Современный импрессионизм: | C | contemporary art

В галерее Органного зала по 5 апреля проходит выставка Александра Алавацкого. Экспозиции в отремонтированных помещениях Органного зала уже стали прекрасной традицией.

Александр окончил живописный факультет Академии музыки, театра и изобразительных искусств. На его картинах изображены цветы, сельские дома, пейзажи Молдовы, России, Румынии, Украины. Сегодня, когда практически все молодое поколение увлекается абстракцией, предпочитает пробовать свои силы в модернистских течениях, концептуальном искусстве и т. д., очень редко можно встретить реализм. Тем более такой живой, динамичный, в то же время тонкий, проникновенный, лиричный, как у Алавацкого.

Он пробовал писать абстракции и т.д. Но ближе всего оказался современный импрессионизм, объясняет Александр. Для его работ характерна мягкость и теплота гармоничных тонов, разнообразие тончайших цветовых оттенков. Некоторые его картины лучше рассматривать на расстоянии — тем сильнее их эмоциональное воздействие.

Порой экспериментирует в стиле своеобразного абстрактного реализма, как он называет некоторые свои произведения. Но глаз художника более всего находит отдохновение в картинах природы. Любимые жанры — пейзажи, натюрморты, реже — портреты. Много работает на пленэре, в любое время года, даже зимой. Недавно побывал в Румынии, в районе Сучавы, с участием художников из Молдовы, России, Румынии. Около двух недель они писали монастыри, привез несколько работ.

У Александра Алавацкого, как и у многих молодых членов Союза художников, нет своей мастерской. Они распределялись еще в советское время, приватизировались, потому многие пользуются ими пожизненно, и на всех других явно не хватает. Поэтому пленэр — отчасти и вынужденный способ для творчества. Будь у него место для работы, вполне вероятно, что и методы были бы иными.

А насколько трудно сегодня живется молодому художнику, можно ли прожить за счет своего искусства? «Сложно, но можно. Некоторым нравится моя живопись, они ее периодически покупают. Подрабатываю в других областях, а от живописи можно просто получать удовольствие. С нынешнего года начал преподавать в Государственном педагогическом университете имени Иона Крянгэ».

При том цены на материалы для творческого процесса совсем не низкие. Например, самый недорогой тюбик белой краски — около 40-50 леев, стоимость других доходит до 200, в зависимости от цвета, пигментации. Холст — около 200 леев 1 кв. м., плюс подрамник — около 100 леев. Таким образом себестоимость одной работы порядка 400 леев — и это только, как говорится, материальная часть.

Мир глазами импрессионистов, картины известных художников. Современный импрессионизм в живописи

Прежде всего – я в третий раз посетила выставку в замечательном киевском зале Арт-Молл. О чудодейственных технологиях показа экспозиций на этой площадке я уже писала . Повторяться не буду, скажу лишь, что и в этот раз всё было на высоте, разочарования не наступило:). На этой последней выставке были представлены картины всех ведущих мастеров этого художественного направления. Если кто не знает, на всякий случай приведу список этих самых мастеров-импрессионистов:

• Эдуард Мане. Хотя сам художник постоянно стремился к официальному признанию, именно его скандально известная картина “Завтрак на траве” стала настоящим символом Салона отверженных.
• Берта Моризо. Одна из немногих (боюсь уверять, что единственная) женщина-импрессионист. В 2013 году картина “После обеда” была продана на аукционе Сотби за 10,9 млн. долларов. Это событие сделало Моризо самой дорогостоящей художницей.
• Камиль Писсаро. Обожаю его изображения парижских бульваров. Серия с бульваром Монмартр считается одним из общепринятых символов импрессионизма.
• Клод Моне. Наверно самый известный представитель течения. Во всяком случае, именно его картина “Впечатление. Восход солнца” дала в своё время название всему художественному направлению.
• Эдгар Дега. Вот тут мне хочется озвучить немного забавную и утрированную присказку современной богемной тусовки: если много маленьких человечков – это Босх, если тучные балерины – это Дега:)
• Пьер Ренуар. Мой любимый импрессионист. И больше никаких комментариев.
• Тулуз де Лотрек. Певец развлечений и быта парижской богемы и “дна”. Кабаре, публичные дома – его темка.
• Анри Кросс. С удивлением обнаружила, что это имя услышала на выставке впервые!
• Поль Синьяк. Его прелестные пейзажи ярких чистых цветов дали жизнь новому направлению нео-импрессионизма – пуантилизму.
• Поль Сезанн. С ним у меня связана главная ассоциация: натюрморты и нелюбовь к человеческим моделям, а с этим связана любимая мною курьёзная ситуация .
• Поль Гоген. Один из титанов постимпрессионизма. Практически полное непризнание при жизни и рекорды по продаже картин после смерти.
• Винсент Ван Гог. Ещё одна звезда с невероятно тяжелой творческой и жизненной судьбой. И оглушительной славой после смерти…

Это всё – титаны. Их картины (репродукции) можно рассматривать часами, что я и делала на киевской выставке. Мои фото не представляют никакой художественной ценности, вы сможете найти гораздо более качественные образцы. Но всё же выложу пару фрагментов с выставки:

Как я уже сказала, импрессионизм сопровождает всю мою сознательную жизнь.

Камиль Писсарро. “Бульвар Монмартр в Париже” 1897

Поль Синьяк “Гавань в Марселе”. 1906-1907

Картина Клода Моне «Мост Ватерлоо. (Эффект тумана)»

Поль Гоген. “Женщина, держащая плод”. 1893

Огюст Ренуар. “Девушка с веером”. 1881

Огюст Ренуар. “Портрет актрисы Жанны Самари”. 1878

Но помимо собственных сведений, я ещё располагаю впечатлениями моих друзей. Они, зараженные чувствами к импрессионистам не меньше моего, побывали в Париже дважды. И дважды обязательным номером их программы были посещения музеев, в которых имеются собрания картин этого направления. Ключевые моменты этой парижской культурной экспедиции таковы:

• Музей Оранжери – богатейшая коллекция импрессионистов и постимпрессионистов. Самое знаменитое полотно – К. Моне «Кувшинки». Только от друзей я и узнала, что эта картина, оказывается, написана художником прямо на стене музея и полностью занимает отдельный зал галереи.
• Музей Орсе не считается специализированным только на работах импрессионистов, здесь представлены различные направления европейской живописи и скульптуры. Но практически все те мастера, которые вошли в список, который я выложила выше, экспонируются в Орсе. Уж чего стоит хотя бы одна знаменитая “Олимпия” Эдуарда Мане!
• Музей Мармоттан-Моне имеет в своём собрании более 300 полотен импрессионистов. Изюминка: культовая картина Клода Моне “Впечатление. Восход солнца”. Да-да, именно та. Друзья говорят, что увидеть её живьём – это чарующее ощущение. Я по-хорошему завидую им…

Клод Моне. Впечатление. Восходящее солнце

Алексей Зайцев — один из ярких представителей импрессионизма . Работы этого современного художника хорошо известны не только в России, но и за рубежом. Мастер пишет маслом, щедро накладывая мазки, но картины получаются легкими и солнечными. Пожалуй, в этом и таится секрет очарования его полотен.

Алексей Зайцев родом из Рязани. Любовь к живописи развивалась у него с детства — родная тетя Алексея была заслуженным художником союза, она с удовольствием знакомила племянника с миром искусства. Быть может, детские наблюдения за тем, как рождаются картины, и стали отправной точкой для творческих исканий будущего художника.

Решив связать свою жизнь с изобразительным искусством, Алексей поступает в московский университет и получает образование по специальности «книжный график». Профессиональным иллюстратором он так и не стал, но знания и навыки, полученные в вузе, позволили Алексею Зайцеву развивать свой художественный талант.

Отличительная черта в характере Алексея Зацева — беззаветная любовь к Родине. Путешествуя по Москве и пригородам, он с упоением наблюдает за повседневной жизнью простых людей, часто делает наброски на пленэре, а после, вернувшись в мастерскую, дорабатывает изображения. Художнику одинаково хорошо удаются и урбанистические зарисовки, и природные пейзажи, и жанровые сценки. Все дышит жизнью, полно красок. Художник мастерски сочетает работу мастихином и прорисовку деталей кистью, в результате картины не теряют утонченности, но приобретают особую насыщенность цветовой гаммы.

Импрессионизм – направление в искусстве конца 19 – начала 20 века. Родиной нового направления живописи является Франция. Естественность, новые методы передачи реальности, идеи стиля привлекли художников из стран Европы и Америки.

Импрессионизм развивался в живописи, музыке, литературе, благодаря известным мастерам – например, Клоду Моне и Камилю Писсарро. Художественные приемы, использованные для написания картин, делают полотна узнаваемыми, самобытными.

Впечатление

Термин «импрессионизм» изначально имел пренебрежительный оттенок. Критики применяли это понятие для обозначения творчества представителей стиля. Впервые понятие появилось в журнале «Le Charivari» — в фельетоне о «Салоне отверженных» «Выставка импрессионистов». Основой стала работа Клод Моне «Впечатление. Восходящее солнце». Постепенно термин прижился в среде живописцев и приобрел другой оттенок. Суть понятия сама по себе не имеет конкретного смысла или содержания. Исследователи отмечают, что методы, используемые Клодом Моне и другими импрессионистами, имели место в творчестве Веласкеса и Тициана.

Европейское искусство конца 19-го века было обогащено возникновением модернистского Позже его влияние распространилось на музыку и литературу. Оно получило название «импрессионизм», поскольку основывалось на тончайших впечатлениях художника, образах и настроениях.

Истоки и история возникновения

Несколько молодых художников во второй половине 19-го века объединились в группу. У них была общая цель и совпадали интересы. Главным для этой компании стала работа на природе, без стен мастерской и различных сдерживающих факторов. В своих картинах они стремились передать всю чувственность, впечатление от игры света и тени. Пейзажи и портреты отражали единение души с Вселенной, с окружающим миром. Их картины — подлинная поэзия красок.

В 1874 году проходила выставка этой группы художников. Пейзаж Клода Моне «Впечатление. Восход солнца» остановил взгляд критика, который в своем отзыве впервые назвал этих творцов импрессионистами (от французского impression — «впечатление»).

Предпосылками рождения стиля импрессионизм, картины представителей которого вскоре обретут невероятный успех, стали работы эпохи Возрождения. Творчество испанцев Веласкеса, Эль Греко, англичан Тернера, Констебла безоговорочно повлияло на французов, которые были родоначальниками импрессионизма.

Яркими представителями стиля во Франции стали Писсарро, Мане, Дега, Сислей, Сезан, Моне, Ренуар и другие.

Философия импрессионизма в живописи

Художники, писавшие в этом стиле, не ставили перед собой задачи привлечь внимание общественности к и бедам. В их работах не найти сюжетов на злобу дня, нельзя получить нравоучение или заметить людские противоречия.

Картины в стиле импрессионизм направлены на передачу сиюминутного настроения, разработку цветовых решений загадочной природы. В произведениях есть место только позитивному началу, мрачность обходила импрессионистов стороной.

По сути, импрессионисты не утруждали себя продумыванием сюжета и деталей. Главнейшим фактором было не что нарисовать, а каким образом изобразить и передать свое настроение.

Техника написания картин

Колоссальна разница между академической манерой рисования и техникой импрессионистов. От многих методов они просто отказались, некоторые изменили до неузнаваемости. Вот какие новшества они внесли:

1. Отказались от контура. Произошла замена его на мазки — мелкие и контрастные.
2. Перестали использовать палитры для Были подобраны цвета, дополняющие друг друга и не требующие слияния для получения определенного эффекта. Например, желтый — фиолетовый.
3. Прекратили рисовать черным цветом.
4. Полностью отказались от работы в мастерских. Писали исключительно на натуре, дабы легче было запечатлеть миг, образ, чувство.
5. Использовали только краски, имеющие хорошую кроющую способность.
6. Не дожидались, когда высохнет новый слой. Свежие мазки наносили сразу же.
7. Создавали циклы произведений, чтобы проследить за изменениями света и тени. Например, «Стога сена» кисти Клода Моне.

Разумеется, не все художники выполняли в точности особенности стиля импрессионизм. Картины Эдуара Мане, например, никогда не участвовали в совместных выставках, а сам он позиционировал себя как отдельно стоящий художник. Эдгар Дега работал только в мастерских, однако качеству его произведений это не вредило.

Представители французского импрессионизма

Первая выставка работ импрессионистов датирована 1874 годом. Спустя 12 лет прошла их последняя экспозиция. Первым произведением в этом стиле можно назвать «Завтрак на траве» кисти Э. Мане. Эта картина была представлена в «Салоне отверженных». Она была встречена недружелюбно, поскольку сильно отличалась от академических канонов. Именно поэтому Мане становится фигурой, вокруг которой собирается кружок последователей этого стилистического направления.

К сожалению, современниками не был по достоинству оценен такой стиль, как импрессионизм. Картины и художники существовали в несогласии с официальным искусством.

Постепенно на первый план в коллективе живописцев выходит Клод Моне, который впоследствии станет их предводителем и главным идеологом импрессионизма.

Клод Моне (1840—1926)

Творчество этого художника можно охарактеризовать как гимн импрессионизма. Именно он первым отказался от использования черного цвета в своих картинах, мотивируя это тем, что даже тени и ночь имеют другие тона.

Мир в картинах Моне — это неясные очертания, пространные штрихи, глядя на которые можно прочувствовать весь спектр игры цвета дня и ночи, времен года, гармонии подлунного мира. Лишь мгновение, которое было выхвачено из жизненного потока, в понимании Моне и есть импрессионизм. Картины его будто не обладают материальностью, все они пропитаны лучами света и потоками воздуха.

Клодом Моне были созданы удивительные работы: «Вокзал Сен-Лазар», «Руанский собор», цикл «Мост Чаринг-Кросс» и многие другие.

Огюст Ренуар (1841—1919)

Творения Ренуара создают впечатление необыкновенной легкости, воздушности, эфирности. Сюжет рожден как будто случайно, однако известно, что художник тщательно продумывал все этапы своей работы и трудился с утра до ночи.

Отличительной особенностью творчества О. Ренуара является применение лессировки, которое возможно только при написании Импрессионизм в работах художника проявляется в каждом штрихе. Человек воспринимается им как частица самой природы, поэтому так многочисленны картины с обнаженной натурой.

Любимым занятием Ренуара было изображение женщины во всей ее привлекательной и притягательной красоте. Портреты занимают особое место в творческой жизни художника. «Зонтики», «Девушка с веером», «Завтрак гребцов» — только малая часть удивительной коллекции картин Огюста Ренуара.

Жорж Сера (1859—1891)

Процесс создания картин Сера связывал с научным обоснованием теории цвета. Световоздушная среда рисовалась на основе зависимости основных и добавочных тонов.

Несмотря на то что Ж. Сера является представителем завершающего этапа импрессионизма, и его техника во многом отлична от основоположников, он точно так же создает с помощью мазков иллюзорное представление предметной формы, рассмотреть и увидеть которое можно лишь на расстоянии.

Шедеврами творчества можно назвать картины «Воскресный день», «Канкан», «Натурщицы».

Представители русского импрессионизма

Русский импрессионизм возник практически спонтанно, смешал в себе многие явления и методы. Однако основой, как и у французов, было натурное видение процесса.

В русском импрессионизме хоть и были сохранены черты французского, но особенности национальной природы и состояния души внесли значительные изменения. Например, видение снега или северных пейзажей выражалось с помощью необычной техники.

В России немногие художники работали в стиле импрессионизм, картины их притягивают взгляды и по сей день.

Импрессионистический период можно выделить в творчестве Валентина Серова. Его «Девочка с персиками» — ярчайший пример и эталон этого стиля в России.

Картины покоряют своей свежестью и созвучием чистых красок. Главной темой творчества этого художника является изображение человека на природе. «Северная идиллия», «В лодке», «Федор Шаляпин» — яркие вехи деятельности К. Коровина.

Импрессионизм в современности

В настоящее время это направление в искусстве получило новую жизнь. В данном стиле несколько художников пишут свои картины. Современный импрессионизмсуществует в России (Андре Кон), во Франции (Лоран Парселье), в Америке (Диана Леонард).

Андре Кон является самым ярким представителем нового импрессионизма. Его картины, написанные маслом, поражают своей простотой. Художник видит прекрасное в обыденных вещах. Творец трактует многие предметы через призму движения.

Акварельные произведения Лорана Парселье знает весь мир. Его серию работ «Странный мир» выпустили в виде открыток. Великолепные, яркие и чувственные, они захватывают дух.

Как и в веке 19-м, в настоящий момент художников остается пленэрная живопись. Благодаря ей будет вечно жить импрессионизм. художников по-прежнему вдохновляют, впечатляют и воодушевляют.

Одним из крупнейших течений в искусстве последних десятилетий девятнадцатого века и начала двадцатого является импрессионизм, распространившийся по всему миру из Франции. Его представители занимались разработкой таких методов и приемов живописи, которые позволили бы наиболее живо и естественно отразить реальный мир в динамике, передать мимолетные впечатления от него.

В стиле импрессионизма создавали свои полотна многие художники, однако основателями движения были Клод Моне, Эдуард Мане, Огюст Ренуар, Альфред Сислей, Эдгар Дега, Фредерик Базиль, Камиль Писсаро. Невозможно назвать их самые лучшие работы, так как все они прекрасны, но есть наиболее известные, именно о них далее и пойдет речь.

Клод Моне: «Впечатление. Восходящее солнце»

Полотно, с которого следует начинать разговор про лучшие картины импрессионистов. Клод Моне написал его в 1872 году с натуры в старом порту французского Гавра. Спустя два года картина впервые была продемонстрирована публике в бывшей мастерской французского художника и карикатуриста Надара. Эта выставка стала судьбоносной для мира искусства. Впечатленный (не в лучшем смысле) работой Моне, название которой на оригинальном языке звучит как «Impression, soleil levant», журналист Луи Леруа впервые ввел в оборот термин «импрессионизм», обозначив им новое направление в живописи.

Картина была украдена в 1985 г. вместе с работами О. Ренуара и Б. Моризо. Обнаружили ее спустя пять лет. В настоящее время «Впечатление. Восходящее солнце» принадлежит музею Мармоттан-Моне в Париже.

Эдуард Моне: «Олимпия»

Картина «Олимпия», созданная французским импрессионистом Эдуардом Мане в 1863 г. , является одним из шедевров современной живописи. Она была впервые представлена на Парижском салоне в 1865 г. Художники-импрессионисты и их картины нередко оказывались в центре громких скандалов. Однако «Олимпия» стала причиной самого крупного из них за всю историю искусства.

На полотне мы видим обнаженную женщину, лицом и телом обращенную к зрителям. Второй персонаж — это темнокожая служанка, в руках которой завернутый в бумагу роскошный букет. У изножья кровати присутствует черный котенок в характерной позе с выгнутой спиной. Об истории создания картины известно не так много, до нас дошли лишь два эскиза. Моделью послужила, вероятнее всего, любимая натурщица Мане — Викторина Мёнар. Существует мнение, что художник использовал образ Маргариты Белланже — любовницы Наполеона.

В тот период творчества, когда создавалась «Олимпия», Мане был увлечен японским искусством, и поэтому намеренно отказался от проработки нюансов темного и светлого. Из-за этого его современники не увидели объемности изображенной фигуры, посчитали ее плоской и грубой. Художника обвинили в аморальности, вульгарности. Никогда до этого картины импрессионистов не вызывали подобного ажиотажа и глумления со стороны толпы. Администрация была вынуждена поставить охранников вокруг нее. Дега сравнил известность Мане, завоеванную посредством «Олимпии», и мужество, с которым он принял критику, с историей жизни Гарибальди.

Почти четверть века после выставки полотно хранилось в недоступной для посторонних глаз мастерского художника. Затем его вновь выставили в Париже в 1889 г. Ее чуть было не купили, но друзья художника собрали нужную сумму и выкупили «Олимпию» у вдовы Мане, а затем передали в дар государству. Ныне картина принадлежит музею Орсе в Париже.

Огюст Ренуар: «Большие купальщицы»

Картина написана французским художником в 1884-1887 гг. Принимая во внимание все ныне известные картины импрессионистов в промежутке между 1863 и началом двадцатого века, «Больших купальщиц» называют самым масштабным полотном с обнаженными женскими фигурами. Ренуар работал над ним более трех лет, и в этот промежуток было создано множество набросков, эскизов. Больше не было в его творчестве ни одной картины, который бы он посвятил столько времени.

На переднем плане зритель видит трех обнаженных женщин, две из которых находятся на берегу, а третья стоит в воде. Фигуры написаны очень реалистично и четко, что является характерной чертой стиля художника. Натурщицами Ренуара были Алина Шариго (его будущая жена) и Сюзанна Валадон, которая в будущем и сама стала известной художницей.

Эдгар Дега: «Голубые танцовщицы»

Маслом по холсту написаны не все перечисленные в статье известные картины импрессионистов. Фото выше позволяет понять, что представляет собой картина «Голубые танцовщицы». Выполнена она пастелью на бумажном листе размером 65х65 см и принадлежит к позднему периоду творчества художника (1897 г.). Он рисовал ее с уже ослабленным зрением, поэтому первостепенное значение придается декоративной организации: воспринимается изображение как большие цветные пятна, особенно если рассматривать его вблизи. Тема танцовщиц была близка Дега. Она неоднократно повторялась в его творчестве. Многие критики считают, что по гармонии цвета и композиции «Голубых танцовщиц» можно считать лучшей работой художника на данную тему. В настоящее время картина хранится в Музее искусств им. А. С.Пушкина в Москве.

Фредерик Базиль: «Розовое платье»

Один из основоположников французского импрессионизма Фредерик Базиль родился в буржуазной семье состоятельного винодела. Еще в годы обучения в лицее он стал увлекаться живописью. Переехав в Париж, завел знакомство с К. Моне и О. Ренуаром. К сожалению, художнику судьбой был уготован короткий жизненный путь. Он погиб в 28 лет на фронте во время франко-прусской войны. Однако его, пусть и немногочисленные, полотна по праву включают в список «Лучшие картины импрессионистов». Одна из них — это «Розовое платье», написанная в 1864 г. По всем признакам полотно можно отнести к раннему импрессионизму: колористические контрасты, внимание к цвету, солнечное освещение и остановленное мгновенье, то самое, что назвали «впечатлением». В качестве модели выступала одна из кузин художника Тереза де Хорс. В настоящее время картина принадлежит Музею Орсе в Париже.

Камиль Писсаро: «Бульвар Монмартр. После полудня, солнечно»

Камиль Писсаро прославился благодаря своим пейзажам, характерной особенностью которых является прорисовка света и освещенных предметов. Его работы оказали заметное влияние на жанр импрессионизма. Художник самостоятельно выработал многие присущие ему принципы, легшие в основу творчества в дальнейшем.

Писсаро любил писать одно и то же место в разное время суток. У него существует целая серия полотен с парижскими бульварами и улочками. Наиболее известная из них — «Бульвар Монмартр» (1897 г.). Она отражает все то очарование, которое художник видит в кипящей и неугомонной жизни этого уголка Парижа. Рассматривая бульвар с одного и того же места, он демонстрирует его зрителю в солнечный и пасмурный день, утром, после полудня и поздним вечером. На фото ниже — картина «Бульвар Монмартр ночью».

Эту манеру переняли впоследствии многие художники. Упомянем лишь о том, какие картины импрессионистов написаны под влиянием Писсаро. Данная тенденция отчетливо прослеживается в творчестве Моне (серия полотен «Стога»).

Альфред Сислей: «Лужайки весной»

«Лужайки весной» — это одна из самых поздних картин пейзажиста Альфреда Сислея, написанная в 1880-1881 гг. На ней зритель видит лесную дорожку вдоль берега Сены с деревушкой на противоположном берегу. На переднем плане девушка — дочь художника Жанна Сислей.

Пейзажи художника передают подлинную атмосферу исторической области Иль-де-Франс и хранят в себе особую мягкость и прозрачность природных явлений, характерных для конкретных времен года. Художник никогда не был сторонником необычных эффектов и придерживался простой композиции и ограниченной палитры красок. Ныне картина хранится в Национальной галерее Лондона.

Мы перечислили самые известные картины импрессионистов (с названиями и описанием). Это шедевры мировой живописи. Зародившийся во Франции уникальный стиль живописи поначалу был воспринят с насмешкой и иронией, критиками подчеркивалась откровенная небрежность художников в написании полотен. Сейчас же вряд ли кто осмелится оспорить их гениальность. Картины импрессионистов выставлены в самых престижных музеях мира и являются желанным экспонатом для любой частной коллекции.

Стиль не канул в Лету и имеет много последователей. Наш соотечественник Андрей Кох, французский живописец Лоран Парселье, американки Диана Леонард и Карен Тарлтон — это известные современные импрессионисты. Картины их выполнены в лучших традициях жанра, наполнены яркими красками, смелыми мазками и жизнью. На фото выше — работа Лорана Парселье «В лучах солнца».

10 художников, которые покорили цвет / AdMe

Яркие пятна, брызги света, искрящийся воздух — эти художники видят мир трогательно красивым и восхитительно цветным.
AdMe.ru предлагает взглянуть на мир глазами этих волшебников. Вашему вниманию подборка картин современных импрессионистов, мастерски владеющих цветом и светом.

Работы болгарского художника Цвиатко Кинчева в стиле импрессионизма — это цифровая живопись: они выполнены на компьютере, в программе Photoshop. Невероятно сочные творения художника подчеркивают красоту и яркость окружающего мира.

Голландский художник Вильям Хенритс работает акварелью, акрилом и пастелью. Его творения — это удивительная нежность, звенящий воздух, которым дышат его краски, его изящные линии. Работы Вильяма известны во всем мире в виде высококачественных постеров и литографий.

Юрий Петренко родился в Сочи. Профессионально занимается живописью около 20 лет. Сочные цвета, милые домики, корабли и море. От его картин веет жарким солнцем и соленым ветерком. Работы находятся в частных коллекциях практически во всех странах мира.

Армянский художник Овик Зограбян появился на свет в семье известного художника и скульптора Никогоса Зограбяна. За характерными для импрессионизма штрихами проступает уникальный стиль самого художника. Его уютные цветные города, яркие домики наполнены солнцем и счастьем.
 

Линда Вайлдер — канадская художница. Линда обожает писать пейзажи, а мастихин — один из любимых ее инструментов. Яркие, точные мазки, тонко подмеченные оттенки и линии — картины Линды есть в корпоративных и частных коллекциях в Канаде и по всему миру.

Китайско-американский художник Кен Хонг Лунг тонко чувствует цвет и умеет передать магию покоя.  Его рыбацкие деревни и пейзажи берегов стали сенсацией в художественных кругах Гонконга. Кен считается одним из лучших мировых художников-неоимпрессионистов. Его называют хозяином заколдованных пейзажей, мечтательных настроений и магических отражений света и цвета.

Йохан Мессели живет и работает в Бельгии. Его картины отражают уютный мир тенистых провинциальных двориков, старинных калиточек и добрых окошек. Йохан умеет передать небрежными штрихами умиротворение и тихое счастье. Работает художник маслом и пастелями.

Джилл Чарук — современная канадская художница. Двадцать лет творила в индустрии одежды и интерьера. Она обожает утрировать цвета, усиливать контрасты. Ее яркие картины получили международное признание, они есть в коллекциях современного искусства в Северной Америке, Мексике и Европе. Джилл пишет в основном маслом и акрилом.

Леонид Афремов — всемирно признанный художник-импрессионист. Уроженец города Витебска, Республика Беларусь. Художник использует мастихин, работает в основном масляными красками. Вдохновение, по его собственным словам, черпает из многочисленных путешествий. Леонид видит мир ярким, сочным и умеет поделиться своим чудесным видением.

Эжен Джей Папроски родился в Чикаго. Большинство картин импрессиониста написаны на пленэре. Он любит быстро уловить суть, поймать настроение города и выплеснуть точно подмеченную эмоцию на холст. Некоторые картины художника находятся в стенах Белого дома, американских посольствах в Кувейте и Уругвае.

Современный импрессионизм художника E.J.Paprocki — Зарубежные художники — Живопись — Каталог файлов — МЕТОДИЧЕСКИЙ СУНДУЧОК

Художник E.J.Paprocki

«Художник E. J. Paprocki родился в Чикаго в 1971 году. Заядлый художник с детства, он изучал бизнес и изобразительное искусство в Университете Лойола в Чикаго, штат Иллинойс. У него было 16 персональных выставок, а его работы получили хорошие отзывы критиков и были показаны в нескольких международных журналах искусства. Его чувствительные и вызывающие воспоминания картины заработали толпы фанатов по всему миру и включены в более чем 1000 государственных, частных и корпоративных коллекций в Европе, Америки, Азии и Австралии. Продал свою первую картину в 18 лет. С тех пор успех неизменно сопутсnвует ему, что, впрочем, не удивительно».

Прекрасные картины всемирно известного американского художника E. J. Paprocki отличаются сильными, размашистыми мазками. В его пейзажах свет и воздух, воздух… Плотность воздуха! То ли это морской бриз, то ли марево жаркого полдня. Щедрый на яркую гамму импрессионист, с мощной, объемной манерой письма, но при этом не мастихиновый представитель. Картины мастера находятся во многих частных и государственных музеях, в коллекциях его многочисленных поклонников.

Импрессионизм E.J.Paprocki. Картина Lower Slaughter in Autumn. 30х40 дюймов холст масло

Импрессионизм E.J.Paprocki. Картина English Garden, Chipping Campden. 36х48 дюймов холст масло

Импрессионизм E.J.Paprocki. Картина Chipping Campden. 20х16 дюймов холст масло

Импрессионизм E.J.Paprocki. Картина Oriental Drama. 20х24 дюйма холст масло

Импрессионизм E.J.Paprocki. Картина Scarf 24х24 дюйма холст масло

Импрессионизм E.J.Paprocki. Картина Boulevard St. Germain, Paris. 24х30 дюймов холст масло

Импрессионизм E.J.Paprocki. Картина Bruges in Snow. 13х18 дюймов холст масло

Импрессионизм E.J.Paprocki. Картина River in Autumn. 36х48 дюймов холст масло

Импрессионизм E.J.Paprocki. Картина River in Pont Aven. 16х12 дюймов холст масло

Импрессионизм E.J.Paprocki. Картина Art Institute. 16х20 дюймов холст масло

Импрессионизм E.J.Paprocki. Картина Ships at Sunset. 16х24 дюйма холст масло

Импрессионизм E.J.Paprocki. Картина Beach Day. 25х30 дюйма холст масло

Импрессионизм E.J.Paprocki. Картина Maggie. 30х24 дюймов холст масло

Импрессионизм E.J.Paprocki. Картина Williams Creek. 40х30 дюймов холст масло

Импрессионизм E.J.Paprocki. Картина Cafe de Flore, Paris. 24х36 дюймов холст масло

       E. J.Paprocki взял первый раз в руки кисть, когда ему было семь лет. Его детство было наполнено художественной практикой и поощрением окружающих. Он черпал вдохновение из частых поездок отца, который брал его в Нью-Йорк. Вскоре он был настолько очарован безостановочной энергией города, который никогда не спит, что в 18 лет он около четырех месяцев провел за написанием одной картины Hotel Plaza. Когда он ее закончил, то отправил потенциальному покупателю фотографию своей картины. И это была его первая продажа.

Импрессионизм E.J.Paprocki. Картина Tea Roses. 16х20 дюймов холст масло

Импрессионизм E.J.Paprocki. Картина Autumn Light . 13х18 дюймов холст масло

    Надо сказать, что у молодого художника были опасения по поводу возможности зарабатывать на жизнь профессией художника. И он решил специализироваться в области финансов в Чикагском Университете Loyola. Однако, искусство то же не забросил. В итоге, E.J.Paprocki получил образование бизнесмена и художника.
Прежде, чем он закончил обучение в 1993 году, две галереи предложили ему продать свои работы. Одна из галерей была всемирно известной галереей Морис Штернберг.

Импрессионизм E.J.Paprocki. Картина Winter Evening, St. Germain, Paris . 16х24 дюйма холст масло

После того как E.J.Paprocki защитил степень бакалавра, он решил дополнить свое заочное обучение искусству большим путешествием по Европе, с посещением легендарных музеев. E.J.Paprocki думал, что лучшее обучение для его молодой карьеры будет писать те же мотивы, что писали Мане, Моне и Ренуар. И он отправился в Ирландию, Англию, Бельгию, Францию, Италию, Австрию и Испанию, где улучшил свою навыки пленэрного художника.

      В то время он уже был женат, и у него было двое сыновей, которые часто служили ему в качестве модели для сцен на пляже.
Далее можно перечислять достижения художника в выставочной области. Это мало кому интересно. Лучше скажу, что картины его в среднем стоят от 4000 до 12000 долларов. И картины этого художника находятся в более чем тысяче частных, государственных и корпоративных коллекций по всему миру.

отсюда

Современный импрессионизм Джереми Манна

Импрессионизм очень сильно изменил живопись. Художники, творившие в этом направлении, впервые пробуют передать движение, поймать мгновение… А потому так часта в их работах тема дождя. Что может быть подвижнее и непостояннее, чем текущая вода?

Смешивая и искусно соединяя техники японской гравюры, и не боясь  привносить прямо фотографические нотки в свои работы, импрессионисты наполняли свои картины настоящим, будто живым светом. Так на выставке Куинджи многие посетители заглядывали за картину, ища источник света, настолько невероятно яркой и живой была его знаменитая картина «Ночь на Днепре».

Городские пейзажи Джереми Манна также буквально светятся, но этот свет другой. Серия картин под названием «Ноктюрн» — это невероятные и подвижные пейзажи ночного Сан-Франциско. Дорога, заполненная автомашинами вечером. Идёт дождь, и лёгкая сырость будто течёт с картины, и ярки фары автомобилей в ночной тьме, ещё секунда — и они начнут двигаться, сердито гудя друг другу.

Глядя на San Francisco Downtown Sunset кажется, что и правда можно вдохнуть этот запах разогретой за день улицы, воздух, пропитанный парами бензина и почти коснуться автобуса впереди. Манн умеет захватить ощущение духа каждого города и неосязаемую атмосферу момента.

Джереми Манн — современный американский живописец родом из Огайо. Закончив с отличием Университет в родном штате, Джереми перебирается продолжить обучение в Калифорнию, где становится лучшим студентом выпуска. С самого начала карьеры Манн привлекает к себе серьёзное внимание в мире искусства и получает признание у критиков и коллекционеров. Иллюстрации его картин украшают художественные журналы, такие как American Art Collector magazine (Американский Журнал Коллекционера произведений искусства). Его работы наполняет именно «Впечатление». Контраст тёмного и светлого, невероятные сочетания ярких и пастельных тонов — согласно всем традициям импрессионизма красками порождается невероятной силы чувство момента.

Молодые женщины, яркие и интригующие, меланхолично задумчивые и загадочные, словно редкие птицы — у Манна примечательны не только городские пейзжи, но и серия женских портретов, приоткрывающая уникальную и едва уловимую красоту индивидуальности.

Манн не использует кисти. Только руки и куски ткани. Он мастер контраста и невероятных переходов темного в абсолютную темноту и внезапных, подчас ослепляющих вспышек света. Его картины зачастую пишутся им на деревянных панелях. Посмотрите — абстракция в работах Джереми как способ подчеркнуть конкретику. Таков, к примеру, импрессионистский «Дождливый Вечер в Пригороде» (Evening Rains Downtown).

Сегодня работы Манна собирают огромные выставки, они находятся во многих частных коллекциях и галереях. 

Персональный сайт художника: www.redrabbit7.com

Сад и цветы в произведениях импрессионистов. Современный импрессионизм в живописи

Импрессионизм – направление в живописи, зародившееся во Франции в XIX-XX веках, являющее собой художественную попытку запечатлеть какой-нибудь момент жизни во всей его изменчивости и подвижности. Картины импрессионистов словно качественно смытая фотография, возрождающая в фантазии продолжение увиденной истории. В этой статье мы рассмотрим 10 самых известных импрессионистов мира. К счастью, талантливых художников гораздо больше десяти, двадцати или даже ста, поэтому давайте остановимся на тех именах, которые нужно знать обязательно.

Чтобы не обидеть ни художников, ни их почитателей, список приведен в русском алфавитном порядке.

1. Альфред Сислей

Этот французский живописец английского происхождения считается самым известным пейзажистом второй половины XIX века. В его коллекции насчитывается более 900 картин, из которых самые известные это «Сельская аллея», «Мороз в Лувесьене», «Мост в Аржантее», «Ранний снег в Лувесьенне», «Лужайки весной», и многие другие.

2. Ван Гог

Известный всему миру печальной историей о своем ухе (кстати, отрезал он не все ухо, а только мочку), Ван Гон стал популярным лишь после своей кончины. А за жизнь смог продать одну-единственную картину, за 4 месяца до смерти. Говорят, он был и предпринимателем, и священником, но нередко попадал в психиатрические больницы из-за депрессии, поэтому вся мятежность его существования вылилась в легендарные произведения.

3. Камиль Писсарро

Писсарро родился на острове Сент-Томас, в семье буржуазных евреев, и был одним из немногих импрессионистов, родители которого поощряли его увлечение и вскоре отправили в Париж на обучение. Больше всего художнику пришлась по вкусу природа, ее-то он и изображал во всех красках, а если сказать точнее, то у Писсарро был особый талант подбирать мягкость цветов, сочетаемость, после чего на картинах словно появлялся воздух.

4. Клод Моне

С детства парнишка решил, что станет художником, несмотря на запреты семьи. Самостоятельно переехав в Париж, Клод Моне окунулся в серые будни тяжелой жизни: два года на службе в вооруженных войсках в Алжире, тяжба с кредиторами из-за бедности, болезни. Однако, создается ощущение, что трудности не угнетали, а наоборот, воодушевляли художника создавать такие яркие картины, как «Впечатление, восход солнца», «Здание парламента в Лондоне», «Мост в Европу», «Осень в Аржантее», «На берегу Трувилля», и множество других.

5. Константин Коровин

Приятно знать, что среди французов, родителей импрессионизма, можно с гордостью поставить нашего соотечественника – Константина Коровина. Страстная любовь к природе помогла ему интуитивно придавать невообразимую живость статической картинке, благодаря соединению подходящих красок, ширины мазков, выбора темы. Невозможно пройти мимо его картин «Пристань в Гурзуфе», «Рыба, вино и фрукты», «Осенний пейзаж», «Лунная ночь. Зима» и серии его работ, посвященных Парижу.

6. Поль Гоген

До 26-ти лет Поль Гоген и не задумывался о живописи. Он был предпринимателем и имел большую семью. Однако когда впервые увидел картины Камиля Писсарро, решил, что непременно станет рисовать. С течением времени стиль художника менялся, но самые известные импрессионистические картины это – «Сад в снегу», «У обрыва», «На пляже в Дьеппе», «Обнаженная», «Пальмы на Мартинике» и другие.

7. Поль Сезанн

Сезанн, в отличие от большинства своих коллег, стал известен еще при жизни. Ему удалось организовать собственную выставку и выручать с нее немалые доходы. Люди знали толк в его картинах – он, как никто другой научился совмещать игру света и тени, делал громкий акцент на правильных и неправильных геометрических формах, строгость тематики его картин гармонировала с романтикой.

8. Пьер Огюст Ренуар

До 20-ли лет Ренуар работал декоратором вееров у старшего брата, и только потом перебрался в Париж, где познакомился с Моне, Базилем и Сислеем. Это знакомство помогло ему в будущем стать на дорогу импрессионизма и прославиться на ней. Ренуар известен как автор сентиментального портрета, среди его самых выдающихся работ – «На террасе», «Прогулка», «Портрет актрисы Жанны Самари», «Ложа», «Альфред Сислей и его жена», «На качелях», «Лягушатник» и многие другие.

9. Эдгар Дега

Если вы еще ничего не слышали о «Голубых танцовщицах», «Репетиции балета», «Балетной школе» и «Абсенте» — поспешите скорее узнать о творчестве Эдгара Дега. Подбор оригинальных цветов, уникальных тем для картин, ощущение движения картинки – все это и многое другое сделало Дега одним из самых известных художников мира.

10. Эдуард Мане

Не путайте Мане с Моне – это два разных человека, работавших в одно время и в одном художественном направлении. Мане всегда привлекали сцены бытового характера, необычные внешности и типажи, как будто случайно «пойманные» моменты, впоследствии запечатленные на века. Среди известных картин Мане: «Олимпия», «Завтрак на траве», «Бар в «Фоли-Бержер», «Флейтист», «Нана» и другие.

Если у вас появится хоть малейшая возможность повидать картины этих мастеров вживую – вы навсегда влюбитесь в импрессионизм!

Алексей Зайцев — один из ярких представителей импрессионизма . Работы этого современного художника хорошо известны не только в России, но и за рубежом. Мастер пишет маслом, щедро накладывая мазки, но картины получаются легкими и солнечными. Пожалуй, в этом и таится секрет очарования его полотен.

Алексей Зайцев родом из Рязани. Любовь к живописи развивалась у него с детства — родная тетя Алексея была заслуженным художником союза, она с удовольствием знакомила племянника с миром искусства. Быть может, детские наблюдения за тем, как рождаются картины, и стали отправной точкой для творческих исканий будущего художника.

Решив связать свою жизнь с изобразительным искусством, Алексей поступает в московский университет и получает образование по специальности «книжный график». Профессиональным иллюстратором он так и не стал, но знания и навыки, полученные в вузе, позволили Алексею Зайцеву развивать свой художественный талант.

Отличительная черта в характере Алексея Зацева — беззаветная любовь к Родине. Путешествуя по Москве и пригородам, он с упоением наблюдает за повседневной жизнью простых людей, часто делает наброски на пленэре, а после, вернувшись в мастерскую, дорабатывает изображения. Художнику одинаково хорошо удаются и урбанистические зарисовки, и природные пейзажи, и жанровые сценки. Все дышит жизнью, полно красок. Художник мастерски сочетает работу мастихином и прорисовку деталей кистью, в результате картины не теряют утонченности, но приобретают особую насыщенность цветовой гаммы.

Считается, что искусство не имеет границ. Тем не менее люди решили разделять произведения художников по жанрам, в которых можно довольно легко запутаться, ведь границы стилей условны. Сегодня речь пойдет об одном из основных направлений в живописи — импрессионизме.

Возникновение импрессионизма

Импрессионизм как жанр искусства возник во Франции в 1870-х гг. Зарождением этого стиля послужило создание картины К. Моне «Впечатление. Восход солнца» (1872 г.). Один журналист назвал художника импрессионистом, однако с отрицательным смыслом. Но вскоре это забылось, а картина породила новый жанр.

в 1874 году свою первую отдельную выставку провели художники-имперссионисты. Картины, выставленные на ней, подверглись критике за отсутствие смысла, раскованность и плохую прорисовку. Однако художники не останавливались и продолжали организовывать подобные мероприятия, заявляя о своем искусстве.

Импрессионизм был чисто французским явлением. Художники из других стран смогли перенять некоторые черты, однако не в полной мере.

Именно импрессионисты первыми отошли от общепризнанных стандартов и шаблонов академического письма, дав тем самым огромный толчок развитию художественного искусства. Они глубоко занимались исследованиями цветов и новых техник письма, что в конечном итоге и привело нас к сегодняшнему разнообразию.

Следует отметить, что импрессионизм оказал серьезное влияние и вдохновил своей новизной представителей и других сфер искусства: скульптуры, музыки и литературы.

О чем рассказывают картины импрессионистов

Импрессионизм сосредоточен на изображении и том впечатлении, которое оно дает зрителю. Картины импрессионистов чаще всего изображают обычные сцены из жизни: городскую суету или пейзажи. Их работы дарят зрителям те мимолетные впечатления, которые испытали сами живописцы. Импрессионизм не замечает проблем или негатива, он показывает исключительно положительные стороны жизни.

В основном на картинах можно увидеть такие сюжеты, как пикники, катание на лодках, танцы, чаепития, забавы на открытом воздухе и прочие радости жизни. Людей на картинах не застывшими, а двигающимися, играющими, смеющимися чаще всего изображали импрессионисты. Картины позволяют нам окунуться в живую реальность прошлых веков, увидеть, какая обстановка окружала людей XIX века.

Особенности картин импрессионистов

Талант отражения на полотне моментальныго первого впечатления является главной чертой всех художников. Они всегда творили с натуры, без всяких зарисовок, улавливая и передавая общее настроение. Картины импрессионистов не несут глубокого смысла или скрытого содержания, они изображают обыденную жизнь, но делают это не просто, а мастерски. При взгляде на такие картины у зрителя сразу появляется определенная мысль или эмоция, которая остается еще на некоторое время после просмотра.

Особый стиль письма развивали импрессионисты. Картины, написанные ими, чаще всего отличаются нечеткими линиями и отдельными мазками Дело в том, что они передавали все цвета стандартным набором красок, умело ставя мазки. Большое внимание в работах они уделяли игре света, и теням, старались создать контраст. Показательной в этом плане может служить картина О. Ренуара «Бал в Мулен де ла Галетт» (1876 г.).

Великие импрессионисты прошлого

С момента создания течения было множество художников, творивших в стиле импрессионизма, однако по-настоящему великими можно назвать совсем немногих. Так, наиболее известные художники-импрессионисты — это К. Моне, О. Ренуар, А. Сислей и К. Писсаро. Вообще, импрессионизм как течение был особенно популярен в конце XIX века, именно тогда творили истинные мастера.

Это послужило началом, вдохновением для других не менее именитых художников — В. ван Гога, П. Сезанна, П. Гогена. Эти художники стали основателями постимпрессионизма, который сделал своей целью отказ от изображения реальной жизни, переход к изображению ее основ.

Современные импрессионисты

Не стоит думать, что направление перестало существовать после его расцвета. До сих пор есть художники, которые для своего творчества выбирают именно импрессионизм.

Картины современных импрессионистов вызывают не меньше восхищения, чем полотна прошлого. На сегодняшний день немало мастеров творит в этом жанре, однако кто из них наиболее достоин этого титула, покажет время. Тем не менее есть несколько художников, полотна позиционируются как картины импрессионистов. Фото их работ представлены ниже.

Возьмем, к примеру, художника по имени Кент Р. Уоллис (Kent R. Wallis). Его полотна отличаются яркими, насыщенными красками, с помощью которых он создает великолепные пейзажи.

Также завораживают картины художника И.Дж. Папроски (E.J. Paprocki).

В его полотнах цветы, листья и другие мелкие элементы выполняются очень реалистично, в то время как остальной фон выполняется мазками. Это позволяет ему передавать красоту деталей и в то же время общие первые впечатления, характерные для импрессионизма.

Импрессионизм – направление в искусстве, возникшее во второй половине XIX в. Его главной целью была передача мимолетных, изменчивых впечатлений.

Появление импрессионизма связывают с наукой: с последними открытиями оптики и теории цвета.

Это направление затронуло почти все виды искусства, но наиболее ярко оно проявилось в живописи, где передача цвета и света являлась основой творчества художников-импрессионистов.

Значение термина

Импрессиони́зм (фр. Impressionnisme) от impression – впечатление). Этот стиль живописи появился во Франции в конце 1860-х гг. Его представляли Клод Моне, Огюст Ренуар, Камиль Писсарро, Берта Моризо, Альфред Сислей, Жан Фредерик Базиль. Но сам термин появился в 1874 г., когда на выставке была показана картина Моне «Впечатление. Восходящее солнце» (1872). В названии картины Моне подразумевал, что он передаёт только своё мимолётное впечатление от пейзажа.

К. Моне «Впечатление. Восход солнца» (1872). Музей Мармоттан-Моне, Париж
Позже термин «импрессионизм» в живописи стал пониматься шире: внимательное изучение натуры с точки зрения цвета и освещения. Целью импрессионистов было изображение мгновенных, как бы «случайных» ситуаций и движений. Для этого ими были использованы различные приёмы: сложные ракурсы, асимметричность, фрагментарность композиций. Картина у художников-импрессионистов становится как бы застывшим мгновением постоянно изменяющегося мира.

Художественный метод импрессионистов

Самые популярные жанры импрессионистов – пейзажи и сцены из городской жизни. Они всегда писались «на пленэре», т.е. непосредственно с натуры, на природе, без эскизов и предварительных набросков. Импрессионисты замечали и умели передавать на холсте цвета и оттенки, обычно невидимые простым глазом и невнимательным зрителем. Например, передача синего цвета в тенях или розового – на закате. Они разлагали сложные тона на составляющие их чистые цвета спектра. От этого их живопись получалась светлой и трепетной. Художники-импрессионисты краски накладывали отдельными мазками, в свободной и даже небрежной манере, поэтому их картины лучше смотреть на расстоянии – именно при таком взгляде создаётся эффект живого мерцания красок.
Импрессионисты отказались от контура, заменив его мелкими раздельными и контрастными мазками.
К. Писсарро, А. Сислей и К. Моне предпочитали пейзажи и городские сцены. О. Ренуар любил изображать людей на лоне природы или в интерьере. Французский импрессионизм не поднимал философские и социальные проблемы. Они не обращались к библейским, литературным, мифологическим, историческим сюжетам, которые были присущи официальному академизму . Вместо этого на живописных полотнах появилось изображение будничности и современности; изображение людей в движении, во время отдыха или развлечения. Их основные сюжеты – флирт, танцы, люди в кафе и театре, прогулки на лодках, пляжи и сады.
Импрессионисты старались уловить мимолётное впечатление, мельчайшие изменения в каждом предмете в зависимости от освещения и времени суток. В этом плане наивысшим достижением можно считать циклы картин Моне «Стога сена», «Руанский собор» и «Парламент Лондона».

К. Моне «Собор в Руане в солнце» (1894). Музей Орсе, Париж, Франция
«Руанский собор» – цикл из 30 картин Клода Моне, которые представляют собой виды собора в зависимости от времени дня, года и освещения. Этот цикл был написан художником в 1890-х гг. Собор позволил ему показать отношение между постоянной, твёрдой, структурой здания и изменяющимся, легко играющим светом, меняющим наше восприятие. Моне концентрируется на отдельных фрагментах готического собора и выбирает портал, башню святого Мартина и башню Альбане. Его интересует исключительно игра света на камне.

К. Моне «Руанский Собор, Западный Портал, Туманная Погода» (1892). Музей Орсе, Париж

К. Моне «Руанский собор, портал и башня, эффект утра; белая гармония» (1892-1893). Музей Орсе, Париж

К. Моне «Руанский собор, портал и башня в солнце, гармония голубого и золота» (1892-1893). Музей Орсе, Париж
Вслед за Францией художники-импрессионисты появились в Англии и США (Джеймс Уистлер), в Германии (Макс Либерман, Ловис Коринт), в Испании (Хоакин Соролья), в России (Константин Коровин, Валентин Серов, Игорь Грабарь).

О творчестве некоторых художников-импрессионистов

Клод Моне (1840-1926)

Клод Моне, фотография 1899 г.
Французский живописец, один из основателей импрессионизма. Родился в Париже. Рисованием увлекался с детства, в 15 лет проявил себя талантливым карикатуристом. К пейзажной живописи его приобщил Эжен Буден – французский художник, предшественник импрессионизма. Позже Моне поступил в университет на факультет искусств, но разочаровался и покинул его, поступив в студию живописи Шарля Глейра. В студии он познакомился с художниками Огюстом Ренуаром, Альфредом Сислеем и Фредериком Базилем. Они были практически сверстниками, придерживались схожих взглядов на искусство и вскоре составили костяк группы импрессионистов.
Известность Моне принёс портрет Камиллы Донсьё, написанный в 1866 г. («Камилла, или портрет дамы в зелёном платье»). Камилла в 1870 г. года стала женой художника.

К. Моне «Камилла» («Дама в зеленом») (1866). Кунстхалле, Бремен

К. Моне «Прогулка: Камилла Моне с сыном Жаном (Женщина с зонтиком)» (1875). Национальная галерея искусства, Вашингтон
В 1912 г. врачи поставили К. Моне диагноз двойной катаракты, ему пришлось перенести две операции. Лишившись хрусталика на левом глазу, Моне вновь обрел зрение, но стал видеть ультрафиолет как голубой или лиловый цвет, отчего его картины обрели новые цвета. Например, рисуя знаменитые «Водяные лилии», Моне видел лилии голубоватыми в ультрафиолетовом диапазоне, для других людей они были просто белыми.

К. Моне «Водяные лилии»
Художник скончался 5 декабря 1926 г. в Живерни и был похоронен на местном церковном кладбище.

Камиль Писсарро (1830-1903)

К. Писсарро «Автопортрет» (1873)

Французский живописец, один из первых и наиболее последовательных представителей импрессионизма.
Родился на острове Сент-Томас (Вест-Индия), в буржуазной семье еврея-сефарда и уроженки Доминиканской республики. До 12 лет жил в Вест-Индии, в возрасте 25 лет вместе со всей семьёй переехал в Париж. Здесь учился в Школе изящных искусств и в Академии Сюиса. Его учителями были Камиль Коро, Гюстав Курбе и Шарль-Франсуа Добиньи. Начинал с сельских пейзажей и видов Парижа. Писсарро оказал сильное влияние на импрессионистов, самостоятельно выработав многие принципы, легшие в основу их стиля живописи. Он дружил с художниками Дега, Сезанном и Гогеном. Писарро был единственным участником всех 8 выставок импрессионистов.
Скончался в 1903 г. в Париже. Похоронен на кладбище Пер-Лашез.
Уже в ранних работах художник особое внимание уделял изображению освещенных предметов в воздушной среде. Свет и воздух стали с тех пор ведущей темой в творчестве Писсарро.

К. Писсарро «Бульвар Монмартр. После полудня, солнечно» (1897)
в 1890 г. Писарро увлёкся техникой пуантилизма (раздельного наложения мазков). Но через некоторое время вернулся к своей обычной манере.
В последние годы жизни у Камиля Писсарpо заметно испортилось зрение. Но он продолжал работу и создал серию видов Парижа, наполненных художественными эмоциями.

К. Писсарро «Улица в Руане»
Необычный ракурс некоторых его полотен объясняется тем, что художник писал их из гостиничных номеров. Эта серия стала одним из высших достижений импрессионизма в передаче света и атмосферных эффектов.
Писсарро писал также акварелью и создал серию офортов и литографий.
Вот несколько его интересных высказываний об искусстве импрессионизма: «Импрессионисты на верном пути, их искусство здоровое, оно основано на ощущениях и оно честное».
«Счастлив тот, кто может разглядеть красоту в обычных вещах, там, где другие ничего не видят!»

К. Писсарро «Первый мороз» (1873)

Русский импрессионизм

Русский импрессионизм развивался с конца XIX-начала XX в. В нём сказалось воздействие творчества французских импрессионистов. Но русский импрессионизм имеет ярко выраженную национальную специфику и во многом не совпадает с хрестоматийными представлениями о классическом французском импрессионизме. В живописи русских импрессионистов преобладают предметность, материальность. В нём большая нагруженность смыслом и меньшая динамизация. Русский импрессионизм ближе, чем французский, к реализму . Французские импрессионисты делали упор на впечатлении от увиденного, а русские добавили и отображение внутреннего состояния художника. Работа должна была быть завершена за один сеанс.
Некоторая незавершенность русского импрессионизма создаёт «трепет жизни», который был характерен для них.
К импрессионизму относят творчество русских художников: А. Архипова, И. Грабаря, К. Коровина, Ф. Малявина, Н. Мещерина, А. Мурашко, В. Серова, А. Рылова и др.

В. Серов «Девочка с персиками» (1887)

Эту картину считают эталоном русского импрессионизма в портрете.

Валентин Серов «Девочка с персиками» (1887). Холст, масло. 91×85 см. Государственная Третьяковская галерея
Картина написана в усадьбе Саввы Ивановича Мамонтова в Абрамцево, которую тот приобрел у дочери писателя Сергея Аксакова в 1870 г. На портрете изображена 12-летняя Вера Мамонтова. Девочка нарисована сидящей за столом; на ней розовая блузка с тёмно-синим бантом; на столе нож, персики и листья.
«Всё, чего я добивался, – это свежести, той особенной свежести, которую всегда чувствуешь в натуре и не видишь в картинах. Писал я больше месяца и измучил её, бедную, до смерти, уж очень хотелось сохранить свежесть живописи при полной законченности, – вот как у старых мастеров» (В. Серов).

Импрессионизм в других видах искусства

В литературе

В литературе импрессионизм как отдельное направление не сложился, но его черты нашли отражение в натурализме и символизме .

Эдмон и Жюль Гонкуры. Фотография
Принципы натурализма прослеживаются в романах братьев Гонкуров и Джордж Элиот. Но первым термин «натурализм» использовал для обозначения собственного творчества Эмиль Золя. Вокруг Золя группировались писатели Ги де Мопассан, Альфонс Доде, Гюисманс и Поль Алексис. После выхода сборника «Меданские вечера» (1880) с откровенными рассказами о бедствиях франко-прусской войны (включая мопассановскую повесть «Пышка») за ними закрепилось название «меданской группы».

Эмиль Золя
Натуралистическое начало в литературе часто подвергалось критике за недостаток художественности. Например, И. С. Тургенев писал по поводу одного из романов Золя, что «там много копаются в ночных горшках». Критически относился к натурализму и Гюстав Флобер.
Золя поддерживал дружеские отношения со многими художниками-импрессионистами.
Символисты использовали символы, недосказанность, намеки, таинственность, загадочность. Основным настроением, улавливаемым символистами, являлся пессимизм, доходящий до отчаянья. Всё «природное» представлялось лишь «видимостью», не имеющей самостоятельного художественного значения.
Таким образом, импрессионизм в литературе выражался частным впечатлением автора, отказом от объективной картины реальности, изображением каждого мгновения. Фактически это приводило к отсутствию сюжета и истории, заменой мысли восприятием, а рассудок – инстинктом.

Г. Курбе «Портрет П. Верлена» (около 1866 г.)
Яркий пример поэтического импрессионизма – сборник Поля Верлена «Романсы без слов» (1874). В России влияние импрессионизма испытали Константин Бальмонт и Иннокентий Анненский.

В. Серов «Портрет К. Бальмонта» (1905)

Иннокентий Анненский. Фотография
Эти настроения коснулись и драматургии. В пьесах присутствует пассивное восприятие мира, анализ настроений, душевных состояний. В диалогах концентрируются мимолётные разрозненные впечатления. Эти признаки характерны для творчества Артура Шницлера.

В музыке

Музыкальный импрессионизм сложился во Франции в последнюю четверть XIX в. – начале XX в. Ярче всего он выразился в творчестве Эрика Сати, Клода Дебюсси и Мориса Равеля.

Эрик Сати
Музыкальный импрессионизм близок импрессионизму во французской живописи. У них не только общие корни, но и причинно-следственные отношения. Композиторы-импрессионисты искали и находили не только аналогии, но и выразительные средства в творчестве Клода Моне, Поля Сезанна, Пюви де Шаванна и Анри де Тулуз-Лотрека. Конечно, средства живописи и средства музыкального искусства могут быть связаны друг с другом только при помощи особенных, тонких ассоциативных параллелей, существующих только в сознании. Если смотреть на расплывчатое изображение Парижа «в осеннем дожде» и такие же звуки, «приглушённые шумом падающих капель», то здесь можно говорить только о свойстве художественного образа, но не реального изображения.

Клод Дебюсси
Дебюсси пишет «Облака», «Эстампы» (наиболее образный из которых, акварельная звуковая зарисовка – «Сады под дождём»), «Образы», «Отблески на воде», которые вызывают прямые ассоциации со знаменитым полотном Клода Моне «Импрессия: восход солнца». По выражению Малларме, композиторы-импрессионисты учились «слышать свет», передавать в звуках движение воды, колебание листвы, дуновение ветра и преломление солнечных лучей в вечернем воздухе.

Морис Равель
Прямые связи живописи и музыки существуют у М. Равеля в его звукоизобразительной «Игре воды», цикле пьес «Отражения», фортепианном сборнике «Шорохи ночи».
Импрессионисты создавали произведения утончённые искусства и одновременно ясные по выразительным средствам, эмоционально сдержанные, бесконфликтные и строгие по стилю.

В скульптуре

О. Роден «Поцелуй»

Импрессионизм в скульптуре выражался в свободной пластике мягких форм, которая создает сложную игру света на поверхности материала и ощущение незавершенности. В позах скульптурных персонажей схвачен момент движения, развития.

О. Роден. Фотография 1891 г.
К этому направлению относят скульптурные работы О. Родена (Франция), Медардо Россо (Италия), П.П. Трубецкого (Россия).

В. Серов «Портрет Паоло Трубецкого»

Па́вел (Паоло) Трубецко́й (1866-1938) – скульптор и художник, работал в Италии, США, Англии, России и Франции. Родился в Италии. Внебрачный сын русского эмигранта, князя Петра Петровича Трубецкого.
С детства самостоятельно заниматься скульптурой и живописью. Никакого образования не имел. В начальный период своего творчества создавал портретные бюсты, произведения мелкой пластики, участвовал в конкурсах на создание крупных скульптур.

П. Трубецкой «Памятник Александру III», Санкт-Петербург
Первая выставка произведений Паоло Трубецкого состоялась в США в 1886 г. В 1899 г. скульптор приехал в Россию. Принимает участие в конкурсе по созданию памятника Александру III и неожиданно для всех получает первую премию. Этот памятник вызывал и продолжает вызывать разноречивые оценки. Более статичного и тяжеловесного памятника трудно себе представить. И только положительная оценка императорской семьи позволила занять памятнику соответствующее место — в скульптурном изображении нашли сходство с оригиналом.
Критики считали, что Трубецкой работал в духе «устаревшего импрессионизма».

Образ гениального русского писателя получился у Трубецкого более «импрессионистическим»: здесь явно присутствует движение — в складках рубахи, развевающейся бороде, повороте головы, присутствует даже ощущение того, что скульптору удалось уловить напряжение мысли Л. Толстого.

П. Трубецкой «Бюст Льва Толстого» (бронза). Государственная Третьяковская галерея

Импрессионизм зачастую рассматривается именно как направление в живописи, зародившееся в XIX веке во Франции. Импрессионизм привнес в двойную революцию, которая одновременно отражается в видении мира и живописной технике. Он показывает живопись движущейся, эфемерной, ускользающей, делая акцент на уходящее мгновение в настоящем времени. Кроме того, импрессионизму свойственен свет, прикосновение, а также цветная вибрация.

Ярких представителей современного импрессионизма в живописи много, но в данной публикации мы сосредоточимся на четырех художниках — Andre Kohn (Россия), Laurent Parcelier (Франция), Diane Leonard и Karen Tarlton (США) — каждый из которых владеет уникальной техникой в живописи.

Andre Kohn — выходец из Волгограда, Российская Федерация. С 15 лет занялся серьезным изучением живописи под руководством Натальи Гавриченко и Анатолия Врубеля. Так как художник заслужил высокой похвалы в масляной живописи со стороны западных коллег, он мигрировал в Америку. На данный момент живет с семьей в Фениксе. Картины художника находятся в корпоративных, музейных и частных коллекциях Европы, Канады, США, Японии, Австралии и России.

Андре Кон является признанным лидером в области современного импрессионизма. Благодаря зрелому и свежему образному стилю, он всегда творит необычное из обычного. Предметы художника интерпретируются через поэзию движения. На американской арене импрессионист Andre Kohn считается одним из самых интересных фигур.

Современный французский импрессионизм в живописи Laurent Parcelier

Laurent Parcelier — маэстро акварели, современный французский импрессионист. Характерным в творчестве Порцельера является чистая и яркая манера передачи тех мест, где побывал сам художник. художника блистает светом, яркостью, импрессией. Авторские мазки и тона присущие только ему одному.

Современный американский импрессионизм в живописи Diane Leonard

Современный художник-импрессионист Karen Tarlton

Карен — действующий специалист в импрессионистской живописи мастихином. Зачастую рисует пейзажи и портреты. На сегодняшний день живет и работает на Манхэттен-Бич, штат Калифорния.

5 современных художников отдают дань уважения великому Клоду Моне

«Округлая клумба (Corbeille de fleurs)» (1876), Клод Моне.

Клод Моне мог иметь скромное начало — его отец хотел, чтобы он стал бакалейщиком, — но он превратился в легенду, став одним из самых влиятельных художников современности.

Он считается основателем импрессионизма, художественного стиля 19-го века, известного своими открытыми композициями, точным изображением света и небольшими, но заметными мазками.

Название «импрессионизм» на самом деле происходит от картины Моне под названием «Impression, soleil levant» («Впечатление, восход солнца»). Первоначально этот стиль подвергался резкой критике, но в конечном итоге стал уважаемым за свое свежее видение, цвета и движение.

Сегодня вы можете увидеть влияние импрессионизма на весь мир искусства. Художники продолжают строить на фундаменте Моне, называя себя импрессионистами, постимпрессионистами или любым другим вариантом импрессионизма, который, по их мнению, подходит им лучше всего.

Чтобы показать, как наследие Моне находит отклик и сегодня, мы попросили пятерых ведущих современных художников рассказать нам, как Моне повлиял на их искусство. Они были так любезны, что поделились своими мыслями (и некоторыми своими работами!).

«Мысли о доме» (2005), Марко Маврович

Марко Маврович пишет в стиле, восходящем к Моне. На самом деле Маврович считает Моне одним из своих художественных героев и действительно ездил в сады, которые Моне спроектировал лично, чтобы увидеть, что вдохновляло основоположника импрессионизма.

«Я всегда хотел увидеть место, где Моне создавал свои творения, — говорит он. «Я подумал, что если я увижу это лично, а не смотрю на это из книги или по телевизору, я действительно смогу понять это и быть Моне».

Маврович сел на поезд из Парижа в Живерни, Франция, чтобы добраться до знаменитых садов. Маврович осмотрел территорию и мастерскую Моне, отметив, что быстро понял, почему Моне был так вдохновлен тем, что Маврович назвал «раем».

Однако, когда Маврович вернулся к своей живописи, он обнаружил, что не может подражать Моне. То, что он обнаружил, было появлением его собственного стиля импрессионизма. Маврович вернулся в Соединенные Штаты в 1985 году и познакомился с калифорнийским импрессионизмом, вариантом импрессионизма под влиянием французского языка и постимпрессионизма. То, что мы видим сегодня на полотнах Мавровича, — это смесь европейского и американского импрессионизма, явно принадлежащая его собственному стилю.

«Вы вдохновляетесь этим, вы берете от него все, что можете, затем вы берете некоторые из своих талантов, и вы просто включаете их, соединяете воедино и создаете свой собственный стиль», — говорит он.

«Осенние размышления» (2005), Юваль Вольфсон

Израильский художник Юваль Вольфсон рисует такие предметы, как павлины и транспортные средства, с аналитическим кубистским подходом. Это может иметь непосредственное отношение к Моне и импрессионизму, но выдающаяся выставка Вольфсона — это то, что привело его на путь к запечатлению тонкостей изменений в его искусстве.

Его первая персональная выставка под названием «Сад Моне» включала 24 картины, представляющие собой варианты одного и того же изображения.Цвета каждой картины немного отличались в зависимости от восхода и захода солнца, час за часом.

«Я решил создать серию картин, это был опыт… использовать этот вид искусства для самовыражения, как это делал Моне», — говорит Вольфсон. «Я пытался использовать [сериал] как своего рода выражение смены чувств и настроения; отражать не то, что происходит снаружи, а то, что происходит внутри меня».

Вольфсон продолжает использовать эту тему самоанализа и по сей день, развивая своих персонажей и предметы как представления размышлений, отношений и эмоций.

«Я стараюсь не вдохновляться другими художниками, но иногда у тебя нет выбора. Иногда это просто просачивается внутрь тебя», — с улыбкой говорит Вольфсон.

«Осень в Центральном парке» (2013), Сэм Парк

Сэм Парк — создатель стиля, который он называет «новый импрессионизм». Парк построен на принципах импрессионистов, таких как Моне, чтобы придать своему искусству современный вид с помощью текстуры, света и мелких деталей с помощью мастихина.

«Импрессионизму 19 века нужно было настроение, оно было более романтичным», — говорит он. «Но сейчас телевизоры и компьютеры дают настроение, поэтому искусство должно быть глубже и свежее».

, как и Моне, черпает вдохновение в природе и, в частности, в садоводстве. Он и его жена украсили свой дом садами, полными цветов, таких как розы и орхидеи.

«Даже в моей мастерской наверху с балконов я вижу все вокруг, и там можно увидеть очень разные цветы», — говорит он.

«Ранний снегопад» (2016), Дэниел Уолл

Как и другие художники в этом списке, Даниэль Уолл  также черпал вдохновение у импрессионистов, таких как Моне, Писсарро, Сислей и Сера. Он говорит, что часть того, что сформировало уникальный стиль, который он называет «интенсивным импрессионизмом», была связана с подражанием Моне.

«Когда я изучал работы Моне, я пытался нарисовать их три или четыре раза, я пытался получить именно то, на что похожи его работы», — говорит он.«Может быть, через два-три дня я вернусь, краска начнет сохнуть. Цвет выглядел ужасно. Вместо кисти я использовал мастихин, чтобы залатать картину».

С помощью мастихина Уолл обнаружил, что может использовать его для сглаживания поверхностей, а также для нанесения толстых пятен краски (известных как импасто). Теперь Уолл использует исключительно яркие цвета и мастихины для создания своего искусства, достигая красочной и яркой эстетики, наполняя каждую работу бесспорным выражением.

«Pasages au Iris» (2014), Дуаив

Duaiv, возможно, впервые был вдохновлен Сальвадором Дали, но именно такие художники, как Моне и Поль Сезанн, вдохновили его фирменный стиль.Он также отдает дань уважения Винсенту Ван Гогу в ряде своих работ.

«Сначала я люблю Дали, а потом всех импрессионистов», — говорит он.

Моне однажды сказал: «Цвет — это моя ежедневная одержимость, радость и мучение». Дуайв рисует, используя мастихины и маленькие кисти, используя лишь несколько цветов, чтобы смешивать и создавать на холсте радугу завораживающих оттенков.

«Я смешиваю два цвета, поэтому на холсте получается восемь», — говорит он. «Каждый цвет для каждой картины. Иногда миксую на холсте.

_____________________________________________________________________________________________________________________________________________

Park West всегда вдохновлялась творчеством Клода Моне. Вот почему в 2017 году Park West и Фонд Park West Foundation спонсировали «Monet: Framing Life», первую выставку Моне в истории Детройтского института искусств.

Выставка была сосредоточена вокруг одной из самых известных работ Моне — и ценной части постоянной коллекции DIA — «Округлая клумба (Corbeille de fleurs).

«Обрамление жизни» стремилось поместить создание «Округлой клумбы» в контекст, поместив его рядом с 10 другими картинами Моне и Пьера-Огюста Ренуара, которые были созданы в один и тот же период в 19 веке.

«Округлая клумба» Клода Моне и ее уникальная экспозиция в Детройтском институте искусств

Чтобы собрать работы этих и других замечательных художников, посетите один из наших захватывающих онлайн-аукционов или свяжитесь с нашими консультантами галереи по телефону (800) 521-9654 доб.4 или по адресу [email protected].

Подпишитесь на Ювала Вольфсона, Дэниела Уолла, Дуайва и галерею Park West в Instagram, чтобы увидеть больше потрясающих работ!

Современный импрессионизм — 81 Для продажи на 1stDibs

Средняя цена продажи современного импрессионизма, которую мы предлагаем, составляет 5 536 долларов США, в то время как они обычно составляют 259 долларов США в нижней части и 40 000 долларов США в самой высокой цене.

Живопись — это вид искусства, который охватывает бесчисленное множество культур, и художники используют его, чтобы рассказывать истории, исследовать и передавать идеи, а также выражать себя.Принести абстрактные картины, пейзажи и натюрморты в свой дом — значит отпраздновать и разделить давнюю традицию этой дисциплины.

Когда мы смотрим на картины, особенно созданные в прошлом, мы узнаем об истории, других культурах и странах мира. Как и любое другое произведение искусства, картины — будь то современные творения или произведения, созданные в 19 веке, — часто могут помочь нам ясно увидеть и понять окружающий мир осмысленно и интересно.

Стены пещеры были холстами для того, что, возможно, было первыми в мире пейзажными картинами, которые изображали природные пейзажи через искусство. Портретные картины и рисунки, которые, наряду со скульптурой, фиксировали чью-то внешность до появления фотографии, по крайней мере так же стары, как Древний Египет. В Нидерландах пейзажи были основной темой для художников еще в 1500-х годах. Позже художники в Греции, Риме и других странах создавали огромные настенные росписи для украшения величественных домов, церквей и гробниц.Сегодня создание стены искусства — это прекрасный способ улучшить ваше пространство, продемонстрировать красивые предметы и связать воедино дизайн интерьера.

Независимо от ваших предпочтений, отдаете ли вы предпочтение постимпрессионистским картинам, изображениям животных, сюрреализму, поп-арту или другому направлению или периоду, размещение произведений искусства на пустой стене позволяет вам вызывать эмоции в комнате, а также демонстрировать свои вкусы и интересы. Симметричное расположение стен может состоять из сетки из четырех-шести элементов или, при нечетном количестве работ, горизонтального ряда.Асимметричные аранжировки, которые могут быть небольшими кластерами произведений искусства или большими стенами галереи в стиле салона, создают более собранный и эклектичный вид. Загрузите приложение 1stDibs, которое включает в себя удобную функцию «Просмотр на стене», которая позволяет вам увидеть, как конкретное произведение искусства будет смотреться на определенной стене, и прочитать о том, как расположить настенное искусство. И если вы ищете идеальную палитру для своего проекта дизайна интерьера, что может быть лучше, чем обратиться к мастерам цвета в мире искусства?

На 1stDibs вы найдете обширную коллекцию картин и других предметов изобразительного искусства для дома или офиса. Просмотрите абстрактные картины, портреты, картины популярных художников и многое другое сегодня.

Импрессионизм и современный пейзаж Джеймса Х. Рубина — Твердый переплет

отзывов

«Свежий взгляд на малоизвестный аспект импрессионистского движения. . . . Освежающе проницательно». — Art Times / Css Publications

«Хорошо проработанная и тщательно обдуманная книга, но жаль, что важные выводы слишком легко увязают в академической софизме.” — Art Newspaper

«Потрясающие исследования и глубокие знания Рубина делают эту книгу ценным ресурсом для искусствоведов и поклонников импрессионизма». —Стивен Мэй Artnews

. « Джеймс Рубин утверждает, вопреки аргументам ведущих теоретиков импрессионистской живописи, что сцены досуга и производительности художников следует читать в тандеме, поскольку вместе они означают приверженность импрессионистов прогрессивному модернизму». — Дайан Сачко Маклеод, автор книги Искусство и викторианский средний класс: деньги и создание культурной идентичности

«Хотя продолжает появляться множество новых работ об импрессионизме, изображения современной промышленности, технологий и торговли в современном городском и сельском пейзаже — большое количество вызывающих воспоминания и часто изысканных импрессионистских картин — получили мало постоянного внимания. Рубин « Импрессионизм и современный пейзаж » успешно заполняет этот пробел, приближаясь к новому индустриальному ландшафту как к образу современной производительности, необходимой для буржуазного досуга. Рубин убедительно доказывает, что индустриальные пейзажи представляют собой целостную и показательную совокупность работ, представляя особенно впечатляющий анализ полотен Моне».

Интервью с Эрин Хэнсон, современным художником-импрессионистом

«Кленовый цвет», 2019

Уже более десяти лет Эрин Хэнсон разрабатывает и совершенствует Открытый импрессионизм .Вдохновленный импрессионистами, Хэнсон использует этот художественный подход как средство запечатлеть мимолетную красоту мира природы. В частности, художница из Калифорнии использует этот стиль для создания картин, вдохновленных ее собственным опытом изучения винодельческих регионов Америки, обширной сети национальных парков и других идиллических пейзажей по всей стране.

Сюжет поразителен сам по себе, но то, как Хэнсон обращается с этой иконографией, отличает ее картины от картин других современных импрессионистов. Для ее полотен характерны всплески яркого цвета, переданные выразительными мазками и подчеркнутые очертаниями, напоминающими витражи или мозаику.

Идеально подходит для захвата света и тени, эти качества позволяют Хэнсон заморозить эфемерные моменты времени и привнести «новый свежий взгляд на западные пейзажи», которые остаются музой движения. «Открытый импрессионизм — это запечатление впечатлений от пейзажа, воспоминаний и мимолетных проблесков цвета», — сказал Хэнсон My Modern Met в прошлом.«Я не пытаюсь воссоздать фотографию, я пытаюсь заставить своих зрителей открыть глаза и увидеть свой мир немного по-другому».

Недавно у нас была возможность встретиться с Хэнсоном, кульминацией которого является наше эксклюзивное интервью ниже. Читайте дальше, чтобы узнать больше о ее яркой практике и уникальном подходе к искусству.

«Лилии на озере», 2019

Одним из первых ваших художественных начинаний было рисование крупномасштабных фресок. Каким образом этот опыт повлиял на вашу текущую практику?

В целом я предпочитаю работать крупнее, но этот опыт действительно помог мне отточить контроль над цветом. Мне вручали маленькую чашку с краской определенного цвета, и моя работа заключалась в том, чтобы воссоздать этот цвет из ведер и ведер. Это было похоже на то, как я микширую сейчас, но в гораздо большем масштабе. Этот навык продолжал развиваться, и теперь, когда я вижу даже самое мимолетное яркое пятнышко в природном ландшафте, я знаю, как определить его в уме и как воссоздать.

«Хрустальное ранчо», 2019

В прошлый раз, когда мы связывались с вами, вы поставили перед собой долгосрочную цель — рисовать по одной картине в неделю.Вы все еще преследуете эту цель?

Абсолютно! Я обнаружил, что это одна из, если не самая ценная движущая сила или «стабильные данные» в моих художественных начинаниях. Это помогает мне развиваться как художнику и чувствовать вызов, а также гарантирует, что я никогда не слишком втянусь в «галерейную жизнь». Управлять галереей действительно очень и очень весело, так что это помогает мне сохранять творческую направленность.

Вы черпаете вдохновение во время пеших прогулок и скалолазания. Когда вы рисуете сцены, с которыми вы сталкиваетесь, вы работаете с фотографиями?

Да! Это очень уместный вопрос.Я считаю, что наиболее полезно работать с фотографиями, а также с моей собственной мысленной картиной того, что я испытал. Свет резко меняется каждые несколько секунд, поэтому сделать «живую» картину, сохраняя при этом фокус на свете и цвете, было бы почти невозможно. Это было бы похоже на художника-портретиста, рисующего человека, который меняет свое лицо каждые две секунды и каждую минуту выглядит совершенно другим человеком. Я ловлю этот мимолетный свет, момент, когда тени самые длинные, а естественные цвета наиболее яркие.

«Сияющий свет», 2019

Когда именно вы разработали открытый импрессионизм? Как, с точки зрения вашей собственной работы, этот стиль развивался с течением времени?

В 2007 году я впервые решил пойти по стопам импрессионистов и рисовать в их стиле. Фраза «открытый» воплощает идею «открытости» в технике, а также на открытом воздухе.

Что касается любой эволюции или изменения во времени, я бы сказал, что любые сдвиги имеют тенденцию происходить очень органично.Каждый новый пейзаж, который я вижу, каждое новое произведение искусства, которое я вижу в музее или книге по искусству, и каждая картина, которую я создаю, действительно дает информацию о моем следующем шаге. Я не знаю, могу ли я как художник сделать или увидеть многое из того, что каким-то образом не повлияет на то, как я рисую. Это часть того, что делает все таким захватывающим!

Каково было наблюдать за тем, как другие артисты перенимают этот стиль?

Честно говоря, это большая честь. В моем сердце всегда была такая слабость к импрессионизму и природе.Меня действительно трогает то, что люди так эмоционально реагируют на то, что я делаю, и что многие хотят подражать моему стилю. Одна из самых забавных вещей в концепции «открытости» заключается в том, что небо — это действительно предел. Меня часто называют экспрессионистом и фовистом, чего я никогда не ожидал.

«Хрустальный щербет», 2018 г.

Вы когда-нибудь экспериментировали с другими стилями рисования?

Недавно я начал экспериментировать с цветочными натюрмортами.В 2016 году я сделала пару натюрмортов с подсолнухами для своего шоу «Оранж» в знак уважения к Ван Гогу, а затем снова взялась за них этой весной, когда я была беременна. Это действительно другой зверь, рисовать таким образом, и мне понравился весь процесс выбора цветов, их размещения, постановки, а затем разработки лучшего освещения в моей студии. Это действительно было забавным стилем для изучения.

Наконец, расскажите, пожалуйста, о предстоящих проектах и ​​планах!

Я много лет мечтал о постоянном присутствии в Кармель-у-Си.Я только что был в этом районе, и мне представилась удивительная возможность, которую я не мог упустить. Знаменитая галерея доктора Сьюза в самом сердце Кармеля закрывается, и пространство только что освободилось. У одного из моих коллекционеров кармель есть местная винодельня, и он знал о моей мечте о галерее и о новой доступности почти идеального места. Матч состоялся!

Сейчас я работаю над организацией строительства и так далее, и я так взволнован тем, что открываю вторую галерею в Кармеле до конца осени! Это действительно одно из самых красивых мест, которые я когда-либо посещал, и прекрасный центр искусства.

«Калифорния в цвету», 2019 г.

«Муссонное небо», 2019

«Пальмы на рассвете», 2018

«Пальмовая роща», 2019

«Открытое небо», 2018 г.

«Осиновая тропа», 2018 г.

«Поля тюльпанов», 2019

«Цветение оазиса», 2019

«Угасающий свет», 2018 г.

«Красный кипарис», 2019 г.

«Калифорния Окотилло», 2019 г.

«Летний Сагуаро», 2018

Статьи по теме:

Яркие пейзажи используют оранжевый цвет, чтобы запечатлеть теплое сияние американского Запада

Спокойные картины в стиле импрессионистов демонстрируют красоту природных парков по всей Америке

Калифорнийский импрессионизм: как американские художники адаптировали французскую пленэрную живопись

9 картин импрессионистов в солнечных пятнах, которые подарят вам летнее настроение

Импрессионизм и рост потребительской культуры

Эмили Уайли

Историк искусства Нэнси Локк обсуждает импрессионизм с группой Research Unplugged.

Смотреть на искусство и видеть только что-то «красивое» — значит не видеть всей картины. Искусство отражает общество и культуру, в которых оно было создано, и даже влияет на культуру, которая следует за ним.

Это было послание Нэнси Локк толпе, состоящей как из горожан, так и в платьях, собравшихся в среду на заключительный весенний разговор об Отключенных Исследованиях. С помощью узнаваемого изображения «Водяных лилий» Клода Моне, спроецированного на стену, Локк объяснил, как картины французских импрессионистов связаны с сегодняшней потребительской культурой.

«Мы хотим быть современными и модными, мы хотим потреблять. Это то, что рисовали импрессионисты в 19 веке», — сказал Локк, доцент кафедры истории искусства и автор книги « Мане и семейный роман ».

После франко-прусской войны Париж оказался в конце империи и начале республики, сказал Локк собравшимся. Открытие первого универмага в Париже в 1869 году, например, привело к социальному сдвигу, который ярко проявился в импрессионистском искусстве. Она отметила, что впервые одни и те же серийные платья могут носить как респектабельные женщины из среднего класса, так и модные проститутки.

«Было беспокойство по поводу того, что культура потребления маскирует классовую идентичность», — сказал Локк. «Это был мир, в котором образы стали посредниками в отношениях между людьми, а класс стало труднее различать». Картина современности, сказала она группе, является частью того, что сделало импрессионизм столь противоречивым в Париже в 1860-х годах, и одной из причин, почему он остается таким популярным в Америке сегодня.

Локк поделилась изображениями своих любимых картин импрессионистов, в том числе «Бар в Фоли-Бержер» Эдуарда Мане и «Бал в Мулен де ла Галетт» Пьера-Огюста Ренуара. Такие картины были названы критиками «ошибками», когда они впервые появились в конце 1860-х годов, но теперь они почитаются и продаются на всем: от ковриков для мыши до сумок для покупок и плакатов, украшающих университетские общежития.

«Я думаю, это здорово, что есть выставки-блокбастеры, привлекающие людей в музеи, и я думаю, что популярность импрессионизма побудила общество стать более осведомленным об искусстве», — сказал Локк, когда многие головы кивнули в знак согласия. «Но печать этого искусства на сумках для покупок уменьшает то, что делало его таким оппозиционным в начале».

В то время как многие зрители размышляли над картинами и делились мнениями об их значимости, Локк ответила на вопрос, который она наверняка слышала много раз: возможно ли, что в этом нет никакого социального сообщения — что художник просто хотел рисовать ради живописи? ?

Локк задумался, прежде чем ответить. «Художники делают выбор, — сказала она. «Вы должны спросить: «Почему они выбрали именно этот вариант, а не другой?» Когда рисование мифологических и религиозных сюжетов казалось путем в академию, почему некоторые художники изображают бомжей, цыган и уличных музыкантов?» Далее Локк объяснил, как такие произведения искусства, как «Бар в Фоли-Бержер», дали парижанам из среднего класса почувствовать вкус роскоши, ранее доступной только состоятельным людям.

«Мане не рисовал академические произведения улыбками и поцелуями, — продолжал Локк. Например, рисуя бездомных, Мане изображал социальные последствия бедности. Точно так же, рисуя сцены, которые стирали классовые границы (как и многие сюжеты импрессионистского полотна), художники влияли на сдвиги в обществе.

Локк подчеркнул важность рассмотрения выбора художника. «Вы можете видеть эти картины как мазки на холсте, но они также являются воплощением желания, потребления и идентичности», — сказала она.«Картины импрессионистов с незавершенным стилем и сюжетом помогли создать культуру потребления, в которой мы живем сегодня».

Нэнси Локк, доктор философии, адъюнкт-профессор истории искусств, с ней можно связаться по адресу [email protected]. Кэти Фини — студентка бакалавриата по коммуникациям и стажер в Research Unplugged. С ней можно связаться по адресу [email protected].

просмотров современного импрессионизма.

Непреходящее значение импрессионизма

В свое время импрессионизм считался радикальным отходом от традиции.Оглядываясь назад, мы видим, что импрессионизм был больше, чем уходом — он изменил саму природу того, как люди думают об искусстве сегодня. Спасибо всем импрессионистам за стремление продвинуться вперед в том, во что они верят, у нас не было бы того прекрасного художественного стиля, который мы сегодня называем импрессионизмом.

Когда импрессионисты начали рисовать, идеалы искусства не только контролировались, но и презирались и отвергались академическими институтами, такими как Французская академия изящных искусств и Салон, имевшими огромную власть над карьерой художников.Несмотря на трудности, импрессионисты не отказались от искусства, в которое верили.

К концу периода импрессионизма художники почувствовали себя освобожденными от строгих правил композиции, сюжета и техники. Они больше не зависели от мнения Салона.

Они могли рисовать то, что хотели, экспериментировать с новыми технологиями и реализовывать свои собственные идеи и таланты. Эта независимость отразилась на рынке произведений искусства, на котором появились частные дилеры и выросло число буржуазных коллекционеров.Это была восходящая революция искусства.

Прямое влияние импрессионизма

Хотя Ван Гог никогда не выставлялся с ними, на Ван Гога повлияла его дружба с импрессионистами. Увидев их картины в Париже, он начал использовать более яркие цвета и ломаные мазки. Однако он отличался от них в одном важном отношении. Как он писал в 1888 году: «Вместо того, чтобы пытаться передать то, что я вижу перед собой, я использую цвет совершенно произвольно, чтобы мощно выразить себя».

Винсент Ван Гог

(голландский, 1853 — 1890)

Автопортрет в соломенной шляпе, 1887 г.

Картон, масло

Позднее влияние импрессионизма

Импрессионисты создали модель свободы и субъективности, которая способствовала художественной свободе, к которой стремились многие художники прошлого. Их пример вдохновил более поздних художников, которые пошли гораздо дальше, чем они. Из-за бесконечного запаса ресурсов, которыми мы располагаем в нашей нынешней жизни, искусство продолжает расширяться и по-прежнему будет продолжать расти и преодолевать ограничения, которые будут очаровывать людей.

«Импрессионизм лежит в основе всего современного искусства, потому что это было первое движение, которому удалось освободиться от предвзятых идей, и потому что он изменил не только то, как жизнь изображалась, но и то, как она воспринималась» — Франчезо Сальви

Откройте для себя мир современного мастера-импрессиониста в «Открытом импрессионизме» Эрин Хэнсон

Приглашаем вас заглянуть за кулисы художественного движения, которое распространяется по стране со скоростью лесного пожара.В этом только что выпущенном видео зрителю предлагается испытать Эрин Хэнсон Открытый импрессионизм с помощью закулисных съемок, интервью и особого приключения на побережье Калифорнии с художницей из Сан-Диего.

Хэнсон говорит: «Я думаю, что важно, чтобы существовал стиль современного искусства, посвященный красоте… Я смотрю на пейзаж почти как на многогранную драгоценность, которую я пытаюсь запечатлеть».

В этом видео обсуждается популярный стиль Хэнсона, удачно названный «Открытый импрессионизм», и рассказывается об амбициозном подходе Хэнсона к природным пейзажам.

Open Impressionism был выбран студентами со всего мира, вдохновляя художников на создание невероятных пейзажей с помощью современного импрессионистского метода. В видео Хэнсон делится своей радостью по поводу этого аспекта своей работы. Она говорит: «Искусство — очень ценный инструмент для изменения будущего. Художники могут создать и смоделировать будущее для нас и сказать: «Вот картина, вот то, как я вижу будущее». Даже если это что-то такое простое, как сохранение наши национальные парки».

Многое из «открытого импрессионизма» можно резюмировать в заключительном заявлении Хэнсона к видео: «Ваш глаз видит гораздо больше пейзажа — вы видите полную панораму сцены, вот что я пытаюсь запечатлеть в моя картина.Я чувствую, что втягиваю зрителя в свой мир».

Ссылка на видео: https://vimeo.com/302950973  

Рисовальщик на протяжении всей жизни, Хэнсон начала изучать масло еще в детстве. Ее страсть к естественной красоте можно увидеть в ее работах, когда она превращает знакомые и редкие виды в потрясающие интерпретации смелых цветов, игривых ритмов и чистого эмоционального воздействия.