Живопись- Ар Нуво — Альфонс Муха — Арт
Арт-нуво, Ар-нуво (франц. L’Art Nouveau – Новое искусство) – французское название искусства периода Модерна рубежа XIX-XX веков. Однако, правильнее относить этот термин не в целом к искусству модерна,
включающему различные течения и стили, а лишь к одному из них –«флореальному», или декоративно-орнаментальному, течению и стилю, зародившемуся в Бельгии и Франции.
Именно в Арт-нуво и работал художник Альфонс Муха
мало того с его именем в то время этот стиль и ассоциировался. Альфонс Муха стал своего рода прародителем и популизатором стиля Арт нуво.
Лозунг Арт-нуво – “назад к природе”.
Арт–нуво означает декоративно–орнаментальный стиль.
Стиль Арт–нуво, как это ни странно, был заимствован из японского искусства.
Аналогичного Арт-Нуво в Японии стиля тогда не существовало.
Зато были отдельные элементы характерные японской культуре, которые как–то присмотрел французский живописец и мастер по керамике Ф. Бракмон.
Он увидел японские цветные гравюры, сделанные на дереве. В них заворачивали пачки китайского чая. Свою находку Ф. Бракмон привез во Францию. Благодаря этому, французские художники начали использовать японские мотивы в своем творчестве, развивая и видоизменяя их.
С этого момента стал зарождаться стиль Арт-Нуво, или Ар Нуво как его еще называют. Альфонс муха был одним из тех, кто смог возвести стиль Арт нуво в разряд культа. Арт нуво во Франции тогда был распространен повсеместно: афиши, плакаты, реклама, ювелирные украшения, интерьер и так далее, и так далее.
А позднее Альфонс Муха привнес этот стиль Ар Нуво и в США, когда приехал туда работать и преподавать.
Муха был буквально завален заказами в стиле Арт Нуво.
Позже стиль Арт–нуво нашел место не только в художественном искусстве, но и в архитектуре. Характерными для стиля стали плавные очертания с явной тенденцией к асимметрии. Удачно вписывались в стиль Ар Нуво узоры, напоминающие растительность и изгибы женских фигур с распущенными волосами.
В конце 19 века стиль Арт–нуво получил выражение в дизайне интерьеров.
Характерные черты Ар Нуво – волнообразно изогнутая линия, сочетающая веяния Востока и стремление к конструктивности. Причудливо изогнутые линии декора в стиле Арт Нуво зрительно сливаются с элементами строительной конструкции. В отделке большое внимание уделяется стилизованному растительному узору, гибким текучим формам, что превращало металлические конструкции в причудливые заросли фантастических цветов.
Символ стиля Ар Нуво – изощренная форма цветка цикламена, «водяные» растения ирисы, лилии, водоросли.
Стилизованные растительные и животные формы с мягко изогнутыми, подвижными линиями, плоские и не дающие тени, благодаря чему далекие от натурализма или историзма – скорее всего схожие с позднеготическими формами и японской живописью.
Для того чтобы проникнуться настроением Арт-нуво, понадобиться также творчество Чешского художника Альфонса Мухи. Будучи типичным воплощением художественных поисков рубежа XIX — XX столетий, «стиль Мухи» стал образцом для целого поколения художников-графиков и дизайнеров.
Приметой стиля Ар Нуво и стиля Альфонса Мухи стала идеализированная, стилизованная фигура прекрасной девически грациозной женщины, свободно, но нерасторжимо вписанная в орнаментальную систему из цветов и листьев, символов и арабесок.
Поскольку этот мотив был одним из наиболее широко распространенных в живописи конца столетия, «стиль Мухи» какое-то время считали синонимом движения «Арт-нуво» в целом.
[url]http://alphonsemucha.ru[/url]
Искусство модерн — HiSoUR История культуры
Арт-нуво — это международный стиль искусства, архитектуры и прикладного искусства, особенно декоративное искусство, которое было наиболее популярным между 1890 и 1910 годами. Реакция на академическое искусство 19-го века была вдохновлена естественными формами и структурами, в частности изогнутые линии растений и цветов.
Декоративный стиль конца 19-го и начала 20-го, который процветал главным образом в Европе и США. Несмотря на то, что это повлияло на живопись и скульптуру, его главные проявления были в архитектуре и декоративно-графическом искусстве, аспекты, на которых этот обзор концентрируется. Он характеризуется извилистые асимметричные линии, основанные на органических формах; в более широком смысле он охватывает геометрические и более абстрактные узоры и ритмы, которые были развиты как часть общей реакции на историзм 19-го века. Существуют большие различия в стиле, в соответствии с тем, где он появился, и материалами, которые были использованы
Art Nouveau считается «полным» художественным стилем, охватывающим архитектуру, графику, дизайн интерьера и большую часть декоративного искусства, включая украшения, мебель, текстиль, бытовую серебро и другую утварь, а также освещение, а также изобразительное искусство.
Форма и характер
Хотя в стиле модерн были обнаружены явно локализованные тенденции по мере увеличения географического распространения, некоторые общие характеристики указывают на форму. В опубликованном в журнале Pan журнале обернувшегося Цикламена (1894 г.) в журнале «Пан» описал его как «внезапные сильные кривые, образованные трещиной хлыста», которые стали известны во время раннего распространения в стиле модерн. Впоследствии не только сама работа стала более известной как «Хитплаш», но термин «хлыст» часто применяется к характерным кривым, используемым художниками в стиле ар-нуво. Такие декоративные «хлыстовые» мотивы, образованные динамическими, волнообразными и плавными линиями в синкопированном ритме и асимметричной форме, встречаются по всей архитектуре, живописи, скульптуре и другим формам дизайна в стиле модерн.
Истоки в стиле модерн находятся в сопротивлении художника Уильяма Морриса к загроможденным композициям и тенденциям возрождения 19-го века и его теориям, которые помогли инициировать движение Искусств и ремесел. Однако обложка книги Артура Маккёрдо для городских церквей Рена (1883) с ее ритмическими цветочными узорами часто считается первой реализацией модерна. Примерно в то же время плоская перспектива и яркие цвета японских отпечатков деревянных блоков, особенно те, которые были сделаны Кацушикой Хокусай, оказали сильное влияние на формулировку стиля модерн. Японский народ, популярный в Европе в 1880-х и 1890-х годах, особенно влиял на многих художников с его органическими формами и ссылками на природный мир. Помимо того, что художники, такие как Эмиль Галле и Джеймс Эбботт Макнилл Уистлер, были приняты под влиянием японского искусства и дизайна, его защитили бизнесмены Зигфрид Бинг и Артур Ласенби Либерти в своих магазинах в Париже и Лондоне соответственно.
В архитектуре распространены гиперболы и параболы в окнах, арках и дверях, а декоративные молдинги «растут» в растительные формы.
Архитектура и дизайн интерьера в стиле модерн не смотрели на эклектичные стили возрождения XIX века. Хотя в стиле модерн дизайнеры выбрали и «модернизировали» некоторые из более абстрактных элементов стиля рококо, такие как пламя и текстуры оболочек, они также выступали за использование очень стилизованных органических форм в качестве источника вдохновения, расширяя «естественный» репертуар до использовать морские водоросли, травы и насекомые. Другим влиянием было мягко-смешанные формы ушной раковины 17-го века, лучше всего иллюстрированные голландским серебром.
Отношения с современными стилями и движениями
Как арт-стиль, в стиле модерн есть сходство с прерафаэлитами и стилями символизма, и художники, такие как Обри Бердсли, Альфонс Муха, Эдвард Бёрн-Джонс, Густав Климт и Ян Тороп, могут быть классифицированы более чем в одном из этих стилей.
Однако, в отличие от символической живописи, в стиле ар-нуво характерен внешний вид; и, в отличие от ремесленного искусства и ремесел, художники в стиле модерн легко использовали новые материалы, обработанные поверхности и абстракцию на службе чистого дизайна.
Архитектура в стиле модерн использовала множество технологических новшеств конца XIX века, особенно использование экспонированного железа и больших, нестандартных форм стекла для архитектуры. Однако к началу Первой мировой войны стилизованный характер дизайна в стиле модерн стал зацикливаться в пользу более упорядоченного, прямолинейного модернизма, считающегося более верным более простой промышленной эстетике, которая стала арт-деко.
Тенденции в стиле модерн были также поглощены местными стилями. Например, в Дании это был один из аспектов Skønvirke («эстетическая работа»), который более тесно относится к стилю искусства и ремесла. Кроме того, художники приняли многие цветочные и органические мотивы в стиле модерн в стиле Młoda Polska («Молодая Польша») в Польше. Млода Польска, однако, также включала в себя другие художественные стили и охватывала более широкий подход к искусству, литературе и стилю жизни.
Графика процветала в эпоху модерна благодаря новым технологиям печати, особенно цветной литографии, что позволило массовое производство цветных плакатов. Искусство больше не ограничивалось галереями, музеями и салонами; его можно было найти на стенах Парижа и в иллюстрированных художественных журналах, которые распространялись по всей Европе и в Соединенные Штаты. Самой популярной темой плакатов в стиле ар-нуво были женщины; женщины, символизирующие гламур, современность и красоту, часто окруженные цветами.
В Великобритании ведущим художником в стиле ар-нуво был Обри Бердсли (1872-1898). Он начал с выгравированных иллюстраций книги для Ле Морта д’Артура, затем черно-белых иллюстраций для Саломея Оскара Уайльда (1893), что принесло ему славу. В том же году он начал гравюры иллюстраций и плакатов для арт-журнала The Studio, который помог рекламировать европейских художников, таких как Фернанн Хнопфф в Великобритании. Кривые линии и сложные цветочные узоры привлекли столько внимания, сколько текст.
Швейцарско-французский художник Эжен Грассет (1845-1917) был одним из первых создателей плакатов французского модерна. Он помог украсить знаменитый кабаре Le Chat noir в 1885 году и сделал свои первые плакаты для Fêtes de Paris. Он сделал знаменитые плакаты Сары Бернхардт в 1890 году и множество разнообразных книжных иллюстраций. Художники-дизайнеры Жюль Чере, Жорж де Фейр и художник Анри де Тулуз-Лотрек все сделали плакаты для парижских театров, кафе, танцевальных залов кабаре. Чешский художник Альфонс Муха (1860-1939) прибыл в Париж в 1888 году, а в 1895 году сделал плакат для актрисы Сары Бернхардт в спектакле «Гисмонда» Викторином Сардоу.
В Вене самым плодовитым дизайнером графики и плакатов был Коломан Мозер (1868-1918), который активно участвовал в сецессионном движении с Густавом Климтом и Йозефом Хоффманом и сделал иллюстрации и обложки для журнала движения Ver Sacrum, а также картины, мебель и украшения.
Картина
Живопись была еще одним важным областью стиля модерн, хотя большинство художников в стиле модерн были также связаны с другими движениями искусства, в частности с Наби во Франции и символистами во Франции и Австрии.
Искусство стекла
Искусство стекла было средой, в которой в стиле модерн были найдены новые и разнообразные способы выражения. Интенсивное количество экспериментов продолжалось, особенно во Франции, чтобы найти новые эффекты прозрачности и непрозрачности: в гравюре выигрывать камею, двойные слои и кислотную гравировку — метод, позволяющий производить серийное производство.
Город Нэнси стал важным центром французской стекольной промышленности, и там были расположены мастерские Эмиля Галле и студии Даума во главе с Огюстом и Антонином Даумом. Они работали со многими известными дизайнерами, в том числе с Эрнестом Бюссиером, Анри Берже и Амальриком Уолтером. Они разработали новый метод инкрустирования стекла путем прессования фрагментов разного цветного стекла в незавершенный кусок. Они часто сотрудничали с дизайнером мебели Луи Мажорелем, чей дом и мастерские были в Нанси. Еще одной особенностью модерна было использование витражей с этим цветочным течением в жилых салонах, особенно в домах модерна в Нанси. Многие из них были работой Жака Грубера, который делал окна для виллы Majorelle и других домов.
В Бельгии ведущей фирмой был стекольный завод Валь-Сент-Ламберта, который создал вазы в органических и цветочных формах, многие из которых были разработаны Филиппом Вульферсом. Wolfers был отмечен, в частности, для создания произведений символического стекла, часто с прикрепленным металлическим декором.
В Богемии тогдашний регион Австро-Венгерской империи отметил кристаллическое производство, компании Lobmeyr и Loetz-Witwe также экспериментировали с новыми методами окраски, производя более яркие и богатые цвета. В Германии эксперимент проводил Карл Кёппинг, который использовал выдувное стекло для создания чрезвычайно тонких очков в виде цветов; настолько деликатный, что немногие выживают сегодня.
В Вене стеклянные конструкции сецессионного движения были гораздо более геометрическими, чем у Франции или Бельгии; Отто Prutscher был самым строгим дизайнером стекла движения.
В Великобритании несколько цветочных витражей были созданы Маргарет Макдональд Макинтош для архитектурного дисплея под названием «Дом любителя искусства».
В Соединенных Штатах Луис Комфорт Тиффани и его дизайнеры стали особенно известными своими лампами, чьи стеклянные оттенки использовали общие цветочные темы, замысловатые вместе. Лампы Tiffany приобрели популярность после Всемирной Колумбийской выставки в Чикаго в 1893 году, где Тиффани выставила свои лампы в византийской часовне.
Тиффани интенсивно экспериментировала с процессами окрашивания стекла, патентовывая в 1894 году стекло Фаврила, в котором использовались оксиды металлов для окраски внутренней части расплавленного стекла, что придавало ему радужный эффект. Его мастерские выпустили несколько разных серий лампы Tiffany в разных цветочных орнаментах, а также витражи, экраны, вазы и ряд декоративных предметов. Его работы были сначала импортированы в Германию, затем во Францию Зигфридом Бином, а затем стали одним из декоративных ощущений экспозиции 1900 года. Американский соперник Tiffany, Steuben Glass, был основан в 1903 году в Корнинге, штат Нью-Йорк, Фредериком Кардером, который, как и Тиффани, использовал процесс Fevrile для создания поверхностей с радужными цветами. Еще одним известным американским художником по стеклу был Джон Ла Фардж, создавший сложные и красочные витражи по религиозным и чисто декоративным темам.
Металлическое искусство
Архитектурный теоретик 19-го века Виоллет-ле-Дюк выступал за демонстрацию, а не за сокрытие железных каркасов современных зданий, но архитекторы в стиле модерн Виктор Орта и Гектор Гимард пошли дальше: они добавили железное украшение в кривых, вдохновленных цветочными и растительными формы как в интерьерах, так и в экстерьерах их зданий.
Они принимали форму лестничных перила в интерьере, светильники и другие детали в интерьере, а также балконы и другие украшения на внешней стороне. Они стали одними из самых отличительных особенностей архитектуры в стиле модерн. Использование металлической отделки в растительных формах вскоре также появилось в серебре, лампах и других декоративных изделиях.
В Соединенных Штатах дизайнер Джордж Грант Элмсли сделал необычайно замысловатые чугунные конструкции для балюстрад и других внутренних украшений зданий чикагского архитектора Луи Салливана.
В то время как французские и американские дизайнеры использовали цветочные и растительные формы, Джозеф Мария Ольбрих и другие художники Сецессиона разработали чайники и другие металлические предметы в более геометрическом и трезвом стиле.
Ювелирные изделия
В стиле модерн характерны мягкие изогнутые формы и линии и обычно имеют естественные конструкции, такие как цветы, птицы и другие животные. Женское тело является популярной темой и представлено на различных ювелирных изделиях, особенно камеях.
Он часто включал длинные ожерелья из жемчуга или цепочек из стерлингового серебра, пунктированных стеклянными бусинами или заканчивающихся серебряным или золотым кулоном, который часто был разработан как украшение для украшения одного драгоценного камня аметиста, перидота или цитрина.
Период в стиле модерн привел к заметной стилистической революции в ювелирной промышленности, которую в основном возглавляли крупные фирмы в Париже. В течение предыдущих двух столетий акцент в изысканных ювелирных изделиях создавал драматические настройки для бриллиантов. Во времена правления модерна алмазы обычно играли вспомогательную роль. Ювелиры экспериментировали с множеством других камней, в том числе агата, гранатового опала, лунного камня, аквамарина и других полудрагоценных камней, а также с широким спектром новых методов, в том числе эмалирования и новых материалов, включая рог, формованное стекло и цвета слоновой кости.
Ранние заметные ювелиры Парижа в стиле модерн включали Louis Aucoc, семейная ювелирная фирма, датированная 1821 годом.
Самый известный дизайнер эпохи модерна Рене Лалик служил ученикам в студии Aucoc с 1874 по 1876 год. Лалик стал центральным фигура ювелирных изделий и стекла из ар-нуво, использующая природу, от стрекоз до травы, как его модель. Художники из-за пределов традиционного мира ювелирных изделий, такие как Пол Фолло, самый известный как дизайнер мебели, экспериментировали с украшениями. Среди других известных дизайнеров ювелирных изделий французского стиля модерн были Жюль Брато и Жорж Генри. В Соединенных Штатах самым известным дизайнером был Louis Comfort Tiffany, чья работа была показана в магазине Зигфрида Бинга, а также на Парижской экспозиции 1900 года.
В Великобритании наиболее видной фигурой был дизайнер Liberty & Co. Арчибальд Нокс, который сделал множество предметов в стиле ар-нуво, в том числе серебряные пряжки для ремня. CR Ashbee разработал подвески в форме павлинов. Разнообразный дизайнер Глазго Чарльз Ренни Макинтош также сделал украшения, используя традиционные кельтские символы.
В Германии центром ювелирных изделий Jugendstil был город Пфорцхайм, где находились большинство немецких фирм, в том числе Теодор Фахнер. Они быстро произвели работы, чтобы удовлетворить спрос на новый стиль.
Архитектура
Архитектура в стиле модерн была реакцией на эклектичные стили, которые доминировали в европейской архитектуре во второй половине XIX века. Это было выражено через украшение. Здания были покрыты орнаментом в изогнутых формах, основанных на цветах, растениях или животных: бабочки, павлины, лебеди, ирисы, цикламены, орхидеи и водяные лилии. Фасады были асимметричными и часто украшались полихромными керамическими плитами. Украшение обычно предлагало движение; не было никакого различия между структурой и орнаментом.
Стиль впервые появился в Брюсселе Hôtel Tassel (1894) и Hôtel Solvay (1900) Виктора Орта. Hôtel Tassel посетил Гектор Гимар, который использовал тот же стиль в своей первой крупной работе — Castel Béranger (1897-98). Во всех этих домах архитекторы также спроектировали мебель и предметы интерьера, вплоть до дверных ручек и ковровых покрытий.
В 1899 году, основанный на славе Castel Béranger, Гимар получил комиссию по проектированию входов станций нового Парижского метро, которая открылась в 1900 году. Хотя осталось немного оригиналов, они стали символом движения в стиле модерн в Париже.
В Париже архитектурный стиль был также реакцией на строгие правила, наложенные на фасады зданий Жоржа-Евгения Османна, префекта Парижа под Наполеоном III. В 1903 году наконец были разрешены луковые окна, а архитекторы в стиле модерн пошли в противоположную сторону, особенно в домах Жюля Лавиротта, которые были по существу большими скульптурными работами, полностью покрытыми украшением. Важный район домов в стиле модерн появился во французском городе Нанси, вокруг виллы Majorelle (1901-02), резиденции дизайнера мебели Луи Мажореля. Он был разработан Анри Соваге в качестве витрины для дизайна мебели Мажореля.
Архитектурный стиль простирался от Бельгии и Франции до Германии, Швейцарии, Италии и Испании и остальной Европы, пользуясь разными именами и характером в каждой стране.
Он достиг своего пика в 1910 году, и к началу Первой мировой войны он был практически закончен. Новый стиль, арт-деко, занял свое место.
Мебель
Дизайн мебели в стиле модерн был тесно связан с архитектурой зданий, архитекторы часто проектировали мебель, ковры, светильники, дверные ручки и другие декоративные детали. Мебель также часто была сложной и дорогой; тонкая отделка, обычно полированная или лакированная, считалась необходимой, а континентальные конструкции обычно были очень сложными, с изгибающимися формами, которые стоили дорого. У этого также был недостаток, который владелец дома не мог изменить мебель или добавить части в другом стиле, не нарушая весь эффект комнаты. По этой причине, когда архитектура в стиле ар-нуво вышла из моды, стиль мебели также в значительной степени исчез.
Во Франции центр дизайна и производства мебели был в Нанси, где два крупных дизайнера, Эмиль Галле и Луи Мажорель, были студиями и мастерскими, и там был основан Альянс индустрий искусств (позже названный Школой Нэнси) в 2001 году.
Оба дизайнера основаны на их структуре и орнаментах на формах, взятых с натуры, включая цветы и насекомые, такие как стрекоза, популярный мотив в стиле модерн. Галле был особенно известен тем, что он использовал маркетри в рельефе, в виде пейзажей или поэтических тем. Мажорель была известна тем, что использовала экзотические и дорогие леса, а также прикрепляла бронзовые изделия к растительным предметам к своим предметам мебели. Оба дизайнера использовали машины для первых этапов производства, но все детали были закончены вручную. Среди других известных дизайнеров мебели в школе Нэнси были Эжен Валлин и Эмиль Андре; оба были архитекторами, обучаясь, и обе дизайнерская мебель напоминала мебель от бельгийских дизайнеров, таких как Орта и Ван де Вельде, которые имели меньше украшений и более внимательно следили за извилистыми растениями и цветами. Среди других известных французских дизайнеров были Анри Беллери-Дезфонтейнс, которые черпали вдохновение из неоготических стилей Виолет-ле-Дюка; и Жорж де Фейр, Эжен Гайяр и Эдуард Колонна, которые вместе с арт-дилером Зигфридом Бином работали над обновлением французской мебельной промышленности новыми темами.
Их работа была известна как «абстрактный натурализм», ее единство прямых и изогнутых линий и влияние рококо. Мебель из Feure в павильоне Bing завоевала золотую медаль на Парижской выставке 1900 года. Самым необычным и живописным французским дизайнером был Франсуа-Руперт Карабин, скульптор по обучению, в мебели которого фигурировали обнаженные женские формы и символические животные, особенно кошки, объединившие элементы стиля модерн с символизмом. Другими влиятельными дизайнерами Парижской мебели были Чарльз Плюмет и Александр Шарпантье. Во многих отношениях старый словарь и приемы классической французской мебели Rococo XVIII века были пересмотрены в новом стиле.
В Бельгии пионерские архитекторы движения в стиле модерн Виктор Орта и Генри ван де Вельде разработали мебель для своих домов, используя энергичные криволинейные линии и минимальную отделку. Бельгийский дизайнер Гюстав Серрюрье-Бови добавил больше украшений, применяя латунные полосы в изогнутых формах. В Нидерландах, где стиль назывался Nieuwe Kunst или New Art, HP Berlag, Lion Cachet и Theodor Nieuwenhuis следовали за другим курсом английского искусства и ремесла с более геометрическими рациональными формами.
В Британии мебель Чарльза Ренни Макинтоша была чисто искусством и ремеслом, с суровым и геометрическим, с длинными прямыми линиями и прямыми углами и минимальным декором. Континентальные узоры были гораздо более сложными, часто с использованием изогнутых форм как в основных формах фигуры, так и в декоративных декоративных мотивах. В Германии мебель Петра Беренса и Югендстиля была в основном рационалистической, с геометрическими прямыми линиями и некоторым украшением, прикрепленным к поверхности. Их цель была в точности противоположна французскому модерну; простоту конструкции и простоту материалов, для мебели, которая может быть недорогой и легко производимой массой. То же самое можно сказать о мебели дизайнеров Wiener Werkstätte в Вене во главе с Отто Вагнером, Йозефом Хоффманом, Йозефом Марией Ольбричем и Коломаном Мозером. Мебель была геометрической и имела минимальную отделку, хотя в стиле она часто следовала за национальным историческим прецедентом, особенно в стиле Бидемейера.
Итальянский и испанский дизайн мебели ушел в своем собственном направлении. Carlo Bugatti в Италии спроектировал необычный стул улитки, покрытый крашеным пергаментом и медью, для международной экспозиции в Турине 1902 года. В Испании, следуя примеру Антони Гауди и модернистского движения, дизайнер мебели Гаспар Хомар разработал работы, которые были вдохновлены естественными формами с оттенками каталонских исторических стилей.
В Соединенных Штатах дизайн мебели чаще всего вдохновлялся движением Arts and Crafts или историческими американскими моделями, чем в стиле модерн. Одним дизайнером, который представил темы в стиле модерн, был Чарльз Рольфс в Буффало, Нью-Йорк, чьи проекты для американской мебели из белого дуба были под влиянием мотивов кельтского искусства и готического искусства с прикосновениями к модерну в металлической отделке, нанесенной на куски.
керамика
В последней части XIX века было много технологических инноваций в производстве керамики, в частности, в производстве высокотемпературного (грандиозного) фарфора с кристаллизованными и матовыми глазури.
В то же время несколько утраченных методов, таких как воловья глазурь, были заново открыты. На керамику в стиле модерн также влияли традиционная и современная японская и китайская керамика, чьи растительные и цветочные мотивы хорошо сочетались с стилем в стиле ар-нуво. Во Франции художники также заново открыли традиционные методы и изобрели новые мотивы. Керамика также нашла новое важное применение в архитектуре: архитекторы в стиле модерн, Жюль Лавиротта и Гектор Гимар среди них стали украшать фасады зданий керамической плиткой, многие из которых были сделаны фирмой Александра Биго, придавая им отличное модерн скульптурный вид. В керамике модерн быстро переместился в область скульптуры и архитектуры.
Одним из пионеров французских керамистов в стиле ар-нуво был Эрнест Чаплет, чья карьера в керамике длилась тридцать лет. Он начал производить керамические изделия под влиянием японских и китайских прототипов. Начиная с 1886 года, он работал с художником Полом Гогеном по керамическим рисункам с нанесенными фигурами, несколькими ручками, окрашенными и частично глазурованными, а также сотрудничал со скульпторами Феликс Брачмонд, Жюль Далу и Огюста Родена.
Его работы были отмечены на выставке 1900 года.
Крупные национальные керамические фирмы занимали важное место на Парижской выставке 1900 года: Национальное производство за пределами Парижа; Нимфенбург, Мейсен, Виллерой и Бох в Германии и Дултон в Британии. Другие ведущие французские керамисты включали Taxile Doat, Pierre-Adrien Dalpayrat (fr), Эдмонда Лакенала, Альберта Даммауса (fr) и Огюста Делаерше.
Во Франции керамика в стиле ар-нуво иногда пересекала линию в скульптуру. Фарфоровая фигурка «Танцовщица с шарфом» Агатона Леонарда, сделанная для Национальной национальной кухни, получила признание в обеих категориях на Парижской экспозиции 1900 года.
Завод Жолнай в Печ, Венгрия, возглавлял Миклош Зсолнай (1800-1880) и его сын Вилмос Зсолнай (1828-1900) с главным дизайнером Таде Сикорски (1852-1940 гг.) Для производства керамики и другой керамики в 1853 году. В 1893 году Жолнай представил фарфоровые изделия из эозина. Он привел завод к всемирному признанию, продемонстрировав свои инновационные продукты на мировых ярмарках и международных выставках, включая Всемирную выставку 1873 года в Вене, а затем на Всемирной ярмарке 1878 года в Париже, где Жолнай получил Гран-при.
В многочисленных зданиях, особенно во время движения в стиле модерн, использовались морозостойкие строительные конструкции Зсолнай.
Текстиль и обои
Текстиль и обои были важным средством стиля модерн с самого начала стиля и неотъемлемым элементом интерьера интерьера в стиле модерн. В Великобритании текстильные конструкции oWilliam Morris помогли запустить Движение искусств и ремесел, а затем в стиле модерн. Многие проекты были созданы для универмага Liberty в Лондоне, который популяризировал стиль по всей Европе. Одним из таких дизайнеров была Silver Studio, которая предоставляла красочные стилизованные цветочные узоры. Другие отличительные проекты были получены из школы Глазго и Маргарет Макдональд Макинтош. Школа Глазго представила несколько отличительных мотивов, включая стилизованные яйца, геометрические формы и «Роуз Глазго».
Во Франции большой вклад внесли дизайнер Эжен Грассет, который в 1896 году опубликовал La Plante et ses applications ornamentales, предлагая проекты в стиле модерн на основе разных цветов и растений.
Многие модели были разработаны и изготовлены для крупнейших французских производителей текстиля в Мюлузе, Лилле и Лионе, немецкими и бельгийскими мастерскими. Немецкий дизайнер Герман Обрист специализировался на цветочных узорах, в частности цикламенах и стиле «хлыстовой», основанных на цветочных стеблях, которые стали основным мотивом стиля. Бельгийский Генри ван де Вельде представил текстильную работу «La Veillée d’Anges» в Salon La Libre Esthéthique в Брюсселе, вдохновленную символикой Пола Гогена и наби. В Нидерландах текстиль часто вдохновлялся образцами батика из голландских колоний в Ост-Индии. Народное искусство также вдохновило на создание гобеленов, ковров, вышивки и текстиля в Центральной Европе и Скандинавии в работах Герхарда Мунте и Фриды Хансен в Норвегии. Проект «Пять лебедей» Отто Экманн появился в более чем ста разных версиях. Венгерский дизайнер Янош Вазари объединил элементы модерна с фольклорными темами.
Поделиться ссылкой:
- Нажмите, чтобы поделиться на Twitter (Открывается в новом окне)
- Нажмите здесь, чтобы поделиться контентом на Facebook.
(Открывается в новом окне) - Нажмите, чтобы поделиться записями на Pinterest (Открывается в новом окне)
- Нажмите, чтобы поделиться записями на Tumblr (Открывается в новом окне)
- Нажмите, чтобы поделиться на LinkedIn (Открывается в новом окне)
- Нажмите, чтобы поделиться в WhatsApp (Открывается в новом окне)
- Нажмите, чтобы поделиться в Skype (Открывается в новом окне)
- Нажмите, чтобы поделиться в Telegram (Открывается в новом окне)
- Нажмите, чтобы поделиться на Reddit (Открывается в новом окне)
- Нажмите, чтобы поделиться записями на Pocket (Открывается в новом окне)
(Открывается в новом окне)Стиль ар-нуво
Отличительные черты и особенности.
Ар-нуво: история появления и отличительные черты
Ар-нуво (или арт-нуво) – это стиль в интерьере, зародившийся в конце 19 века и пришедший на смену более пышным барокко и рококо.
В переводе с французского дословно означает «новое искусство». Он полностью оправдывает свое название и в действительности является настоящим искусством в оформлении интерьера, так как удачно сочетает в себе элегантность прошлых веков и влияние промышленного взлета, который и стал причиной его образования и выделения в отдельный стиль как в интерьере, так и в изобразительном искусстве.
Несмотря на резкую смену курса, внедрение автоматизации и технологий в промышленности, люди не могли моментально перестроиться на новый лад и отказаться полностью от природных пейзажей и живописи. Таким образом и возник новый стиль, где бок о бок соседствовали элементы исторической эпохи и современных взглядов. Однако, формирование стиля происходило достаточно долго, так как начальные попытки создать новый декор при оформлении пространств, скорее походил на что-то комичное и безвкусное. И только спустя десятилетия он приобрел более привычный нам современный облик со своими определенными чертами, отличительными особенностями и правилами оформления.
Основные черты стиля ар-нуво:
- Наличие плавных линий в интерьере. Мебель, предметы декора, орнамент на стенах и потолке – все создано в приятных извивающихся формах, будто при создании всего этого участвовала исключительно сама природа.
- Единая завершенная концепция. Когда вы попадаете в помещение, оформленное в данном дизайне, оно больше похоже на законченное произведение искусства, чем на жилое пространство, так как каждый элемент в интерьере служит для создания общей концепции пространства.
- Создание необычных сочетаний отделочных материалов: например, в ар-нуво гармонично смотрятся витраж и дерево, камень и металл, роспись с обоями.
- Основными оттенками и расцветками являются нюдовые и пастельные тона: бежевый, кремовый, белый, золотой, натуральный коричневый.
Несмотря на кажущуюся внешнюю помпезность, в целом ар-нуво выглядит гармонично и изящно. В нем не ощущается перегруженность элементами декора, отсутствует буйство красок, нет сложных и эксцентричных приемов.
Что касается напольных покрытий, то наиболее удачным выбором считается паркетный пол с ярко выраженной структурой и рисунком под натуральное дерево. При отсутствии возможности приобрести паркет, можно обратить внимание на качественный премиальный ламинированный пол, который станет прекрасной альтернативой более дорогому паркету и прослужит при этом до 30 лет при жилой эксплуатации.
Ар-нуво в интерьере – истоки и элементы стиля, фото
«Либерти», «Тиффани», «Югендстиль», «Сецессион», «Модерн»… Эти названия в разных странах применимы к единому художественному направлению, что в переводе с французского значит «новое искусство»: ар-нуво в интерьере, архитектуре, в живописи, в моде – во всем, к чему применимо понятие «дизайн».
Источниками стиля ар-нуво можно считать изящество французского рококо начала XVIII в., оригинальность декоративного кельтского искусства, стиль «пламенеющей поздней готики», орнамент яванских батиков, несравненную этрусскую вазопись, яркий колорит японской гравюры по дереву.
Первой ласточкой художественных идей ар-нуво, которые впоследствии воплотятся в жизнь и будут развиты художниками, скульпторами, ювелирами, стало возникшее в Англии в 80-е годы XIX в. «Движение искусств и ремесел». Стиль ар-нуво стал интернациональным и быстро распространился по миру, обретая новых почитателей.
Природа в отражении стиля ар-нуво
Растительный мир, флористический орнамент стали ключевыми элементами ар-нуво, его визиткой в мире искусства. В интерьере, дизайне, живописи, архитектурных решениях, оформлении предметов быта волнистые, плавно изогнутые линии и формы, заимствованные у природы, стали г эталоном. Флористический орнамент вышивки Г. Обриста «Удар бича» стал еще одним культовым образцом.
Мастера стиля ар-нуво могли предметную массивность и громоздкость делать визуально невесомой и хрупкой. Плоскостное восприятие для декоративных объемных предметов стало отличительной особенностью ар-нуво.
Символы ар-нуво – изысканная форма цветка цикламена, ирисы, лилии, водоросли.
Цветовая гамма – черные, зеленые, голубые тона. Главные особенности – непрерывность перетекающего пространства, целостный композиционный орнамент. Стиль ар-нуво – это воздержание от прямых линий и углов, использование в дизайне «треугольных роз». Стилизация и орнамент с грациозными стрекозами, бабочками, павлинами, ласточками как природная декоративность способствовали популярности ар-нуво. Благодаря именно этой особенности стиль украшает фасады многих зданий.
Единый художественный стиль с новым рядом признаков и присущими только ему деталями – это лестницы с причудливыми коваными конструкциями фантастических растений. Стилизованные узоры витражей. Резные декоративно-орнаментальные дверные и оконные проемы. Эффектное освещение в сочетании с витражной техникой «Тиффани». Утонченные и высокие вазы. Выразительный стиль картин ар-нуво, сочетающий в себе элементы «коврового фона», символизма, четкость фигур.
В интерьере такие составляющие элементы могут быть индивидуальными или входить в различные комбинации.
Современное дизайнерское искусство допускает совмещение разных стилей, деталей разных направлений – некий стильный перфоманс. В дизайне, в интерьере гармония классицизма с элементами стиля ар-нуво считается наиболее простым и беспроигрышным вариантом.
Интерьерные элементы в подробностях
Лестницы в интерьере ар-нуво чаще всего являются центром композиции. Несмотря на их массивность, они все же ажурны и легки. Основное украшение лестниц в стиле ар-нуво – ручная ковка или деревянная резьба ограждения.
Ярко выраженными особенностями стиля ар-нуво в оформлении дверных проемов являются высота, пространственность, резные элементы. Подчеркнуть приоритеты стиля в современном интерьере дизайнеры пытаются за счет гипсокартона. Такой прием для выполнения входной группы в ар-нуво часто не дает желаемого эффекта – растительный орнамент получается «тяжелым» и грубым. Стильное оформление стен – это использование живописи и графики. Картинные репродукции Альфонса Мухи, работ Густава Климта – идеальный вариант подчеркнуть стиль ар-нуво.
Ар-нуво – стиль новой старины, утонченного изыска, пространства.
Мебель, характерная для стиля, находится у антикваров и практически недоступна. Возможно ее изготовление по эскизам и каталогам, но это очень дорогая услуга. В современном интерьере раритет подменяется мебелью из натурального дерева с металлическими вставками причудливых форм.
Тяжелые буфеты, шкафы, комоды замысловатых арочных форм со множеством открытых полок. Стеклянная мебель не противоречит представлениям об ар-нуво, если имеет витражные росписи и пескоструйный рисунок. Винтажные элементы ар-нуво – старинные часы, фото «под старину», зеркала изогнутой формы, растительный орнамент картин, статуэтки, дорогие шторы – смотрятся очень эффектно.
Классика интерьера в стиле ар-нуво
Каноны ар-нуво предполагают наличие характерных признаков, связанных со стилем рококо, причудливую и замысловатую элегантность округлых линий. В интерьерном дизайне присутствует симметрия, многообразие стилизованной орнаментики, колоритные узоры, демократичная техника росписи стен или соответствующие стилю обои.
Массив и тяжесть классической мебели постепенно преобразуются в более легкие изогнутые формы. Инкрустация и аппликативная техника, использование резьбы – неоспоримое свойство современной классики стиля ар-нуво. Актуальные некогда традиционные мебельные стенки – мощные, неподъемные, громоздкие, «во всю стену» – появились именно благодаря направлению ар-нуво. Производный от него стиль ар-деко – своеобразный декоративный жанр, характеризуется использованием не менее дорогих материалов, но исключает резьбу.
Оптическая игра света и тени благодаря использованию витражных решений, цветного стекла в классических интерьерах ар-нуво привносят элемент прозрачности, ажурности пространства.
Кроме того, классику жанра в стиле ар-нуво подчеркивают повышенная интерьерная функциональность и эргономичность.
Для каждой мелочи определено свое место. Шкафы имеют отсеки для часто используемых вещей и предметов, редко вспоминаемых в обиходе. Столовая посуда, являясь декором в интерьере, часто «прячется» в стеклянный буфет.
Общая стилистика может быть сохранена и за счет повышенного функционала немного вычурной мебели, легкой по форме и не перегружающей интерьер.
Еще статьи по теме:
Инь и янь. Ар-нуво и ар-деко. — PaintingRussia
Многим эти схожие по звучанию слова кажутся синонимами. А как обстоят дела на самом деле? Давайте разбираться!
Различие 1. О главном
Начнем с места в карьер – с самого основного. Ар-нуво – это просто синоним модерна, он же – югендстиль и сецессион. «Нет» прямым, резким, мужским линиям, «да» – естественным, мягким, изогнутым, женственным. Это начало Инь в искусстве (сравнение вдвойне уместно, если принять во внимание страсть модернистов ко всему восточному). Просыпается неподдельный интерес к прикладному искусству, элементы которого мастера с легкостью переносят на холсты; доныне никто не решился бы на такую «мешанину».
Ар-деко – совсем другая песня. Песня точёная, геометричная, прямолинейная, резкая, выверенная, порой – грубоватая. Исполняемая мужчиной, а не женщиной. Эклектическая гремучая смесь модернизма (не путать с модерном!) и неоклассицизма. Если ар-нуво – целое направление в искусстве, то ар-деко – лишь течение, которое, к тому же, частично пересекается с ар-нуво. Здесь Вы услышите и отголоски кубизма, и звучный голос футуризма, и чеканные слоганы конструктивизма. В ар-нуво главная роль принадлежит плавным переливчатым линиям, а в ар-деко – цвету, смелым формам, строгой геометрии. Орнаментальность – и там, и там.
Различие 2. Время
Они даже не пересекаются во временном пространстве. Разница – в 11 лет. Ар-нуво – 1885-1914. Ар-деко – 1925-1940.
Различие 3. Трудности перевода
«Ар-нуво» переводится как «новое искусство», «ар-деко» – «декоративное искусство» – изначально название парижской выставки дизайна, которая и дала начало этому направлению.
Различие 4. Образцы для подражания
Ар-нуво вдохновляется готикой, восточным искусством, народным декоративно-прикладным творчеством. Художники ар-деко преклоняли колени перед творчеством давно минувших дней – искусством Древнего Египта, Древней Месопотамии, стран древнего востока и Африки, а также «Русские сезоны» Дягилева и индустриально-технические достижения современности.
Различие 5. Адепты стиля
Ар-нуво: архитектура Виктора Орта и Антонио Гауди, живопись и графика Альфонса Мухи, Густава Климта, Фернана Кнопфа, из русских – Михаила Врубеля, Валентина Серова, Александра Бенуа, Льва Бакста, Ивана Билибина, Константина Сомова, художественного объединения «Мир искусства». Об архитектуре московского модерна читайте здесь.
Дизайн ар-нуво
Михаил Врубель. Утро
Антонио Гауди, Дом Бальо
Ар-деко: скульптура Деметора Чипаруса, мебель Жака-Эмиля Рульманна и Жана-Жака Рато, архитектура Этьена-Луи Буле и Карла Шинкеля.
Дизайн ар-деко
Вэн Айлен, Крайслер-билдинг
В итоге…
Они существуют в разных плоскостях, на разных уровнях – направление и течение, поэтому всё же нельзя вот так вот, сплеча, противопоставлять их друг другу как инь и янь, хотя очень уж хочется!
P.S. Упс! Кажется, я запутала Вас еще больше… Или нет?
Вдохновились? Тогда присмотритесь к потрясающей раскраске для взрослых, выполненной в стилистике ар-нуво. Проверено: очень расслабляет и пробуждает креативность:
Читайте также: Московский модерн
Если статьи в блоге Вам полезны, буду благодарна за взнос любого размера. Осуществить перевод можно через ЯндексДеньги, Qiwi-копилку или PayPal, воспользовавшись банковской картой или электронными платежными системами.
Поделиться ссылкой:
Понравилось это:
Нравится Загрузка…
Украшения в стиле модерн: ювелирные изделия периода Ар Нуво
Особенности стиля
- Характерной и самой основной особенностью стиля является отказ от прямых линий и углов.
- Основной упор делался на декоративный, органический характер рисунка.
- Придание прочным предметам ощущения хрупкости и воздушной легкости.
- Асимметрия буквально во всем будь то арка, спинка кровати или комод.
- Преобладающими цветами являлись приглушенные оттенки — цвет увядшей розы, табачные цвета, жемчужно-серые, серо-голубые, пыльно-сиреневые тона.
Природа была неиссякаемым источником вдохновения. Цветы, стебли, листья служили щедрым материалом для творческих фантазий. Яркие и грациозные насекомые и птицы — стрекозы, павлины и ласточки — прекрасно поддавались стилизации, подходили для этого и такие представители животного царства, как змеи и борзые собаки. Изображение женского тела, особенно в сочетании с фантастическими завитками и волнами длинных волос, также часто использовалось художниками. /цитата из книги «Путеводитель по стилю ар нуво» — У.Харди /
Ар-нуво – новое искусство (в дословном переводе с французского «artnouveau»).
Именно ИСКУССТВО и не что-либо еще. Джон Рёскин — английский писатель, художник, теоретик искусства, литературный критик и поэт – в свое время сильно повлиял на становление стиля Ар-нуво и призывал вернуться к ремёслам, ссылаясь на то, что великое творение Микеланджело в Сикстинской капелле является по сути декоративной росписью.Он пропагандировал уходить от массового фабричного производства и повышать эстетическую ценность обычных предметов быта. В архитектуре, интерьере, мебели, декоративно прикладном искусстве было объединение художников и ремесленников, а позднее создавались компании по производству предметов быта Ар-Нуво. Таким образом, стиль охватывал все сферы окружающей среды.
Сохранить фото
Вам нужно войти в свой аккаунт
Чтобы добавить фотографию к себе, авторизуйтесь или зарегистрируйтесь.
Основным постулатом было – не тратить время на оживление умерших стилей и создание псевдодревних предметов культуры, а сосредоточиться на современном дизайне повседневных вещей.
Наряду с этим художники вдохновлялись национальным наследием прошлого, например ранним кельтским искусством, древнеирландским и англосаксонским наследием. Наиболее ярким примером такого интереса было создание в 1900г. коллекции украшений «Cymric» для магазина «Либерти». Благодаря своей избирательности в использовании наследия прошлого и сложному переплетению различных заимствований ар нуво стал тем, чем он стал – абсолютно новым уникальным стилем.
Сохранить фото
Вам нужно войти в свой аккаунт
Чтобы добавить фотографию к себе, авторизуйтесь или зарегистрируйтесь.
© Luciano Mortula — LGM Shutterstock.com
Настоящим открытием для Запада XIXв. стало искусство Востока (особенно Японии), когда между ними начались торговые отношения. Невероятной популярностью пользовались японские гравюры. Особенно высоко их оценивали французские художники-авангардисты, обнаружившие для себя новые решения композиции и использования цвета. Японские художники использовали фон в качестве композиции.
Им удавалось поддерживать равновесие между основным изображением и фоном. Деликатность и изящество японских гравюр полностью отражало то, что к чему стремились мастера Ар-нуво – созданию истинного изысканного стиля.
Высшие и средние классы готовы были тратить лишние деньги на предметы роскоши и просто на дорогие предметы быта. Обладание этими предметами приносило их владельцам ощущение собственной значимости, удовлетворяло страсть к элегантности и элитарности.
Сохранить фото
Вам нужно войти в свой аккаунт
Чтобы добавить фотографию к себе, авторизуйтесь или зарегистрируйтесь.
Многие художники, скульпторы и архитекторы оставляли свои основные профессии, чтобы заняться дизайном бытовых предметов, считая его более жизненным и социально значимым. Работы мастеров ар нуво воспринимались как произведение искусства.
Общественное питание
В США в этот период сформировался новый вид обслуживания, переродившийся на протяжение XX века в широкомасштабную индустрию и получивший название кейтеринг.
Арт-нуво в качестве стиля ни в коей мере не повлиял на этот процесс, однако совпал по времени с развитием нового бизнеса. На раннем этапе деятельность по организации мест общественного питания была начата с 1820 года чернокожими американцами и осуществляли ее в Филадельфии.
Начало профессионального развития бизнеса относится к периоду правления Роберта Богла, признанного «основателем общественного питания». Второе поколение «черных» закусочных и магазинов готовых кулинарных продуктов Филадельфии было открыто к 1840 году, когда афроамериканцы начали слияние подобных заведений со своими ресторанами. Сам термин caterer появился в 1880-х годах, после того как местные каталоги начали перечислять многочисленные магазины и закусочные общественного питания. Именно тогда, в период арт-нуво, кейтеринг, ставший прибыльным, начал переходить в руки белых предпринимателей. К 1930 годам «черные» заведения практически исчезли, а индустрия сетей общественного питания превратилась в респектабельный бизнес.
Ар-Нуво в живописи
Ар-нуво в основном использовался в декоративном искусстве. Поэтому в живописи были творческие разногласия и метания по поводу попадания в стиль. Наиболее в полной мере стиль ар-нуво удалось передать художнику Густаву Климту. Он соединил живопись с декором ар-нуво. Его картины впитали в себя разные техники цветной мозаики с позолотой и сложные узоры, а фигуры людей при этом были предельно плоскими.
Сохранить фото
Вам нужно войти в свой аккаунт
Чтобы добавить фотографию к себе, авторизуйтесь или зарегистрируйтесь.
Сохранить фото
Вам нужно войти в свой аккаунт
Чтобы добавить фотографию к себе, авторизуйтесь или зарегистрируйтесь.
Не менее, а где-то даже и более известным представителем стиля ар-нуво в живописи и плакатной графике был Альфонс Мариа Муха. На пике популярности ар-нуво художник работал главным декоратором театра, оформлял афиши, костюмы и декорации к выступлениям артистов. Поэтому большинство его работ – это плакатная живопись.
Он превращал плакаты в настоящие произведение искусства. Плоская графика за счет сложности линий, контраста фона и изображения, обилия орнамента делали из плаката настоящий шедевр. Плакаты расходились тысячными тиражами. Создавались открытки, игральные карты и другие печатные репродукции, которые до сих пор тиражируются в виде арт-постеров. В последствии были заказы для светских эстетов – шелковые панно, росписи, а также серии красочных графических полотен «Времена года», «Драгоценные камни», «Звезды», «Искусства», «Месяцы», «Деревья», «Цветы».
Сохранить фото
Вам нужно войти в свой аккаунт
Чтобы добавить фотографию к себе, авторизуйтесь или зарегистрируйтесь.
На его полотнах цветы превращались в орнаменты и вплетались в волосы женщин, становясь каким-то драгоценным украшением. Шрифты, узоры, складки одежды женщин, изгибы тела, рук и даже волос – все создавало единую композицию, ставшую впоследствии визитной карточкой художника и эталоном стиля модерн или ар-нуво в живописи.
Витраж
Плавно перейдем от живописи к витражному искусству, потому что все эти линии, краски, орнаменты по существу являются прототипом витражного искусства ар-нуво. Не исключение, что витражное искусство стиля модерн опиралось на природные мотивы, растения, плавность линий и асимметрию. Большую популярность в витражном искусстве приобрели изображения сказочных и мифических персонажей – русалок, эльфов, фей. Техника изготовления витража достаточно сложная, поэтому такие композиции могли позволить себе только достаточно состоятельные люди. Цветные стекла спаивались при помощи свинцовых прутьев, а на пике популярности стиля модерн, был изобретен новый метод спайки медной фольги и олова. Такую технику изобрел Луис Комфорт Тиффани, работавший как раз в стиле модерн. Этот способ крепления стекол позволил создавать объемные изделия и сложные формы. Его произведениями стали не только витражи храмов и частных домов, но и абажуры светильников, бижутерия и другие стекольные изделия ранее не изготавливавшиеся в технике витража, например вазы или тарелки.
Он создавал цветное стекло, а не просто красил его эмалью, как это делали другие мастера. От этого его изделия были более долговечными и ценились еще выше.
Сохранить фото
Вам нужно войти в свой аккаунт
Чтобы добавить фотографию к себе, авторизуйтесь или зарегистрируйтесь.
Посмотрите, как представлена сама форма плафонов – как будто слеплена из настоящих листьев, как в природе, создающих не ровный край абажура.
Вот некоторые примеры витражей стиля ар-нуво в интерьере. Витраж гармонично вписывается и украшает пространство, а так же является продолжением формы окна. Только представьте, как преображается пространство, когда сквозь цветные стеклышки витража проходят лучи солнца, наполняя комнату красивыми красками. Теперь понятно, почему появилось желание изготавливать светильники из витража, чтобы такую красоту наблюдать не только в дневное время, но и вечером.
Сохранить фото
Вам нужно войти в свой аккаунт
Чтобы добавить фотографию к себе, авторизуйтесь или зарегистрируйтесь.
Сохранить фото
Вам нужно войти в свой аккаунт
Чтобы добавить фотографию к себе, авторизуйтесь или зарегистрируйтесь.
Меблировка
Предметы обстановки существенно отличались в зависимости от стран, в которых их производили. Важным производственным центром этого периода стала Бельгия. Стиль модерна ярко раскрылся в работах Виктора Орта, Анри Ван де Вельде, Гюстава Серрурье-Бови. Для их мебельного дизайна в меньшей степени характерны природные формы и в большей — изогнутые абстрактные линии. Мебель бельгийской представляла несколько иное направление. Работавшие для фирмы дизайнеры, применяли образцы и материалы восточных стран, в частности породы экзотических индонезийских деревьев и удачно сочетали их с конструктивными деталями.
В дизайне немецкой мебели югендштиля существовало два направления: рационалистическое и экспрессивное. Рационалистический стиль отличается использованием недорогих доступных материалов, простотой форм, практичностью и стремлением создавать образцы для промышленного изготовления.
Для изделий экспрессивного направления эталоном служил растительный и животный мир.
Ведущие дизайнеры Вены рассматривали изготовление мебели как архитектурное искусство, что выражается в точных геометрических формах. В Америке среди мебельного производства все еще господствовали старые традиции, и Буффало Ролфс был одним из немногих дизайнеров, кому удалось придать изделиям природные мотивы и волнообразные линии арт-нуво. В странах Скандинавии и Центральной Европы формировались собственные традиции, связанные с народным творчеством и национальными орнаментами.
Большинство дизайнеров Парижа стремились к возрождению пышного декора стиля рококо или барокко. Важнейшим центром мебельного производства традиционно оставался французский город Нанси, в котором две компании, Луи Мажореля и Эмиля Галле, производили исключительные образцы мебели в духе традиционных форм и природных мотивов.
Архитектура и интерьеры
Архитектура ар-нуво невероятным образом соединяла архитекторов и ремесленников.
Использование железа, которое изначально применялось для строительства железнодорожных вокзалов, обеспечило архитекторов прочными и относительно легкими конструкциями в традиционной архитектуре. Легкое использование металла в обработке, а так же ковке и текучести для создания растительных орнаментов имело огромное значение для архитекторов ар нуво. Знаменитая Эйфелева башня – яркое тому подтверждение.
Металлические конструкции часто были закрыты декоративным материалом (кирпичом и штукатуркой), но некоторые несущие или другие элементы металла иногда выставляли напоказ, украшая металлическим декором. Архитекторы продумывали не только архитектуру и фасады, но и проектировали интерьеры. Стилистика модерна предполагает общие принципы, поэтому конструкциям часто придавали форму растений. Колонны обвивали кованные металлические ветви с листьями и побегами, лестницы имели радиусный вид или скругленную форму ступеней, а перила и балконные ограждения напоминали вьющиеся растения. Текучий природный рисунок перекликался с объемными барельефами на стене, росписью фасадов или мозаичным рисунком пола.
Все это создавало ощущение живости и движения.
Сохранить фото
Вам нужно войти в свой аккаунт
Чтобы добавить фотографию к себе, авторизуйтесь или зарегистрируйтесь.
Дом Тасселя, созданный архитектором Виктором Орта – главная достопримечательность стиля ар-нуво. Каждая деталь начиная от внешнего убранства и заканчивая внутренним оформлением – здесь все выполнено в стиле модерн. Возможности стиля ар-нуво, представленные в доме Тасселя, были приняты с воодушевлением и начали поступать новые заказы. Интерьеры ар-нуво с их открытыми пространствами и большими окнами были настоящим открытием по сравнению с душными вычурными комнатами викторианской эпохи. Особое впечатление производили светильники, свисающие с потолка будто вьющиеся растения. Внимание к деталям было настолько велико, что даже в мебели и на дверных замках повторялись те же плавно изогнутые линии.
Сохранить фото
Вам нужно войти в свой аккаунт
Чтобы добавить фотографию к себе, авторизуйтесь или зарегистрируйтесь.
Сохранить фото
Вам нужно войти в свой аккаунт
Чтобы добавить фотографию к себе, авторизуйтесь или зарегистрируйтесь.
Сохранить фото
Вам нужно войти в свой аккаунт
Чтобы добавить фотографию к себе, авторизуйтесь или зарегистрируйтесь.
Многие дома стилистики ар-нуво сейчас стали музеями, достопримечательностями и народным достоянием. А наиболее известными архитекторами стиля модерн стали Гектор Гимар, Виктор Орта, Шарль Плюме, Чарльз Ренни Макинтош, Вагнер Ольбрих,ЙозевХоффман, иАнтонио Гауди.
Наземные конструкции входной группы, крыш и арок парижского метро, спроектированные архитектором Гектором Гимаром, произвели фурор среди общественности, что местные даже называли ар-нуво «стилем метро». Все станции были абсолютно разными, но с общими узнаваемыми объемами. Декор имел причудливо изогнутые линии, где прямую часть можно было отыскать с трудом. Даже само название «метрополитен» было выполнено в традиционной для ар-нуво графике.
Сохранить фото
Вам нужно войти в свой аккаунт
Чтобы добавить фотографию к себе, авторизуйтесь или зарегистрируйтесь.
© FreeProd33 Shutterstock.com
Испанский архитектор Антонио Гауди был настолько поглощён этим стилем, что иногда его творения переходили грань разумного. Оценивая архитектуру Гауди, часто складывается ощущение, что это какой-то авторский локальный стиль. Местный магнат судовладелец ЭусебиоГуэль был главным заказчиком А.Гауди. Его невероятное богатство позволило архитектору осуществить самые амбициозные проекты. Наряду с архитектурой и интерьерами, благодаря Гауди, был создан уникальный парк Гуэля, который по сей день является одной из главных достопримечательностей Барселоны и открыт для всех желающих. Перед архитектором стояла организация ландшафта и малых архитектурных форм. Здесь, на фоне деревьев, он расположил стилизованные волнообразные скамьи и фонтаны. Извивающиеся, как змеи, тропинки плели узоры по всему парку. А центром этого ансамбля стало сооружение крытого рынка, чью крышу украшала непрерывная скамья невероятной длины, с которой можно было любоваться окружающим видом.
Спинка скамьи была украшена мозаикой из битой керамики разных цветов и рисунков. А сам парк представлял из себя обилие гротов, пещер и опор в форме окаменевших стволов деревьев, и казался чем-то подземно-морским. Он прекрасно вписывался в атмосферу города, расположенного между горами и морем.
Сохранить фото
Вам нужно войти в свой аккаунт
Чтобы добавить фотографию к себе, авторизуйтесь или зарегистрируйтесь.
Сохранить фото
Вам нужно войти в свой аккаунт
Чтобы добавить фотографию к себе, авторизуйтесь или зарегистрируйтесь.
© Alexey Broslavets Shutterstock.com
Сохранить фото
Вам нужно войти в свой аккаунт
Чтобы добавить фотографию к себе, авторизуйтесь или зарегистрируйтесь.
Желание произвести невероятное впечатление путем сочетания различных материалов (дерева, металла, витража) было характерной чертой для дизайнеров ар-нуво.
Одним из творений Гауди так же был доходный дом Батльо, по сути своей являвшееся лишь реконструкцией существующего здания.
Для того, чтобы отвлечь внимание от существующих прямых окон, Гауди использовал прием контраста, где на фоне прямых поверхностей цветными плитками был выложен волнистый узор по всему фасаду здания. С помощью экзотичной башенки и крыши, напоминающей складки ткани, дом стал выделяться. Цокольную часть здания Гауди украсил каменной кладкой волнистой формы, а часть окон верхних этажей украсилась причудливыми балконами, напоминающими скелет рыбы. Некоторые колонны напоминают кости. Именно поэтому в народе дом Батльо стали назвать «Дом костей». Архитектор полностью проработал не только фасады и крышу, но и добавил два новых фасада, перепланировал нижние этажи, добавил подвальный этаж и внутренний двор, что добавило зданию дополнительного освещения и вентиляции. Применение волнистых объемов использовалось не только снаружи, но и внутри. Все декоративные элементы дома были выполнены лучшими мастерами прикладного искусства, а предметы мебели, созданные Гауди, в настоящее время водят в собрание музея Гауди в Парке Гуэля.
Дом был объявлен художественным памятником Барселоны и включен в список Всемирного наследия ЮНЕСКО.
Сохранить фото
Вам нужно войти в свой аккаунт
Чтобы добавить фотографию к себе, авторизуйтесь или зарегистрируйтесь.
Сохранить фото
Вам нужно войти в свой аккаунт
Чтобы добавить фотографию к себе, авторизуйтесь или зарегистрируйтесь.
© V_E Shutterstock.com
Сохранить фото
Вам нужно войти в свой аккаунт
Чтобы добавить фотографию к себе, авторизуйтесь или зарегистрируйтесь.
© ansharphoto Shutterstock.com
Еще более изощренным проектом Гауди является жилой дом Мила (CasaMilà). Благодаря железобетонным несущим колоннам, здание практические не имеет несущих и опорных стен. Это дало возможность свободной планировки, что для того времени было настоящим открытием. Фасад здания полностью криволинейный. Нет ни одного прямого угла.
Сохранить фото
Вам нужно войти в свой аккаунт
Чтобы добавить фотографию к себе, авторизуйтесь или зарегистрируйтесь.
Дом напоминает огромную медузу. При движении вокруг дома, создается ощущение, что он тоже двигается, живет и дышит. Одним из гениальных приемов Гауди было создание внутреннего дворика, чтобы обеспечить дневной свет каждой комнате здания. Волнистая крыша следует ритму главного фасада с чередованием искусно обыгранных элементов конструкции здания — дымовых и вентиляционных труб, лестничных клеток. Каждый элемент здания сделан в непривычной для нас манере, например дымоходы дома Мила напоминают головы средневековых стражников, а перилла балконов похожи на водоросли.
Сохранить фото
Вам нужно войти в свой аккаунт
Чтобы добавить фотографию к себе, авторизуйтесь или зарегистрируйтесь.
Ну и основным произведением, которым занимался архитектор на протяжении всей своей карьеры является собор Саграда Фамилия (Святое Семейство). Собор стал примером крайности фантазии стиля ар-нуво. Вдохновленный горой Монсерат неподалеку от Барселоны, Гауди старался запечатлеть в архитектуре Саграды как можно больше элементов, напоминающих святую гору.
Все в этом здании: инкрустации, скульптурные украшения, мозаика и витражи – свидетельствует о творческой одержимости архитектора, попытавшегося соединить в одно целое все, что было уникально в его искусстве. Неудивительно, что это сооружение не поддается классификации и не может быть включено в какую-либо категорию. /цитата из книги.
Сохранить фото
Вам нужно войти в свой аккаунт
Чтобы добавить фотографию к себе, авторизуйтесь или зарегистрируйтесь.
© Valery Egorov Shutterstock.com
К строительству собора Гауди приступил не самого начала, а когда над ним уже работал другой архитектор. У него не было готового проекта и большая часть объекта – было чистой воды импровизация. По-другому архитектор работать просто не мог. К каждому своему творению он относился, как к живому существу, которое должно расти свободно и естественно. Некоторые строительные конструкции настолько причудливы, что с трудом удавалось понять, как и за счет чего все это стоит и держится.
Лишь спустя десятилетия в компьютерный век удалось раскрыть инженерные решения, полностью отвечающие законам механики, к которым Гауди пришел интуитивно. Внутри Саграды он расставил целый лес колонн с капителями в виде ветвей, верхушки которых создают ажурные своды лесной паутины. Колонны уходят в землю на глубину 20 метров, а в высоту достигают 70 метров. Каждая из них может выдержать семибалльное землетрясение и порывы ветра до двухсот километров в час.
Сохранить фото
Вам нужно войти в свой аккаунт
Чтобы добавить фотографию к себе, авторизуйтесь или зарегистрируйтесь.
© Alessandro Colle Shutterstock.com
Сложно представить, каким причудливым и сказочным был бы мир, если бы все было построено Антонио Гауди.
Для интереса — 7 июня 1926 года 73-летний Гауди вышел из дома, чтобы отправиться в свой ежедневный путь к церкви Сант-Фелип-Нери, прихожанином которой он был. Идя рассеянно по улице Гран-Виа-де-лас-Кортес-Каталанес между улицами Жирона и Байлен, он был сбит трамваем и потерял сознание.
Извозчики отказывались везти в больницу неопрятного, неизвестного старика без денег и документов, опасаясь неуплаты за поездку. В конце концов, Гауди доставили в больницу для нищих, где ему оказали лишь примитивную медицинскую помощь. Лишь на следующий день его нашёл и опознал капеллан храма Саграда-Фамилия МосенХильПарес-и-Виласау. К тому времени состояние Гауди уже ухудшилось настолько, что лучшее лечение не могло ему помочь.Гауди скончался 10 июня 1926 года и был похоронен двумя днями позже в крипте недостроенного им храма.Сохранить фото
Вам нужно войти в свой аккаунт
Чтобы добавить фотографию к себе, авторизуйтесь или зарегистрируйтесь.
© Albert Nowicki Shutterstock.com
Мебель
В мебели стиля ар-нуво настоящих мастеров, специализирующихся только на мебели, было не так много. В основном мебелью и убранством интерьера занимались архитекторы, которые стремились контролировать все детали построенных ими зданий. В создаваемой мебели вопрос выбора между удобством и эстетической привлекательностью стоял на грани.
Сложно было удержать баланс. Чувствовалось увлечение декоративность: резьбой, медными и латунными украшениями, позолотой и слоновой костью. У всего этого разнообразия было общее качество – одержимость кривыми линиями и невероятная изобретательность. Однако, когда речь шла о массовом производстве, мастерам приходилось усмирять свою фантазию. И несмотря на то, что Уильям Моррис призывал к тому, что искусство должно быть доступно всем, в целом предметы ар-нуво были все же предметами ручного эксклюзивного производства. Возрождалась инкрустация по дереву, а некоторые поверхности представляли из себя панно с растениями и пейзажами, иногда делая мебель излишне эффектной
Сохранить фото
Вам нужно войти в свой аккаунт
Чтобы добавить фотографию к себе, авторизуйтесь или зарегистрируйтесь.
Сохранить фото
Вам нужно войти в свой аккаунт
Чтобы добавить фотографию к себе, авторизуйтесь или зарегистрируйтесь.
Со временем изощренные формы мебели стали уступать более спокойным, привычным для понимания, но не менее изящным формам.
Так в мебели ар-нуво появилось ответвление – стиль Макинтош. Создаваемая архитектором мебель напоминала саму архитектуру Чарльза Макинтоша. В Англии его мебель принимали с настороженностью, считая ее излишне стилизованной и не удобной. Как и в своих архитектурных проектах автор делал упор на причудливо вытянутые вертикали. Это отражалось в высоких спинках стульев, которые могли даже спускаться к полу. Автору не нравилась структура дерева, поэтому он пытался максимально ее спрятать под толстым слоем краски или лака. Для украшения часто использовал трафаретный рисунок. Мебель Макинтоша можно назвать закатом стиля ар-нуво и переходом к привычным угловатым формам новой стилистики.
Сохранить фото
Вам нужно войти в свой аккаунт
Чтобы добавить фотографию к себе, авторизуйтесь или зарегистрируйтесь.
Как всё начиналось
Долгое время представители созидательных профессий в своих работах копировали исторические стили прошлого. Это постепенно приводило к упадку и кризису.
И вот на рубеже двух столетий появляются новые взгляды на искусство, которые в различных странах получили самые разные названия – арт-нуво, стиль Вельде, модернизм, модерн, сецессион, стиль Тиффани. Конечно, такие взгляды не возникли сами по себе. Свое влияние оказало японское искусство.
В 1856 году француз Феликс Бракмон был очарован японскими гравюрами на пачках чая. Удивительная природа, утончённые женщины, культ солнца… Это вдохновило живописца на создание абсолютно новых картин, где доминируют округлые формы и натуральные оттенки. Независимость форм и цвета, выразительный силуэт и прихотливые контуры очень скоро появились в работах и других художников.
В 1890 году в Англии зарождается движение, которое пропагандирует новое искусство, ориентированное на орнамент. Формируются целые школы приверженцев «нового стиля» или, как ещё его называют, арт-нуво.
Истоки Ар-Нуво (модерна) | Культура и искусство Уроки культуры
Мы в XXI веке живем в эпоху перемен.
Похожая ситуация складывалась и на рубеже XIX-XX столетий. Чтобы в этом убедиться, можно проследить переломные события, произошедшие в последние десятилетия и сто лет назад. Активизировались политические процессы, были внедрены достижения научно-технического прогресса, которые повлекли перемены в жизни общества, происходившие в Европе и в России на рубеже XIX-XX вв.
Смотреть мой видеорассказ по ссылке — https://cloud.mail.ru/public/Ki9T/4iswVUsjY
Обилие открытий, изобретений, изменений в мировой общественной и политической жизни породило ощущение, что весь мир поглотила одна «болезнь» — отсутствие стабильности и гармонии.
На рубеже XIX-XX веков «лекарством» от этой «болезни» стало появление стиля АР-НУВО (модерна), подосновой которого является индивидуализация предмета. Дело в том, что в связи с индустриализацией появилось массовое производство. Товары стали штамповать, копировать, тиражировать. Потерялась «душа», уникальность авторского предмета.
Поиски неповторимости предмета художников привели к появлению нового искусства – ар- нуво. А уже новое искусство представило общественности уникальный, ни на что не похожий стиль в архитектуре — модерн.
В 1860-1870 годах в искусстве стран Западной Европы и Российской империи доминировало художественное направление историзма(эклектики), идеология которого заключалась в повторении и интерпретации художественных стилей прошлого: готки, барокко, классицизма и прочих.
Родоначальником модерна считается Англия — старейшая страна капитализма. Новый стиль начинает развиваться там под лозунгом возврата к природе и гармонии, простоте и функциональности изделий средневековых художественных ремёсел, а также искусства раннего Возрождения.
Например, художественное движение «прерафаэлитов» старались выписывать с максимальной достоверностью все детали пейзажа. Проводя на природе десятки часов. Они тщательно рисовали облака, воду. Он пытались обозначать духовное родство с флорентийскими художниками эпохи раннего Возрождения, то есть художниками «до Рафаэля» и Микеланджело: Перуджино, Фра Анжелико, Джованни Беллини.
Многое для своих работ они брали из окружающей их природы, создавая т очные , с точки зрения ботаники, изображения.
Одна из самых известных картин прерафаэлитов — картина «Офелия», Д. Э. Милле,
1852 год, галерея Тейт, Лондон
Уильям Моррис создавал бытовые предметы и элементы оформления архитектурного интерьера с растительными орнаментами, а Артур Макмердо использовал изысканные, волнообразные узоры в книжной графике.
Работы Ульяма Морриса
Работы Артура Макмердо
МОДЕРН, стиль модерн (франц. moderne – новейший, современный) — одно из названий стилевого направления в европейском искусстве конца XIX – начала XX веков.
Модерн должен был стать стилем жизни нового, формирующегося под его воздействием общества. Он должен был создать вокруг человека цельную эстетически насыщенную пространственную и предметную среду, выразить духовное содержание эпохи с помощью синтеза искусств, новых, нетрадиционных форм и приемов, современных материалов и конструкций.
Основой синтеза является архитектура, объединяющая все прочие виды искусства. Модерн прервал спокойное тысячелетнее развитие традиций.
Сторонники модерна призывали к пересмотру всех аспектов архитектуры и полному отказу от художественных традиций. В духе модерна, стремившегося стать универсальным стилем своего времени, строились многочисленные деловые, промышленные и торговые здания, вокзалы, театры, мосты, доходные дома. Практически же модерн явился первым относительно цельным стилем художественного оформления различных сфер быта буржуазии.
Стиль ар-нуво(модерн) в каждой отдельно взятой стране совершенно уникален. Каждый архитектор добавил этому стилю что-то особенное, что содержит в себе исключительные черты той страны, в которой и было построено, в конечном счете, архитектурное произведение искусства.и конечно, художественные средства стиля применяли не только в архитектуре, но и в живописи, скульптуре, фарфоровом и мебельном производстве, в предметах быта. А чтобы вернуть индивидуальность предметам и противопоставить их бездушным однообразным изделиям, сошедшим с фабричного конвейера, в моду приходит декоративно-прикладное искусство.
И каждая вещь через себя рассказывала о мастере, который её изготовил.
Художники-декораторы начала XX века придавали огромное значение восточным мотивам. При этом традиционные европейские мотивы трансформируются просто до неузнаваемости. Классические элементы – вишня, гвоздики, персики, стебли бамбука – по-прежнему используются, однако при этом приобретают совершенно новое звучание. Стилизованные природные формы используются как самостоятельный декоративный элемент, предназначенный для того, чтобы зритель восхищался и любовался ими.
Своё вдохновение модернисты черпали в природе, отсюда плавность линий, текучесть, вытянутые, изящные формы, обилие растительных орнаментов, стилизованных изображений птиц, фантастических животных, цветов. Лилии и кувшинки, орхидеи и ирисы, стрекозы и бабочки, павлины и ласточки поселились на фасадах европейских модерновых особняков, заполнили гостиные, столовые и будуары. Боже, а как же восхитительны были женщины эпохи модерн — изящная линия шеи и плеч, великолепные волосы и причёски, изумительные шляпки, шикарные платья, расшитые бутонами и птицами.
Фирменным знаком, своеобразным символом МОДЕРНА стал знаменитый гобелен — искусное творение Германа Обриста (немецкий художник — декоратор, скульптор, представитель немецкого модерна).
Мастер назвал свою работу «Цикламен» и представил на суд публики. Одному из критиков привиделось, что стебли растения похожи изгибы бича или кнута, яростно обрушивающегося на спину своенравного жеребца.
Всем так запала в душу эта метафора, что с тех пор этот рисунок так и стали именовать «ударом бича», а извивающаяся золотая линия стала фирменным росчерком стиля МОДЕРН.
Герман Обрист был сотрудником Зигфрида Бинга.
Зигфрид Бинг родился в Гамбурге. Его отец имел разнообразные коммерческие интересы по всему свету. Он владел предприятиями по производству стекла, художественной ковке, керамическому производству.
На семейном совете решили отправить Зигфрида управлять семейным предприятием по производству керамики во Франции.
Кроме того, Зигфрид наладил отношения с азиатскими поставщиками, чтобы импортировать в Европу предметы искусства из Японии и Китая. Товары в Европу поставлялись через компанию «Екогамма», руководил которой младший брат Зигфрида.
Очень скоро японские гравюры, керамика, мебель стали очень популярны в Европе, поток товаров нарастал, в то время как экспорт компании был незначителен. Перед Зигфридом стала задача уменьшения диспропорции в торговле предметами искусства, чтобы филиалы компании в Японии и Китае не только закупали, но и реализовывали художественные товары из Европы. Зигфрид Бинг сформулировал перед художниками задачу создания яркого, запоминающегося декоративного стиля в своем журнале Le Japon Artistique. Первоначально планировалось, что эти предметы будут экспортироваться в Японию, поэтому стилистика картин и рисунки на тканях были созвучны японскому искусству, но вместе с тем требовалось привнести в эти предметы особенность, которая отличала бы европейские товары от азиатских.
Такой декоративный элемент Герман Обрист скопировал с картины японского же графика Утагава Хиросигэ.
Французские художники драматически усилили этот узор, придав местами извивающейся линии утолщения и в таком виде под названием Удар Бича этот элемент вернулся в Японию, как отличительный знак французского модерна. Таким образом, Бинг наладил экспорт европейских товаров в Японию через филиалы «Екогаммы». К 1898 году экспорт предметов искусства в Японию через филиалы фирмы превысил импорт. Случилось так, что изделия в стиле, получившем во Франции название ар-нуво получили популярность не только в Японии, но и во всем мире.
Бинг открывает галерею Maison De L’Art Nouveau , интерьеры которой разработал Генри ван де Вельде, а витражи изготовил Комфорт Тиффани. Открытию галереи предшествовала рекламная кампания, развернутая во всех модных журналах.
В рекламе провозглашалось, что «галерея L ART Nouveu будет устранять то, что безобразно и окружает нас теперь.
Мы будем прививать безупречный вкус, предлагая утилитарные предметы, исполненные природной красоты».
В галерее продавались ткани, дизайн которых разрабатывал Уильям Моррис, изделия из стекла Тиффани, а также ювелирные изделия, картины, керамика, витражи, мебель стиля модерн.
В галерее Бинга выставлялись такие художники как Луи Бонье, Фрэнк Брангвин, и Эдуард Вюйар, дизайнеры Эжен Гайар, Эдуард Колонна, Уильям Бенсон, и Жорж де Фре, скульпторы Огюст Роден и Константин Менье. Торговый дом Бинга с разным успехом работал по всему миру.
В Германии Бинг финансировал издание журнала, посвященного модерну Ver Sacrum (Священная весна). В Германии взгляды Бинга разделял Густав Климт, но из-за большой приверженности немцев классицизму, германский «Югендстиль» всегда носил черты прямолинейности и угловатости.
В Англии модерн, не смотря на старания Бинга, не получил распространения.
В Америке, напротив, филиалы фирмы по продаже предметов искусства действовали весьма успешно.
Таким образом, по отношению к стилю модерн, это подтверждает теорию о том, что нация, как и отдельный человек, имеет свой характер.
В своей работе Зигфрид Бинг применял самые передовые, а на сегодняшний день азбучные методы маркетинга.
У галереи Maison De L’Art Nouveau был собственный стиль и логотип. Этот стиль использовался для на фирменных бланках, в рекламе, в самых модных журналах, на плакатах, расклеенных по Парижу.
У Бинга был собственный идеолог, журналист Мейер-Грефе. Это он определил, что стиль модерн должен быть обращен прежде всего к женщине и создан для нее. На рекламе того времени женщина, таким образом, предстает не как сексуальный объект, а человек, которому хорошо в данной обстановке, и она приглашает другую женщину приобщиться к получаемому наслаждению (абсенту, путешествиям, театральному представлению).
К 1898 году Бинк отходит от роли пропагандиста Японского искусства и предлагает собственное видение интерьера современного дома.
По его мнению, это интерьер, созданный в едином стиле, не исключая ни одного элемента, заканчивая дверными ручками. В мастерских Бинга производилась керамика, стекло, мебель и ювелирные украшения.
Предлагаю посмотреть авторский фильм — очерк о стиле Ар — Нуво.
https://vk.com/starmisha20?z=video1995801_456239683%2Fvideos1995801%2Fpl_1995801_-2
Северный модерн
Северный модерн — направление интернационального модерна, получившее развитие в архитектуре северных стран — в Швеции, Финляндии, Норвегии. В России направление связано, в основном с архитектурой Санкт-Петербурга, где он развивался в конце XIX — в начале XX века под влиянием шведской и в особенности финской архитектуры. Дело в том, Финляндия входила в состав Российской империи. А Санкт-Петербург всегда был законодателем мод и новых архитектурных стилей в России, так как был столицей, и здесь проживала царская семья.
Этот архитектурный стиль , родившийся чуть более ста лет назад, прижился во многих городах России: в Санкт-Петербурге, в Москве, в Самаре, в Сочи и т.
д. В этом стиле работали Ф.О. Шехтель, И.П.Машков, Л.Н. Кекушев, А.А. Щербащёв, И.С. Кузнецов, Ф.И. Лидваль и др.
Финны и скандинавы, желая осознать свою идентичность, стремились переосмыслить прошлое и обращались к народным сказкам, легендам. Это нашло большой отклик в архитектуре: на фасадах появляются сказочные мотивы, животные и растения, декоративные детали наполнены символизмом. Используется много натуральных материалов, особенно камень.
В России северный модерн также перенял эти черты. Возможно, из-за близости культур северо-западных народов России и Финляндии, а также из-за близкого сотрудничества архитекторов этот стиль получил большее развитие в Санкт-Петербурге и Выборге, а также в Риге, но не, например, в Москве.
Одним из самых важных архитекторов северного модерна был Фёдор Лидваль. Работы Лидваля есть и в Петербурге, и в Стокгольме, и во многих других городах. Здания, спроектированные Лидвалем, являются образцами модерна, и он внёс, наверное, самый значимый вклад в развитие северного модерна в Петербурге.
Дом Лидваля в Санкт- Петербурге
13.04.2020Что такое модерн?
Стиль декоративного дизайна в стиле модерн возник во Франции в конце 19 века и стал широко популярным в Европе, его стиль применялся к искусству, архитектуре, плакатам, украшениям, мебели и текстилю.
Работа Альфонса Мухи для Dance , 1898.Хотя стиль ар-нуво вышел из моды к 1910 году, современные дизайнеры и иллюстраторы пересматривают и модернизируют этот стиль, чтобы придать своим работам эмоциональный и романтический оттенок.
Здесь мы рассмотрим определяющие характеристики движения в стиле модерн и то, как вы можете подражать стилю в своих собственных проектах.
Любите стиль модерн? Начните создавать собственные декоративные элементы, выбирая рамки, узоры и шрифты в стиле ар-нуво от GraphicRiver и Envato Elements.
Следите за новостями на нашем канале Envato Tuts+ YouTube:
com/embed/LettuxcTmtw?rel=0″ frameborder=»0″ allowfullscreen=»allowfullscreen» webkitallowfullscreen=»webkitallowfullscreen» mozallowfullscreen=»mozallowfullscreen» loading=»lazy»/> Что такое модерн?
К концу XIX века некоторые художники почувствовали себя ограниченными стилем «академического искусства», который был популярен на протяжении многих десятилетий.Первоначально во Франции несколько художников отошли от строгости старого академического стиля и начали создавать искусство, в котором органические, высокодекоративные формы использовались более стилизованно и чувственно.
В 1895 году арт-дилер Зигфрид Бинг открыл Maison de l’Art Nouveau , новую художественную галерею в Париже. Через галерею Бинг продавал ткани, разработанные Уильямом Моррисом, и изделия из стекла Тиффани, а также демонстрировал картины и мебель в стиле модерн.
Фотография входа в Maison de l’Art Nouveau на улице Прованс, 22 в Париже. Этот стиль стал очень популярным не только во Франции, но и в Европе и Америке.
Такие художники, как Альфонс Муха, помогли популяризировать стиль, создавая рекламу и открытки в стиле модерн, рекламируя сигареты, алкоголь и кондитерские изделия.
Стиль модерн был тотальной формой искусства, а это означает, что его влияние можно было увидеть в широком спектре изобразительного и декоративно-прикладного искусства, включая архитектуру, мебель и иллюстрацию.Вдохновленный изогнутыми, органическими формами растений и цветов, модерн представляет собой очень декоративный, романтический и богато украшенный стиль, который, несомненно, очень красив.
Как создать свой собственный дизайн и иллюстрации в стиле модерн
В то время как минимальные линии модернизма или геометрическая симметрия ар-деко сегодня привлекают дизайнеров, многие иллюстраторы и дизайнеры предпочитают вернуться к более органичному стилю ар-нуво.
Возможно, в соответствии с современной тенденцией к максимализму в дизайне, модерн вдруг кажется более свежим и актуальным.
Здесь мы рассмотрим несколько советов по созданию собственных рисунков и иллюстраций в стиле ар-нуво.
1. Ищите вдохновения у великих
Если вы новичок в работе со стилем модерн, всегда полезно сначала поискать вдохновение.
Если вы посмотрите на работы некоторых из самых известных художников ар-нуво, вы сможете начать замечать общие черты и определять некоторые из ключевых определяющих характеристик стиля, которые вы затем сможете применить к своим собственным работам.
Векторная иллюстрация, вдохновленная характерным стилем Мухи. Узнайте, как создать эту иллюстрацию здесь. Чешский художник Альфонс Муха, пожалуй, самый известный художник в стиле модерн, а его плакаты являются элегантным символом культуры кафе во всем мире. Картины Мухи имеют очень своеобразный стиль, который и сегодня остается популярным среди иллюстраторов и художников-графиков.
Главной отличительной чертой стиля Мухи часто является центральная женская фигура, изображенная в чувственной, расслабленной позе и одетая в классический костюм.Волосы часто являются ключевым элементом дизайна, создавая длинную изогнутую точку фокусировки вокруг фигуры и подчеркивая движение. Для иллюстраторов простой совет по подражанию стилю Мухи состоит в том, чтобы создать более толстую линию вокруг силуэта фигуры и края волос, которая вытягивает центральную фигуру вперед из остального изображения.
Работа Альфонса Мухи для фильма «Танец», 1898 г.Фигура часто окружена очень декоративной рамкой, наполненной элементами, вдохновленными природой, такими как растения, цветы, морские ракушки или павлиньи перья.Округлая, богато украшенная типографика размещена за фигурой, что придает дизайну почти трехмерный вид.
Цвета, использованные в дизайне, также вдохновлены природой: теплые землистые тона, такие как терракотовый, персиковый и оранжевый, используются наряду с листовой зеленью и небесно-голубым.
Этот урок — отличное введение в то, как подражать стилю Мухи в векторной иллюстрации.
2. Границы и разделители должны быть декоративными и симметричными
Ар-нуво — это максималистский стиль дизайна, поэтому постарайтесь заполнить любое свободное пространство на макете декоративными элементами, такими как границы, рамки и разделители.
Ищите векторные орнаменты с плавными линиями, изогнутыми краями и декоративными углами. Органические и вдохновленные природой элементы, такие как лозы, перья и цветы, дополнят общий вид в стиле модерн.
Этот набор украшений действительно универсален, позволяя вам комбинировать различные элементы, чтобы создать отсылку к стилю модерн или создать изысканный дизайн с украшениями из виноградной лозы и листьев.
Векторный пакет украшений Vitis.Этот набор рамок и баннеров содержит множество природных элементов, таких как цветы и листья, которые помогут вам создать винтажный образ.
Набор векторных рамок и баннеров.
Как сделать так, чтобы ваш дизайн выглядел красиво и не перегружен? Дизайн в стиле ар-нуво по-прежнему использует высокую степень симметрии, чтобы объединить дизайн, поэтому не забудьте перевернуть границы, чтобы создать приятный зеркальный эффект.
3. Ищите шрифты в стиле Belle-Epoque
Типографика является ключевой частью любого макета в стиле модерн. Оригинальные стили в стиле модерн были разработаны и нарисованы вручную, что придало им изогнутый естественный дизайн.
Гарнитуры, вдохновленные движением ар-нуво, сохраняют ощущение нарисованности от руки. De Arloy — это аутентичное воспроизведение стилей письма в стиле модерн. Изящные засечки и изогнутые лигатуры делают этот шрифт прекрасным выбором для дизайна плакатов или брендинга.
Шрифт De Arloy. Шрифт De Arloy. Вы можете найти и другие шрифты, которые отсылают к эпохе модерна, сохраняя при этом современный вид. Naive Inline не будет смотреться неуместно на винтажной открытке или в фильме Уэса Андерсона.
4. Попробуйте стиль на канцелярских принадлежностях и приглашениях
Стиль модерн не ограничивается иллюстрациями. Вы также можете подражать стилю на простых макетах, состоящих только из текста, выбрав правильный шрифт, границы и цвета.
Поскольку модерн романтичен и эмоционален, он особенно хорошо подходит для свадебных канцелярских принадлежностей. Попробуйте создать дизайн в стиле ар-нуво для приглашения или открытки для свиданий, чтобы подчеркнуть романтическую чувственность стиля.Прикосновения металлической фольги к границам и типографике могут сделать дизайн роскошным и особенным.
В этом уроке вы узнаете, как создать приглашение на свадьбу в InDesign, в стиле ар-нуво.
Ищете быстрое решение? Этот пакет шаблонов оформления в стиле ар-нуво демонстрирует, как любой бренд может использовать стиль ар-нуво. Почему бы не использовать шаблоны для создания потрясающих плакатов, меню или приглашений для вашего бизнеса?
5.
Используйте блики и тени для создания эффекта модернаСтиль ар-нуво может легко уйти на скучную или старомодную территорию, особенно если вы твердо придерживаетесь аутентичного стиля модерн. Некоторые из лучших образцов современного дизайна в стиле модерн придают стилю уникальный оттенок, благодаря которому стиль выглядит свежим и захватывающим.
Попробуйте переключиться с приглушенной цветовой палитры на яркие неоновые или пастельные тона. Или включите в свой дизайн неожиданный объект, например, причудливого робота в этом векторном руководстве.
Традиционное произведение искусства в стиле модерн использует плоский дизайн, который создает эффект коллажа. Дизайну был придан трехмерный вид за счет создания слоев плоских изображений, перекрывающихся элементов и толсто нарисованных силуэтов.
Теперь, когда у нас есть доступ к цифровому программному обеспечению, намного проще отказаться от плоского стиля аутентичного модерна и добавить текстуры, блики и тени, чтобы создать более современный трехмерный вид.
В этом уроке показано, как сочетание современного стиля векторной иллюстрации с чертами стиля ар-нуво может придать иллюстрации иммерсивный стиль поп-культуры.
Заключение: «Новый» стиль модерн
Ар-нуво вышел из моды в Европе после 1910 года, а ар-деко, а затем и модернизм стали определяющими стилями дизайна 20-го века. Однако, хотя расцвет ар-нуво был недолгим (около 20 лет), его влияние на графический дизайн и иллюстрацию с тех пор было значительным, и многие современные художники-графики теперь пересматривают стиль из-за его красоты, декоративных качеств и романтики.
Здесь мы рассмотрели несколько советов о том, как вы можете подражать стилю модерн в своих работах, а также предложили несколько идей, как придать стилю современный вид.
Напомним, аутентичная графика и иллюстрация в стиле модерн определяется:
- органические изогнутые линии и графика, вдохновленные природными формами, такими как растения и цветы
- симметричные раскладки и крупные украшения
- землистые, вдохновленные природой цвета
- романтические, часто женские сюжеты, вдохновленные классической мифологией
- нарисованная от руки округлая типографика, которая часто размещается внутри декоративных баннеров или бордюров
Вы можете привнести современное обновление в стиль ар-нуво, поэкспериментировав с более нетрадиционной цветовой палитрой, включив в свой дизайн необычные предметы или убрав свой дизайн, чтобы создать более минималистичный макет.
Вы можете найти множество рамок и узоров в стиле ар-нуво и Прекрасной эпохи на GraphicRiver и Envato Elements, чтобы использовать их в своих проектах, таких как эта коллекция шаблонов ниже.
Если вы ищете шрифты, ознакомьтесь с этим образцом доступных шаблонов премиальных шрифтов в стиле модерн.
5 Шрифты в стиле модерн
Мелвка
(TTF, OTF)Melvca — прекрасный шрифт в стиле модерн, который привнесет нотку элегантности в ваши проекты.Вдохновленный формой листьев и усиков, Melvca идеально подходит для дизайна логотипов, плакатов, упаковки и многого другого. Шрифт содержит как строчные, так и прописные буквы, цифры и знаки препинания.
Hornbuckle
(TTF, OTF) Если вам нравится шрифт Melvca, указанный выше, но вы ищете менее вычурный стиль, попробуйте Hornbuckle. Он предлагает стиль, аналогичный Melvca, но менее декоративный. Хорнбакл содержит строчные и прописные буквы, цифры и знаки препинания, а также альтернативные символы.
Гарнитура Бедесау
(TTF, OTF)Этот замечательный шрифт передает всю элегантность и красоту стилей шрифтов в стиле модерн. Универсальный шрифт, который можно использовать для большого отображаемого текста или основного текста, Bedesau содержит полный набор символов верхнего и нижнего регистра, цифр и стандартных знаков препинания. Отличный шрифт для экспериментов.
Элоди — Ручной набросок шрифта в стиле модерн
Как нарисованный от руки шрифт, Elodie предлагает что-то немного отличное от других в этом списке.Шрифт в стиле ар-нуво с заглавными буквами необычен и уникален, и это отличный выбор, когда вам нужен текст, который будет выделяться и привлекать внимание.
Гарнитура Де Арлой | Новый стиль модерн
Шрифт De Arloy — это воплощение элегантности шрифта в стиле ар-нуво. Этот красивый шрифт содержит полный набор прописных и строчных букв, цифр и знаков препинания, а также стилистические варианты, чтобы вы могли создать уникальный вид.
Ар-нуво: новый стиль для нового века
Ваза «Павлин» производства Tiffany Glass and Decorating Company, ок.1901 (Купер Хьюитт)
ПОТОКОВАЯ ИНФОРМАЦИЯ О ПРОГРАММЕ
- Эта программа является частью нашей серии Smithsonian Associates Streaming .
- Платформа: Zoom
- Требуется онлайн-регистрация.
- Если вы зарегистрируете несколько человек, вам будет предложено указать имена и адреса электронной почты отдельных лиц, чтобы они могли получить электронное письмо со ссылкой на Zoom.Обратите внимание, что в случае изменения расписания программы или ее отмены мы сообщим вам по электронной почте, и вы будете обязаны уведомить других зарегистрировавшихся в вашей группе.
Известное своим органичным, извилистым и соблазнительным стилем, движение ар-нуво в современном искусстве и дизайне, называемое Новым стилем, развилось из декоративно-прикладного искусства и эстетических движений.
Сосредоточенный во Франции на самом рубеже прошлого века, он был отмечен на Всемирной выставке 1900 года в Париже и быстро распространился в Англии и Америке.
Этот богато иллюстрированный семинар под руководством искусствоведа Бониты Биллман исследует происхождение ар-нуво, его отличительные черты и главных создателей. Хотя модерн процветал всего десять лет или около того, он имел длительное влияние и популярность.
9:30—10:45 Истоки и особенности стиля модерн
Стиль ар-нуво продвигал арт-дилер Зигфрид Бинг, и его самый впечатляющий показ был представлен на Всемирной выставке в Париже, где свои работы представили великие дизайнеры, такие как Тиффани.Бинг представил на выставке ар-нуво в собственном павильоне концептуальных комнат.
11:00—12:15 Югендстиль во Франции
Франция преуспела в Новом Стиле. Рене Лалик, позднее прославившийся своим стеклом, был дизайнером извилистых украшений в смешанной технике.
Мажорель и Гайар делали мебель, а Муха и де Фер рисовали.
12:15—13:15 Перерыв
13:15—14:30 Новый стиль в Британии
Как и Бинг, Артур Ласенби Либерти, торговец азиатскими предметами искусства, отстаивал новый стиль.Многие консервативные британцы отвергли этот стиль из-за его предполагаемого упадка и «французскости», но его влиятельный лондонский магазин Liberty and Co. стал синонимом популярного стиля. В Шотландии Чарльз Ренни Макинтош и его жена Маргарет Макдональд сформировали свой неповторимый стиль ар-нуво.
14:45—16:00 Новый стиль в Америке
По иронии судьбы художник, больше всего связанный с ар-нуво, был не французом, а американцем: Луи Комфорт Тиффани. Тиффани, получивший образование художника и работавший дизайнером интерьеров, обратил свое внимание на стекло в конце 1880-х годов.Его студия Тиффани производила витражи, стеклянную мозаику и особенно художественное стекло.
Биллман, вышедшая на пенсию с факультета искусства и истории искусств Джорджтаунского университета, читает лекции для различных организаций Среднеатлантического региона.
Сертификат по всемирной истории искусств по выбору: заработать 1 балл*
Информация о покровителях
- Если не указано иное, регистрация на программы потокового вещания обычно закрывается за два часа до времени начала программы.
- После регистрации посетители должны получить автоматическое подтверждение по электронной почте от [email protected].
- Информация о отдельной ссылке на Zoom будет отправлена по электронной почте ближе к дате программы. Если вы не получили информацию о ссылке на Zoom за 24 часа до начала программы, отправьте электронное письмо в службу поддержки для получения помощи.
- Посмотреть Часто задаваемые вопросы о наших программах потокового вещания в Zoom.
*Зарегистрированные участники Сертификатной программы по всемирной истории искусства получают 1 кредит по выбору.Еще не зачислен? Узнайте о программе, ее преимуществах и о том, как зарегистрироваться здесь .
Ар Нуво в исторической перспективе
Постоянно путаясь в том, является ли объект или здание на самом деле модерном или нет, я решил разобраться в своих фактах и научиться распознавать характеристики стиля и понимать его происхождение.
Промышленная революция
Чтобы понять ситуацию, в которой возник модерн, мы вернемся в прошлое, чтобы найти промышленную революцию, имевшую место в 1850-х годах.Люди чувствовали себя богатыми и хотели иметь вещи, которые раньше могли себе позволить только 90 004 действительно 90 005 богатых людей. Благодаря механизации (дешевому массовому производству) имитация предметов роскоши и «искусства» стала доступной для всех. Предыдущие стили были скопированы, и качество больше не имело значения. Теперь любой может жить «в стиле»!
Движение искусств и ремесел
Как и следовало ожидать, народные мастера совсем не оценили это новое направление! Они настаивали на качественной продукции ручной работы.
На Британских островах эти мастера сформировали «Движение искусств и ремесел», которое возглавил Джон Раскин, а затем Уильям Моррис. Их целью было создание красивых, но экологически чистых продуктов для обычного человека. Таким образом, «Искусство и ремесла» — это не стиль, а скорее философия. Принцип дизайна. В поисках вдохновения они обратились к образцам, существовавшим до промышленной революции. К позднему Средневековью и к готике. Логично предположить, что их принцип потерпел неудачу, поскольку изделия ручной работы намного дороже, чем имитации массового производства, и их обычный человек не мог себе их позволить.
В 1892 году Уолтер Крейн (1845–1915) написал «Притязания на декоративное искусство», вдохновившие многих мастеров его поколения и последующих поколений. Будучи английским художником и книжным иллюстратором, а также членом «Движения искусств и ремесел», его целью было привнести искусство в повседневную жизнь всех классов.
Художники и ремесленники материковой части Европы очень восхищались теорией Уолтера Крейна и английским «Движением искусств и ремесел».
И именно эти континентальные мастера вызвали настоящие перемены! Они были готовы к новому искусству, к модерну, основанному на творчестве и мастерстве.Вдохновленные природой, они больше не хотели ни копировать стили из прошлого, ни массового производства. И идеалом этого движения также было объявление красоты обычным человеком. И снова мы должны заключить, что социалистические принципы, лежащие в основе ар-нуво, потерпели неудачу, поскольку он был совершенно роскошным и слишком дорогим для простых людей. Хотя в художественном отношении он имел огромный успех!
У Мажореля были высокие идеалы создания прекрасного дизайна для масс, но его стоимость обеспечила клиентуру, состоящую из буржуазии.Он потерпел неудачу в своих эгалитарных порывах, как и Уильям Моррис до него. 1
модерн
Благодаря философии, согласно которой люди должны быть окружены красивыми изделиями, модерн стал «тотальным стилем», то есть включал в себя широкий спектр художественных территорий — архитектуру, украшения, освещение, набивные ткани, мебель, хозяйственное серебро и другую утварь.
, обои, типографика и графический дизайн и т. д. «Искусство должно быть образом жизни!»
Новый художественный стиль развивался одновременно во многих странах и назывался в каждой стране по-разному.В настоящее время «ар-нуво» и «югендстиль» приняты во всем мире в качестве общих терминов. Вот некоторые имена, которые используются в разных странах:
.- Ар Нуво (Франция, Бельгия)
- Югендстиль (Германия)
- Nieuwe Kunst (Нидерланды)
- Современный стиль или стиль либерти (Великобритания)
- Arte Nuova или Stile Liberty (Италия)
- Арте Нова (Португалия)
- Модернизм (Испания)
- Сецессион (Австрия)
- Secesija (Хорватия)
- Стиль Модерн (Россия)
- и т.д.
Я обнаружил хороший график, который также показывает , когда стилей модерн «поражают» разные страны:
Модерн Бельгия | модерн Нидерланды | Модерн Франция
Поскольку модерн развивался одновременно на большой географической территории, между местными разновидностями существуют значительные различия.
В Бельгии был очень популярен так называемый хлыст, тогда как во Франции использовались более реалистичные линии, а в Нидерландах были популярны геометрические формы.Однако есть некоторые характеристики, которые явно являются общими для всех местных разновидностей : 90 003
- Поразительная вера в будущее
- Оптимистичный взгляд на мир
- Отвращение к симметрии ( Японское влияние )
- Плоская перспектива и яркие цвета ( Японское влияние )
- Плавные (движущиеся) линии
- Мотивы и узоры на основе флоры и фауны
- Глазурованная плитка и керамика с вкраплениями кирпича
- Твердые светлые материалы
- Использование современных технологий и материалов (большие стеклянные поверхности, железобетон, чугун и сталь )
Плавные (движущиеся) линии , пожалуй, самая известная характеристика стиля модерн.
Они должны выражать эмоции этого нового периода времени, времени, которое можно охарактеризовать движением. Находим линии на балконах, перилах, фасадах и т.д.
Мотивы и узоры на основе флоры и фауны обычно представляют собой изящно стилизованные растения и цветы с длинными стеблями, такие как лилии, каллы, ирисы, маки, бутоны роз, лебеди, павлины, стрекозы, яйцевидные формы, облака, вода и стройная женщина фигуры с длинными волосами и в длинных развевающихся платьях.
Плоская перспектива и яркие цвета японских гравюр на дереве , особенно Кацусика Хокусай, оказали сильное влияние на стиль модерн.Волна японизма, прокатившаяся по Европе в 1880-х и 1890-х годах, оказала особое влияние на многих художников своими органическими формами, отсылками к миру природы и четкими рисунками, которые сильно контрастировали с господствующим вкусом. Помимо того, что его приняли такие художники, как Эмиль Галле и Джеймс Эбботт Макнил Уистлер, вдохновленные японцами искусство и дизайн отстаивали бизнесмены Зигфрид Бинг и Артур Ласенби Либерти в своих магазинах в Париже и Лондоне соответственно.
Зигфрид Бинг (1838–1905) был немецким арт-дилером в Париже, который сыграл видную роль в представлении японского искусства и произведений искусства на Западе и развитии стиля модерн в конце девятнадцатого века.В декабре 1895 года он открыл свою знаменитую галерею Maison l’Art Nouveau, в которой были представлены работы художников, которые впоследствии стали известны как движение в стиле модерн. Генри ван де Вельде спроектировал интерьеры галереи, а Луи Комфорт Тиффани поставил витражи. В галерее Бинга были представлены целые комнаты, оформленные в стиле ар-нуво его штатными дизайнерами. В период наиболее успешного существования галереи, 1896–1902 гг., Бинг занимался широким спектром художественных работ, включая ткани, разработанные Уильямом Моррисом, изделия из стекла Тиффани, украшения, картины, керамику, витражи и мебель в стиле модерн.
Деятельность Бинга сыграла важную, возможно, решающую роль в японском влиянии на модерн. Он издавал ежемесячный журнал Le Japon Artistique, который начался в 1888 году и был собран в 36 томах в 1891 году.
Известно, что журнал оказал большое влияние на таких художников, как Густав Климт и Джордж Хендрик Брайтнер. И здесь я снова завершаю круг, так как эта картина Брейтнера была одной из моих любимых картин, когда я была маленькой девочкой! Я купил открытку с картиной, которая уже много лет висит над моей кроватью.
Благодаря индустриализации (и возможности массового производства) плитка пережила серьезное возрождение. Они были водонепроницаемыми, огнеупорными и устойчивыми к загрязнениям, а также относительно дешевыми (по сравнению с штукатуркой, они имеют более длительный срок службы и более низкую стоимость установки. Они также стоили намного меньше, чем камень). А поскольку их было легко чистить, они также стали очень популярными с появлением ванных комнат и большим признанием пользы гигиены на кухне.В конце 19 века эпидемии все еще были очень смертоносными! Как вы можете видеть ниже, художники в стиле модерн быстро адаптировались к этому новому строительному материалу, разработав самые красивые узорчатые плитки ручной работы!
Кроме того, новых строительных материалов , таких как стекло, железобетон, чугун и сталь, стали доступны художникам в стиле модерн благодаря промышленной революции.
Одним из основных «новых» строительных материалов был чугун, который на самом деле был изобретен в Китае 6 века.Только после промышленной революции новые методы производства впервые позволили производить чугун достаточно дешево и в достаточно больших количествах, чтобы регулярно использовать его в крупных строительных проектах. Чугун обычно изготавливали из чугуна , который нужно было нагревать до жидкого состояния, а затем заливали в форму для затвердевания. В основном он использовался для колонн, поскольку чугун сравнительно хрупок, но очень прочен при сжатии. (Не под напряжением!) Чугунные колонны позволили архитекторам строить высокие здания без чрезвычайно толстых стен, необходимых для возведения каменных зданий любой высоты.Такая гибкость позволила высотным зданиям иметь большие окна и пропускать дневной свет. Тонкие чугунные колонны также могли выдерживать вес, для которого в противном случае потребовались бы толстые каменные колонны или опоры, освобождая площади на заводах и позволяя архитекторам театров, церквей и синагог улучшать линии обзора при поддержке балконов.
Использование больших стеклянных поверхностей в зданиях возросло во второй половине 19 века с ростом популярности чугуна.Стекло использовалось по функциональным причинам (большие окна, создающие светящиеся жилые помещения), а также по декоративным причинам (витражи). И хотя витражи и свинцовое стекло пропускают желаемый свет, они все же обеспечивают уединение для владельца дома. Мансардные окна в частных домах стали новым явлением.
Железобетон, Франсуа Хеннебик
И последнее, но не менее важное: железобетон был добавлен в список новых строительных материалов. Хотя бетонный дом был построен еще в 1837 году Дж.Б. Уайт из Англии, цемент не получил широкого распространения до 1850-х и 60-х годов, когда он использовался для канализационных систем. Тем не менее, до 1900-х годов он оставался слишком дорогим для крупномасштабного использования.
В 1879 году бельгиец Франсуа Хеннебик поместил балки из кованого железа в цемент, первоначально, чтобы защитить их от огня и коррозии, а также от химических паров, присутствующих на фабриках; С 1892 года, после того как было сделано несколько новых открытий, Хеннебик заменил железо сталью и начал использовать свой Béton Armé (железобетон) во всех опорах (стенах, колоннах, балках и потолках).
Не менее важно то, что затем он начал понимать, что ему нужно объединить эти опоры в монолитный элемент с помощью крючковых соединений. Эта так называемая система Хеннебик была одним из первых проявлений современного железобетонного метода строительства. Первым зданием, построенным с использованием этой системы, было здание Уивера 1897 года в районе доков Суонси.
Последний шаг был сделан в начале 1900-х годов Эженом Фрейсине, который пересчитал все формулы армированного бетона и в процессе заново разработал предварительно напряженный бетон, что позволило изогнутым опорам выдерживать гораздо большие нагрузки и противодействовало износу самого бетона. под давлением.С этого момента здания могут стать намного больше и строиться быстрее, чем когда-либо прежде.
Признание архитектуры в стиле модерн ЮНЕСКО
Хотя модерн довольно быстро сменился модернистскими стилями 20-го века, сегодня он считается важным переходом между историзмом неоклассицизма и модернизмом. Кроме того, памятники в стиле модерн теперь признаны ЮНЕСКО в их Списке всемирного наследия как значительный вклад в культурное наследие.
Исторический центр Риги, Латвия (до сих пор в моем списке желаний!), с «лучшей коллекцией зданий в стиле модерн в Европе», был добавлен в список в 1997 году отчасти из-за «качества и количества зданий в стиле модерн». /Архитектура в стиле югендстиль». А в 2000 году четыре брюссельских таунхауса Виктора Орта были добавлены как «произведения человеческого творческого гения», которые являются «выдающимися образцами архитектуры в стиле модерн, блестяще иллюстрирующими переход от 19-го к 20-му веку в искусстве, мысли и обществе». ».
1 Цитата из «Вилла Мажорель: реставрация в стиле модерн» в Financial Times
Подробнее:
Ар-нуво (Flemish Paper OKV1977)
Le Béton Armé (1898-1939)
Ар-нуво – история и наследие
Что такое модерн?
Nieuwe Kunst (на голландском языке)
Нравится:
Нравится Загрузка…
Связанные10 самых известных художников в стиле модерн
Движение в стиле модерн начало развиваться в конце 19 века как средство преобразования мира искусства в нетрадиционной, но естественной манере.
Многие художники, которые считаются частью стиля модерн, работали в самых разных областях, таких как архитектура, скульптура, живопись и даже декоративно-прикладное искусство.
Историки и ученые сегодня указывают на движение в стиле модерн как на предшественника того, что мы теперь знаем как модернизм. Период ар-нуво объединил многочисленных художников со всего мира в единое движение, в которое вошли отдельные художники из самых разных стилей, включая как изобразительное, так и прикладное искусство.
Мы составили этот список из 10 самых известных художников в стиле модерн, чтобы объяснить некоторые мотивы и исторический контекст этих великих художников и их работ.
Известные художники в стиле модерн
1.
Альфонс Муха Альфонс Муха был одним из самых выдающихся представителей движения модерн. Он известен своими проектами, которые в основном относились к плакатам и рекламе театральных представлений. Многие современные постеры к фильмам черпают элементы дизайна и вдохновение от таких работ, как Муха.
Он родился в Богемии и считается одним из самых известных художников Чехии. Муха провел большую часть своей молодой жизни в таких местах, как Париж, Франция и Мюнхен, Германия, которые имеют богатую историю искусства и культуру.
Позднее Муха вернулся на родину и сосредоточил свои усилия на создании произведений, относящихся к чешской культуре.
Самыми известными работами Мухи являются в основном картины и литографии, которые он создавал для рекламы театральных представлений по всей Европе.В его работах в основном фигурировали женские формы, и он стремился изображать женщин в новой манере, которая прославляла более социально влиятельную женскую фигуру.
2.
Густав КлимтГустав Климт — один из самых уважаемых художников эпохи модерна. Он родился в Австрии и провел большую часть своих 55 лет в стране, лишь изредка выезжая в близлежащие страны, такие как Италия, в последние годы своей жизни.
Он уже был широко известным художником до того, как в конце 19 века начало формироваться движение в стиле модерн, а Климт был хорошо известен своими декоративными картинами, на которых в основном были изображены женщины.
Многие художники утверждали, что Австрия застряла в классической художественной структуре и культуре на протяжении большей части 1800-х годов, в то время как другие регионы Европы добились больших успехов в новых и захватывающих художественных движениях.
Именно Климт и несколько других художников основали Венский сецессион, стремившийся вывести Австрию на сцену современного европейского искусства.
Большинство картин Климта известны своим изысканным реализмом, а также уникальными элементами, которые он использовал во многих своих работах.
Климт пережил фазу, которую искусствоведы и критики называют золотой фазой художника, в последующие годы, когда он написал ряд работ, в том числе блестящие золотые одежды и прославлял женские формы.
3.
Чарльз Ренни Макинтош Чарльз Ренни Макинтош считается самой известной фигурой среди британского направления движения модерн. Родившийся в Шотландии в 1868 году, Макинтош вырос в скромной семье и с самого раннего возраста проявлял особую склонность к искусству и архитектуре.
Он начал свою карьеру архитектором, но также увлекался живописью и был хорошо известен среди многих британских и шотландских художников конца 1800-х годов.
Он женился на Маргарет Макдональд, которая сама по себе была известной художницей, и пара объединилась с другим мужем и женой, чтобы сформировать совместную работу, известную как «Четверо». Говорят, что Макинтош был одним из самых дальновидных архитекторов и экспертов по дизайну раннего движения в стиле модерн.
Помимо создания больших, раскидистых построек и примечательных домов, Макинтош стремился спроектировать другие вещи, такие как концертные и выставочные залы, а также различные музеи и даже железнодорожный вокзал.
Позже в своей жизни он полностью отказался от своей работы архитектором и посвятил себя исключительно акварельной живописи в последние несколько лет, живя на юге Франции.
4.
Анри де Тулуз-Лотрек Анри де Тулуз-Лотреку приписывают слияние элементов и величия изобразительного искусства с рекламой, что дало начало знаменитым театральным афишам и другим произведениям, которые использовались для привлечения зрителей или посетителей ночных клубов и других заведений.
В юности он создавал уникальные плакаты, которые продавал различным компаниям по всему Парижу за приличную сумму денег.
Тулуз-Лотрек имел репутацию блестящего художника, но он страдал от странного и изнурительного заболевания, которое коренилось в врожденных проблемах со здоровьем, вызванных инбридингом, поскольку его родители были двоюродными братьями и сестрами.
Будучи подростком, Тулуз-Лотрек сломал обе ноги в разных несчастных случаях, что привело к задержке роста его ног, что дало ему необычно низкий рост, несмотря на большой торс.
Произведение Тулуз-Лотрека было одним из самых заметных произведений в стиле модерн. Он был невероятно талантливым художником и смог создать одни из самых очаровательных плакатов, которые теперь стали культовыми изображениями Европы конца 19-го и начала 20-го веков.
5.
Гектор Гимар Было несколько выдающихся архитекторов, которые процветали во время движения ар-нуво, но не более, чем Гектор Гимар.
Родившийся во Франции в 1867 году, Гимар добился известности в раннем возрасте после того, как спроектировал Castel Beranger, известный многоквартирный дом в Париже, который был создан таким образом, что он действительно выделялся различными элементами дизайна в стиле модерн.
Читайте также: Ар-деко и ар-нуво
Гимара помнят как одного из самых известных архитекторов того времени, поскольку он спроектировал более 50 зданий и других построек в Париже и его окрестностях.
Он был провозглашен одним из самых одаренных художников своего времени и был известен дизайном других вещей, таких как мебель и другие предметы.
Некоторые из его самых выдающихся построек до сих пор стоят в Париже, но многие из лучших работ Гимара были снесены, когда город Париж изменился и вырос в начале-середине 20-го века.
6.
Обри Бердслей Обри Бердслей помнят как одного из самых известных художников в стиле модерн, и его обычно называют одним из самых плодовитых художников-иллюстраторов современности.
Бердслей родился в Англии в 1872 году и был одним из самых многообещающих молодых художников к началу движения в стиле модерн, зародившегося в 1890 году.
Он работал в основном черными чернилами и стилизовал многие из своих работ в соответствии с древним японским методом создания гравюр на дереве.
Бердслей был еще одним очень успешным и талантливым художником, создавшим некоторые из наиболее знаковых плакатов, которые использовались для театральных представлений и различных предприятий по всей Британии.
Многообещающая молодая карьера Бердслея трагически оборвалась, когда он заболел туберкулезом в возрасте двадцати с небольшим лет, а позже умер, когда ему было всего 25 лет. На протяжении всей своей молодой карьеры Бердслей описывал себя и свою работу как поглощенных гротеском, что отразилось во многих его работах. .
7.
Жюль Шере В то время как различные художники раннего модерна приписывают большое влияние на современный стиль плакатного искусства, Жюля Шере называют «отцом современного стиля плаката».
Шере родился в Париже в 1836 году в семье бедных художников и начал изучать искусство создания литографии, когда ему было всего 13 лет.
В ранние годы его жизни существовала поразительная разница между стилем плакатного искусства, существовавшим во Франции, и стилем, существовавшим в Великобритании.
Несмотря на то, что он родился во Франции, Шере отправился в Лондон, Англия, где он обучался методу литографии и принял свой собственный уникальный стиль, на который, как говорят, сильно повлиял британский стиль плакатного искусства.
Шере создал один из самых ярких и культовых плакатов эпохи модерна и последующих эпох.
8.
Луи МажорельМногие художники восприняли слияние декоративно-прикладного искусства с изобразительным искусством в эпоху модерна, но Луи Мажореля помнят как одного из величайших мастеров дизайна в том, что касается мебели и другого декора.
Читайте также: Художники в стиле ар-деко
Мажорель был французским художником и экспертом по дизайну, родившимся в 1859 году.
Он сосредоточил большую часть своих усилий на создании новых и интересных форм мебели, которые отличались друг от друга и часто считались одними из самых популярных дизайнов того времени.
Многие из его самых выдающихся творений были мебелью с красивыми деревянными вставками, которые он объединил с элегантными тканями, которые в сочетании образовали некоторые из наиболее знаковых произведений движения ар-нуво.
Он производил кровати, стулья, кушетки и другие предметы, используя различные виды ценных, труднодоступных пород дерева, таких как красное дерево, остролист, вяз и другие.
Его предметы мебели отличались особой формой и дизайном, что отличало их от других выдающихся дизайнеров той эпохи.
9.
Эхо Черника Эхо Черник считается одним из самых выдающихся художников в стиле модерн современности.Ее отмеченные наградами работы описываются как яркие и электрические, поскольку в них присутствуют женские формы и другие естественные и сюрреалистические элементы.
Черник — американский художник, создавший различные плакаты, обложки книг и другие иллюстрации, которые считаются одними из самых знаковых и увлекательных произведений искусства современности.
В настоящее время она работает художником-графиком и создает некоторые из самых широко известных обложек книг, плакатов и произведений графического дизайна, которые являются одновременно динамичными и запоминающимися творениями любого художника с самого начала движения в стиле модерн.
10.
Герда ВегенерГерда Вегенер — одна из самых известных художниц стиля модерн начала 20 века. Ее работы часто описываются как обладающие отчетливо эротическими качествами, которые вдохновили на создание совершенно нового жанра, относящегося к эротической природе.
Родившийся в Дании в 1886 году, Вегенер был дочерью лидера лютеранской церкви и вырос в особенно консервативном воспитании.
Ей приписывают создание некоторых из самых знаменитых картин и иллюстраций в стиле позднего модерна.
Многие из ее творений уникальны тем, что изображают женскую фигуру очень сексуально вызывающей или соблазнительной.
Некоторые из ее наиболее спорных работ изображают женщин, занимающихся сексом, который считался слишком ярким и откровенным для 1920-х и 1930-х годов.
Вегенер работал над изменением того, как женщины воспринимаются в произведениях искусства, а также над созданием изображений мужчин, которые сильно отличались от того, как их изображали с самых ранних времен художественного самовыражения.
Стиль модерн | Как создать образ в стиле ар-нуво
Стиль ар-нуво создано на сайте sampleboard.comКак оформить в стиле модерн
Люди часто путают стили модерн и ар-деко. Я сам так делал, когда был студентом. Первое, что нужно сделать, это понять узоры, цвета и узоры каждой эпохи. В этой статье о модерне будут подробно описаны узоры, мотивы, цвета и влияния этой эпохи. Краткий обзор движения в стиле модерн даст вам некоторые знания, которые помогут вам принимать обоснованные решения.
Движение в стиле модерн просуществовало около тридцати лет до 1910 года. Это был стиль, в котором естественные формы использовались для вдохновения и использовались оригинальным способом. Самым популярным мотивом в стиле модерн были павлиньи перья. Отличительной чертой стиля являются изогнутые волнообразные линии, известные как линии хлыста, растительные формы и сильно стилизованные криволинейные узоры. Стиль часто описывается как извилистый, ритмичный и похожий на сон.
Art Nouveau Motifs и Paills
- Цветочные мотивы (часто абстрагированы)
- нежные женские формы
- Peallics
- Peakocks
- насекомых
- перья птицы
- раковины
- виноградные лозы
- цветы, (мак, Глициния , водяные лилии, японский лотос….)
- S-образные изгибы
- Линии кнута
Цвета были приглушенными и нежными.
В обоях, ситце и других материалах использовались натуральные растительные красители. Ар-нуво многие считают основным декоративным стилем. Влияние японской печати также очевидно в дизайне.Art Nouveau Цвета
- пастель
- Off White
- Olive
- Горчица
- Sage
- Brown
- LILAC
- Gold
- Peacock Blue
Art Nouveau Рисунок обоев
- Стилизованные маки и лилии на длинных стеблях
- Листья стрельчатой формы
- Тонкие цветы
Эту обработку также использовал Чарльз Ренни Макинтош, который создал ряд белых комнат.Модерн Плитка
Изобразительная плитка эпохи модерна была популярна в Бельгии и Франции. В основу дизайнов легли иллюстрации чешского художника Альфонса Мухи.Это влияние не проявлялось в Англии до 1920-х и 1930-х годов. Влияние искусства и ремесел продолжалось в Штатах. Однако использование простой плитки также было популярно. Виктор Орта в своем собственном доме в Брюсселе (ныне музей Орта) использовал простую белую плитку на стенах и потолке в стиле кирпича. Трубчатая облицовка использовалась для создания мотивов на гладкой плитке. Используемая техника аналогична глазури на торте. Приподнятые линии рисунка придают плитке трехмерный вид. У Kenneth Clark Ceramics есть бордюрная плитка с тюльпанами, облицованная трубами.
Модерн Плитка
- Пастельные тона
- Однотонная плитка или плитка с индивидуальным дизайном, расположенная среди однотонной плитки
- Узорчатая плитка в основном использовалась в цветочном ряду на высоте пэда или в виде случайной абстрактной вставки
- Высоко стилизованная0 901 плитка
- Панели в стиле модерн использовались для создания законченных интерьеров в Европе
- Панели также на фасадах зданий
- В Америке и Англии индивидуальные цветочные узоры на отдельных плитках или в небольших панелях высотой до пьедестала.
The Rookwood Pottery в Цинциннати, штат Огайо, Carter & Co и Poole Pottery в Дорсете, Англия, Yorkshire Tile Company и Minton Hollins — некоторые из фирм, производивших плитку в стиле модерн.
Ар-нуво Декоративные элементы
Одним из знаковых предметов эпохи модерна является лампа Тиффани, созданная Луи Тиффани. Он изучал искусство и основал фирму по декорированию интерьеров Louis Tiffany & Associated Artists в Нью-Йорке.Фирма по-прежнему оформлена в викторианском стиле с элементами искусства и ремесел. В 1885 году основное внимание в бизнесе уделялось художественному стеклу, поэтому было создано новое название Tiffany Glass Company. Тиффани разработала окна для американских церквей, например, Троицкой церкви в Бостоне. Они также занялись дизайном художественного стекла для домов, клубов и других корпораций.
Стеклянные панели Four Seasons завоевывают международную репутацию компании Tiffany.
Его работы были выставлены в магазине Bing’s Art Nouveau в Париже.Его работы включали пейзажные, цветочные и полуабстрактные рисунки. Вазы, миски, бумажные гири были выполнены из переливающегося цветного стекла под названием Favrile, Cyprite, Cameo и Lava. Лампы Тиффани были сделаны из металлических оснований со стеклянными абажурами, похожими на витражи и окна со светодиодными фонарями. Дизайнами были природные формы, павлиньи перья и крылья насекомых. Некоторые из названий работ Тиффани включают свинцовое стекло «Trumpet Creeper» и бронзовую настольную лампу, а также его стеклянные панели «Павлин» и «Какаду», электрический свет с цветным абажуром под названием «Dragon Fly»Стиль модерн оказал влияние на изделия из серебра, олово, живопись, скульптура, плакаты, дизайн рекламы и керамики.При поиске декоративных элементов не забудьте выбрать предметы с красивыми плавными линиями и изогнутыми формами.
Eco Friendly Way
Оформление интерьера в старом стиле может быть очень экологичным способом декорирования.
Посещение секонд-хендов, антикварных магазинов, гаражных распродаж и поиск в Интернете может стать отличным способом найти сокровища в стиле модерн . Самое главное — иметь четкое представление о том, чего вы хотите, сколько вы хотите потратить, прежде чем начать искать.Недавно я увидел несколько плиток той эпохи, которые продаются на eBay по очень разумной цене.Югендстиль Напольное покрытие
Паркет часто использовался в эпоху модерна. Однако Орта использовал мозаичную плитку в виде закрученных S-образных узоров на полу своего дома Tassel. Линолеум также был популярен. Модными цветами рогожки в начале 20 века были натуральные, белый, оливковый и светло-коричневый. Ткацкий станок Axminister был изобретен в США в 1876 году. Бринтон в Англии разработал версию Gripper в 1890 году.Эти изобретения позволили изготавливать большие ковры неограниченных цветов. Цветочные узоры стали визитной карточкой британских дизайнеров.
Книга Оуэна Джонса «Словарь орнамента» 1856 года и «Принципы дизайна» Кристофера Дрессера 1879 года продолжали оказывать влияние на дизайн. Как и рисунки Уильяма Морриса, в частности, листья аканта и маки.Основные характеристики стиля модерн модерн
- Объединенный тонкие цвета
- Натуральные формы
- Натуральные формы
- Tiffany Lamps
- Tiffany Lamps
- Стекла
- Pewter
- серебряная посуда
- павлинью перья
- витражи
- Мебель с изогнутыми линиями и округлые формы
- Обивка в арт-нове
- гладкая простая плитка
- Плавная равнина и потолки
- Трафаретные стены и потолки
- Electruction
- Электрическое освещение
К сожалению, Art Nouveau — это самый неправильно понятый стиль и часто отвергают как декоративную побочную линию.Тем не менее, оригинальные работы архитекторов Эктора Гимара во Франции и Виктора Орта в Бельгии легко узнать.
Многие из зданий Виктора Орта теперь включены в список всемирного наследия. В Вене Йозеф Хоффман разработал движение «Венский сецессион», на которое повлияло, но отличающееся от ар-нуво. Этот стиль был менее пышным, более прямолинейным и прямым в своих формах. Чарльз Ренни Макинтош в Шотландии, Антиония Гауди в Испании и Луи Салливан и Тиффани в США разработали и выразили форму ар-нуво.В 1960-х годах произошло возрождение стиля модерн, и выставки этого стиля продолжают вдохновлять новые поколения.Стиль графического дизайна // Xquissive.com
Если вы еще не слышали о в стиле модерн или, возможно, хотите узнать больше о самом стиле — вы попали в нужное место. Возможно, вы замечали стиль дизайна в стиле модерн раньше, даже не подозревая об этом!
Что такое модерн?В прямом переводе с французского ар-нуво означает « новое искусство ».Как движение, модерн оказал значительное влияние на мир дизайна, даже на другие стили дизайна, такие как ар-деко.
Этот глобализированный стиль искусства и дизайна, особенно популярный в 19 и 20 веках, уходит своими корнями в академизм — эпоху, которая началась незадолго до самого модерна. Его рост популярности наблюдался в основном в Соединенных Штатах и Западной Европе, достигнув своего пика в 1920-х годах. Для дизайнерского движения, которое имело такое влияние, оно быстро закончилось! Тем не менее, его влияние по-прежнему актуально сегодня во многих отношениях.Если говорить прямо, модерн — это не только стиль графического дизайна, но и стиль архитектуры и декоративно-прикладного искусства. Вам может быть интересно, как мы можем легко распознать стиль модерн? Что ж, обратите внимание на приверженность естественным линиям, формам и структурам. Вы также должны уметь обращать внимание на изогнутые линии на цветах и растениях. Однако даже с учетом всего этого может быть трудно идентифицировать этот стиль, поскольку он, кажется, присутствует во всех сферах, связанных с дизайном.
Вот где мы вступаем — в этом окончательном руководстве мы собираемся разрушить все, что относится к ар-нуво! Касаясь его истории, его связи с промышленной революцией, а также того, как модерн можно увидеть сегодня, мы рассмотрим все это.В этом посте мы собираемся погрузиться прямо в стиль дизайна модерн во всех его проявлениях. Приготовься!
История модернаИстория происхождения этого прекрасного стиля дизайна берет свое начало в Великобритании.Текстильный дизайнер, писатель и общественный деятель Уильям Моррис Цветочные узоры, идеи и концепции оказали невероятное влияние. Вместе с этими проектами движение искусств и ремесел, которое он создал со своими учениками, легло в основу стиля дизайна в стиле модерн. Эстетика декоративно-прикладного искусства того времени характеризовалась романтическими, фольклорными и средневековыми темами.
Клубничный вор, 1883, Уильям Моррис (1834-1896) Музей Виктории и Альберта №. T.586-1919После того, как стиль модерн распространился по Европе со скоростью лесного пожара, он даже имел разные названия в зависимости от страны! Слова для « ар-нуво » были « Modernisme » в Каталонии, « Secession » в Праге, « Liberty » в Италии и « Jugendstil » в Германии.Этот всплеск произошел благодаря фотоиллюстрированным художественным журналам и международным художественным выставкам.
Этот стиль «нового искусства» был вдохновлен стремлением художественного сообщества реформировать функциональный дизайн, который часто считался недооцененным и недостаточно представленным, путем внедрения искусства в повседневную жизнь. Проще говоря, идея ар-нуво была основана на желании деконструировать традиционные и элитарные идеалы в мире искусства. Руководствуясь этой идеей, движение стремилось подчеркнуть важность красоты в нашей повседневной жизни и то, как эта красота на самом деле может быть функциональной.
«Не держите в своем доме ничего, о чем вы не знали бы, что оно полезно или что вы считаете красивым». – Уильям Моррис
Подобно романтизму, модерн черпал вдохновение в растениях и природе, подчеркивая индивидуализм, свободу и воображение. Как я упоминал ранее, этот художественный стиль родился как реакция на традиции и мировые события, которые происходили в то время, в том числе на промышленную революцию. Возможно, одним из самых больших различий между романтизмом и модерном является их отношение к промышленной революции.Романтики подвергли его резкой критике, тогда как движение в стиле модерн восприняло его и подпитывалось им.
Ар-нуво и промышленная революцияПодробное описание промышленной революции может занять некоторое время, поэтому я буду краток. Проще говоря, промышленная революция началась в 18 -м -м веке и ознаменовала переход от экономики с ручным трудом к экономике, для которой характерны машины и развитие технологий.
Есть 5 ключевых компонентов индустриализации; связи, капитал, земля, труд и технологии. Именно эти 5 составляющих сходным образом нашли отражение в стиле модерн.Художественные материалы, такие как стекло, железо, сталь и бетон, становились все более доступными в то время, поскольку производство становилось быстрее и дешевле. Как и ожидалось, движение в стиле модерн охватило революцию и их недавно предоставленный доступ к материалам, необходимым им для создания своих произведений искусства.
Как я уже упоминал ранее, ключевым компонентом стиля модерн является важность красоты и искусства в повседневной жизни.Промышленная революция дала возможность тем, у кого не было средств, создавать то искусство, которое им хотелось бы, и ценить его красоту. По сути, с точки зрения движения ар-нуво, индустриализация предоставила искусство людям. Я уверен, вы можете себе представить, как это радовало художников того времени – ведь их целью было привнести красоту во все аспекты жизни, для всех!
Ключевые характеристики стиля модернАрт-нуво относительно легко идентифицировать, если вы знаете, что ищете! Изогнутые, органичные и извилистые линии, асимметрия, лианы, флора и фауна — все это характерно для стиля модерн.
Что касается цветовой палитры в стиле модерн, некоторые из наиболее часто используемых цветов включают темно-красный, желтый, коричневый, темно-синий и оливково-зеленый (конечно, они могут варьироваться). Этот стиль действительно охватывает красоту природных объектов и существ, часто элегантно или изящно подчеркивая их предмет. Орнаменты считались структурным символом модерна, поскольку художники создавали органический мир, состоящий из цветов, виноградных лоз и других нежных природных элементов.
Еще одной ключевой характеристикой этого стиля является использование жирного контура вместе с тонкими шрифтами и рисунками, проиллюстрированными вручную.Общий подход к ар-нуво направлен на то, чтобы отдать дань уважения уникальным формам, очертаниям и темам, существующим в природе, и это становится все более романтичным и причудливым! Из-за женских тем, изображенных в этом движении, женские фигуры также часто встречаются в стиле модерн.
Чешский художник Альфонс Муха создал прекрасные картины в стиле модерн около 1897 года.
Области модерна АрхитектураДоминирующей сферой, в которой можно увидеть стиль модерн, является архитектурное проектирование.Сочетая орнамент и структуру, этот стиль включал в себя ряд различных элементов, например, стекло, керамику, кирпичную кладку и железо.
Архитектурный дизайн интерьера характеризовался колоннами, балками, большими окнами, а иногда и натуральными виноградными лозами! Асимметричные формы, арки, плавные формы, витражи и японские мотивы — все это характерно для стиля модерн в архитектуре. Подумайте… стеклянные и железные лестницы!
Casa Gallardo – фотография Карлоса Дельгадо, CC BY-SA 3.0 , via Wikimedia CommonsДругим прекрасным примером является Casa Mila Гауди (1905-1907), который включает в себя ряд контрастных элементов для создания органичного, сплоченного целого.
Casa Milà — CC BY-SA 4.0 — автор Томас Ледл, через Wikimedia Commons PrintsДля ар-нуво гравюры являются важной, определяющей чертой, которая на самом деле имеет решающее значение для понимания движения в целом.
Выбор цветовой палитры, линейная работа и тематика составляют суть того, что такое ар-нуво.Вот несколько примеров, чтобы вы лучше поняли, что я имею в виду:
Оригинальные гравюры в стиле модерн были нарисованы вручную, раскрашены и напечатаны в различных формах. Они варьировались от плакатов до рекламы в журналах. Экстравагантные, цветочные, органические элементы были сразу узнаваемы и, по-видимому, оказали неизгладимое влияние на дизайнерское сообщество. Плакаты в стиле модерн теперь считаются предметом коллекционирования, а оригиналы ищут многие!
ОкраскаАр-нуво по отношению к живописи следует признать реакцией на импрессионизм, отвергающей предвзятое представление о линии, поверхности и форме.Картины, выполненные в стиле модерн, отличаются своими орнаментально-декоративными особенностями.
Щеглы и дразнилки от Sophie Colmer-Stocker УкрашенияЮвелирные украшения в стиле ар-нуво уходят своими корнями в почти мистический, деревенский стиль.
Поскольку главным источником вдохновения была природа, в дизайне использовались элементы эмали, полудрагоценных камней и опалов.Мебель
Подобно другим формам стиля модерн, мебель, созданная в этом стиле, включала в себя округлые формы, формы и элегантные линии.Металл, стекло и дерево были обычно используемыми материалами для создания этих предметов. Если вы ищете определяющие черты мебели, вдохновленной стилем модерн, ищите множество рисунков и расписного стекла!
Книги о МодернМы составили список из четырех интересных книг, чтобы вы могли больше узнать о стиле модерн или вдохновиться.
Модерн сегодняУчитывая все вышесказанное, важно отметить, присутствует ли еще стиль ар-нуво в современной культуре дизайна.Ответ положительный. Хотя само движение стало относительно непопулярным после 1910 года, оно оставило свой след в ряде сфер дизайна, включая архитектуру, дизайн интерьера, живопись и ювелирные изделия, и это лишь некоторые из них.
Сегодня творческие люди всех мастей по-прежнему восхищаются и черпают вдохновение в этой культовой эпохе искусства и дизайна. Вдохновляя художников отказаться от традиций и принять природу, стиль модерн был слишком привлекательным, чтобы игнорировать его навсегда!В частности, в течение последних 20 лет ар-нуво медленно, но верно снова набирает обороты.Вероятно, это связано с популярностью постмодернистского дизайна.
РесурсыМы надеемся, что после прочтения этого поста вы поняли немного больше о том, что такое на самом деле стиль дизайна модерн, откуда он взялся и как он стал таким любимым стилем сегодня.
Мы предоставили некоторые из наших любимых ресурсов, вдохновленных стилем модерн.
Элементы векторного дизайна
Шрифты
Стиль модерн – Центр графического дизайна и издательского дела
Уильям Моррис, вероятно, является самой известной личностью во всем движении ар-нуво, но большинство людей не знают, что он также внес свой стиль и художественное видение в шрифт и типографику.
ДВИЖЕНИЕ В АР-НУВО никогда не было бы прежним без Уильяма Морриса. Настоящий человек эпохи Возрождения, Уильям Моррис овладел всеми искусствами и ремеслами, к которым он приложил свои руки, упиваясь узорами, узорами, цветами и фактурами и оставляя свой отпечаток на роскошных книгах, коврах, вышивке, обоях, витражах, гобеленах, занавесках и т. мебель. ART NOUVEAU {ahr noo-voh’}, французский термин, означающий новое искусство, относится к стилю архитектуры, коммерческого и декоративного искусства и, в некоторой степени, к стилю живописи и скульптуры, который был популярен около 1900 года.Хотя тогда этот стиль считался современным и получил название «новое искусство», он был адаптирован из старых стилей и форм искусства. Многое было заимствовано из готики и рококо, а также из искусства Явы и Японии.
Движение в стиле модерн также было вдохновлено кельтскими рукописями и рисунками Уильяма Блейка. Персидская керамика и древнеримское стекло также служили образцами для некоторых мастеров стиля модерн.
*УИЛЬЯМ МОРРИС был основателем движения искусств и ремесел в стиле ар-нуво в Англии.Занятый ренессансом декоративного искусства, Моррис изучал средневековую архитектуру в Оксфорде, но под влиянием Эдварда Бёрн-Джонса и Данте Габриэле Россетти, лидеров движения прерафаэлитов, он обратился к живописи и письму.
В 1861 году Моррис, Бёрн-Джонс и Россетти основали гильдию мастеров изобразительного искусства и начали производить мебель, гобелены, витражи, плитку, ткани и самые известные обои. Они также исследовали общее видение искусства и ремесел для Red House в сельской местности Южного Лондона, где каждая деталь архитектуры, мебели и декоративных элементов была завершена как единое произведение искусства.*
Искусство Морриса было эмоциональным и мифическим. Его любовь к природе загородного сада и средневековым идеалам рыцарства, а также романтическая привязанность к лесам, садам, цветам и птицам вдохновляли художников на протяжении столетия.
Наряду с творчеством Моррис был также писателем и поэтом. Его рукописи будут украшены богатой иллюминацией, бордюрами и картушами. Он стал настолько известен своим искусством, что печатники и издатели начали искать его для иллюстраций.В популярных изданиях работы Морриса стали появляться как в иллюстрациях, так и в надписях. Опять же, узоры и мотивы стиля были взяты в основном из природы и часто выполнялись с безудержным изобилием форм, цветов и особенно линий. Характерная линия, плавная криволинейность, должна была дать ар-нуво описательные прозвища «лапша», «хлыст», «солитер», и «стиль сигаретного дыма». * Но Моррис также разработал иллюминированную типографику!Всем, кто хочет узнать больше или действительно использовать работы Морриса, следует взглянуть на William Morris Designs (компакт-диск и книга). Это собрание работ Морриса, содержащееся в печатной книге, а затем в виде картинок на компакт-диске. ROM, который также включает в себя несколько эффектных светящихся надписей и врезных бордюров.
Эта коллекция, не защищенная авторскими правами, предлагает бесчисленное количество стартовых идей и актуальных произведений искусства, которые вы можете использовать.Здесь мы предлагаем взглянуть лишь на некоторые тарелки и художественные файлы, входящие в коллекцию: William Morris Designs
Никогда не бывает достаточно визуального справочного материала. Эта книга, среди многих других в Дуврском иллюстрированном архиве, не только предлагает звуковое искусство для решений графического дизайна, но также предоставляет множество визуальных материалов для просмотра. У меня есть несколько книг в течение многих лет, и они всегда предлагают искру идеи для проектов — будь то отправная точка в моем собственном творчестве и интерпретирующем исследовании или использование буквально прямо из книги.
Спасибо за внимание
Не забывайте… мы призываем вас поделиться своими открытиями о любимых или известных графических дизайнерах и иллюстраторах с другими читателями.
. Просто свяжитесь со мной здесь или просто напишите мне в Twitter/DTG_MagazineДополнительное чтение:
- Ссылка в стиле модерн: Discoverfrance.net
Подробнее об Уильяме Моррисе: www.senses-artnouveau.com
Подробнее о стилях модерна в архиве.ком
Дополнительная историческая информация о движении модерн
- Уильям Моррис в аппликации: шесть потрясающих проектов и более сорока индивидуальных дизайнов Мишель Хилл. Запечатлейте славу дизайнов Уильяма Морриса в 6 изысканных аппликациях, проектах: стеганых одеялах, подушках и настенных коврах. Смешивайте и сочетайте более 50 аппликаций, мотивов.
- William Morris: Patterns & Designs (Международная библиотека дизайна) Фиби А. Эрб — идеи Уильяма Морриса, сочетающие сложность и простоту; попеременно драматичные и скромные, темные и светлые, изогнутые и угловатые, в виртуальном танце превосходных переплетенных форм.
- Полноцветные узоры и рисунки Уильяма Морриса от Уильяма Морриса — прекрасные рисунки одного из самых влиятельных дизайнеров викторианской эпохи. Коллекция богато детализированных узоров по умеренной цене, не защищенная авторскими правами, точно воспроизведенная из редкого издания 1890-х годов. Превосходный дизайн для обоев, ситца, вельвета, гобеленов, плитки, ковров и многого другого.
- Дизайн Уильяма Морриса от редакторов Phaidon Press — Уильям Моррис разработал одни из лучших обоев и тканей 19 века, многие из которых используются до сих пор.Эта коллекция прекрасных рисунков и рисунков пробуждает очарование и гениальность Морриса, показывая, как его идеи о природе искусства и его важности в повседневной жизни оказали далеко идущее влияние на искусство и дизайн. 104 иллюстрации, 99 цветных. (Миниатюрные издания Phaidon)
- Книжка-раскраска с витражами Уильяма Морриса. Просто для развлечения и вдохновения посмотрите эти шестнадцать красивых визуализаций, основанных на проектах одного из ведущих лидеров движения искусств и ремесел в викторианской Англии.Включает в себя адаптацию обоев и текстильного дизайна, а также сцены Адама, дающего имена зверям, Спящих апостолов, Ангела и женщины и многих других.
В обоях, ситце и других материалах использовались натуральные растительные красители. Ар-нуво многие считают основным декоративным стилем. Влияние японской печати также очевидно в дизайне.
Эту обработку также использовал Чарльз Ренни Макинтош, который создал ряд белых комнат.
Его работы были выставлены в магазине Bing’s Art Nouveau в Париже.Его работы включали пейзажные, цветочные и полуабстрактные рисунки. Вазы, миски, бумажные гири были выполнены из переливающегося цветного стекла под названием Favrile, Cyprite, Cameo и Lava. Лампы Тиффани были сделаны из металлических оснований со стеклянными абажурами, похожими на витражи и окна со светодиодными фонарями. Дизайнами были природные формы, павлиньи перья и крылья насекомых. Некоторые из названий работ Тиффани включают свинцовое стекло «Trumpet Creeper» и бронзовую настольную лампу, а также его стеклянные панели «Павлин» и «Какаду», электрический свет с цветным абажуром под названием «Dragon Fly»
Посещение секонд-хендов, антикварных магазинов, гаражных распродаж и поиск в Интернете может стать отличным способом найти сокровища в стиле модерн . Самое главное — иметь четкое представление о том, чего вы хотите, сколько вы хотите потратить, прежде чем начать искать.Недавно я увидел несколько плиток той эпохи, которые продаются на eBay по очень разумной цене.
Книга Оуэна Джонса «Словарь орнамента» 1856 года и «Принципы дизайна» Кристофера Дрессера 1879 года продолжали оказывать влияние на дизайн. Как и рисунки Уильяма Морриса, в частности, листья аканта и маки.
Многие из зданий Виктора Орта теперь включены в список всемирного наследия. В Вене Йозеф Хоффман разработал движение «Венский сецессион», на которое повлияло, но отличающееся от ар-нуво. Этот стиль был менее пышным, более прямолинейным и прямым в своих формах. Чарльз Ренни Макинтош в Шотландии, Антиония Гауди в Испании и Луи Салливан и Тиффани в США разработали и выразили форму ар-нуво.В 1960-х годах произошло возрождение стиля модерн, и выставки этого стиля продолжают вдохновлять новые поколения.
Этот глобализированный стиль искусства и дизайна, особенно популярный в 19 и 20 веках, уходит своими корнями в академизм — эпоху, которая началась незадолго до самого модерна. Его рост популярности наблюдался в основном в Соединенных Штатах и Западной Европе, достигнув своего пика в 1920-х годах. Для дизайнерского движения, которое имело такое влияние, оно быстро закончилось! Тем не менее, его влияние по-прежнему актуально сегодня во многих отношениях.
Вот где мы вступаем — в этом окончательном руководстве мы собираемся разрушить все, что относится к ар-нуво! Касаясь его истории, его связи с промышленной революцией, а также того, как модерн можно увидеть сегодня, мы рассмотрим все это.
T.586-1919
Есть 5 ключевых компонентов индустриализации; связи, капитал, земля, труд и технологии. Именно эти 5 составляющих сходным образом нашли отражение в стиле модерн.
Выбор цветовой палитры, линейная работа и тематика составляют суть того, что такое ар-нуво.
Поскольку главным источником вдохновения была природа, в дизайне использовались элементы эмали, полудрагоценных камней и опалов.
Сегодня творческие люди всех мастей по-прежнему восхищаются и черпают вдохновение в этой культовой эпохе искусства и дизайна. Вдохновляя художников отказаться от традиций и принять природу, стиль модерн был слишком привлекательным, чтобы игнорировать его навсегда!
*
Но Моррис также разработал иллюминированную типографику!
Эта коллекция, не защищенная авторскими правами, предлагает бесчисленное количество стартовых идей и актуальных произведений искусства, которые вы можете использовать.
Просто свяжитесь со мной здесь или просто напишите мне в Twitter/DTG_Magazine
Коллекция богато детализированных узоров по умеренной цене, не защищенная авторскими правами, точно воспроизведенная из редкого издания 1890-х годов. Превосходный дизайн для обоев, ситца, вельвета, гобеленов, плитки, ковров и многого другого.
