Замкнутая и открытая композиция — МегаЛекции
Основы композиции в дизайне. Что такое композиция?
В любом виде искусства ключевую роль играет правильное расположение элементов произведения, позволяющее наиболее точно передать идею этого произведения. То есть выделить ключевые сюжетные линии, передать необходимое настроение и соблюсти при этом гармонию. Композиция (от латинского compositio) и является соединением (сочетанием) этих элементов в единое целое. Так же композицией можно назвать само произведение.
Интуитивное понятие о композиции в различной степени присутствует у каждого. Иначе в ней не было бы никакого смысла. То есть люди имеют схожее представление о гармонии, целостности, единстве …
Композиция в дизайне, композиция в рисунке, композиция в живописи, композиция в фотографии — понятия не разделимые. Композиция в музыке и композиция в литературе так же имеют много общего с вышеперечисленными, однако средства ее достижения другие.
Деятели искусства уделяют особое внимание поиску наиболее выразительных композиционных схем. На протяжении долгих столетий создавались произведения с различными композиционными решениями, в том числе и произведения изобразительного искусства. Однако в этой статье мы не будем рассматривать сложные художественные произведения.
Любой объект с легкостью можно вписать в одну из трех геометрических фигур: прямоугольник, треугольник, эллипс. Так что оперировать мы будем именно этими фигурами.
А саму композицию рассмотрим как правильное расположение элементов изображения, основанное на предметном изучении восприятия человеком зрительной информации.
Речь пойдет о композиции в изобразительном искусстве, композиции в фотографии и, конечно же, дизайне.
Геометрический и композиционный центры, средства выделения композиционного центра, плановость в композиции
Мы строим композицию на плоскости. Будь то фотография, лист бумаги или монитор компьютера.
Если через эту плоскость провести две диагональные линии, точка их пересечения укажет на геометрический центр нашей будущей композиции.
Любой предмет, вписанный в этот центр, будет чувствовать себя вполне уверенно.
Композиционный центр служит для фокусировки внимания зрителя на деталях композиции. В фотографии, живописи и рисунке, как правило, выделяются
Композиционный центр и геометрический центр композиции могут не совпадать.
Композиционных центров в композиции может быть несколько, в то время, как геометрический центр один.
Композиционный центр может быть выделен:
Контрастом света и тени
Контрастом цвета
Размером
Формой
Часть 2 Основные понятия и правила композиции
Диагональные линии в композиции
График на рисунке слева означает рост.
График на рисунке справа означает падение. Так уж сложилось. И, соответственно, в композиции диагональная линия, проведенная от левого нижнего угла к правому верхнему воспринимается лучше, чем линия, проведенная от левого верхнего угла к правому нижнему.
Замкнутая и открытая композиция
В замкнутой композиции основные направления линий стремятся к центру. Такая композиция подойдет для передачи чего-то устойчивого, неподвижного.
Элементы в ней не стремятся за рамки плоскости, а как бы замыкаются в центре композиции. А взгляд с любой точки композиции стремиться к этому центру. Для ее достижения можно использовать компактное расположение элементов в центре композиции, обрамление, Расположение элементов таким образом, чтобы все они указывали на центр композиции.
Открытая композиция, в которой направления линий исходят от центра, дает нам возможность продолжить мысленно картину и увести ее за рамки плоскости. Она подходит для передачи открытого пространства, движения.
Правило золотого сечения
Различное расположение элементов на плоскости может создать гармоничное или негармоничное изображение. Гармония — это ощущение и понятие о правильном расположении элементов весьма интуитивно. Однако можно выделить несколько совсем не интуитивных правил.
Рисунок слева выглядит намного более гармоничным. Почему?
Гармония — это слаженность. Единое целое, в котором все элементы дополняет друг друга. Некий единый механизм.
Самый большой такой механизм — это окружающий нас мир, в котором все элементы взаимосвязаны — животные дышат воздухом, расходуют кислород, выдыхают углекислый газ, растения используют его углерод и энергию солнца для фотосинтеза, возвращая кислород. Одни животные питаются этими растениями, другие регулируют количество питающихся растениями, питаясь ими, тем самым спасая растения, вода испаряется, чтобы выпасть осадками и пополнить запасы рек, океанов и так далее…
Нет ничего более гармоничного, чем сама природа.
Поэтому и понимание гармонии приходит к нам от нее. А в природе огромное количество зрительных образов подчиняется двум правилам:
Что такое симметрия, я думаю, вы знаете. А что такое золотое сечение?
Золотое сечение можно получить, если разделить отрезок на две неравные части таким образом, чтобы отношение всего отрезка к большей части равнялось отношению большей части отрезка к меньшей. Это выглядит так:
Части этого отрезка примерно равны 5/8 и 3/8 от всего отрезка. То есть, по правилу золотого сечения зрительные центры в изображении будут располагаться так:
Правило трех третей
В этом рисунке не соблюдено правило золотого сечения, но создается ощущение гармонии.
Если разделить плоскость, на которой находятся наши геометрические фигуры на девять равных частей, мы увидим, что элементы расположены на точках пересечения разделяющих линий, а горизонтальная полоса совпадает с нижней разделительной линией.
В этом случае действует правило трех третей. Это упрощенный вариант правила золотого сечения.
Часть 3. Динамика и статика в изображении, движение, ритм
Динамичная композиция — композиция, при которой создается впечатление движения и внутренней динамики.
Статичная композиция (статика в композиции) — создает впечатление неподвижности.
На картинке справа создается иллюзия движения. Почему? Потому что мы прекрасно знаем из своего опыта, что будет с круглым предметом, если наклонить поверхность, на которой он находится. И воспринимаем этот предмет даже на картинке движущимся.
Таким образом, для передачи движения в композиции можно использовать диагональные линии.
Так же можно передать движение, оставив свободное пространство перед движущимся объектом, чтобы наше воображение могло продолжить это движение.
Движение можно передать последовательным отображением некоторых моментов этого движения
Так же для передачи движения используют смазанный, размытый фон и направление линий композиции в сторону движения объекта.
Движение можно замедлить или ускорить:
Кажется, что движение на левом рисунке быстрее, чем на правом. Так устроен наш мозг. Мы читаем и пишем слева направо. И движение нами воспринимается проще слева направо.
Замедлить движение можно наличием в композиции вертикальных линий.
Ритм
Ритм — один из ключевых моментов в искусстве. Он может сделать композицию спокойной или нервной, агрессивной или умиротворяющей. Ритм обусловлен повторением. Мы живем в мире различных ритмов. Это смена времен года, дня и ночи, движение звезд, стук капель дождя по крыше, сердцебиение… В природе ритм, как правило, равномерен. В искусстве же можно выделять ритмические рисунки, делать акценты, менять размеры, тем самым придавая композиции особое настроение.
Ритм в изобразительном искусстве может создаваться повторением цвета, объектов, пятен света и тени.
Рекомендуемые страницы:
Воспользуйтесь поиском по сайту:
Замкнутая композицияЗамкнутая композиция характеризуется тем, что изображение вписывается в формат таким образом, что оно замыкается само в себе, а не стремится к краям.
Композиция построена так, что взгляд зрителя переходит от фокуса композиции к периферийным элементам и от периферийных элементов обратно к фокусу. Отличительной чертой замкнутой композиции является наличие полей, в этом случае целостность изображения проявляется наиболее активно.
Открытая композиция
Для открытой композиции характерно поступательное движение или скольжение по спирально расширяющейся траектории. Как правило, внимание в конечном итоге уходит от центра. Такая композиция может быть достаточно сложной, имеющей не один центр, а несколько мини-центров, заполняющих поле изображения.
Симметричная композиция
Основная черта симметричной композиции – равновесие. В такой композиции присутствует ось симметрии, относительно которой строится зеркальное изображение. Но в то же время такие композиции достаточно однообразны и в них отсутствует движение, изменение, противоречие.
Ассиметричная композиция
Ассиметричная композиция не содержит оси или точки симметрии.
Особое внимание в таких композициях стоит уделять уравновешенности элементов, как непременному условию грамотного построения композиции.
Статичная композиция
Статичные композиции часто устойчивы и неподвижны. Композиции этого типа бывают симметрично уравновешенны, спокойны, вызывают впечатление самоутверждения. Они несут в себе не иллюстративное описание, а глубину, философию.
Динамичные композиции
Динамичные композиции склонны к движению, ассиметричны. Динамика часто исключает величавость, основательность, классическую завершённость, но не стоит путать эти понятия с небрежностью. Такие композиции сложнее и индивидуальнее, требуют тщательного продумывания и хорошего исполнения.
Если сопоставить все вышеперечисленные композиции, то можно заметить, что статичные композиции почти всегда бывают симметричными и часто замкнутыми, а динамичные – ассиметричными и открытыми.
kapankov.ru — Замкнутость и разомкнутость
- Подробности
- Категория: Фотография. Продвинутый курс
- Просмотров: 3992
org/Person»>
Автор: Константин ПаньковС рамой (или краем кадра) связаны понятия замкнутой (закрытой) и разомкнутой (открытой) композиции.
Замкнутая (закрытая) композиция предполагает отсутствие элементов, уводящих внимание зрителя за край кадра. Открытая, наоборот, предполагает их наличие. Такими элементами могут служить линии или взгляд человека, направленные в край кадра, а также объекты, обрезанные краем кадра. Закрытая композиция размещает все элементы только внутри рамы, зачастую оставляя некоторые поля между элементами и рамой. При этом взгляд либо движется от одного зрительного центра к другому, либо концентрируется на одном элементе изображения.
Наличие рамки внутри кадра усиливает замкнутость композиции. Например, цветок в горшке на подоконнике окна будет закрытой композицией. Рама окна и подоконник будут служить ограничителем и взгляд будет стремиться к композиционному центру – горшку с цветком. Такая композиция подходит статичным объектам.
Цветок, растущий в поле, — это уже открытая композиция, у которой нет рамок. Взгляд будет стремиться из смыслового центра за рамки кадра. Такая композиция подойдет для передачи открытого пространства или движения.
Наличие горизонта в кадре делает композицию открытой. Чтобы закрыть такую композицию можно использовать раму. Сокращение глубины резко изображаемого пространства также может сделать композицию закрытой при отсутствии других факторов.
Позы моделей в портретах аналогично могут быть открытыми и закрытыми. При этом закрытый контур создается положением головы (взгляда), рук и ног.
Добавить комментарий
Открытая — закрытая композиция — КиберПедия
Существуют два типа фронтальной композиции — замкнутая и открытая.
Для передачи идеи неподвижности, устойчивости больше всего подходит замкнутая (закрытая, статичная) композиция. Для нее характерны устремленные к центру основные направления линий, построение по форме круга, квадрата, прямоугольника с учетом симметрии. Признак замкнутой композиции — четкий внешний контур, нарастание сложности к центру.
Ощущение простора передается открытой композицией. Основные направления линий — от центра. Как правило, строится несколько композиционных узлов, используется ритм. В свободной композиции отсутствует фокусирование взгляда на центре композиции. Взгляд свободно уходит за пределы композиции, домысливая продолжение. Это может быть центробежная композиция, когда визуально создается эффект поступательного движения или скольжения по спирально расширяющейся траектории.
Нюанс и контраст
Эта пара средств гармонизации характеризует степень сходства и различия элементов композиции. Она может быть выявлена только при сравнении элементов по одному композиционному свойству, например, размеру или геометрическому виду.
Нюанс характеризуется слабым различием элементов композиции по основным композиционным признакам. Например, в фактурных поверхностях он представляет крупную и мелкую зернистость, в цвете — оранжево-красные и красные оттенки и т.д. Нюансное отношение может быть сближенным и отдаленным.
Сближенное отношение предполагает построение композиции с использованием элементов, которые характеризуются обратным изменением свойств, например, увеличением размеров и уплощением рельефа. Отдаленное отношение выражается прямым или параллельным изменением свойств элементов, например, возрастанием яркости цвета и увеличение размеров.
Контраст представляет собой резкое отличие элементов композиции. При его использовании сильнее выявляются художественные качества каждого элемента. Контраст может быть сдержанным и обостренным.
Сдержанный контраст проявляется при резком различии второстепенных элементов, например, когда эти элементы выполнены в контррельефе и горельефе или имеют дополнительные цвета.
Обостренный контраст имеет место при резком отличии главного элемента от второстепенных элементов. Он может быть выражен в размерах, цвете, пластике.
Формат (лат.formo – придаю форму) – линейные размеры (длина, ширина, высота). Каждая композиция (каждый материал) требуют своео формата, своих размеров. Декоративное панно, мозаика, орнаментальная роспись – каждая из этих композиций требует своего формата, при этом существенное значение имеет не только соотношение сторон, но и абсолютная величина формата.
У художников-графиков есть определенный закон: чем меньше композиция, тем относительно большими должны быть поля работы. Эмблемы, экслибрисы хорошо смотрятся на листах, в которых поля значительно больше самого изображения. Для больших композиций поля должны быть узкими. Прямоугольные картины имеют вертикальные, горизонтальные, квадратные форматы. Формат может быть овальным, круглым, квадратным, многоугольным в зависимости от композиционных задач.
Статика и динамика
Данная пара средств гармонизации используется для выражения степени стабильности композиционной формы. Такая стабильность оценивается чисто эмоционально, по тому впечатлению, которое форма производит на зрителя. Это впечатление может исходить из статичного или динамичного объекта в целом или его частей.
Статичные формы по производимому впечатлению оцениваются как предельно стабильные (квадрат, прямоугольник, куб, пирамида). Композиция, составленная из подобных форм, носит монументальный, статичный характер.
Композиция всегда считается статичной, если она построена по законам классической симметрии.
Динамичные формы типичны для форм многих современных движущихся дизайн-объектов, прежде всего различных движущихся транспортных средств. Часто эти формы в действительности перемещаются в пространстве. В основе динамичной композиции лежит асимметричное решение и некоторая неуравновешенность.
Основные виды динамичных форм это со смещенными от центра осями расположения элементов, композиции ритмического характера, параллельного расположения объектов, облегченного низа, искривленного вида элементов, диагонального членения, свободного расположения, вытянутых элементов
Повтор
Многим явлениям природы свойственно чередование и повторение. Симметрия – это повторение. Закон повторения в дизайне проявляется тогда, когда определенные элементы (линии, форма, текстура, цвет) используются больше одного раза. Повтор создает ощущение упорядоченности. Простой повтор состоит из одного повторяющегося элемента. Сложный – в композиции повторяются элементы двух или более видов (цвет, рисунок, линии и т.д.). По способу организации элементов в дизайне повтор может быть различных направлений: вертикальным, горизонтальным, диагональным, спиральным, радиально-лучевым, веерным. В каждом случае появляется новый характер движения и, соответственно, новое звучание, особая выразительность.
Горизонтальный повтор – это устойчивость и равновесие; вертикальный – стройность, высота; диагональный, спиральный – активное, стремительное движение.
Повтор может быть регулярным (одинаковая частота повторений) (рисунок 15) и нерегулярным (рисунок 16), который более интересен, т.к. позволяет глазам сравнивать небольшие изменения.
Симметрия и асимметрия
Эта пара средств определяет расположение элементов композиции относительно главной оси. Если оно одинаково, то композиция выступает как симметричная, если в нем есть небольшое отклонение в сторону, то композиция является дисимметричной. При значительном таком отклонении она становится асимметричной.
Очень часто симметрия, как и асимметрия, выражается в сопоставлении нескольких композиционных осей. Самый простой случай – соотношение главной оси и подчиненных ей осей, определяющих положение второстепенных частей композиции. При значительном расхождении второстепенных осей с главной осью композиция может разрушиться.
Для достижения ее целостности используются разные приемы: сближение осей, их слияние, принятие общего направления.
Равновесие
Правильно построенная композиция является уравновешенной.
Равновесие – это размещение элементов композиции, при котором каждый предмет находится в устойчивом положении. Его местонахождение не вызывает сомнения и желания передвинуть его по изобразительной плоскости. При этом не требуется точного зеркального соответствия правой и левой сторон. Количественное соотношение тональных и цветовых контрастов левой и правой частей композиции должно быть равным. Если же в одной части число контрастных пятен больше, необходимо усилить контрастные отношения в другой части либо ослабить контрасты в первой. Можно изменить очертания предметов, увеличив периметр контрастных отношений.
Для установления равновесия в композиции важны форма, направление, место расположения изобразительных элементов.
Неуравновешенная композиция выглядит случайной и необоснованной, вызывающей желание дальше работать над ней (производить перекомпоновку элементов и их деталей).
Правильно построенная композиция не может вызывать сомнения и чувства неопределенности. В ней должна быть успокаивающая глаз ясность соотношений, пропорций.
Равновесие бывает двух видов.
Статическое равновесие возникает при симметричном расположении фигур на плоскости относительно вертикальной и горизонтальной осей формата композиции симметричной формы.
Динамическое равновесие возникает при асимметричном расположении фигур на плоскости, т.е. при их сдвиге вправо, влево, вверх, вниз.
Отношения и пропорции
Отношения. Характеризуют собой наиболее простой вид соразмерной связи элементов композиции. Определяются связью между двумя величинами формы, например, длиной и высотой прямоугольника. С композиционно-художественной точки зрения оцениваются численно и чисто зрительно. Могут быть сближенными и отдаленными. К сближенным отношениям можно отнести те, которые находятся в пределах от 1:1 до 1:0,5, к отдаленным – от 1:0,5 до 1:0 (условно).
Первые типичны для форм, приближающихся к квадрату и отличающихся монументальным, статичным характером. Вторые – для форм, приближающихся к линейной форме и отличающихся в определенном (вертикальном) положении неустойчивостью и легкостью.
a/b b/c – сближенные отношения пропорционирования.
К сближенным отношениям можно причислить «золотое сечение», или просто «золото». Оно равно 1:0,62. Это отношение образуется на основе несложного геометрического построения с разделением стороны квадрата на соответствующие части.
a/b (a+b)/b, a – больший отрезок, b – меньший отрезок.
По-другому это отношение выражается формулой, где большая величина так относится к меньшей величине, как их сумма – к большему отрезку. Оно характерно для уравновешенной формы и выражает золотую середину в построении композиции.
Пропорции. Размерные отношения элементов формы изделий являются той основой, на которой строится вся композиция. Поэтому пропорции являются одним из наиболее важных средств композиции.
Исследованием пропорций занимались ученые, зодчие и художники с давних времен, так как это средство композиции при умелом его использовании дает непосредственный эффект гармонизации. Пропорционированием в совершенстве владели древние зодчие и мастера-ремесленники. Современная техника значительно изменилась, поэтому использовать давно сложившиеся приемы и методы пропорционирования в настоящее время далеко не всегда возможно. Сегодня необходимо творческое осмысление пропорций в технике, особенно при проектировании сложных объемно-пространственных структур. В технику, например, нельзя механически переносить пропорции из архитектуры. Пропорции лишь тогда становятся эффективным композиционным средством, когда принимаются с учетом сущности изделия, а не навязываются произвольно. Методы пропорционирования в технике не могут быть такими же, как в архитектуре. Это связано с разной степенью обусловленности формы конструкцией.
Метр и ритм
Гармонизация на основе использования метра и ритма предполагает установление закономерного порядка в расположении частей композиции.
Чтобы такой порядок состоялся, в форме должно быть не менее трех элементов. Метр и ритм – объективные закономерности его установления.
Метр– простейший порядок, основанный на повторении равных элементов. Повтор облегчает восприятие формы, делает ее четкой и ясной. Одним из наиболее общих приемов упорядочения формы является прием использования рядов, которые можно рассматривать и как средство организации элементов в единую устойчивую систему на основании закономерного упорядоченного чередования элементов формы.
Ряд – это система элементов, основанная на периодичности повторения или изменения однозначных свойств формы.
Периодическая закономерность –это такая закономерность, при которой отношение между первым и вторым элементом такое же, как между n и (n+1)-элементами.
Период ряда – это его элемент, который закономерно повторяется или изменяется. Период включает в себя как форму, так и интервал, отделяющий ее от других форм в окружающей их среде.
Периодом ряда может быть одна форма и интервал или совокупность форм и интервалов.
Ряд как средство организации особенно важен при необходимости организации в единое целое большого числа элементов (более 7±2) – верхнего предела числа Миллера, характеризующего объем кратковременной памяти человека.
Ряды являются активным средством эмоциональной выразительности. Метрические ряды сообщают системе организованных элементов статичность, а ритмические – динамичность. Ряды двух закономерностей придают элементам целого (внутри периода) статичность или динамичность, но всему целому – в зависимости от той закономерности, которая доминирует как система организации ряда. Всегда доминирует закономерность, определяющая отношение периодов ряда.
Метрический ряд – характеризуется закономерным повторением одинаковых элементов и интервалов между ними. Сочетание нескольких рядов, элементы которых различаются по одному или нескольким свойствам, образует сложный метрический ряд.
Метрический ряд может быть: безынтервальный (——), интервальный(—-), уплотненный (—-), разряженный(- — — -) (—-),периодный (!!! !!! !!!), однопериодный (-!- -!- -!-), разноериодный (— -!- — -!- —).
Ритм – более сложный, чем метр, порядок чередования элементов композиции. Он основан на неравномерном изменении их свойств. При постоянном их изменении образуется непрерывное множество, которое может носить разный характер – резко или плавно изменяющийся. Резкое изменение типично для простых «жестких» геометрических форм (квадраты, треугольники, ромбы). Плавное изменение характерно для более сложных и «мягких» форм – парабол, овалов, спиралей.
Наиболее характерный прием построения ритма – изменение величины элементов. На таком изменении строятся нарастающие и убывающие ритмические ряды. Плавное нарастание ведет к построению «спокойной» ритмической композиции, резкое – «напряженной». Основные виды ритмических рядов это нарастающий, нарастающе-убывающий, убывающе-нарастающий
/////// ///////////// /////// ///////
расширяющийся // / / /
сужающе-расширяющийся / / / // / / /
расширяюще- сужающийся // / / / / / // /
с параллельным изменением //
с параллельным изменением форм и интервалов // /
Практическое задание (4 часа)
Выделение композиционного центра (фронтально-пространственная композиция).
6 квадратов (10х10)
Практическое задание (4 часа)
Создание ритмической композиции на основе тождества не менее 7+2 элементов (фронтально-пространственная композиция)
Композиция. Часть 1. Типы композиции.: reylana — LiveJournal
Я хочу научиться рисовать — как часто у вас появляется такая мысль?Именно рисовать. Не срисовывать. Строить работу. Понимать, что к чему, по какой причине здесь необходима эта деталь, и вот тут — эта…
Одно из основных понятий, с которыми придётся разобраться для освоения нелёгкого искусства рисования — это композиция.
При подготовке поста я использовала несколько источников — в основном Н.Сокольникова «Основы композиции», Р.Паранюшкин «Композиция». Естественно, все максимально кратко — просто для получения общего представления о понятии.
Слово «Композиция» происходит от лат. compositio , что б в переводе буквально означает со-расположение. Под этим понятием понимается составление, соединение, сочетание различных частей в единое целое в соответствии с какой-либо идеей.
В изобразительном искусстве композиция — это построение художественного произведения, обусловленное его содержанием, характером и назначением.
Именно от композиции зависит, как зритель увидит произведение.
Паранюшкин отмечает, что существует три главных формальных признака композиции:
— целостность — внутреннее единство композиции. Тут важно помнить, что целостность не значит, что ваша картина должна представлять собой единый комок краски без проблесков, некий «монолит», вовсе нет. Под ней понимается тяготение частей картины друг к другу. «Целостность может быть в компоновке картины по отношению к раме, может быть как колористическое пятно всей картины по отношению к полю стены, а может быть и внутри изображения, чтобы предмет или фигура не распадались на отдельные случайные пятна», пишет Паранюшкин.
— подчиненность второстепенного главному, то есть наличие доминанты — важно сочетание «главного» элемента, который сразу привлечёт внимание и является смысловым центром композиции, и второстепенных.
которые его оттеняют и выявляют. «Ни в коем случае понятие центра композиции не связано только с геометрическим центром картины. Центр, фокус композиции, ее главный элемент может быть и на ближнем плане, и на дальнем, может оказаться на периферии или в прямом смысле в середине картины — это неважно, главное, что второстепенные элементы «играют короля», они подводят взгляд к кульминации изображения, в свою очередь соподчиняясь между собой», пишет Паранюшкин.
— уравновешенность — основая гармонии в работе. Уравновешенной может быть как симметричная работа, так и асимметричная. «Уравновесить композицию может пустое поле или одна-единственная точка, поставленная в определенном месте картины, а вот какое это место и какой цветовой интенсивности должна быть точка, в общем случае указать нельзя. Правда, мы можем отметить заранее: чем ярче цвет, тем меньшего размера может быть уравновешивающее пятно», отмечает Паранюшкин. Наиболее сложно уравновесить динамичные изображения. При этом «самая асимметричная, устремленная за пределы полотна композиция в произведениях искусства всегда тщательно уравновешена.
Убедиться в этом позволяет простая операция: достаточно прикрыть часть картины — и композиция оставшейся части развалится, станет фрагментарной, незаконченной». Внимательное изучение произведений искусства и их композиционный разбор поможет вам «поймать» это ощущение равновесия и полнее его понять.
Типы композиции
1) Замкнутая (закрытая) композиция«Изображение с замкнутой композицией вписывается в раму таким образом, чтобы оно не стремилось к краям, а как бы замыкалось само на себя. Взгляд зрителя переходит от фокуса композиции к периферийным элементам, возвращается через другие периферийные элементы опять к фокусу, то есть стремится с любого места композиции к ее центру». Одна из важных черт замкнутой композиции — наличией полей. Все элементы тесно связаны между собой.
2) Открытая композиция
«Заполненность изобразительного пространства при открытой композиции может быть двоякой. Или это уходящие за пределы рамы детали, которые легко представить вне картины, или это большое открытое пространство, в которое погружается фокус композиции, дающий начало развитию, движению соподчиненных элементов.
В таком случае отсутствует затягивание взгляда к центру композиции — наоборот, взгляд свободно уходит за пределы картины с некоторым домысливанием не изображенной части». Открытая композиция тяготеет к центробежности, чаще всего исходит от центра. Хотя она бывает очень сложной — единый центр в таком случае может отсутствовать, и композиция будет складываться из нескольких мини-центров.
Наглядный пример разницы между замкнутой и открытой композицией:
3) Симметричная композиция
«Основная черта симметричной композиции — равновесие. Оно настолько крепко держит изображение, что является по совместительству и базой целостности. Симметрия отвечает одному из самых глубоких законов природы — стремлению к устойчивости. Строить симметричное изображение легко, достаточно только определить границы изображения и ось симметрии, затем повторить рисунок в зеркальном отражении. Симметрия гармонична, но если всякое изображение делать симметричным, то через некоторое время мы будем окружены благополучными, но однообразными произведениями.
4) Асимметричная композиция
«Асимметричные композиции не содержат оси или точки симметрии, формотворчество в них свободнее, однако нельзя думать, что асимметричность снимает проблему уравновешенности. Наоборот, именно в асимметричных композициях авторы уделяют особое внимание уравновешенности как непременному условию грамотного построения картины»
5) Статичная композиция
«Устойчивые, неподвижные, часто симметрично уравновешенные, композиции этого типа спокойны, молчаливы, вызывают впечатление самоутверждения, несут в себе не иллюстративное описание, не событие, а глубину, философию». Есть разные способы продемонстрировать статичность изображения.
6) Динамичная композиция
Динамичные композиции сложнее и индивидуальнее, поэтому требуют тщательного продумывания и виртуозного исполнения».
Статичные композиции часто бывают симметричными и замкнутыми, а динамичные — асимметричными и открытыми.
Сокольникова также отмечает, что «если в живописи композиция помогает передать иллюзию пространства, его глубину, то в народном и декоративно-прикладном искусстве художник композиционными приемами, наоборот, стремится подчеркнуть объем или плоскость украшаемого объекта».
Выражаю огромную благодарность авторам, которые помогают разбираться в столь нелёгких вопросах.
Вельфлин: замкнутая и открытая форма
Тектоничность и атектоничность: замкнутая и открытая формы, они же «строгость» и «свобода», «правильность» и «неправильность» и т.д.
… «Замкнутым» мы называем изображение, которое с помощью большего или меньшего количества тектонических средств превращает картину в явление, ограниченное в себе самом, во всех своих частях объясняющееся собою самим, тогда как стиль открытой формы, наоборот, всюду выводит глаз за пределы картины, желает показаться безграничным, хотя в нем всегда содержится скрытое ограничение, которое одно только и обусловливает возможность замкнутости (законченности) в эстетическом смысле.
… Свойство, присущее всем картинам XVI века: вертикальное и горизонтальное направления на них не только имеют место, но им принадлежит господствующая роль. XVII век избегает отчетливо выражать эти элементарные противоположности. Они теряют тектоническую силу даже в тех случаях, когда фактически проступают во всей своей чистоте. Части картины располагают в XVI веке около средней оси или же, где ее нет, таким образом, чтобы между половинами картины существовало совершенное равновесие, которое хотя и не всегда поддается точному определению, все же очень явственно чувствуется при сопоставлении с более свободным распределением частей на картинах XVII века.
… При заполнении картины для XVI века было естественно придерживаться данной плоскости.
… В XVII веке заполнение отрешается от рамы. Делается все для того, чтобы избежать впечатления, будто данная композиция придумана специально для данной плоскости. Целое все больше стремится к тому, чтобы выглядеть как случайный отрезок видимого мира.
… Все явственнее обнаруживается тенденция к тому, чтобы картина перестала выглядеть как самодовлеющий кусочек мира, но казалась преходящим зрелищем, которое радует зрителя именно тем, что приобщает его к жизни мгновения.
… Всякое пространственное направление сопровождается в XVI веке другим — уравновешивающим — направлением, всякое световое пятно, всякая краска дополняются соответствующими противоположностями. Барокко предпочитает преобладание какого-то одного направления. А краска и свет распределяются им таким образом, что в результате создается впечатление не насыщенности, а напряжения.
(с) Вельфлин.
Таким образом, происходит развитие от симметрии к асимметрии, от четко выраженных вертикальной и горизонтальной оси к их отсутствию и барочному диагональному «косому» движению и группированию картины.
На смену равномерному освещению классической картины приходит неуравновешенное освещение картины барочной.
От «равномерного» заполнения площади картины и «прикрепления» картины к раме в тектоническом стиле к кажущемуся случайным заполнению и стремлению выйти за пределы рамы в атектоническом.
Примеры:
Рафаэль. Диспута.
Строгая симметрия, явно выражены вертикальная и горизонтальная оси — замкнутость формы.
Рембрандт. Вечеря в Эммаусе
Симметрия присутствует (Христос посередине арки), но вертикальная ось смещена влево — открытая форма.
Рубенс. Андромеда.
Пример нарушенного колорита — асимметричная масса сброшенного красного плаща в правом нижнем углу.
Дюрер. Иероним.
«… помещение не ограничено справа, на картине можно наблюдать несколько несущественных пересечений, но вся она кажется совершенно замкнутой: мы видим обрамляющий столб слева, обрамляющую потолочную балку сверху и ступеньку спереди, идущую параллельно нижнему краю картины; два животных занимают всю ширину сцены, и в верхнем правом углу висит видимая целиком тыква, заполняющая и замыкающая картину».
Г.Вельфлин. Замкнутая и открытая форма. (Тектоничность и атектоничность.) — Мир красоты
ЖИВОПИСЬ.
«Замкнутым» мы называем изображение, которое с помощью большего или меньшего количества тектонических средств превращает картину в явление, ограниченное в себе самом, во всех своих частях объясняющееся собою самим, тогда как стиль открытой формы, наоборот, всюду выводит глаз за пределы картины, желает показаться безграничным, хотя в нем всегда содержится скрытое ограничение, которое одно только и обусловливает возможность замкнутости (законченности) в эстетическом смысле.
Части картины располагаются в XVI веке около средней оси или же, где ее нет, таким образом, чтобы между половинами картины существовало совершенное равновесие, которое хотя и не всегда поддается точному определению, все же очень явственно чувствуется при сопоставлении с более свободным распределением частей на картинах XVII века. Здесь та же противоположность, которая обозначается в механике терминами устойчивое и неустойчивое равновесие. Что же касается проведения средней оси, то изобразительное искусство барокко питает к ней самое решительное отвращение. Чистая симметрия исчезает или же делается незаметной при помощи всякого рода нарушений равновесия.
При заполнении картины для XVI века было естественно придерживаться данной плоскости. Хотя художник и не задается целью достигнуть с помощью этого приема определенного выражения, все же содержание распределяется в пределах площади картины таким образом, что кажется, будто оно определено ею. Края и углы картины ощущаются как нечто обязательное и находят отзвук в композиции.
В XVII веке заполнение отрешается от рамы. Делается все для того, чтобы избежать впечатления, будто данная композиция придумана специально для данной плоскости. Хотя скрытое соответствие, естественно, продолжает давать себя знать, целое все больше стремится к тому, чтобы выглядеть как случайный отрезок видимого мира.
Уже излюбленное барокко диагональное направление расшатывает тектонику картины, посколько оно отрицает или, по крайней мере, затемняет прямоугольность сцены.
Все явственнее обнаруживается тенденция к тому, чтобы картина перестала выглядеть как самодовлеющий кусочек мира, но казалась преходящим зрелищем, которое радует зрителя именно тем, что приобщает его к жизни мгновения. В конечном счете важны не вертикальное и горизонтальное направления, не фасад и профиль, тектоника и атектоника, но то, выглядят ли намеренно фигура и целая картина как зрительные ценности или нет. Характерное для XVII века искание преходящего мгновения в концепции картины тоже является одним из признаков «открытой формы».
ГЛАВНЫЕ МОТИВЫ.
1. Классическое искусство есть искусство отчетливо выраженных горизонталей и вертикалей. Наглядность этих моментов доводится до высшей ясности и остроты. Идет ли речь о портрете или о фигуре, о жанровой сцене или о пейзаже, в картине всегда господствует противоположность отвесных и горизонтальных направлений. Чистая первичная форма является мерилом всех отклонений.
В противоположность этому, барокко склонен если и не вовсе вытеснить названные моменты, то все же затушевать их противоположность. Слишком ясное просвечивание тектонического остова ощущается им как окаменение и как противоречие идее живой действительности.
Это изгнание геометрии, конечно, меняет явление во всех отношениях. Для классического Грюневальда световой ореол, окружающий воскресающего Христа, само собой разумеется, был кругом,
Рембрандт же, при аналогичном намерении создать впечатление торжественности, не мог бы пользоваться этой формой из опасения показаться архаическим.
Живая красота присуща отныне не ограниченной, но неограниченной форме.Рембрандт Харменс ван Рейн. «Вознесение Христа».
То же самое можно сказать относительно эволюции красочной гармонии. Чистые красочные контрасты появляются одновременно с чистыми контрастами направлений. XV век еще не знает их. Дополнительные краски, взаимно усиливающие друг друга и дающие картине прочную колористическую основу, вырабатываются лишь постепенно, параллельно процессу закрепления тектонической линейной схемы. С началом барокко и здесь сила непосредственных контрастов падает. Чистые красочные контрасты, конечно, встречаются, но картина на них не строится.
2. Симметрия и в XVI веке не была всеобщей композиционной формой, однако к ней прибегали очень часто; в тех же случаях, когда она не дана в осязательной форме, ее всегда заменяет ясно выраженное равновесие половин картины. XVII век превратил это устойчивое отношение равновесия в отношение неустойчивое, половины картины утрачивают сходство, и чистая симметрия ощущается барокко, как нечто естественное, лишь в пределах узкой области архитектурной формы, тогда как живопись совершенно преодолевает ее.
Где речь идет о симметрии, там имеют в виду прежде всего торжественность впечатления; к симметрии стремятся при всякой попытке дать более монументальную композицию, для будничного же настроения она нежелательна. Несомненно, что в качестве выразительного мотива она всегда понималась в этом смысле, но эпоха все же вносит некоторое различие. XVI век решался подчинять симметрии даже сцену свободного движения, не опасаясь произвести впечатление мертвенности; XVII век дает симметрическое расположение, лишь когда оно реально налично. Важно, однако, что и в этом случае картина остается атектонической.
Рембрандт на Вечере в Эммаусе не пожелал обойтись без симметрии, и Христос сидит у него как раз посредине большой ниши в задней стене, но ось ниши не совпадает с осью картины, которая направо шире, чем налево.
Как резко восстает дух времени против чистой симметричности, очень хорошо можно видеть на добавлениях к картинам уравновешенного стиля, которые любил давать барокко для сообщения этим картинам большей жизненности.
Примеры таких добавлений встречаются в галлереях сплошь и рядом. Мы воспроизводим здесь еще более замечательную барочную рельефную копию Disputa Рафаэля, на которой копиист просто изобразил одну половину короче другой, несмотря на то, что жизненность классической композиции проистекает, по-видимому, как раз от абсолютного равенства частей.
Всякое пространственное направление сопровождается в XVI веке другим — уравновешивающим — направлением, всякое световое пятно, всякая краска дополняются соответствующими противоположностями. Барокко предпочитает преобладание одного какого нибудь направления. А краска и свет распределяется им таким образом, что в результате создается впечатление не насыщенности, а напряжения.
Классическую картину можно узнать издали по равномерному распределению на плоскости световых пятен, по тому, например, как освещение головы на портрете уравновешивается освещением руки.
Ботичелли.
У барокко расчет другой. Не вызывая впечатления расстройства, он освещает одну лишь сторону картины, внося в нее таким образом живое напряжение.
Различные способы насыщенного распределения света и тени кажутся ему чем то мертвым.
Примером нарушенного равновесия колорита может служить Купающаяся Сусанна Рембрандта (Берлин) с издали бросающимся в глаза вишневым платьем, у самого края картины направо: эксцентрическое распределение колорита здесь можно почти осязать.
3. В тектоническом стиле заполнение картины определяется ее площадью, в атектоническом — отношение между площадью и заполнением кажется случайным.
В гравюре Дюрера Иероним помещение не ограничено справа, на картине можно наблюдать несколько несущественных пересечений, но вся она кажется совершенно замкнутой: мы видим обрамляющий боковой столб слева, обрамляющую потолочную балку сверху и ступеньку спереди, идущую параллельно нижнему краю кратины; два животных занимают всю ширину сцены, и в верхнем правом углу висит видимая целиком тыква, заполняющая и замыкающая картину.
Сравните теперь эту гравюру с интерьером Питера Янссенса в мюнхенской Пинакотеке:
аспект совсем родственный и так же оставлена открытой одна сторона.
Но вся картина перестроена актектонически. Не хватает потолочной балки, совпадающей с краем картины и сцены: потолок остается частью пересеченным. Не хватает бокового столба: не весь угол открыт взору, и с другой стороны помещается резко пересеченный краем картины стул с положенным на нем платьем. Вместо подвешенной тыквы мы видим в углу картины половину окна, а вместо — заметим мимоходом — спокойных параллелей двух животных, на переднем плане здесь валяется пара беспорядочно брошенных туфель. Однако, несмотря на все пересечения и несовпадения, картина не производит впечатления незамкнутой. То, что кажется лишь случайно отгороженным, на самом деле есть нечто во всех отношениях самодовлеющее.
4. Резюмирующим понятием тектонического стиля следует считать планомерность, которая лишь отчасти свидится к геометрической правильности; скорее можно сказать, что она создает впечатление общей закономерной связанности, отчетливо выраженной освещением, манерой проведения линий, перспективой и т.
д. Атектонический стиль не есть нечто свободное от всяких правил, но порядок, лежащий в его основе, кажется настолько чуждым строгости, что с полным правом можно говорить о противоположности закона и свободы.
Стиль замкнутой формы есть архитектурный стиль. Он строит, как строит природа, и ищет в природе то, что ему родственно. Влечение к изначальным направлениям: вертикальному и горизонтальному, связывается с потребностью в границе, порядке, законе. Никогда симметрия человеческой фигуры не чувствовалась сильнее, никогда противоположность горизонтальных и вертикальных направлений и законченная пропорциональность не ощущались острее, чем тогда. Всюду стиль стремится изобразить незыблемые, пребывающие формы. Природа есть космос, а красота — открывшийся взору художника закон.
Для атектонического стиля интерес к архитектурности и внутренней замкнутости отступает на второй план. Картина перестает быть архитектурой. В изображении фигуры архитектонические моменты играют второстепенную роль.
Самым существенным в форме является не схема, но дыхание, расплавляющее окаменелость и сообщающее всей картине движение. Классический стиль создает ценности бытия, барокко — ценности изменения. Там красота заключена в ограниченном, здесь — в безграничном.
Портрет Гольбейна — концепция обусловлена идеалом прочной тектонической слаженности.
Слаженному тектоническому типу XVI века противопоставим барочный тип, взяв в качестве примера портрет д-ра Туль-дена Рубенса.
Особенно резкое впечатление контраста создается непрямым положением фигуры. Однако, нужно остерегаться прилагать к двум картинам один и тот же масштаб, потому что они характеризуют модель различными средствами. Вся основа построения картины изменилась. Система горизонтальных и вертикальных направлений хотя и не вовсе упразднена, но все же намеренно сделана незаметной. Художник не стремится изобразить геометрические отношения в их чистом виде, но с непринужденностью уклоняется от этой задачи. В рисунке головы тектонически-симметричный элемент оттесняется на второй план.
Площадь картины все еще прямоугольна, однако фигура нисколько не согласована с системой осей; фон тоже мало способствует прилажению формы к раме. Напротив, художник пытается создать такое впечатление, точно рама и заполнение не имеют между собой ничего общего. Движение направляется по диагонали.
Уклонение от фронтальности вполне естественно, однако исключение вертикальности дело невозможное. И в барокко люди на картинах «стоят прямо». Но замечательно: вертикальное направление утратило свое тектоническое значение. Как бы ясно оно ни проступало, его согласованность с системой целого исчезает. Сравните бюст Красавицы Тициана в галле-рее Питти с Луиджией Тассис Ван-Дейка у Лихтенштейна: у Тициана фигура живет в рамках тектонического целого, от которого она заимствует силу, и которое; в свою очередь, сама усиливает, у Ван-Дейка фигура отрешена от тектонической основы. В первом случае фигура содержит в себе нечто фиксированное, во втором — она движется.
Тициан Красавица
Ван-Дейк Луиджия Тассис.
Всем пейзажам XVI века свойственна прямолинейная композиция, в которой, при всей ее «естественности», отчетливо чувствуется внутреннее родство с архитектурными произведениями. Устойчивое равновесие масс, спокойная заполненность плоскостей довершают впечатление.
Патинир Крещение Христа.
Картина является прежде всего прекрасным образцом плоскостного стиля. Христос изображен в одной плоскости с крестителем, протянутая рука которого также не выдвигается из этой плоскости. Наконец, в эту же зону включено дерево у края картины. Брошенная на землю (коричневая) мантия служит связующим звеном. Отчетливо различаемые поперечные формы тянутся параллельными пластами до самого горизонта. Христос сообщает картине основной тон.
Но композиция картины с такой же легкостью подчиняется понятию тектоничности. В таком случае, за исходный пункт следует принять чистую вертикаль крестящегося, которая еще больше подчеркнута перпендикулярными ей направлениями. Дерево целиком почувствовано в соотношении с краем картины, откуда оно черпает свою силу; с другой стороны, оно превосходно замыкает картину.
Горизонтальность слоев пейзажа тоже согласована с основными линиями доски.
Позднейшие пейзажи никогда не дают такого впечатления. Формы на них не связаны с рамой, отрезок картины кажется случайным, и система осей не подчеркнута. При этом не чувствуется никакой насильственности. В Виде Хаарлема, не раз уже упоминавшемся нами, Рейсдаль изображает ровную местность со спокойным глубоким горизонтом. Кажется, что этой единственной, столь выразительной линии неизбежно должна быть присуща тектоническая роль.
днако получается совсем другое впечатление: чувствуется лишь безграничная ширь пространства, для которой обрамление не имеет никакого значения, и картина является типичным примером красоты бесконечного, которую впервые способен был понять барокко.
АРХИТЕКТУРА.
Тектонический стиль есть прежде всего стиль строгого порядка и ясной закономерности, атектонический стиль, напротив, — стиль более или менее прикрытой закономерности и свободного порядка. Там жизненным нервом всякого впечатления является необходимость слаженности, невозможность что либо переместить, здесь искусство тешится иллюзией беспорядка.
Только иллюзией, потому что в эстетическом смысле форма, разумеется, необходима во всяком искусстве; но барокко любит прятать правила, ломает обрамление и нарушает пропорции, вносит диссонанс и охотно прибегает к декоративности, не останавливаясь даже перед впечатлением случайности.
Далее — к тектоническому стилю принадлежит все, что действует в смысле ограничения и насыщенности, между тем как атектонический стиль раскрывает замкнутую форму, т. е. обращает насыщенную пропорцию в менее насыщенную; отделанный образ заменяется мнимо недоделанным, ограниченный — неограниченным. Вместо впечатления спокойствия возникает впечатление напряжения и движения.
С этим связывается, в третьих, превращение застывшей формы в форму текучую. Нет надобности совсем исключать прямую линию и прямой угол, достаточно то там то здесь выпятить фриз, изогнуть крюк, и возникает представление, будто воля к атектонически-свободному существовала всегда и для своего проявления ожидала только повода.
Попытаюсь применить к современным фото.
та художница: открытая и закрытая композиция
Прежде чем объявить победителя розыгрыша, я подумал, что немного расскажу о композиции. Сейчас в композиции много элементов (симметрия / асимметрия, баланс, гармония и т. Д.), Но я просто хочу сосредоточиться на открытых и закрытых , базовом понимании, которому я пытаюсь научить детей. Вот и груши. Прекрасный сюжет для Fall, и эта аранжировка — композиция CLOSED . Почему закрыто, акцент делается именно на этих 3 грушах.Замкнутая композиция имеет тенденцию быть статичной, заставляя зрителя сосредоточиться на предмете в пределах границ. Замкнутой композицией считаются многие натюрморты и портреты.
Теперь может иногда сбивать с толку , когда вы смотрите на картину / изображение, которое считается закрытой композицией, но фон открыт.
Я говорю детям сосредоточиться на том, что происходит на переднем плане .
Вот хороший пример композиции open Эдгара Дега «Репетиция» около 1874 года . Вы можете представить себя в репетиционном зале, где танцоры танцуют вокруг вас, и ваш глаз пытается охватить их всех. Итак, вот хороший проект, который стоит попробовать с детьми. Попросите их составить как открытую, так и закрытую композицию одного и того же предмета и показать их вместе. Для закрытой композиции вы можете просто настроить натюрморт, но для открытой вам, возможно, придется заставить их просматривать его через старую циновку или раму.Вы также можете добавить компонент фотографии. Попросите их сфотографировать открытую композицию, а затем раскрасить вид.В следующий раз, когда вы будете рассматривать произведение искусства или фотографию, спросите себя: «Это открытая или закрытая композиция?»
Переходим к результатам раздачи. Всего у меня 61 запись как из раздела комментариев, так и из электронной почты.Используя Random.Org, получаем:
Вот ваши случайные числа:
7Отметка времени: 2011-09-09 16:55:25 UTC
Итак, наш победитель (номер, присвоенный введенным временем):
Дейл Энн Поттер:
О, мне бы ТАК ПОНРАВИТСЯ этот DVD — я поймал один из эпизодов на PBS и пожелал Я видел других.СПАСИБО за эту возможность и за вашу ЗАМЕЧАТЕЛЬНУЮ блог (который я обычно читаю через Google Reader)!
5 сентября 2011 г., 18:03
Я сразу же отправлю вам вашу новую серию DVD. Спасибо всем за участие, увидимся на следующей неделе.
Композиция № 1: Открытая и Закрытая композиция
Здесь у нас есть довольно простой снимок бокала и бутылки вина, а также веб-сайт, на котором я его нашел. Этот кадр — хрестоматийный пример «закрытой» композиции.Почему? Потому что все изолировано внутри самого фрейма. Ничто не касается внешних границ и не выходит за их пределы. Никакая «окраска вне линий» на этом снимке и ничто из того, что мы видим, не выводит наш взгляд за пределы кадра. Все содержится, и все статично. Не то чтобы это плохо, заметьте, это просто ЕСТЬ. Закрытые композиции, как правило, статичны, хотя вы можете добавить размерности закрытой композиции, используя другие методы, такие как размытие движения. Но пока мы сохраняем простоту и говорим широко. В закрытой композиции объект часто располагается ближе к центру кадра.
Закрытые композиции будут более статичными благодаря тому, что все аккуратно заключено в рамку. Сила закрытой композиции часто проистекает из простоты. Простой может быть мощным, простой может быть информативным. В приведенном выше примере у нас есть два элемента, и, хотя у меня есть проблемы с размещением и результирующей «принудительной перспективой» (это либо одна крошечная бутылка вина, либо самый большой бокал, который я когда-либо видел), важно отметить здесь следующее: полное отсутствие чего-либо контекстного, кроме случайных отношений между бутылкой и стаканом.Добавление небольшого количества вина в бокал связывает эти два элемента вместе, но фон остается пустым, за исключением цвета и тени. Никаких задумчивых, туманных фоновых снимков виноградника на закате, никаких инструментов виноделов, только бутылка и стакан. Понятно, что «мусор» вывозили.
Я использую закрытые композиции, когда мне нравится то, что я называю эстетикой дзен: простые изолированные формы, которые отражают природу или создают ощущение органичности, даже если они созданы руками человека. Я не знаю, придумываю ли я этот термин или неправильно маркирую другой, и, честно говоря, мне все равно.Эта особая эстетика хорошо подходит для крупных планов, хотя обратное также верно: негативное пространство — это композиционный инструмент, который я действительно ценю … Но мы перейдем к негативному пространству в другой раз.
Замкнутая композиция берет ваш объект и, как правило, удаляет контекст, поэтому субъект должен иметь возможность стоять самостоятельно и общаться без контекстной поддержки. Вино довольно сложно интерпретировать неправильно. Итак, наш пример сильный и хорошо продуманный. Технически это выдающийся выстрел.Резкий, хорошо экспонированный и т. Д. Тоже статичный и, если можно так сказать, скучный. Проще говоря, здесь ничего не происходит, хотя у нас есть спокойное стабильное фото. У него приятное ощущение «законченности», без каких-либо недостатков. Закрытая композиция в первую очередь подходит для пейзажей, портретов и фотографий, но, конечно, всегда есть исключения. Вот почему я настаиваю на том, чтобы называть эти правила «руководящими принципами», а не «правилами».
Хорошо, этот снимок, позаимствованный с этого маленького сайта, демонстрирует открытую композицию.Почему? Потому что оба элемента в этом примере выходят за пределы кадра и создают ощущение движения. Литье вина действительно находится в движении, но все в этом кадре передает СМЫСЛ движения. Мы не можем ВИДЕТЬ бутылку, из которой наливают вино, но мы можем это представить. Мы не ВИДИМ ножку или ножку стакана, и мы не видим руку человека, держащего его, но мы можем расширить наше зрение за пределы кадра и представить его присутствующим. Кто держит эту бутылку вина и почему ее разливают? Посмотрите, как течет вино в бокале… Будет ли он переливаться через край или складываться в «идеальную заливку»? Посмотрите на углы в этом кадре, как они расположены по диагонали, что придает динамику, ощущение движения, в отличие от первого примера, где все прямо, сидит на твердой поверхности и явно никуда не идет. Но на этом втором снимке у нас нет опорных поверхностей, и у нас есть элементы, которые выводят наш взгляд за пределы кадра. Есть уменьшение принуждения. Это то, что делает композицию открытой.Открытая композиция заставляет нас удивляться, воображать или визуализировать; он передает движение или чувство движения через динамику.
В заключение, я думаю, я должен упомянуть те надоедливые кадры в промежутке; те, которые включают элементы как открытой, так и закрытой композиции. Такое бывает. Они случаются часто и, скорее всего, бесят людей, которые пытаются изучить базовые техники композиции и / или пишут учебные пособия по таким вопросам. Так что да, я готов к шквалу сообщений типа «О да, а как насчет ЭТОГО КАДРА, умные штаны ?! Открытые или закрытые?».И да, как и в большинстве вещей в жизни, есть те кадры, те композиции, которые содержат элементы как открытой, так и закрытой композиции.
На самом деле, я предлагаю вам найти некоторые из ваших собственных снимков и опубликовать их в этой теме. Покажите нам несколько снимков, которые, по вашему мнению, содержат элементы как открытой, так и закрытой композиции в одном кадре. Пожалуйста, объясните свое мнение остальной части класса. Также приветствуются кадры, наглядно демонстрирующие ту или иную технику.
……..
Закрытые v Открытые композиции — Тенденции веб-дизайна 2017
Наши студенты HND Computing and Systems Development * знают, что тенденции в веб-дизайне приходят и уходят.Что остается неизменным, так это необходимость быть гибким в подходе к дизайну и сосредоточиться на том, как дизайн поможет компании достичь своих целей. Сегодня мы посмотрим, как открытая композиция оставляет свой след в индустрии.
Закрытая композиция уже долгое время является самым популярным стилем в веб-дизайне. Традиционно веб-сайты сохраняли все элементы в определенных границах, помогая привлечь внимание аудитории к ключевым областям. Это придавало сайтам ощущение стабильности и структуры, по сути говоря аудитории: «Все, что вам нужно знать, находится здесь, в этих фиксированных пространствах.’Щелкните прямо сейчас на любом сайте, и, скорее всего, вы увидите всю закрытую композицию. Чистый вид помогает легко передавать сообщения, но хочет ли современный взгляд вырваться из границ?
Открытая композиция, с другой стороны, создает впечатление изображения или участка, выходящего за пределы монитора. Открытой композиции присущ динамизм, и, удалив ограничения и рамки, посетители начинают более творчески взаимодействовать с сайтом и его изображениями.
Сочетание элементов открытой и закрытой композиции может быть ключом к выделению сообщения, сохраняя при этом инновационный вид. Одним из актуальных примеров, который недавно стал популярным, является включение шаблона столбца или сетки в фон веб-сайта. Он добавляет четкую структуру и позволяет кадрировать, но продолжает за пределами экрана, создавая впечатление бесконечного променада.
Однако для некоторых сайтов подойдет только закрытая композиция. Представьте себе газету, например, без этих четких и продуманных рамок, обрамляющих текст: это может сбить с толку читателей, неспособных определить, где щелкнуть, чтобы получить дополнительную информацию.Подумайте о розничном магазине мебели — изображения, существующие изолированно, не помогут покупателям взаимодействовать с продуктами этого продавца. Вместо этого структура страниц может использовать открытую композицию, чтобы помочь покупателям представить продукт в своем пространстве.
Помните: хороший дизайнер может создать примеры того и другого (и даже больше), но хороший дизайнер выбирает наиболее подходящий. Для успешного веб-дизайна необходимо объединить функциональность и креативность для достижения конечной цели.
* BTEC HND Вычислительная техника и разработка систем
2.4: Форма и композиция — гуманитарные науки LibreTexts
Глядя на искусство, многие люди сегодня используют целостный подход или подход гештальта к его пониманию. При таком подходе произведение искусства воспринимается как единое целое, и делается интуитивный вывод. Этот подход к искусству — хорошее начало, но он также может быть полезен для изучения отдельных частей произведения искусства и их отношения к целому.Когда мы изучаем произведение искусства, разбирая его, мы смотрим на его дизайн. Дизайн делится на две большие категории: элементы дизайна и принципы дизайна. Элементы дизайна являются физическими частями произведения искусства, или образуют . Принципы дизайна — это способы, которыми эти части расположены или используются, или композиция .
2.4.1 Элементы дизайна
Дизайн — это управляющий план или подход, с помощью которого создаются и собираются различные части художественного произведения.Редко можно найти произведение искусства, которое является полностью случайным или возникло полностью из бессознательной интуиции художника. Кроме того, изучение того, как организованы различные части произведения искусства — даже интуитивно понятная или случайная работа — может раскрыть ключи к целям и убеждениям художника, сообществу, в котором художник работал, и проблемам, с которыми он работал. произведение искусства предназначалось для обращения.
Есть шесть основных элементов дизайна: линия, форма, масса / объем, перспектива, текстура и цвет.Один из способов подумать об этих элементах дизайна — это «подняться по лестнице» измерения. Наш воспринимаемый мир имеет три пространственных измерения и одно временное. Математически точка имеет нулевые размеры. Линия имеет одно измерение — длину. У фигуры есть два измерения: длина и высота. Форма с массой или объемом имеет три измерения: длину, высоту и ширину. Переходя от точек к объемам, мы «поднялись по лестнице» измерения от нуля до трех. Помимо трех измерений физического пространства, художники могут включить в свою работу еще две вещи.Они могут привнести текстуру и цвет.
Вот краткое объяснение определения и динамики каждого элемента дизайна.
2.4.1.1 Строка
Line — элемент дизайна первого порядка. Линия — это бесконечный ряд точек, расположенных в определенном направлении. Направление линии может быть прямым (неизменным) или изогнутым (изменяющимся). Все виды объектов линейные, или преимущественно сформированные из линий. Каллиграфия , или «красивое письмо», — одно из популярных применений линии.Символ строки в письменном виде выполняет две основные функции. Во-первых, линейная фигура или форма письменного символа обозначает его значение. Во-вторых, способ создания фигуры может рассматриваться как выразительный сам по себе. тугра , или каллиграфическая подпись султана, и усовершенствованный текст арабской каллиграфии известны своей выразительной красотой, как и многие произведения азиатского письма. Во многих культурах письма красота письма так же важна, как и сообщение, которое он содержит.(Рисунок 2.35)
Одно из качеств линии — жест. Жест — это линия, создаваемая движением руки, руки или тела художника, своего рода танца с материалом, как это видно на этой фотографии Джексона Поллока посреди живописи. (Джексон Поллок: upload.wikimedia.org/wikipedia/ en / b / b7 / Jackson-Pollock.jpg) Например, короткие неровные строки стаккато могут быть прочитаны как нетерпеливые, неуверенные или изящные. Ровные горизонтальные линии выражают спокойствие.Прямые линии могут обозначать жесткость, что ни хорошо, ни плохо, но зависит от контекста. Жесткий мост — это хорошо для тех, кто рассчитывает на то, что он не уступит дорогу. Жесткое дерево во время урагана иногда будет вырвано с корнем.
Контур — это линия, где разные области встречаются и образуют края. Зрительное восприятие человека включает улучшенную способность обнаруживать края в природе. Контурные линии повторяют форму объектов там, где они выделяются на фоне.При составлении карты контурные линии указывают форму ландшафта с регулярными приращениями вертикальной высоты. На контурных картах линии, которые появляются близко друг к другу, указывают на быстрое изменение высоты. Линии, расположенные далеко друг от друга, указывают на более пологие склоны. (Контуры наземной истины: http://wiki.openstreetmap.org/w/imag…urs_Detail.png)
Перекрестная штриховка — это использование равномерно расположенных пересекающихся линий, которые создают ощущение ценности или светлого и темного. Эти линии штриховки обычно повторяют форму объекта.(Рисунки 2.4 и 2.36)
Некоторые линии вообще не прорисовываются. Вместо этого они подразумевают или предполагают намеренное выравнивание форм. Изображение квадрата внутри круга является примером подразумеваемой линии. (Рис. 2.37) Линии, сходящиеся за краем произведения искусства, — это еще один, потому что они подразумевают удаленное пересечение. Третий пример линии, которой на самом деле нет, — это линия экстрасенса . Два человека, смотрящие друг на друга на произведении искусства, создают между собой психическую грань.
Line имеет выразительных контента. По своей природе линия заставляет зрителя следовать по ее пути. Характер линии может управлять направлением, скоростью и вниманием зрителя. Движение линии может быть изогнутым или угловым. Он может прогрессировать плавно или в отрывистом ритме. Линия может быть толстой или тонкой, бледной или жирной. Эти качества «читаются» рационально и эмоционально; таким образом, линия может иметь выразительное и эмоциональное содержание, которое часто можно обнаружить путем самоанализа зрителя.
Line — это не просто элемент двухмерного дизайна. Например, проволока — это линейная среда, которую можно расширить в трех измерениях. Скульптуры и портреты Александра Колдера из проволоки — прекрасные примеры выразительной силы линии в трех измерениях. ( Acrobats , Александр Колдер: www.calder.org/system/post_im…/medium/A00504. Jpg? 1352222725) Другой пример — Пабло Пикассо, рисующий в космосе светом для фотографа Гьона Мили (1904-1984, Албания, жил в США) для журнала Life в 1949 году.(Световые рисунки, Пабло Пикассо: http://www.designboom.com/art/pablo-…ngs-from-1949/)
2.4.1.2 Форма
Элемент дизайна формы — следующий элемент на пути вверх по лестнице измерения. Форма имеет два измерения: длину и ширину. Формы могут быть правильными или неправильными, простыми или сложными. Формы могут иметь твердые или мягкие края.
форм с твердыми краями имеют четко определенные границы, а формы с мягкими краями медленно переходят в фон.Есть две широкие категории форм: геометрические и органические. Геометрические формы — это правильные и упорядоченные формы с использованием прямых линий и кривых. Органические формы обычно имеют неправильную форму и часто хаотичны. Ханс Арп (1886-1966, Франция, жил в Швейцарии) в своей работе Без названия использовал рваную бумагу и вырезанные формы для создания абстрактной композиции. В то время как квадраты являются геометрическими объектами, рваные и неровные края Арпа превращают их в органические формы. Ориентация этих фигур примерно соответствует структуре сетки, но, опять же, их отклонение от регулярного порядка подразумевает хаотическое и случайное расположение.В этой работе Арп танцует на «грани порядка». (Рисунок 2.38)
В двумерных произведениях искусства формы — это фигуры, размещенные на двумерной поверхности, известной как площадка . Это создает связь между передним планом и фоном, известную как отношение фигура / фон . Цифра — это объект, который кажется находящимся перед землей. В некоторых произведениях искусства эта взаимосвязь намеренно неясна. В этом случае может произойти эффект, известный как разворот фигуры / фона.В разворот фигуры / земли то, что считалось положительной формой фигуры, можно также рассматривать как отрицательное пространство земли. Этот эффект нарушает ощущение пространства в произведении искусства и дезориентирует зрителя. ( Escher Woodcut II Strip 3 , Мауриц Корнелис Эшер: http://www.tau.ac.il/~tsurxx/FigureGround/Escher2.GIF)
2.4.1.3 Масса / Объем
Следующая и последняя ступенька по размерной лестнице — это объем или масс. Том имеет три измерения: длину, ширину и высоту.Объемы могут иметь внутренние или внешние контуры, а также могут быть закрытыми или открытыми по форме. Масса — это количество вещества, часто означающее его вес. Закрытая форма — это объем без отверстий и отверстий. Одна из целей древнеегипетской скульптуры заключалась в том, чтобы служить вечно. Поэтому они использовали закрытые скульптурные формы, которые более прочны и устойчивы к износу и поломке. (Рисунки 2.26 и 2.39) Пустое пространство окружает замкнутую форму, но не движется через нее.И наоборот, пустое пространство окружает, но также перемещается через открытую форму . Скульптуры открытой формы по форме ближе к фигурам, которые они представляют, и, следовательно, более реалистичны или «верны» исходному образцу.
Современные скульпторы, такие как Генри Мур (1898-1986, Англия), исследовали абстрактное использование закрытых и открытых форм, а также негативного и позитивного пространства. ( Лежащий рисунок 1969-70 , Генри Мур: upload.wikimedia.org/wikiped…_Israel_12097_ reclining_figure_by_henry_moore_in_tel_aviv.jpg) В трехмерном искусстве положительное пространство — это пространство, занятое данным объемом, а отрицательное пространство — это пустое пространство внутри этого тома. Обратите внимание, как фигура изгибается вокруг воображаемой границы. «Седло» посередине предполагает, что невидимый груз давит на форму. Эта скульптура зависит как от пустого пространства вокруг нее, так и от объема, занимаемого бронзой. Кроме того, его масса уменьшается из-за открытости формы, особенно по сравнению с древнеегипетской скульптурой, полностью закрытой.
Чтобы передать трехмерность, массу и объем форм на плоской поверхности, художники используют кьяроскуро (итальянский: «ясный-темный») или различные оттенки светлого и темного. Когда форма поворачивается к источнику света, она кажется ярче, а когда она отворачивается от источника света, она кажется темнее; смещение света и тени создает иллюзию объема в пространстве. Лицо и руки Леонардо Мона Лиза считаются шедеврами светотени.(Рисунок 2.7)
2.4.1.4 Перспектива
Перспектива в искусстве — это иллюзия пространства на плоской поверхности. До открытия геометрической системы линейной перспективы в Италии пятнадцатого века иллюзия пространства создавалась с помощью трех основных визуальных сигналов, указывающих на отступление пространства. Эти три реплики — высота, масштаб и перекрытие. Объекты, расположенные выше на поверхности рисования, объекты меньшего масштаба и объекты, частично закрытые другими объектами, — все это появляется дальше в пространстве.(Рисунок 2.40)
Линейная перспектива основана на регулярном геометрическом сокращении пространства. Линейная перспектива использует точку схода и линию горизонта. Точка схода — это точка, где все удаляющиеся линии, кажется, сходятся на линии горизонта.
Линия горизонта — это набор всех возможных точек схода на уровне глаз. (Рисунок 2.41) Ортогональные линии — это линии, которые, кажется, пересекаются в точке схода и подразумевают регулярное сокращение пространства.Линии горизонта и точки схода могут дать ключ к разгадке замысла художника. Например, в картине Леонардо «Тайная вечеря » художник обнаружил точку схода прямо за головой Иисуса. (см. рис. 1.25). Поскольку точка схода — это видение зрителя, бесконечно расширенное в одном направлении, размещение Леонардо точки схода за головой Иисуса связывает Его с бесконечностью христианского Бога.
До того, как линейная перспектива была сформулирована как связная геометрическая система, художники использовали интуитивную перспективу для изображения удаляющегося пространства. Интуитивная перспектива осознает, что удаляющиеся линии сходятся, но не распознает, что они сходятся в единой линии горизонта и точке схода. Тем не менее, даже когда в картинах отсутствует строго согласованная геометрическая система линейной перспективы, определение того, где будет горизонт, может сообщить нам о том, как художник смотрит на объект. Сравните две одноименные картины: Мадонна на троне , одна — работы Чимабуэ (1240–1302, Италия), а другая — Джотто (1266 / 7–1337, Италия).(Рисунки 2.42 и 2.43) Обе картины используют интуитивную перспективу. На картине Чимабуэ 1285 года подразумеваемый горизонт низкий, а зритель сидит у подножия трона, в то время как изображение Джотто, написанное в 1310 году, имеет горизонт выше, и, таким образом, зритель находится на том же уровне, что и Мадонна. Эта разница во взглядах означает изменение представлений об отношении Мадонны к личности. Картина Чимабуэ вызывает у зрителя покорное почтение, в то время как картину Джотто можно рассматривать как более доступную, что свидетельствует о небольшом, но значительном сдвиге в европейской мысли, который в конечном итоге перерос в итальянский ренессанс.
Существуют разные типы линейной перспективы. Основные типы — одно-, двух- и трехточечная перспектива. Различие заключается в количестве используемых точек схода. Одноточечная перспектива использует линию горизонта и одну главную точку схода и обычно используется, когда простые виды имеют вид
., например, исчезающий вдаль железнодорожный путь прямо на глазах у зрителя. Двухточечная перспектива использует линию горизонта и две отдельные точки схода, чтобы представить иллюзию пространства, которое отступает в двух направлениях.(Рис. 2.44) Трехточечная перспектива включает в себя отступление пространства в третьем, вертикальном направлении выше или ниже линии горизонта, а также два горизонтальных направления в двухточечной перспективе. По мере того, как высокие здания отступают вверх от уровня улицы, они также уменьшаются в видимом размере, точно так же, как железнодорожные пути кажутся сходящимися на расстоянии к горизонту. (Рисунок 2.45)
Многие люди ошибаются, полагая, что линейная перспектива дает совершенно точную картину мира.Это не. Линейная перспектива — это ограниченный инструмент для представления того, как выглядит мир. Он считается достаточно «точным» только в пределах ограниченного «конуса восприятия» около 60 градусов. Таким образом, хотя линейная перспектива — отличный инструмент для представления нашего восприятия космоса, у нее есть ограничения, которые следует признать.
Атмосферная перспектива — это способ создания иллюзии расстояния на плоской поверхности за счет использования цвета и фокуса. В пейзаже, который простирается вдаль, дымка промежуточного воздуха изменяет цвета и четкость объектов.Чем дальше объект находится от зрителя, тем больше он приближается к цвету воздуха, то есть к светлому серо-голубому тону. Темные объекты становятся светлее и синее по мере удаления от зрителя. Кроме того, контраст между светлыми и темными объектами и восприятие деталей уменьшаются с увеличением расстояния. Альберт Бирштадт (1830–1902, Германия, жил в США) использовал этот эффект в своей картине « Скалистые горы, пик Лендера », чтобы создать ощущение монументального пространства. (Фигура 2.46)
2.4.1.5 Текстура
Термин текстура описывает качество поверхности художественного произведения. Текстура — важный элемент дизайна, потому что она задействует не только зрение, но и осязание. Предметы могут быть грубыми или гладкими, влажными или сухими, липкими или гладкими, твердыми или мягкими, хрупкими или гибкими. Два основных подхода к текстуре — это фактическая текстура и подразумеваемая или имитированная текстура. Фактическая текстура в первую очередь — хотя и не исключительно — скульптурная, тогда как подразумеваемая текстура в основном используется в двухмерных произведениях искусства.
Художники Северного Возрождения и Голландского Золотого Века, пятнадцатого-семнадцатого веков, очень интересовались моделированием самых разнообразных текстур. Одной из главных целей художников того времени было преуспеть в том, чтобы говорить правду о материальном мире. Они работали, чтобы охватить весь визуальный диапазон осязания. Рембрандт ван Рейн (1606–1669, Нидерланды) хорошо известен тем, что использовал impasto , или очень густую краску, чтобы усилить ощущение реальности во многих своих картинах, добавив фактуру.Это можно увидеть в его обращении с плотью на некоторых из его автопортретов, а также в изображении металла и драгоценностей на его картине Пир Валтасара . (Рисунок 2.47)
2.4.1.6 Цвет
Цвет — это самый выдающийся элемент дизайна и один из самых мощных и вместе с тем субъективных элементов в искусстве. Американский трансценденталист XIX века Ральф Уолдо Эмерсон отметил это субъективное качество цвета, когда писал: «Природа всегда носит цвета духа.1. Представления о цвете можно разделить на три большие категории: история цвета, физика цвета и восприятие цвета.
Самое раннее использование цвета ограничивалось тем, какие виды пигментов или красителей можно было найти в местной окружающей среде: охры (желто-коричневые) из разных цветов земли, черные и серые из золы и обожженной древесины или древесного угля, красные и желтые из минералов, растений и насекомых. Палеолитические пещерные художники использовали эти материалы для своих росписей.В дополнение к натуральным пигментам древние египтяне разработали синтетические пигменты, такие как порошковое стекло, для создания египетского синего цвета, отличительного оттенка, используемого на статуях, стенах и памятниках. В Римской империи пурпур редкой формы добывался из особого вида улиток, и из-за его редкости использовался в основном для королевской одежды. В эпоху Возрождения темно-синий цвет создавался из мелко измельченного драгоценного камня — лазурита.
египтяне ассоциировали цвета с богами; у бога Амона была синяя кожа, а у Осириса — зеленая.Древние греки использовали более научный подход к цвету. Древнегреческий философ Эмпедокл считал, что цвет делится на четыре категории: белый / светлый, темный / черный, желтый и красный. Древние китайцы связывали цвет с пятью элементами, которым учит традиционная физика: вода (черный), металл (белый), дерево (зеленый), земля (желтый) и огонь (красный). В ряде азиатских традиций черный — это цвет неба, а белый — цвет смерти или траура. В западной культуре все наоборот.
Современные представления о цвете были значительно усовершенствованы в пятнадцатом веке архитектором и теоретиком искусства Леоном Баттистой Альберти (1404–1472, Италия). В своем трактате Della pittura ( О покраске ), опубликованном в 1435 году, Альберти заявил:
Путем смешения цветов рождается бесконечное количество других оттенков, но есть только четыре истинных цвета, из которых может быть создано все больше и больше других видов цветов. Красный цвет огня, синий цвет воздуха, зеленый цвет воды и серый цвет земли.. . белый и черный не являются истинными цветами, но представляют собой изменения других цветов. 2
- К. А. Бартол, Ральф Уолдо Эмерсон: Беседа в Западной церкви (Бостон, Массачусетс: А. Уильямс и Ко., 1882), 14.
- Леон Баттиста Альберти, О живописи, пер. Джон Р. Спенсер (Нью-Хейвен, Коннектикут: издательство Йельского университета, 1956), 49-50.
Из этой ранней структуры были сделаны дальнейшие открытия.
Термин «цвет» описывает ощущение, вызываемое изменениями длины волны и интенсивности света при его взаимодействии с человеческим глазом. Видимый свет — это небольшая часть электромагнитного спектра , которую может видеть человек. Когда белый свет солнца проходит через призму, он преломляется на цветов радуги от красного до оранжевого, желтого, зеленого и синего до фиолетового. (Рисунок 2.48)
Цвет, воспринимаемый людьми, можно разделить на три отдельные части: оттенок, насыщенность и яркость.(Рисунок 2.49) Оттенок — длина волны данного цвета. Цвета с более длинной длиной волны появляются на красном конце спектра, а цвета с более короткой длиной волны — на фиолетовом. Оттенок — это «название» цвета, например красный, желтый, синий, зеленый и т. Д. Цвет может быть как вычитающим, так и дополнительным. Насыщенность — это чистота цвета, она варьируется от нейтрального серого до чистого цвета, при этом яркость остается постоянной. Яркость — это светлота или темнота цвета, которая варьируется от полностью освещенного (чистый оттенок) до полностью затемненного (черный).Каждый чистый оттенок также имеет относительную яркость, например, чистый желтый цвет имеет большую яркость, чем чистый синий.
Субтрактивный цвет , или отражающий цвет, возникает, когда белый свет отражается от поверхности, и все цвета спектра поглощаются этой поверхностью, за исключением цвета, который отражается обратно к зрителю. Вычитающее смешение цветов начинается с основных цветов красного, желтого и синего. Когда эти цвета смешиваются, создаются вторичных цветов зеленого, оранжевого и пурпурного.Смешивание желтого и синего дает зеленый, смешивание красного и желтого дает оранжевый, а смешивание красного и синего дает фиолетовый.
Английский математик и физик сэр Исаак Ньютон продемонстрировал в семнадцатом веке, что белый свет, преломленный через призму, может быть разделен на видимый спектр. В девятнадцатом веке писатель и государственный деятель Иоганн Вольфганг фон Гете и химик Мишель Эжен Шеврюэль отдельно опубликовали исследование, в котором был сделан вывод о том, что красный, желтый и синий являются основными цветами и что все остальные цвета могут быть смешаны с ними.В начале двадцатого века промышленные химики еще больше усовершенствовали понимание печатных красок и вывели субтрактивную цветовую модель CMYK (голубой, пурпурный, желтый и черный): начиная с белого, по мере добавления цвета смесь движется к черному. (Рисунок 2.50)
С появлением телевидения, компьютеров и цифровых изображений появилась аддитивная модель RGB (красный, зеленый, синий), в которой цвета складываются вместе, и цветовая система HSB (оттенок, насыщенность и яркость), основанная на человеческих восприятие, стали отраслевыми стандартами. Дополнительный цвет , или цвет пропускания, возникает, когда проецируется свет разных цветов. Основные оттенки аддитивного цвета — красный, зеленый и синий. Это цветовая модель RGB. (Рисунок 2.51) Когда красный и зеленый свет перекрываются, виден желтый. Когда красный и синий огни перекрываются, виден красный цвет, а когда зеленый и синий свет перекрываются, появляется голубой цвет. Это второстепенные оттенки аддитивного цвета. Когда красный, зеленый и синий свет перекрываются, виден белый свет. Телевизионные экраны на самом деле представляют собой крошечные точки или пиксели красного, зеленого и синего светящихся огней.Цвета, которые мы видим на этих экранах, складываются.
Наша модель аддитивного цвета RGB напрямую зависит от того, как функционируют человеческие глаза. Сетчатка человека — это слой нейронов, покрывающий внутреннюю часть глаза. В этом листе нейронов есть специализированные нейроны, называемые палочками и колбочками. Палочки — это нейроны, чувствительные к изменениям интенсивности света, а колбочки — к красному, зеленому или синему свету. Причина, по которой у нас есть компьютерные мониторы RGB, заключается в том, что у нас есть глаза RGB.
Художники иногда намеренно используют физиологию человеческого зрения. Поскольку человеческое зрение ограничено уникальной биологией, становятся возможными определенные эффекты. Нейроны хранят химические нейротрансмиттеры для отправки сигналов. Если нейрон должен постоянно «активироваться», потому что он постоянно стимулируется, он может истощить запас нейромедиатора. Существует небольшая задержка между истощением и восстановлением этого химического вещества в нейроне. Тем временем появляется остаточное изображение .Посмотрите на зеленый, оранжевый и черный флажки в течение 10 секунд, затем посмотрите на пустую стену или пустое белое пространство. (Рисунок 2.52) На некоторое время вы увидите дополнение или противоположность зеленого (красного), оранжевого (синего) и черного (белого) цветов в правильном месте на американском флаге. . Исчезновение этого изображения указывает на то, что нейротрансмиттеры в сетчатке пополнились.
Этот эффект регулярно использовался художниками во время импрессионистского движения (ок.1870-1886). Рассмотрим « Impression Sunrise » Клода Моне (1840–1926, Франция), одну из первых картин импрессионистов. (Рис. 2.53) Если вы смотрите на просторы синего на картине дольше, чем на мгновение, это «истощает» ощущение синего и создает дополнительную реакцию остаточного изображения, которая является оранжевой. Затем, когда мы смотрим на оранжевый восходящего солнца, мы видим не только оранжевый пигмент на самой картине, но и дополнительный эффект «усталой синевы» на нашей сетчатке. По этой причине оранжевая краска солнца выглядит ярче, чем если бы мы видели этот цвет сам по себе.Многие художники-импрессионисты намеренно использовали этот эффект, и это одна из причин, почему картины импрессионистов, как правило, выглядят такими ярко окрашенными.
В своей серии картин « Посвящение площади », которую он начал в 1949 году, художник Баухауса Йозеф Альберс (1888–1967, Германия, жил в США) экспериментировал с относительным восприятием цвета. ( Посвящение площади , Йозеф Альберс: upload.wikimedia.org/wikiped…0/Josef_Albers’s_ painting_’Homage_to_the_Square ’% 2C_1965.jpg) Его главным интересом было продемонстрировать, как на цвет могут влиять другие цвета, которые его окружают. Его книга «Взаимодействие цвета» (1963) показала, что восприятие одного цвета может меняться в зависимости от контекста. Чтобы продемонстрировать это, посмотрите на прилагаемое изображение. (Рис. 2.54) Серая полоса в центре одноцветная, но кажется, что она смещается при размещении на контрастном фоне.
Современные художники используют определенные термины для различных применений цвета. Естественный, или локальный цвет , описывает цвет тела данного объекта. Наблюдаемый цвет , с другой стороны, показывает, как восприятие этого локального цвета изменяется по мере того, как свет перемещается на объект. В серии картин Руанского собора Моне его изображения различных условий освещения являются хорошим примером разницы между местным цветом и наблюдаемым цветом. Цвет камня собора — средне-серый. Но в разное время дня, например, при убывающем свете заката, он будет отражать апельсиновые и синие оттенки затяжного солнца и растущих теней.(Рисунок 2.55)
Фовисты были группой художников начала двадцатого века, которые использовали интуитивный цвет как основу своего подхода к созданию искусства. Их больше интересовала выразительная сила цвета, чем роботизированный отчет о локальном или наблюдаемом цвете их предметов. Рассмотрим этот портрет Анри Матисса (1869–1954, Франция) его жены Амели Матисс. (Рис. 2.56) Очевидно, что на самом деле у нее не было зеленой полосы, проходящей по центру ее лица.Цвета, выбранные художником, должны были выражать нечто иное, чем простое визуальное наблюдение.
Другой аспект цвета, используемый художниками, — это цветовая температура . Цвета могут быть как теплыми, так и холодными. теплый конец спектра включает красный, оранжевый и желтый. холодный конец видимого спектра содержит зеленый, синий и фиолетовый. Тем не менее, даже желтый может быть прохладным, а синий — теплым. Теплые и холодные цвета взаимодействуют по-разному, и художников учат замечать и использовать эту разницу; например, теплые цвета кажутся «продвигающимися», в то время как холодные цвета «отступают» в пространстве, и, следовательно, формы, представленные в этих цветах, оказываются на разной глубине.
Организуя идеи о цвете, художники и теоретики искусства разработали серию цветовых схем или упорядоченных отношений между разными цветами. В монохроматической цветовой схеме используется один цвет. Старый гитарист Пикассо — хороший пример монохромной цветовой схемы. (Рис. 2.57) Поза фигуры, текстура рваной одежды и волос, а также преобладающее использование синего цвета работают вместе, создавая единую эмоциональную реакцию усталости и одиночества на изображение.
Дополнительная цветовая схема использует цвета, противоположные друг другу на цветовом круге. Как упоминалось ранее, художники-импрессионисты использовали эффект дополнительных цветовых схем, чтобы усилить яркость своих цветовых палитр. Не будучи импрессионистом, в своей картине Звездная ночь Ван Гог (1853-1890, Нидерланды, жил во Франции) использует синий цвет ночного неба, чтобы зарядить оранжевый цвет своего полумесяца. (Рисунок 2.58)
Аналогичная цветовая схема использует только одну область цветового круга.Если, например, в качестве цвета привязки для схемы выбран зеленый цвет, художник будет использовать цвета, которые находятся между желтой и синей точками на колесе. Натюрморт со стаканом и устрицами Яна Давидса. де Хем (1606–1684, Нидерланды, жил в Бельгии) является хорошим примером аналогичной оранжевой / желто-зеленой схемы. (Рисунок 2.59, ) Есть много других цветовых схем, которые используются для различных приложений, но этих трех достаточно, чтобы проиллюстрировать идею.
2.4.2 Принципы проектирования
Элементы дизайна — это визуальные компоненты, которые художники используют для создания произведений искусства. Принципы дизайна — это различные способы расположения этих элементов или компонентов для получения желаемого эффекта. Есть столько же способов подойти к расстановке элементов искусства, сколько художников. Каждое произведение искусства уникально по замыслу, дизайну и исполнению. Последние достижения в изобразительном искусстве представили случайные и иррациональные подходы к созданию искусства.В этих подходах результат произведения искусства не планируется. Хотя можно сказать, что этим произведениям искусства не хватает осознанного дизайна, иногда они оказываются успешными. Часто успех иррационально или случайно созданных произведений искусства можно отнести к одному или нескольким принципам работы организации. Осведомленность о принципах дизайна в произведении искусства позволяет зрителю добавить глубины анализу этих произведений. Ниже приведены пять принципов дизайна. Список не является исчерпывающим, но с него можно начать.
2.4.2.1 Единство / разнообразие
Единство — в сходстве, а разнообразие — в различии. Дизайн, который показывает единство . — это дизайн, в котором элементы произведения или отношения между элементами подобны или идентичны. Картина Леонардо Мона Лиза (см. Рис. 2.7) считается прорывом в искусстве итальянского Возрождения, потому что мягкие края фигуры похожи по подходу к мягким тонам приглушенного фона, тем самым объединяя изображение. Рисунок . Разновидность — это дизайн, в котором элементы произведения различаются по размеру, цвету, форме или другим атрибутам.Одной из проблем, связанных с чрезмерным использованием единства в дизайне, является визуальная монотонность. Визуальное единство может происходить как на концептуальном уровне , так и на физическом уровне . Элементы, выбранные на основе темы, могут отображать концептуальное единство и в то же время отображать разнообразие форм. Художественное произведение, которому не хватает разнообразия, может быть однообразным и неинтересным. Многие артисты вносят разнообразие в свои композиции, следя за тем, чтобы не было двух одинаковых интервалов. Интервал — это пространство между элементами, фигурами или объектами в произведении искусства.
Принцип построения шкалы и пропорции — это вопрос размеров элементов как по отдельности, так и по отношению к другим элементам. Знаменитым примером тонкого использования масштаба является относительный размер фигур в картине Микеланджело Piet à. (Рис. 2.60) Скульптура представляет собой изображение Марии, держащей тело своего сына Иисуса после распятия. Если мы измерим тела Иисуса и Марии от пятки до колена, от колена до бедра и так далее, а затем сравним их, мы обнаружим, что Мария больше Иисуса.Кроме того, фигура Марии непропорциональна, то есть размеры частей ее тела не совпадают. Это необычное использование масштаба и пропорций служит инфантилизатором Иисуса, чтобы тонко подчеркнуть отношения матери и ребенка. Еще одно применение масштаба и пропорции — использование форсированной перспективы. (Рисунок 2.61) Принудительная перспектива — это расположение фигуры и фона, которое искажает масштаб объектов, заставляя маленькие объекты казаться большими или большие объекты кажутся маленькими за счет сопоставления их с противоположностями.Принудительная перспектива наиболее убедительна, когда делается фотографически.
2.4.2.3 Весы
Принцип конструкции весов заключается в визуальном «весе». Элементы дизайна, такие как линии и формы, могут привлекать наше внимание разными способами. Например, они могут быть ярко окрашены, они могут быть большими по сравнению с другими подобными формами или могут иметь необычную текстуру. Композиционный баланс достигается, когда эти конкурирующие визуальные веса примерно эквивалентны.Есть два вида композиционного баланса: симметричный и асимметричный .
Линии и формы в композиции, в которой используется принцип симметричного баланса , обычно одинаково расположены вокруг оси , или центральной линии. В «Таинство Тайной вечери » Сальвадора Дали (1904–1989, Испания) обратите внимание на баланс одинаковых форм слева и справа от центральной фигуры Иисуса. ( Таинство Тайной вечери , Сальвадор Дали: загрузить.wikimedia.org/wikipedia/en/f/f1/ Dali _-_ The_Sacrament_of_the_Last_ Supper _-_ lowres.jpg) Вертикальные и горизонтальные оси обычно зарезервированы для очень стабильных композиций, и эта стратегия часто используется в религиозном контексте, чтобы подразумевать неизменную истину.
Асимметричный баланс достигается, когда визуальные веса не соответствуют друг другу по форме, размеру или расположению; они неравномерно распределены в композиции. Ксилография « Большая волна у Канагавы » Кацусики Хокусая (1760–1849, Япония) и «Натюрморт с яблоками и горшком с первоцветами» Поля Сезанна (1839–1906, Франция) являются хорошими примерами асимметричных композиций.Большое пространство справа от Большой волны Хокусая «смещает» приближающуюся волну в левой половине композиции. (Рис. 2.62) Подобным образом большая серая стена слева в картине Сезанна «Натюрморт с яблоками » компенсирует визуально сложный цветочный горшок справа. (Рис. 2.63) В каждой работе почти треть композиции (небо и стена), так сказать, не занята; в этих областях нет предметов. Однако в двухмерном пространстве произведения мы «читаем» каждую пустую область как имеющую визуальный вес, уравновешивающий формы в остальной части композиционного пространства.
Не всегда необходимо, чтобы произведение было сбалансированным. Очевидный дисбаланс может вызвать эффект неустойчивости, дезориентации или стресса, который может стать полезной частью более широкой идеи в произведении искусства. Большие пустые пространства на картине Одда Нердрума (род. 1944, Норвегия) имеют существенный визуальный вес и подразумевают как физическую, так и психологическую изоляцию. ( Человек и заброшенный пейзаж , Odd Nerdrum: s-media-cache-ak0.pinimg.com/736x/27/ a3 / 3b / 27a33b6c5d3c9e087d20f7cb3c34296a.jpg)
2.4.2.4 Выделение / движение
Конструктивный принцип акцента или движения — это преднамеренное использование направленных сил для перемещения внимания зрителя через произведение искусства. Когда мы видим изменение цвета внутри фигуры, это подразумевает движение. И когда мы видим линию в произведении искусства, мы вынуждены следовать ей. Например, стрелки любой формы обозначают направление и широко используются в рекламе для привлечения внимания потенциальных клиентов.
Есть более тонкие способы привлечь внимание зрителя через произведение искусства. Снятие с креста Рогир ван дер Вейден (1404–1464, Бельгия) использует положение рук, ног и голов фигур, чтобы обвести символ бесконечности, который напоминает число 8, лежащее на боку. (Рис. 2.64) Это тонкое напоминание о вечной жизни Христа призвано успокоить и вселить надежду в верующих, созерцающих эту сцену смерти и скорби.
2.4.2.5 Ритм / повтор
Принцип дизайна Ритм — это повторение визуальных элементов для создания рисунка.Затем этот узор можно использовать для создания сцены для особого объекта, или узор можно прервать, чтобы привлечь внимание к изменению. В своем комментарии к культуре массового потребления Энди Уорхол, используя повторение, заставляет нас заметить небольшие различия между внешне идентичными элементами его инсталляции: 32 Campbell’s Soup Cans . (Рисунок 2.65)
Понимание формального анализа
Элементы искусства — это компоненты или части произведения искусства, которые можно выделить и определить.Это строительные блоки, используемые для создания произведения искусства.
Список ниже описывает каждый элемент искусства. Узнайте о принципах дизайна здесь.
Загрузите раздаточный материал для учащихся, содержащий список элементов искусства и их определения. (PDF, 168 КБ)
Линия
Линия — это идентифицируемый путь, созданный точкой, движущейся в пространстве. Он одномерный и может различаться по ширине, направлению и длине.Линии часто определяют края формы. Линии могут быть горизонтальными, вертикальными или диагональными, прямыми или изогнутыми, толстыми или тонкими. Они направляют ваш взгляд на композицию и могут передавать информацию через свой характер и направление. Загрузите рабочий лист, который знакомит студентов с концепцией линии. (PDF, 398 КБ) Горизонтальные линии предполагают ощущение покоя или покоя, потому что объекты, параллельные земле, находятся в состоянии покоя. В этом пейзаже горизонтальные линии также помогают создать ощущение пространства.Линии очерчивают части ландшафта, уходящие в пространство. Также они предполагают продолжение пейзажа за пределы картинной плоскости слева и справа. Вертикальные линии часто передают ощущение высоты, потому что они перпендикулярны земле и уходят вверх к небу. В этом церковном интерьере вертикальные линии предполагают духовность, поднимающуюся за пределы человеческой досягаемости к небу. Горизонтальные и вертикальные линии, используемые в комбинации , передают стабильность и солидность.Прямолинейные формы с углом наклона 90 градусов конструктивно устойчивы. Эта стабильность предполагает постоянство и надежность. Диагональные линии передают ощущение движения. Предметы в диагональном положении неустойчивы. Поскольку они не являются ни вертикальными, ни горизонтальными, они либо вот-вот упадут, либо уже находятся в движении. Углы корабля и скалы на берегу передают ощущение движения или скорости в этой штормовой гавани. Кривая линии может передавать энергию. Мягкие, пологие изгибы напоминают изгибы человеческого тела и часто имеют приятное чувственное качество и смягчают композицию. Край бассейна на этой фотографии плавно подводит взгляд к скульптурам на горизонте.
Форма и форма
Форма и форма определяют объекты в пространстве. Формы имеют два измерения — высоту и ширину — и обычно определяются линиями. Формы существуют в трех измерениях: высотой, шириной и глубиной.Загрузите рабочий лист, который знакомит учащихся с концепцией формы. (PDF, 372 КБ) Форма имеет только высоту и ширину. Форма обычно, хотя и не всегда, определяется линией, которая может обеспечить его контур. На этом изображении в композиции преобладают прямоугольники и овалы. Они описывают архитектурные детали потолочной фрески в стиле иллюзионистов. Форма имеет глубину, а также ширину и высоту. Объемная форма — основа скульптуры, мебели и декоративно-прикладного искусства.Трехмерные формы можно увидеть более чем с одной стороны, как, например, эта скульптура поднимающейся на дыбы лошади. Геометрические фигуры и формы включают математические именованные формы, такие как квадраты, прямоугольники, круги, кубы, сферы и конусы. Геометрические формы и формы часто создаются руками человека. Однако многие природные формы также имеют геометрические формы. Шкаф декорирован орнаментом в виде геометрических фигур. Органические формы и формы обычно имеют неправильную или асимметричную форму.Органические формы часто встречаются в природе, но созданные руками человека формы также могут имитировать органические формы. В этом венке использованы органические формы, имитирующие листья и ягоды.
Реальное пространство трехмерно. Пространство в произведении искусства относится к ощущению глубины или трехмерности. Это также может относиться к использованию художником области в картинной плоскости. Область вокруг основных объектов в произведении искусства называется отрицательным пространством, а пространство, занимаемое основными объектами, называется положительным пространством. Положительное и отрицательное пространство
Отношение положительного и отрицательного пространства может сильно повлиять на воздействие произведения искусства. На этом рисунке человек и его тень занимают положительное пространство, а окружающее его белое пространство — отрицательное. Непропорционально большое количество негативного пространства подчеркивает уязвимость и замкнутость фигуры. Трехмерное пространство
Идеальная иллюзия трехмерного пространства в двухмерном произведении искусства — это то, над чем стремились многие художники, такие как Питер Саенредам.Иллюзия пространства достигается за счет приемов перспективного рисования и штриховки.
Свет отражается от объектов. Цвет имеет три основные характеристики: оттенок , (красный, зеленый, синий и т. Д.), Значение , значение (насколько он светлый или темный) и интенсивность, (насколько он яркий или тусклый). Цвета можно охарактеризовать как теплые (красный, желтый) или холодные (синий, серый), в зависимости от того, к какому концу цветового спектра они попадают. Значение описывает яркость цвета.Художники используют значение цвета для создания разных настроений. Темные цвета в композиции предполагают недостаток света, как в ночной сцене или в интерьере. Темные цвета часто могут передавать ощущение тайны или дурного предчувствия.
Светлые цвета часто описывают источник света или свет, отраженный в композиции. На этой картине темные цвета напоминают ночную сцену или интерьер. Художник использовал светлые цвета, чтобы описать свет, создаваемый пламенем свечи.
Интенсивность описывает чистоту или интенсивность цвета.Яркие цвета неразбавлены и часто ассоциируются с положительной энергией и повышенными эмоциями. Тусклые цвета разбавлены за счет смешения с другими цветами и создают уравновешенное или серьезное настроение. В этом образе художник запечатлел серьезность и радость сцены с тускло-серым каменным интерьером и ярко-красной драпировкой.Качество поверхности объекта, который мы ощущаем при прикосновении. Все объекты имеют физическую текстуру. Художники также могут визуально передавать текстуру в двух измерениях.
В двухмерном произведении искусства текстура дает визуальное представление о том, как изображаемый объект будет ощущаться в реальной жизни при прикосновении: твердый, мягкий, грубый, гладкий, волосатый, кожистый, острый и т. Д. художники используют настоящую текстуру, чтобы придать своей работе тактильное качество.
Текстура, изображенная в двух измеренияхХудожники используют цвет, линии и тени для создания текстур. На этой картине мужской халат раскрашен имитацией шелка. Умение убедительно изобразить ткани разных типов было одной из отличительных черт великого живописца 17 века. Фактура поверхности
Поверхность этого письменного стола металлическая и твердая. Твердая поверхность пригодна для объекта, который можно было бы использовать для письма. Гладкая поверхность письменного стола отражает свет, добавляя блеска этому предмету мебели.
Композиция в искусстве — определение, примеры и 10 композиционных элементов
Вы, наверное, знаете слово «композиция» из музыки.Композитор — это тот, кто соединяет отдельные части в одно произведение. Он складывает их в определенном порядке и гармонии. То же самое и с композицией в изобразительном искусстве.
В изобразительном искусстве композиция — это структура скульптуры, расположение стен здания или визуальный план картины. Термин «componere» происходит от латинского языка и может переводиться как «складывать» и «позиционировать». Если вспомогательные линии обозначают композицию реалистичной картины, часто легче понять содержание работы, а также замысел и акцент художника.
Художник определяет расположение отдельных элементов изображения и их соотношение друг с другом. Первоначальные соображения являются основополагающими для результата.
Определение композиции в искусстве
В изобразительном искусстве композиция описывает расположение визуальных элементов в живописном пространстве.
Эту композицию можно изучить, используя несколько принципов, которые мы собираемся обсудить в этом посте.
Как анализировать композицию произведения искусства
Не существует единого способа сделать заявление относительно композиции произведения искусства.Однако вы можете использовать другие качества или элементы для его описания.
Элементы композиции в искусстве используются для упорядочивания или организации визуальных компонентов таким образом, чтобы это нравилось художнику и, можно надеяться, зрителю.
Структура
Существенной задачей композиции является структурирование визуальных элементов на картинной плоскости. Структура может быть упорядоченной или неупорядоченной.
Геометрические формы и плоскостность
Такие формы, как квадрат, прямоугольник, треугольник, пирамида и круг, входят в число основных композиционных форм.
А также их расширения в пространстве: куб, конус, сфера.
Симметрия и асимметрия
Пример сильной симметрии: Леонардо да Винчи, Тайная вечеря, с 1495 по 1498 годВизуальные элементы, расположенные напротив друг друга по оси симметрии, имеют сбалансированный эффект. Он может быть горизонтальным, вертикальным или диагональным. Симметрия делает ваш рисунок гармоничным.
Ваша работа станет интереснее, если вы выберете асимметричную композицию и используете диагонали. Из-за неправильного расположения картина более яркая и менее предсказуемая.
Контрасты как фундаментальный элемент композиции в искусстве
Если вы хотите создать напряжение в своей картине, контрасты — один из наиболее эффективных принципов упорядочивания композиции. За счет контрастных форм, условий освещения и цветовых различий вы добавляете композиции в искусстве больше выразительности.
Свет — Тьма — Контрасты
Светотень, как никто другой: Караваджо, Зов святого Матфея, 1599–1600Светлые и теневые области являются важными композиционными элементами.Если добавлен цвет, вы можете использовать их, чтобы повлиять на атмосферу вашего изображения.
Цветовые контрасты
Смелые цветовые контрасты: Винсент Ван Гог, Оливковая роща (Оранжевое небо), 1889Выбирайте цвета, которые гармонируют вместе или контрастируют друг с другом. Самые сильные цветовые контрасты создаются дополнительными цветами. Например: желтый и синий, зеленый и красный, синий и оранжевый.
Динамика и статика
Асимметричные и контрастные формы и линии могут создать ощущение движения.Если вы рисуете изогнутые линии или чередуете большие и меньшие части изображения, ваше изображение становится более динамичным.
С помощью четких визуальных элементов вы можете создать неподвижность и сделать свою работу более статичной: например, четкие горизонтальные и вертикальные линии увеличивают вес и выглядят менее динамично.
Поиск идеального баланса и неподвижности с линиями и цветовыми полями: Пит Мондриан, Композиция в красном, синем и желтом, 1930Агломерация и рассеяние
Объединяя похожие элементы, вы также можете создать динамику или спокойствие.Поместите фигуры очень близко друг к другу или перекрывайте их, создавая большую концентрацию на одной части картины и добавляя неподвижности. Не менее эффективным, чем объединение, является целевое рассредоточение различных визуальных элементов, чтобы сделать его более динамичным.
Фокус
Выберите центр внимания, чтобы привлечь внимание зрителя к отдельным элементам изображения. Для этого уплотните элементы изображения или выделите части изображения цветом.
Децентрализованный центр внимания на краю изображения создает гравитационное притяжение и кажется более неуравновешенным, но часто более интересным.
Создание повествования в живописи: закрытые и открытые композиции
Композиция, в которой изображен мотив картины целиком, считается закрытой. Содержание можно читать слева направо в повествовательной манере.
См. ТакжеЕсли вы открываете только часть изображения, выходящую за пределы кадра, мы имеем в виду открытую композицию. Для интерпретации эта версия намного увлекательнее.
Последовательность и ритм
Последовательность — это повторение связанных элементов изображения на постоянном расстоянии.
Здесь вы можете следовать ритму, как в музыке: например, две горизонтальные, три вертикальные и снова две горизонтальные линии. Это могут быть настоящие или воображаемые линии.
Перспектива
Жак-Луи Давид, Вмешательство сабинянок, 1799Логическое расположение — один из важнейших композиционных элементов в изобразительном искусстве. Точки схода и соблюдение принципов перспективы (таких как атмосферная перспектива на картине Дэвида выше) необходимы для создания ощущения глубины.
Эта визуальная логика лежит в основе композиции в искусстве, особенно в реалистическом рисунке и живописи.
Формат
Поскольку формат вашей живописной поверхности оказывает значительное влияние на то, как произведение воспринимается зрителем, он также имеет решающее влияние на композицию произведения.
Портретные и альбомные форматы
Ян ван Эйк, Мужской портрет, 1433Вертикальный формат особенно подходит для портретов и деталей изображений.
Горизонтальный формат идеально подходит для закрытой композиции, которая следует за повествованием: например, пейзаж или историческая картина.
Квадратные и удлиненные форматы
Квадратные форматы особенно популярны для абстрактных представлений.
Длинные аранжировки в соотношении 2: 4 или даже более экстремальные, встречаются реже и поэтому очень интересны.
8 шагов для написания хорошей композиции (часть 1) — [Multimedia-English blog]
У вас проблемы с навыками письма? Прочтите это, и вы найдете хорошие и простые советы, которые помогут упростить задачу и улучшить ваши композиции.Даже впечатляет. Просто выполните 8 шагов, которые мы вам покажем. Или прочитайте эти обзоры услуг по написанию эссе и узнайте, кто может написать ваше эссе за вас.
Большинство людей почему-то теряются, когда им нужно написать сочинение или сочинение. Они задумываются на мгновение, а затем начинают писать, писать и писать, пока не считают, что пора закончить, и заканчивают. Это, наверное, худший подход к написанию композиции. Вы должны быть талантливы и очень опытны, если хотите таким образом писать хорошие композиции.
Первое, что нужно учесть, это то, что композиция — это не просто письменное произведение. Он должен быть составлен, иметь структуру и сплоченную организацию. Сравните эти два примера:
A- Мой брат высокий и красивый, с голубыми глазами и, да, ну, может быть, немного толстоват, но не сильно, как у вашего двоюродного брата, но, может быть, не настолько. И он очень забавный, ха-ха, я расскажу вам о том, что он сделал вчера, но не сейчас. И шатенка.Почти темно. Ну не темно, но … ну да, темно. О, я сказал смешно, но что ж, когда у него плохой день, уф, он меня иногда пугает …
B- Мой брат высокий, красивый, с голубыми глазами. Он немного толстоват, но ненамного. Его волосы темно-каштановые. Он мне нравится, потому что он очень забавный и всегда заставляет меня смеяться. Тем не менее, иногда он может быть довольно серьезным.
Как вы легко понимаете, A — хороший пример устного английского, но он совершенно неприемлем для сочинения.С другой стороны, B — это правильное слово, когда пишете с простыми, организованными идеями. Но B сочли бы слишком педантичным и даже неприемлемым при разговоре в обычном разговоре.
Использование правильного языка — часть этого, но этого недостаточно. И A, и B являются правильными языками, но разговорный и письменный язык различны, они в некоторой степени используют разную лексику, разную грамматику и, особенно, другой способ выражения вещей!
Итак, если коррекция — это не единственное, что нам нужно для композиции, что же нам еще нужно? Организация.Нам нужно составить наш текст как красивое музыкальное произведение, плавное. Нам нужно организовать наши идеи в абзацы и убедиться, что каждый абзац, а также вся композиция, являются связными. Наши мысли должны разворачиваться красиво, ясно и просто по некой прямой линии, которая будет вести нас от одной идеи к другой и в итоге привести к заключению. И это не то, что вы обычно можете получить, просто сидя и писая. Сначала вам нужно составить план.
Многие думают, что планирование — это пустая трата времени, особенно если вы сидите на экзамене и время ограничено.Но правда в том, что планирование вашей композиции не только облегчит задачу и сделает ее намного лучше; это также сделает все быстрее. По крайней мере, однажды вы немного потренировались.
Во-первых, вы должны знать, о какой теме вы собираетесь писать. В большинстве ситуаций вы уже знаете это, когда садитесь писать. А затем вы должны начать делать набросок:
ОПИСАНИЕ
1– вступительное предложение = тема + подход
2– идеи , связанные с начальным предложением
3– подробности об этих идеях
4– заключительное предложение
Когда вы довольны схемой, приходит время писать, и здесь вы должны выполнить следующие 4 шага:
5- напишите заголовок
6- распределите идеи по параграфам
7- напишите композицию
8- исправьте композицию
В этой статье мы хорошо поможем вам составить хорошую схему, которая является основой этого метода.Мы завершим 8 шагов во второй статье (см. Часть 2, которая будет опубликована в ближайшее время). Итак, приступим.
1- тема + подход = вступительное предложение (O.S.)
Вступительное предложение будет первым предложением в вашем сочинении. Это очень важно, потому что все, что вы скажете в своем сочинении, должно быть связано с идеей, выраженной в этом предложении, и ничто не может изменить ее, опровергнуть или сказать что-то, чего нет в этом вступительном предложении.
Думайте о вводном предложении как о маленьком флаконе духов: тема — это материал (стекло), подход — форма стакана, а вся композиция — это духи внутри флакона. Если какой-то парфюм выпадет из флакона, он испарится (и испортит ваш состав).
Придумайте слово или несколько слов, которые будут определять тему. Придумайте слово или несколько слов, которые будут определять подход. Тема — это то, о чем ваша композиция. Ваш подход обычно заключается в том, что вы думаете о теме, или просто о том, как вы ее видите, или о том, что вы хотите сказать по этой теме.Когда у вас есть тема и подход, напишите вступительное предложение с обеими идеями.
Пример:
Тема — Жизнь в деревне
Подход — лучше, чем в городах
Вступительное предложение — В настоящее время большинство людей предпочитают жить в городах, но я предпочитаю жить в деревне, потому что там много жизни лучше и здоровее.
Другой пример O.S.- Жизнь в деревне сильно отличается от жизни в городе. (тема: жизнь в деревне / подход: отличается от города)
2- идеи (точки), связанные с вводным предложением
Подумайте о нескольких идеях, вытекающих из начального предложения или связанных с ним (как тема, так и подход). Помните, что эти идеи должны объяснять, расширять, поддерживать или доказывать начальное предложение, и ни одна из этих идей не может изменять или противоречить ему. Все эти идеи должны выражать то, что вы сказали в первом предложении, поэтому не говорите о вещах, которые напрямую с этим не связаны.Например, не говорите о точке (идее), которая связана с другой точкой в композиции, но не связана напрямую с вводным предложением (дисгрессия).
Пример хороших баллов:
- без загрязнения
- человек знают друг друга
- приветливые люди
- контакт с природой
- жизнь дешевле
Пример плохих баллов:
- Я живу в Риме (не имеет отношения к О.С.)
- Деревни на юге Испании больше, чем на севере (неверно, мы должны сравнивать жизнь в деревне с жизнью в городе, а не сравнивать разные деревни)
- В прошлом году я был в очень красивой деревне (не имеет отношения к ОС)
- Ночная жизнь скучна (противоречит ОС, если вы не компенсируете это «но…»)
- Люди сплетничают, любопытны и портят вашу жизнь (изменяет или противоречит идее в О.С.)
- В 14 -м веке было создано много деревень (кого это волнует? Мы не говорим об истории)
- Мой друг Том живет в деревне (не имеет значения, если вы не используете мнение Тома в поддержку своего)
- Мой друг Том из деревни, очень дружелюбный (отступление: эта идея напрямую не связана с ОС. Она напрямую связана с точкой «дружелюбные люди» и только косвенно связана с ОС, так что это бесполезно )
3- подробности о точках
Каждый пункт — это зерно будущего абзаца (или раздела или главы, если это длинный текст).По каждому пункту придумывайте несколько деталей, чтобы объяснить эту идею.
Пример: — дружелюбных людей
- человек помогут вам
- человек разговаривают с вами на улицах
- человек приглашают вас выпить в барах
4- заключительное предложение
Заключительное предложение также очень важно, потому что оно должно оставлять вашу композицию закрытой, законченной, чтобы вы не могли ничего сказать после нее. Если вступительное предложение — флакон духов, а идеи (и детали) — духи, то заключительное предложение — это колпачок: если колпачка нет, духи испарятся и потратятся впустую.Открытая композиция — это незавершенная работа, а не завершенная. Есть много способов закрыть композицию, но самые распространенные из них:
1- повторение первого предложения (вы говорите та же идея, но используете другие слова) Пример: Нет никаких сомнений: жизнь в деревне намного лучше, чем жизнь в городе .
2- Резюме по пунктам (идеям) . Пример: С более дешевой жизнью, близким контактом с природой, здоровой окружающей средой и в окружении хороших людей деревни являются идеальным местом для жизни .
3- взгляд в будущее . Пример: Я действительно думаю, что мне нужно уехать из города и как можно скорее поискать хороший дом в деревне .
4- родственная мысль, вырастающая из тела (обычно вывод по пунктам). Пример: Вот почему наши городские общества более эффективны, а их люди менее человечны .
5- смешанный тип (сочетание нескольких типов выводов) Пример: Поэтому планирую переехать в деревню, потому что там жизнь намного лучше, чем в городах (тип 3 + тип 1, даже все предложение может быть примером типа 4)
Итак, если вы последуете этому совету, вы обнаружите, что писать становится легче, а результаты намного лучше, чем когда вы просто сидите и пишете.
