример не может лучше проиллюстрировать элемент импрессионизма с новеллой, чем последние слова Курца: «ужас, ужас. Мы не знаем точно, что такое «ужас» , и вместо этого нам остается разработать нашу собственную интерпретацию.

Постимпрессионизм

Постимпрессионизм зародился во Франции в конце 19 ^-го века. Крупнейшими художниками постимпрессионизма являются Винсент Ван Гог и Поль Сезанн.

Основные черты импрессионизма в искусстве и музыке

Осторожно! Этот текст доступен в Интернете и используется для руководства и вдохновения.

Импрессионизм — это художественное направление, сформировавшееся в конце 1800-х годов.Движение началось в Париже и, возможно, было инициировано, но не охвачено художником Эдуардом Мане. «Споры, которые ему удалось вызвать, привели к тому, что Мане стал номинальным лицом авангарда. Им восхищались другие импрессионисты, но он не проводил с ними много времени и не выставлялся вместе с ними ». Мане часто приписывают популярность живописи алла прима. Вместо того, чтобы ждать, пока слои краски высохнут, чтобы нанести новые слои для создания цветов, он тщательно выбрал цвета, которые точно соответствовали желаемому окончательному оттенку, и нарисовал всю картину за один присест, не давая высохнуть ранее нанесенным цветным слоям, следовательно имя алла прима.Это означало, что его картины были несколько менее определенными, чем до его времени, и в результате многие из его работ были отвергнуты салонами.

Его уникальный стиль вызвал новое движение художников в этом районе, которое в конечном итоге привело к рождению художественного движения, известного как импрессионизм. Термин импрессионизм впервые был использован для описания этого движения, когда искусствовед из Парижа Жюль Антуан Кастаньяри опубликовал статью в ежедневной газете времен Le Siècle 29 апреля 1874 года.В статье говорилось: «… если кто-то хочет охарактеризовать их одним словом, объясняющим их усилия, нужно будет создать новый термин импрессионисты». Это было отсылкой к картине Клода Моне «Впечатление, восход солнца», которая была выставлена ​​как часть то, что сейчас известно как выставка импрессионистов. Единственный раз, когда термин импрессионизм использовался до этого, был связан с философской системой Дэвида Юма, однако это никоим образом не имело связи с живописью или каким-либо другим искусством.Как и в случае с большинством художественных течений на протяжении всей истории, развитие импрессионизма не повлияло исключительно на изобразительное искусство, оно также привело к появлению новых тенденций и проявлению их в других искусствах, таких как литература и музыка.

Черты импрессионизма в музыке

Многие черты импрессионистической музыки напрямую связаны с чертами импрессионистского изобразительного искусства. Общая цель импрессионизма в изобразительном искусстве заключалась в том, чтобы уловить суть момента почти как беглый взгляд, не сосредотачиваясь непосредственно на конкретном предмете или объекте, а больше для создания ощущения сцены или атмосферы.Картины часто были расплывчатыми и уделяли большое внимание цветам и формам без четких контуров, Эдуард Мане заявил, что «в природе нет линий, есть только области цвета, расположенные одна против другой» 4. света и цвета. Цель заключалась не в том, чтобы получить реалистичное изображение, а в том, чтобы создать впечатление сцены и настроения.

Мы напишем для вас уникальную статью на эту тему!

Разместить заказ

* Без скрытых платежей

То же самое и с импрессионизмом в музыке.Большая часть импрессионистической музыки не предназначена для передачи огромного количества эмоций и событий, она предназначена для создания атмосферы, сцены или настроения. Сама музыка часто структурирована аналогично картинам импрессионистов, расплывчатым образам и атмосфере, которые были вызваны сложными гармониями и использованием пентатоники и целых тональных шкал, которые не были распространены в музыке в то время. У музыки почти что-то мечтательное или блеклое, как будто она заглядывает в память о мелодии.

Клод Дебюсси

Клод Дебюсси — французский композитор, родился во Франции 22 августа 1862 года.Когда ему было семь лет, он получил уроки игры на фортепиано у итальянского скрипача по имени Черутти. Вскоре в 1871 году его заметила Мари Моте де Флервиль. В 1872 году Дебюсси, которому на тот момент было десять лет, отправился учиться в Парижскую консерваторию, чтобы изучать композицию, теорию и историю музыки, гармонию, сольфеджио, фортепиано и орган. В 1874 году его потенциал был признан, когда он получил комментарий после экзамена по игре на фортепиано от своего учителя, в котором говорилось, что он «очаровательный ребенок, настоящий темперамент художника; станет выдающимся музыкантом; большое будущее.’

Первый общий концерт Дебюсси состоялся 16 января 1876 года в Эне, где он сопровождал Леотин Мендес, исполняя отрывки из оперных произведений и некоторые инструментальные пьесы. Он провел одиннадцать лет, обучаясь в Парижской консерватории, и, как и Эдуард Мане, и салоны, он не был полностью согласен с учением академии и в ответ использовал экспериментальные техники композиции, используя неожиданные прогрессии, диссонирующие интервалы и необычные гармонии.Один из его наставников однажды заявил, что Дебюсси был «чрезвычайно одарен гармонией, но отчаянно беспечен» 8. Время, проведенное в Парижской консерватории, в конечном итоге привело его к разработке нового, уникального и индивидуального стиля композиции, который вскоре повлияет на новую эру композиторов и музыкантов. .

Несмотря на то, что Дебюсси был, пожалуй, наиболее влиятельным и важным композитором, вовлеченным в импрессионистское движение в музыке, он очень не одобрял использование термина импрессионизм для описания своих композиций.9 Он находился под сильным влиянием искусства и литературы своего времени, и многие произведения искусства и поэзии оказали прямое влияние на его композиции. Поскольку в то время в изобразительном искусстве было активно движение импрессионистов, это движение могло оказать чрезвычайно сильное влияние на его стиль композиции. «Я хотел бы увидеть создание… своего рода музыки, свободной от тем или мотивов… которую ничто не прерывает и которая никогда не возвращается сама по себе. Между двумя повторениями одной и той же характерной темы не будет поспешной и лишней «заливки».«Важные произведения» «Клер де Люн» — одно из самых значительных и признанных произведений Дебюсси периода импрессионизма. Это третья часть четырехчастной «Бергамской сюиты», которая была опубликована в 1905 году. Дебюсси основал эту часть сюиты на стихотворении «Clair De Lune», написанном поэтом Полем Верленом.

«

шедевров французского импрессионизма» открываются 28 сентября в музеях Телфэр с работами Матисса, Ренуара, Дега, Моне и многих других.

САВАННА, Джорджия (27 июля 2018 г.) Этой осенью посетители Центра Джепсона музеев Telfair в исторической Саванне имеют редкую возможность увидеть потрясающие работы самых известных художников мира.От Моне до Матисса: «Шедевры французского импрессионизма из галереи и садов Диксона» впервые в этом регионе были показаны работы некоторых из этих художников.

От Моне до Матисса представлено 30 картин из известной коллекции галереи и садов Диксона в Мемфисе, штат Теннесси. На выставке представлены пейзажи, портреты, интерьеры и натюрморты лидеров французского импрессионизма, в том числе Клода Моне, Эдгара Дега, Пьера-Огюста Ренуара, Анри де Тулуз-Лотрека, Камиля Писсарро и Альфреда Сислея, а также работы известных американцев. Мэри Кассат и Джон Сингер Сарджент.Завершают выставку основные картины художников-постимпрессионистов Анри Матисса, Поля Сезанна, Поля Гогена, Марка Шагала и Жоржа Брака.

«Telfair Museums очень рады представить эту важную выставку в Саванне, предоставляя как местным жителям, так и туристам возможность увидеть невероятно красивые работы некоторых из величайших художников-импрессионистов мира», — сказала Кортни Макнил, главный куратор и заместитель директора по кураторским вопросам.

Неизменное наследие импрессионизма — его радикальный отход от общепринятых традиций того, что и как рисовать.Вдохновленная использованием импрессионистами широких мазков и чистого цвета, группа художников начала 20-го века заметно отошла от натурализма и проложила путь к кубизму и абстракции.

В 1874 году группа молодых художников, в том числе Моне, Писсарро, Сислей и Ренуар, организовала выставку, независимую от официального французского салона, считающуюся авторитетной в реалистических стилях французской живописи, которые характеризовали принятые в стране стили живописи того периода. .Эти «современные художники» мятежно рисовали реальный мир таким, каким они его видели, с людьми, наслаждающимися напитками в кафе, на современных вокзалах, танцорами или на пустом поле маков. Вместо того, чтобы создавать кропотливо детализированные изображения исторических предметов, они исследовали способ восприятия цвета человеческим глазом. Они увидели и запечатлели пурпурную и синюю тени и вибрирующие цвета неба. Критики 19 века считали их радикалами, и слово «импрессионист» было первоначально придумано этими критиками как оскорбление, подразумевая, что их картины, казалось, отражали просто «впечатление» от предмета, а не сам предмет.

«Коллекция картин французских импрессионистов в галерее и садах Диксона потрясающая, но они также имеют большое историческое значение. Некоторые из этих полотен были впервые замечены на оригинальных выставках импрессионистов 1870-х и 1880-х годов в Париже », — сказал Макнил.

От Моне до Матисса можно будет увидеть в Центре Джепсона с 28 сентября по 10 февраля 2019 года.

Выставка организована галереей и садами Диксона, Мемфис, Теннесси, под кураторством Джули Пьеротти.Куратором этой презентации в музеях Telfair является Кортни Макнил, главный куратор и заместитель директора по кураторским вопросам.

Инвестиции из города Саванна.

Изображения доступны по запросу.

Импрессионизм: техники живописи импрессионистов — USEUM

Уникальные и самобытные техники живописи импрессионистского движения, которые в то время считались радикальными, вызвали враждебную критику со стороны академиков, которые предвидели мелкие детали и исторические сцены.Импрессионисты произвели революцию в мире искусства из Нормандии, Франция; они рисовали сцены и пейзажи из реального мира, составляя их маленькими и тонкими, но все же видимыми мазками, отрываясь от линий и контуров.

Изобретение фотографии в то время также оказало влияние на техники живописи импрессионистов, поскольку они первыми сочинили свои картины случайными сценами из реальной жизни с участием людей. Более того, быстро наносимые мазки кисти, которые позволяли быстро изобразить окружающую среду и изобразить условия в определенное время суток, создавали световые эффекты, которые обеспечивали очень реалистичное представление окружающей среды.Основная характеристика таких картин — использование контрастных цветов, которые создают впечатление очень реального ощущения «условий» окружающей среды, таких как раннее утро или цвета раннего вечера.

Техника ломаного цвета

Самая известная техника живописи импрессионистов 19 века — это техника «ломаного цвета», когда цвет наносится на холст небольшими короткими мазками, в отличие от обычного метода тщательного смешивания тонов и цветов вместе.В результате получается «лоскутное одеяло», в котором мазки создают визуальный эффект света, падающего на предметы и фигуры.

Техника ломаного цвета была разработана Моне и Ренуаром, которые вместо того, чтобы полностью смешать краски, оставили рядом небольшие мазки разных цветов, предоставив глазу смешивать их вместе. С помощью этой техники импрессионисты составляли объекты кистями смешанных и чистых цветов, которые создавали контрасты, невиданные в классических произведениях искусства того времени, где цвета смешивались вместе, требовалось много навыков, а большая часть работы в студии художника была идеально передать линии и контрасты.Сегодня ломаный цвет продолжает широко использоваться в картинах.

Естественный свет

Другой характерной чертой и практикой импрессионистов является то, что условия освещения в определенное время суток нарисованы очень близко к реальности для каждой сцены или пейзажа. Эта техника дает прекрасное «впечатление» естественного света момента, который изображен на каждом произведении искусства. Смешанные цвета вечера или яркие цвета утренних сцен обеспечивают очень реалистичное представление условий в произведении искусства.

Краска мокрое по мокрому

Рисование объектов слоями влажной краски, не дожидаясь высыхания каждого мазка, — характеристика импрессионизма. Эта техника позволила сделать края более рыхлыми и мягкими, а также внести новшества в смешивание цветов.

Импасто Живопись

Техника изображения объектов толстыми и короткими мазками кисти, которые видны и выделяются на поверхности, обеспечивая объем и глубину, известна как Импасто. Художники-импрессионисты широко использовали эту технику, поскольку она заставляет предметы — и предметы тоже — выглядеть так, как будто они не являются частью холста.

Минимальные штрихи смешивания цветов

Этот метод относится к использованию тонких мазков кисти и контрастных цветов с минимально возможным смешиванием таким образом, чтобы он ярко окрашивал каждую форму и пейзаж.

Неопределенная живопись

Другая техника, встречающаяся во многих произведениях импрессионистов, — это «Неопределенная живопись», в которой формы нарисованы «абстрактно», создавая впечатление, а не их мелкие детали, без острых краев или идеально обработанные объекты.

No related posts.